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Realizar, producir y publicar discos es casi lo único que hace Vicentico en la vida. Lo que corresponde a esa pequeña porción que lo obliga a incluir el ‘casi’ tiene que ver con su privacidad y con otros aspectos que él hace entender como añadidura. Su tiempo lo dedica a pensar en música y cuando se decide por el descanso, le gusta estar a la expectativa del trabajo de sus colegas. Por eso inventa proyectos, accede a colaboraciones y no pierde oportunidad de reunir a sus cómplices de la banda Los Fabulosos Cadillacs para hacer giras y toques recordando los casi veinte años que estuvo al frente de la banda que se encargó de popularizar el ska en América Latina.

Durante el más reciente reencuentro con sus compañeros de grupo, Vicentico compuso algunas canciones íntimas y despojadas que, de la mano del productor Cachorro López, decidió reunir en un trabajo discográfico llamado “Sólo un momento”, con el que abre un ciclo de búsquedas de nuevos

sonidos y otras intenciones musicales.

“Es extraño hacer un disco tan personal dentro de una banda tan grande como los Cadillacs. El único objetivo que me puse aquí fue que se tratara de una producción que no necesitara de mucha gente. Yo quería realizar la interpretación de varios instrumentos y pensaba también en la posibilidad de girar con muy pocos músicos”, comenta Vicentico, cuyo verdadero nombre es Gabriel Julio Fernández Capello.

Esta producción discográfica ha sido presentada en vivo en algunos lugares exclusivos de Buenos Aires. Solo 100 ó 200 personas por sesión han tenido la oportunidad de escuchar las nuevas canciones, en las que el argentino recurre también al formato acústico para enriquecer su estilo sonoro. “Me siento cómodo en todos los formatos que he usado, porque el sentirse bien no tiene que ver con el estilo, sino con la canción misma. En ese instante toca tener en cuenta para quién fue compuesta, por quién y demás aspectos que le atañen al tema”, asegura este personaje, que escogió una carátula que muestra a un hombre con un lobo en sus brazos. Un ser que salva a otro ser es lo que simboliza esta imagen, pensada tiempo atrás por alguien que casi a lo único que se dedica es a hacer discos.

Por: Juan Carlos Piedrahíta B.

Una tormenta de ruido, imágenes borrosas y vidas desenfocadas, triángulos nocivos y amores olvidados, punk regenerado, anti nueva ola, afterpunk deshumanizado, Suicide versionando “April Skies”, sangre, sudor y suciedad, Ballard editando "La Exhibición de Atrocidades" (1970) en formato disco-l ibro… Esto no es más que una escritura automáticamente generada mientras Franc3s suenan en el reproductor, pero creo que sirve perfectamente para hacernos una idea de lo que se traen entre manos este trío que se mueve entre dos tierras: Carballo y Vilalba.

Franc3s son Alberto -guitarra, voz, “maquinitas de marcianitos” y gong-, María -batería, metales, xilófono, aerosol y voz- y Patuki -theremin, teclados, sintetizador, oboe, casiotone y vocoder-, un grupo con un futuro más que prometedor que pone de manifiesto que en Galicia el noise cada vez tiene más adeptos y que Triángulo de Amor Bizarro no están solos.

Su gusto por la actriz Frances Farmer, la cantante Frances McKee -The Vaselines- y la artista circense Frances O’Connor, les ayuda a decantarse por Franc3s como nombre del grupo.

Por Fernando Fernández Rego

Del terremoto/tsunami que azotó a Chile el pasado 27 de febrero es de donde Los Tres recogen la palabra “Coliumo”. Precisamente de esa bahía de la VIII región, la cual terminó como una de las más afectadas de Chile, es de donde la banda utiliza el nombre para bautizar este trabajo musical, su séptimo disco de estudio y uno de los más esperados de la agrupación.

Coliumo posee una amplia gama de colores y tonalidades musicales que nos recuerdan los inicios de la banda . Quizás el colorido rítmico se deba exclusivamente al proceso de grabación de este disco el que fue realizado íntegramente de manera análoga.

El bajo de Titae, la guitarra de Ángel, el power de la batería y la lucida poesía de Álvaro Henríquez nos regalan una exquisita mezcla llena de texturas y sensaciones, destacándose las capacidades de la banda y la calidad de la composición musical que han venido forjando históricamente basada en el Rockanroll, el rockabilly, las guitarras sucias, el jazz guachaca, los valses distorsionados, las líricas influenciadas por la poesía francesa y las cuecas sincopadas.

El viaje se inicia con El Hocicón, en esta canción nos encontramos de frentón con una declaración de principios de Henríquez dedicada a Piraña. Se escucha: “…hoy caminaré sobre las aguas de un estero/ Compraré tu dicha a cambio de lo que yo quiero / y sin hablar se robó hasta el pan de su novia/ y se fue / el hocicón/ataca otra vez/ el hocicón/ ataca otra vez…”

El sonido seco y punzante de Rosas al Altar es la imagen pura y rabiosa del Rockanroll que antes habíamos mencionado. El efecto en la voz, el solo sucio de la guitarra, sumado a la inquieta base rítmica convierten a este tema en uno de los mejores del disco.

En Odio amarte así encontramos una clásica balada rock de los 70s sazonada con una atmosfera que nos recuerda “Olor a gas”. “Odio amarte..” posee una sentida lírica poética que nos espanta. Escuchamos: “…tu amor me dejo en coma/ y no quiero despertar jamás/ porque odio amarte así / pero es la vida al fin / odio amarte así…”.

En Shusha llegamos a la canción más pop del álbum, con una estructura melódica directa y de notorio arrepentimiento, ¿que podemos decir? El nombre de la canción lo dice todo.

Hoy me hice la Mañana es un sombrío tema con una base musical que nos recuerda al mejor sonido de Los Tres. Este también es otro de los puntos altos de Coliumo. “…ayer ya estaba tan oscuro / que tuve que correr / ladraron los perros / Alguien andaba ahí / era mi sombra /que siempre se acuerda de mi / Este dolor lo voy a disfrutar…”.

Esto y mas es Coliumo, un disco interesantísimo y bastante superior al anterior “Hágalo usted mismo”. Hoy más que nunca Los Tr3s se han vuelto perpetuos con su sonido gracias a este disco lleno de aroma a humedad, a mañana triste, a tarde negra y noche rabiosa.

Próximamente

Considerada como una de las bandas emblemáticas del reggae en Latinoamérica y que festeja sus primeros 25 años de carrera, Los Pericos ahora busca expandir su música en el continente asiático. En conferencia de prensa, la agrupación dio a conocer los pormenores de los festejos, que comenzarán con el lanzamiento del álbum Pericos & Friends.

"Este es el resultado de casi dos años de trabajo donde nos dimos el lujo de encontrar algunas de nuestras más queridas canciones para reversionarlas. Nos dimos el lujo de invitar a nuestros referentes del reggae y a grandes amigos para participar en ellas, quienes las llenaron con su magia. Pericos & Friends es un disco donde participan más de 50 músicos con temas en diferentes idiomas y grabado en 9 países, estamos cumpliendo 25 años de carrera y este disco es la mejor manera de empezar a festejarlo", comentó el grupo.

Los Pericos festejan sus 25 años y ofrecen la mejor de las fiestas, una fiesta reggae con los mas celebres invitados, en una lista que solo ellos pueden convocar: All Campbell (líder de Ub40), Gregory Isaacs, The Wailers, Toots Hibbert, Mykal Rose, The Skatalites, Pato Banton, Herbert Vianna (vocalista de Os Paralamas Do Sucesso), Cidade Negra, Guillermo Boneto, No Te Va Gustar, y Gondwana, entre otros.

Añadieron que quienes participan con ellos en este proyecto son grandes músicos y amigos, como Tito Fuentes de Molotov, obteniendo un agasajo al hacer Sin Cadenas junto a Gondwana y No Te Va Gustar.

Juanchi Baleiron, vocalista de la banda argentina, comentó que nunca esperaron llegar a 25 años de carrera, “cuando iniciamos en la música al igual que muchas bandas sólo deseábamos divertirnos y pasarla bien con el reggae”.

Sin embargo, el vocalista también expresó su entusiasmo por el rumbo que ha tomado la carrera de la banda, que ha servido como un lazo generacional, pues en la más reciente presentación en México ofrecida en el Snickers Urbania, se dieron cuenta que había muchos jóvenes. “Eso te demuestra que se están haciendo las cosas por buen camino y que Los Pericos aún tiene mucho que brindar a su público”.

Pericos & Friends es un álbum pleno de vitalidad, magia y pasión, la base de una trayectoria que no solo instauró el reggae en Latinoamérica y que en este disco suena mejor que nunca. Como en los mejores festejos, todo es júbilo en este material, que es para disfrutar de principio a fin y sus canciones (clásicas, propias y ajenas) brillan de manera especial.

En todo el rock argentino no hay antecedentes de un álbum en donde un grupo llegue a reunir a todos sus más grandes referentes en un solo disco. Por ello, hay que esperar al 27 de octubre, día en que ya estará disponible de manera física éste disco. Rocksonico ya tuvo la oportunidad de escucharlo, y promete bastante.

Con la idea de hacer las cosas por placer, el grupo de rock El Gran Silencio lanzo el pasado 26 de noviembre su quinto álbum de estudio “Revolusound vs systema” y con el cual regresa a la escena musical independiente.El disco fue presentado en vivo ese día en un bar de la ciudad de Monterrey, Nuevo León, y se regalaron mil copias; posteriormente se editaran más, para llegar a otros puntos de la República Mexicana.“Eso aún no lo vemos, por el momento se van a regalar mil CDs para la presentación, aquí en Monterrey y sólo se venderá en conciertos, no creo que vaya a estar en tiendas, no por el momento”, subrayó Cano Hernández, vocalista de la agrupación.

El intérprete destacó que el nombre del material discográfico sugiere una revolución musical en contra de lo establecido, de lo que se cree que debe de ser un disco con sus promociones y como la forma para grabarse, quiere decir que tocan lo que les gusta, sin pensar en si va a vender, a gustar o no.

“Hemos invertido económicamente, lo demás es nuestro trabajo: componer, grabar discos, tocar en vivo; para nosotros un disco es un disco, no importa si es con compañía o no, eso es lo que queremos que la gente entienda con este álbum, que lo escuche sin preguntarse si es independiente o no”, indicó Hernández.“El grupo está en constante cambio porque habla también de la manera en que antes funcionaba la Música, con base en revoluciones, es un constante girar, partir de un lado para ir a otro, avanzar, y es lo que me gusta del título de este disco”, agregó.

Revolusound vs systema es además un homenaje a aquellas personas que se han atrevido a hacer algo diferente, no sólo a cantantes que han sido influencia para el grupo, sino también para revolucionarios, actores y cómicos.Además de que en este álbum dedican algunos temas a artistas como Judith Reyes, Palito Ortega, Atahualpa Yupanqui, Víctor Jara y Violeta Parra.

“No sólo han sido influencias musicales, sino en su ideología, por ejemplo de Jara rescato el no quedarse callado, el decir lo que pensamos por medio de nuestra música”, señaló Hernández.Por otra parte, el grupo que en 1998 firmo un contrato con una disquera, pero desde hace cinco, que se venció tal, se ha dedicado a hacer sus propios trabajos.“Dejamos de estar en una disquera hace cinco años, se cumplió un contrato y ya, hoy en día pensamos que una disquera ya no es necesario, ya no nos interesa”, aseveró el vocalista.Revolution sound es el primer corte de Revolusound vs systema, cuyo videoclip ya se puede ver en Youtube.Las canciones que integran esta placa son: Revolución contra sistema, Las rolas, Puras mentiras, Disparos, Siempre resistiendo, Revolucionar, entre otras.

hello seahorse!

Si te pasó como a mí, que en el 2006 no podías dejar de decir: fujiya miyagi fujiya miyagi fujiya miyagi fujiya miyagi… ahora en el 2011 no vas a poder dejar de yoyo, yoyo y es que estos ingleses (si, ingleses) recien editan su mas reciente disco titulado Ventriloquizzing.

Es que acaba de salir (mentira en realidad recién sale el 9 de septiembre) el tercer disco de Fujiya & Miyagi: Lightbulbs.

El primero, “Electro Karaoke in the Negative Style” en 2003 quizás no te llamo mucho la atención, “Transparent Things” en 2006 te hizo mover la patita especialmente con “Ankle Injuries”en el 2008 la pegaron en grande con "Lightbulbs" y con este Ventriloquizzing vas a moverla con “Yoyo” entre otras, porque la verdad es un disco que no tiene desperdicio.

Así es la vida con Fujiya & Miyagi, que con este curioso nombre a uno inmediatamente le viene a la cabeza (además de la imagen de Pat Morita en Karate Kid) la idea de un dúo japonés, pero no, llegan desde Brighton y aunque fueron dos sus miembros originales ahora se estrenan como cuarteto tras la incorporación del baterista Lee Adams.

En fin, súper recomendables muestras de krautrock, de electrónica minimalista, sin estridencias. Porque no toda la música hecha con maquinas está pensada para que no pares de bailar y te subas por las paredes, ésta la concibo más como

ese fondo musical que te va hipnotizando con sus espirales basados en la repetición, y el que mas hipnotiza en este caso es, como les dije antes, “Yoyo”. Ellos mismos definen perfectamente este tema así: “un viaje lleno de de imágenes fragmentadas, anécdotas desde lo sublime a lo ridículo, historias borrosas que sientes que no deberías tener en la cabeza”.

Si… eh… bueno, si ellos lo dicen, esta bien, yo lo que les puedo decir, mi humilde opinión, es que hoy en día estos tipitos son el paradigma actual del krautrock y la música electrónica.

¿Es ‘The Age of ADZ’ la obra maestra definitiva de Sufjan Stevens o una estafa de dimensiones biblícas? Ni una cosa ni otra, aunque a ratos parezca que se acerque peligrosamente a lo segundo. El disco está basado en los dibujos y escritos de Royal Robertson, un tipo que se llamaba a sí mismo “profeta” y que se desquició después de que su mujer le dejara por otro.

Sufjan, que ha cantado a ovnis, zombies y superheroínas sexys, no anda muy alejado del mundo alucinado de Royal Robertson; ambos usan una imaginería de ser ie B para t ratar temas trascendentales. Sufjan ha cimentado el disco sobre una estructura electrónica de l iberadamente demodé, con reminiscencias a películas antiguas de ciencia-ficción, aunque no faltan vientos, flautas, guitarras ni coros de boy-scouts angélicos (no busquen banjos, por eso). Con esta base, crea un álbum sobre el deseo, la ausencia (del amigo, del amante), el abandono, el despecho y el anhelo del castigo divino purificador.

No queda claro hasta qué punto Sufjan se pone en la piel del personaje o se limita a usarlo para poder exponer sus propios demonios personales, pero el resultado es un disco desbordante, excesivo e irregular, algo plúmbeo por momentos, pero alucinado y alucinante en otros.

in ic ia les , que se p re tenden antipáticas e insolentes. Cuesta atraparlas, sí. Cuesta que te atrapen, también. Pero lo acaban haciendo. Lo que en ‘Illinois’ era inmediatez technicolor, aquí es perseverancia virada en tonos sombríos, pese a que el inicio con la acústica, breve y delicada ‘Futile Devices’ puede despistar. Los arreglos imposibles o el tratamiento que imprime a las voces, muchas veces distorsionadas, a veces ahogan las canciones y pueden echar para atrás (como en ‘Too Much’, que se acaba volviendo irritante), pero la mayoría emergen victoriosas del tratamiento, como es el caso de ‘The Age of ADZ’, que explota gracias al choque entre trompetas, coros apocalípticos y acordes de film de marcianos.

Quizás el tramo medio se resienta un poco y pase algo desapercibido, aunque ‘Now That I’m Older’ tiene un inicio sobrecogedor o el estribillo de ‘Get Real Get Right’ se acaba enganchando al cerebro. Pero es en los últimos temas cuando el disco alcanza dimensiones titánicas: ‘Vesuvius’ es lo más próximo a la intimidad de ‘Seven Swans‘, a pesar de que se acabe desatando en furia milenarista y ‘I Want To Be Well’ acaba con un Sufjan cantando rabioso: “I’m not fucking around!”. Finalmente, la estrella de la función es el tema de 25 minutos que cierra el disco, ‘Impossible Soul’, aunque tiene trampa; más bien se trata de cinco canc iones encadenadas por interludios instrumentales. Como si fuera una opereta espacial, nuestro protagonista interpela a su amante y a él mismo, una deidad bajada del cielo le conforta, nuestro héroe vuelve “autotuneado” para que, acto seguido, los coros de boy-scouts estelares tomen el control en lo que es el momento cumbre de la obra, un instante de optimismo iluminado tras tanta angustia psico-espacial. Ahí la cosa ha cogido tanta carrerilla que ya dan igual los arreglos de teclado barato; sólo te apetece levantar las manos y celebrar la salvación de tu alma a manos de Super Sufjan. Una vez redimidos, se despide con otro suspiro bello y acústico, tal cómo ha empezado. Paz de nuevo.

Si los madrileños Havalina ya me tenian gratamente impresionado con su anterior disco (“Imperfección”), trabajo donde las guitarras crudas eran la nota predominante tras su más power popero “Junio”, con este “Las hojas secas”, los de Manuel Cabezalí parecen haber encontrado el equilibrio idóneo entre la densidad sonora y las oníricas melodías vocales que ya presidían su anterior disco.

Con un abanico de influencias que en este disco más que nunca se bifurcan claramente en dos tendencias, la que apunta a los riffs graves y graníticos a la stoner y que recuerdan a grupos que a servidor gustan bastante (mucho) como Soundgarden o Fu Manchu, y la melancolía y delicadeza sónica de bandas como The Cure o Jesus and Mary Chain.

Y todo ello bajo la batidora del trío Havalina, de la cual resultan rotundas canciones de riffs mastodónticos (“Desierto”, “Mamut”), hipnóticas y desangeladas canciones de tóxica pasión (“Objetos personales”, “Las hojas secas”, “Mordiente”), declaraciones de aviesas intenciones con

desértica guitarra protagonista (“Ley de la gravedad”), e incursiones en inviernos nucleares sonicolíricos (“La pared”, “Punto de reconciliación”).

Más relajado y diverso que su anterior trabajo –que parecía difícil de superar, ciertamente- pero confirmación y nueva muestra de talento de uno de los mejores grupos de guitarreo español.

La pareja se mueve así la mayor parte del tiempo en ese delicado equilibrio entre lo clásico y lo moderno, cayendo la mayor parte del tiempo hacia lo primero por exigencias del guión. Así pues, Daft Punk logran lo que parecía imposible: contentar a todo el que se acerque a ver ‘Tron Legacy’, sea o no fan del dueto francés. Y es que crítica y público han aplaudido por igual el sensacional encaje de esta banda sonora dentro de la cinta, a pesar de que muchos de ellos no habrán escuchado ninguno de los tres discos editados por los parisinos.

Lo que más cabría destacar es la soltura con la que Daft Punk demuestran desenvolverse en un terreno que hasta ahora les había sido ajeno, adaptándose perfectamente a las premisas y particularidades de las bandas sonoras. De hecho hasta cumple con el requisito básico de tener un tema central memorable y que quedará firmemente asociado a la película en el futuro como es ‘Overture’ , así que pocos elogios más puedo expresar en este sentido.

Pero claro, todo lo que son virtudes cuando está la película de por medio, se pueden convertir en lastres cuando decimos de escuchar el disco por separado. Pero vamos, como le ocurre a la inmensa mayoría de bandas sonoras. Los amantes del género quedarán más que satisfechos en ese sentido, aunque sus veintidós cortes se puede hacer un poco largos si pretendemos escucharlos todos con la misma atención. Una vez más, como le ocurre a la inmensa mayoría de bandas sonoras.

El que se acerque a este trabajo esperando encontrar un disco más de Daft Punk se va a llevar un buen chasco. No es eso lo que encontraremos en ‘Tron Legacy’, pero sí una banda sonora muy de libro, con toda su épica y su pompa, aderezada de vez en cuando con latigazos de electrónica de primer nivel, sólo al alcance de unos grandes maestros. Me hubiera gustado algo más de margen para la creatividad de los músicos, como el que sin duda demostraron recientemente Trent Reznor y Atticus Ross en The Social Network, pero el que quiera más himnos para la pista de baile tendrá que esperar hasta el cuarto disco de nuestros estimados gabachos, que lo habrá. Y si más adelante hay también otras bandas sonoras a cargo de esta pareja, todos saldremos ganando, cinéfilos y melómanos.

Cuando se publicó hace unas semanas la banda sonora de Tron Legacy, no dudé en manifestar una moderada decepción ante lo que Daft Punk (aparentemente) se habían visto obligados a presentar debido a las exigencias de clasicismo de la Disney. No es que sonara mal la cosa, sino que en ella se percibía muy poco de la personalidad musical de los franceses. No obstante, preferí esperar hasta haber visto la película para realizar esta crítica, pues lógicamente es la única forma de valorar como es debido una obra así.

E hice bien en esperar, porque sin duda alguna el apartado sonoro es de lo que más brilla en la película Joseph Kosinski. Eso y los trajes de los protagonistas. No voy a entrar a analizar la cinta en profundidad porque esto no es Blogdecine, pero no puedo resistirme a decir que ésta me gustó sin más. La secuela cumple aproximadamente con lo que esperaba de ella, entreteniendo a pesar de ciertas faltas de ritmo especialmente en su segunda mitad que se hacen un poco tediosas (más o menos como le ocurría a la primera).

Pero volviendo a Daft Punk, que es lo que aquí nos atañe, finalmente toca rendirse ante la evidencia de un trabajo que cumple a la perfección su cometido. Desde la secuencia introductoria hasta los créditos finales, la banda sonora acompaña de forma ejemplar cada situación, aportando emoción, épica o simple ambientación según se requiere. Puede que no fuera lo que Bangalter y Homem-Christo querían en un primer momento, pero pasar por el aro ha terminado funcionando en la gran pantalla.

El error que muchos cometimos fue el de tener unas pretensiones previas respecto a esta banda sonora, y que al no verse saciadas nos llevaron a la decepción temprana. Está claro que escuchando temazos como ‘Derezzed’ , el cuerpo nos pide un disco entero en esa línea, algo que sería verdaderamente espectacular. Pero viendo la película uno se da cuenta de que no todo el apartado sonoro podría ir en esa línea, porque la música llegaría a quitar protagonismo a la imagen, cuando su objetivo es el de complementarla y ensalzarla.

Así pues, los temas como ése que Castor pide directamente al grupo para electrificar a la clientela de su local hacen acto de presencia únicamente en momentos muy puntuales de la película, esos que quedan casi más cerca del videoclip que del cine, y en los que no importa que el espectador se pare a pensar en la animada canción que está sonando. El resto del tiempo son las composiciones orquestales las que llevan la voz cantante, aunque sin perder totalmente el punto electrónico que es marca de la casa.

Por: Gallego

Si lo tuyo es el rock sureño y además Drive-By Truckers, vas a dar saltos de alegría al enterarte que la formación de Athens planea editar dos álbumes durante este 2010. El primero -The Big To Do [ATO, 2010]- estará en la calle el próximo martes 16 de marzo, el siguiente, durante los próximos meses.

The Big To Do se pondrá en circulación el próximo 16 de marzo, contendrá 13 canciones en su versión en cd y 14 en vinilo. ATO, el sello creado por Dave Matthews, será el encargado de su publicación. Además, si realizas ya el pre-order, te enviarán un enlace para descargar dos canciones, en calidad 320 Kbs. Estas canciones son “Birthday Boy” y “This Fucking Job”, que también se pueden escuchar en su Myspace.

Sin embargo, las sesiones de grabación de The Big To Do han dado para mucho, y Drive-By Truckers planean editar otro disco durante este 2010. En un principio, el nombre será el de Go Go Boots y será su visión personal de las ‘murder ballads’. Género en el que la temática de las letras gira entorno a asesinatos, sangre y tristeza.

de uno de los dos discos que editaran

en el 2011.

'El Alpinista de los sueños', el disco homenaje a Antonio Vega. El cantante Antonio Vega nos dejó hace poco más de un año y desde entonces la música española trata de reponerse. Ahora varios artistas se han unido para deleitarnos con un disco homenaje a uno de los grandes.

Ningún otro artista o grupo del pop español ha sido tan querido, admirado y respetado por gente tan distinta y ahora las estrellas más rutilantes del mainstream junto a los nuevos nombres que se abren camino con creatividad y coraje en el difícil panorama de la música.

Amaral ya tuvo la suerte de tocar junto a Antonio Vega, Eva como Juan proponen una versión de 'Atrás', single del CD 'Escapadas' de Nacha Pop.

Bunbury se encarga de 'Una décima de segundo' en acústico mientras que Bebe y Shinoflow se arriesgan con 'Estaciones'.

'Mi hogar en cualquier sitio' con sabor mexicano de De Pedro y Calexico. La inolvidable 'Chica de ayer' se pone en manos de Irma la Dulce como 'The girl from yesterday' y 'Desordenada habitación' es recuperada por Iván Ferreiro.

L.A. y Nena Daconte se unen para entonar 'Tesoros', del primer álbum en solitario de Antonio Vega.

'Esperando Nada' y 'El sitio de mi recreo' se ponen bajo las órdenes de Lori Meyers y Marlango respectivamente. Love of Lesbian y Zahara, como ya sabíamos, versionan 'Lucha de gigantes'.

Bajo la voz de Jota, de los Planetas, renace 'Quiero estar mejor' y 'Sonrisa de ganador' suena a Napoleón Solo.

Shuarma ha elegido 'Elixir de Juventud' para darle su toque personal y Zoé se atreven con 'El Momento'.

El último dueto es el de Anni B. Sweet y Sidonie con su particular versión de 'Se dejaba llevar por ti'.

All You Need Is Now. Duran Duran’s 13th studio album has not only brilliantly bridged the gap between their pop-glam-disco masterpiece, 1982’s Rio and now, but has managed to reestablished themselves as true originators and purveyors of modern dance music, experts at melding many different genres and crafting smart, danceable, sexy, seductive pop music that was also catchy as hell.

In recent years, other acts — like Scissor Sisters, Dandy Warhols, The Faint and Electric Six — have tugged forcefully at the fabric that Duran Duran created and done their damndest to recreate the glossy, titillating dance grooves that Duran Duran perfected on standout club hits like “Girls On Film” and “Planet Earth.” Meanwhile, Duran Duran’s members were battling their own worst enemies — themselves — and beating their heads against the walls while sorting through record producers, sound experiments and formulas. The band has made their message crystal clear with All You Need Is Now: they are back … and boy, are they ever.

A sonic match made in heaven, the band enlisted brilliant whiz kid and hit-making machine Mark Ronson to handle the production duties for Now.

A self-admitted Duran lover since his teens, British-born Ronson has lent his talents and well-trained ear to the careers of platinum-selling artists Lily Allen, Amy Winehouse and Robbie Williams. Ronson has managed to evoke the true spirit and pizazz that’s always lain inside of Duran Duran and he’s done so like no other producer has been able to since Colin Thurston (who produced the band’s first two albums) or Nile Rodgers, producer of the band’s funky 1986 LP, Notorious.

With All You Need Is Now, Duran Duran somehow manages to appeal to the diehard fans, to those who lost interest along the way AND to a whole new crop of eager dance-pop enthusiasts. I’ll go as far as saying that anyone who loves Rio and holds that album near and dear to their hearts will also love All You Need Is Now. Cut from the same cloth of daring, charisma and elation — those key elements that made Duran Duran such huge stars — the new album is a reminder of how and why this band was able to reach the heights they did and more significantly, why they still deserve to be lauded as groundbreakers and pioneers.

Duran Duran have found themselves and they’re screaming it from the rooftops: one listen to All You Need Is Now more than exemplifies their new-found confidence and their return to their well-deserved throne of dance-pop royalty. Dust off your dancing shoes … Duran is back again.

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El Vecindario incluye dieciocho canciones clave en la trayectoria de Macaco, una versión del clásico de Toots & The Maytals, “Monkey Man” y dos temas inéditos: “One Step”, y “La fragua del tiempo”. En su edición especial, el disco incorpora, además, un DVD de setenta minutos de duración con cinco videoclips y un detrás de camara con imágenes de todos los artistas participantes.

El proyecto Alma Afrobeat Ensemble (AAbE) se germinó en New Orleans en el 2003, creció en Chicago como un homenaje a la música de Fela Kuti para demostrar la influencia multicultural que había aportado este mago místico del funk, del jazz y del high-life, y ahora de sus propios frutos en Barcelona. La historia reciente del AAbE es que su fundador, líder y compositor, Aarón Feder tuvo la idea de combinar su grupo de Chicago con otros músicos en Europa, uniendo los tres continentes: África, América y Europa bajo la bandera del Afrobeat y el principio de justicia social a través de la música.

Brujo es el nombre artístico de uno de los mejores cantantes de rap, ragga y similares formados en la península española. Y es en Barcelona, actual residencia de Brujo, donde se gesta "Ex-cusas", el título de su primer disco en el que se combinan ragga, dancehall, rap, drum and bass y jungle en diferentes temas creados por Chalart58 (batería, percusiones y teclados) y Willy Fuego (guitarra, bajo y voces), quienes han vestido la voz de este cantante con sus instrumentos y experiencia, dando ritmo y melodías a este trabajo.

En este pequeño catalogo de bandas que a continuación les presentamos esta lo mas nuevo de este amplio generoque tanta controversia causa cuando tratan de definir que es, como se identifica o clasifica este multi-cultural sonido que se arraiga crece y multiplica en las grandes orbes del planeta. Y para muestra aquí los “botones”... desde Barcelona (España) y de Cali (Colombia). ¡Si realmente existe la World Music, ésta es la evidencia!

En su cuarto disco Terrakota sigue derrumbando barreras para fusionar músicas y reunir a personas de todos los lugares del planeta.Se trate de reggae, samba, afrobeat, o flamenco, o de exóticos ritmos como el mbalax, funana, batuque, o el maracatu, Terrakota lo combina todo con absoluta facilidad. Añade a esto la emocionante voz de la hermosa cantante y bailarina angoleña Romi Anauel y tendrás una de las bandas más explosivas de la escena mundial del world music.

Zuri es un polifacético artista malagueño de larga trayectoria en el mundo de la música y del espectáculo en general. Capaz de tocar varios instrumentos, aparte de cantante, es productor y compositor. Sus raíces empezaron en la música rock hasta que se encontró con el flamenco, su dedicación le llevó a aprender guitarra y cante durante un periodo largo de tiempo que abarca desde mediados de los 90 hasta parte de la década actual, que le ha servido para aplicar estas enseñanzas a otros géneros musicales (rap, reggae, músicas del mundo...) conformando un estilo propio que le desmarca de otros artistas o géneros musicales.

El nuevo álbum de El Guincho (Pablo Díaz-Reixa) es de 10, se gradúa con honores. Pop Negro (2010, Young Turks) es una bomba

Después de cuatro años Javiera Mena lanza su segundo álbum .La evolución de emigrar a un nuevo sonido era inevitable,

imparable y es que tiene un don a la hora de capturar ritmos que sorprende. Ritmos que le han hecho ser admirado de manera internacional rompiendo barreras como pocos proyectos españoles. Todo empezó con el álbum, Alegranza (2007, Discoteca Océano), y ahora con esta continuación sigue sorprendiéndonos y demostrando su maestría al trabajar de manera genial tanto el sampler hecho en casa como su trabajo en estudio. El Guincho ha vuelto.

sin embargo, la esencia del artista es lo que hace que sus seguidoes sigan la pista de cerca. Como recomendación para escuchar este nuevo álbum hay que olvidar lo que fue antes de Mena, mas allá del Esquemas Juveniles, este álbum electro pop es muy diferente a su primer álbum.

The Polyamorous Affair son una banda electrónica que se formó el año 2007 en Dinamarca, con sede en Los Ángeles pero que actualmente divide su tiempo entre Copenhague y Berlín. El dúo está conformado por el productor/compositor Eddie Chacon, que sorprende con sus habilidades magistrales en guitarra, y la vocalista Sissy Sainte-Marie, cuya voz puede s o n a r s e d u c t o r a m e n t e angelical o deliciosamente poseída (según la ocasión). De su tercer álbum “Strange Bedfellows”, del cual se desprende el primer sencillo "Hypnotized" (el cual puedes escuchar en la radio), en el cual consiguen un sonido electro-popper, mezclando s o n i d o s a f r i c a n o s y sintetizadores.

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BabeloniaSchool Of Seven Bells (Disconnected from desire)

You´ve ChangedSia (We Are Born)

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RebelThe Polyamorous Affair (Strange Bedfellows)

Damn DefensiveThe Boat People (Dear Darkly)

No longer funRey Pila (Rey Pila)

DivisiveWe Have Band (WHB)

Maximum Balloon feat. T. London (Maximum Balloon)

To piecesThe Fieros (The Fieros)

No longer funRey Pila (Rey Pila)

HolidaysMiami Horror (Illumination)

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La intención de esta revista - compendio es la de difundir de MANERA GRATUITA las diversas entrevistas y opiniones que se expresan en diversas partes del mundo sobre algunas de las bandas y/o artistas que transmitimos en nuestra estación de radio, sin otro afán que el de apoyar en la difusión de todas estas expresiones artísticas que mucho vale la pena escuchar.Los créditos de cada una de los reportajes realizados por personas altamente calificadas y que ofrecen su buen escribir (que ya nos gustaría contar entre nuestras habilidades) se ven reflejadas al final de cada reportaje. Si algún periodista, escritor o reportero siente que su trabajo a sido alterado o mutilado de forma irreversible basta con dirigirnos un comunicado para aclarar la situación y en su caso (esperemos no suceda) dejar de publicar sus artículos. A todos ellos y ellas, muchísimas gracias por enriquecer nuestro diario vivir.