El papel de la acuarela en la transmisión de mensajes visuales en las ilustraciones de Clint Tillman. Material digital para Fundación Way-Bi.

CAMPUS CENTRALGUATEMALA DE LA ASUNCIÓN, SEPTIEMBRE DE 2013

ANDREA GISELLE PÉREZ VILLATORO CARNET11563-09

PROYECTO DE GRADO

LICENCIATURA EN DISEÑO GRÁFICOFACULTAD DE ARQUITECTURA Y DISEÑO

UNIVERSIDAD RAFAEL LANDÍVAR

ARQUITECTURA Y DISEÑO

TRABAJO PRESENTADO AL CONSEJO DE LA FACULTAD DE

El papel de la acuarela en la transmisión de mensajes visuales en las ilustraciones de Clint Tillman. Material digital para Fundación Way-Bi.

EL TÍTULO DE DISEÑADORA GRÁFICA EN EL GRADO ACADÉMICO DE LICENCIADA

PREVIO A CONFERÍRSELE

GUATEMALA DE LA ASUNCIÓN, SEPTIEMBRE DE 2013CAMPUS CENTRAL

ANDREA GISELLE PÉREZ VILLATORO POR

PROYECTO DE GRADO

UNIVERSIDAD RAFAEL LANDÍVARFACULTAD DE ARQUITECTURA Y DISEÑO

LICENCIATURA EN DISEÑO GRÁFICO

DR. CARLOS RAFAEL CABARRÚS PELLECER, S. J.

DRA. MARTA LUCRECIA MÉNDEZ GONZÁLEZ DE PENEDO

DR. EDUARDO VALDÉS BARRÍA, S. J.

LIC. ARIEL RIVERA IRÍAS

LIC. FABIOLA DE LA LUZ PADILLA BELTRANENA DE LORENZANASECRETARIA GENERAL:

VICERRECTOR ADMINISTRATIVO:

VICERRECTOR DE INTEGRACIÓN UNIVERSITARIA:

VICERRECTOR DE INVESTIGACIÓN Y PROYECCIÓN:

P. ROLANDO ENRIQUE ALVARADO LÓPEZ, S. J.

VICERRECTORA ACADÉMICA:

RECTOR:

AUTORIDADES DE LA UNIVERSIDAD RAFAEL LANDÍVAR

AUTORIDADES DE LA FACULTAD DE ARQUITECTURA Y DISEÑO

DECANO: MGTR. HERNÁN OVIDIO MORALES CALDERÓN

VICEDECANO: ARQ. ÓSCAR REINALDO ECHEVERRÍA CAÑAS

SECRETARIA: MGTR. ALICE MARÍA BECKER ÁVILA

DIRECTORA DE CARRERA: MGTR. ANA REGINA LÓPEZ DE LA VEGA

TERNA QUE PRACTICÓ LA EVALUACIÓN

NOMBRE DEL ASESOR DE TRABAJO DE GRADUACIÓNLIC. CLAUDIA MARIA AQUINO AREVALO

MGTR. KARIN LUCRECIA ABREU LISCUTIN LIC. JOSE ALEJANDRO RAMIREZ PINEDA

LIC. SERGIO JOSE DURINI SERRANO

CARTA DE ASESORES

CARTA DE AUTORIZACIÓN PARA IMPRESIÓN

ÁREA DE INVESTIGACIÓN PORTAFOLIO ACADÉMICO

El papel de la acuarela en la transmisión de mensajes visuales en las ilustraciones de Clint Tillman

ANDREA GISELLE PÉREZ VILLATORO Carné 1156309

Resumen ........................................................................................ 8Introducción .................................................................................... 9Planteamiento del problema ........................................................... 10Objetivos de investigación .............................................................. 11Metodología .................................................................................... 12

Sujetos de estudio ..................................................................... 12Objetos de estudio ..................................................................... 14Instrumentos .............................................................................. 16Procedimiento de investigación ................................................. 17

Contenido teórico y experiencias desde diseño ............................. 18Ilustración .................................................................................. 18

¿Qué es ilustración? ............................................................. 18Tipos de ilustración ............................................................... 19Técnicas de ilustración ......................................................... 25Mezcla de técnicas ............................................................... 36

Proceso de ilustración ............................................................... 37Proceso general de ilustración ............................................. 37Proceso de ilustración en acuarela ...................................... 40

Comunicación visual ................................................................. 41Signo .................................................................................... 41Teoría del proceso ............................................................... 44Semiótica ............................................................................. 45Mensaje visual ..................................................................... 46Componentes de un mensaje visual .................................... 46Retórica en el mensaje visual .............................................. 48Herramientas o elementos visuales ..................................... 55

Experiencias desde diseño ....................................................... 67Descripción de resultados .............................................................. 72

Entrevista realizada a Clint Tillman ........................................... 72Entrevista realizada a Luis Pinto ............................................... 85Entrevista realizada a Juan Carlos Calderón ............................ 88Entrevista realizada a Silvia Barrientos ..................................... 96Guías de observación ............................................................... 104

Interpretación y síntesis ................................................................ 136Proceso creativo que Clint Tillman utiliza al ilustrar con la técnica mixta de acuarela y tinta .......................................................... 136Contribución de la técnica mixta análoga a la representación de mensajes visuales en las ilustraciones de Clint Tillman ........... 144Definición del estilo gráfico de las ilustraciones de Clint Tillman y como éste refuerza los mensajes visuales .............................. 152

Conclusiones y recomendaciones ................................................. 156Referencias ................................................................................... 160Anexos .......................................................................................... 166

Anexo 1: Guía de entrevista a Clint Tillman ............................. 167Anexo 2: Guía de entrevista a Juan Carlos Calderón .............. 169Anexo 3: Guía de entrevista a Luis Pinto ................................. 170Anexo 4: Guía de entrevista a Silvia Barrientos ....................... 171Anexo 5: Guía de observación ................................................. 172Anexo 6: Resultados de entrevista de Clint Tillman (Inglés) ..... 174Anexo 7: Artículo Marca cromática y semántica del color por Norberto Chaves ...................................................................... 183Anexo 8: Lyrics Falling Snow ................................................... 185

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A través de esta investigación se buscó documentar y analizar el proceso creativo de Clint Tillman para el desarrollo de sus ilustraciones. Se hizo un particular énfasis en determinar la influencia de la técnica mixta de acuarela y tinta y del estilo particular de Tillman en la comunicación visual y en la eficaz transmisión de los mensajes visuales en sus proyectos, con el fin de enriquecer el conocimiento de los diseñadores en cuanto al tema de comunicación visual. Cada característica, tanto de la técnica como del estilo tiene un porqué y cumplen con una función específica para completar el mensaje, dándole características únicas.

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La ilustración y el diseño son dos disciplinas estrechamente unidas. La ilustración puede trabajarse tanto bajo un objetivo de diseño como un objetivo artístico. Sin embargo, sea cual sea el objetivo, la ilustración no puede separarse de la comunicación.

La ilustración busca combinar tanto técnica como estilos para poder transmitir ideas o mensajes logrados a partir de un proceso creativo. Cada técnica pictórica tiene tanto ventajas como desventajas y características que pueden reforzar o debilitar los mensajes visuales.

Clint Tillman es un diseñador e ilustrador estadounidense que ha incursionado profesionalmente en la ilustración desde hace aproximadamente 5 años. Tillman trabaja sus proyectos de ilustración utilizando una técnica mixta de acuarela y tinta con un gran énfasis en la comunicación visual y los mensajes que busca transmitir, a pesar de su carácter artístico.

Es por esto que se realiza una profundización en la manera en que Tillman genera los conceptos o mensajes a transmitir y cómo la técnica mixta de su preferencia y su estilo personal refuerzan la transmisión de estos mensajes visuales.

Con el fin de recabar información sobre el tema y obtener opiniones específicas sobre el trabajo de Tillman se realizaron entrevistas tanto a expertos cuya área de interés se relaciona con la temática trabajada, como al propio Clint Tillman.

Como expertos, se entrevistó a Juan Carlos Calderón, artista plástico experto en la técnica de acuarela, Luis Pinto, diseñador gráfico e ilustrador que radica en Guatemala y a Silvia Barrientos, diseñadora gráfica, experta en comunicación visual, quienes colaboraron en el desarrollo de la investigación aportando argumentos, comentarios y opiniones en base a su propia experiencia y conocimientos.

Para tener un acercamiento más completo a la temática y a los objetos de estudio, también se aplicó una guía personal para observar y analizar una muestra de las ilustraciones de Tillman evaluando ciertos elementos acorde a varios criterios pertinentes a la investigación.

Teniendo una recolección más completa de la información y los recursos suficientes se pasó a desarrollar la investigación y análisis sobre la manera en que la técnica mixta y el estilo de Tillman influencian en la transmisión de mensajes visuales determinando qué es aquello que completa el mensaje y hace su representación gráfica única y llamativa.

Así finalmente se logró documentar y analizar el proceso creativo que el ilustrador utiliza. Así como determinar la forma en que la técnica de acuarela y tinta y el estilo gráfico propio de Tillman representa y refuerza los mensajes visuales en sus ilustraciones.

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De acuerdo con Dalley (1992), la ilustración y el diseño son dos materias que tienen un lazo muy estrecho. Sin embargo definir el concepto de ilustración no es tan sencillo. De acuerdo con Zeegen (2009), no es arte ni tampoco es diseño gráfico. Como disciplina, la ilustración se sitúa entre el arte y el diseño, pero para ciertos profesionales de la ilustración se puede sentir más cerca de uno u otro extremo.

Dalley (1992) comenta que la ilustración, a diferencia de la pintura, siempre debe realizar una función concreta. Zeegen (2009) asegura que la esencia de una ilustración está en el pensamiento, idea o concepto que forman la base de lo que la imagen está tratando de comunicar.

Hoy en día, la ilustración moderna busca combinar un estilo o expresión personal con la representación pictórica a fin de transmitir ideas complejas y mensajes luego de haber finalizado un proceso creativo.

En Guatemala la ilustración es un campo que día a día se amplía, gracias a la globalización y por tanto al más fácil acceso a recursos gráficos y la posibilidad de conocer sobre nuevas tendencias y personajes que traen nuevas técnicas e ideas, las cuales se pueden aprender y aplicar, mejorando el nivel de ejecución.

Las técnicas más comunes para ilustrar son la técnica de crayón, acrílico, óleo, pastel, aguada y digital. En esta nueva era la técnica

digital acapara la mayor parte de las ilustraciones y poco a poco las técnicas manuales se van extinguiendo.

La técnica de la acuarela es una técnica aguada, en la cual se diluye la pintura con agua y se pinta capa por capa hasta lograr el tono deseado. Según Luengo (2003) la verdadera grandeza de la acuarela, en comparación con otras técnicas, reside en la transparencia de sus aguadas. Es esta característica la que hace de esta técnica una de gran dificultad.

Clint Tillman es un diseñador e ilustrador estadounidense que actualmente reside en Colorado. Sus obras se distinguen por el uso de su técnica de preferencia, una mezcla entre acuarela y tinta, manteniendo una paleta de colores orgánica en la mayoría de sus ilustraciones y representando mensajes visuales y metáforas que se relacionan directamente con sus emociones y eventos de su vida. Tillman ha sido parte de la exposición en colaboración de & “Art. Ideas. Progress.”, ha tenido la oportunidad de exponer su trabajo de ilustración en dos ocasiones con sus exposiciones “Algorithms” y “Perspective” y ha colaborado con la revista HAHA que apoya y a veces financia el trabajo de nuevos artistas.

Siendo así, es importante documentar el proceso en que Tillman aplica una técnica de un nivel de dificultad tan alto como la acuarela en su ilustración, así como el analizar los mensajes que el ilustrador comunica a través de su trabajo.

A partir de lo anterior, se llega a las siguientes interrogantes:

• ¿Cuál es el proceso creativo que Clint Tillman utiliza al ilustrar con su técnica de preferencia?

• ¿La técnica utilizada por Tillman contribuye a transmitir efectivamente los mensajes visuales de sus ilustraciones?

• ¿Cuál es el estilo gráfico que utiliza Clint Tillman en sus ilustraciones y como apoya la transmisión de mensajes visuales?

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• Documentar y analizar el proceso creativo que Clint Tillman utiliza al ilustrar con la técnica mixta de acuarela y tinta.

• Determinar cómo la técnica mixta análoga contribuye a la representación de mensajes visuales en las ilustraciones de Tillman.

• Identificar el estilo gráfico de las ilustraciones de Clint Tillman y como éste refuerza los mensajes visuales que el ilustrador quiere transmitir.

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4.1 Sujetos de EstudioA continuación se presentan los sujetos de estudio del proyecto de Investigación. Éstos se seleccionaron en base a su experiencia en los diferentes ámbitos que intervienen en el análisis de las ilustraciones de Clint Tillman, tanto en el área visual como de comunicación.

Clint TillmanDISEÑADOR GRÁFICO E ILUSTRADORwww.tillmanproject.comdesign@tillmanproject.com

Diseñador gráfico e ilustrador estadounidense actualmente establecido en Durango, Colorado. Ampliamente reconocido en su región con varias exposiciones en galerías locales. Es el sujeto principal de la investigación, elegido por el gran papel que los mensajes visuales toman en sus ilustraciones y su particular forma de representarlos. El sujeto brindó toda la información necesaria para el desarrollo de la investigación así como piezas gráficas para analizar como el uso de la técnica de acuarela y su estilo visual apoyan la transmisión de mensajes.

Juan Carlos CalderónARTISTA PLÁSTICOcalderonrodas@yahoo.com

Juan Carlos Calderón es un artista plástico, ampliamente reconocido por su trabajo con la técnica de la acuarela, más recientemente por su exposición El Despegue del Toro. El sujeto aportó su conocimiento y experiencia con la técnica de acuarela que permitió el análisis del modo y proceso en que el ilustrador Clint Tillman aplica dicha técnica.

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Luis PintoDISEÑADOR GRÁFICO E ILUSTRADORhttp://www.behance.net/luispintos luispintoartdesign@gmail.com

Luis Pinto es un Diseñador gráfico pero se dedica mayormente al arte y a la ilustración. Le gusta experimentar con herramientas modernas y tradicionales y la mayoría de sus ilustraciones parten de conceptos personales. Ha laborado en BBDO Guatemala y 4AM Saatchi & Saatchi, entre otros. Pinto aportó su conocimiento y experiencia con el desarrollo de ilustraciones para apoyar en la resolución de las interrogantes del proyecto de investigación, especialmente en la transmisión de mensajes visuales y la definición del estilo gráfico de las ilustraciones de Clint Tillman.

Silvia barrientosDISEÑADORA GRÁFICAsilviabarrientos.url@gmail.com / slbarrientos@url.edu.gt

Graduada en el 2010 de la Universidad Rafael Landívar. Grandemente interesada el tema de Retórica y Semiótica, llevó a cabo su investigación académica sobre la aplicación de la Retórica en el proceso creativo publicitario y a partir de ahí continuó investigando al respecto, asistiendo a talleres y conferencias sobre el tema. Ha impartido durante dos años el curso de Comunicación Visual de la carrera de Diseño Gráfico de la Facultad de Arquitectura y Diseño de la Universidad Rafael Landívar. Actualmente labora como la Coordinadora Académica del Departamento de Diseño Gráfico y como docente del mismo departamento. Barrientos aportó su conocimiento sobre el tema de Comunicación Visual para apoyar en la resolución de las interrogantes de la investigación, especialmente en la determinación de la contribución del estilo gráfico y la técnica aplicada por Tillman en la transmisión de mensajes visuales.

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4.2 Objetos de EstudioLos objetos de estudio elegidos son 15 ilustraciones realizadas por Clint Tillman en los años 2012 y 2013. A partir de ellos se analizará el proceso en que se aplica y el uso de la técnica de acuarela y tinta, así como la intervención de la técnica en la comunicación de mensajes visuales y el estilo gráfico que se utiliza en las ilustraciones.

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4.3 InstrumentosPara los sujetos de estudio se realizaron distintas guías que facilitaron sus entrevistas, con preguntas abiertas acorde al aporte que brinda cada uno según se describió en el punto 4.1 Sujetos de estudio.

Guía de entrevista a Clint TillmanVER ANEXO 1

En el caso de Clint Tillman, siendo el sujeto principal para el proyecto de Investigación, se realizó una entrevista estructurada integrando preguntas abiertas que permitió recolectar información sobre su trabajo, su experiencia como ilustrador, el proceso creativo aplicado por el sujeto, la generación de mensajes o conceptos a transmitir, el desarrollo de mensajes visuales en sus ilustraciones, los signos que los conforman, así como su estilo gráfico y su técnica de preferencia y cómo estos apoyan la transmisión de los mensajes visuales.

El instrumento fue implementado via skype debido a que el sujeto de estudio reside en Durango, Colorado, Estados Unidos.

Guía de entrevista a Juan Carlos CalderónVER ANEXO 2

Para Juan Carlos Calderón se realizó una entrevista, compuesta de preguntas abiertas, que permitió recolectar información sobre el manejo de la técnica de acuarela y su colaboración para analizar específicamente el uso de dicha técnica en las ilustraciones de Clint Tillman.

Guía de entrevista a Luis PintoVER ANEXO 3

En el caso de Luis Pinto, la entrevista se compuso de preguntas abiertas, buscando su apoyo en el tema de los procesos creativos y en el análisis de los mensajes visuales y el estilo gráfico que Clint Tillman aplica en el desarrollo de sus ilustraciones.

Guía de entrevista a Silvia barrientosVER ANEXO 4

Se utilizó una entrevista compuesta de preguntas abiertas que permitió recabar información así como realizar un análisis de los mensajes visuales y signos que se identifican en las ilustraciones de Clint Tillman. Así como identificar las figuras retóricas que Tillman aplica en sus ilustraciones.

Guía de observaciónVER ANEXO 5

Con el objetivo de determinar e identificar el proceso creativo, así como el papel de la técnica de acuarela para transmitir los mensajes visuales y el estilo gráfico utilizado en las ilustraciones de Clint Tillman, se estableció una guía de observación donde a través de preguntas cerradas y abiertas se analiza una muestra significativa del trabajo de sujeto de estudio principal.

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4.4 Procedimiento de Investigación• Planteamiento del problema del proyectoSe identifica una problemática relacionado al tema de la ilustración, se establecen interrogantes que surgen del planteamiento del problema.

• Objetivos de la InvestigaciónSe definieron los objetivos que guían el proyecto de Investigación

• MetodologíaSe definen los sujetos y objetos de estudio así como los objetos de estudio, instrumentos de investigación y el procedimiento que debe seguirse para cumplir los objetivos propuestos.

• Contenido teórico y experiencias desde diseñoSe realizó un contenido teórico desarrollado de la temática general hasta llegar a lo específico. Ésta información fue complementada con una sección de experiencias desde diseño la cuál describe la experiencia de otros ilustradores.

• Aplicación de InstrumentosSe utilizaron los instrumentos para la recaudación de información por parte de los sujetos de estudio mientras que se analizaron los objetos de estudio aplicando una guía de observación.

• Descripción de resultadosSe presentaron los resultados obtenidos por medio de los instrumentos.

• Interpretación y síntesisSe interpretó la información obtenida realizando un resumen y síntesis de la investigación confrontando tanto el contenido teórico, como los resultados de las guías de observación, entrevistas y las experencias desde diseño.

• Conclusiones y recomendacionesSe colocaron las conclusiones y recomendaciones de acuerdo a los objetivos propuestos y a la información obtenida en el proyecto.

• ReferenciasSe enlistaron las referencias bibliográficas según la normativa APA.

• IntroducciónSe redactó una introducción al proyecto.

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Las ilustraciones están asociadas con palabras, conllevan siempre un mensaje. Zeegen (2009) asegura que la esencia de una ilustración está en el pensamiento, idea o concepto que forman la base de lo que la imagen está tratando de comunicar. Representar visualmente y dar vida a un texto o mensaje es el principal papel de un ilustrador.Las imágenes contenidas en una ilustración son lo que capta la imaginación del receptor. Estas imágenes ayudan al público a captar una idea y la función de la ilustración es proporcionar un significado visual. Las imágenes pueden ser sencillas, complejas, emotivas, esquemáticas o documentales, pero su principal objetivo es presentar un punto de vista y hacer pensar al receptor. Las ilustraciones deberían ser únicas y ofrecer al receptor la visión de algo en un modo diferente al habitual.

Hoy en día, la ilustración moderna busca combinar un estilo o expresión personal con la representación pictórica a fin de transmitir ideas complejas y mensajes. En los inicios, la ilustración se limitaba a documentar de forma gráfica o adornar un texto, con el tiempo, se identificaron las ventajas de la ilustración y su gran aporte, por lo que ésta fue tomando fuerza en otros ambientes. La ilustración sigue siendo actualmente una de las formas más directas de comunicación visual. La ilustración nunca ha sido más diversa, constantemente cruzando las fronteras entre disciplinas y rompiendo tradiciones.

1. ILUSTRACIÓN1.1 ¿Qué es ilustración?El objetivo de todo arte visual es la producción de imágenes. Dalley (1992) comenta que cuando éstas imágenes se emplean para comunicar información concreta, el arte suele llamarse ilustración.

El definir el concepto de ilustración no es tan sencillo. De acuerdo con Zeegen (2009), no es arte ni tampoco es diseño gráfico. Como disciplina, la ilustración se sitúa entre el arte y el diseño gráfico, para ciertos profesionales de la ilustración se puede sentir más cerca de uno u otro extremo. Dalley (1992) comenta que desde sus inicios la ilustración ha servido como complemento narrativo en manuscritos y libros. La ilustración, a diferencia de la pintura, siempre debe realizar una función concreta, siempre debe tener una razón para existir, aunque la ilustración se basa en las técnicas artísticas tradicionales.

Los ilustradores deben de estar dispuestos a aceptar y aprovechar las oportunidades que se van generando a partir del desarrollo de nuevos medios y técnicas por la tecnología, etc. para mejorar sus habilidades y ampliar sus conocimientos.

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1.2 Tipos de ilustraciónA. ILUSTRACIÓN CONCEPTUAL

Las ilustraciones conceptuales son aquellas que no se ciñen a un texto, un argumento literario o alguna información específica, sino aquellas que desarrollan una idea personal. De acuerdo a Sanmiguel et. al. (2003) la ilustración conceptual es esencialmente creativa y su éxito se debe a la originalidad del estilo del ilustrador. En este tipo de ilustración la idea o concepto es el aspecto más importante. En el proceso, todos los planes y decisiones se toman previamente. El objetivo es hacer que la obra sea mentalmente interesante para el espectador. Las ideas no precisan ser complejas, la mayoría de las ideas exitosas son simples. Una ilustración conceptual representa ideas generales y no hechos en particular.

Según Sanmiguel et.al. (2003) una imagen conceptual debe ser gráficamente atrevida y captada con mucha rapidez, pero no tiene que condicionarse ofreciendo un enfoque demasiado personal. Es por esto que se puede dar que el observador no entienda o entienda de una manera distinta el concepto del artista al ver el material. Una vez que se publica, el ilustrador no tiene control sobre el modo que el observador percibirá su trabajo y cada persona puede comprenderlo de una manera distinta.

Este tipo de ilustración permite una mayor libertad creativa y un margen más amplio para aplicar un estilo personal.

HOME SWEET HOME / THOMAS BURNS / 2013http://www.behance.net/gallery/Home-Sweet-Home/7631501

INTERMODAL TRANSPORTATION / THOMAS BURNS / 2013http://www.behance.net/gallery/Intermodal-Transportation/6939473

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B. ILUSTRACIÓN PUBLICITARIA

Las ilustraciones publicitarias son aquellas que complementan o dan cierta personalidad a un producto o una marca o aquellas que anuncian un acontecimiento. Vargas (2010) comenta que la ilustración publicitaria sirve para llamar la atención sobre un producto, anunciar su existencia así como enfatizar sus características. Tanto grandes como pequeñas empresas han utilizado la ilustración como una herramienta para promover o vender sus productos y servicios. Algunas ilustraciones han sido tan exitosas que han pasado a ser íconos de la cultura popular de su época.

De acuerdo a Vargas (2010) la ilustración debe cumplir con uno o varios objetivos específicos. Uno de estos objetivos será adentrarse en el subconsciente del público, presentando una idea y una imagen del producto que sean rápidamente reconocibles. La publicidad está constantemente sujeta a imágenes que se basan en nociones poco realistas, por su capacidad de llamar la atención por medio de la incongruencia. Presentar un producto fuera de contexto causa sorpresa, intriga, etc. llamando la atención. Es por esto que en la ilustración publicitaria las posibilidades son ilimitadas y, para el ilustrador que trabaja en una campaña publicitaria, el efecto de esta proyección puede ser muy beneficioso. Junto con el reconocimiento de marca o de producto se logra una asociación directa con estos al estilo particular del ilustrador, logrando su reconocimiento personal.

Las ilustraciones publicitarias buscan ser adaptables y ajustarse a diferentes formatos y medios según se utilicen en las campañas y esto es lo que llama la atención de muchos ilustradores y lo que los hace adentrarse en el área publicitaria.

COCA COLA CONTEST / SEBASTIEN CUYPERS / 2010http://www.behance.net/gallery/Coca-Cola-Contest/880011

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C. ILUSTRACIÓN NARRATIVA

De acuerdo a Zeegen (2009) el libro fue, probablemente, el primer medio en que se inició el trabajo de los ilustradores. Comenzó con los manuscritos religiosos ilustrados creados entre los siglos VII y IX, y con la invención de la imprenta en 1455 se ampliaron las posibilidades de la ilustración de textos y de la reproducción de las ilustraciones.

Este tipo de ilustraciones son aquellas que se producen con base en una narración, tomándola como insumo de gran valor para el desarrollo de las propuestas visuales.

De acuerdo a Galán (2012) las ilustraciones que narran una historia se clasifican, a grandes rasgos, en dos grupos principales: las que sirven de apoyo o puntuación en un texto, y las que forman parte integrante de la narración.

En este tipo de proyectos, el ilustrador puede encontrarse con diversas situaciones. En algunos casos los lectores prefieren formar sus propias ideas sobre la apariencia de los personajes, ambientes, situaciones, etc. como es el caso más común de adolescentes y adultos. En otros casos, el ilustrador debe proporcionar esta traducción visual, representando fielmente con base en la descripción literal.

En esta tipo de ilustración, las áreas que han mostrado un mayor interés por el trabajo de los ilustradores son los libros infantiles, los títulos de ficción, etc.

IN THE PENAL COLONY / ALAN MCNAMARA / 2012http://www.behance.net/gallery/In-The-Penal-Colony-Narrative-Illustration/3872173

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D. ILUSTRACIÓN INFANTIL

Debido a que el primer acercamiento a la ilustración se da a través de libros infantiles, para muchos ilustradores la creación de piezas o material para libros infantiles es particularmente importante.

Según García (2004), la ilustración sirve para despertar el interés del joven receptor así como también para estimular y enriquecer su capacidad de comprensión. Este tipo de ilustración puede llegar a ser uno de los medios visuales más influyentes. Puede llegar a transformar historias y permanecer en la conciencia de generaciones.

Hoy en día se contrata a los ilustradores para crear cuentos infantiles completos, no solamente el ilustrar las historias sino escribirlas, así como también producir las ilustraciones de las cubiertas o sobrecubiertas. Si se encarga el desarrollo de la cubierta de un libro, se provee suficiente tiempo para leer el manuscrito y producir bocetos iniciales antes de crear el trabajo final.

El bocetaje requerido para libros ilustrados infantiles es muy específico. Se exige la creación de versiones muy definidas de lo que podría ser la obra final, detallando la posición de cada elemento en una imagen así como representaciones muy fieles al texto de cada uno de los personales centrales del libro.

En la actualidad, debido a la cultura y educación prominentemente visual en el mundo entero, la producción de material con gran contenido visual como las ilustraciones, reforzando textos, se ha hecho cada vez más importante y necesario, especialmente para niños y jóvenes.

Cerrillo, Cañamares y Sánchez (2007) concuerdan con García al comentar que a través de la lectura de imágenes, los niños pueden desarrollar habilidades que facilitan la comprensión lectora. Debe existir un equilibrio entre texto e ilustración y es esta interacción entre ambos que permite introducir elementos complicados de la trama que únicamente de forma verbal son muy difíciles tanto de explicar como de entender. Esta unión de texto e ilustración favorece la comprensión, la imagen ayuda a recordar la historia y la enriquece e inicia el conocimiento de un lenguaje visual, identificando significados y significantes.

DRAGUN / STEVE SIMPSON / 2012http://www.behance.net/gallery/Dragun-Childrens-Book/3659119

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E. ILUSTRACIÓN CIENTÍFICA

Uno de los principales campos de la ilustración ha sido siempre el dibujo analítico y descriptivo, especialmente en los campos de la ciencia, la topografía, la medicina y la arquitectura. Para los científicos hasta el día de hoy la ilustración es de gran importancia por su afán de demostrar todos sus descubrimientos de la manera más fiel. Sanmiguel et.al (2003) comentan que a pesar de todos los avances tecnológicos, la ilustración científica no ha llegado a ser reemplazada por la fotografía.

Desde entonces ha crecido la demanda de ilustraciones, aumentando el nivel de complejidad, especialmente desde el desarrollo industrial. Sin embargo hoy en día, durante la época de la tecnología y la electrónica, etc. el ilustrador necesita las mismas habilidades que en sus inicios: la capacidad de observar y de transformar lo que se ve, en una acertada representación bidimensional de un objeto tridimensional.

F. ILUSTRACIÓN TÉCNICA

Los avances tecnológicos, científicos, etc., exigen la actualización de la ilustración y la representación verídica y clara, que sea una referencia fiable del mecanismo, los componentes y las funciones específicas de una máquina o un sistema natural. En la actualidad estos medios constituyen una gran ayuda para el profesional, se sigue empleando el medio tradicional en que cuenta más la pericia del ilustrador.

Según Lambert (1996) el dibujo despersonalizado ha sido siempre una herramienta importante para describir y cualificar y así entender el entorno. Hoy en día la ilustración técnica se usa cuando se requiere del dibujo para expresar algo de una manera más clara y dirigir la atención con más concentración que lo que es capaz de hacer una fotografía como por ejemplo en los manuales de instrucciones.

SCIENTIFIC MEDICUAL ILLUSTRATIONS / DANA HAMERS / 2011http://www.behance.net/gallery/Scientific-medical-illustrations/2031847

TECHNICAL ILLUSTRATIONS / DANNIS CHAN / 2012http://www.behance.net/gallery/Technical-Illustrations/4228687

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G. ILUSTRACIÓN EDITORIAL

En este tipo de ilustración, el ilustrador absorbe y sintetiza el contenido de un texto, historia, noticia, etc. y genera una idea principal, la cuál procede a plasmar en imágenes gráficas.

Zeegen (2009) comenta que el trabajo editorial es una vertiente fundamental de la ilustración. Cada día aumenta el numero de revistas dirigidas a segmentos muy variados y específicos del mercado y la prensa es de gran importancia y oportunidad para los ilustradores. La importancia de la ilustración crece ya que para el editor tanto de periódico como de revista, una fotografía representa un hecho, mientras que la ilustración representa un punto de vista personal, una idea, un concepto.

La mayoría de ilustradores siguen prefiriendo la libertad creativa que ofrece trabajar en un periódico o en una revista, ya que en este campo de la ilustración, se tiene permiso para ser imaginativo y original. Se tiene la libertad para probar nuevos métodos de trabajo en un proyecto y desarrollar nuevas ideas y tendencias sin demasiado control por parte del un director o superior.

Aquellos ilustradores que reciben el encargo de ilustrar un espacio fijo en una publicación semanal o mensual, el crear y desarrollar tan regularmente nuevas ideas para un mismo tema puede ser muy estimulante y suponer un gran reto.

EDITORIAL ILLUSTRATION / GONCALO VIANA / 2011http://www.behance.net/gallery/Editorial-Illustration/2686073

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1.3 Técnicas de ilustraciónLa ilustración es un medio expresivo que ofrece un gran abanico de posibilidades técnicas, que a pesar de ser tan versátil no todos logran aprovecharlo. De este gran abanico de técnicas pueden aplicarse varias en un mismo material, no es necesario aplicar solamente una en una ilustración.

Las técnicas más comunes para ilustrar son la técnica de crayón, acrílico, óleo, pastel, aguada y digital. En esta nueva era la técnica digital acapara la mayor parte de las ilustraciones y poco a poco las técnicas manuales se van extinguiendo. Sin embargo algunos ilustradores y artistas han logrado retomar estas técnicas y volverlas a la vigencia, aprovechando cada una de sus mejores características.

A. TÉCNICA DE CRAYÓN

La técnica de crayón es una técnica para dar color. Existen diferentes tipos de crayón como por ejemplo el crayón de madera, el crayón de cera, así como una mezcla con otras técnicas como crayones pastel o crayones óleo pastel. Sin embargo en esta investigación se toma como técnica de crayón, los crayones de madera.

La técnica de crayón de madera es un medio pictórico que se basa utilizando los grafito de colores dentro de cilindros de madera. Con estas herramientas se pueden combinar tonos y crear nuevas y únicas tonalidades. De acuerdo a Sanmiguel et.al. (2003) la principal característica de los lápices de color es la facilidad e inmediatez de su utilización. Se manejan de la misma manera en que se maneja un lápiz convencional, ofreciendo un acabado más suave y satinado y no requiere de ningún otro medio o equipo además de los lápices y papel. A diferencia de las técnicas húmedas, esta técnica seca permite el dejar de trabajar el material por un largo tiempo y retomarlo sin ninguna dificultad. También permite elaborar la ilustración con un alto grado de detalle.

Esta técnica consiste en pintar en la dirección correcta logrando volumen, a través de luces y sombras. Se puede trabajar en distintos lienzos con textura, tales como el papel cáscara de huevo y el papel lino.

Sanmiguel et. al. Comentan que existen diferentes tipos de lápices, clasificados principalmente por su dureza. A partir de esta clasificación se llega a los lápices duros y los blandos. Los lápices duros permiten mayor precisión porque su punta puede afilarse más. Los blandos aparecen principalmente con forma de minas gruesas, más parecidos a los crayones pastel.

HAPPY RAINY DAY / SUSAN BATORI / 2013http://www.behance.net/gallery/Happy-rainy-day/7246039

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B. TÉCNICA DE ACRÍLICO

Según Valero (2011) la pintura acrílica son pigmentos diluidos en un aglutinante acrílico conformado por una resina sintética, una emulsión de un polímero acrílico o látex. Es soluble en agua pero una vez seco es resistente a ella. Midgley (1993) comenta que pueden encontrarse en cuatro formas distintas: en placas, en bloques, en varillas o en tubos.

De acuerdo a Smith (1996) los acrílicos son uno de los medios de pintura más flexibles que existen en la actualidad. Su rapidez de secado, y la posibilidad de rebajarlos hasta una consistencia semejante a la de las acuarelas, los hacen ideales para la técnica de superponer finas capas de color, una sobre la otra.

Entre sus ventajas destacan: • Secado rápido sin cambiar de color y sin oscurecerse con el tiempo, ni presentar amarillez. • Permite agregar más pintura a la superficie ya trabajada. • Las pinturas con acrílico poseen una mayor vida útil.• Se puede trabajar sobre cualquier soporte absorbente.• Permite empastes de mayor resistencia que el óleo, el cual tiende a cuartearse.

ILUSTRATIONS / FRANCESCA ASSIRELLI / 2011http://www.behance.net/gallery/Illustrations/2385472

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C. TÉCNICA DE ÓLEO

El óleo es un procedimiento pictórico que utiliza un medio aceitoso, opaco, denso y de secado lento. Éste material no se disuelve con agua, sino con esencia de trementina o aguarrás puro. Es importante mencionar que no existe un método correcto para pintar al óleo y que cada quién elabora sus métodos propios a medida que se familiariza con el medio. El modo de aplicar la pintura contribuye decisivamente a modificar el aspecto final de cualquier cuadro y el artista genera su propio estilo.

Para pintar con óleo se puede utilizar cualquier tipo de superficie, siempre que esté debidamente preparada. Según Monahan (1999) una de las principales características de la pintura al óleo es que puede producir veladuras transparentes, capas finas y opacas o densos empastes, y el artista goza de libertad para alterar la consistencia del pigmento añadiendo diferentes aceites, barnices y vehículos.

UN DESPERTAR CON DOS FELINOS / MARA HITTERS / 2012http://www.behance.net/gallery/Un-despertar-con-Dos-felinos-2012/5401343

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D. TÉCNICA DE PASTEL

El pastel es lo más cercano a un color puro, casi sin intervención de elementos ajenos al pigmento. Es una técnica en base a la aplicación de estos pigmentos sobre un fondo más o menos áspero sobre el cual los pigmentos se agarran por adherencia y no mediante un aglutinante. El llamado “aglutinante” de los lápices para pastel sólo tiene la función de proporcionar a los pigmentos una forma práctica que permita pintar con ellos. El pastel está compuesto por pigmento de color y una pequeña cantidad de yeso o creta blanca, empastados con goma arábiga.

El pastel es un medio pictórico que se puede tratar como cualquier otro procedimiento habitual de dibujo. Por lo general, se pinta con pastel sobre papel. Sin embargo esto no es una imposición técnica, ya que con este medio se puede pintar sobre cualquier material. Se puede tomar en consideración otros soportes sobre los que también se pueden obtener atractivos resultados.

Según Sanmiguel et. al. el pastel permite obtener una coloración más profunda y saturada, no obstante es necesario rociar con un medio fijador la obra terminada para que el resultado sea duradero.

ORGAN TRIO / FABIO CORAZZA / 2010http://www.behance.net/gallery/Pastel/631369

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E. TÉCNICA DE ACUARELA

La acuarela es un medio pictórico formado con pigmentos en polvo muy fino, goma arábiga y glicerina. Su disolvente es agua y cuando la acuarela se moja con el pincel, la goma arábiga que contiene el pigmento se reblandece, impregna el pincel y permite su pintura.

Pino (2005) comenta que si bien la acuarela es una técnica pictórica de muchas posibilidades y gran rapidez de ejecución, se necesita dedicarle mucho tiempo de estudio y experimentación para llegar a dominarla. Los atributos que se le da a un trabajo de acuarela son como la personalidad de una persona, y estos atributos son lo que hacen a la pintura, diferente y única. Cada artista crea un estilo propio en base a su conocimiento y experimentación con la técnica.

Según Thomson y Hewison (1996) la principal característica, la cuál hace de esta técnica una de un alto nivel de dificultad, es la transparencia. Al aplicar esta técnica se puede obtener una infinidad de gradaciones de tono, desde el más claro al más oscuro, mediante la acumulación de lavados. Esta transparencia significa que no se puede aplicar un color claro sobre uno oscuro por lo que se necesita tener una idea completa de lo que será la composición gráfica antes de empezar a trabajar. La acuarela es un medio imprevisible y difícil de dominar, pero es fácil obtener interesantes efectos con técnicas sencillas. Lo primero es llegar a conocer la idiosincrasia de cada color de la paleta.

NOT TODAY / DIMA REBUS / 2011http://www.behance.net/gallery/Illustrations-3/6285349

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HERRAMIENTAS PARA LA APLICACIÓN DE ACUARELA

Pinturas: Como se mencionaba antes se pueden utilizar pastillas secas, tubos de pinturas semilíquidas y frascos de acuarela líquida concentrada. De acuerdo al artículo Pluma y aguada de la revista Megazine.co la acuarela está disponible en dos calidades: calidad de artista de grado y calidad de estudiantes de grado. Las acuarelas de grado de artista son de mayor calidad por la presencia de más pigmento y menos carga por lo que los colores son más vivos. Las acuarelas de grado de estudiante son más efectivas al momento de experimentar y descubrir la acuarela. Éstas tienen un precio menos ya que cuentan con menos pigmento, sin embargo es por esto que la intensidad del color no es tan fuerte. Algunas acuarelas son permanentes, lo que significa que no se desvanecen fácilmente cuando se expone a la luz con el tiempo. La pintura no es 100% permanente, por lo que tampoco es recomendable que reciban luz directa del sol durante demasiado tiempo. Algunos colores son fugitivos, es decir que se desvanecen con facilidad cuando se expone a la luz.

Pinceles: El ideal para la pintura en acuarela son los pinceles de pelo de marta y los de meloncillo los cuales permiten un trazo perfecto. Estos pinceles deben reunir ciertas características que permitan una pincelada muy líquida y un trazo preciso. Los mejores pinceles para acuarela son aquellos que cuando se mojan mantienen su forma a pesar de estar cargados de líquido. Los más adecuados por versatilidad son los redondos, que terminan en una punta afilada. Su pelo debe ser suave, elástico, con capacidad de recuperación estado húmedo, con una buena absorción pero que permita el máximo depósito de la carga sobre el papel.

PINTURASFuente: http://papelerialacomuna.com

PINCELESFuente: http://www.aiba.es/

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Papel: El papel es el principal material al ser el soporte de la técnica. La elección de un papel adecuado es primordial para obtener un buen resultado en la acuarela. Los papeles pueden ser lisos o texturados. Por lo general, el papel de acuarela más utilizado es el de grano medio. Este se elabora a mano con trapos de lino puro partidos finamente y que es blanqueado al sol, sin recursos químicos; se le reconoce por sus bordes irregulares sin huellas de corte mecánico. La acuarela es un medio completamente transparente, que adquiere luminosidad gracias al color blanco del papel; por este motivo es necesario que el papel utilizado sea el correcto.

Tableros: los tableros son necesarios para fijar el papel.

Recipientes para agua: se debe contar por lo menos con dos recipientes para agua, uno con agua para lavar los pinceles y el otro con agua limpia para mezclar con los colores.

Paletas: las paletas son de metal, de porcelana o de material plástico con compartimientos para mezclar los colores. Se puede usar también platos o hueveras blancas.

Pincel esponja: es usado en acuarela y se forma con un trozo de esponja natural, colocado sobre un mango de pincel.

PAPELFuente: http://us.123rf.com/

TWO TOWERS / DAVIDE MAGLIACANO / 2013Fuente: http://www.behance.net/gallery/Two-Towers/7701187

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Como se mencionaba anteriormente la principal característica de la acuarela es su transparencia y ésta característica debe de explotarse al máximo. De acuerdo al profesorado del departamento de dibujo en I.E.S. Jorge Juan en su artículo sobre la acuarela y temperas, los tonos más claros los da el papel y a partir de este el acuarelista inicia de los tonos más claros a los oscuros.

De acuerdo a Alfiery (2010) los errores típicos cometidos al momento de trabajar con acuarela son:

• El pintar todo muy rápido en húmedo y nunca dejar que seque por etapas

• El quemar con demasiados colores sin fundir

• Usar mucha pintura y muy poca agua en el pincel

• Matar la luz natural del papel blanco con demasiado color

• Usar negro para sombrear

• Delinear con negro los contornos estando húmedo el papel

• Insistir en querer corregir errores o borrar con mas color y mas pinceladas lo que causa la ruptura del papel

• No saber trabajar con el fondo

Para aplicar la acuarela se debe aplicar capas finas de color. Estas capas reciben el nombre de lavados. Cuando éstas se secan se cubren con más lavados hasta llegar a los tonos de color deseados. Como se mencionaba anteriormente es necesario tener una clara idea de cómo será la composición, para aplicar la técnica con seguridad. Si no se tiene una idea clara se puede llegar a sobre trabajar la pintura. Si al finalizar la pieza se considera que los tonos deben reducirse se puede aplicar agua con un pincel esponja y luego absorberla, absorbiendo también un poco de color.

Existen diferentes maneras de aplicar las pinturas en la técnica de acuarela:

• Lavados planos: Este tipo de lavado es uniforme, sin variaciones de tono. Para lograrlo se humedece primero la zona que se va a pintar, se utiliza un pincel grande y se aplica la pintura.

• Lavado gradual: Este lavado es similar al lavado plano, pero el color se va haciendo progresivamente más oscuro.

• Lavado variegado: Es un lavado en que intervienen diferentes colores. Los colores se aplican sobre el papel humedecido, uno junto a otro, dejando que se fundan y encuentren sus propias formas en la zona que se va a cubrir.

• Punteado: Este procedimiento consiste en aplicar puntos de color sobre la superficie del papel húmedo o seco, y suele usarse para realizar texturas.

• Restregado: Se aplica pintura con un mínimo de agua en el pincel, generalmente para añadir detalles finales.

• Lavado y línea: La línea se puede emplear sobre lavado húmedo o seco, para acentuar las formas. También se puede aplicar lavados sobre línea ya secas, para atenuar su intensidad.

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F. TÉCNICA DE TINTA

De acuerdo a Dalley (1992) los ilustradores han usado la pluma y la tinta durante muchos siglos. Sin embargo actualmente su empleo está condicionado a las distintas técnicas de reproducción. Smith (1996) comenta que el dibujo a tinta y pluma tiene una larga tradición: su carácter particularmente incisivo ha demostrado ser muy conveniente para plasmar detalles minuciosos.

El artista solo necesita una hoja de papel, una pluma y algo de tinta para practicar esta técnica y esta permite una enorme variedad de expresión individual.

MATERIALES PARA APLICAR LA TÉCNICA DE TINTA

Tintas: Hasta cierto punto el tipo de pluma y el soporte que se utilizarán determinan la elección de tinta. Existen distintas tintas y tintas especiales para superficies especiales. En cuanto a tintas específicas de dibujo, son a prueba de agua ya que su densidad hace más fácil la reproducción y se fabrican en una amplia gama de colores. Estas tintas se secan rápidamente y tienen un acabado brillante, permitiendo superponer otros colores. Se pueden aplicar encima lavados, pues la tinta, una vez seca, ya no se corre ni altera.

Las tintas especiales solubles en agua actúan de un modo similar a la acuarela y se usan a veces en combinación con tinta a prueba de agua. Otras tintas de uso corriente son las que se empelan en los bolígrafos y en los rotuladores.

Papel: El soporte o papel utilizado influye mucho en la técnica y para esta en específico se recomienda experimentar. Si el papel es muy fino o de textura muy blanda, es fácil saturarlo de tinta, estropeando la superficie y atascando la plumilla. Como regla general, cuanto más fina sea la plumilla, más lisa debe ser la superficie del papel. Cuando se quiere combinar un dibujo de línea con lavados de tinta o acuarela, hay que emplear un papel adecuado para ambos medios.

NSTINCTIVE / DZO OLIVIER / 2012http://www.behance.net/gallery/INSTINCTIVE/5953575

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Tipos de pluma: Existen plumas de muy distintos tamaños y estilos sin embargo la elección es cuestión de preferencia personal, aunque existen plumas especialmente recomendadas para determinados efectos.

Plumillas: La plumilla va encajada en un palillero. Una de las ventajas de la plumilla es la gran variedad de cormas existentes: gruesas, finas, cuadradas, biseladas, flexibles y rígidas. La anchura, la forma y la flexibilidad determinan el carácter de la línea. Otra ventaja es que la misma plumilla puede usarse con tinta impermeable o con tinta soluble.

Plumas fuente o estilográficas: Tienen un depósito que se llena por succión. Su mayor ventaja es que son portátiles, sin embargo la mayoría de estas plumas no sirven para tinta impermeable.

Plumas técnicas con depósito: El depósito de tinta se llena a mano, con un recipiente de forma especial. Estas plumas funcionan mejor con sus propias tintas y la mayoría tienen puntas tubulares intercambiables, de distintos calibres.

BEHIND THE LINES / LINSEY LEVANDALL / 2013Fuente: http://www.behance.net/gallery/Behind-the-Lines/7071319

PLUMA CON DEPÓSITOFuente: http://www.departamentodedibujo.es/Dibujo_Tecnico_Primero/UD1/dt1_UD1_tema1_v04/24_estilgrafos_y_rotuladores.html

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G. TÉCNICA DIGITAL

Según Bonilla (2011) la ilustración digital es aquella que depende de una interfaz virtual para su realización. Existen varios programas para su realización y se eligen según el estilo de ilustración que se busca.

De acuerdo a Zeegen (2009) ninguna herramienta o proceso ha influido tanto en los métodos empleados por el ilustrador como el ordenador. El ordenador capacita al ilustrador para transformar el trazo del lápiz en un surtido de nuevos trazos.

El ordenador ha contribuido a nivelar la ilustración con otras disciplinas y la amplia gama de posibilidades digitales, unida a los conocimientos técnicos adquiridos por la mayoría de ilustradores, ha asegurado una relación más igualitaria con el diseño.

Los nuevos programas utilizados para la ilustración digital son una herramienta más como los materiales en las técnicas análogas. Bonilla (2001) comenta que así como en la ilustración análoga ésta depende de las capacidades del ilustrador, en la ilustración digital ésta depende del conocimiento del programa del ilustrador. Hay que adquirir práctica y familiarizarse con los programas para obtener los mejores resultados y generar un estilo propio.

Con estas nuevas herramientas se puede simular las técnicas análogas. La tecnología digital ayudó a cambiar el papel asignado a los ilustradores, ofreciéndoles la oportunidad de elegir los métodos de reproducción o la publicación en medios totalmente digitales como la web o la televisión. La posibilidad de utilizar la ilustración digital en proyectos de diseño abrió las puertas a un nuevo enfoque de creación de imágenes.

WHALE / ZUTTO / 2013 http://www.behance.net/gallery/various-works-2012/7053423

WE UP NORTH / THERESE LARSSON / 2013http://www.behance.net/gallery/We-Up-North/7694873

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1.4 Mezcla de técnicasDe acuerdo a Zeegen (2009) la ilustración no es una disciplina limitada al uso de medios específico y el ilustrador siempre ha sido libre para explorar una gran variedad de medios, creando imágenes a partir de cualquier cosa o sobre cualquier material que pueda parecer apropiado.

La mezcla de técnicas o técnica mixta se refiere a la utilización de dos o más técnicas análogas o digitales combinadas en una única composición. Aunque cada técnica tiene características muy peculiares y propias, el añadir distintas técnicas puede crear una mayor riqueza de texturas y sensaciones visuales. Es frecuente que lo que destaque en una obra sea el amplio espectro de medios utilizados. Sin embargo, también en algunas ocasiones esta mezcla puede parecer imperceptible a primera vista.

El mezclar técnicas ofrece a los ilustradores un nuevo e infinito rango de posibilidades.

GRAPHICS TEES ENERGIE / ANTONIO PALANZA / 2012Fuente: http://www.behance.net/gallery/Graphics-Tees-ENERGIE-FW12-13-INK-Pack/6041975

THE AIRSHIP / CARK KOCH / 2013Fuente: http://www.behance.net/gallery/The-Airship/6734825

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2. Proceso de ilustración

2.1 Proceso General de ilustraciónExiste un proceso general para generar una ilustración propuesto por Zeegen (2009). Independientemente del tipo de ilustración o técnica que se utilice, éste puede ser aplicado y lograr buenos resultados, aunque, si es necesario, éste puede modificarse según el tipo y técnica de ilustración.

• BRIEF

En algunas ocasiones el proceso de ilustración y el proceso creativo inicia con un brief de un proyecto. El brief es un documento que reúne la información básica sobre el proyecto. Es de gran importancia entender bien que es lo que se pide, así como también contar con toda la información relevante para llevarlo a cabo. Si no se cuenta con toda la información y no se comprende en su totalidad el proyecto desde el inicio puede llevar a multiplicar la cantidad de trabajo y crear disgustos y desacuerdos con el cliente.

Un brief provee información como el lugar donde aparecerá la ilustración, impresa o digital, las medidas y especificaciones de color (publicación en blanco y negro o a color). Se establecen plazos de entrega y el tiempo disponible para la entrega de un arte final.

Un brief puede entregarse de manera electrónica o en una reunión personal al ilustrador. Si se tiene la oportunidad de reunirse personalmente con el cliente es importante resolver toda duda que se presente, anotar cada uno de los detalles que el cliente comente ya que puede ser de importancia, aún si no está escrito en el brief que se entrega. Es también importante anotar todas las ideas que se generen en el momento en que explican el proyecto, ya que estas ideas pueden servir al iniciar el proceso creativo para generar la ilustración.

• CONCEPTUALIZACIÓN

Un proceso de conceptualización puede ser el segundo paso luego de recibir un brief informativo por parte del cliente. Sin embargo también puede ser utilizado como primer paso en el proceso creativo de la generación de una ilustración.

Es de gran importancia el crear las ilustraciones con base en un pensamiento creativo fuerte que las refuerce y proporcione ideas realistas y al mismo tiempo creativas para resolver una problemática o transmitir un mensaje. Si la ilustración se inicia con base en un concepto definido, ésta puede empujar al receptor a analizarla y pensar, y buscar obtener más información y conocer y comprender el tema que trata más a fondo. Las grandes ilustraciones son como grandes historias que requieren que el receptor se involucre para poder comprender el mensaje completo.

De acuerdo a Zeegen (2009) el concepto puede parecer escondido al inicio, pero logra transmitirse con éxito cuando el receptor desglosa la imagen. Una ilustración es efectiva en el momento en que logra unir una excelente técnica con un pensamiento creativo definido.

Las técnicas de conceptualización son técnicas utilizadas para estimular la producción de ideas y su evaluación, sirven para desarrollar las habilidades creativas ya sea individualmente o en grupo.

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En su presentación de “Técnicas creativas”, Retamal (2009) comenta que conceptualizar es el emitir conceptos, expresar ideas, representaciones mentales. No se llega a definir algo, a decir expresamente lo que ese algo es, sino generar un contexto, un significado y una valoración.

Según Margheritis y Santangelo (S.F.) las técnicas de creatividad o conceptualización son métodos que implican determinadas acciones que sirven como estímulo, como un entrenamiento creativo. Estos métodos permiten direccionar el pensamiento en etapas o procedimientos concretos, dan guías y crean un orden para lograr un objetivo pero también ayudan a liberarse de un pensamiento vertical habitual y generan ideas originales.

DOCUMENTACIÓN

Al iniciar cualquier proyecto de ilustración ya sea a partir de un brief o de la conceptualización, es recomendable investigar a profundidad el tema del que trata el proyecto. Cuanta más información se reúna sobre el tema, mejor pueden visualizarse nuevas ideas, nuevos caminos y soluciones. A menudo las mejores ideas aparecen inesperadamente pero esto ocurre cuando el proyecto ya ha sido estudiado o mínimo leído sobre el tema. El empezar la documentación y empaparse de cuanta información relacionada con el tema sea posible ayudará a iniciar la generación de ideas.

Dependiendo de la temática pueden variar los métodos más efectivos para reunir la información pero generalmente podrá utilizarse el Internet como principal herramienta, así como libros, diccionarios de sinónimos, etc.

INSPIRACIÓN

La inspiración para desarrollar un proyecto o generar ideas no proviene únicamente de la investigación del tema. Un ilustrador debe estar constantemente buscando la inspiración, materiales de referencia y recursos. La mayoría de ilustradores crean sus propios archivos de imágenes y objetos. La inspiración se puede encontrar en todas partes y aunque preparar este archivo de referencia puede tomar tiempo, vale la pena ya que puede llegar a ser un elemento muy útil durante el proceso creativo.

DESARROLLO DE IDEAS

Esta etapa consiste en recopilar todas aquellas ideas iniciales, notas que se han hecho en los pasos anteriores para poder llegar a un conjunto de ideas y pautas más claramente definidas. En esta etapa el brainstorming es muy útil, siendo una generación de ideas y pensamientos masiva. Luego se van evaluando las ideas, explorando posibles uniones de ideas, significados, pensamientos logrando nuevas y más complejas ideas y descartando aquellas que no son efectivas.

POSTER DHUB / CLASE BCN / 2013Técnica de conceptualización - Mapa mentalFuente: http://www.behance.net/gallery/Poster-DHUB/8122387

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SKETCHNOTES / TIMOTHY REYNOLDS / 2011Fuente: http://www.behance.net/gallery/Sketchnotes/2582191

REINDEER SKETCHS / CORINNE MASSACRY /2013Fuente: http://www.behance.net/gallery/Reindeer-sketchs-Croquis-de-rennes/6537379

Para llegar a una idea final es importante ser realistas pero creativos. Así se pueden llevar los resultados del brainstorm a un concepto completamente formado. Con un equilibrio entre el realismo y la creatividad.

BOCETAJE

Un boceto es un esbozo de los elementos del trabajo o proyecto perfilados vagamente. En los primeros bocetos son estudios rápidos y sirven como un método más para generar ideas a través de una exploración visual ya que en esta fase todo se vale y no se ha decidido ni descartado nada. Luego se pasa a una siguiente fase de bocetaje ya creando una serie de composiciones de prueba, a partir de los primeros bocetos, uniendo elementos, o composiciones completas de los primeros esbozos. En este paso se puede repartir el espacio disponible y definir más detalles concretos para proporcionar un enfoque más dinámico. En algunas ocasiones, generalmente al haber partido de un brief, al tener ya un boceto más definido, con detalles más concretos se envía este boceto al cliente para ser evaluado y puesto a prueba. Este debe de enviarse con un texto que explique las decisiones tomadas y la propuesta a partir de las indicaciones obtenidas en el brief.

De acuerdo a Zeegen (2009) en estas situaciones el cliente puede tener observaciones y pedir cambios que deberán presentarse una segunda vez. Al tener ya una propuesta final, con la aprobación del cliente o al estar conforme el ilustrador, se pasa a la fase de la realización. Dependiendo del estilo y técnica que el ilustrador desea implementar va cambiando el proceso para aplicarlas, ya que cada una de las técnicas tiene características particulares que requieren de un uso especial.

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2.2 Proceso de ilustración en acuarelaAl tener ya una boceto final de una ilustración se puede proceder a aplicar la técnica de preferencia. El proceso de ilustración con acuarela no es igual al proceso para crear una pintura tradicional con la técnica de acuarela. El proceso de ilustración con acuarela comienza con el elegir el soporte en que se realizará. Luego se realiza sobre este el dibujo final bien acabado. Puede realizarse con suaves trazos con un lápiz común, aunque se recomienda utilizar lápices acuarelables.

De acuerdo a Sanmiguel et al (2003) al tener el boceto final se procede a aplicar la técnica iniciando con los tonos claros, diluyéndolos con bastante agua. Se pintan todas las zonas de la ilustración aplicando degradados en los fondos amplio y humedeciendo las zonas que se van a pintar antes de aplicar el color en sí.

Se van aplicando tonalidades claras de baja intensidad, y logrando intensificar los tonos poco a poco superponiendo capas de color, en las áreas que se requiera.

Al finalizar, se deja secar y pueden hacerse retoques ya sea con la misma técnica o mezclando técnicas como por ejemplo con tinta o crayones.

LA LOTERIA DE LOS MONTAÑESES 2011 / JORDI SELLES PASCUAL / 2012Fuente: http://jordisellespascual.blogspot.com/2012/03/proceso-de-ilustracion-de-la-acuarela.html

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3. Comunicación visualDe acuerdo a Baldwin y Roberts (2007), la comunicación es la base de nuestras relaciones y de nuestra forma de comprender el mundo. Se llama comunicación al proceso por el cuál se transmite información entre un emisor y un receptor.

La comunicación visual es un término muy amplio, y puede ser entendido desde varias perspectivas diferentes. Según Baldwin y Roberts (2007) actualmente la comunicación visual está en todas partes y es por esto que se tiende a no darle importancia, sin embargo es vital entender nuestro entorno visual, porque las imágenes que nos rodean son el medio que más nos influye.

Existen dos perspectivas de la teoría de la comunicación que no son fruto de un estudio de lo visual, sino que nacen de la tecnología y de la lingüística. Esto se debe a que las artes y los oficios visuales toman prestadas muchas teorías propias de la psicología, la sociología, la política, los medios y los estudios sobre la comunicación.

Para poder entender lo que es la comunicación visual se deben de entender ciertos conceptos que conforman los mensajes que se transmiten a través de ésta.

3.1 SignoSe inicia con el signo. Según Crow (2008) un signo es una cosa que representa a otra ante alguien en alguno de sus aspectos. Se dirige a alguien y por esto crea en la mente de esa persona un signo equivalente o quizás un signo más desarrollado.

Elementos

Existen tres elementos fundamentales que componen el signo:

• El significante: la forma que adopta el signo. “Bicicleta”

• El significado: a qué se refiere el signo

• La persona que utiliza el signo.

El signo se crea por la unión de todos sus elementos.

BICICLE / BALAM CREAK / 2012http://www.behance.net/gallery/bicicle/5605003

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Requisitos

Los signos deben cumplir tres requisitos:

1. El significante debe ser una cosa y no un concepto. El significante suele describirse como un objeto físico que incluye sonidos y letras. Las cosas que se pueden tocar y también las marcas visuales, como los logos y los dibujos son significantes. 2. Deben referirse o significar algo distinto a lo que son. En otras palabras, el concepto al que se refiere el significante es el significado.

3. Finalmente todos los que utilicen el significante para comunicarse deben entender que se refiera al significado. Suele ser específico de un nivel social o cultural, ya que los signos forman parte de los códigos que utiliza un grupo para comunicarse.

Categorías

Charles Sanders Pierce, reconocido como fundador de la escuela de semiótica norteamericana, definió tres categorías de signos:

• Ícono: Un signo icónico es aquel que se parece físicamente a aquello que representa, como por ejemplo una fotografía. También existen palabras icónicas, en las que el sonido se parece a la cosa representada.

• Índice: Existe una relación directa entre el signo y el objeto. Por ejemplo el humo es un índice de fuego.

FRIGOR - NOVELTY / FERNAN BONSERIO / 2013Fuente: http://www.behance.net/gallery/Frigor-Novelty/6717277

{SMOKE // FIRE} 2 / BENJAMIN LOZNINGER / 2013Fuente: http://www.behance.net/gallery/-SMOKE-FIRE-/7782479

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• Símbolo: En esta clase de signos no hay conexión lógica entre el signo y su significado. Para funcionar dependen exclusivamente de que la persona que los percibe haya aprendido la relación entre el signo y su significado. La relación entre significante y significado es arbitraria, funcionan según normas acordadas.

Niveles de propiedades

Crow (2008) indica que Pierce además de definir las tres categorías de signos también identificó tres niveles de propiedades de signos, la primariedad, secundariedad y terceriedad.

• Primariedad: Es una sensación de algo. Podría describirse como un sentimiento o estado de ánimo.

• Secundariedad: Es el nivel de los hechos. La relación física entre una cosa y otra.

• Terceriedad: Este nivel es un nivel mental. Es el nivel de las reglas generales que reúnen a los otros dos en una relación. Vincula el signo al objeto mediante una convención.

El significado que se obtiene de un signo puede funcionar en más de un nivel a la vez.

Convención

Es el acuerdo con respecto a cómo debemos responder ante el signo. El significado procede de la convención hasta tal punto que los signos con poca convención deben ser muy icónicos para llegar a un público amplio. Dicho de otro modo, un signo con poca convención necesita ser altamente motivado.

Motivación

El término se emplea para denotar en qué grado el significante describe el significado. Un signo muy motivado es muy icónico. Un signo simbólico puede describirse como inmotivado. Cuanto menos motivado esté el signo más importante es que el lector conozca las convenciones que ayudan a descifrar la imagen.

Crow (2008) menciona que sean cuales sean los términos empleados, las categorías no son incompatibles y pueden funcionar en conjunto, por ejemplo un ícono y un símbolo al mismo tiempo.

MOÑA NEGRAFuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/0a/Black_Ribbon.svg/200px-Black_Ribbon.svg.png

MOÑA ROSAFuente: http://www.pinklacewigs.com/assets/images/pink_cancer_ribbon.jpg

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Según Baldwin y Roberts (2007) en la comunicación visual se trabajan dos ángulos principales. El primero derivado de la tecnología de la información, considera la comunicación como un proceso lineal en el que el mensaje o la idea pasa de A a B. El segundo enfoque con base en la lingüística, considera la comunicación como la producción de un significado y sugiere que dos personas pueden interpretar un mismo mensaje de formas distintas.

Al primer enfoque, aquel que se basa en la tecnología de la información, se le llama teoría del proceso. Por esto se pone mayor acento en el emisor y en el canal o medio utilizado para transmitir el mensaje. El segundo se conoce como semiótica y este se centra en el destinatario y en su entorno social, político y económico.

Baldwin y Roberts comentan que aunque ambos suelen verse como modelos de comunicación rivales, en realidad tienen mucho en común, por lo que vale la pena considerar que ambos esquemas son complementarios, en lugar de opuestos.

3.2 Teoría del procesoEste proceso puede aplicarse a todos los métodos de comunicación humana. De la forma más simple y general, la fuente de información transmite un mensaje a través de un canal. El emisor convierte el mensaje en una señal que posteriormente el receptor vuelve a convertir antes de llegar a su destino

De acuerdo a Baldwin y Roberts (2007) en una versión de diseño o ilustración de este proceso, el mensaje o idea del cliente son codificados por el diseñador o ilustrador y el destino se convierte en el público. En este proceso el ámbito del diseñador o ilustrador es en gran medida a nivel semántico de la comunicación. Su papel es transmitir el significado deseado, sin cambiarlo, solamente reforzarlo.

La principal característica de este enfoque es que el significado se produce antes de que llegue al receptor.

Fuente de Información EMISOR

FUENTE DE RUIDO

RECEPTOR DESTINO

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3.3 SemióticaBaldwin y Roberts (2007) comentan que a diferencia de la teoría del proceso, el primer enfoque de la comunicación visual, la semiótica sugiere que la comunicación no es un proceso en el que el mensaje pasa de un punto a otro, sino que consiste en la propia producción de ese mensaje.

La comunicación y la cultura visual son áreas de estudio relativamente nuevas. Anteriormente, la teoría del arte y del diseño se concentraba en aspectos técnicos, en elementos como el cuadriculado, la tipografía, la sección áurea, el color, el proceso de impresión o los tejidos. Actualmente también se pone gran énfasis en la semántica y la efectividad del diseño, sin embargo se ha tenido que sacar ideas de otras disciplinas. La semiótica empezó como una manera de estudiar la lingüística, intentando explicar cómo nos comunicamos verbalmente. Pero cuando se analizan muchos aspectos de la semiótica, que aparentemente no tienen ningún sentido, rápidamente se descubre que es una parte importante de la comunicación visual.

Toda asociación o convención depende de un contexto, ya que algunos colores o símbolos significan cosas completamente distintas en diferentes lugares del mundo. Es por esto que independientemente del significado que el emisor tenga en mente, los mensajes pueden leerse de maneras inesperadas, por lo que los signos tienen dos niveles de significado el intencionado o denotación y el que entiende la otra persona o connotación.

De acuerdo a Moreno (2006) denotación es una definición objetiva, es la relación entre un signo y su referente, es decir aquello a lo que se refiere. Connotación se refiere a el conjunto de valores subjetivos que tiene el signo y que varía según el observador. La connotación es la interpretación del significado del signo según el concepto de los observadores, según los signos y valores de la cultura.

Según Crow (2008) la connotación es arbitraria por cuanto los significados aportados a la imagen en este nivel se basan en reglas o convenciones que el lector ha aprendido. Debido a que las

convenciones cambian de cultura en cultura se deduce que las reglas para leer las imágenes varían también según comunidades.

POLISEMIA

Según Baldwin y Roberts (2007) otro concepto importante en la comunicación visual es la idea de polisemia o de varios significados. El significado puede cambiar a medida que se va pensando en él, y cuando descubre uno nuevo se van pensando en otros a continuación, algo conocido también como cadena de significantes.

Hay que tener en cuenta también que un texto puede fijar un significado. En el momento en que se añade un texto a una imagen, esta queda cerrada, deja de estar abierta a la interpretación, sin embargo pueden aplicarse varios y diferentes textos, y a partir de este es que se crea el significado.

A menudo, los signos pueden interpretarse dependiendo no sólo del contexto inmediato, sino también de las experiencias de quienes los leen. Cuando los signos representan conceptos se dice que son ideológicos, lo que los convierte en sumamente poderosos.

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3.4 Mensaje visualSegún Crow (2008) Roland Barthes desarrolló un sistema de lectura de combinaciones de texto e imagen que comprende tres tipos de mensaje

• Mensaje lingüístico: Es el propio texto, usualmente utilizado en forma de slogan o lema que acompaña la imagen. La lectura de este tipo de mensaje requiere el conocimiento previo de la lengua utilizada.

• Mensaje icónico no codificado: Este tipo de mensaje funciona en el plano de la denotación.

• Mensaje icónico codificado: Es un mensaje simbólico que funciona en un plano de connotación. El lector participa de la lectura al aplicar su conocimiento del código sistemático de la imagen.

3.5 COMPONENTES DE UN MENSAJE VISUALEl texto y la imagen, de acuerdo a Ambrose y Harris (2006), han sido durante mucho tiempo la base de la comunicación visual. Comentan que esta potente relación permite crear multitud de significados diferentes. Sin embargo es posible utilizar una sin la otra y de igual manera comunicar mensajes impactantes.

TEXTO EN UN MENSAJE VISUAL

La adición de texto en una imagen puede ser un método para modificar su significado. Cuando un texto se asocia con una imagen puede tener dos funciones:

• Anclaje: El anclaje dirige al observador a través de ciertas posibles lecturas de la imagen. En cuanto a un mensaje icónico codificado, el texto ayuda al lector a interpretar los significantes que se le presentan. En cuanto a la imagen denotada el texto añade reconocimiento. El texto anclado tiene un valor represivo en la contemplación de una imagen.

ANUNCIO NEW BALANCEFuente: http://1.bp.blogspot.com/_w7S249KBZso/TIZvpFxY8qI/AAAAAAAAACI/kNgeso5OEvw/s1600/2114890404_c5d98e5f93.jpg

MENSAJE DECODIFICADOFuente: http://4.bp.blogspot.com/_cy2MUCchaV0/TTyEhOtOIFI/AAAAAAAAABU/BnFRzBCjUGs/s1600/mensaje+decodificado.JPG

MENSAJE CODIFICADOF ue n te :h t t p : / / 3 . b p . b l o g s p o t . c o m / _ c y 2 M U C c h a V 0 / T T y E X 6 q A - y I /AAAAAAAAABM/0kU4RhqmHEw/s1600/mensaje+codificado.jpg

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• Relevo: El texto es usualmente un fragmento de diálogo y funciona como complemento de la imagen. El texto de relevo se adelanta a la lectura de las imágenes y proporciona significados que no se encuentran en las propias imágenes.

EJEMPLO DE RELEVOCOMIC

Fuente: http://productionoftexts.blogspot.com/2010/10/trabajo-autonomo-semana-8_05.html

LA IMAGEN EN UN MENSAJE VISUAL

De acuerdo a Almanza (2010) una imagen es una representación figurativa de una cosa u objeto en la mente, la figura de un objeto formada en un espejo, pantalla, placa fotográfica, etc. Una imagen puede ser tanto bidimensional como tridimensional, así como generada en la mente, motivada por ciertos estímulos.

Según Ambrose y Harris (2006) una imagen juega un papel esencial en la comunicación de un mensaje, ya sea si se utiliza como el elemento principal o como uno secundario, por lo que son un factor clave en el establecimiento de la identidad visual de una obra. Estas imágenes pueden ser tanto fotografías como ilustraciones. De acuerdo a los autores, las imágenes son efectivas porque establecen una comunicación inmediata o una idea o instrucción, son información detallada o una sensación que el lector puede comprender inmediatamente. El uso de la imagen queda determinado por muchas consideraciones, incluido el impacto que se desea dar, a quién va dirigida, la estética del proyecto, la función que debe tener la imagen y lo audaz o conservador que deba ser el diseñador. Las imágenes pueden tener un profundo impacto en el resultado y en el éxito de una obra debido a la reacción emocional que provocan en el observador. Sin embargo si se usan mal pueden provocar una retracción o contrarrestar el efecto del mensaje.

EJEMPLO DE ANCLAJE

LA NOCHE ES DE LOS TOROSht tp : / /www.a lo j . us .es /ga lba /D IG ITAL /CUATRIMESTRE_I I / IMAGEN-PAGINA/imagenes/5.jpg

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Fuente: http://tamara-narrativadigital.blogspot.com/2012/06/la-imagen.html

3.6 Retórica en el mensaje visualLa retórica es la ciencia de hablar bien. La retórica consiste en una técnica específica de argumentación y exposición para la persuasión mediante figuras retóricas. Según Regalado (2006) la retórica es la sintaxis del discurso connotativo, la forma de organizar los elementos clave de significación de una imagen.

Ricupero (2007) asegura que la retórica puede aportar un método de creación a la comunicación visual. El proceso creativo se facilita y se enriquece si los diseñadores toman plena conciencia de un sistema que utiliza de modo intuitivo. A través de la retórica visual se logra potenciar el mensaje y frente a este el receptor toma una posición activa y podría incluso llegar a modificar hábitos en su conducta.

Moles y Costa (2005) comentan que en términos generales la retórica visual se trata de el modo de decir, mas o menos independientemente de lo que se dice.

De acuerdo a Escudero (1994) se entiende figura retórica como el uso lingüístico que diverge del corriente por adjunción (acumulación de elementos), supresión, permutación (cambio de lugar) o sustitución de uno por otro. Por lo tanto, la utilización de la figura parece suponer un desvío del uso lingüístico normal que se atribuye generalmente a la lengua especial de la oratorio o de la creación literaria.

El uso de figuras retóricas a través del lenguaje visual consiste en emplear ciertos elementos del código icónico para transmitir un sentido distinto del que propiamente les corresponde y una imagen puede contener varias figuras retóricas.

A continuación se presenta una muestra de las figuras retóricas más comunmente aplicadas en los mensajes visuales.

MUESTRA DE FIGURAS RETÓRICAS

MetáforaLa metáfora es una figura retórica que aplica un concepto o expresión relacionada a un objeto o idea particular a otra palabra o frase dando a entender que hay similitud entre ellas.

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Fuente: http://retoricavisual.wikispaces.com/02.metonimia

Fuente: http://extremisimo.com/curiosiades-de-internet-en-general/

MetonimiaEs una figura retórica relacionada con la Metáfora que consiste en no utilizar la palabra formal de un objeto o sujeto y en su lugar referirse a éste con el nombre de otra basándose en la relación de proximidad existente entre el objeto real y el objeto representado. Los casos más frecuentes de metonimia son las relaciones tipo causa-efecto y las del todo por la parte.

Doble sentidoEs una figura que consiste en que una frase puede ser entendida de dos maneras, usualmente como una forma de humor o también (mediante el uso de metáforas) como poesía.

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Fuente: http://lysanconsulting.blogspot.com/2009/11/recursos-visuales-en-grafica.html

Fuente: http://danhdelarge.blogspot.com/

HipérboleHipérbole es una Figura retórica que consiste en ofrecer una visión desproporcionada de una realidad, exagerando un aspecto de la realidad (situación, característica o actitud), ya sea por exceso o por defecto. La Hipérbole tiene como fin conseguir una mayor expresividad.

AlusiónFigura retórica que consiste en hacer referencia a un hecho o realidad sin nombrarlo.

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Fuente:http://yocomunicador.wordpress.com/2009/01/21/figuras-retoricas-en-publicidad-ejemplos/ Fuente: http://unaformadeinterpretar.blogspot.com/2010/04/intuicion-descubrimiento-e-

innovacion.html

ElipsisEs una Figura retórica que consiste en omitir alguno de los elementos de la frase con el objetivo de conseguir un mayor énfasis.

IroníaLa ironía consiste en dar a entender lo contrario de lo que se dice, pero que por el contexto el receptor puede reconocer la verdadera intención del emisor. La Ironía utiliza un tono de expresión a menudo burlesco.

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Fuente: http://blogvecindad.com/buen-poster-utilizando-las-onomatopeyas/

Fuente: http://morfologiadelolivo.wordpress.com/2011/05/11/a-proposito-de-las-figuras-retoricas/

OnomatopeyaLa onomatopeya consiste en la utilización de palabras para imitar sonidos naturales.

OxímoronEl oxímoron consiste en reunir dos conceptos de sentido opuesto que se complementan para resaltar el mensaje que se quiere transmitir.

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Fuente: http://josephlucas.blogspot.com/2012/10/imagenes.html

Fuente:http://vi.sualize.us/calle13_38_572_800_pixeles_sin_fin_publicidad_perspective_repeticion_picture_35ao.html

ProsopopeyaLa prosopopeya consiste en atribuir a seres inanimados o abstractos, cualidades propias de los seres animados.

RepeticiónLa Figura retórica de repetición consiste en la reiteración de palabras o de otros recursos expresivos que genera una relevancia poética.

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Fuente: http://retoricavisual.wikispaces.com/02.metonimia

SinécdoqueSinécdoque es un tipo de metonimia que consiste en expresar la parte de un objeto por el todo o el todo por la parte.

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3.7 HERRAMIENTAS O ELEMENTOS VISUALESUn mensaje visual se compone a partir de un lenguaje visual y los principales componentes de un mensaje visual son, como se mencionaba antes, el texto y la imagen. Sin embargo estos componentes están a su vez compuestos por herramientas de configuración o elementos visuales. Estas herramientas o elementos son el tamaño, la tipografía, las figuras o formas que conforman una imagen, el color y la textura.

TAMAÑO

De acuerdo a Acaso (2009) lo primero que se debe de considerar como un profesional del lenguaje visual son las dimensiones físicas de un producto visual. El tamaño se selecciona en relación con la escala del espectador, a través de un sistema de comparación, produce una relación física, con la representación visual: o es más grande o más pequeña que el que analiza la imagen.

El tamaño es relativo si lo describimos en términos de magnitud y pequeñez, pero sí es físicamente mesurable.

TIPOGRAFÍA

Según Ambrose y Harris (2006) la tipografía es el medio por el que se le da una forma visual a una idea escrita. La selección de la tipografía puede afectar de forma drástica a la legibilidad de la idea escrita y la sensación que despierte en el lector.

La tipografía puede llegar a producir un efecto neutro, simbolizar movimientos artísticos, políticos o filosóficos, expresar la personalidad de una persona o una organización. Los tipos de letra varían desde las letras más claras y legibles que fluyen fácilmente y son funcionales para grandes bloques de texto, hasta tipografías más decorativas y atractivas que llaman la atención.

Muchas tipografías utilizadas hoy en día se basan en diseños creados durante épocas históricas anteriores. Sin embargo éstas siguen evolucionando constantemente resultando en cientos de tipos distintos.

La tipografía establece un tono, por lo que se debe escoger la opción apropiada acorde al mensaje que se quiere transmitir y al público al que va dirigido.

Samara (2008) comenta que sea cual sea su forma, los caracteres tipográficos conllevan mensajes más allá de las palabras que representan, por lo que se pueden lograr respuestas emocionales y asociaciones en el espectador a partir del tipo de letra.

La respuesta que se obtiene en los espectadores es subjetiva y se basa en su experiencia y en su transfondo cultural. A través de una elección de tipografía acertada con trazos y detalles específicos se puede conectar efectivamente con determinado grupo. Esto es parte del proceso de comunicación.

Aunque no hay reglas estrictas e inamovibles para este proceso de selección, existen algunos aspectos técnicos que se deben tener en cuenta como el estilo, el grosor, etc. que facilitan la selección.

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Anatomía Cuerpo

Según Ambrose y Harris (2006) el cuerpo de letra es el tamaño vertical del cuerpo de un carácter, incluido el espacio que queda por encima y por debajo de sus astas. El término cuerpo de letra surge por el cuerpo sólido que servía de soporte a la cara de impresión de un carácter cuando se utilizaba una imprenta de tipos. Es por eso que los caracteres siempre son ligeramente más pequeños a la medida de su cuerpo.

Las medidas más comunes que resultan efectivas para la lectura son entre 8 y 10 puntos. El uso de diferentes cuerpos de letra en un mismo texto genera jerarquía, por lo que se comprende que el texto de mayor cuerpo es de mayor importancia y se lee antes.

Sistema de puntos

De acuerdo a Ambrose y Harris (2006) tradicionalmente para especificar dimensiones tipográficas se utiliza el sistema de puntos. En este sistema las unidades de medida son puntos y picas. El cuerpo de texto se especifica en puntos, que equivalen a 1/72 de pulgada.

12 puntos = 1 pica1 punto = 0.35 mm1 pica = 4.22 mm

Una pica tiene 12 puntos y una pulgada tiene aproximadamente 6 picas. La pica se utiliza más comúnmente para las medidas tipográficas lineales por lo que la longitud de una línea de texto se mide en picas.

Fuente; http://articulo.mercadolibre.com.ar/MLA-449010138-tipografias-antiguas-en-madera-de-5-cms-letras-de-imprenta-_JM?redirectedFromParent=MLA447085228

ANATOMIAhttp://profesorasanemeterio.blogspot.com/2012/09/practicando-la-plumillapaciencia.html

ANATOMIAAmbrose y Harris (2003) Fundamentos del diseño creativo. Barcelona, España. Parramón

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Familias tipográficas

Una familia tipográfica consiste en todas las variaciones de una tipografía. Incluye todos los grosores, anchos y cursivas. Ambrose y Harris (2006) comentan que estas son una útil herramienta de diseño porque ofrecen al diseñador una gama de variaciones que se pueden combinar de forma limpia y simple.

ALLERAller LightAller Light ItalicaAller RegularAller ItalicaAller BoldAller Bold Italica

Fuente: http://disenopreimpresionpastorrebeca.wordpress.com/page/2/

Interletraje

El interletraje es el espacio que separa las letras o caracteres. Algunas tipografías tienen combinaciones en que se nota demasiado espacio intermedio, lo que puede resultar en que algunas palabras resulten difíciles de leer. La acción de ajustar el interletraje se conoce como kerning. El kerning logra conseguir un equilibrio en el aspecto de la tipografía ya sea porque cuenta con mucho o muy poco espacio entre sus caracteres.

Estructura

De acuerdo a Samara (2008) la forma de las letras en todas las tipografías varia según seis aspectos: caja, peso, contraste, anchura, postura y estilo.

• Caja: Cada letra del alfabeto occidental se presenta en un formato grande (mayúscula) y un formato pequeño, más informal (minúscula). La mayúscula requiere más espacio entre las letras para facilitar la lectura. Las minúsculas presentan más variaciones y se reconocen con mayor rapidez en el texto.

• Peso: El peso se refiere a el grosor, una tipografía puede ser fina, redonda, negrita y supernegra (aumentando el peso del trazo). Cuando se trata de una misma tipografía con los diferentes pesos, estas variaciones definen una familia tipográfica. Las variaciones del peso ayudan tanto a añadir contraste visual, como a distinguir entre los elementos dentro de una jerarquía.

Fuente: http://www.creativosonline.org/blog/que-es-la-justificacion.html

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• Contraste: Las astas de una letra pueden ser uniformes en cuanto al grosor o pueden variar de forma significativa. Cuanto mayor sea esta variación, mayor será el contraste que la letra mostrará.

Fuente: http://manjoleteira.wordpress.com/2010/09/08/entender-la-tipografia/

M a b c

M M n n N N

• Ancho: El ancho proporcional de las letras se basa en la anchura de la M mayúscula. Las letras más estrechas se dice que están condensadas, mientras que las más anchas están extendidas o expandidas.

• Postura: Las letras romanas son aquellas cuyo eje vertical forma un ángulo de 90 grados con la línea base. Las letras cursivas, desarrolladas por eruditos humanistas durante el Renacimiento, se inclinan 12 a 15 grados a la derecha, para imitar el trazo de la letra manuscrita.

• Estilo: Estilo se refiere a las dos clases principales de letras romana y palo seco. También puede referirse al período histórico en el que el carácter tipográfico era dibujado y la relativa neutralidad o calidad decorativa de un carácter tipográfico.

Romana Palo SecoClasificación

La clasificación de familias tipográficas se basa en las apariencias. En un sentido más general las fuentes se clasifican según sus características. De acuerdo a Samara (2008) la clasificación es una forma de organizar los estilos y a ayudar a elegir más efectivamente el tipo de letra adecuado para cada proyecto. A lo largo de los años se han desarrollado varios sistemas de clasificación y éstos van cambiando según van apareciendo nuevos estilos, sin embargo ciertas categorías se mantienen constantes.

Las diferencias entre las tipografías sirven como un buen elemento para evaluar todas las opciones y elegir aquella que ayuda a transmitir un tipo de mensaje específico.

Las tipografías constantes en la actualidad son las siguientes:

• AntiguaGaramond

ABCDEFGHIJKLMNOPQRSTUVWXYZabcdefghijklmnopqrstuvwxyz

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Tipografía como imagen

Además de su función principal, el comunicar palabras, la tipografía también puede utilizarse como un símbolo y comunicar a través de su representación visual algo más que lo que los significados de las letras.

La tipografía como imagen, tiene una gran fuerza ya que aprovecha el significado que se asocia con un estilo gráfico determinado más el elemento comunicativo de lo que dice o representan los caracteres.

Amatic SC

ABCDEFGHIJKLMNOPQRSTUVWXYZ

• Manuscrita

WHOLE LOTTA LOVEhttp://www.behance.net/gallery/Whole-lotta-love/7790199

EAT MY BRAINht tp : / /www.behance .ne t /ga l le ry /TYPOGRAPHY/3279125

• Palo secoFranklin Gothic Book

ABCDEFGHIJKLMNOPQRSTUVWXYZabcdefghijklmnopqrstuvwxyz

• Caligráfica

• Decorativas

HaloHandletter

ABCDEFGHIJKLMNOPQRSTUVWXYZabcdefghijklmnopqrstuvwxyz

barlow by thunderpanda

ABCDEFGHIJKLMNOPQRSTUVWXYZ

• SimbólicaEntypo

HaloHandletter

ABCDEFGHIJKLM

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COLOR

Según Ambose y Harris (2006) el color se ha convertido en un elemento básico en la comunicación visual. El color provee un mayor dinamismo, atrae la atención y puede utilizarse para despertar respuestas emocionales. Además puede servir como un código contribuyendo a la organización de elementos, dirigiendo la atención de un elemento al siguiente o agrupando elementos de naturaleza similar ayudando así al receptor a obtener información más ordenada y precisa.

El color tiene diferentes valores emotivos o simbólicos según la experiencia personal del espectador así como su trasfondo cultural. El poder que tiene el color para alterar un mensaje es una de las principales razones por las que se utiliza y se le da una gran importancia en la composición.

Samara (2008) comenta que el color se define a partir de cuatro cualidades básicas: tono, saturación, luminosidad y temperatura.

Tono: De acuerdo a Dabner (2005) el tono es un término que se utiliza para indicar lo que distingue un color de otro. Es el nombre genérico para el color, por ejemplo: rojo, naranja, etc.

Luminosidad: Dabner comenta que es la mayor o menos luminosidad de un color. Un color con blanco añadido se llama pastel, un color con negro añadido se llama oscuro.

Rojo

Naranja

Amarillo

Verde

Azul

Fuente: http://pintarcrearpensar.blogspot.com/2010/01/teoria-del-color-1.html

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Temperatura: La temperatura es una cualidad subjetiva y empírica. Un color cálido evoca el calor, un color frío evoca frialdad. Los colores parecen más calidos a medida que disminuye el amarillo y aumenta el rojo.

Saturación: Equivale más o menos a la intensidad del color. Hace referencia a si el color es vibrante o apagado. Una línea de alta intensidad es un color vivo, mientras que una de baja intensidad es un color apagado.

Fuente: http://estodoarte.blogspot.com/2012_04_01_archive.html

Círculo cromático

Fuente: http://www.caborian.com/lab22-armonia-y-contraste-de-colores-saturacion-de-color/

FRANCESC SUBIRATShttp://sobrecolores.blogspot.com/2010/12/que-es-el-circulo-cromatico.html

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Psicología del color

Según Samara (2008) el color tiene un componente emocional, el cuál está relacionado con la experiencia del receptor, a un nivel instintivo y biológico. Los colores de distintas longitudes de onda tienen diferentes efectos sobre el sistema nervioso del receptor. Los colores cálidos, como por ejemplo rojo y amarillo, tienen amplias longitudes de ondas, es por esto que para procesarlos es necesario un mayor nivel de energía. Este aumento de energía se traduce en excitación, mientras que, al procesar un color frío, con una longitud de onda menos, resulta en un efecto sedante y calmante.

Así mismo las propiedades psicológicas del color dependen de la cultura y la experiencia personal del individuo.

De acuerdo a Ricupero (2007) el color amarillo es el color de la plenitud, de la juventud y los niños. Suele interpretarse como activo, animado, jovial, excitante. Puede significar también egoísmo, celos, envidia, adolescencia, risa, placer, iluminación, alegría, etc. El color amarillo siempre empuja hacia delante, hacia lo más moderno y nuevo, encaminando hacia el futuro. Según Navajas (2011) el color amarillo es cálido pero en menor medida que el rojo. Es un color optimista que invita a la actividad. Puede indicar peligro así como representar dinero y avaricia.

Ricupero comenta (2007) que el color rojo significa vitalidad, es el color de la pasión, de la fuerza y del fuego. De acuerdo a Navajas (2011) el rojo es el color más cálido, en ciertas ocasiones puede ser contradictorio y tiene un gran peso en el contexto en que se expresa. Éste color se relaciona con el amor, la pasión, la energía, así como también con la cólera, agresividad, odio, violencia, placer, etc.

El color rojo tiene un poderoso simbolismo, transmitiendo pasiones y

emociones intensas. En los países orientales se relaciona con la suerte y no tiene connotaciones negativas como en occidente. Visualmente ocupa las posiciones más cercanas.

El color naranja es hipnótico. De acuerdo a Ricupero (2007) el naranja posee fuerza activa, radiante, con un carácter acogedor, cálido y estimulante. Refleja optimismo, diversión y dinamismo. De acuerdo a Navajas (2011) es un color que se relaciona grandemente con el sabor y la comida. Es muy llamativo, por lo que se utiliza como advertencia y refleja peligro.

El color azul es un color que refleja tranquilidad y conlleva una profundidad solemne. Según Ricupero (2007) el azul transmite una sensación de placidez y tranquilidad. Es un color frío, y reservado que expresa armonía, amistad, fidelidad, serenidad, confianza, etc. Se relaciona el color azul con la inmensidad y divinidad así como con el agua, por lo que se considera un color frío, transparente y profundo.

De acuerdo a Ricupero (2007) el color verde es un color tranquilo y sedante. Representa vegetación, frescor y la naturaleza en general. Es un color que transmite una calma indiferente no transmite una sensación de gran impacto como alegría o pasión. El color verde en el que predomina la tonalidad amarilla es activo, a diferencia del verde en que predominan las tonalidades azules el cual es sobrio y sofisticado. Principalmente el color verde es el color de la esperanza. Simboliza salud, vitalidad, frescura por su relación con la naturaleza, la naturaleza sana y viva.

amarillo

rojo

verde

azul

naranja

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El color negro es el color del misterio, de lo malicioso. Es un color elegante y fuerte, noble, especialmente cuando es una tonalidad brillante. Igualmente representa la noche, la muerte, como las características positivas. Destaca sobre otros colores y sirve como un delimitador. A pesar de la predominancia de su connotación negativa, el significado varía según el color que lo acompañe.

El color blanco expresa paz, felicidad, pureza e inocencia. Así también expresa infancia, divinidad, estabilidad y calma. El blanco es el color de la luz, de la nada sobre el cuál cualquier otro elemento puede destacar. Todo lo blanco está limpio y da la sensación de amplitud y comodidad.

El color gris sirve como un color neutral, al igual que el color negro y blanco. Simboliza la indecisión y la ausencia de energía, expresa duda y melancolía.

El color café es un color que se asocia con los estados de monotonía, tranquilidad y seriedad. Es un color clásico, antiguo y noble que infunde respeto por la jerarquía y que se asocia al paso del tiempo. El color café es severo, masculino, confortable que evoca imágenes de naturaleza y que refleja la tierra.

TEXTURAS

La textura es un elemento visual que sirve como un doble como un remplazo visual de las cualidades táctiles, aunque es posible que una textura sea solamente óptica y no táctil.

La textura es un elemento visual necesario para la comprensión de la percepción espacial, al igual que la luz, y la visión de la profundidad depende de la textura en gran medida ya que ésta es el producto de la conjunción de dos imágenes dispares; si no existe disparidad, la percepción es más difícil.

Tipos de texturas

• Visuales: Las texturas visuales son las que podemos percibir sólo a través del sentido de la vista.

negro

blanco

gris

café

Fuente: http://www.aloj.us.es/galba/DIGITAL/CUATRIMESTRE_II/TECNICAS/textura.htm

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• Táctiles: Las texturas táctiles son aquellas que podemos percibir a través del tacto.

• Naturales: Las texturas naturales son aquellas que existen en la naturaleza, son aquellas que tienen las superficies y cuerpos de la naturaleza: el tronco de un árbol, la piel de un animal, etc.

Fuente: http://disenartelpardo.blogspot.com/2012/11/textura.html

• Artificiales: Las texturas artificiales son aquellas superficies que tienen los objetos fabricados por el ser humano: la superficie de una pared, la superficie de un automovil, etc.

Fuente: http://iesvallvera3b04.blogspot.com/2009/03/textura-natural_7285.html

Fuente: http://es.123rf.com/photo_10515273_textura-de-cuero-artificial.html

• Orgánicas: Las texturas orgánicas son aquellas texturas aleatorias.

Fuente: http://www.deviantart.com/art/Stock-Texture-Cracked-Earth-326936540

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• Geométricas: Las texturas geométricas son aquellas relacionadas con un orden matemático.

Fuente: http://es.123rf.com/photo_14547907_perfecta-textura-geometrica-en-el-diseno-del-op-art-vector-de-arte.html

PUNTOS FOCALES

Un punto focal es el centro de interés, un espacio dentro de una composición gráfica que sobresale y llama más la atención. Puede o no ser el centro real de una pintura, fotografía o ilustración, pero siempre será la parte más importante. Al momento de trabajar una composición es importante definir éste punto focal y trabajarlo creando un énfasis y buscando que el usuario o espectador quiera ver más y saber más del tema que se está presentando. El punto focal añade una idea más específica para el diseño o en una imagen y actúa como un punto de partida para la mayoría de los visitantes.

De acuerdo a Swenson (S.F.), el contraste, tamaño, formas y color son elementos que pueden ayudar a definir el punto focal.

Los ojos son naturalmente atraídos al contraste, la diferencia entre la oscuridad y la luz, oscuro y brillante. Para crear un punto focal, muchos artistas, ilustradores colocan al sujeto principal en la zona de mayor contraste.

Punto focal por contrasteFuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/1/1f/El_Palacio_Municipal_en_alto_contraste.JPG

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Los colores complementarios crean un gran interés visual cuando se colocan uno al lado de otro. El utilizar colores complementarios para cualquier objeto en una composición atrae la atención a los objetos en que se apliquen estos colores. Además los colores cálidos parecen atraer la vista, mientras que los colores fríos ceden.

Punto focal por colorFuente: http://static.reflejandome.com/wp-content/uploads/tres-colores.jpg

Punto focal por tamañoFuente: http://www.canonistas.com/galerias/data/1912/medium/contrastes1_ej_32.jpg

También se pueden crear puntos focales a través del tamaño y ubicación. Usualmente el objeto más grande en una composición se toma como el elemento más importante. También se tiende a observar primero a los objetos que están aislados especialmente si el resto de objetos en la composición están agrupados.

Cualquier elemento que se destaca de entre los demás nos llaman la atención. Una forma o línea vertical entre un formas o líneas horizontales se convierte en un punto focal. Una forma geométrica entre formas orgánicas llama la atención.

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Experiencias deSDE diseñoENTREVISTA ESTRUCTURADA DIRIGIDA GRAND CHAMACO

Entrevista realizada por Maria Beatriz Villagrán a Grand Chamaco, un joven Mexicano que ilustra Twits de usuarios reales en el año 2012.

Fuente: “La ilustración del Grand Chamaco, las características gráficas que destacan en su ilustración y los signos que utiliza en la interpretación de los Twits”. Tesís inédita. Universidad Rafael Landívar. Guatemala. 2012.

1. ¿Cuándo iniciaste a ilustrar tweets?Fue hace más o menos 1 año con la explosión de twitter, cuando en realidad lo empecé a ver como una herramienta de insight.

2. ¿Qué te motivó a hacerlo?Uff, qué no, la red es demasiado grande, sigues a muchas personas y muchas personas te siguen, muchos escriben cosas que no sirven para nada, pero otros escriben cosas muy interesantes y partiendo de ahí es que comencé a tomar esos chistes y esas frases llamativas y las ilustré, además que nunca había visto que alguien ilustrara twits.

3. ¿Cuánto tiempo inviertes en las ilustraciones que realizas?Igual que los twits, es algo práctico y espontáneo. Entre que se me ocurre qué ilustrar y entre que lo dibujo pueden pasar entre 1 y 4 horas. Máso.

4. ¿Qué ventajas te ofrecen las redes sociales cuanto a la promoción personal y elección?

Que en las redes sociales tengo todo a mi alcance, en las redes sociales puedo buscar lo que a mí me gusta leer y me permite interactuar con mis amigos y así sacar información o ideas que me ayuden a ilustrar algo interesante, además, las redes sociales me ayudan a promocionar mi arte ya que es por medio de ellas que publico mis nuevos trabajos y mis amigos y las personas que me siguen son los primeros en entrar y después ingresan sus redes, creando un miniviral por así decirlo. Hay un chingo

de talento en México. El internet propicia que sea más fácil darlo a conocer masiva y explosivamente. Independientemente de los que hacemos cosas visuales, hay un montón de gente que escribe increíble. Un día quiero ser como ellos.

5. ¿Obtienes alguna retroalimentación del autor de las frases?Cuando se enteran sí, muchas de las frases que encuentro no son necesariamente de mi red pero si se dan cuenta y les parecen muy graciosas, además en cada pieza que hago siempre pongo el nombre del autor lo cual las hacen más especiales para ellos, imagínate tú que escribieras algo y alguien hiciera un dibujo de lo que tu escribes, ¿no te sentirías feliz y orgullosa?, creo que eso es lo más bonito de lo que hago, que las personas pueden ver en papel una frase plasmada que se convierte en algo muy gracioso.

6. ¿El elemento del color tiene algún significado en función a cada frase?

La verdad no lo sé, creo que el color es algo que nace con cada ilustración, no lo pienso demasiado, simplemente si siento que algo tiene que ser rojo y no azul lo pinto rojo, trato de balancear los colores y hacerlos más digeribles para el observador, pero no es algo muy pensado, pienso el balance del color cuando la miro y tengo la oportunidad de cambiarlo, pero no es mucho, tal vez es el fondo el que más cambio, es el más difícil por cierto, porque es el fondo el que resalta o apaga los colores, y es en este en el que más me enfoco para poder resaltar mis dibujos y balancearlos, por ejemplo si uso mucho blanco y negro en una ilustración creo que me iría con un fondo más vivo, como un rojo o un verde, pero si en mis dibujos hay mucho color, utilizo fondos grises, blancos y opacos para resaltar más los colores. Creo que los colores se aprenden con la práctica y en las ilustraciones son muy libres, yo busco lo que se mire bien, pero no los pienso mucho, si pruebo con un color y no me gusta simplemente lo cambio para balancearlo y con eso soluciono el problema. No es un método de selección exactamente.

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7. ¿Los utilizas como carteles?Solo cuando los expongo, pero pertenecen más a la web, aunque su formato es más de cartel, un cartel web por así decirlo.

8. ¿Qué papel juega la tipografía?La tipografía juega un papel muy importante, yo amo experimentar con la tipografía y en mis ilustraciones de tweets, la tipografía es tan importante como la ilustración, ya que este es el hilo conductor entre la ilustración y el mensaje, la ilustración carece de sentido sin la tipografía y su mensaje y viceversa, juego mucho con ella y busco muchas maneras de comunicar lo mismo con diferentes tipografías hasta encontrar la que me gusta y la que le da el mejor sentido estético a la composición. Busco que la tipografía siempre balancee la composición y apoye la línea de dibujo que utilicé en el dibujo.

9. ¿Cómo decides que familia tipográfica utilizar?La analizo con cada ilustración y miro si se combinan bien, si mi ilustración es muy recta me iría por una sansserif, y si mi ilustración es muy curva utilizo una tipografía curveada, más caricaturesca, algunas veces la ilustro yo mismo porque siento que tiene que ser con alguna que tengo en mente y que no le encuentro un parecido con ninguna que yo tengo, pero más que todo es a prueba y error, cuando hago una ilustración no tengo en mente al mismo tiempo que tipografía voy a utilizar, solo empiezo a pensar con qué familia se puede ver mejor, experimento y si no estoy satisfecho intento con otra familia.

10. ¿Cuál es el uso que le das al color dentro de la tipografía?El mismo que a la ilustración, es un comunicador y me doy la libertad de usar el que sea, pero siempre busco con el color de la tipografía utilizar el menos predominante de mi ilustración para así resaltarlo de toda la composición.

11. ¿Qué ventajas encuentras en la ilustración digital?La facilidad de edición, estoy acostumbrado al ctl+z y cada vez que hago algo que no me gusta lo vuelvo a repetir, si el color no me gusta lo puedo cambiar, y si la tipografía no me gusta la puedo volver a elegir, creo que la ilustración digital es una herramienta muy versátil y permite hacer lo que sea más

Fuente: Sitio oficial de Grand Chamaco. Series se dibujan tuits 1 y 2 http://www.grandchamaco.com/

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fácilmente, pero eso no significa que cualquiera de las técnicas a mano sean malas, cada técnica es buena y yo simplemente elegí la ilustración digital porque es la que más se adecúa a mí.

12. ¿Utilizas alguna otra técnica aparte de la digital?Si, sigo utilizando el lápiz y el papel, es ahí donde empiezan varias de mis piezas, también sé pintar con pincel y con tinta y muchas otras, pero es la digital la que más me apasiona.

13. ¿Consideras que tu propuesta es creativa?Sí, sí lo es porque es algo que no se mira en la web, y también lo es porque es la forma en que yo lo miro, las frases no las inventé yo, pero la perspectiva que cada una lleva si y eso las hace creativas.

14. ¿Utilizas jerarquías visuales en función del recorrido visual?Sí, siempre nivelo las composiciones y lo que más quiero resaltar es lo que tiene el color más predominante o el mayor espacio en la composición.

15. ¿Cómo decides cual es el punto focal?Lo decido según lo que a mí me llama más la atención, la verdad no lo tengo mucho en mente pero una vez plasmada la idea analizó que es lo que quiero resaltar más y lo resalto, en la mayoría de veces es la ilustración por encima de la tipografía y es en específico el punto del mensaje que trato de resaltar más que todo.

16. ¿Qué programas utilizas para realizar tus ilustraciones?Photoshop, ilustrator y algunas veces corel, también utilizo zbrush para las ilustraciones en 3d.

17. ¿Qué características gráficas definen tu estilo?Mi estilo lo definen más que todo las curvas y la simpleza de los elementos, tomé mucho de referencia el estilo de pictoplasma y la línea de dibujo de mcbess y partiendo de ahí evolucioné a lo que yo hago, me caracterizo creo yo por la simpleza de mis ilustraciones y los detalles de volúmenes y color que le agrego a las ilustraciones más simples.

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18. ¿Cómo decides qué twit vas a ilustrar?Lo decido según el que me haya dado más risa, grabo muchos twits pero siempre hay más de alguno que me enamora desde la primera vez que lo leo y según eso empiezo a trabajar en él.

19. ¿Qué decides representar del twit?Todo, siempre represento toda la frase que dice el twit, si no modifico el twit original y pierde su autor.

20. ¿Qué elementos utilizas para representar las frases?Utilizo los íconos gráficos que mejor representan al twit, por ejemplo, si el twit habla de personas, utilizo personas, tal vez uno de los más representativos es el de: “hastaquelabarraespaciadoranossepare”, allí utilicé las letras de un teclado porque habla de la barra espaciadora y eso solo lo encuentras en un teclado, si lo ilustraba de otra forma perdía el sentido, así que siempre trato de ilustrar lo que la frase dice, tal cual como viene.

21. ¿Cuál es tu proceso creativo?No creo que sea un proceso creativo tal cual, primero elijo el twit que más me guste, después lo visualizo y de último lo realizo, así de simple.

22. ¿Cuál es tu proceso técnico?Primero comienzo bocetando la pieza, algunas veces lo hago a lápiz y papel, y otras veces lo hago directamente en la computadora, al tener mi boceto listo, empiezo a redibujar su contorno con detalles de línea o lo vectorizo si es muy simple, al tener la figura inicial de la composición comienzo a colorearlo con colores base, después paso a sus detalles, degrades, sombras y brillos, para pasar a la elección de la tipografía y el espacio que va a utilizar el mensaje, por último elijo el fondo final, porque siempre trabajo con un fondo neutro y por último lo firmo.

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23. ¿Por qué eliges la plataforma de la red social cómo medio de comunicación o distribución de las ilustraciones?

Porque es por mi red social donde saco mis ideas para ilustrar y es en la misma red que las muestro para que sea primero mi red la que las observe y después le sigua la red de cada uno de mis contactos y amigos de mi red para que se expandan las visitas de mis piezas, lo hago así y no en una galería porque en una red social es más fácil el acceso, mucho más fácil, mis ilustraciones siempre están ahí y cualquiera puede ingresar a verlas cuando quiera.

24. ¿Qué importancia tienen las redes sociales en tu trabajo?Es mucha, es por medio de ellas que me he dado a conocer y es allí donde tengo contactos que le interesa mi trabajo y me ofrecen proyectos a realizar con la referencia que tienen ahí, para mí las redes sociales me sirven como un portafolio que se expande en la red y me consigue nuevos clientes, networking por así decirlo, es ahí donde trabajo mis relaciones laborales y creo nuevos contactos.

25. ¿Te basas en referencias para ilustrar?Me baso en la estructura de las cosas cuando son cosas muy complejas, pero por lo general proviene de mi imaginación y ella quien me dice cómo hacerla.

26. ¿Tus ilustraciones posibilitan varias interpretaciones o solo una?

Yo diría que solo una, pero siempre hay algo a lo que se le puede sacar provecho y si se analizan muy de cerca a la par con la psicología puedes encontrar otros significados que no están a la vista de un ojo común, depende de cómo lo mires.

27. ¿Qué signos son recurrentes en tus propuestas de ilustración?La gente, los zapatos, las calaveras, los cuchillos y pistolas y la ropa que encuentre interesante, creo que estos son los más recurrentes pero siempre utilizo muchos íconos, por ejemplo los corazones y las manos de juguetes, pero siempre trato de variar, aunque los íconos son una gran influencia en mi estilo y son lo que le dan ese carácter distintivo que me diferencia de los demás.

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A continuación se presentan los resultados obtenidos tanto de las entrevistas realizadas a los sujetos de estudio así como de las guías de observación aplicadas a la muestra de ilustraciones del sujeto principal Clint Tillman.

1/ entrevista realizada a CLINT TILLMAN(VER ANEXO 1: GUÍA DE ENTREVISTA A CLINT TILLMAN / VER ANEXO 6: ENTREVISTA DE CLINT TILLMAN EN INGLÉS)

1. ¿Para usted qué es ilustración?Um, para mí, todo esto es subjetivo por supuesto. Para mí la ilustración es crear una imagen para expresar una o varias palabras o conjunto de emociones que… generalmente tú haces una ilustración cuando las palabras no son suficientes. Necesitas un medio para transmitir esos sentimientos. Ese es el fin para el cual yo utilizo las ilustraciones.

2. ¿En cuál categoría cree usted que podría clasificar sus ilustraciones y por qué?

Yo me atrevería a decir que entro en todas esas categorías dependiendo de lo que esté haciendo. La mayor parte de lo que hago es conceptual, simplemente porque uso mucho simbolismo y metáforas, todo significa algo diferente. Realizo un poco de ilustración publicitaria a través de mi trabajo de diseño.

Ilustración narrativa, todo lo que hago básicamente narra una historia, comunica ese mensaje que intento sacar. También realizo algunas ilustraciones para niños, tengo un par de libros que están en sus etapas iniciales y que están esperando que pueda dedicarles tiempo. En cuanto a ilustración científica, estirando un poco el concepto, hago mucha anatomía como huesos y órganos, recientemente hice una serie sobre el corazón. Así que es científico en su naturaleza aunque no es increíblemente riguroso, sabes, no querrías ponerlo en un libro de texto científico y decir que así es como un verdadero corazón luce porque algo estará fuera de su lugar correcto. Hago un poco de asuntos técnicos. No mucho en los últimos años. De ilustración editorial, realizo una ilustración cómica a la semana para el periódico semanal, no es precisamente editorial pero de alguna manera cabe dentro de esa categoría.

3. Basado en su experiencia como ilustrador, ¿puede mencionar una diferencia entre pintura e ilustración?

Esa es una pregunta difícil. Te responderé con mi opinión personal. En esta última muestra de arte… tuve una muestra de arte en enero en la galería donde trabajo, y realicé muchas piezas de gran tamaño, nunca había trabajado a esa escala antes, aún en la universidad nunca llegué a esas dimensiones tan grandes, quería tomar el estilo de ilustración que hago en papel pequeño y ver si podía transferir eso a una superficie grande. Pero en el momento en que lo puse en una superficie grande, a pesar de estar utilizando la misma técnica básica, a pesar de usar las mismas plumas rosa para el delineado del corazón y todo eso, tú sabes, ya no clasificaba necesariamente como una ilustración, sino quizás más como una pintura. Mi conjetura es, que para mí cuando ilustro el objetivo principal es pasar el mensaje, lo que la ilustración significa, mientras que en la pintura generalmente

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el enfoque es más en… supongo que es función versus forma. La ilustración tiende a centrarse en la función y la pintura parece centrarse más en la forma.

4. ¿Cuándo empezó a ilustrar? Um, técnicamente, no sé… a los tres o cuatro años. Cuando era niño dibujé muchas tiras cómicas, particularmente todo lo relacionado con Batman o Spiderman, cualquier cosa que tuviera que ver con Mario, definitivamente, un poco de Garfield por aquí o por allá. Pero no empecé realmente a ilustrar profesionalmente hasta hace cuatro o cinco años. Y todo empezó… tengo preparación académica en diseño gráfico así que he hecho bastante diseño de impresión, desarrollo de logos, por lo que bosquejaba y dibujaba solamente para esos temas, más como un tipo de herramienta, sin embargo nunca me enfoqué en ello realmente, luego me mudé a este pequeño pueblo turístico en la montaña cuando cumplí veinticuatro años creo y ummm... sí creo que tenía veinticuatro, eso fue hace mucho tiempo, así que empecé a dibujar allá y quería hacer t-shirts por lo que aprendí por mí mismo cómo imprimir de la pantalla y empecé a dibujar más enfocándome en ilustración para vestimenta y así fue más o menos como empecé. Involucrándome más y más en la ilustración y luego llevándolo a tinta y papel y acuarela, y enfocándome solamente en la ilustración por la ilustración en sí misma.

5. ¿Cuánto tiempo invierte en la realización de sus ilustraciones?Toda mi vida la paso ilustrando. ¡Es broma! Sabes, el tener un concepto desarrollado algunas veces es algo que normalmente no toma mucho tiempo, es algo que simplemente salta en mi mente, ilustrar es como un tipo de terapia, básicamente, así que dibujo cualquier cosa que está ocurriendo en el momento y por ello están siempre allí, las ideas simplemente van siempre a saltar. De vez en cuando me encuentro con un proyecto al cual le he dedicado un poco más de tiempo e intentando… tú sabes y es normalmente en diseño de t-shirts y cosas como esas en las que invierto un poco más de tiempo trabajando el concepto. Sí, normalmente la realización de las ilustraciones se da de forma muy rápida. Algo sucede y tengo que dibujarlo.

6. ¿Lleva consigo un cuaderno para hacer bocetos mientras está fuera?

Sí, cuando viajo. Tengo una agenda bastante ajustada, donde me encuentro ahora trabajo por las mañanas, luego voy al estudio en las tardes y siempre estoy haciendo algo. Pero cuando salgo o cuando estoy planificando o corriendo a la cafetería y quizás cuando voy a quedarme un ratito, siempre me aseguro de llevar conmigo mi cuaderno de bocetos, tengo mi propia maleta de viaje con lápices y plumas.

7. ¿Cómo inicia la realización de sus ilustraciones? Muchas veces viene de alguna frase o la letra de una canción o simplemente de palabras al azar que…, supongo, creo, que siempre pongo los títulos primero. La mayoría de las veces. Tengo una frase o algo que quiero expresar y entonces imagino lo que debería dibujar para expresarlo, algunas veces es fácil, tú sabes, concluir en lo que quiero expresar y lo que quiero dibujar para hacerlo. Porque algunas veces, no tengo idea y voy en diferentes direcciones y experimento un poco. Pero supongo que son sencillamente cosas al azar que flotan en el aire y yo solamente atrapo una. Es verdaderamente técnico, ¡jaja!.

8. ¿Cuál es el proceso creativo que sigue para crear sus ilustraciones?

Siempre inicio haciendo bocetos. Tengo una idea, un título que quiero dibujar y entonces tomo mi cuaderno de bocetos y hago muchos bocetos, luego los voy ajustando, y umm generalmente tengo que hacer el boceto de inicio a fin de una sola vez, no me gusta detenerme, quiero tener toda la idea desarrollada, al menos al punto donde esté lo suficientemente formada y completa y solamente necesite un poco de detalle.

9. ¿ Son sus ilustraciones basadas en un concepto? Sí. Sí, la idea viene generalmente de primero. Yo no dibujo realmente, quiero decir, hicimos mucho de eso en la universidad, había una mesa con un poco de fruta sobre ella y teníamos que dibujarla para que pareciera lo que estábamos viendo, así que… supongo que es… ¿que hace que la fruta se sienta bien quizás? Así que ciertamente la mayoría de mis ilustraciones inician con

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un concepto y las imágenes parece que evolucionan a partir de lo que creo que funcionará mejor para comunicar… Por ejemplo una serie en la que he estado trabajando últimamente que incluye una serie de ilustraciones con tema náutico, de manera que si las cosas se ponen realmente difíciles tú puedes comparar la depresión con el mar. Sube y baja, tumultuoso y oscuro y gris y es bastante sobrecogedor. El hecho de que haya tanta destrucción a tu alrededor y que tengas que surcar las olas o hundirte, así que generalmente cuando toco el tema de la depresión gravito hacia el agua. Y luego el espacio, estuve en una especie de fase espacial por un tiempo también, y eso es como el lado escénico de la depresión donde no hay altos y bajos sino solamente algo plano, todo quieto y tú realmente no sabes qué hacer y sientes que estás flotando por la vida, así que uso el espacio para denotar esas cualidades del concepto. Así que la respuesta es sí.

10. ¿Sigue usted algún proceso o utiliza una técnica para definir un concepto para sus ilustraciones?

Yo, umm. Supongo que siempre estoy pensando sobre cómo visualizar las cosas. Así que mi proceso está siempre en marcha. Sí, todo es de esa forma. Supongo que se trata de estar siempre atento. Tú sabes, si alguien que diseña tipografía, que le gusta hacer mucho trabajo sobre tipos de fuente, cuando revisa los boletines con todos los pósters de bandas y cosas como esas te aseguro que no está viendo qué banda va a tocar y cuándo, está observando cuál tipo de fuente escogió el diseñador para el póster y pensando porqué la utilizaría, al menos eso es lo que yo hago. Me siento en una cafetería y señalo los portavasos y grito porqué utilizaron esa fuente para la letra, es terrible e inapropiado y nadie se da cuenta. Así es más o menos como mi proceso se desarrolla, realmente nunca se detiene. Estoy siempre buscando cosas para dibujar y cómo expresar las diferentes emociones con diferentes tipos de imágenes y temas y cosas como esas.

11. ¿Hace varios borradores o bocetos antes de llegar a la ilustración final?

Tengo el boceto y el final y normalmente solamente esos dos.

12. ¿Durante su proceso de ilustración busca referencias?Um, busco referencias cuando estoy haciendo algo un poco más del lado técnico. Por ejemplo, hice una serie recientemente sobre el esqueleto de un pájaro, entonces examiné muchos huesos supongo, ese fue mi punto de inicio pero no me apego a él, agrego cosas que no están allí y elimino cosas que probablemente deberían estar. Pero me gusta expandirme a partir de una referencia buena y sólida. Si es algo más como… hago mucho desarrollo de personajes y cosas similares. Uno de mis personajes principales es un chico con barba y sombrero a quien me refiero simplemente como el hombre de la barba. Soy muy descriptivo con los nombres, ¡jaja!, así que no busco muchas referencias con él, es más conceptual como todo lo demás.

13. Por favor explique paso a paso cómo aplica su técnica usual de acuarela y tinta para ilustrar.

Empiezo con el cuaderno de bocetos, hago un borrador preliminar en lápiz azul y luego añado sobre este con lápiz rojo y obtengo líneas un poco más definidas y las pongo donde deberían estar y luego cuando ya he hecho esto con el lápiz rojo tomo un lápiz regular de grafito y dibujo las líneas del bosquejo final sobre este. De manera que lo dibujo, lo bosquejo tres veces pero es todo sobre el mismo dibujo hasta que lo tengo justo y detallado y luego aplico mucho sombreo.

BOCETO DE LA ILUSTRACIÓN YOURE NEVER ALONE WHEN YOURE HAUNTED BY SELF DOUBT / CLINT TILLMAN / PROCESO PARA APLICAR SU TÉCNICA.

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No lo hacía siempre, acostumbraba solamente dibujar directamente a tinta en mi cuaderno de bocetos y luego colorearlo con resaltadores y cosas así porque era divertido y diferente y todo el acabado final… pero durante los últimos dos años me he apegado a usar solamente lápiz en mi cuaderno de bocetos y luego hago el sombreo para definir cómo voy a aplicar la acuarela a la pieza final. Imagino las profundidades, lo que quiero realmente saturar con color y lo que quiero aclarar o iluminar delicadamente. Y, um…luego de esto escaneo la imagen a la computadora y la imprimo en blanco y negro y luego la pongo en el lightbox y luego coloco mi papel de acuarela sobre el boceto y realizo mi trabajo final a tinta. En oportunidades anteriores he realizado el dibujo a lápiz directo en el papel, en el papel para acuarela, y luego he borrado las líneas azules y todo, pero cada vez que llevas el borrador al papel lo arruina y las partes que se borraron no absorben la acuarela de la misma manera que las partes que no fueron borradas y soy un poco obsesivo compulsivo sobre esto así que no quiero borrar en el papel, solo quiero tinta. Por eso aplico la tinta y los contornos, luego quito el papel y añado todo el detalle y por último añado la acuarela sobre todo esto.

APLICACIÓN DE TINTA / TURNKEY 2013 / CLINT TILLMAN

APLICACIÓN DE ACUARELA / TINBEARD II: I’VE MADE A GRAVE MISTAKE, THIS HEART OF MINE ONLY CAUSES ACHE 2013 / CLINT TILLMAN

Y generalmente aplico lavados suaves así que aplico encima un lavado muy ligero y luego añado un poquito de pigmento al lavado y entonces empiezo a trabajar las áreas realmente saturadas de pintura, y a lavar algunas de las capas también si es necesario.

14. Basado en su experiencia, ¿cuáles son las principales ventajas de la técnica de acuarela?

Es rápida. No tengo mucha paciencia. Me encantaría trabajar con óleo pero al mismo tiempo tienes que tener una estación instalada y el óleo toma tanto tiempo en secar y lo que yo quiero es iniciar algo y terminarlo. Así que esa es una técnica y también me gusta jugar mucho con las profundidades y empujar y halar las luces y sombras y me gusta mantener una paleta de colores simple, los lavados suaves de la acuarela me permiten hacer eso, así que usando solamente un color pero añadiendo los lavados para hacerlo

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más oscuro y obtener la profundidad que deseo. Por eso me gusta la acuarela.

15. ¿Cuál es su preferencia en pinceles para aplicar la técnica de acuarela?

Pequeños. Tengo un pincel que está cayéndose a pedazos y que he tenido por años. Ni siquiera recuerdo ahora qué marca es, no me preocupa mucho siempre que sea pequeño y redondo y que tenga una punta fina para poder llegar a los detalles. Tengo un par de pinceles planos pequeños si estoy haciendo áreas grandes de saturación pero esos también son pequeños.

PREFERENCIA EN PINCELES DE CLINT TILLMAN / ILUSTRACIÓN TURNKEY 2013

16. ¿Cuál es su preferencia en cuanto a plumas? Utilizo Microns y de ellos uso los dos más pequeños 0.005 y 0.1 en negro y rojo, tengo uno azul también que quizás he utilizado un par de veces.

17. ¿Cómo o por qué decide mezclar la acuarela con la tinta? Surge creo, de esa naturaleza obsesiva-compulsiva. Me gusta la estructura, me gustan las cuadrículas, me gustan los contenedores que están bien organizados, tú sabes, en los cuales cada cosa tiene su lugar. Y así es como en mi arte, tú sabes, lo que realmente admiro es el libre fluir de la acuarela, que

es pesada en el agua, la técnica húmedo sobre húmedo y cosas como esa con las cuales me encantaría experimentar. Pero eso me enloquece, me gustan las cosas contenidas dentro de límites. Y no lo digo necesariamente en el sentido de “nunca coloree fuera de las líneas”, pero en lo personal toda mi creatividad y desafío está dentro de esas líneas. Verdaderamente me gusta la dominación, ¡jajajaja!.

18. ¿Cómo apoya o realza los mensajes de sus ilustraciones la técnica de la acuarela?

Um, tú sabes, muchos de los conceptos en los que me enfoco son emociones o conjuntos de emociones que son… Que pueden realmente interpretarse en diferentes formas por diferentes personas y todo es como una historia metafórica, por lo que tener la acuarela… que no es muy sólida, no es muy…Tú sabes, no vas a pintar una manzana y listo, la superficie simplemente se ve como una manzana, tiene que haber mucho más que eso, puedes tener mucho más que una interpretación de ella, puedes experimentarla, hacerla, usar la acuarela y el sentimiento de que las lavadas de la acuarela permanecen, usar una paleta lavada realmente poco saturada en algo que es realmente sombrío pero a la vez poder aumentar realmente el pigmento y hacerla un poquito más saturada si intento lograr un sentimiento más fuerte de cierta emoción o de una cierta parte.

19. ¿Cuáles son los mensajes que quiso transmitir en las siguientes ilustraciones?

THE POLICY.La mayoría de los mensajes que he querido transmitir son ridículamente personales por lo que uso muchas metáforas y símbolos y cosas como esas, de manera que escondan básicamente lo que… pone lo que intento transmitir de una manera tal que logra enviar la idea y el mensaje, solamente el conjunto general de emociones que atraviesan mi mente en ese momento, sin escribir el nombre de nadie y decir “eres horrible” o algo como eso, así que es siempre muy bueno porque otras personas se pueden relacionar y aplicar el mensaje a sus propias vidas, personalmente, así pueden tomar lo que yo

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estaba sintiendo y no tienen que admitir necesariamente de lo que se trataba.

En The Policy estaba luchando con… Um, soy muy firme en siempre ser muy directo y honesto y si a alguien no le gusta lo que hago está bien, siempre que me lo digan. Así que estaba como en ese punto en donde estaba siendo sincero pero no abierto, supongo, pero simplemente les decía a las personas cómo me sentía cuando ellos preguntaban, y… dado que preguntaban, me comportaba educado y complaciente y resulta que a muchas personas no les gustó, se dieron cuenta muy pronto de que quizás no querían saber cómo me sentía realmente porque era demasiado sincero, fue como, The Policy se trataba de honestidad o silencio. Decirle a las personas cómo te sientes realmente o mantenerte callado. Así que…

BLACK SHEEP BOY.Esta es como, es simplemente la metáfora ya conocida de la oveja negra, como la oveja negra de la familia. También me gusta hacer mezclas, tomo algunas de mis referencias favoritas y las incorporo en mis dibujos, como una especie de tributo, así que esta es de la película de Guillermo del Toro llamada Hellboy, las imágenes principales estaban basadas en la escena de la película al final cuando él está arrancando sus cuernos y tomando la decisión de hacer lo que quería que era ser bueno y no seguir lo que todos pensaban que estaba supuesto a ser que era malo, tú sabes. Eso era lo central, y luego también incorporé esta canción de la banda Okkervil River llamada Black sheep boy y fue como la pista sonora y lo visual, y entonces simplemente entró el hombre de la barba. Así que fue una especie de tributo a un par de mis favoritos.

THE POLICY / 2012 / CLINT TILLMAN

BLACK SHEEP BOY / 2012 / CLINT TILLMAN

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I’VE GOT A BAD FEELING ABOUT THIS.Creo que este es del tipo de dejarse llevar… Cuando uno batalla con decir “no” a las personas y supongo que no necesariamente ser como una alfombra tú sabes que las personas caminan sobre ti, pero simplemente intentar complacer a todo el mundo y asegurarte de que le das un lugar a todos… y como permitir que todos te enganchen en un gancho y que te usen de carnada y luego a la mitad del camino empiezas a darte cuenta de para qué es la carnada y que estás a punto de salir muy dañado. Estás ayudando a alguien pero resulta que es para su juego egoísta y tu seguridad y tu salud no les interesan.

SEAT BELT HANDSEsa era simplemente… el cinturón de seguridad solamente funciona con ambos lados, tú sabes, tienes que tener el gancho y la hebilla. Así que es como… decir a alguien que tú extiendes tu mano y si ellos extienden la suya y se agarran fuerte no saldrán volando por el vidrio del parabrisas metafóricamente hablando.

IVE GOT A BAD FEELING ABOUT THIS / 2012 / CLINT TILLMAN

SEAT BELT HANDS / HOLD ME TIGHT, ILL HOLD YOU TIGHTER / 2013 / CLINT TILLMAN

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GUARD YOUR HEARTEsa es una de mis favoritas. Fue una colaboración con mi amigo Cody Ike, quien es un artista del tatuaje y vivía en Durango y siempre dibujábamos, íbamos a la cafetería y dibujábamos, ahora está en Canadá. Pero hay una banda, estos dos chicos, se llaman The Listener y probablemente tienen algunas de las letras de canciones más prolíficas, bien pensadas y con sentido que se hayan escrito, tú sabes, los escuchábamos una y otra vez, y hay una canción que habla de ser una casa en llamas y se trata realmente de la depresión y dejar que estas cosas empiecen dentro de ti, que te quemen desde dentro de manera que es difícil distinguir desde fuera qué está pasando, como qué tan mal las cosas están en el interior y así el corazón tiende a ser uno de esos lugares donde los fuegos pueden iniciar muy fácilmente, y supongo que se tiene la tendencia a cerrar mientras estas cosas arden y antes de que te des cuenta estás consumido y quemado, y no le sirves a nadie. El hizo los pergaminos y yo hice la casa y el texto y todo lo demás y terminamos tatuándolo en mis costillas justo al lado de mi corazón.

Antes de continuar quisiera preguntarle. Por ejemplo, en la que se denomina linterna hay círculos y formas geométricas, ¿tienen estas formas algún significado?

Sí, mucha geometría… Um, supongo, la linterna en sí misma es un símbolo de la familia, empezó como un diseño para un tatuaje, es una lámpara de aceite porque cuando estábamos creciendo el frío en invierno era realmente fuerte y no podíamos costear el subir el aire acondicionado así que mi mamá nos decía que nos pusiéramos otro suéter y si tienen frío traigan una manta y ella encendía estas lámparas de aceite, y cuando íbamos de campamento, mi papá llevaba estas viejas lámparas y de esta forma, la linterna es un símbolo debido a esto. Y luego las figuras son disparejas… no son más vagas, pero son simplemente… son representativas de sentimientos acerca de la familia y se asemejan a la forma de un diamante, es como

GUARD YOUR HEART / 2012 / CLINT TILLMAN

LANTERN / 2013 / CLINT TILLMAN

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usado para la familia o los seres queridos que te apoyan, que son como un cimiento, que te permiten crecer, mamá y papá hicieron un buen cimiento que me dio un punto sólido en donde poner mis pies, crecer, así que eso es lo que significa. Los círculos son normalmente… algunas veces yo… me gustan los números, uso ciertos números de cosas, como 7 u 11 o 13, están allí muchas veces, el 6 si es algo malo, tú sabes, son pequeñas cosas para mí. Así que las formas, la geometría son cosas vagas, conceptos ambiguos que van más allá del punto principal. Algunas veces interactúan con el dibujo, con la ilustración principal; algunas veces solamente están detrás de ella. Así que si ves muchas flechas, todas las flechas están en ese estilo sagrado de la geometría también, las flechas significan normalmente decepción y desencanto. Fantasmas, yo acostumbraba usar muchos más fantasmas, los fantasmas son remordimientos del pasado, alguna pequeña cosa que te persigue constantemente. Y los pájaros son generalmente personas que existen actualmente.

20. ¿De dónde surgen los mensajes transmitidos en sus ilustraciones?

Sí, vienen de la vida, de lo que sucede a mi alrededor, de lo que está en mi mente, no puedo realmente parar de pensar. Lo cual creo que es bueno, a veces. Pero a la vez es muy frustrante y la ilustración se desarrolla para tratar de lidiar con todo esto y sacarlo de mi cabeza en forma pictórica de la cual pueda hacer algún sentido, tú sabes, un poco más, así que todos los mensajes provienen de la locura dentro de mi cabeza.

21. ¿Cómo define los elementos que forman parte de sus ilustraciones?

Um, ya hablé un poco sobre esto así que lo resumiré muy brevemente. Uso un conjunto de símbolos que aparecen repetidamente, como fantasmas para obsesiones y arrepentimientos, flechas para angustia y decepción causada por otras personas, hachas, hay muchas hachas y normalmente son el símbolo del trabajo duro. Existe este tema tan importante del retiro, en Estados Unidos al menos, los fondos de retiro estarán allí y no lo comprendo porque tú trabajas hasta que

ya no puedes trabajar más, yo visualizo estas hachas viejas, oxidadas y gastadas que han sido reparadas y rotas de nuevo y reparadas otra vez, como un simple símbolo de una vida de dedicación y trabajo duro. Um, y luego como tú sabes, están las figuras principales, luego la geometría que viene tras de esto y que de algún modo acentúa los significados que están allí, todo lo que hay que acentuar. Así que es como… puedo decir que hay un fantasma emergiendo del pecho de un hombre barbado y um obviamente hay algo en su corazón que lo está molestando. Pero, ¿sabes?, realicé una obra en la que el fantasma tiene una de estas flechas rojas y la está clavando en el pecho del hombre de la barba, así que utilicé la geometría para capturar realmente toda la complejidad tras de esto, no es la historia, tú sabes, una cosa produce todos estos “¿qué pasa si?”, ¿qué debería haber hecho?, ¿podrían las cosas haber sido diferentes?, y luego a la vez, ¿cómo le hago frente a esto?, ¿por qué me lastima ahora cuando no debería?, cosas como esa, así que la geometría es otro elemento separado que ayuda a enfocarse realmente en construir la historia detrás del símbolo.

22. ¿Cuál es su grupo objetivo? ¿Realiza usted sus ilustraciones para un grupo específico?

Intento colocar la mayor cantidad de ilustraciones en el refrigerador de mi mamá porque es un lugar muy popular. ¡Jajaja!. No. No, no lo hago, es verdaderamente interesante observar… Como sabes, el show que realicé en enero se tituló Perspective y realmente se enfocaba en el hecho de que todas estas ilustraciones y pinturas tienen que ver con conjuntos de emociones y cosas que me han pasado pero contadas de tal manera que deja ese aspecto real y honesto pero sin la historia personal, así que puede recogerse y aplicarse a la vida de cualquiera. Um, es como si voy a dibujar algo realmente muy triste y eso me hace sentir mejor porque lo estoy expresando en papel y al lidiar con ello de alguna forma, siempre tiendo a respirar un poco más fácil cuando dejo salir lo que siento, y luego alguien más lo ve y es algo muy positivo para ellos, les recuerda algo bueno. Y entonces no me interpondré en el camino, así que mi grupo objetivo es básicamente… no es una edad, es gente que está buscando relacionarse con algo

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y tomar el significado de algo en lugar de solamente pretender interpretarlo y decir que es una imagen excelente, lo cual es bueno, tú sabes, lo que quiero decir es que los artistas necesitan ganar dinero, y si alguien compra una de mis t-shirts porque es una imagen excelente o porque les gustan los entintados, para mí está muy bien, pero la gente con la que disfruto siempre hablar y conocer es la gente que puede captar la honestidad en la obra, y detectar si la emoción es tristeza, pena o alegría, o sentimiento o angustia, o añoranza o amor o algo parecido, que ellos pueden captar y entender, que significa algo para ellos. Así que ellos son mi grupo objetivo. Los imagino como un grupo de gente realmente especial.

23. ¿Cómo sabe usted si el mensaje que quiso comunicar llegó a su grupo objetivo?

Um, una manera de obtener esa métrica ha sido por medio de Tumblr. Y ha sido una forma de… no sé, inclusive la uso para juzgar el nivel de honestidad o de emoción que puse en una pieza. Parece que al compartir las cosas, éstas duelen más al salir. Así que ha sido realmente un proceso y una prueba, y una lucha el poner algo en papel y contar una historia acerca de mí mismo, eso realmente parece ser lo que más se comparte, mucho más que otras cosas. Son redes sociales, para compartir cosas que les gusta, cosas que los afecta de una u otra forma, sin importar qué tan superficiales o profundas, así que esa ha sido la forma que he usado para medirlo.

24. ¿Cómo ha sido la respuesta que ha obtenido de su grupo objetivo?

Um, muchos ¡choca esos cinco!... eh no. ¡jajaja!. Me siento bien con eso. Recibo bastante… no sé, retroalimentación positiva pero no necesariamente es como “¡Ey, tu arte es bueno!, o algo similar, mucho de lo que recibo es más como “¡Ey, esto realmente significa algo para mí!”. O, “me impactó de cierta manera, así que gracias”, es muy agradable recibir retroalimentación positiva tú sabes es como si la obsesión y la depresión que coexisten al mismo tiempo, y con las que he estado lidiando y puse en el papel significan algo para otros y que pueden decírmelo de vez en cuando, es muy bueno contar con esto.

25. ¿Qué figuras retóricas utiliza en la mayoría de sus ilustraciones? ¿Por qué?

Utilizo muchas metáforas, es decir, todo tiene una simbología en un dibujo. Así es, como el que discutimos previamente, The Policy. Tienes…Si te fijas en todos los dibujos del hombre de la barba estoy seguro de que hay siempre un 13 en alguna parte, quizás omití uno o dos especialmente en los dibujos antiguos, pero está en una manga, en el sombrero, el zapato, siempre hay un 13 en alguna parte. Y… ahí tienes al ave, que es una silueta y es negra y normalmente está volando alrededor y sin preocuparse de lo que hacen a los demás. Así que el ave es un símbolo de alguien que se encuentra allí, alguien… esa relación que no fue rota pero en realidad… que ha cambiado o se ha transformado en algo más, no real y presente pero… y luego tienes la flechas que obviamente significan la decepción y luego tienes la parte de la honestidad, que tú sabes es real y vive, y en silencio te sientes muerto por dentro porque no eres capaz de expresar cómo te sientes en realidad y no te sientes como una persona real. Y luego la línea roja que atraviesa la honestidad y el silencio que creo que solamente simboliza… el significado es que es real, una emoción real, como la sangre que corre por nuestros corazones, que básicamente es la razón por la cual estamos vivos, para comunicarnos.

26. ¿Sabe usted qué significa polisemia? ¿Cree que aplica a sus ilustraciones?

Lo busqué en Google, ¡jaja! Lo busqué en Wikipedia. Justo antes de la entrevista. Y pensé ¡diantres!, no sé que significa eso. De acuerdo con Wikipedia, la enciclopedia libre, es la capacidad que tienen uno o varios signos de tener múltiples significados relacionados. Así que, sí eso creo, aplico la polisemia en mis ilustraciones, simplemente por las figuras que uso que son recurrentes como los fantasmas, pero también hay diferentes tipos de fantasmas. Existe este tipo de pequeños fantasmas de apariencia extraña que son como restos del pasado que siguen regresando y te acosan, como eventos específicos o tragedias o personas, tú sabes. Y luego está el fantasma que es un poco más aterrorizante y le llamo el fantasma barbado, generalmente aparece del pecho de hombres barbados y obviamente

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también tiene barba, así que se parecen, ese fantasma es más como… es la duda o el subconsciente que algunas veces está bien intencionado, algunas veces es como un niño pequeño persiguiendo cosas, como por ejemplo, no es una buena idea intentar poner un tenedor en el enchufe eléctrico, como si estuviera solamente jugando y divirtiéndome y tú sabes, no es una buena idea, ¿por qué haces eso?, así que es como este acoso constante, el miedo, por este ser que contiene múltiples niveles de duda, excesiva esperanza y cosas como esa y eso es lo que más asusta, al menos a mí. Así que sí, los fantasmas tienen múltiples significados. Incluso las flechas, las rojas versus las azules, existen diferencias. En conclusión puedo afirmar que aplico la polisemia.

¿Qué significan las flechas rojas y azules? Um, las flechas azules son asuntos que están congelados, no necesariamente tranquilos pero quizás no tan dolorosos sino solamente reales. Y…así como una flecha roja sería como la decepción y luego la flecha azul también sería decepción pero relacionada con algo que sabías que tenía que suceder y estabas bien con ello, entendiste su significado y aceptaste el hecho de que está allí pero no dejas que te consuma, es solamente parte de la vida, sabes, porque al menos de forma personal nunca estarás libre de la decepción o la pena y cosas como esas, y algunas de ellas son necesarias para crecer. Así que las flechas azules son como eso, me siento bien con eso. Preferiría tener más flechas azules que rojas pero parece que es al contrario. ¡jajaja!

27. ¿Qué signos son recurrentes en sus ilustraciones? Sí, los fantasmas, flechas, temas oceánicos o relacionados con el tiempo, astronautas. No he dibujado muchos astronautas recientemente pero estuve en esa fase por algún tiempo. Hay una banda llamada Rosetta, son una especie de banda post post-metal. Y su música es realmente espacial y flotante. Pero todas sus letras tienen un tema y me encantan los temas y cantan acerca de este hombre del espacio que… detesta la vida en la Tierra y quiere escapar de todo el drama y de toda la gente en su vida que le hacen las cosas difíciles así que hace un plan

para ir a Europa. Pienso que es Júpiter pero es una luna, y está completamente cubierta de hielo y es una de esas que los científicos observan y dicen que quizás hay agua y qué hay bajo el hielo y tonterías como esas, que tiene curiosidad y misterio a su alrededor, quizás hay algo allá afuera, un lugar donde vivir que no existe aquí, así que el astronauta… la mitad del álbum es sobre ir a Europa, flotando en el espacio y lejos de todos. Luego llega a Europa y al fin lo ha logrado, esto es lo que siempre ha querido, y luego se da cuenta de que la vida no se trata de estar feliz todo el tiempo, que se trata de las personas y todo lo que sucede y se da cuenta de que gastó muchos años viajando a Europa y que nunca podrá regresar y que todo lo que realmente amó se ha ido y que morirá en soledad. Bastante deprimente. Pero dibujé muchos hombres del espacio y astronautas por un tiempo, arrancando de esa idea general, el espacio como un escape y una trampa a la vez. Así que hubo muchos dibujos recurrentes con astronautas. Y el espacio es fantástico, honestamente me encanta. El hecho de que hay tú sabes, un billón de tiempos, un billón de estrellas en la Vía Láctea y un billón de galaxias como la Vía Láctea. Hay mucho allá afuera y luego estamos nosotros.

28. ¿Los colores en sus ilustraciones significan o representan algo en particular?

No mucho. Personalmente reflejan simplemente mi gusto personal, tú sabes como que uso jeans grises… Hoy estoy usando jeans grises y una t-shirt negra. Y um… mañana usaré jeans negros y una t-shirt gris. Tú sabes, tengo t-shirts divertidas y de colores vivos también así como tengo ilustraciones divertidas y brillantes pero la mayoría son solo colores que me gustan.

29. ¿Cuál cree usted que es su estilo gráfico? Extraordinario. ¡Jajaja! Pero no lo sé. Tiene un poco de todo. En lo que se refiere a ilustración, no creo que pueda realmente describirme dentro de un estilo en particular. Es sólo que… no es que sea etéreo tú sabes, porque no es tan cargado de fantasmas porque hay muchas líneas duras con tinta. Podría decir que es… cuenta cuentos. No creo que ese sea un estilo gráfico realmente. ¡Jajaja!

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30. ¿Qué características gráficas o visuales definen su estilo? Manos temblorosas, ¡jajaja!. Tengo que asegurarme de que tengo a mano un sándwich de mantequilla de maní, porque si no como, mi azúcar se altera y tú puedes notarlo. ¡Jajaja! Así que me gusta el papel para acuarela que es rústico, no utilizo el suave y satinado en prensa caliente, me gusta usar el rústico prensado en frío. Se come los micrones especialmente los pequeños pero verdaderamente esconde los temblores muy bien. No sé, quizás es como ingenioso el que haya desarrollado mi estilo alrededor de esto, hay algunas personas que hacen un trabajo sorprendente con estas líneas largas y lisas y súper fluidas y suaves y bellas, pero no puedo hacerlo y me encanta y lo aprecio y lo deseo en mis paredes pero supongo que para mí simplemente no es lo que debería hacer. Así que líneas temblorosas, que reflejen incertidumbre de una forma en la que a la vez, quiero decir, solamente uso tinta, así que hago una línea, lo he hecho tres veces una sobre la otra en el cuaderno de bocetos antes de pasarlo a tinta, así que el dibujo lo he construido y lo he practicado y pensado sobre él y realmente me he sintonizado con él de manera que me siento confiado sobre cómo quiero que se vea aunque aún haya una fragilidad e incertidumbre tras él. Y luego las acuarelas me permiten resaltarlo, las lavadas y las capas y cosas como esa.

31. ¿Cuál ha sido su mayor satisfacción desde que empezó a ilustrar?

Um, no poseo un carro muy veloz así que ese es como mi objetivo. No, ¡jajaja!. Supongo que tuve una grandiosa experiencia en este último show, um, en enero. Muchas cosas que sucedieron en ese show fueron… no era un buen momento, muchas cosas en ese show estaban ligadas a situaciones que no eran precisamente alentadoras para mí, que eran algo desalentadoras. Me encontraba en un punto donde ya no quería dibujar más. No sabía lo que debía hacer, básicamente, cuál era mi meta, si debería estar haciendo t-shirts o arte o si debería dejarlo todo y ser un diseñador Web, cosa que no me gusta en lo más mínimo. Así que decidí poner todo a un bajo precio, no para venderlo sino solamente para hacerlo accesible para que las personas se lo pudieran llevar a casa. Y las personas

llegaron y fue uno de los mayores y más visitados shows que he tenido en tres años. Básicamente lo vendí todo. Y estar allí y ver a las personas llevarse mi arte a su hogar, tú sabes, porque una cosa es tener a las personas conectándose y diciendo “sí, esto es… esto significa algo para mí” y otra es ver a las personas comprarlo y llevarlo a casa y que esa… que esa emoción honesta que expresé, sea apreciada y que luego la lleven a casa y que la incluyan en sus vidas, um, fue realmente alentador y edificante saber que estaba causando estos pequeños impactos positivos. De manera que las personas pasan frente a la ilustración, caminan frente a ella, sonríen y se conectan con ella y dicen “esto me hace sentir realmente bien” y ahora está en su casa y confío en que aún caminen frente a ella y los haga recordar lo bien que se sintieron la primera vez que la vieron.

32. ¿Cuál es su lugar favorito para ilustrar? Generalmente el papel. ¡Jajaja! Algunas veces dibujo en mis manos. Acostumbraba ir a la cafetería casi todos los días y ese es aún mi lugar favorito para ilustrar. Cuando me mudé a Durango hace tres años me tomó como tres meses encontrar un trabajo, es un pueblo turístico pequeño y es solamente, es una de esas cosas de las que debes estar atento todos los días. Así que apliqué en varios lugares, realmente no estaba buscando trabajo como lavaplatos o como barista, es decir, yo amo el café y hago un late fabuloso pero estaba ya cansado de estar de ese lado del mostrador así que… invertí dos o tres meses presentando solicitudes de trabajo a varios lugares, yendo a entrevistas y luego sentándome en la cafetería por 3 o 4 horas a dibujar. Y mi compañero de cuarto… él hace tiras cómicas, dibujos tipo cartoon y cosas similares, nosotros simplemente nos sentamos en la cafetería por horas y dibujamos. Luego nuestro amigo Cody, el artista del tatuaje, empezó a acompañarnos y de pronto cosas o estilos míos o que estaba explorando empezaron a aparecer en el cuaderno de bocetos de Cody y cosas que él estaba haciendo aparecieron en el cuaderno de bocetos de George y fue maravilloso, transferir motivación e inspiración, y mucho café. Así que bebimos mucho hasta que mis manos empezaron a temblar por sobredosis de cafeína y supe que era el momento de ir a casa.

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33. ¿Cuál de las ilustraciones que realizó entre el 2012 y el 2013 es su favorita y cuál es la historia detrás de ella?

Todas son mis favoritas. Todas son acerca de gatitos. Se tratan de cuánto extraño a mi gato The Cat. ¡No! ¡Jajaja! Veamos… Es como preguntarle a mi mamá cuál de sus hijos es su favorito, ¡jajaja!. ¿Puedo escoger un tema?

Sí.

Este ha sido un tema muy… bastante consistente por los últimos dos meses. Se llama o yo le llamo Quick notes. Son solamente breves notas que extraigo y me encanta… no tengo buena caligrafía, mi escritura a mano es terrible. Las personas dicen que… dicen ¡no! Mira eso, tu escritura a mano es hermosa y yo les digo que eso es dibujo a mano, yo dibujo esas letras no las escribo. Las notas breves son letras dibujadas a mano. Por ello son realmente personales y muy directas para algunos individuos. Es una de esas situaciones que son increíblemente anecdóticas y positivas a la vez y en retrospectiva, los últimos meses del 2012 y los primeros del 2013 fueron más o menos deprimentes y es una de esas situaciones en los que debo obligarme a no… quiero decir, es saludable expresarte y sacar las cosas fuera pero no quedarse allí. Y yo estaba… no quería llegar a ese punto.

Así que las notas breves son probablemente mi obra favorita de este año, el ser capaz de escribir esas notas a alguien basándome en conversaciones o bromas personales y hacer que signifiquen algo para muchas otras personas también. Se convierte en arte con un propósito, un propósito más grande que yo, más grande que una terapia, e intentar lidiar con todo eso que tengo en mi cabeza. Así que sabes, eventualmente voy a hacer, tengo unas tarjetas ordenadas en serie que están basadas en las notas breves. Quiero hacer notas breves sugeridas, aceptar encargos, muy baratos, trozos de papel de 3 por 3 pulgadas, añadir una buena acuarela y obtendrás una frase de 3 a 5 palabras. Eso es lo que deseo hacer con las notas breves.

34. ¿Cómo percibe usted su evolución como ilustrador? Físicamente, no tengo alas ni superpoderes. No he evolucionado mucho a ese respecto. Mis manos me duelen mucho más. Especialmente cuando dibujo miles de pequeños puntos y líneas y cosas como esas. No lo sé, ha sido una evolución natural. Siento que… veo hacia atrás y… si retrocedes (en tumblr) hasta el 2009 todo era digital. Tengo una tablet Wacom. Hice mucho dibujo y coloreado digital y ¿aún lo haría?, digitalmente. Así que he pasado mucho más tiempo lejos del computador, no porque no me guste, es una herramienta grandiosa, pero es… supongo que si he evolucionado de alguna forma, ha sido enfocándome en el proceso tanto o más que en el resultado final. Sí, tengo esta emoción o este sentimiento que quiero dejar salir, y quiero captarlo en forma de un dibujo o pintura, pero cómo lo hago para lograr que capte todo su significado. Solamente calmándome y pensando acerca del proceso. Creo que esa es la manera en que evolucionado.

QUICK NOTE 2013 / CLINT TILLMAN

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2/ entrevista realizada a Luis Pinto(VER ANEXO 3: GUÍA DE ENTREVISTA A LUIS PINTO)

1. Define para ti que es ilustración.Ilustración para mi es realizar gráficas con un mensaje.

2. Según tu experiencia como ilustrador, ¿podrías mencionar alguna diferencia entre pintura e ilustración?

La pintura por lo general se basa o se incluye en los campos del arte. Muchas veces la pintura puede ser una pintura abstracta, puede ser una pintura realista, una pintura que se adecue a un estilo o movimiento artístico. La diferencia entre una pintura y la ilustración es que posiblemente esa pintura pueda comunicar y se vuelva una ilustración, mientras que la ilustración nace principalmente para comunicar.

3. ¿Como inicia la realización de tus ilustraciones?Inicia propiamente desde el boceto. Toda idea por más preconcebida que este, nace de un soporte donde pueda yo plasmarla ya sea papel, madera, cualquier superficie o soporte que me ayude a plasmarla. La computadora realmente podría servir en dado caso que se bocetara a nivel digital pero por lo general siempre… toda ilustración empieza de un boceto.

4. ¿Cuál es el proceso creativo que sigues para generar tus ilustraciones?

Tomo una taza de café… jajajaja. Inicialmente agarro primeramente un brief, lo que se me pide que ilustre. En base a eso me agarro de insumos gráficos ya sea referencias de libros, eh… referencias digitales, mensajes, ideas, incluso contenido literario que yo pueda utilizar para inspirarme para poder crear algo. Una vez ya tengo eso, ya empiezo por la etapa de bocetos donde hago sketches preliminares, que no necesariamente son definitivos sino que me ayudan a explorar en diferentes estilos gráficos que pueda utilizar yo. Ya una vez elijo el estilo gráfico que voy a trabajar ya empiezo a pulir la idea y posiblemente paso a lo digital si es que el cliente lo solicita. De otra manera todo es a mano.

5. ¿Tus ilustraciones parten de un concepto?Si. Por lo general, aunque, dependiendo del tipo de comisión que yo haga… si es proyecto personal posiblemente el concepto lo pueda dejar a un lado, para experimentar, para ser lúdico. Mientras que si es con cliente, sí, siempre tiene que ir amarrado a más de un concepto.

6. ¿Realizas algún proceso de conceptualización al iniciar a realizar tus ilustraciones?

Si. Por lo general me agarro de metáforas, figuras retóricas que podría utilizar. Ayudan mucho a optimizar la composición gráfica que va a tener la ilustración. Hago lluvia de ideas, que muchas veces no son lluvias de ideas escritas sino gráficas para mas o menos visualizar que cara va a tener la ilustración.

7. ¿Consideras que las ilustraciones de Clint Tillman parten de un concepto?

Posiblemente. Creo que con el caso de Tillman tiene que ver mucho, que la mayoría de ellas tienen que ver mucho con su propia visión de la ilustración y algunas obviamente con la intención de poderle mostrar al público. Entonces, dependería de ver que tipo de pieza se expone para saber si tiene o no un concepto.

8. ¿Realizas varios bocetos de propuestas antes de llegar a la ilustración final?

Si. Casi que es un must a menos que me guste mucho la idea. Pero es muy difícil, por lo general… siempre una idea va a dirigirte a otra, entonces, mis bocetos de ideas siempre son importantes.

9. Cual es tu preferencia, ¿técnicas análogas o técnicas digitales? ¿Porque?

Análogas. En principio. No discrepo de la digital, porque ayuda a concretar muchas cosas. Yo prefiero la análoga siempre porque

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te ayuda a pensar, te ayuda a poder armar las cosas conectando realmente el cerebro con la mano, en cambio la digital te permite el error. Entonces, le resta tal vez autenticidad o no se vuelve tan genuina la ilustración.

10. ¿Que beneficios consideras que tienen las técnicas análogas? Ver respuesta de la pregunta 9.

11. ¿Como defines el estilo de Clint Tillman?Yo lo definiría como un estilo apegado mucho a una tendencia grunge, a una tendencia donde la textura esta muy metida dentro de la composición gráfica, tomando en cuenta que también le gusta obrar o realizar sus ilustraciones a mano lo que le da esa naturalidad, esa sinceridad en el trazo. Ya si habláramos de un estilo digital posiblemente si le quitaran esa alma que tienen las ilustraciones de este ilustrador.

12. ¿Qué estilos consideras que influencian las ilustraciones de Clint Tillman?

Ver pregunta 10.

13. ¿Consideras que el estilo de Tillman apoya la transmisión de los mensajes visuales?

SÍ. Muchas veces hablando de lo que el hace y viendo sus referencias se puede notar que todo lo que el realiza, incluso las gráficas que el realiza muchas veces vienen acompañadas de texto o de un tratado tipográfico, que se une muy bien a veces a lo que esta transmitiendo gráficamente.

14. ¿Crees que las ilustraciones de Clint Tillman pueden tener mas de una interpretación?

Posiblemente si. Es lo más seguro. Por lo mismo de que el no esta manejando siempre un mismo tema. Está agarrando diferentes elementos, diferentes situaciones y obviamente uno como espectador, a menos que el mensaje sea demasiado claro, uno como espectador puede agarrar diferentes significados de la gráfica.

15. ¿Que signos recurrentes puedes encontrar en las ilustraciones de Tillman?

Signos a lo que es actividades, siento yo. Cosas que tienen que ver con… Como leñadores, la cuestión del mar, por ejemplo, todo lo que tenga que ver con como trabajos arduos del hombre, por ejemplo. Todo lo que tenga que ver con como se llama, cazadores, leñadores, personas dedicadas al mar, todo lo que tenga que ver con una conexión a la naturaleza.

16. ¿Cómo crees que Clint Tillman utiliza el color en sus ilustraciones? ¿Consideras que la paleta de colores que utiliza tiene un significado?

Si, tiene que ver mucho con, obviamente, lo que acabo de exponer que es las actividades que realizan en relación a la naturaleza. Posiblemente toda la paleta de color que utiliza tiene que ver con colores tierra, colores que tengan que manejarse aunque sean todos fríos, que tengan un pigmento cálido, para que se empiecen a unir. De esa manera el hace que no existan colores cyanes, no exista una paleta más enfocada al diseño pop sino que tenga que ver… enfocada al diseño grunge.

17. ¿Crees que la aplicación de color apoya a la comunicación visual en las ilustraciones?

Si. Definitivo. La paleta de color es la que siempre nos va a dar… nos va a transportar, nos va a guiar a ciertos mensajes gráficos, porque obviamente, en parte, el diseño nos ha educado a ubicar ciertas cosas. Entonces depende del tipo… de la paleta de colores que utilices, tu puedes denotar si un cartel está hecho para, no sé, para precaución o peligro de algún tipo, o si va a ser por ejemplo para una invitación para una persona, para un evento por ejemplo. Pero la paleta de color siempre va a servir para transportarnos o ubicarnos en que situación se encuentra la composición gráfica.

18. ¿Consideras que la técnica de la acuarela apoya la transmisión de mensajes en las ilustraciones de Clint Tillman?

Si apoya porque, en parte el está dando ese distintivo. Esta utilizando la técnica como su base o su sello artístico. Como ilustrador siempre es importante mantener tanto técnicas como

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estilos visuales sólidos para poder ser reconocido en el gremio, por lo menos por la gente que se dedica a trabajar contigo.

19. ¿Crees que Tillman utiliza figuras retóricas en sus ilustraciones?

Si utiliza figuras retóricas. Utiliza la personificación, utiliza la hipérbole. Creo que metástasis, creo que utiliza también. Por lo general la hipérbole la utiliza muy bien porque lleva a otro nivel a veces las cosas o trata de brindarte cualidades que se extienden o se exageran. Mientras que la personificación la utiliza cuando los elementos se adecuan al tratado tipográfico. Osea la tipografía asume también el papel del elemento gráfico que está ilustrando.

20. ¿Qué figuras retóricas identificas en sus ilustraciones?Ver pregunta 19.

21. ¿Como ha influenciado en tu vida la ilustración?Ha influenciado desde que soy muy pequeño. Obviamente la palabra ilustración no vino a tener sentido hasta que me metí en la universidad. Yo siempre he dibujado, siempre me ha gustado la gráfica, pero la ilustración, este, siempre ha estado conmigo en cuanto a la cuestión gráfica. Ahora bien para comunicar, ha sido todo a través de mi carrera. Y se ha vuelto un estilo de vida porque todos los días ando pensando en ideas y mensajes gráficos que puedo plasmar. Más allá de que este trabajando o no con un cliente, es la necesidad de estar preparando cosas, para que sea más interesante, siento yo, la vida misma.

22. ¿Cuándo empezaste a ilustrar?Bueno, ilustrar ilustrar obviamente desde la carrera. Pienso que dibujar, desde que soy muy pequeño. La ilustración la maneje desde primer año, obviamente empecé a trabajar ya en el segundo año, con ese tipo de cosas. Y ya para cuando termine la carrera, ya supe también que a pesar de haberme graduado de diseñador, que mi campo de especialización… lo que siempre quiero hacer es ilustrar.

23. ¿Cuál ha sido la mayor satisfacción que has tenido desde que empezaste a ilustrar?

Poder trabajar con clientes de fuera, así como también conocer profesionales de fuera. Lo que me ha brindado que también mi ilustración evolucione y por lo menos que no se quede en un punto. Es por ello que soy ecléctico me gusta manejar diferentes estilos, a partir de la necesidad de poder abarcar cuanto más pueda a nivel gráfico.

24. ¿Cómo consideras que has evolucionado como ilustrador?He evolucionado básicamente desde la comunicación. Porque tal vez en principio un ilustrador pueda encontrarse de que siempre está comunicando algo desde la gráfica, siempre vas a comunicar algo. Pero la evolución que experimentado es ahora detenerme y sopesar los mensajes que voy a dar osea realmente no quedarme con una primera idea del mensaje sino tratar de que ese mensaje desde la gráfica sea lo mejor posible. Entonces realmente la evolución ha sido en cuanto a como ir generando o construyendo ese lenguaje gráfico

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3/ entrevista realizada a JUAN CARLOS CALDERÓN

(VER ANEXO 2: GUÍA DE ENTREVISTA A JUAN CARLOS CALDERÓN)

1. ¿Qué es la acuarela?La acuarela es una técnica utilizada en la pintura, que es a base… los pigmentos son a base de… En todas las técnicas de la pintura los pigmentos son los mismos lo que sucede es que aquí uno de los medios que utiliza es la glicerina y la goma arábiga. Fue empezada a usar por los orientales y en occidente introducida principalmente por los ingleses.

2. ¿Desde cuando trabaja la técnica de la acuarela?Mire trabajo la técnica de acuarela desde que era niño y principalmente me empecé a meter de lleno en ella a partir de los 12 o 13 años que fui a una academia Ríos a aprender a pintar.

3. Explique paso a paso como se aplica la técnica análoga de la acuarela.

Bueno la acuarela, digamos difiere de las demás técnicas, en que se va del claro al oscuro. Por ejemplo el óleo se va del oscuro al claro, porque son técnicas opacas en la cual uno va cubriendo. En la acuarela se tiene el cuidado de preservar ciertos blancos, que son los blancos naturales del papel. Entonces, por lo general, la mayor parte de las personas dibujamos, y cuando ya se tiene un mapa de que es lo que hay que hacer se procede ya a pintar. La dificultad de la acuarela en relación a las otras técnicas es que requiere una mayor planeación, porque se tiene que saber cuales blancos se van a dejar y eso es algo complicado para algunas personas.

¿Hay algún método para guardar esos blancos?Lo que sucede es que cuando se dibuja se tiene que saber que los blancos van a ser ciertas áreas. Otra cosa con la acuarela, es que se va aplicando… la pintura se va mezclando con agua y se van aplicando los colores claros, las primeras

capas claras hasta llegar a los oscuros. En mi caso yo utilizo una técnica que se llama alla prima. Alla prima quiere decir que cuando Ud. pinta, lo más que se va a pasar por un área son 2 o 3 veces, esto requiere de más agilidad para pintar, porque hay pintores que trabajan por medio de veladuras o capas, y se van yuxtaponiendo colores transparentes para crear ciertos efectos el problema de ese método es que es bastante lento y digamos hay que tener extremada paciencia. Lo complicado del método que yo utilizo es que hay que ser muy veloz, hay que ser muy rápido y digamos la planeación es muchísimo más grande.

4. Según su experiencia, ¿cuales son las principales ventajas de la técnica de acuarela?

Lo más bonito de la acuarela es que es una técnica muy portable, osea es portátil, por ejemplo, yo pinto mucho en las calles, entonces es relativamente sencillo es una técnica limpia, la ropa no se ensucia, se limpia con agua, se trabaja sobre papel. El problema de trabajar, por ejemplo con óleo es que se tiene que montar la tela, el traslado de la tela, fácilmente se mancha uno. Entonces la acuarela es una técnica muy amigable, que con solo un poco de agua uno trabaja, con una paleta sencilla, se diluyen los colores y se hace la mezcla de color. Entonces es una técnica práctica. Es una técnica que muchos la aprenden como primera técnica para poder hacer bocetos y esquemas para luego proyectar a cuadros de mayor dimensión en otras técnicas.

5. ¿Cuál es su preferencia en pinceles para aplicar la técnica de acuarela?

Bueno, yo utilizo unos pinceles bastante finos, un poco complicados de utilizar. Son hechos a mano. Es un pincel que utiliza el pelo de una ardilla, entonces son muy absorbentes, son grandes, pero igualmente se pueden trabajar detalles y la

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gran versatilidad de estos pinceles es que absorben grandes cantidades de agua, porque el problema cuando uno esta pintando en acuarela con pinceles muy sencillos es que tiene que estar recargando el agua constantemente, entonces se aburre uno.

Entonces las pinturas de artistas son más caras, los colores son más profundos y dan excelentes resultados. Las liquidas, que parecen tintas, son muy bonitas de utilizar, y son muy prácticas porque dan unos colores profundos. El problema con este tipo de pintura es que tiende a desvanecerse con la luz del sol, digamos a los años. Para lo que son técnicas de ilustración son muy útiles porque recuerde que el ilustrador va a tomar una fotografía, osea no estamos pensando como el artista. El artista, su trabajo se va a exponer se va a ver y va a quedar colgado en algún lugar para la posteridad, mientras que el trabajo de la ilustración es un trabajo que se realiza para algún tipo de trabajo pero se va a tomar una fotografía. Osea que el trabajo al final no es tan importante porque es solamente un medio.

7. En su trabajo, ¿mezcla diferentes técnicas con la técnica de acuarela?

He experimentado bastante. Por ejemplo con las acuarelas líquidas hice algunos experimentos y digamos eran pinturas de tipo creativo y realmente la gente al final no lograba incluso reconocer que eran acuarelas. Les fui mezclando otras cosas. Cuando trabajo paisajes, que es lo que estoy haciendo ahorita, casi no. Porque me siento muy cómodo con la acuarela y para mi el reto es ver todas las posibilidades que puede lograr ese medio. Pero se puede hacer, definitivamente.

8. ¿Qué otras técnicas funcionan de mejor manera con la técnica de la acuarela?

Bueno cualquier técnica que no tenga problema con la base de agua. Es decir en la pintura hay una regla que es… que no se puede mezclar agua y aceite. Por ejemplo si se pinta con óleo, no se puede aplicar acrílico encima. Pero sobre el acrílico sí se puede aplicar óleo. ¿Por qué? Porque si se pinta óleo y luego acrílico encima los secados no son inmediatos, pero como el aceite seca muy despacio y a veces pasa hasta un año para que realmente seque, esto tiende a rajar el acrílico. Entonces con la acuarela, cosas que quedan muy bien son el pastel, el carboncillo, las tintas. Obviamente no aplicadas cuando uno tiene la humedad sobre el papel a no ser que esa sea el efecto deseado.

Pinceles utilizados por Juan Carlos CalderónBiblioteca personal

6. En su opinión, que tipo de pinturas funcionan mejor, ¿semilíquidas o líquidas?

Bueno mire, a mi me gusta en particular utilizar las pinturas… osea los tubos. En la acuarela hay varios tipos de pintura. No confundamos que hay pinturas muy escolares que hasta se pueden comprar en el supermercado o en alguna librería o una tienda, que son aquellas famosas a las que llaman de “pastilla”, pero el problema con esas es que los resultados son limitados porque tienden a dejar la mezcla. La composición que tienen es muy pobre. Hay también grados de estudiante y en el caso… o ya cuando se es profesional, los grados de artista.

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9. ¿La técnica de la acuarela tiene un modo específico de empleo o puede aplicarse de varias maneras?

Yo creo que se puede aplicar de muchas maneras porque realmente… Recuerde que uno como artista está buscando formas creativas de aplicarla. Lo normal, lo tradicional es ir de lo más claro a lo más oscuro, en el óleo es de lo más delgado a lo más grueso. Pero realmente la técnica es tan noble, que permite muchos resultados. Yo lo que siempre le digo a la gente que se interesa es que lo más complicado de la técnica es aprender a dejar que ella haga su parte. Porque lo que sucede es que uno tiende a quererla llevar a hacer ciertas cosas pero los mejores resultados se logran cuando la técnica que tiene sus propias propiedades porque es a base de agua… el agua corre, el agua se mueve por gravedad, el agua tiende a expanderse dentro de un espacio, entonces si uno permite que la técnica haga su parte, realmente se logran resultados excepcionales. Porque a veces uno esta tratando de controlarla todo el tiempo y realmente la técnica, el agua al final para haciendo lo que desea. Por eso lo que yo recomiendo es aprovecharse de esos resultados porque entonces crean efectos realmente interesantes.

Otra cosa que no le había mencionado, es que dentro de la técnica se puede mezclar con otras cosas experimentales, se puede mezclar con azúcar, se puede mezclar con sal, si uno quiere que la acuarela le de más tiempo para que se seque, entonces se le hecha un poco de glicerina, o un poco de azúcar al agua. Si se quiere que seque más rápido, digamos que es un día de mucho frío y se necesita ir un poco más rápido entonces al agua se le aplica un poco de alcohol, porque como el alcohol tiende a evaporarse más rápido. Yo hice experimentos, por ejemplo de pintar con alka Seltzer, pintar con café, pintar con té, con coca cola, entonces realmente uno va encontrando otros resultados porque como el agua va a buscar… digamos se puede crear cierta granulación, que se le llama. Hay colores que de por sí, por ejemplo el azul ultramarino. Si se utiliza con bastante agua, el color bastante profundo y se moja para hacer el cielo, va a crear cierta granulación, que precisamente la sal y ese tipo de cosas sirven para provocar. Porque recuerde que al usar granos de sal y al entrar el agua, estos se van a expander y

van a quedar sobre el papel y entonces el color tiende a quedarse más cerca de estos granos. Entonces realmente tiene mucho que ver la química, con esto. Estas son algunas cosas que yo he probado. Otra cosa es que como el agua tiende a moverse, Ud. agarra el tablero y lo puede mover, entonces si Ud. quiere que la veladura quede más plana o la quiere digamos, hacer que el color vaya disminuyendo, se puede usar... por ejemplo entre mis herramientas yo utilizo mucho un spray de agua porque eso me ayuda a que… como toda la lógica de la acuarela es el agua y el color por eso su nombre acuarela, entonces entender como funcionan esos dos elementos sobre el papel. Y el papel también hay que entender que tiene… el papel no es plano y hay papeles con distintas texturas, entonces uno también la textura la tiene que utilizar a su favor. Entonces a eso le llaman valles, ya que hay pequeños valles que se podrían ver con un microscopio. Entonces cuando… por ejemplo si ud, quiere que quede el grano de papel entonces se utiliza una pincelada en seco, rápidamente con muy poco agua se agarra el pincel se le aplica más pigmento que agua, y cuando se raya queda… se utiliza para crear ciertos efectos.

10. ¿Qué desventajas tiene la técnica de acuarela?Bueno las desventajas es que crea muchísima frustración a las personas, porque aparentemente es algo tan simple, y entonces las personas lo ven tan simple y cuando Ud. ve la acuarela de alguien muy bueno puede decir hay que simple, que fácil hacerla porque como es papel. Entonces las personas empiezan a tomar las cosas como muy enserio y tienden a frustrarse. Porque la acuarela tiene como ciertas reglas y es fácil romperlas, pero en un principio cuando hay desconocimiento, ¿que sucede? Por ejemplo, Ud. aplica una veladura y aplica otra veladura encima de la misma, si las veladuras son de la misma intensidad tienden a chocar y volverse grisáceas entonces la segunda veladura por lo general tiene que aplicarse con mayor fuerza que la primera. Otra cosa es cuando está, como decimos los acuarelistas, oreando, que no es un término técnico pero para poder entender, entonces cuando la pintura está oreando osea casi está seca, pero no está seca y uno aplica otra capa lo que va a suceder es que quedan las famosas nubes, los americanos

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le llaman Butterfly (mariposa) osea el efecto mariposa. Y este efecto mariposa por ejemplo en un cielo limpio tiende a verse horrible o tal vez uno tiene algo que es muy plano. Entonces lo que sucede es que si no se sabe utilizar... la mayor parte de personas no sabe utilizar esos efectos a su favor, si no que se le van en contra, porque como las personas están acostumbradas y quieren dictarle a la técnica, entonces no entienden que Ud. al agua no le puede dictar. Lo que sucede es que la mayor parte de acuarelas, Ud. puede predecir hasta cierto punto pero la técnica tiene que hacer su parte.

¿Cuáles son estas reglas de la acuarela?Bueno la primera regla sería que Ud. tiene que tener su plan de ataque, verdad. Cómo va a enfrentar esto. Número dos, tiene que tener un esquema y si no lo tiene… lo más sencillo es hacer un dibujo, un dibujo muy simple. Se recomienda que el dibujo sea lo más simple posible, porque lo que sucede es que si Ud. hace un dibujo demasiado elaborado, en lugar de pintar Ud. va a tender a rellenar colores, como hacen los niños en los libros de pintar por números y la gracia de la acuarela es que fluya. La tercera regla debe ser que toda la pintura tiene que fluir, porque como es una técnica fluida porque es a base de agua, entonces debería… yo pienso que hay algo que tal vez no es una norma pero hay que entenderlo. La acuarela es tal vez la técnica más apegada, es muy espiritual. Porque como acuérdese que la pintura se está evaporando. Ud aplica un color, y esto si es una regla, cuando el papel está en blanco y se aplica un color bastante oscuro, cuando se seca el color va a rebajar casi en un 30%, entonces se tiene que planear, si Ud. sabe que el color va a rebajar tiene que subir un poco más los tonos. También demasiado blanco molesta. La clave sería hacer un plan de trabajo, balancear la pintura, osea hacer una buena composición, formas grandes, formas pequeñas, distintos tipos de pincelada para que, variación dentro de la misma pincelada, bordes duros, bordes suaves, la acuarela se presta mucho para suavizar los bordes pero hay que dejar ciertos bordes duros, para poder hacer la lectura y la clave es que tiene que haber una composición excelente y un centro de interés claro y preciso. Manejar bien sus volúmenes y sus sombras, pero creo que lo

más importante es que Ud. crea que cuando va a pintar va a transmitir algo especial y hay una belleza en cada pincelada. Yo soy de esa corriente filosófica en que cada pincelada cuenta, por eso no se dan más pinceladas de las que hay que dar. ¿Porqué? Entonces una pieza con un pincel grande, y va disminuyendo hasta llegar al detalle, entonces la primera etapa sería hacer su dibujo y pinta un fondo. Una vez pinta un fondo, hay que dejar que se seque, y entonces ya analiza, dónde me hace falta y que partes de ese fondo que son preciosas, que precisamente es el agua que las logró, va a dejar.

11. ¿Qué errores son comunes al aplicar la técnica de acuarela? Las personas, la mayor parte, tienden, y nos pasa a todos, a sobre trabajar las cosas, entonces se pierde la simplicidad, se pierde la magia, la acuarela tiene una gran magia. La magia es en poder ver esas transparencias y ciertos lugares que queden opacos. Otra cosa es que no todo el cuadro tiene que ser lindo, porque entonces no hay variedad, a veces pueden haber partes horribles, pero es para que lo lindo… Por ejemplo una mujer, una mujer tal vez es preciosa, pero un lunar, va a hacer que se vea más precioso porque tiene ese contraste. La acuarela tiene que tener contraste. Los errores más grandes es la gente tiende a hacer su fondo y no respeta las partes del fondo y cubre después todo eso entonces no logra… otro gran error es no trabajan la lejanía, porque la lejanía desde la primera pasada que ya dejó su tercer plano, ya casi que así se va a dejar. Dibujar demasiado es uno de los grandes problemas. Otro error sería, uno de los problemas, es que la gente tiende a usar pinceles muy pequeños dada su inseguridad para pintar, entonces ¿qué pasa? Se va a reflejar en las pinceladas. Otra cosa es que, digamos hay técnicas que sí Ud. quiere que se vean las pinceladas pero realmente uno decide que es lo que quiere que se mire y que es lo que no quiere que se mire. Entonces a mi me agrada mucho que ciertas pinceladas se noten, pero no todas, porque sino marea.

12. ¿Cómo se pueden minimizar estos errores al aplicar la técnica?Mire, a mi me dieron un consejo muy bonito y muy bueno. Cuando uno termina un cuadro, después analizarlo, y decir si

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yo lo volviera a hacer una próxima vez, ¿cómo lo haría mejor? Entonces uno se vuelve su mismo crítico y su mismo maestro. Entonces analizar y decir que hice bien aquí, porqué esto se ve sobre trabajado, cómo lo simplifico. Entonces todo el tiempo uno está auto mejorándose.

13. En su opinión, ¿cómo puede apoyar la técnica de acuarela a los mensajes visuales?

Bueno lo que sucede es que como le digo la acuarela es bellísima en el sentido en que puede manejar muy bien esa parte como espiritual. Entonces le diría que es, de todas las técnicas, para mí, es la que más se acerca a eso, entonces realmente, en el mensaje visual con esa parte espiritual yo creo que hace un gran clic verdad.

14. ¿De que manera ha impactado en su vida el uso de la técnica de acuarela?

¡Ah imagínese! A mi me cambió desde niño pues. Fue una técnica que yo la aprendí. Como le cuento estuve en esa Academia Ríos y cuando llegamos a la acuarela, yo ya no quería nada más, entonces, ahí preparaban a la gente para que pintara óleo y realmente digamos uno estaba en una técnica dos, tres semanas o un mes pero cuando llegue ahí yo pedí.. yo quería volverme experto en eso. Me ha impactado al punto que vivo de eso, vivo de la acuarela. Yo no puedo pensar en ir a un lugar sin empacar mis acuarelas. He conocido muchos lugares del mundo por la acuarela. Mis amistades, osea por el arte en general. Pero la acuarela me ha abierto muchas puertas, porque como yo trabajo en la calle, entonces la gente se acerca y me pregunta siempre. Muchas veces no creen que lo que yo estoy trabajando es acuarela, lo confunden que si es óleo o es otra cosa. Y realmente es una filosofía, a mi me gustan dos cosas mucho, la acuarela y las ciudades, lo urbano. Entonces, me ha cambiado completamente la vida. La vez pasada le contaba que yo a la acuarela la veo como una dama, para mi es femenina no es masculina entonces por eso tiene… las personas tienden a ver a la acuarela como algo muy débil, yo no lo veo, al contrario lo veo como una filosofía entera fuertísima. Porque a veces es más fuerte un susurro que un grito. Y realmente la acuarela

tiene esa flexibilidad puede susurrar y puede llegar a gritar y todo dentro de una obra. ¿Cómo ha impactado en mi vida? Mire hace mucho tiempo yo tuve una crisis muy fuerte. Me quede sin trabajo y no sabía que hacer. La economía estaba muy mal, entonces descubrí que podía buscar el arte de regreso. Cuando me enfrenté con el papel y uno está componiendo, yo partía el papel en cuatro, osea hacia una grilla de 4. Entonces empecé a descubrir que lo que yo estaba pintando en realidad era mi vida no era un ejercicio simplemente. Y de la manera en que mis pinturas empezaron a ordenarse, a tener como más carácter y más forma, yo me fui dando cuenta que era una tremenda terapia para mi vida y se volvió también algo muy espiritual porque en algún punto yo estaba pintando, y como pasaba horas ante una escena verdad, días, empecé a tener una plática con el Todo Poderoso. Y empecé a tener un encuentro muy personal con mí mismo. Y me cambió completamente la vida. Yo me dedicaba a la arquitectura, ahora me dedico completamente al arte entonces mucha gente dice “¿pero eres arquitecto?” sí, pero realmente me dedico al arte, aunque pinto mucho la arquitectura, pero yo pienso que la pintura es una terapia tremenda y en ese momento también fue clave, porque yo no tenía un centavo para pagar una terapia o para unas clases, entonces yo lo empecé a hacer y me cambio la vida, me volcó la vida. Y al día de hoy, me la sigue cambiando verdad. He hecho cantidad de amistades por esto. Entre los artistas me han abierto un espacio y ha sido precisamente por la acuarela.

15. ¿Considera que la acuarela tiene un gran poder de comunicación? ¿Por qué?

Sí. ¿Es que sabe que sucede con la acuarela? Es muy directa. Directa en el sentido que hay gente que la puede llegar a manejar y crear resultados casi inmediatos. Yo lo veo cuando estoy pintando en la calle y logro plasmar algo que la gente lo ha tenido enfrente por años o incluso ellos viven ahí y se sorprenden de la belleza que los artistas pueden lograr al ver el lugar donde ellos trabajan o viven de una manera distinta, de una manera exquisita, porque realmente lo que uno esta tratando en esto de pintar y sobre todo cuando se va al aire libre es la exquisitez. Me atrevería a sostener que la acuarela… Había un amigo muy

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culto que era publicista y un día platicando con el me decía que las instituciones financieras y bancos internacionales tienen tremendas colecciones de acuarela, lo que sucede es que es muy difícil de encontrar acuarelas de nivel. Entonces por eso es que mucha gente se frustra porque la acuarela, se le llama la técnica más difícil de dominar. Es una técnica celosa, osea quiere muchísima dedicación, como cualquier cosa en la vida, pero yo he probado el óleo y el acrílico pero si se confunde, puede hacer correcciones, algunas veces se notan, otras no. Pero la acuarela, la dificultad está en que si Ud. lo arruinó el papel ya no sirve, punto. Es más fácil hacer otra. Yo antes pensaba que se podrían componer, no. Prefiero empezar otra vez desde cero. Y también a la gente le cuesta un poco el concepto, entender, es que solo es un pedazo de papel. Lo lindo es que el artista lo está transformando en algo más. Me entiende, es como un orfebre, que toma un pedazo de metal y puede hacer un collar exquisito o puede hacer un dije que nadie ha visto pero es un pedazo, osea en sí el pedazo de metal no tiene un tremendo valor, es el trabajo verdad, es la creatividad de él. Y lo mismo sucede con la acuarela.

16. En su experiencia, ¿cuáles son las respuestas más comunes del público ante un trabajo de acuarela?

Bueno en el caso mío, la gente se sorprende de como con una técnica tan sencilla se puede transmitir el mensaje de lugares que ellos han conocido, verdad. Eh… la gente digamos le gusta mucho, he visto, cuando la gente ve acuarela en general, lo fluido, cuando una acuarela es fluida verdad, cuando una acuarela es sentida, por eso le decía que es tan espiritual porque refleja su estado anímico. Digamos el óleo, Ud. tuvo un mal día, lo pintó, lo dejó ahí, a los dos, tres días, Ud. ya se siente mejor y lo mejora. La acuarela no. La acuarela si su estado anímico, Ud. está negro por dentro, le va a salir horrible pues, ¿porque sabe que sucede? El fondo es clave para todo, entonces si Ud. no hace un fondo exquisito, lo demás no sirve. Eso es lo que yo he visto en el caso mío. Osea he visto que a la gente le agrada una acuarela fluida, una acuarela bien hecha, cuando ven una acuarela mal hecha ni siquiera la comentan. Con los cuadros en general así es, verdad. Pero cuando la gente ve una acuarela buena, se

detiene. Y disfruta mucho, la gente me ha dicho, cuando hay ciertas transparencias, sobre todo en un paisaje, en los fondos. La gente, veo que les gusta mucho como el color se puede llevar de un lugar al otro. Cómo pasa del cálido al frío y de regreso y como el ojo se va moviendo. Y realmente la gente la disfruta. A veces la gente tiene un poquito de, un concepto de, les da un poco de problema que es papel. Cuando yo empecé a pintar acuarela hace muchos años, a exponer y todo, yo miraba que había un poquito de resquemor, un poquito como de. La gente me preguntaba “¿mirá pero es papel?”. Entonces las personas pensaban que por ser papel no tenía durabilidad. Entonces yo me puse a investigar y logré encontrar que la acuarela como, tanto la acuarela y el óleo tienen casi, osea la acuarela está garantizada en un buen papel y con pigmentos de primera, por 500 años. Fui con la experta del arzobispado, la conservadora. Ella se dedica a conservar papel, documentos. Entonces me explico que media vez el papel tuviera algodón. Entonces esa era una gran limitante. Ahora lo que ha dado problema es que, hay gente que no es experta digamos, en la técnica de acuarela y de alguna manera la han bajado de nivel. En el caso mío me he preocupado mucho de subir los niveles, los estándares y he procurado digamos mantenerme internacionalmente, sabiendo que es lo que está pasando en otros lugares. O digamos en viajes para ir a ver que es lo que está pasando y me he especializado en la técnica de la acuarela. Pinto con otras técnicas pero para mí la acuarela es mi pasión, es mi vida. Cuando empecé a pintar yo probé acuarelar de distintas maneras, con comida, con tintes comestibles, con otro tipo de pinturas para poder entender las propiedades, probando otros tipos de papel, papeles que digamos no eran aptos para eso pero yo quería ver los niveles de dificultad y así encontré algunas cosas, verdad. Eh, pero cuando la gente ve algo bueno, definitivamente le va a gustar.

17. ¿Considera que la técnica de la acuarela es adecuada para la ilustración?

Definitivamente. ¿Por qué? Porque como es tan portátil y hoy en día los lugares de trabajo son cada vez más pequeños, entonces eh. Es muy versátil, porque en una caja pequeña puede tener cuantos colores quiera. Es muy noble, se aplica sobre papel,

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entonces digamos el costo… Es muy rápida. Digamos para un ilustrador muy diestro puede trabajar rápidamente un concepto, algo terminado. Y he visto gente.. he visto ilustraciones hechas en acuarela fantásticas, de gente con mucha capacidad. Entonces creo que sí. La témpera es otra técnica que se aplica también muy bien con la ilustración. Eh. Porque la acuarela Ud. la puede trabajar plana digamos, para llenar espacios o bien puede mezclar los colores tiene esa tremenda flexibilidad.

18. ¿Considera que la técnica de la acuarela apoya a los mensajes que Clint Tillman busca transmitir en sus ilustraciones?

Si creo que sí. Por ejemplo el aquí utilizó la técnica a un solo color y fue aprovechando digamos, llegar a los claros y a los oscuros. (Black Sheep boy) Sí, definitivamente. Hay unas ilustraciones de él que me gustan más que otras. Estas que Ud. me está mostrando me gustan más por la paleta limitada que él utilizó, la

gama, el color es muy cálido, muy agradable al ojo. Y creo que sí el lo está aplicando, no como artístico sino como ilustración. Porque el mensaje ahí tiene que ser claro, simple, directo.

19. ¿Cómo es su proceso para realizar una obra con la técnica de acuarela?

Mire lo primero que hago es me inspiro en qué es lo que voy a pintar. Entonces, tengo digamos varias maneras, pero por ejemplo, si va a ser algo creativo trato como primero de meterme, pensar, tener un poco de contacto con la naturaleza, verdad y desde ahí sacar la inspiración para crear algo. Una vez ya lo tengo, pues hago un dibujo o un esquema básico. A veces hago bocetos que no los voy a usar de inmediato sino que los voy a utilizar tal vez semanas o meses después y que cuando tal vez no estoy inspirado, busco en ese cuaderno de bocetos, qué me puede servir verdad. Mozart decía que la inspiración nunca va a llegar así de la nada, sino que decía que 90% transpiración 10% creatividad. Ud. tiene que estar ejercitándose todo el tiempo. Si voy a pintar en la calle lo que pasa es que ahí es distinto. He caminado por lugares, y hay lugares que me van gustando entonces los dejo como marcados, yo digo poner bandera. Entonces, por ejemplo, ayer fui al Centro, caminamos con un amigo y cuando pasamos vi una esquina con una fachada en la parte de atrás al cruzar la calle e incluso tomé una foto. Entonces ese lugar ya lo estoy investigando. Cuando ya venía manejando la volví a ver, entonces es un lugar que me está llamando. Entonces los lugares los caminos los empiezo a ver. Me ayuda mucho perderme dentro del Centro. Tratar de buscar algo distinto y tengo lugares donde tengo frecuencia. Ahora el proceso específico de la pintura es, hacer el dibujo, en el caso mío yo trato de hacer algún tipo de pequeña meditación antes de empezar, luego tratar de ver esa imagen dentro de mi papel, entonces lo encuadro, hago un encuadre, y parto del centro para las orillas y dibujo mi perspectiva, rechequeo el dibujo porque fácilmente uno se tuerce o lo trato de ver de otra distancia. Luego aplico el fondo, muy suelto y con pincel muy grande. Dejo que seque y después ya sobre eso ya empiezo a trabajar entonces ya digo, voy a respetar estos blancos, voy a respetar estos colores que están en el fondo y sobre eso empiezo a construir.

TÉCNICA A UN SOLO COLOR.BLACK SHEEP BOY 2012 / CLINT TILLMAN

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Muchas veces no termino la pintura en la calle, es muy raro. Entonces regreso a mi estudio. Al día siguiente o después de un par de días sigo trabajando. Cuando es demasiado complicada, la guardo unos días y la volteo. Porque fácilmente uno se satura. Si es pequeña la traigo a mi estudio y la termino de trabajar. Después invito a mi familia a que la vea, porque ellos me ayudan a ver si algo no está en su posición correcta o si realmente es una pintura que vale la pena. Si no vale la pena, no la saco, no la muestro. Si realmente es de primera entonces la saco y ya la muestro. Entonces… y si no me gusta, antes la rompía, ahora no la rompo, sino la vuelvo a hacer. Ese es mí proceso.

20. ¿Cómo difiere el proceso de pintura con el proceso de ilustración con la técnica de acuarela?

Yo creo que el proceso de ilustración es más cuidadoso. Los ilustradores tienen que presentar una idea más clara, entonces no es tan importante la técnica como el mensaje. Osea está supeditado al mensaje que quieren transmitir. Mientras que la pintura tiene más libertad, porque el mensaje talvés no es un mensaje tan específico. Por ejemplo hay ilustraciones arquitectónicas, entonces la ilustración arquitectónica es más precisa, todo tiene que quedar en su lugar mientras que la pintura da mayor licencia para cambiar, mover, a romper un poco más las normas y realmente se necesita romper algunas normas para ser más audaz. Yo siento que la acuarela desde el punto de vista de la pintura requiere ser más audaz, empujar más, mientras que en la ilustración yo creo que se vuelve solo una técnica para transmitir un mensaje. Y esa es una de las diferencias más grandes. El nivel de detalle en la ilustración tiene que ser más grande que lo que puede exigir la pintura.

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4/ entrevista realizada a SILVIA BARRIENTOS

(VER ANEXO 4: GUÍA DE ENTREVISTA A SILVIA BARRIENTOS)

1. Brevemente, ¿qué es la comunicación visual?Bueno yo soy de las personas que cree que comunicación visual no solo se trata desde el diseño sino en todos lados, desde pequeños. Porque comunicación pues está dentro de la naturaleza del ser humano y se basa en códigos, en signos entonces todo lo que está alrededor nuestro son signos y desde ahí se debería de partir para entender la comunicación visual aplicada en el diseño. Osea el analizar el día a día de la comunicación, te sirve para después tener un mejor concepto y entender mejor la teoría y aplicarla cuando se diseña. Eso es lo primero que yo diría de la comunicación visual. Que no es una definición que solo en diseño la veas sino que es una definición que la trabajamos y la ponemos en práctica día a día y que se trata de intercambiar información entre dos personas o más y que todos estemos entendiendo lo que se está diciendo.

2. ¿Qué signos recurrentes identifica en las ilustraciones de Clint Tillman?

Bueno lo primero que me llamó la atención de sus ilustraciones fue el uso de círculos, líneas, flechas y puntos que están en muchas de las ilustraciones. Incluso normalmente en el mismo color. Además también la barba es un punto clave y que igual leí en lo que él cuenta de sí mismo en su página, es un punto clave en sus ilustraciones. Y muchas de sus ilustraciones lo tienen a él ahí. Porque asumo que es su personaje, que es él, lo que se nota por la barba que él menciona. También veo mucho uso de texturas, osea la forma en que él ilustra la barba, las texturas que le aplica a cualquier elemento que él usa se ven bastante peculiares, se ven como de él, de su estilo, son signos que lo representan. Y también veo, me imagino que ha de ser por la temática de la exposición o de donde elegiste tu muestra de ilustraciones, que si tienen cierto tema, veo cosas como de barco… y cosas naturales como palos o cosas así que son de la naturaleza.

3. ¿Qué elementos o características influyen en una mejor comunicación visual?

Yo te diría que no es tanto definir qué elementos o qué características sino que lo que influye en una mejor, o en una comunicación visual que sí funcione y que si sea eficaz es el análisis que tu llegues a hacer de esos elementos y de esas composiciones. Osea las características que tu elijas deberían de ser en base a una profundización de… si yo estoy poniendo por ejemplo las líneas y flechas y puntos que el pone… si él las está poniendo, porqué las está poniendo… qué significan, que implican en cuanto a color, textura, posición, forma, estilo que el utiliza. Todos esos parámetros, él los tuvo que haber evaluado. Entonces la comunicación se basa, más que en lugar de los elementos, en que tan bien está armada la composición. Pero insisto que no es solo algo técnico sino que va muy de la mano con lo conceptual y lo analítico que fuiste tú para decidir qué signos implican que y qué signos comunican que.

USO DE GEOMETRÍALANTERN 2013 / CLINT TILLMAN

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4. ¿Considera que el color es utilizado como signo en las ilustraciones?

Sí. Osea el color siempre es un signo por sí solo. Porque mucha gente piensa que es sólo una característica de un elemento que tenemos en la composición, pero cuando te vas a la teoría y la comparas con la práctica te das cuenta que el color por sí solo tiene ya cierto significado, le dan cierta significación siempre como color, como elemento. Entonces sí es un signo que él definitivamente ha de usar. Ahora la diferenciación que creo que valdría la pena hacer es que sí sus ilustraciones no tienen un objetivo de diseño entonces ese signo puede que sea elegido por gusto propio y no para complacer y persuadir a un grupo objetivo en específico. Ahí si hay una leve diferenciación pero sigue siendo un signo.

5. ¿El color refuerza los mensajes visuales de las ilustraciones?Sí. Te quería mencionar este artículo de Norberto Chavez (VER ANEXO 7) escribe increíble sobre estas teorías. Es un artículo reciente de ForoAlfa y habla de la significación del color y dice que la significación del color está motivada por códigos preexistentes y lo más relevante sería por la progresiva convencionalización de la relación arbitraria entre signo y referente. Qué quiere decir todo esto. Es que por ejemplo, veamos la ilustración “Come down from your mountain (You’ve been gone way too long)”.

En cuanto a color, al principio yo vi todas sus ilustraciones y noté que maneja mucho el naranja. Qué significación le dé el al color naranja, específicamente no lo sé porque es cuestión de él, es la significación que él le está dando. Pero, en este artículo se habla de una progresiva convencionalización de la relación arbitraria. Relación arbitraria significa que cada quién decide que significa realmente un signo. Entonces los signos siempre van a ser arbitrarios, siempre que tu veas … por ejemplo esta ilustración cada quien le va a dar cierta interpretación en base a sus propias experiencias, a sus propios gustos y a su forma de ver las cosas. Pero nosotros como diseñadores tenemos que ver que tipo de convencionalización ha tenido este color, este signo, este elemento para descubrir si funciona para el grupo objetivo, si o no, porque por más arbitraria que sea la comunicación, tu te empiezas a valer de lo que encuentras en común dentro de tu grupo objetivo. Entonces para él, la significación de este color por ejemplo ha de ser, puede ser… “es mi color favorito y a mi el azul a mi me inspira naturaleza por el mar” por ejemplo. Pero la convencionalización tal vez más clara en cuanto a el azul en todas las culturas te diría… aquí me refleja frío. Entonces es algo que tal vez el no estaba pensando conscientemente pero inconscientemente el sabe que el azul esta convencionalizado como un signo de frío. Ahí, nuevamente habría que hacer la diferenciación entre la significación del signo es arbitraria, osea el significado de un signo es arbitrario, pero existen ciertas convencionalizaciones que pueden moldear y medir lo eficaz de tu mensaje.

6. ¿Considera que la técnica de acuarela apoya la transmisión de los mensajes de las ilustraciones de Clint Tillman?

Si, también. Nuevamente, lo que sea que tu metas o dejes de meter dentro de tu composición va a afectar a la comunicación y va a significar algo. Por eso nosotros siempre somos muy enfáticos en decirte “¿y por qué estas poniendo este puntito? Y ¿por qué lo estas poniendo de la manera en que lo estas colocando? Y ¿por qué estás escogiendo el color?”. En el caso de él, independientemente de que tenga un objetivo de diseño, una textura te transmite algo porque ya está convencionalizada. Entonces por eso es que si tu ya manejas alguna técnica, esa COLOR EN LOS MENSAJES VISUALES / COME DOWN FROM YOUR MOUNTAIN

(YOU´VE BEEN GONE WAY TOO LONG) 2013 / CLINT TILLMAN

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técnica te refleja tal vez algo más natural, te refleja algo más suave, pero sí trae un significado dentro de lo que esa técnica puede llegar a mostrar en una composición. Entonces insisto en que la técnica apoya la composición y te transmite algo. Apoya a transmitir el mensaje y cerrarlo por así decirlo. Como generar un significado único y completo de la composición.

7. ¿Cree que las texturas de las ilustraciones apoyan la transmisión de los mensajes visuales?

Sí, y es que va muy de la mano con la técnica. La técnica por lo general es la que va a definir la textura que tenga la composición. Porque si es digital, automáticamente las texturas ya tienen ciertos rasgos específicos o tienen ciertas limitantes, tal vez, entonces te pasas a acuarela porque no quieres ese tipo… ese estilo sino que quieres algo que refleje más naturalidad.

En este caso si te das cuenta, en los comentarios de Clint en su entrevista, el te habla de cosas técnicas y todavía habla un poco de lo personal en cuanto a su preferencia por la técnica de la acuarela. Es por eso que yo te mencionaba que… Osea independientemente de que su objetivo sea comunicar, igual las texturas van a comunicar. Entonces puede que tu lo selecciones creyendo que no es comunicación y que es “yo hago lo que yo quiero” o “yo hago lo que técnicamente mejor me parece” pero a la hora de ya ver el resultado, sí comunica algo. Entonces es que puede ser que conscientemente o inconscientemente igual se está comunicando.

Es igual que con la paleta de colores, ya que al hacerle la entrevista yo le pregunte sobre el porqué de su paleta de colores, debido a que noté que mantiene una paleta de colores que relaciono con la tendencia orgánica. Sin embargo el me dijo que era preferencia personal. Pero hablándolo con otro sujeto de estudio, él me confirmaba que nota que la paleta tiene colores naturales, orgánicos y que nota una relación con los mensajes que transmite Clint al hablar de la naturaleza, etc.

Exactamente a esto me refiero con que es algo convencionalizado. Osea tu puedes elegirlo a tu gusto. Tu objetivo no es comunicar

pero de igual manera el color me va a decir algo. Por ejemplo yo te diría cuando empecé a ver, supuse que su color favorito es el color naranja, pero me di cuenta que él, aunque no se si lo hizo intencional. Pero en esta ilustración (come down from your mountain) sí lo cambió y para mí aquí el azul sí significa algo. Entonces sé que por más que el diga que lo escogió porque le gusta… entiendo que tal vez a nivel general el maneja el color por gusto propio pero hay ciertos detalles que el sí considera… si quiero transmitir frío voy a elegir tal color, pero es ni siquiera se hace consciente. Automáticamente, tu mente te regresa a lo que tu conoces, a tu experiencia, entonces ahí es donde la decisión es medio escondida.

Lo que él si comentó sobre el color, como signo, fue al momento de preguntarle sobre los elementos más repetitivos en sus ilustraciones y me mencionó las flechas, que aparecen casi en todas sus ilustraciones.

Espera, antes de que me menciones que significan, para que veamos ese análisis o esa comparación. Yo las flechas… Es que para mí por ejemplo, yo te diría dos cosas que reflejan… que según he visto como lo que el quiere comunicar con sus ilustraciones o la significación que se le podría dar a las ilustraciones, en general, yo detecto dos cosas. Una, dirección o como decisión o como su punto de vista por decirlo así, eso reflejaría una flecha. Y la otra sería, relación. Osea, como una unión de conceptos o sentimientos que en la composición él coloca. Eso es lo que yo leo a partir de lo que es una convención social de lo que las flechas podrían implicar y cómo las he visto colocadas en sus ilustraciones. ¿No sé que fue lo que el te dijo que significan las flechas?

Clint en su entrevista dijo: “Si vez, muchas de las flechas... Éstas flechas están trabajadas bajo el estilo de la geometría sagrada, y en base a esto, las flechas usualmente representan dolor de corazón y decepción.”

Ahí está, dime tu cuando tu ves una flecha, cabal, automáticamente piensas en dirección. Yo lo leo así. Pero lo

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que el dice de angustia y eso, si lo entiendo, pero a la hora de ver la composición completa. Porque por ejemplo hay una ilustración en que el tiene una flecha metida en el pecho, y ahí definitivamente se notaba que él estaba dolido y entonces si se ve la flecha definitivamente representa dolor.

acá: “honesty or silence” y que ambos te duelen. Porque el ser honesto a veces afecta en las relaciones y de igual manera como que te causa cierto dolor. Estos dos (personajes), osea se ve como si fuera un reflejo y cuando los veo y el de silence está como más demacrado, más deprimido, más dolido. Casi pareciera como si estuviera muerto, se me hace que más vale ser honesto que callar lo que estas pensando y muestra de alguna manera como que la gente lo ve igual que ambas cosas duelen pero no se dan cuenta que al fin y al cabo el silencio te mata más que la honestidad. Todo eso leo de la ilustración y si te das cuenta me valí de signos e incluso, las texturas y las formas y la composición son las que valen… porque yo veo que está comparando dos conceptos al ver que parte, que se ve un centro y se ve un reflejo. Eso me dice algo. Lo oscuro de la cara del silencio también me dice, que el silencio es más sombrío que la honestidad.

(Después de leer la explicación del sujeto principal. VER ENTREVISTA REALIZADA A CLINT TILLMAN)

Ves que si se relaciona con lo que leí. Yo te lo estoy explicando muy de una manera en que estoy interpretando algo, entonces le busco como el significado a todo. Pero él lo explica un poco más personal, a nivel de “bueno es que en esa etapa yo estaba sintiendo tal cosa”. Pero obviamente porque estamos analizando algo que es artístico pero que igual comunica.

8. ¿A su criterio las ilustraciones de Clint Tillman pueden tener varias interpretaciones?

Si. Pero no se cierra en él. Otra vez toda comunicación es arbitraria y todo signo es arbitrario y el signo es polisémico, que tiene diferentes significados. Entonces automáticamente siempre vas a tener diferentes interpretaciones. La diferencia entre que si eso es bueno o malo está en que si estas haciendo un diseño… Si el hace una ilustración como diseñador gráfico, eso es malo. Osea que su ilustración tenga diferentes interpretaciones no debería de suceder. Pero si él está exponiendo y sólo quiere expresarse y quiere llegar al público de una manera muy personal y es un encargo artístico, un trabajo artístico, ahí el tener varias

THE POLICY 2012 / CLINT TILLMAN

Por ejemplo. Si tu ves “The Policy”… te la voy a leer. Porque toda imagen se lee, al fin y al cabo tiene lectura visual. Entonces tu haces la lectura visual y al final casi podrías sacar una frase o un texto de lo que lees tú de la imagen y eso es interpretarlo, eso es comunicación. Por eso es que en comunicación visual… se mezcla un poco de todo. Entonces acá lo tengo a él, con su barba, como elementos. Tengo esto del centro que la verdad, no te sabría decir que tanto, no le logro sacar un significado tan profundo a eso, pero yo al ver estos dos, sentí que su principal idea a comunicar era que tu cuando estas relacionándote con las personas o puedes ser honesto o puedes callar como dice

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interpretaciones es lo que va, debe y siempre ha sucedido y siempre va a suceder porque el arte no se basa en que todos tienen que ser… en que la interpretación sea unánime, se basa en realmente provocar algo en ti, ya sea bueno o malo o lo que tu quieras. Pero según lo que yo leí en su blog… él cabal hasta tiene interacción en Facebook, con gente que comenta. Y esta gente que comenta le dice “Yo sentí justo eso”. Y tal vez no dice como la interpretó, pero el está interpretando en base a su propia experiencia porque te está diciendo que yo sentí justo eso que me ilustraste. Entonces no se trata de yo la entendí, sino se trata de yo sentí eso mismo, que tu ilustras.

Hay un párrafo que el tiene que me gusto, en que él explica como es su trabajo, cómo trabaja él y menciona que a él lo que más le gusto fue que el comenzó a expresarse a través de sus ilustraciones y se dio cuenta que mucha gente le daba cierto significado totalmente diferente al que él había pensando y que le llamaba la atención eso y que le gustaba provocar eso en la gente. Entonces ahí si te das cuenta que cumple una función artística de que surjan varias interpretaciones pero no puedes dejar a un lado el hecho de que está comunicando. Eso no se puede separar. Entonces va de la mano.

Por ejemplo otra vez, la ilustración de “Come down from your mountain”. Yo en su página vi que menciona la canción de dónde el saco esto. Entonces me puse a leer la canción y ahí es donde uno se da cuenta de cómo sintió la necesidad de comunicar o de plasmar gráficamente lo que para él esa canción significaba. Eso es comunicación osea el tiene esa necesidad de expresarse entonces lo hace a través de sus ilustraciones y obviamente lo hace desde su punto de vista y desde lo que está sintiendo y desde su propia interpretación. Incluso para comunicar tu tienes que interpretar por decirlo así. Si quieres buscamos la letra de la canción. (VER ANEXO 8)

Sólo con el título… “Falling Snow”… Desde ahí se comprende el porque del color azul. El se centró en comunicar esta parte de “come down from your mountain, you´ve been gone way too long” si no tengo el resto de contexto, porque un signo parte del contexto en el que se encuentra, osea la significación de cualquier elemento que tu pongas también se vale obviamente de su contexto, entonces el contexto aquí es el resto de las lyrics. Por ejemplo para mí es una pelea, entiendo que el contexto winter (invierno) es como por lo depresivo y frío que fue, dice como que yo me hubiera quedado pero tu decidiste que yo me debería de haber ido, y la frase de come down…. Esta persona que se había ido se fue a encerrar o está como encerrado y se ha vuelto una persona fría, se acabó el amor, ya no hay como que lo warm en la relación y la otra persona le dice que regrese de donde quiera que este, si decide regresar, que se lo diga, para dejar de analizar si va a regresar o no. “Out from the open window I could hear you breathing” por ejemplo acá la “open window” significa el hecho de que esta abierta la oportunidad de que regrese y todo eso lo va traduciendo él gráficamente. Tal vez no cuenta la historia completa pero cuenta una buena parte. Agarra el mensaje concreto y eso es lo que el decide ilustrar. Por eso se ven las flechas congeladas porque su amor se congeló, y el frío que lo representa a través del azul, esto que parece un iceberg… Esto me pareció muy interesante, cómo plasmo gráficamente la canción.

COME DOWN FROM YOUR MOUNTAIN (YOU´VE BEEN GONE WAY TOO LONG) 2013 / CLINT TILLMAN

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9. El que las ilustraciones tengan más de una interpretación, ¿es una ventaja o desventaja?

No se puede ver como una ventaja o desventaja. Y especialmente si nos enfocamos en el arte. En el arte prácticamente ese es el objetivo, llegar a la gente, sea como sea y todo es llegar a la gente. Que supongo que prácticamente entonces sería una ventaja. Pero si lo que estamos diciendo ilustración con objetivo de comunicación osea diseño gráfico, ahí si es una desventaja. Más bien ni siquiera es desventaja, es tu composición no funciona, punto. Insisto yo como diseñador si me voy a preocupar de que… yo codifico un mensaje, armo mi composición. A la hora de ya tenerla armada, la tengo que releer literal. Una composición visual la leo. Yo leo los signos y si cuando yo la leo no leo lo que yo quise representar, ahí hay un problema. Porque si ni yo mismo estoy leyendo lo que quise decir mucho menos el resto de gente. Yo tengo que basarme en parámetros del lenguaje de las demás personas no del mío. Entonces al fin y al cabo lo que uno va buscando en el diseño gráfico es sí encontrar signos claves pero también cerrar la cantidad de interpretaciones que pueden existir del mensaje. ¿Como lo cierro? Agregando signos o haciendo que ciertas cosas específicamente tengan cierta forma, cierto color, ciertos trazos, cierta textura porque eso me va a cerrar el mensaje. También busca el término anclaje… Anclar el mensaje significa cerrar el mensaje y lograr que sea concreto y que la gente realmente comprenda el punto, el mensaje clave o el mensaje concreto que tu querías dar.

10. ¿Cree que Tillman utiliza figuras retóricas en sus ilustraciones?Yo creo… ¿Esa se la preguntaste a él?

Sí. El me comentó que sí usa y él en lo que ha hecho reconoce que utiliza más las metáforas. Luego me dio una explicación de que signos usa y éstos qué representan en sus ilustraciones.

Eso estoy segura que surge... Porque una figura retórica es eso. La retórica es relaciones. Entonces el automáticamente relacionó y te explicó las relaciones que el encuentra entre este elemento que el usa y lo que significa, a lo que él se refiere. Yo la verdad hubiera pensado que el te diría que es eso… no se

que es eso… Pero sí definitivamente estoy segura de que utiliza figuras retóricas por el hecho de que todo lo que sea conceptual y tenga una carga emotiva significa que tuvo que haber existido una relación.. un análisis y una relación entre un referente y un signo. Tuviste que analizar y decir “¿Cómo relaciono esto con esto?” Y empiezas a conceptualizar y sacar conceptos diferentes a lo que concretamente quieres decir.

La retórica es el hecho de hablar un mensaje con carga emotiva y una ilustración siempre va a tener carga emotiva, a menos que sea una ilustración descriptiva. Si tu me estas simplemente ilustrando el paisaje que ves y no vas más allá de lo descriptivo entonces no es retórica. Pero cuando tu ves que el le pone un título, hay un concepto detrás y cada signo tiene una relación específica con algo a lo que el se refiere, definitivamente hay retórica. Consciente o inconscientemente pero hay retórica.

Cuando empiezas a analizar retórica, lo primero que tienes que hacer es analizar la composición y definir qué lees tu de esa composición. Cuando tu te das cuenta de todo lo que estas viendo y todo lo que significa cada elemento entonces te das cuenta de lo que el está hablando realmente. Porque a simple vista lo ves con una carga emotiva y cada cosa te dice otra cosa y vas sacando el significado y construyéndolo e interpretándolo. Pero al fin y al cabo toda esta interpretación te lleva a qué exactamente quiso decir él. Por ejemplo en Shipwrecked.

SHIPWRECKED 2013 / CLINT TILLMAN

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Acá yo diría que aplica metáfora y de alguna forma podría haber influencia de sinécdoque, por decirlo así. Porque el quiso transmitir esto de keep your ship together e hizo una metáfora de lo que implica manejar un barco. El barco sería tu vida, tu eres quien maneja o dirige el rumbo de ese barco y siempre ha existido eso que el capitán del barco es quien mantiene al barco completo o funcional. Sería una metáfora, uno, porque esta representando algo bastante abstracto. Osea el mantener tu vida entera, mantener una vida enfocada y completa o de alguna manera una vida como… Entonces ante lo que él habla es esto… la vida bien llevada. Eso es a lo que el se refiere y eso es algo abstracto, que no puedes fácilmente representar en una ilustración. Entonces el vino y lo analizó y comparó e hizo una analogía y gráficamente se convirtió en metáfora. Porque no está comparando una vida a la par de un barco sino que representó la vida, que es algo abstracto a través de unos signos que lo refieren… que refieren a eso. Una ancla se refiere a que vas a mantener los pies en la tierra osea que tu vida va a estar centrada o va estar como con una base. Y esto de together automáticamente con agregar esta cuerda… la cuerda siempre ha sido símbolo de unión, de alguna manera de enlazar, entonces no se realmente que más connotaciones pueda tener esta composición. Pero el ancla mencionaba que es sinécdoque porque es una parte del barco y solo con esa parte me dice todo el concepto del barco y todo el concepto de vida. Y la metáfora me dice todo esto que te digo que se basa… se refiere a algo abstracto y al final encierra todo un significado… es todo un simbolismo el que él maneja aquí.

Pero insisto, muchos artistas no la usan… a ti no te van a decir voy a usar metáfora en mi ilustración. Simplemente sucede. Pero la relación que él logra manejar… ahí es donde está la clave de la retórica.

11. ¿En general, qué figuras retóricas identifica en sus ilustraciones?

En general sería metáfora. Porque es que todas sus ilustraciones son muy simbólicas. De igual manera si tu te pones a indagar más obviamente encontrarías… más específico que tipo de figura

retórica es… que figura retórica es. Pero igual… la metáfora es como la más general. Y la metáfora se basa en símbolos y lo que él está generando aquí cabal son símbolos, porque para él una flecha significa tal cosa y para él esta rama atravesada en el corazón significa tal otra. Una llama de una linterna significa una alegría dentro de un contexto triste. Entonces esto siempre te refiere a metáfora.

12. ¿Cómo se puede evaluar objetivamente si el mensaje llega a un grupo objetivo?

Primero te preguntaría yo si él realmente tiene un grupo objetivo.

El me comentó que no lo había pensando así. De tener un grupo objetivo. Que no me podía decir según edades.. sino que el se dirige a las personas que quieren interpretar sus ilustraciones.

Que es lo que pasa en el arte. Y esta bien. Insisto, él no va a tener un grupo objetivo porque no es diseño gráfico lo que esta haciendo. Ahora, en arte, no existe un grupo objetivo por lo tal no se puede evaluar. Y por eso es que se acepta la subjetividad por decirlo así. En diseño gráfico lo evalúas… Si tienes estadísticas, etc. entonces lo puedes evaluar según la respuesta que tuvo el mensaje con el g.o. Si es un plan piloto y esta en una etapa de validación, de validar si el mensaje está bien construido en ese caso te basas en los parámetros que van con el proyecto. Tienes que analizar el grupo objetivo. Yo automáticamente. Suponte que el hubiera lanzado la ilustración de la montaña, supongamos que si tiene un grupo objetivo. Lo primero que hubiera preguntado es… ¿su grupo objetivo conoce esa canción? Yo me voy a basar en características del grupo objetivo, del contexto y del tema para poder evaluar si funciona o no. Y regreso a convenciones. Ahí es donde me doy cuenta de las convenciones que existen. Si el grupo objetivo ya viajó a Europa por ejemplo entonces ellos van a tener el concepto de un avión, de las ciudades de allá, de los idiomas… y pueden entender… y si el hubiera usado signos que tienen que ver esto por ejemplo, se van armando los parámetros para definir si si funciona el mensaje o no.

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13. Clint Tillman tiene un estilo muy particular, ¿considera que éste estilo apoya la transmisión de mensajes?

¿Cómo explicarlo? Es que el estilo… nuevamente si fuera diseño gráfico… el estilo debe apoyar el mensaje. No significa que si tu dices juvenil tiene que verse juvenil. Puede que quieras usar una figura retórica y quieras usar ironía y se vea algo de antaño o vintage y pero de alguna manera lo estas usando para reforzar el mensaje que quieres decir porque quieres decir lo juvenil ha existido desde siempre y por eso usas un estilo vintage por ejemplo. Osea ahí el estilo tiene que ir de la mano con cómo y qué quieres comunicar. En arte siento yo que el estilo refleja o transmite la personalidad del artista más que el mensaje. Porque, igual si el cambia de estilo no me deja de lanzar mensajes solo que ahora el evolucionó como artista. Osea el estilo si me dice algo, sí es comunicativo pero la comunicación que genera o el mensaje que lanza es en base al artista y no al mensaje de la ilustración.

14. En cuanto comunicación visual, ¿la ilustración análoga tiene un mayor valor que la ilustración digital?

Yo diría que no. Que cada una tiene su forma de ser y su forma de comunicar, por decirlo así. Casi que analizándolas como si fueran personas cada una tiene algo que decir. Entonces no puedes hacer una comparación y al final recae en: si es arte, el gusto personal del artista o de la persona que genere los proyectos y en diseño gráfico recae en qué quieres comunicar y cómo lo quieres comunicar. Entonces no significa que una comunique más que otra. Una comunica ciertas cosas y la otra comunica otras. Por default, por el estilo que generan. Si traen cierta significación consigo. Pero no habría manera de definir si una es mejor que otra.

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3. ¿Qué signos pueden identificarse en la ilustración?Se identifican como signos la cama, el sujeto o persona y la aparición o fantasma.

4. ¿Cuál es el significante y el significado de los principales signos de la ilustración?

SIGNO SIGNIFICANTE

Cama

Sujeto

Fantasma (duda)

5. ¿En qué categoría se encuentran los principales signos de la ilustración?

____ Ícono ____ Índice ____ Símbolo

6. ¿Qué mensaje se percibe? Se percibe el mensaje de la duda siempre presente.

7. ¿Qué tipo de mensaje visual es? ____ Mensaje lingüístico ____ Mensaje icónico codificado ____ Mensaje icónico no codificado

GUÍA DE OBSERVACIÓN 1

• Nombre de ilustración: YOU’RE NEVER ALONE WHEN YOU’RE HAUNTED BY SELF DOUBT (NUNCA SE ESTÁ SOLO CUANDO SE ES PERSEGUIDO POR LA DUDA)

• Autor: CLINT TILLMAN

• Fecha de elaboración: 20 ENERO 2013

1. ¿Qué técnica se utiliza en las ilustraciones? Técnica de acuarela y tinta (pluma)

2. Puede notarse la mezcla de técnicas de ilustración?

_____ Si _____ No

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8. Significado Denotativo Ilustración de hombre recostado. 9. Significado Connotativo La presencia de un fantasma o de tristeza en una persona que se presenta en los momentos de soledad y silencio.

10. ¿La ilustración contiene texto?

_____ Si _____ No

11. ¿Qué tipo de tipografía utiliza?

____ Antigua ____ Palo seco ____ Caligráfica

____ Decorativa ____ Simbólica ____ Manuscrita

12. ¿Qué función tiene el texto en el mensaje visual?

____ Anclaje ____ Relevo

13. ¿Qué gama de colores aplica?

____ Fríos ____ Cálidos ____ Análogos ___ Complementarios

14. Según la psicología del color, ¿qué transmiten las ilustraciones? Según la psicologia del color, a través del color gris se transmite indecisión, duda, melancolía y la ausencia de energía mientras que el color verde es un color tranquilo y sedante y transmite calma indiferente.

15. ¿Qué tipo de texturas se aplican en las ilustraciones?____ Visuales ____ Táctiles

____ Naturales ____ Artificiales

____ Orgánicas ____ Geométricas

16. ¿Se utiliza la retórica?

_____ Si _____ No

17. ¿Qué figura retórica se aplica?____ Metáfora ____ Metonimia ____ Doble sentido

____ Hipérbole ____ Alusión ____ Elipsis

____ Ironía ____ Onomatopeya ____ Oxímoron

____ Prosopopeya ____ Repetición ____ Sinécdoque

____ Otra:

18. ¿Cómo se aplica la figura retórica? Se aplica la metáfora al representar a la duda como un ser, en este caso como un fantasma o ente que acompaña a la persona.

19. ¿Cuál es el punto focal en la composición? El rostro del personaje principal.

20. ¿Cómo se logra el punto focal? Se logra a través de la saturación de color en esa área.

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1. ¿Qué técnica se utiliza en las ilustraciones? Técnica de acuarela y tinta (pluma)

2. Puede notarse la mezcla de técnicas de ilustración?

_____ Si _____ No

3. ¿Qué signos pueden identificarse en la ilustración? Se identifica como signo el hacha y el texto.

4. ¿Cuál es el significante y el significado de los principales signos de la ilustración?

SIGNO SIGNIFICANTE

Hacha

Texto (This axe is dull and rusty)

5. ¿En qué categoría se encuentran los principales signos de la ilustración?

____ Ícono ____ Índice ____ Símbolo

6. ¿Qué mensaje se percibe? Se percibe el mensaje del descuido y antiguedad.

GUÍA DE OBSERVACIÓN 2

• Nombre de ilustración: TO PUT IT BLUNTLY

• Autor: CLINT TILLMAN

• Fecha de elaboración: 5 DICIEMBRE 2012

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7. ¿Qué tipo de mensaje visual es? ____ Mensaje lingüístico ____ Mensaje icónico codificado ____ Mensaje icónico no codificado

8. Significado Denotativo Un hacha opaca y oxidada. 9. Significado Connotativo El descuido de los objetos comunes de la vida cotidiana, el paso del tiempo y el desgaste de los objetos.

10. ¿La ilustración contiene texto?

_____ Si _____ No

11. ¿Qué tipo de tipografía utiliza?

____ Antigua ____ Palo seco ____ Caligráfica

____ Decorativa ____ Simbólica ____ Manuscrita

12. ¿Qué función tiene el texto en el mensaje visual?

____ Anclaje ____ Relevo

13. ¿Qué gama de colores aplica?

____ Fríos ____ Cálidos ____ Análogos ___ Complementarios

14. Según la psicología del color, ¿qué transmiten las ilustraciones? Según la psicología del color, a través del color naranja se transmite un carácter acogedor, cálido y estimulante, mientras que a través de las tonalidades cafés se transmite con tranquilidad y seriedad, así como antiguedad, nobleza y el paso del tiempo.

15. ¿Qué tipo de texturas se aplican en las ilustraciones?____ Visuales ____ Táctiles

____ Naturales ____ Artificiales

____ Orgánicas ____ Geométricas

16. ¿Se utiliza la retórica?

_____ Si _____ No

17. ¿Qué figura retórica se aplica?____ Metáfora ____ Metonimia ____ Doble sentido

____ Hipérbole ____ Alusión ____ Elipsis

____ Ironía ____ Onomatopeya ____ Oxímoron

____ Prosopopeya ____ Repetición ____ Sinécdoque

____ Otra:

18. ¿Cómo se aplica la figura retórica? ___

19. ¿Cuál es el punto focal en la composición? La cabeza del hacha.

20. ¿Cómo se logra el punto focal? Se logra por el encuadre que le dan las formas circulares entre las formas más rectas de la composición.

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3. ¿Qué signos pueden identificarse en la ilustración? Se identifica como signo a ambos personajes, el ave como escudo, ambas flechas, y el texto.

4. ¿Cuál es el significante y el significado de los principales signos de la ilustración?

SIGNO SIGNIFICANTE

Personajes

Escudo

Flechas

Texto

5. ¿En qué categoría se encuentran los principales signos de la ilustración?

____ Ícono ____ Índice ____ Símbolo

6. ¿Qué mensaje se percibe? Se percibe el mensaje de las consecuencias de ser honesto o mantenerse callado y como debe de ser un modo de vida.

GUÍA DE OBSERVACIÓN 3

• Nombre de ilustración: THE POLICY (LA POLÍTICA)

• Autor: CLINT TILLMAN

• Fecha de elaboración: 10 DICIEMBRE 2012

1. ¿Qué técnica se utiliza en las ilustraciones? Técnica de acuarela y tinta (pluma)

2. Puede notarse la mezcla de técnicas de ilustración?

_____ Si _____ No

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7. ¿Qué tipo de mensaje visual es? ____ Mensaje lingüístico ____ Mensaje icónico codificado ____ Mensaje icónico no codificado

8. Significado Denotativo Dos personajes similares, siendo atravezados en el pecho por una flecha, un escucho con un ave y una leyenda que dice “honestidad y silencio”. 9. Significado Connotativo No importa si se es honesto o se mantiene callado siempre se resulta en alguna herida.

10. ¿La ilustración contiene texto?

_____ Si _____ No

11. ¿Qué tipo de tipografía utiliza?

____ Antigua ____ Palo seco ____ Caligráfica

____ Decorativa ____ Simbólica ____ Manuscrita

12. ¿Qué función tiene el texto en el mensaje visual?

____ Anclaje ____ Relevo

13. ¿Qué gama de colores aplica?

____ Fríos ____ Cálidos ____ Análogos ___ Complementarios

14. Según la psicología del color, ¿qué transmiten las ilustraciones? Según la psicología del color, a través del color naranja se transmite un carácter acogedor, cálido y estimulante, mientras que a través de las tonalidades cafés se transmite con tranquilidad y seriedad, así como antiguedad, nobleza y el paso del tiempo. Finalmente a través

del color gris se transmite indecisión, duda, melancolía y la ausencia de energía.

15. ¿Qué tipo de texturas se aplican en las ilustraciones?____ Visuales ____ Táctiles

____ Naturales ____ Artificiales

____ Orgánicas ____ Geométricas

16. ¿Se utiliza la retórica?

_____ Si _____ No

17. ¿Qué figura retórica se aplica?____ Metáfora ____ Metonimia ____ Doble sentido

____ Hipérbole ____ Alusión ____ Elipsis

____ Ironía ____ Onomatopeya ____ Oxímoron

____ Prosopopeya ____ Repetición ____ Sinécdoque

____ Otra:

18. ¿Cómo se aplica la figura retórica? Se aplica la metáfora al representar los efectos de la honestidad y el silencio a través de los personajes.

19. ¿Cuál es el punto focal en la composición? El área del escudo.

20. ¿Cómo se logra el punto focal? A través del color y contraste, ya que se nota primero el ave por el uso de un color oscuro y plano sobre un fondo claro y el área roja o naranja por ser una tonalidad cálida

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1. ¿Qué técnica se utiliza en las ilustraciones? Técnica de acuarela y tinta (pluma)

2. Puede notarse la mezcla de técnicas de ilustración?

_____ Si _____ No

3. ¿Qué signos pueden identificarse en la ilustración? Se identifica como signo al ancla, así como al lazo y el texto.

4. ¿Cuál es el significante y el significado de los principales signos de la ilustración?

SIGNO SIGNIFICANTE

Ancla

Lazo

Texto

GUÍA DE OBSERVACIÓN 4

• Nombre de ilustración: SHIPWRECKED (NAUFRAGADO)

• Autor: CLINT TILLMAN

• Fecha de elaboración: 8 ENERO 2013

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14. Según la psicología del color, ¿qué transmiten las ilustraciones? Según la psicología del color, a través del color amarillo se transmite plenitud, empujando hacia adelante, hacia lo nuevo, encaminando hacia el futuro y a través de las tonalidades cafés se transmite tranquilidad y seriedad, así como antiguedad, nobleza y el paso del tiempo.

15. ¿Qué tipo de texturas se aplican en las ilustraciones?____ Visuales ____ Táctiles

____ Naturales ____ Artificiales

____ Orgánicas ____ Geométricas

16. ¿Se utiliza la retórica?

_____ Si _____ No

17. ¿Qué figura retórica se aplica?____ Metáfora ____ Metonimia ____ Doble sentido

____ Hipérbole ____ Alusión ____ Elipsis

____ Ironía ____ Onomatopeya ____ Oxímoron

____ Prosopopeya ____ Repetición ____ Sinécdoque

____ Otra:

18. ¿Cómo se aplica la figura retórica? Se aplica la figura retórica del doble sentido al comprender la ilustración literalmente como un barco o entenderlo como la vida.

19. ¿Cuál es el punto focal en la composición? El ancla.

20. ¿Cómo se logra el punto focal? El punto focal se logra a través del contraste con el resto de elementos y por tamaño siendo el elemento más grande en la composición.

5. ¿En qué categoría se encuentran los principales signos de la ilustración?

____ Ícono ____ Índice ____ Símbolo

6. ¿Qué mensaje se percibe? Se percibe el mensaje de mantener el control, de tener un punto de anclaje.

7. ¿Qué tipo de mensaje visual es? ____ Mensaje lingüístico ____ Mensaje icónico codificado ____ Mensaje icónico no codificado

8. Significado Denotativo Ilustración con un ancla y un trozo de cuerda, con una bandera que tiene la leyenda “Keep your ship together” (mantén tu barco unido). 9. Significado Connotativo Mantener todo unido, en orden, no entrar en pánico.

10. ¿La ilustración contiene texto?

_____ Si _____ No

11. ¿Qué tipo de tipografía utiliza?

____ Antigua ____ Palo seco ____ Caligráfica

____ Decorativa ____ Simbólica ____ Manuscrita

12. ¿Qué función tiene el texto en el mensaje visual?

____ Anclaje ____ Relevo

13. ¿Qué gama de colores aplica?

____ Fríos ____ Cálidos ____ Análogos ___ Complementarios

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3. ¿Qué signos pueden identificarse en la ilustración? Se identifica como signo el cinturón de seguridad y el texto.

4. ¿Cuál es el significante y el significado de los principales signos de la ilustración?

SIGNO SIGNIFICANTE

Cinturón

Texto

5. ¿En qué categoría se encuentran los principales signos de la ilustración?

____ Ícono ____ Índice ____ Símbolo

6. ¿Qué mensaje se percibe? Se percibe el mensaje de sostenerse fuerte, de seguridad.

7. ¿Qué tipo de mensaje visual es? ____ Mensaje lingüístico ____ Mensaje icónico codificado ____ Mensaje icónico no codificado

8. Significado Denotativo Ilustración de un cinturón de seguridad a punto de ser cerrado junto con el texto “Hold tight” (sostente firmemente).

GUÍA DE OBSERVACIÓN 5

• Nombre de ilustración: SEAT BELT HANDS / HOLD ME TIGHT, I’LL HOLD YOU TIGHTER (MANOS DE CINTURÓN DE SEGURIDAD / SOSTÉNME FIRMEMENTE YO TE SOSTENDRÉ AÚN MÁS FUERTE)

• Autor: CLINT TILLMAN• Fecha de elaboración: 14 ENERO 2013

1. ¿Qué técnica se utiliza en las ilustraciones? Técnica de acuarela y tinta (pluma)

2. Puede notarse la mezcla de técnicas de ilustración?

_____ Si _____ No

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9. Significado Connotativo Sujetarse fuertemente para mayor seguridad.

10. ¿La ilustración contiene texto?

_____ Si _____ No

11. ¿Qué tipo de tipografía utiliza?

____ Antigua ____ Palo seco ____ Caligráfica

____ Decorativa ____ Simbólica ____ Manuscrita

12. ¿Qué función tiene el texto en el mensaje visual?

____ Anclaje ____ Relevo

13. ¿Qué gama de colores aplica?

____ Fríos ____ Cálidos ____ Análogos ___ Complementarios

14. Según la psicología del color, ¿qué transmiten las ilustraciones? Según la psicología del color, a través del color amarillo se transmite plenitud, empujando hacia adelante, hacia lo nuevo, encaminando hacia el futuro y con la tonalidad naranja se transmite un carácter acogedor, cálido y estimulante y a través de las tonalidades cafés se transmite tranquilidad y seriedad, así como antiguedad, nobleza y el paso del tiempo.

15. ¿Qué tipo de texturas se aplican en las ilustraciones?____ Visuales ____ Táctiles

____ Naturales ____ Artificiales

____ Orgánicas ____ Geométricas

16. ¿Se utiliza la retórica?

_____ Si _____ No

17. ¿Qué figura retórica se aplica?____ Metáfora ____ Metonimia ____ Doble sentido

____ Hipérbole ____ Alusión ____ Elipsis

____ Ironía ____ Onomatopeya ____ Oxímoron

____ Prosopopeya ____ Repetición ____ Sinécdoque

____ Otra:

18. ¿Cómo se aplica la figura retórica? Se aplica la metáfora al sustituir las manos con un cinturón de seguridad, sugiriendo que con ambos pueden sujetarse firmemente.

19. ¿Cuál es el punto focal en la composición? La hebilla del cinturón de seguridad.

20. ¿Cómo se logra el punto focal? Por su uso del color rojo o naranja, una tonalidad cálida en el centro de la composición.

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1. ¿Qué técnica se utiliza en las ilustraciones? Técnica de acuarela y tinta (pluma)

2. Puede notarse la mezcla de técnicas de ilustración?

_____ Si _____ No

3. ¿Qué signos pueden identificarse en la ilustración? Se identifica como signo las tijeras y el texto.

4. ¿Cuál es el significante y el significado de los principales signos de la ilustración?

SIGNO SIGNIFICANTE

Tijeras

Texto

5. ¿En qué categoría se encuentran los principales signos de la ilustración?

____ Ícono ____ Índice ____ Símbolo

6. ¿Qué mensaje se percibe? Se percibe el mensaje de a pesar de las diferencias siempre hay un punto de unión.

GUÍA DE OBSERVACIÓN 6

• Nombre de ilustración: LEFTY (ZURDO)

• Autor: CLINT TILLMAN

• Fecha de elaboración: 2 DICIEMBRE 2012

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7. ¿Qué tipo de mensaje visual es? ____ Mensaje lingüístico ____ Mensaje icónico codificado ____ Mensaje icónico no codificado

8. Significado Denotativo Ilustración de unas tijeras abiertas con un banderín con la leyenda “I’m on your side” (estoy de tu lado). 9. Significado Connotativo Siempre hay apoyo entre las personas a pesar de tener diferencias.

10. ¿La ilustración contiene texto?

_____ Si _____ No

11. ¿Qué tipo de tipografía utiliza?

____ Antigua ____ Palo seco ____ Caligráfica

____ Decorativa ____ Simbólica ____ Manuscrita

12. ¿Qué función tiene el texto en el mensaje visual?

____ Anclaje ____ Relevo

13. ¿Qué gama de colores aplica?

____ Fríos ____ Cálidos ____ Análogos ___ Complementarios

14. Según la psicología del color, ¿qué transmiten las ilustraciones? Según la psicología del color, a través de la tonalidad naranja se transmite un carácter acogedor, cálido y estimulante y a través de las tonalidades cafés se transmite tranquilidad y seriedad, así como antiguedad, nobleza y el paso del tiempo. A partir del color gris se transmite indecisión, duda, melancolía y la ausencia de energía.

15. ¿Qué tipo de texturas se aplican en las ilustraciones?____ Visuales ____ Táctiles

____ Naturales ____ Artificiales

____ Orgánicas ____ Geométricas

16. ¿Se utiliza la retórica?

_____ Si _____ No

17. ¿Qué figura retórica se aplica?____ Metáfora ____ Metonimia ____ Doble sentido

____ Hipérbole ____ Alusión ____ Elipsis

____ Ironía ____ Onomatopeya ____ Oxímoron

____ Prosopopeya ____ Repetición ____ Sinécdoque

____ Otra:

18. ¿Cómo se aplica la figura retórica? Se aplica la figura retórica de la metáfora al representar a las personas a través de las dos partes de la tijera.

19. ¿Cuál es el punto focal en la composición? La cabeza de la tijera.

20. ¿Cómo se logra el punto focal? Se logra a través del color, utilizando una tonalidad cálida predominando la ilustración.

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1. ¿Qué técnica se utiliza en las ilustraciones? Técnica de acuarela y tinta (pluma)

2. Puede notarse la mezcla de técnicas de ilustración?

_____ Si _____ No

3. ¿Qué signos pueden identificarse en la ilustración? Se identifica como signo las hachas y el texto.

4. ¿Cuál es el significante y el significado de los principales signos de la ilustración?

SIGNO SIGNIFICANTE

Hachas

Texto

5. ¿En qué categoría se encuentran los principales signos de la ilustración?

____ Ícono ____ Índice ____ Símbolo

6. ¿Qué mensaje se percibe? Se percibe el mensaje de mantenerse afilado o astuto.

7. ¿Qué tipo de mensaje visual es? ____ Mensaje lingüístico ____ Mensaje icónico codificado ____ Mensaje icónico no codificado

GUÍA DE OBSERVACIÓN 7

• Nombre de ilustración: KEEP SHARP (MANTENTE AFILADO/ASTUTO)

• Autor: CLINT TILLMAN

• Fecha de elaboración: 23 OCTUBRE 2012

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8. Significado Denotativo Ilustración de un par de hachas con un banderín con la leyenda “Keep sharp” (Mantente afilado/astuto). 9. Significado Connotativo Siempre hay que practicar y tener la mente abierta para mantenerse astutos y sagaces.

10. ¿La ilustración contiene texto?

_____ Si _____ No

11. ¿Qué tipo de tipografía utiliza?

____ Antigua ____ Palo seco ____ Caligráfica

____ Decorativa ____ Simbólica ____ Manuscrita

12. ¿Qué función tiene el texto en el mensaje visual?

____ Anclaje ____ Relevo

13. ¿Qué gama de colores aplica?

____ Fríos ____ Cálidos ____ Análogos ___ Complementarios

14. Según la psicología del color, ¿qué transmiten las ilustraciones? Según la psicología del color, a través de la tonalidad naranja se transmite un carácter acogedor, cálido y estimulante y a través de las tonalidades cafés se transmite tranquilidad y seriedad, así como antiguedad, nobleza y el paso del tiempo.

15. ¿Qué tipo de texturas se aplican en las ilustraciones?____ Visuales ____ Táctiles

____ Naturales ____ Artificiales

____ Orgánicas ____ Geométricas

16. ¿Se utiliza la retórica?

_____ Si _____ No

17. ¿Qué figura retórica se aplica?____ Metáfora ____ Metonimia ____ Doble sentido

____ Hipérbole ____ Alusión ____ Elipsis

____ Ironía ____ Onomatopeya ____ Oxímoron

____ Prosopopeya ____ Repetición ____ Sinécdoque

____ Otra:

18. ¿Cómo se aplica la figura retórica? Se aplica la figura retórica del doble sentido ya que puede comprenderse la ilustración tanto literalmente como mantenerse afilado hablando de las hachas representadas o como mantenerse astuto.

19. ¿Cuál es el punto focal en la composición? Las cabezas de las hachas.

20. ¿Cómo se logra el punto focal? Se logra a través del color, por la saturación de color en esa área.

1 1 8

1. ¿Qué técnica se utiliza en las ilustraciones? Técnica de acuarela y tinta (pluma)

2. Puede notarse la mezcla de técnicas de ilustración?

_____ Si _____ No

3. ¿Qué signos pueden identificarse en la ilustración? Se identifica como signo el personaje y el anzuelo.

4. ¿Cuál es el significante y el significado de los principales signos de la ilustración?

SIGNO SIGNIFICANTE

Personaje

Anzuelo

5. ¿En qué categoría se encuentran los principales signos de la ilustración?

____ Ícono ____ Índice ____ Símbolo

6. ¿Qué mensaje se percibe? Se percibe el mensaje de estar atrapado, de haber sido pescado.

GUÍA DE OBSERVACIÓN 8

• Nombre de ilustración: I’VE GOT A BAD FEELING ABOUT THIS (TENGO UN MAL PRESENTIEMIENTO SOBRE ESTO)

• Autor: CLINT TILLMAN

• Fecha de elaboración: 3 DICIEMBRE 2012

1 1 9

7. ¿Qué tipo de mensaje visual es? ____ Mensaje lingüístico ____ Mensaje icónico codificado ____ Mensaje icónico no codificado

8. Significado Denotativo Ilustración de una persona que ha sido pescada, atravezada por un anzuelo. 9. Significado Connotativo Hay un dolor que atraviesa el corazón.

10. ¿La ilustración contiene texto?

_____ Si _____ No

11. ¿Qué tipo de tipografía utiliza?

____ Antigua ____ Palo seco ____ Caligráfica

____ Decorativa ____ Simbólica ____ Manuscrita

12. ¿Qué función tiene el texto en el mensaje visual?

____ Anclaje ____ Relevo

13. ¿Qué gama de colores aplica?

____ Fríos ____ Cálidos ____ Análogos ___ Complementarios

14. Según la psicología del color, ¿qué transmiten las ilustraciones? Según la psicología del color, a través de las tonalidades cafés se transmite tranquilidad y seriedad, así como antiguedad, nobleza y el paso del tiempo. A partir del color gris se transmite indecisión, duda, melancolía y la ausencia de energía y a partir del color azul se transmite una sensación de placidez y tranquilidad. Es un color frío, se relaciona el color azul con la inmensidad y divinidad así como con el agua.

15. ¿Qué tipo de texturas se aplican en las ilustraciones?____ Visuales ____ Táctiles

____ Naturales ____ Artificiales

____ Orgánicas ____ Geométricas

16. ¿Se utiliza la retórica?

_____ Si _____ No

17. ¿Qué figura retórica se aplica?____ Metáfora ____ Metonimia ____ Doble sentido

____ Hipérbole ____ Alusión ____ Elipsis

____ Ironía ____ Onomatopeya ____ Oxímoron

____ Prosopopeya ____ Repetición ____ Sinécdoque

____ Otra:

18. ¿Cómo se aplica la figura retórica? Se aplica la metáfora al comparar el haber pescado un pez al haber sido atrapado como una persona y estar en una mala y complicada situación.

19. ¿Cuál es el punto focal en la composición? El rostro del personaje.

20. ¿Cómo se logra el punto focal? Por la saturación de color en esa área.

1 2 0

1. ¿Qué técnica se utiliza en las ilustraciones? Técnica de acuarela y tinta (pluma)

2. Puede notarse la mezcla de técnicas de ilustración?

_____ Si _____ No

3. ¿Qué signos pueden identificarse en la ilustración? Se identifica como signo la casa, el fuego, humo y texto.

4. ¿Cuál es el significante y el significado de los principales signos de la ilustración?

SIGNO SIGNIFICANTE

Casa

Fuego

Humo

Texto

5. ¿En qué categoría se encuentran los principales signos de la ilustración?

____ Ícono ____ Índice ____ Símbolo

GUÍA DE OBSERVACIÓN 9

• Nombre de ilustración: GUARD YOUR HEART (CUIDA TU CORAZÓN)

• Autor: CLINT TILLMAN

• Fecha de elaboración: 8 DICIEMBRE 2012

1 2 1

6. ¿Qué mensaje se percibe? Se percibe el mensaje de mantener resguardado y cuidar el corazón.

7. ¿Qué tipo de mensaje visual es? ____ Mensaje lingüístico ____ Mensaje icónico codificado ____ Mensaje icónico no codificado

8. Significado Denotativo Ilustración de una casa en llamas con un banderín con la leyenda “guard your heart” (cuida tu corazón). 9. Significado Connotativo La casa es el corazón de una familia y se debe de cuidar y proteger.

10. ¿La ilustración contiene texto?

_____ Si _____ No

11. ¿Qué tipo de tipografía utiliza?

____ Antigua ____ Palo seco ____ Caligráfica

____ Decorativa ____ Simbólica ____ Manuscrita

12. ¿Qué función tiene el texto en el mensaje visual?

____ Anclaje ____ Relevo

13. ¿Qué gama de colores aplica?

____ Fríos ____ Cálidos ____ Análogos ___ Complementarios

14. Según la psicología del color, ¿qué transmiten las ilustraciones? Según la psicología del color, a través de las tonalidades cafés

se transmite tranquilidad y seriedad, así como antiguedad, nobleza y el paso del tiempo. A partir del color gris se transmite indecisión, duda, melancolía y la ausencia de energía y a través de la tonalidad naranja se transmite un carácter acogedor, cálido y estimulante.

15. ¿Qué tipo de texturas se aplican en las ilustraciones?____ Visuales ____ Táctiles

____ Naturales ____ Artificiales

____ Orgánicas ____ Geométricas

16. ¿Se utiliza la retórica?

_____ Si _____ No

17. ¿Qué figura retórica se aplica?____ Metáfora ____ Metonimia ____ Doble sentido

____ Hipérbole ____ Alusión ____ Elipsis

____ Ironía ____ Onomatopeya ____ Oxímoron

____ Prosopopeya ____ Repetición ____ Sinécdoque

____ Otra:

18. ¿Cómo se aplica la figura retórica? Se aplica la metáfora sustituyendo el corazón, a la familia y representándolo con la casa.

19. ¿Cuál es el punto focal en la composición? El techo de la casa.

20. ¿Cómo se logra el punto focal? A través de la saturación de color.

1 2 2

1. ¿Qué técnica se utiliza en las ilustraciones? Técnica de acuarela y tinta (pluma)

2. Puede notarse la mezcla de técnicas de ilustración?

_____ Si _____ No

3. ¿Qué signos pueden identificarse en la ilustración? Se identifica como signo la el hielo, las flechas y el personaje.

4. ¿Cuál es el significante y el significado de los principales signos de la ilustración?

SIGNO SIGNIFICANTE

Hielo

Flechas

Personaje

5. ¿En qué categoría se encuentran los principales signos de la ilustración?

____ Ícono ____ Índice ____ Símbolo

GUÍA DE OBSERVACIÓN 10

• Nombre de ilustración: COME DOWN FROM YOUR MOUNTAIN (YOUVE BEEN GONE WAY TOO LONG) (BAJA DE TU MONTAÑA, HAZ ESTADO AUSENTE MUCHO TIEMPO)

• Autor: CLINT TILLMAN

• Fecha de elaboración: 18 ENERO 2013

1 2 3

6. ¿Qué mensaje se percibe? Se percibe el mensaje de que se es impenetrable, frío y duro.

7. ¿Qué tipo de mensaje visual es? ____ Mensaje lingüístico ____ Mensaje icónico codificado ____ Mensaje icónico no codificado

8. Significado Denotativo Ilustración de un hombre encerrado en frío hielo y atravezado por flechas congeladas. 9. Significado Connotativo Una persona que se encierra en su fría soledad, se aleja de los demás.

10. ¿La ilustración contiene texto?

_____ Si _____ No

11. ¿Qué tipo de tipografía utiliza?

____ Antigua ____ Palo seco ____ Caligráfica

____ Decorativa ____ Simbólica ____ Manuscrita

12. ¿Qué función tiene el texto en el mensaje visual?

____ Anclaje ____ Relevo

13. ¿Qué gama de colores aplica?

____ Fríos ____ Cálidos ____ Análogos ___ Complementarios

14. Según la psicología del color, ¿qué transmiten las ilustraciones?

Según la psicología del color, a través de las tonalidades cafés se transmite tranquilidad y seriedad, así como antiguedad, nobleza y el

paso del tiempo. A partir del color azul se transmite una sensación de placidez y tranquilidad. Es un color frío, se relaciona el color azul con la inmensidad y divinidad así como con el agua.

15. ¿Qué tipo de texturas se aplican en las ilustraciones?____ Visuales ____ Táctiles

____ Naturales ____ Artificiales

____ Orgánicas ____ Geométricas

16. ¿Se utiliza la retórica?

_____ Si _____ No

17. ¿Qué figura retórica se aplica?____ Metáfora ____ Metonimia ____ Doble sentido

____ Hipérbole ____ Alusión ____ Elipsis

____ Ironía ____ Onomatopeya ____ Oxímoron

____ Prosopopeya ____ Repetición ____ Sinécdoque

____ Otra:

18. ¿Cómo se aplica la figura retórica? Se aplica la figura retórica de la metáfora al representar la frialdad de una persona o la separación a través del hielo, de estar encerrado en hielo.

19. ¿Cuál es el punto focal en la composición? Las flechas.

20. ¿Cómo se logra el punto focal? Se logra por el encuadre que le dan las formas circulares a las flechas así como el uso del color azul un poco más saturado que en el resto de la composición.

1 2 4

1. ¿Qué técnica se utiliza en las ilustraciones? Técnica de acuarela y tinta (pluma)

2. Puede notarse la mezcla de técnicas de ilustración?

_____ Si _____ No

3. ¿Qué signos pueden identificarse en la ilustración? Se identifica como signo el personaje, las aves, los hilos y las ramas.

4. ¿Cuál es el significante y el significado de los principales signos de la ilustración?

SIGNO SIGNIFICANTE

Personaje

Aves

Hilos

Ramas

GUÍA DE OBSERVACIÓN 11

• Nombre de ilustración: STICKS AND YARN AND NO ONE TO BLAME IT ON (PALOS E HILO Y NADIE A QUIEN CULPAR)

• Autor: CLINT TILLMAN

• Fecha de elaboración: 4 ENERO 2013

1 2 5

5. ¿En qué categoría se encuentran los principales signos de la ilustración?

____ Ícono ____ Índice ____ Símbolo

6. ¿Qué mensaje se percibe? Se percibe el mensaje de que se es muy frágil y simple.

7. ¿Qué tipo de mensaje visual es? ____ Mensaje lingüístico ____ Mensaje icónico codificado ____ Mensaje icónico no codificado

8. Significado Denotativo Ilustración de un hombre formado por palos y varios pájaros deshilándolo, desarmándolo. 9. Significado Connotativo Todos venimos de la naturaleza.

10. ¿La ilustración contiene texto?

_____ Si _____ No

11. ¿Qué tipo de tipografía utiliza?

____ Antigua ____ Palo seco ____ Caligráfica

____ Decorativa ____ Simbólica ____ Manuscrita

12. ¿Qué función tiene el texto en el mensaje visual?

____ Anclaje ____ Relevo

13. ¿Qué gama de colores aplica?

____ Fríos ____ Cálidos ____ Análogos ___ Complementarios

14. Según la psicología del color, ¿qué transmiten las ilustraciones? Según la psicología del color, a través de las tonalidades cafés se transmite tranquilidad y seriedad, así como antiguedad, nobleza y el paso del tiempo. El color verde es un color tranquilo y sedante. Representa vegetación, frescor y la naturaleza en general. Es un color que transmite una calma indiferente no transmite una sensación de gran impacto como alegría o pasión.

15. ¿Qué tipo de texturas se aplican en las ilustraciones?____ Visuales ____ Táctiles

____ Naturales ____ Artificiales

____ Orgánicas ____ Geométricas

16. ¿Se utiliza la retórica?

_____ Si _____ No

17. ¿Qué figura retórica se aplica?____ Metáfora ____ Metonimia ____ Doble sentido

____ Hipérbole ____ Alusión ____ Elipsis

____ Ironía ____ Onomatopeya ____ Oxímoron

____ Prosopopeya ____ Repetición ____ Sinécdoque

____ Otra:

18. ¿Cómo se aplica la figura retórica? Se aplica la metáfora al representar la fragilidad del cuerpo humano a través de ramas y palos.

19. ¿Cuál es el punto focal en la composición? Los hilos.

20. ¿Cómo se logra el punto focal? Se logra el punto focal por la forma orgánica que tienen los elementos, en un área plana y de color neutro.

1 2 6

1. ¿Qué técnica se utiliza en las ilustraciones? Técnica de acuarela y tinta (pluma)

2. Puede notarse la mezcla de técnicas de ilustración?

_____ Si _____ No

3. ¿Qué signos pueden identificarse en la ilustración? Se identifica como signo el conejo, la daga y la rama.

4. ¿Cuál es el significante y el significado de los principales signos de la ilustración?

SIGNO SIGNIFICANTE

Conejo

Daga

Rama

5. ¿En qué categoría se encuentran los principales signos de la ilustración?

____ Ícono ____ Índice ____ Símbolo

GUÍA DE OBSERVACIÓN 12

• Nombre de ilustración: NOW YOURE JUST SOME BUNNY THAT I USED TO KNOW (AHORA ERES SOLO UNA CONEJITA QUE SOLÍA CONOCER)

• Autor: CLINT TILLMAN

• Fecha de elaboración: 9 ENERO 2013

1 2 7

6. ¿Qué mensaje se percibe? Se percibe el mensaje de satirizar a una persona identificándola con un conejo.

7. ¿Qué tipo de mensaje visual es? ____ Mensaje lingüístico ____ Mensaje icónico codificado ____ Mensaje icónico no codificado

8. Significado Denotativo Ilustración de un conejo con un parche y una daga unidos con una enredadera. 9. Significado Connotativo Es una persona que hirió a la otra y ahora es tan insignificante como un conejo.

10. ¿La ilustración contiene texto?

_____ Si _____ No

11. ¿Qué tipo de tipografía utiliza?

____ Antigua ____ Palo seco ____ Caligráfica

____ Decorativa ____ Simbólica ____ Manuscrita

12. ¿Qué función tiene el texto en el mensaje visual?

____ Anclaje ____ Relevo

13. ¿Qué gama de colores aplica?

____ Fríos ____ Cálidos ____ Análogos ___ Complementarios

14. Según la psicología del color, ¿qué transmiten las ilustraciones? Según la psicología del color, a través de las tonalidades cafés

se transmite tranquilidad y seriedad, así como antiguedad, nobleza y el paso del tiempo. El color verde es un color tranquilo y sedante. Representa vegetación, frescor y la naturaleza en general. Es un color que transmite una calma indiferente no transmite una sensación de gran impacto como alegría o pasión. A partir del color gris se transmite indecisión, duda, melancolía y la ausencia de energía.

15. ¿Qué tipo de texturas se aplican en las ilustraciones?____ Visuales ____ Táctiles

____ Naturales ____ Artificiales

____ Orgánicas ____ Geométricas

16. ¿Se utiliza la retórica?

_____ Si _____ No

17. ¿Qué figura retórica se aplica?____ Metáfora ____ Metonimia ____ Doble sentido

____ Hipérbole ____ Alusión ____ Elipsis

____ Ironía ____ Onomatopeya ____ Oxímoron

____ Prosopopeya ____ Repetición ____ Sinécdoque

____ Otra: sátira.

18. ¿Cómo se aplica la figura retórica? Se aplica la ironía y la sátira al representar a una persona que hizo daño con un conejo.

19. ¿Cuál es el punto focal en la composición? El conejo y la daga.

20. ¿Cómo se logra el punto focal? Se logra el punto focal por el contraste al utilizar texturas en color negro en la composición.

1 2 8

3. ¿Qué signos pueden identificarse en la ilustración? Se identifica como signo el personaje, la lámpara y el texto.

4. ¿Cuál es el significante y el significado de los principales signos de la ilustración?

SIGNO SIGNIFICANTE

Personaje

Lámpara

Texto

5. ¿En qué categoría se encuentran los principales signos de la ilustración?

____ Ícono ____ Índice ____ Símbolo

6. ¿Qué mensaje se percibe? Se percibe el mensaje de perderse en los ojos de un ser querido haciendo un largo viaje .

GUÍA DE OBSERVACIÓN 13

• Nombre de ilustración: MOST WOULD CALL IT HOPELESS WANDERING (LA MAYORÍA LO LLAMARÍA DEAMBULANDO SIN ESPERANZA)

• Autor: CLINT TILLMAN

• Fecha de elaboración: 9 DICIEMBRE 2012

1. ¿Qué técnica se utiliza en las ilustraciones? Técnica de acuarela y tinta (pluma)

2. Puede notarse la mezcla de técnicas de ilustración?

_____ Si _____ No

1 2 9

indecisión, duda, melancolía y la ausencia de energía.

15. ¿Qué tipo de texturas se aplican en las ilustraciones?____ Visuales ____ Táctiles

____ Naturales ____ Artificiales

____ Orgánicas ____ Geométricas

16. ¿Se utiliza la retórica?

_____ Si _____ No

17. ¿Qué figura retórica se aplica?____ Metáfora ____ Metonimia ____ Doble sentido

____ Hipérbole ____ Alusión ____ Elipsis

____ Ironía ____ Onomatopeya ____ Oxímoron

____ Prosopopeya ____ Repetición ____ Sinécdoque

____ Otra:

18. ¿Cómo se aplica la figura retórica? Se aplica el doble sentido al hablar sobre perderse en los ojos de una persona o viajar literalmente para representar el enamorarse y dejarse llevar por esos sentimientos.

19. ¿Cuál es el punto focal en la composición? La frase.

20. ¿Cómo se logra el punto focal? Por la forma que tiene la tipografía.

7. ¿Qué tipo de mensaje visual es? ____ Mensaje lingüístico ____ Mensaje icónico codificado ____ Mensaje icónico no codificado

8. Significado Denotativo Ilustración de un personaje viajero, con una mochila y una linterna con la leyenda “I could get lost in your eyes” (Podría perderme en tus ojos). 9. Significado Connotativo Perderse viajando en los ojos de una persona especial.

10. ¿La ilustración contiene texto?

_____ Si _____ No

11. ¿Qué tipo de tipografía utiliza?

____ Antigua ____ Palo seco ____ Caligráfica

____ Decorativa ____ Simbólica ____ Manuscrita

12. ¿Qué función tiene el texto en el mensaje visual?

____ Anclaje ____ Relevo

13. ¿Qué gama de colores aplica?

____ Fríos ____ Cálidos ____ Análogos ___ Complementarios

14. Según la psicología del color, ¿qué transmiten las ilustraciones? Según la psicología del color, a través de las tonalidades cafés se transmite tranquilidad y seriedad, así como antiguedad, nobleza y el paso del tiempo. El color verde es un color tranquilo y sedante. Representa vegetación, frescor y la naturaleza en general. Es un color que transmite una calma indiferente no transmite una sensación de gran impacto como alegría o pasión. A partir del color gris se transmite

1 3 0

1. ¿Qué técnica se utiliza en las ilustraciones? Técnica de acuarela y tinta (pluma)

2. Puede notarse la mezcla de técnicas de ilustración?

_____ Si _____ No

3. ¿Qué signos pueden identificarse en la ilustración? Se identifica como signo la lámpara y la llama.

4. ¿Cuál es el significante y el significado de los principales signos de la ilustración?

SIGNO SIGNIFICANTE

Lámpara

Llama

5. ¿En qué categoría se encuentran los principales signos de la ilustración?

____ Ícono ____ Índice ____ Símbolo

6. ¿Qué mensaje se percibe? Se percibe el mensaje de una luz encendida en la oscuridad.

GUÍA DE OBSERVACIÓN 14

• Nombre de ilustración: “You see, I feared I needed my sadness,and my sadness needed its shadows,but shadows don’t stickwhen your dark has been lit.” -c. tillman reid

• Autor: CLINT TILLMAN

• Fecha de elaboración: 19 ENERO 2013

1 3 1

7. ¿Qué tipo de mensaje visual es? ____ Mensaje lingüístico ____ Mensaje icónico codificado ____ Mensaje icónico no codificado

8. Significado Denotativo Ilustración de una lámpara encendida. 9. Significado Connotativo Luz que guía e ilumina en la oscuridad.

10. ¿La ilustración contiene texto?

_____ Si _____ No

11. ¿Qué tipo de tipografía utiliza?

____ Antigua ____ Palo seco ____ Caligráfica

____ Decorativa ____ Simbólica ____ Manuscrita

12. ¿Qué función tiene el texto en el mensaje visual?

____ Anclaje ____ Relevo

13. ¿Qué gama de colores aplica?

____ Fríos ____ Cálidos ____ Análogos ___ Complementarios

14. Según la psicología del color, ¿qué transmiten las ilustraciones? Según la psicología del color, a través de las tonalidades cafés se transmite tranquilidad y seriedad, así como antiguedad, nobleza y el paso del tiempo. A través de la tonalidad naranja se transmite un carácter acogedor, cálido y estimulante.

15. ¿Qué tipo de texturas se aplican en las ilustraciones?____ Visuales ____ Táctiles

____ Naturales ____ Artificiales

____ Orgánicas ____ Geométricas

16. ¿Se utiliza la retórica?

_____ Si _____ No

17. ¿Qué figura retórica se aplica?____ Metáfora ____ Metonimia ____ Doble sentido

____ Hipérbole ____ Alusión ____ Elipsis

____ Ironía ____ Onomatopeya ____ Oxímoron

____ Prosopopeya ____ Repetición ____ Sinécdoque

____ Otra:

18. ¿Cómo se aplica la figura retórica? Se utiliza metáfora como figura retórica al representar talvés a una persona o un suceso positivo que lo guía como una lámpara o una luz en la oscuridad, en un momento difícil.

19. ¿Cuál es el punto focal en la composición? Los elementos geométricos y la llama.

20. ¿Cómo se logra el punto focal? Se logra por el uso de un color cálido.

1 3 2

1. ¿Qué técnica se utiliza en las ilustraciones? Técnica de acuarela y tinta (pluma)

2. Puede notarse la mezcla de técnicas de ilustración?

_____ Si _____ No

3. ¿Qué signos pueden identificarse en la ilustración? Se identifica como signo al personaje y los cuernos.

4. ¿Cuál es el significante y el significado de los principales signos de la ilustración?

SIGNO SIGNIFICANTE

Personaje

Cuernos

5. ¿En qué categoría se encuentran los principales signos de la ilustración?

____ Ícono ____ Índice ____ Símbolo

6. ¿Qué mensaje se percibe? Se percibe el mensaje de la búsqueda de ser parte de una sociedad, acomodarse a las expectativas de la comunidad.

GUÍA DE OBSERVACIÓN 15

• Nombre de ilustración: BLACK SHEEP BOY (OVEJA NEGRA)

• Autor: CLINT TILLMAN

• Fecha de elaboración: 4 NOVIEMBRE 2012

1 3 3

7. ¿Qué tipo de mensaje visual es? ____ Mensaje lingüístico ____ Mensaje icónico codificado ____ Mensaje icónico no codificado

8. Significado Denotativo Ilustración de un personaje quitándose unos cuernos de la frente. 9. Significado Connotativo Persona que se deshace de lo que lo hace diferente o inaceptado.

10. ¿La ilustración contiene texto?

_____ Si _____ No

11. ¿Qué tipo de tipografía utiliza?

____ Antigua ____ Palo seco ____ Caligráfica

____ Decorativa ____ Simbólica ____ Manuscrita

12. ¿Qué función tiene el texto en el mensaje visual?

____ Anclaje ____ Relevo

13. ¿Qué gama de colores aplica?

____ Fríos ____ Cálidos ____ Análogos ___ Complementarios

14. Según la psicología del color, ¿qué transmiten las ilustraciones?

Según la psicología del color, a través de las tonalidades cafés se transmite tranquilidad y seriedad, así como antiguedad, nobleza y el paso del tiempo.

15. ¿Qué tipo de texturas se aplican en las ilustraciones?____ Visuales ____ Táctiles

____ Naturales ____ Artificiales

____ Orgánicas ____ Geométricas

16. ¿Se utiliza la retórica?

_____ Si _____ No

17. ¿Qué figura retórica se aplica?____ Metáfora ____ Metonimia ____ Doble sentido

____ Hipérbole ____ Alusión ____ Elipsis

____ Ironía ____ Onomatopeya ____ Oxímoron

____ Prosopopeya ____ Repetición ____ Sinécdoque

____ Otra:

18. ¿Cómo se aplica la figura retórica? Se utiliza la metáfora representando las diferencias de una persona a través de la cualidad de los cuernos en su frente.

19. ¿Cuál es el punto focal en la composición? Los cuernos.

20. ¿Cómo se logra el punto focal? Por su forma y saturación de color un poco más rojiza al resto de la composición.

1 3 4

10. ¿La ilustración contiene texto?

___53%__ Si ___47%__ No

11. ¿Qué tipo de tipografía utiliza?

__0%__ Antigua __0%__ Palo seco __13%__ Caligráfica

__0%__ Decorativa __0%__ Simbólica __40%__ Manuscrita

12. ¿Qué función tiene el texto en el mensaje visual?

__53%__ Anclaje __0%__ Relevo

13. ¿Qué gama de colores aplica?

_7%_ Fríos _13%_ Cálidos _87%_Análogos _0%_ Complementarios

14. Según la psicología del color, ¿qué transmiten las ilustraciones? ---------------------

15. ¿Qué tipo de texturas se aplican en las ilustraciones?__87%__ Visuales __87%__ Táctiles

__0%__ Naturales __100%__ Artificiales

__100%__ Orgánicas __0%__ Geométricas

16. ¿Se utiliza la retórica?

___93%__ Si ___7%__ No

17. ¿Qué figura retórica se aplica?__67%__ Metáfora ____ Metonimia __20%__ Doble sentido

____ Hipérbole ____ Alusión ____ Elipsis

__7%__ Ironía ____ Onomatopeya ____ Oxímoron

____ Prosopopeya ____ Repetición ____ Sinécdoque

__7%__ Otra: Sátira

RESULTADOS / GUÍAS DE OBSERVACIÓN1. ¿Qué técnica se utiliza en las ilustraciones? Técnica de acuarela y tinta (pluma) 100%

2. Puede notarse la mezcla de técnicas de ilustración?

_100%_ Si _0%_ No

3. ¿Qué signos pueden identificarse en la ilustración? --------

4. ¿Cuál es el significante y el significado de los principales signos de la ilustración?

SIGNIFICANTE SIGNIFICADO ------ -------

5. ¿En qué categoría se encuentran los principales signos de la ilustración?

_40%_ Ícono _0%_ Índice _60%_ Símbolo

6. ¿Qué mensaje se percibe?

7. ¿Qué tipo de mensaje visual es? __53%__ Mensaje lingüístico __67%__ Mensaje icónico codificado __33%__ Mensaje icónico no codificado

8. Significado Denotativo ------ 9. Significado Connotativo ------

1 3 5

18. ¿Cómo se aplica la figura retórica? ------------19. ¿Cuál es el punto focal en la composición? ------------

20. ¿Cómo se logra el punto focal?__20%__ Contraste__7%___ Tamaño__33%__ Formas__67%__ Color

1 3 6

A partir del contenido teórico investigado y las experiencias desde diseño, junto con las entrevistas respondidas por los Sujetos de Estudio y los resultados de los instrumentos implementados como Guía de observación, se presenta a continuación una interpretación que responde a los objetivos propuestos con respecto al trabajo del ilustrador Clint Tillman.

Dicha interpretación se segmenta en 3 temas tomados a partir de los 3 objetivos.

PROCESO CREATIVO QUE CLINT TILLMAN UTILIZA AL ILUSTRAR CON LA TÉCNICA MIXTA DE ACUARELA Y TINTA.

Para iniciar con la documentación y análisis del proceso creativo implementado por el sujeto de estudio Clint Tillman, es necesario crear un contexto previo sobre qué es la ilustración. Según Dalley (1992) cuando las imágenes son empleadas para comunicar información concreta, esto es ilustración. Se sitúa entre arte y diseño y de acuerdo a Zeegen (2009) la esencia de una ilustración está en el pensamiento, idea o concepto que es la base de lo que se quiere comunicar.

El sujeto principal y el ilustrador Luis Pinto concuerdan en ambas entrevistas en que la ilustración es una imagen o gráficas que buscan transmitir un mensaje. Tillman comenta que para él la ilustración es crear una imagen para expresar una palabra o palabras o un conjunto de emociones. Se realiza una ilustración cuando las palabras no son suficientes y se necesita de un medio para transmitir esos sentimientos. En base al análisis y lectura realizada de los mensajes en las ilustraciones a través de las guías de observación se determina que la mayoría de las ilustraciones de la muestra elegida transmiten emociones o sentimientos como la tristeza, pesar, decepción, soledad, dolor, etc. y se notan que muchas de estas ilustraciones son o se basan en mensajes personales.

Tipo de ilustración

Dentro de la ilustración se distinguen varios tipos que varían según su función y aplicación. Entre éstos se encuentran las siguientes:

• La ilustración publicitaria: aquella que complementa o da personalidad a un producto o marca o que anuncia un acontecimiento.

• La ilustración narrativa: toma como insumo de gran valor una narración y en base a ésta se desarrollan las propuestas visuales, las cuales narran una historia.

• La ilustración infantil: según García (2004) sirve para despertar el interés del joven receptor así como para estimular y enriquecer su capacidad de comprensión.

1 3 7

• La ilustración científica: un dibujo analítico y descriptivo para los campos de la ciencia, en la que se demuestran los descubrimientos de la manera más fiel.

• La ilustración técnica: aquella que es una referencia fiable del mecanismo, los componentes y las funciones específicas de una máquina o un sistema natural.

• La ilustración editorial: aquella que sintetiza el contenido de un texto, historia, noticia, etc.

• Finalmente la ilustración conceptual: aquella que, según Sanmiguel et al (2003), no se ciñe a un texto o información específica, sino que se desarrolla a partir de una idea personal. Es esencialmente creativa y el concepto es lo más importante, sin embargo no es necesario que la idea sea compleja, muchas ideas exitosas son ideas simples. Una vez que se publica, el ilustrador no tiene control sobre el modo que el observador percibirá su trabajo y cada persona puede comprenderlo de una manera distinta. El éxito de este tipo de ilustración se debe a la originalidad del estilo del ilustrador.

Clint Tillman comenta en su entrevista que ha trabajado casi todos los tipos de ilustración mencionados anteriormente según el trabajo que realice. Sin embargo la mayor parte de su trabajo se compone de ilustraciones conceptuales en las que trabaja mucho simbolismo, metáforas y en las que todo representa algo más. Esto pudo notarse fácilmente al aplicar una guía de observación para el análisis de una muestra de sus ilustraciones, al identificar en ellas el uso de figuras retóricas. Sus ilustraciones pueden clasificarse como conceptuales ya que parten de ideas personales. Tillman menciona que sus ilustraciones comienzan con una frase, letra de canción o simplemente una palabra que el quiere expresar. También menciona que está consciente que los signos que el utiliza pueden tener varios significados y que cada persona puede comprender sus ilustraciones de diferentes maneras. El uso de simbolismo y figuras retóricas en las ilustraciones de Tillman se tratará más a profundidad en el siguiente tema.

Técnica de ilustración

Las ilustraciones pueden desarrollarse aplicando diferentes técnicas o en algunos casos varias técnicas en un mismo proyecto. Cada técnica tiene características particulares y modos de aplicación que resultan en ciertos efectos en las ilustraciones que pueden apoyar ciertos mensajes visuales.

Las técnicas existentes para la realización de ilustraciones son las siguientes:

• La técnica de crayón es una técnica para dar color. De acuerdo a Sanmiguel et.al. (2003) la principal característica de los lápices de color es la facilidad e inmediatez de su utilización. Ésta técnica ofrece un acabado más suave y satinado y no requiere de ningún otro medio o equipo además de los lápices y papel.

• Para la técnica de acrílico las pinturas son solubles en agua pero una vez secas son resistentes a ella. Su rapidez de secado, y la posibilidad de rebajarlas hasta una consistencia semejante a la de las acuarelas, los hacen ideales para la técnica de superponer finas capas de color, una sobre la otra.

• En la técnica de óleo las pinturas no se disuelven con agua, sino con esencia de trementina o aguarrás puro. No existe un método correcto para pintar al óleo y cada quién elabora sus métodos propios a medida que se familiariza con el medio.

• En la técnica de pastel la principal herramienta es lo más cercano a un color puro. Es una técnica en base a la aplicación de estos pigmentos sobre un fondo más o menos áspero sobre el cual los pigmentos se agarran por adherencia y no mediante un aglutinante. El pastel permite obtener una coloración más profunda y saturada.

• La ilustración digital es aquella que depende de una interfaz virtual para su realización. Existen varios programas para su realización y se eligen según el estilo de ilustración que se busca.

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• Según Juan Carlos Calderón en su entrevista comenta que la acuarela es una técnica que mezcla pigmentos con glicerina y goma arábiga, empezada a utilizar por los orientales y en occidente introducida principalmente por los ingleses. El disolvente de las acuarelas es agua y cuando la acuarela se moja, la goma arábiga se reblandece, impregna el pincel y permite su pintura. Calderón menciona que la acuarela difiere de las demás técnicas en que se va del claro al oscuro, se debe de tener cuidado para guardar el color blanco del papel. Según Thomson y Hewison (1996) la principal característica, la cuál hace de esta técnica una de un alto nivel de dificultad, es la transparencia. Al aplicar esta técnica se puede obtener una infinidad de gradaciones de tono, desde el más claro al más oscuro, mediante la acumulación de lavados.

• En cuanto a la técnica de tinta, Smith (1996) comenta que el dibujo a tinta y pluma ha demostrado ser muy conveniente para plasmar detalles minuciosos. El artista solo necesita una hoja de papel, una pluma y algo de tinta para practicar esta técnica y esta permite una enorme variedad de expresión individual.

Mezcla de técnicas

De acuerdo a Zeegen (2009) el ilustrador siempre ha sido libre para explorar una gran variedad de medios. La mezcla de técnicas se refiere a la utilización de dos o más técnicas análogas o digitales combinadas en una única composición. Aunque cada técnica tiene características muy peculiares y propias, el añadir distintas técnicas puede crear una mayor riqueza de texturas y sensaciones visuales.

El sujeto principal Clint Tillman hace uso de una mezcla de técnicas en el desarrollo de sus ilustraciones. En sus proyectos se evidencia la unión de la técnica de acuarela y la técnica de tinta. Calderón comenta en su entrevista que cualquier técnica que no tenga problema con la base de agua de la acuarela funciona correctamente al mezclarlas. Tillman menciona que decidió mezclar la técnica de acuarela con la técnica de tinta debido a su gusto por la estructura y el orden. Indica que admira la acuarela que fluye al utilizar mucho agua, sin embargo prefiere mantener las cosas contenidas dentro de ciertos límites y en esto radica su creatividad y el desafío de su trabajo, manteniendo aquellas líneas.

En base a las guías de observación se observa el uso de ambas técnicas, utilizando la técnica de acuarela para aplicar color y lograr efectos de trasparencia mientras que la técnica de tinta se utiliza para crear contornos y detalles en las ilustraciones.

Pino (2005) comenta que si bien la acuarela es una técnica pictórica de muchas posibilidades y gran rapidez de ejecución, se necesita dedicarle mucho tiempo de estudio y experimentación para llegar a dominarla. Calderón explica que de acuerdo a su experiencia una de las principales ventajas de la técnica de acuarela es que es una técnica muy portable, muy limpia y que se trabaja sobre un soporte tan simple como el papel. Comenta que es una técnica muy amigable que puede trabajarse sólo con un poco de agua, una paleta de colores sencilla. Tillman indica que aplica la técnica de acuarela por su rapidez. Comenta que le agrada trabajar con profundidades y contrastes y luces mientras mantiene una paleta de colores muy simple y el uso de lavados logrados con la acuarela le permite hacer eso, a veces utilizando un solo color aplicando lavado sobre lavado para crear tonos más oscuros y generar profundidades. Estos lavados son capas finas de color, resultantes de la mezcla de un poco de pigmento con una gran cantidad de agua.

Cada artista crea un estilo propio en base a su conocimiento y experimentación con sus técnicas de preferencia. Más adelante se explicará más detalladamente como Tillman aplica la mezcla de técnicas de su preferencia.

Proceso de ilustración

Independientemente del tipo de ilustración o técnica que se utilice, puede aplicarse de forma general un proceso para la generación de una ilustración propuesto por Lawrence Zeegen (2009). Sin embargo, cada persona puede modificarlo y aplicarlo según su preferencia debido a que cada persona trabaja y genera ideas de maneras diferentes.

Si se trabaja con un cliente o una comisión, se inicia con un brief creativo que indica todas las generalidades y especificaciones de la realización del proyecto.

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Luego se continúa al proceso de conceptualización. Si se trabaja un proyecto personal este paso puede ser el primero en el proceso de ilustración. Una ilustración es efectiva cuando logra unir una excelente implementación de una técnica con un pensamiento creativo definido. Para desarrollar estos pensamientos creativos pueden utilizarse técnicas de conceptualización que estimulan la producción de ideas.

Como tercer paso se tiene la documentación. Al iniciar un proyecto es importante investigar el tema del que trata y reunir suficiente información para poder visualizar nuevas ideas y soluciones.

Luego se tiene la inspiración. La inspiración para proponer ideas y soluciones no viene solamente de la documentación. Un ilustrador debe buscar la inspiración constantemente.

En la etapa de desarrollo de ideas, se llega a un conjunto de ideas más claramente definidas. Luego de generar ideas, éstas se evalúan descartando aquellas que no son efectivas, llegando a una idea final.

Con una idea final se pasa a la etapa de bocetaje. Un boceto es un sketch, estudios rápidos para generar más ideas, explorando visualmente hasta generar composiciones más completas y llegar a una propuesta final.

De acuerdo a la entrevista realizada a Clint Tillman, y tomando en cuenta que la mayoría de sus proyectos son ilustraciones conceptuales y personales, el sujeto menciona que, efectivamente, inicia con un concepto, y los elementos visuales se generan y evolucionan en base a lo que considera que funcionaría de mejor manera para transmitir el mensaje. A partir de las respuestas de Tillman se concreta que sus conceptos o ideas son también o parten de citas, dichos o letras de canciones, de bandas que manejan letras de canciones bien pensadas y con un gran significado. El sujeto comenta que define los títulos de sus ilustraciones primero, llegando a una frase que se quiere expresar.

A partir de los análisis realizados con las guías de observación, se nota que en una gran parte de las muestras, el título tiene un gran peso en la lectura de los mensajes visuales de las ilustraciones de Tillman y éstos influyen en el significado connotativo que se lee.

En la entrevista realizada, Tillman comenta que no utiliza un proceso de conceptualización específico, sino que siempre está pensando en como visualizar y representar mensajes, así que es un proceso que nunca termina, en el que siempre se está al pendiente de cosas nuevas que ilustrar y formas nuevas de representar ciertas emociones, con diferentes elementos visuales, temas, etc.

Similar a la forma en que se generan los conceptos de Tillman es que Grand Chamaco, cuyo trabajo es analizado como Experiencia desde el diseño, llega a los mensajes que transmite. Sin embargo, en su caso no se manejan ideas personales o letras de canciones o frases que se presentan repentinamente sino hace uso de la red social Twitter, en la que encuentra o se le presentan frases o ideas de los usuarios de la red que funcionan como idea o concepto para generar sus ilustraciones.

En el caso de Luis Pinto, él comenta en su entrevista que inicialmente estudia el brief que se le entrega y analiza qué es lo que se le pide que ilustre. Pinto menciona que, al igual que Tillman, sus ilustraciones también parten de un concepto, aunque dependiendo del proyecto, si es personal puede dejar a un lado el concepto y experimentar, mientras que si trabaja con un cliente su trabajo siempre va unido a un concepto. Por lo general, como proceso de conceptualización, Pinto se vale de figuras retóricas, las cuales ayudan a optimizar la composición gráfica.

INFLUENCIA DE TITULO EN LECTURA VISUAL / TITULO: YOU’RE NEVER ALONE WHEN YOURE HAUNTED BY SELF DOUBT / 2013 / CLINT TILLMAN

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Así también utiliza la lluvia de ideas, que usualmente no es de forma escrita sino una lluvia de ideas gráfica para poder empezar a visualizar cómo se verá la ilustración.

Durante la entrevista, Tillman no menciona la etapa de documentación en su proceso de ilustración, sin embargo, de forma indirecta menciona la siguiente etapa, de inspiración, a través del comentario anterior sobre su proceso de conceptualización, que consiste en buscar inspiración a su alrededor, siempre buscando nuevas maneras de representar emociones. También comenta que durante su proceso de ilustración busca referencias solamente cuando hace algo un poco más técnico, sin embargo las utiliza solamente como punto de partida, sin apegarse a ellas, realizando cambios y modificaciones. A su vez Pinto, tampoco menciona la etapa de documentación, sin embargo comenta que luego de analizar el brief que le es entregado, busca insumos gráficos tanto de referencias de libros, referencias digitales, mensajes, ideas y contenido literario en base al cuál el puede inspirarse para llegar a la generación de ideas.

En cuanto a la siguiente etapa, la etapa de desarrollo de ideas, Tillman menciona que para la mayoría de proyectos a partir de la frase o concepto, él define los elementos que utilizará para comunicarlo. Son muy pocas las veces en que no sabe como representarlo y experimenta e investiga en diferentes direcciones hasta llegar a una idea final. Pinto no menciona esta etapa, sin embargo se deduce a partir de sus comentarios que, en donde realmente desarrolla ideas es en la etapa de bocetaje. En cuanto a Grand Chamaco, su proceso es similar al de Tillman, que a partir de la frase, o en este caso twit, él visualiza el modo en que transmitirá dicha frase y define los elementos que utilizará.

En la entrevista realizada, Tillman indica que usualmente solo tiene un sketch o boceto detallado de la ilustración y la ilustración final. A partir de la idea o título que quiere transmitir, inicia el boceto, detallándolo poco a poco. El sujeto comenta que usualmente inicia y termina el boceto de una sola vez. No se detiene hasta que tiene toda la idea desarrollada, al menos al punto en que sólo le falta un poco de detalle. Pinto difiere de Tillman en este punto, comentando que el bocetaje casi es una etapa obligatoria ya que siempre una idea dirige a otra, por lo que los bocetos son siempre importantes. Grand Chamaco comenta,

1ERA ETAPA DE BOCETO DE CLINT TILLMAN USO DE LÁPIZ AZUL / BOCETO DE ILUSTRACIÓN BLACK SHEEP BOY / CLINT TILLMAN

en su entrevista con Villagrán, que boceta a veces a lápiz y otras veces directamente en la computadora, antes de llegar a aplicar el medio de su preferencia, que es el digital, principalmente utilizando vectores.

Tillman menciona que en su cuaderno de bocetos, inicia el boceto preliminar en lápiz azul y luego trabaja sobre este mismo boceto con un lápiz rojo obteniendo líneas un poco más definidas y cuando ya logra ponerlas donde desea que estén, toma un lápiz regular de grafito y dibuja las líneas finales. Por lo que boceta la misma ilustración tres veces una sobre otra logrando un solo boceto justo y detallado. Luego con el lápiz de grafito aplica sombras que utiliza para definir como aplicar la acuarela a la pieza final. Al finalizar el boceto puede continuar a aplicar su técnica de preferencia, terminando así su proceso de ilustración.

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3RA ETAPA DE BOCETO DE CLINT TILLMAN USO DE LÁPIZ DE GRAFITO / BOCETOS DE THE POLICY / CLINT TILLMAN

3RA ETAPA DE BOCETO DE CLINT TILLMAN USO DE LÁPIZ DE GRAFITO / BOCETO VARIAS ILUSTRACIONES / CLINT TILLMAN

2DA ETAPA DE BOCETO DE CLINT TILLMAN USO DE LÁPIZ ROJO / BOCETO DE ILUSTRACIÓN LEFTY / CLINT TILLMAN

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Proceso de ilustración con acuarela

El proceso de ilustración con acuarela no es igual al proceso para crear una pintura tradicional con la técnica de acuarela. El proceso de ilustración comienza eligiendo el soporte en que se trabajará. Luego se realiza sobre éste el dibujo final bien acabado. Puede realizarse con suaves trazos con un lápiz común, aunque se recomienda utilizar lápices acuarelables. Se procede a aplicar la técnica iniciando con los tonos claros, diluyéndolos con bastante agua. Se pintan todas las zonas de la ilustración aplicando degradados en los fondos amplio y humedeciendo las zonas que se van a pintar antes de aplicar el color en sí. Se aplican tonalidades claras, intensificando poco a poco los tonos sobreponiendo capas de color. Al finalizar se pueden realizar retoques con la misma técnica o mezclando técnicas.

En la entrevista realizada, se deduce que Tillman ha modificado este proceso y ha cambiado su cronología. Tillman comenta que al finalizar su boceto, lo escanea y vuelve a imprimirlo todo en blanco y negro para colocarlo en un lightbox o caja de luz. De acuerdo a Tully (2011) lightbox es una caja de plexiglass o vidrio esmerilado con retroiluminación sobre la cual pueden trazarse imágenes. Esta luz ilumina un pedazo de papel con una imagen o dibujo haciendo más fácil poder verlo sobre un nuevo papel en blanco al colocarlos uno sobre otro.

APLICACIÓN DE TÉCNICA DE TINTA PARA ILUSTRACIÓN TURNKEY / CLINT TILLMAN

LIGHTBOX (CAJA DE LUZ)FUENTE: HTTP://WWW.GAGNEINC.COM/IMAGES/LP-WOOD.GIF

Tillman menciona que sobre su boceto coloca el papel acuarela y aplica la técnica de tinta, realizando contornos y detalles previo a aplicar la técnica de acuarela.

APLICACIÓN DE TÉCNICA DE TINTA PARA ILUSTRACIÓN SHIPWRECK / CLINT TILLMAN

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Al haber terminado de aplicar la técnica de tinta procede a aplicar sobre ella la acuarela, aplicando lavados suaves, y sobre éstos más capas de color para trabajar las áreas que desea saturar, hasta finalizar sus ilustraciones. En base a los comentarios de Tillman y lo observado en base a las guías de observación aplicadas a la muestra de ilustraciones se deduce que el sujeto principal aplica un lavado gradual. Este tipo de lavado se logra humedeciendo primero la zona que se va a pintar, luego utilizando un pincel grande y aplicando la pintura, haciendo el color progresivamente más oscuro. Como se mencionaba anteriormente a través de estos lavados Tillman puede utilizar solamente un color manejando varias tonalidades y aplicando cuantas capas sean necesarias para lograr el efecto que desea y lograr profundidades.

A partir de la síntesis realizada a partir de toda la información recolectada se define que Clint cuenta con un proceso creativo informal, con modificaciones personales que pueden variar según la idea que esté trabajando. Tillman aplica el proceso propuesto por Zeegen (2009), utilizando o eliminando ciertos pasos según lo requiera para la realización de una ilustración determinada, como por ejemplo incluyendo la etapa de documentación buscando referencias para ciertas ilustraciones que tienen cualidades más técnicas. Clint comenta que, por ejemplo para algunas ilustraciones que incluyen esqueletos y elementos biológicos busca referencias aunque no siempre se mantiene un cien por ciento apegado a ellas.

APLICACIÓN DE TÉCNICA DE ACUARELA PARA ILUSTRACIÓN TURNKEY / CLINT TILLMAN

APLICACIÓN DE TÉCNICA DE ACUARELA PARA ILUSTRACIÓN YOU’RE NEVER ALONE WHEN YOU’RE HAUNTED BY SELF DOUBT / CLINT TILLMAN

Tillman también tiene cierta manera de aplicar una técnica de ilustración. Eligió una mezcla de técnicas de ilustración en base a preferencia personal, creando un estilo personal.

ILUSTRACIONES EN BASE A REFERENCIAS / ELEMENTOS BIOLÓGICOS / CLINT TILLMAN

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CONTRIBUCIÓN DE LA TÉCNICA MIXTA ANÁLOGA A LA REPRESENTACIÓN DE MENSAJES VISUALES EN LAS ILUSTRACIONES DE CLINT TILLMAN

Para poder determinar cómo es que la técnica mixta de acuarela y tinta que Clint Tillman aplica en sus ilustraciones refuerza o contribuye a la representación de los mensajes visuales se debe regresar a las bases de la comunicación visual para comprender lo que son los mensajes visuales y la forma en que éstos se transmiten.

La comunicación visual

La comunicación visual es un término muy amplio, y puede ser entendido desde varias perspectivas diferentes. Según Baldwin y Roberts (2007) actualmente la comunicación visual está en todas partes y es por esto que se tiende a no darle importancia, sin embargo es vital entender nuestro entorno visual, porque las imágenes que nos rodean son el medio que más nos influye.

De acuerdo a Silvia Barrientos, experta en comunicación visual, la comunicación no se presenta sólo en el diseño sino en todos lados y se nos presenta desde que somos pequeños. La comunicación es parte de la naturaleza humana. La comunicación visual la trabajamos y ponemos en práctica en el día a día y se trata de intercambiar información y comprender lo que se nos presenta. Ésta comunicación se basa en códigos, en signos, todo lo que nos rodea son signos y esto debe tomarse en cuenta para entender lo que es la comunicación visual aplicada al diseño.

De acuerdo a la experta, no hay ciertas características o elementos específicos que influyan en una mejor comunicación visual o que faciliten el lograr una mejor comunicación visual. Lo que influye y logra que la comunicación visual sea eficaz es el análisis que se realiza sobre las composiciones que se desarrollan. Las elementos que se decide incluir en una composición deben de elegirse en base a una profundización y análisis de lo que se quiere transmitir y una evaluación de qué implicaría cada elemento y sus características.

Según Baldwin y Roberts (2007) en la comunicación visual se trabajan dos ángulos principales. El primero es la teoría del proceso que considera la comunicación como un proceso lineal en el que el mensaje o la idea pasa de un punto A a un punto B. El segundo enfoque con base en la lingüística es la semiótica.

Semiótica

La semiótica sugiere que la comunicación no es un proceso en el que el mensaje pasa de un punto a otro, sino que consiste en la propia producción de ese mensaje. Este enfoque se centra en el destinatario y en su entorno social, político y económico. Toda asociación o convención depende de un contexto, ya que algunos colores o símbolos significan cosas completamente distintas en diferentes lugares del mundo. Es por esto que independientemente del significado que el emisor tenga en mente, los mensajes pueden leerse de maneras inesperadas, por lo que los signos tienen dos niveles de significado: el intencionado (denotación) y el que entiende la otra persona (connotación). El significado denotativo es de un carácter más objetivo mientras que el significado connotativo es de carácater subjetivo. En el caso de las ilustraciones deTillman se nota que se dan significados denotativos muy simples y directos. Sin embargo el significado connotativo, al establecerse de acuerdo a la experiencia y a los conocimientos de la persona que lee el mensaje, se vuelve personal y varía de persona en persona. Es por esto también que al comparar el significado connotativo de algunas de las guías de observación con los comentarios de Tillman durante su entrevista, éste no concuerda completamente con con el mensaje que el ilustrador quería transmitir.

Por ejemplo, al analizar la ilustración I’ve got a bad feeling about this con la guía de observación desarrollada, el significado connotativo que se identifica es la presencia de un dolor que atraviesa el corazón. Sin embargo al consultarlo con el sujeto principal, él comenta que la ilustración quería representar aquella situación en que se busca ayudar a alguien pero esa persona toma ventaja y busca solo complacer su interés personal.

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Polisemia

Según Baldwin y Roberts (2007) esto es un concepto importante en la comunicación. Polisemia es la capacidad de un signo de tener múltiples significados relacionados. El significado puede cambiar a medida que se va pensando en él, y cuando descubre uno nuevo se van pensando en otros a continuación.

En su entrevista, Tillman comenta que considera que la polisemia sí aplica en sus ilustraciones. El sujeto comenta que utiliza signos, figuras recurrentes que pueden tener varios significados, por ejemplo, los fantasmas. En sus ilustraciones hace uso de los fantasmas como signos que pueden representar eventos del pasado que vuelven continuamente o en otras ocasiones pueden representar dudas, duda en uno mismo o el subconsciente que trata de decir algo.

Luis Pinto, ilustrador y diseñador gráfico, comenta que considera que las ilustraciones de Clint Tillman pueden tener más de una interpretación, debido a que no siempre maneja un mismo tema y toma distintos elementos, situaciones, etc. y uno como espectador puede encontrar diferentes significados, a menos que el mensaje que se presenta en la ilustración sea muy específico y claro. De acuerdo a Barrientos, las ilustraciones de Tillman sí pueden tener varias interpretaciones, sin embargo se debe en mayor medida a que todo en la comunicación es arbitrario y polisémico.

Sin embargo es necesario hacer una aclaración. El que una ilustración tenga varios significados o pueda tener varias interpretaciones no es una ventaja ni una desventaja. De acuerdo a las respuestas de la experta en comunicación visual en su entrevista, si se está trabajando una ilustración como diseño gráfico, para enviar o reforzar un mensaje específico, el que la ilustración pueda tener varias interpretaciones se reduce simplemente a que la pieza no funciona. En esta situación el ilustrador debe centrarse en el objetivo de comunicación y basarse en ciertos parámetros, como el lenguaje del grupo objetivo al que se dirige y no uno personal, encontrando signos convencionalizados dentro del grupo objetivo que funcionen al momento de transmitir el mensaje. Mientras que si se está trabajando la ilustración con un enfoque artístico, el que tenga varias interpretaciones es algo que

va a suceder, sea intencional o no, ya que este enfoque se basa en provocar una reacción, no busca que la interpretación sea unánime. Basados en lo expuesto anteriormente, es evidente que en el caso de Clint, sus ilustraciones cumplen una función artística. Su lenguaje y mensajes son de carácter personal pero siendo su enfoque uno artístico, naturalmente surgen varias interpretaciones, sin dejar a un lado la función de comunicación.

La polisemia en las ilustraciones de Tillman pudo notarse también, como se comentaba anteriormente, al momento de comparar los resultados de las guías de observación con los comentarios del sujeto principal. Al analizar algunas de las ilustraciones con base en la guía de observación se llegó a cierta interpretación que, a pesar de compartir ciertos elementos, era fundamentalmente diferente a la explicación proporcionada por el sujeto durante su entrevista.

Hay que tener en cuenta también que un texto puede fijar un significado. En el momento en que se añade un texto a una imagen, esta queda cerrada en alguna medida, deja de estar completamente abierta a la interpretación. Esto puede evidenciarse en el trabajo de Grand Chamaco, analizado como experiencia del diseño. Grand Chamaco comenta en su entrevista con Villagrán que considera que sus ilustraciones cuentan solamente con una interpretación, que se cierra debido al texto del que parten sus ilustraciones y que las acompañan gráficamente. A diferencia del caso de Tillman, en que se nota que el texto, cuando es aplicado, no siempre cierra los mensajes de sus ilustraciones y al contrario puede llevar a nuevas y diferentes interpretaciones.

Mensaje visual

Un mensaje visual es un sistema que emplea imágenes como medio de expresión. Roland Barthes desarrolló un sistema de lectura de combinaciones de texto e imagen que comprende tres tipos de mensaje:

• Mensaje lingüístico: Es el propio texto, usualmente utilizado en forma de slogan o lema que acompaña la imagen.

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• Mensaje icónico codificado: Es un mensaje simbólico que funciona en un plano de connotación.

• Mensaje icónico no codificado: Este tipo de mensaje funciona en el plano de la denotación.

En base a los resultados de las guías de observación aplicadas a la muestra de ilustraciones de Tillman se define que el sujeto principal maneja los tres tipos de mensaje, sin embargo predomina el mensaje icónico codificado seguido por el mensaje lingüístico.

Como comentaba Barrientos en su entrevista, la comunicación se basa en códigos y en signos y todo lo que nos rodea son signos y esto es la base de la comunicación visual. Todo mensaje visual está compuesto de signos. Según Crow (2008) un signo es una cosa que representa a otra ante alguien en alguno de sus aspectos. Se dirige a alguien y por esto crea en la mente de esa persona un signo equivalente o quizás un signo más desarrollado. Un signo está compuesto por tres elementos: el significante que es la forma que adopta el signo, el significado que es a lo que se refiere el signo y la persona que utiliza el signo.

En los mensajes visuales, éstos signos son elementos visuales base. Dependiendo del mensaje que se quiere transmitir y la forma en que se quiere transmitir, la aplicación de éstos elementos varía y se les otorga diferentes niveles de prioridad. Estos elementos incluyen la tipografía, el color, las texturas y las figuras.

Tipografía

Según Ambrose y Harris (2006) la tipografía es el medio por el que se le da una forma visual a una idea escrita. La selección de la tipografía puede afectar de forma drástica a la legibilidad de la idea escrita y la sensación que despierte en el lector. Los tipos de letra varían desde las letras más claras y legibles que fluyen fácilmente y son funcionales para grandes bloques de texto, hasta tipografías más decorativas y atractivas que llaman la atención. Grand Chamaco en su entrevista con Villagrán comenta que la tipografía juega un papel muy importante en sus ilustraciones, ya que conecta la ilustración con el mensaje o twit. Le gusta experimentar buscando muchas maneras de comunicar

lo mismo con diferentes tipografías hasta encontrar la que le da el mejor sentido estético a la composición, aquella que crea balance en la composición y apoye la línea gráfica trabajada en la ilustración.

A partir de las guías de observación aplicadas a las ilustraciones de Clint Tillman se nota que el sujeto utiliza principalmente una tipografía manuscrita y en algunas ocasiones una tipografía manuscrita pero con un estilo caligráfico, siempre buscando trazos naturales.

En todas las ilustraciones analizadas la tipografía mantiene rasgos similares, al igual que un mismo peso. Estos rasgos son logrados debido al uso de la técnica de tinta por parte del sujeto principal. El sujeto comentó durante su entrevista que utiliza la técnica de tinta para crear contornos y marcar detalles en sus ilustraciones por su gusto al orden y estructura que el tener límites genera. Sin embargo al aplicar la técnica sigue manteniendo trazos naturales y fluidos reforzando los mensajes de las ilustraciones, que siempre se relacionan a temáticas naturales, como náuticas, forestales, etc. Sin embargo en base a las guías de observación no se puede notar un patrón que determine las razones de su elección para aplicar ya sea la tipografía manuscrita o la tipografía caligráfica.

Color

Según Ambrose y Harris (2006), el color se ha convertido en un elemento básico en la comunicación visual. El color provee dinamismo, atrae la atención y puede utilizarse para despertar respuestas emocionales. El color tiene diferentes valores emotivos o simbólicos según la experiencia personal del espectador así como su trasfondo cultural. Así mismo, de esto dependen las propiedades psicológicas del color.

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De acuerdo a Clint Tillman, los colores que él utiliza en sus ilustraciones no tienen un significado en especial y solamente reflejan su preferencia personal y su paleta de colores personal. Sin embargo, Pinto en su entrevista comenta que considera que la paleta de colores de Tillman sí tiene un significado ya que se relaciona con las temáticas naturales de las ilustraciones del sujeto principal. Pinto comenta que a través de la observación nota que la paleta de colores utilizada usualmente por Tillman es a base de colores tierra y en aquellas ocasiones en que maneja una paleta de colores fríos siempre mantiene al menos una tonalidad cálida. Grand Chamaco, sujeto de la Experiencia desde diseño, comenta que para él, el color es algo que nace con cada ilustración. Es principalmente una elección por gusto personal, al igual que el sujeto de estudio principal. A través del color busca crear un balance, haciendo mayor énfasis en el color del fondo, que es el que logra resaltar o apagar el resto de la composición. Grand Chamaco considera que los colores en las ilustraciones son muy libres, puede evaluarlo según lo que él considera que se mira bien, experimentando según sea necesario.

A partir de las guías de observación utilizadas para el análisis de una muestra de ilustraciones de Tillman se define que en la mayoría de las ilustraciones de la muestra se utilizan colores análogos, principalmente colores cálidos y, a pesar del comentario inicial del sujeto principal, de utilizar colores en base a una preferencia personal, de acuerdo a la psicología del color y al análisis realizado, la selección de colores utilizados en la mayoría de ilustraciones refuerzan los mensajes interpretados.

En su entrevista, Barrientos comenta que el color es siempre un signo por sí solo. Es importante hacer esta aclaración, debido a que Barrientos menciona que mucha gente percibe el color como una característica de otro elemento en la composición. Sin embargo el color por sí solo tiene ciertos significados como elemento. A pesar de ser una elección por gusto personal este elemento sigue siendo un signo, que refuerza todo mensaje visual. Al igual que Pinto, Barrientos considera que el color en las ilustraciones de Tillman refuerza el mensaje visual que se busca transmitir. La experta hace referencia a el artículo “Marca cromática y semántica del color” de Norberto Chaves (VER ANEXO 7) en que se habla de la significación del color y que ésta está motivada por códigos

preexistentes y la progresiva convencionalización de las relaciones arbitrarias entre signo y referente. Chaves expone que el significado de un color no es intrínseco sino determinado por los códigos operantes en el contexto en el que aparece. Un color no significa lo que a uno le plazca. Para poder escoger un color, o cualquier signo y generar una composición gráfica es necesario detectar asociaciones conscientes o inconscientes que existen en el contexto en que se utilizan.

Barrientos explica que los signos siempre van a ser arbitrarios, cada espectador da cierta interpretación a las ilustraciones según sus experiencias, sus gustos y su forma de ver las cosas. Sin embargo al ser expuestos a ciertas circunstancias y representaciones visuales se van creando convenciones alrededor de los elementos visuales que pueden llegar a modificar o predisponer significados en un mensaje. Por ejemplo, en una de las ilustraciones de Tillman, “Come down from your mountain (You’ve been gone way too long)”, la experta en comunicación visual comenta que es posible que el ilustrador elija las tonalidades azules por preferencia personal, sin embargo la convención tal vez más

COME DOWN FROM YOUR MOUNTAIN (YOU´VE BEEN GONE WAY TOO LONG) / CLINT TILLMAN

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clara en cuanto al azul en la mayoría de culturas es la representación del frío. Entonces puede ser que al momento de elegir la tonalidad azul para su ilustración Tillman no consideró conscientemente su elección, sin embargo inconscientemente elige el color al saber que el azul es una convención como un signo de frío. Es por esto que a pesar de que la selección de colores por Tillman es por preferencia personal debido a las convenciones relacionadas al color y la elección consiguiente de éstos colores se refuerzan los mensajes visuales.

Tillman comenta que el aplicar la técnica de acuarela le permite mantener una paleta de colores simple, al poder aplicar varios tonos de un mismo color solo variando la saturación. Esto mismo le permite también realizar proyectos utilizando solamente un color. Pinto comenta que el uso de ésta técnica y por consiguiente ésta paleta de color, crea un estilo único del sujeto principal que refuerza sus mensajes visuales y al mismo tiempo genera nuevas convenciones alrededor de las ilustraciones de Tillman y entre los espectadores de sus obras, en cuanto a la significación de los colores específicamente aplicados en sus proyectos.

Pinto concuerda con Barrientos al comentar que considera que la aplicación de color apoya la comunicación visual en las ilustraciones de Tillman. Según este sujeto la paleta de color siempre transporta y guía al observador a ciertos mensajes gráficos.

Texturas

La textura es un elemento visual que sirve como un reemplazo visual de las cualidades táctiles, aunque también es posible que una textura sea solamente óptica y no táctil. La textura es un elemento visual necesario para la comprensión de la percepción espacial. Existen diferentes tipos de textura dependiendo de la cualidad que se evalúa. Una textura puede ser visual o táctil, cuya diferenciación es obvia por su nombre, siendo una percibida por el sentido de la vista y la otra por el sentido del tacto. Una textura puede ser natural o artificial, la natural siendo aquella que existe en la naturaleza, que tienen las superficies y cuerpos de la naturaleza, mientras que la artificial es aquella que tienen los objetos fabricados por el ser humano. Y finalmente una textura puede ser orgánica o geométrica, orgánica aquella que es aleatoria y geométrica aquella que sigue un patrón matemático.

En cuanto a la textura en la comunicación visual, Barrientos, en su entrevista, comenta que las texturas apoyan la transmisión de los mensajes visuales de las ilustraciones de Tillman. La experta expone que la textura va de la mano con la técnica, ya que la técnica muchas veces define la textura que tendrá la composición. Según cada técnica, las texturas tienen rasgos específicos o limitantes y ya sea que el objetivo principal del ilustrador sea el de comunicar o no, de igual forma las texturas comunican un mensaje o idea, a pesar de hacer una elección por gusto personal.

A partir de la guía de observación aplicada a la muestra de las ilustraciones del sujeto de estudio principal se nota que Tillman utiliza tanto texturas visuales como táctiles, en base a la técnica mixta que él utiliza. Debido a su uso de la técnica de acuarela, él trabaja sus ilustraciones sobre un tipo específico de soporte que tiene cierta textura táctil y es por esto que la textura se mantiene siempre presente en sus ilustraciones, mientras que a través de su uso de la técnica de tinta logra ciertas texturas visuales aplicadas de forma consciente. Ambas texturas son al mismo tiempo, texturas orgánicas ya que son aleatorias, sin un orden específico.

TEXTURA TÁCTIL / PAPEL DE ACUARELA

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Figuras

En cuanto a figuras o formas, cada persona decide, a partir del mensaje que se quiere transmitir, qué figuras o formas son las más adecuadas para efectivamente transmitirlo. Al igual que con el resto de elementos, cuando se parte de una necesidad u objetivo de diseño, esta elección debe hacerse según las convenciones en común presentes en el grupo objetivo, su percepción, el contexto y el cliente. Sin embargo cuando se tiene un objetivo más artístico, se da una mayor libertad al elegir. Tillman indica que durante su proceso creativo, analizado anteriormente, luego de llegar a una frase o idea que se quiere transmitir, él decide qué figuras son las que debería de dibujar para expresar aquella frase o idea. También menciona que maneja varios signos que son recurrentes en su trabajo, que ya tienen un significado específico en sus ilustraciones, por lo que al momento de transmitir cierta idea, utiliza aquellos signos, si es que aplican en el mensaje. En el caso de Grand Chamaco, analizado como experiencia de diseño, comentó a Villagrán que elige las figuras que mejor representan al twit que ilustra.

Tillman menciona que los signos recurrentes mencionados anteriormente son principalmente los fantasmas, cuyos significados fueron explicados anteriormente; las flechas; y en este momento, figuras relacionadas a el tema náutico. El ilustrador Pinto identifica como signos recurrentes en las ilustraciones de Tillman elementos que se relacionan con trabajos arduos del hombre como por ejemplo los cazadores, leñadores, marineros, todo lo que tenga que ver con una conexión a la naturaleza. En el caso de Barrientos, ella identifica como principales signos recurrentes elementos geométricos como círculos, líneas, flechas y puntos, además del personaje que Tillman reconoce como “Beard man” o el hombre de la barba, texturas, y al igual que Pinto, identifica elementos náuticos y naturales. Sin embargo, de acuerdo al concepto de polisemia, algunos de estos signos son leídos de formas diferentes por los sujetos de estudio. Por ejemplo, al realizar un análisis, la experta en comunicación visual considera que las flechas reflejan dirección, decisión o el punto de vista de Tillman, como también reflejan una relación, como una unión de conceptos o sentimientos que el coloca en la composición, sin embargo Tillman menciona que trabaja las flechas basado en la geometría sagrada por

TEXTURA VISUAL / TÉCNICA DE TINTA

Usualmente ésta textura visual se aplica a ciertos elementos en específico en las composiciones de Tillman. Principalmente y más continuamente a lo largo de sus ilustraciones el sujeto principal aplica una textura visual determinada a el elemento de la barba en su personaje “beard man” o chico de la barba. El sujeto también utiliza la textura para crear áreas de sombra, enfasis en la ropa y en metales.

Estas texturas, en especial aquella lograda por la técnica de tinta, tienen un gran valor en las ilustraciones de Tillman ya que, sin éstas, las obras se notarían incompletas por falta de detalle. Clint pone un gran énfasis en generar contornos y detalles, a través de la técnica de tinta, como se mencionaba anteriormente, logrando reforzar los mensajes visuales siempre relacionados a temáticas naturales, a través de las texturas aplicadas a ciertos elementos, logrando simular texturas naturales y orgánicas y dando un toque final a la esencia de sus proyectos.

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lo que las flechas usualmente reflejan dolor de corazón y decepción. En base a esto Barrientos comenta que cada signo puede interpretarse de forma diferente según su contexto. Si se presenta un signo por su cuenta puede dársele cierto significado, sin embargo si se presenta en un cierto contexto su significado puede cambiar, al igual que cambia dependiendo de la persona que lo lee.

Las figuras no son definidas en base a la técnica aplicada. A diferencia de la textura, la elección de las figuras representadas y la técnica no van estrictamente de la mano. Sin embargo la técnica influye en la apariencia de las figuras y cómo éstas apoyan o refuerzan los mensajes visuales. Las figuras en sí, tienen un gran peso en la transmisión de mensajes o ideas, sin embargo sus cualidades visuales, osea la aplicación de los elementos explicados anteriormente, como el color y la textura, logrados a través de la técnica influyen en el valor de la figura en la composición y por lo tanto, influyen también de gran manera en la transmisión de mensajes visuales.

Técnica mixta aplicada por Clint Tillman

Como se comentaba en el desarrollo del primer tema, la técnica de la acuarela es una técnica análoga aguada, es decir que su disolvente es agua. Es una técnica de muchas posibilidades y rapidez de ejecución. La principal característica de esta técnica es la transparencia y la infinidad de gradaciones de tono que se pueden lograr mediante lavados, siendo éstos la aplicación de finas capas de color en la técnica de la acuarela. En cuanto a la técnica de tinta su carácter particularmente incisivo es muy conveniente para plasmar detalles minuciosos. No son necesarias muchas herramientas para lograr una gran variedad de formas y expresión. El mezclar técnicas ofrece a los ilustradores un nuevo e infinito rango de posibilidades.

Técnica mixta y mensajes visuales de Clint Tillman

La experta en comunicación visual comenta que todo lo que se incluya o deje de incluir en una composición afecta la comunicación y tiene un significado. Es por esto que la técnica que se aplica también apoya una composición y transmite una idea o sensación. Apoya a transmitir el mensaje y a cerrarlo, generando un significado único y completo en

la composición. Se busca el aplicar una técnica específica en base a lo que se quiere transmitir.

Tillman comenta que la técnica de la acuarela, por su forma fluida y aguada y los sentimientos que transmiten por sí solos los lavados en la acuarela, le permiten transmitir aquellas emociones o grupos de emociones que componen los conceptos o mensajes que busca transmitir en sus ilustraciones. La técnica le permite utilizar una paleta de color en tonalidades desaturadas para comunicar algo triste y nostálgico pero ésta misma técnica le permite lograr un efecto más fuerte y llamativo para ciertas emociones de sus mensajes con la misma paleta de color, solamente aplicando más pigmento y logrando tonos más saturados.

Se logra reforzar los mensajes también en base a el o los puntos focales de las ilustraciones, dando un mayor énfasis a ciertos elementos generando un centro de interés en la composición. Un punto focal puede lograrse por contraste, tamaño, formas o color. En base a la guía de observación aplicada a la muestra de ilustraciones de Tillman se definió que los puntos focales se logran principalmente a través del color. La técnica de acuarela permite al sujeto principal, como se mencionaba antes, utilizar una misma paleta de color y lograr tanto tonalidades saturadas como desaturadas. Es así como aquellas áreas en que Tillman aplica más lavados aumentando la pigmentación, se convierten en puntos focales, reforzando los mensajes visuales a través de la aplicación de la técnica de acuarela. Pinto considera que la técnica apoya a la transmisión de mensajes en las ilustraciones de Clint Tillman debido a que crea un distintivo o una característica que lo diferencia de los demás. Indica que Tillman utiliza la técnica como una base o sello artístico, y como ilustrador es importante mantener tanto técnicas como estilos visuales para poder ser reconocido. A su vez el experto en la técnica de acuarela, Juan Carlos Calderón, comenta que en efecto la técnica apoya los mensajes de las ilustraciones y más específicamente su modo de aplicarlas. Comenta que Tillman aprovecha la técnica y logra transmitir un mensaje claro, simple y directo utilizando una paleta de colores limitada y en algunos casos a un solo color valiéndose de la principal característica de la técnica, las transparencias.

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Calderón explica que la acuarela tiene un gran poder de comunicación. Sin embargo el verdadero valor radica en la creatividad del artista. El ilustrador o artista puede tomar ciertos mensajes, y luego transmitirlos de una manera original y creativa a través de una composición de ciertos elementos. La técnica suele definir ciertos elementos visuales que conforman una composición. La textura, la aplicación del color, la tipografía, pueden definirse a partir de la técnica. Es por esto que las técnicas que el sujeto principal utiliza en su trabajo refuerzan sus mensajes debido a que todos los signos dependen de ella. La textura que se genera va de la mano con la técnica y esta textura transmite en sí un significado. Las tonalidades de los colores dependen del modo en que se aplica la técnica y por lo tanto afectan el mensaje visual. Y la tipografía, que tendrá ciertos rasgos en base a la técnica que se utilice para crearla.

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DEFINICIÓN DEL ESTILO GRÁFICO DE LAS ILUSTRACIONES DE CLINT TILLMAN Y COMO ÉSTE REFUERZA LOS MENSAJES VISUALES

Para poder identificar el estilo del sujeto principal de la investigación así como identificar cómo es que refuerza los mensajes visuales de las ilustraciones de Clint Tillman, se retoma la información presentada en el desarrollo del tema anterior sobre los mensajes visuales.

Mensaje visual

Como se mencionaba anteriormente un mensaje visual es un sistema que emplea imágenes como medio de expresión. Roland Barthes desarrolló un sistema de lectura de combinaciones de texto e imagen que comprende tres tipos de mensaje: mensaje lingüístico (texto); mensaje icónico codificado (plano de connotación); y el mensaje icónico no codificado (plano de la denotación).

Todo mensaje visual está compuesto de signos y éstos signos son elementos visuales. Estos elementos incluyen la tipografía, el color, las texturas y las figuras y dependiendo del mensaje que se quiere transmitir y la forma en que se quiere transmitir, la aplicación de éstos elementos varía.

Estilo gráfico

De acuerdo al blog Aprendiendo Historia del Arte (2012) comenta que un estilo se define como un conjunto específico de características tanto de forma como de contenido que permiten agrupar a una serie de obras o autores que comparten estos elementos o características de forma estable, permitiendo afirmar que dicho autor u obra pertenecen a uno u otro estilo.

Un estilo gráfico es razonablemente flexible debido a que cada autor introduce sus propios elementos pero debe permanecer una esencia que vincule su trabajo a un estilo determinado.

Algunas características o elementos que pueden definir un estilo gráfico son los elementos que componen los signos de un mensaje

visual. Un estilo puede definirse por la aplicación de ciertos colores, texturas, tipografías y formas en sus propuestas visuales, sin embargo como se mencionaba anteriormente, las características que definen un estilo no solo se limitan a éstos elementos visuales o características de forma sino también a aquellas características del contenido.

En cuanto al estilo de Clint Tillman, el sujeto comenta en su entrevista que no clasifica su trabajo dentro de ningún estilo gráfico establecido. Sin embargo define algunas características constantes o que definen su estilo particular. El sujeto menciona que no trabaja sus técnicas de manera etérea sino mantiene muchas duras líneas de contorno y detalles muy definidos, sin embargo siempre se notan algunas líneas un tanto temblorosas. Tillman prefiere utilizar un áspero papel prensado en frío, que disimula un poco aquellas líneas demasiado temblorosas y al aplicar la técnica de acuarela permite mostrar cierta transparencia e incertidumbre a través de los lavados. Pinto indica que considera que el estilo de Tillman se apega a una tendencia Grunge, una tendencia donde la textura tiene un papel principal dentro de la composición gráfica. Menciona que también se relaciona con éste estilo por la realización de sus ilustraciones de forma análoga, lo que le da naturalidad y sinceridad en sus trazos.

Grunge o grungy se traduce como sucio o descuidado. Un estilo grunge en diseño o ilustración se maneja una apariencia desgastada o manchada, vieja y oxidada. En este estilo las texturas siempre están presentes de una manera u otra, texturas como madera, tela y papel.

En el estilo grunge se manejan colores tenues como grises, beige, verde y café. A menudo los colores brillantes son remplazados por colores más naturales como marrón, naranja oscuro, etc. Se aplican muchas texturas, como se mencionaba anteriormente. Puede utilizarse texturas de paredes sucias, papeles rasgados o papel viejo. En los proyectos con estilo grunge se utilizan muchas líneas irregulares y marcos, elementos como papel rasgado o fotos rasgadas, esquinas dobladas o sucias y desgastadas, y elementos hechos a mano, como tipografías manuscritas, etc.

Se encuentran algunas similitudes entre las características de las ilustraciones de Tillman y las características del estilo grunge,

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presentadas anteriormente. Clint utiliza una paleta de colores muy simple con colores análogos cálidos. Aplica colores tenues como el beige y el gris, sin embargo también aplica colores brillantes dependiendo del mensaje que busca transmitir.

Sin embargo aunque las ilustraciones de Tillman si se enfocan en un acabado análogo no tienen una apariencia desgastada o sucia.

Tillman tiene un estilo muy particular de ilustrar sus personajes y demás figuras, al igual que otras características que definen lo que puede ser un estilo personal. Clint maneja una paleta de color en que es constante un color rojo-naranja brillante, también maneja los contornos de sus elementos únicamente con la técnica de tinta, utilizando solamente el color negro. Se explicó anteriormente que de acuerdo a la experta en comunicación visual todo lo que se incluya o deje de incluir en una composición afecta la comunicación y tiene un significado. Es por esto que la técnica que se aplica al realizar una ilustración también apoya una composición y transmite una sensación o idea. Se busca el aplicar una técnica específica en base a lo que se quiere transmitir. La técnica apoya a transmitir el mensaje y a cerrarlo, generando un significado único y completo en la composición. Varias de las características que definen su estilo personal provienen de la técnica que aplica y más específicamente en la forma en que aplica dicha técnica. Cada ilustrador, artista o diseñador tiene una manera de aplicar una técnica, luego de haberla practicado, así como experimentado con ella. En base a la forma en que aplica la técnica de acuarela, se definen los colores, las tonalidades, etc. que él aplica en sus ilustraciones. El estilo va de la mano con la explicación de la técnica presentada en el desarrollo del tema anterior.

Además del uso de la técnica mixta de acuarela y tinta utilizada por Clint Tillman otras características que definen su estilo son el uso de retórica visual en sus proyectos así como el uso de algunos signos recurrentes.

Según Regalado (2006) la retórica es la sintaxis del discurso connotativo, la forma de organizar los elementos clave de significación de una imagen. A través de la retórica visual se logra potenciar un mensaje utilizando figuras retóricas. Esto consiste en emplear ciertos elementos del código icónico para transmitir un sentido distinto del que propiamente les corresponde. En su entrevista, Tillman comenta que utiliza principalmente la figura retórica de la metáfora, consistente con los resultados de las guías de observación aplicadas a la muestra de ilustraciones seleccionada. Barrientos en su entrevista menciona que

PALETA DE COLOR ESTILO GRUNGE

USO DE TIPOGRAFÍA MANUSCRITA Y LINEAS IRREGULARES / ILUSTRACIONES DE CLINT TILLMAN

PALETA DE COLOR USUAL DE ILUSTRACIONES DE CLINT TILLMAN

También tiene acabados naturales con líneas irregulares y hace uso de tipografía manuscrita para la transmisión de las ideas escritas.

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las ilustraciones sí aplican figuras retóricas ya que son de carácter conceptual. De acuerdo a Barrientos todo lo que sea conceptual y tenga una carga emotiva debe de haber tenido un análisis y relación entre un referente y un signo. Se realiza un análisis para identificar como relacionar lo uno con lo otro y generar conceptos que se relacionen con lo que se quiere transmitir. Barrientos concuerda con Tillman y con los resultados de las guías de observación comentando que en general la figura retórica que identifica en las ilustraciones de Tillman es la metáfora. La metáfora se basa en símbolos y todas las ilustraciones del sujeto principal son muy simbólicas. Éste uso de simbolismo y el análisis para relacionar un concepto con otro permite a Tillman representar situaciones y emociones personales sin necesariamente colocarlas literalmente, señalando exactamente qué es lo que pasó o las personas involucradas. Las figuras retóricas y los símbolos le permiten transmitir la idea general de lo que siente y ésto permite que los diferentes espectadores de su trabajo se relacionen con su mensaje aplicándolo a su vida personal y sus propias situaciones.

En el proceso de comunicación llamado semiótica existen tres categorías de signos: ícono, índice y símbolo. Un símbolo es un tipo de signo en que no hay conexión lógica entre el signo y su significado para funcionar, un símbolo depende de que la persona que los percibe haya aprendido la relación entre el signo y el significado. Tillman utiliza un conjunto de símbolos recurrentes en sus proyectos de ilustración y éstos, por su uso constante, se van convirtiendo en características del estilo personal del sujeto principal.

Durante la entrevista el sujeto comentó que algunos de los elementos que coloca en las composiciones tienen una base en la geometría sagrada, y aquellos que usa continuamente tienen ya designado cierto significado. Algunos de los símbolos más recurrentes en su trabajo son las flechas, figuras geométricas, ciertos números, fantasmas, pájaros y un personaje que él llama “chico de la barba” o “Beard man” en inglés.

Las flechas representan dolor de corazón y decepción y son trabajadas usualmente en azul y rojo. Las flechas azules son situaciones que ya se han calmado un poco que ya no son tan dolorosas pero siguen presentes, mientras que las flechas rojas son aquellas situaciones que son recientes o que todavía duelen igual que en el momento que ocurrieron.

Tillman utiliza figuras geométricas generalmente en base al concepto de geometría sagrada, como por ejemplo una forma de diamante que representa a la familia.

SÍMBOLOS RECURRENTES / FLECHAS AZULES Y ROJAS

SÍMBOLOS RECURRENTES / FORMAS GEOMÉTRICAS / DIAMANTE

Los fantasmas usualmente son arrepentimiento o pesares del pasado, cosas que nos persiguen y los pájaros son usualmente personas. En cuanto a los números, Tillman comenta que utiliza números como el 7, el 11 y el 13, ya sea directamente el numero escrito en las ilustraciones o como la cantidad de ciertos elementos, por ejemplo 13 puntos alrededor de un elemento o 13 círculos en total. Éstos números tienen un significado personal y usualmente sólo el sujeto principal conoce dicho significado sin embargo a pesar de no conocer el significado exacto éstos símbolos siguen comunicando un mensaje y se convierten en parte del estilo de Tillman.

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El personaje “chico de la barba” complementa el estilo del ilustrador, convirtiéndose en un elemento representativo de su trabajo.

Otra característica de contenido que define el estilo de Tillman es la relevancia de los títulos de las ilustraciones. El sujeto inicia su proceso de ilustración definiendo el mensaje o concepto que quiere transmitir, el cual se traduce en una frase que utiliza como el título de su ilustración.

Aunque esta frase es la idea central de la imagen, muy pocas veces es el mensaje lingüístico en la composición del mensaje visual. Sin embargo el título tiene gran importancia en la lectura del mensaje. Como se comentaba en el desarrollo del primer tema, un texto puede fijar o modificar el significado al momento de añadirlo a una imagen. En el caso de Tillman, él maneja 2 textos, el mensaje lingüístico que forma parte de la composición y el título de la ilustración. En algunas ocasiones las ilustraciones no cuentan con un mensaje lingüístico sino solamente un título pero éste sigue cerrando en alguna medida la interpretación del mensaje.

SÍMBOLOS RECURRENTES / NÚMERO 13

Pinto menciona en su entrevista que considera que el estilo de Tillman apoya la transmisión de los mensajes visuales. Indica que a partir de la observación puede notarse que da un tratado especial tanto a sus gráficas como, cuando aplica, al texto que las acompaña logrando una particular unión con lo que se está transmitiendo gráficamente. Barrientos explica que, de ser un trabajo de diseño gráfico, el estilo debe de apoyar el mensaje, debe de ir de la mano con cómo y qué se quiere comunicar. Comenta que cuando se trabaja bajo un objetivo más artístico, el estilo refleja o transmite la personalidad del artista más que el mensaje en sí. Barrientos aclara que el estilo sí dice algo, es comunicativo y transmite una idea pero la comunicación que genera o el mensaje que lanza es en base al artista y no al mensaje de la ilustración. En su entrevista Pinto comenta que como ilustrador es importante el estilo, en mayor medida debido a que es un elemento que permite ser reconocido en el gremio así como entre espectadores.

Sin embargo tomando en consideración el hecho de que el uso de la técnica de preferencia del ilustrador, como la forma en que la aplica, algunos símbolos recurrentes y el uso de la retórica visual son parte del estilo que maneja, se define que el estilo juega un papel importante al momento de transmitir los mensajes visuales. En base al estilo que el sujeto principal maneja se pueden definir qué elementos funcionan de mejor manera para transmitir los mensajes, o la aplicación de colores, el tipo de figuras que se utilizarán, etc.

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Conclusiones1/ DOCUMENTACIÓN Y ANÁLISIS DEL PROCESO CREATIVO QUE CLINT TILLMAN UTILIZA AL ILUSTRAR CON LA TÉCNICA MIXTA DE ACUARELA Y TINTA.

El sujeto principal no aplica un proceso estricto al momento de desarrollar sus ilustraciones por lo que se realizó una documentación de los pasos realizados por Tillman así como un análisis de los mismos.

Tillman inicia sus ilustraciones a partir de una idea o concepto específico, sin embargo no tiene un proceso para generar estos conceptos, sino obtiene sus ideas iniciales para las ilustraciones de acontecimientos que ocurren a su alrededor, frases que escucha, música, etc. por lo que siempre está al pendiente de nuevas ideas o mensajes que transmitir. Sin embargo es posible que Clint aplique ciertas técnicas de conceptualización sin percatarse o considerarlas como técnicas, aunque no las aplique como un proceso como tal, a través de pasos, etc. sino de una forma más fluida y libre. Por ejemplo, Clint mencionó que en algunas ocasiones sus mensajes provienen de letras de canciones que el ha escuchado y existe una técnica de conceptualización llamada Técnica Rockola en que se escucha una canción y a partir de su letra se van generando o eligiendo palabras o frases que al final llevan a una frase conceptual.

El sujeto principal omite el paso de documentación y no aplica de forma estricta el paso de inspiración. Tillman únicamente comenta, como se mencionó anteriormente, que encuentra la inspiración inconscientemente al estar al pendiente de su entorno. Para la etapa de desarrollo de ideas, Tillman usualmente explora solamente una idea, eligiendo los elementos de sus ilustraciones a partir de su concepto.

Para la etapa de bocetaje, Tillman maneja un solo boceto detallado a partir de la idea que busca transmitir. Inicia trabajando el boceto superficialmente con un crayón de color azul para luego iniciar a definir y detallar poco a poco la ilustración con un crayón de color rojo. Cuando el boceto ya está bastante definido y detallado utiliza un lápiz de grafito y dibuja las líneas finales sobre las ya trabajadas en azul y rojo. Luego con el mismo lápiz aplica sombras para definir cómo aplicar la acuarela más adelante.

Para finalizar Tillman aplica su técnica de preferencia, una mezcla de la técnica de acuarela y la técnica de tinta. Inicia trasladando el boceto final al papel de acuarela utilizando la técnica de tinta para crear los contornos y los detalles. Luego procede a aplicar la técnica de acuarela, utilizando lavados suaves para llegar a las tonalidades que desea hasta finalizar la ilustración.

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A partir de lo mencionado anteriormente se define que Clint sigue un proceso creativo informal, no uno técnico en que se proceda paso a paso cumpliendo con ciertos estándares o reglas sino más bien un proceso creativo personal que puede variar de idea en idea, concepto a concepto. Sin embargo Tillman sí aplica de manera un poco más suelta y personal algunos pasos del proceso propuesto por Zeegen, aplicando o eliminando ciertos pasos según lo requiera para la realización de una ilustración determinada.

2/ DETERMINAR CÓMO LA TÉCNICA MIXTA ANÁLOGA CONTRIBUYE A LA REPRESENTACIÓN DE MENSAJES VISUALES EN LAS ILUSTRACIONES DE TILLMAN.

Tillman aplica una técnica mixta uniendo la técnica de acuarela y de tinta. La técnica de acuarela es una técnica análoga aguada y de gran rapidez de ejecución. Su principal característica es la transparencia y la gran variedad de tonos que se pueden lograr. La técnica de tinta es conveniente para plasmar detalles y también debido a que no necesita de muchas herramientas para aplicarla. Cada técnica tiene características que la hacen única y que pueden aprovecharse al máximo al momento de trabajar la comunicación visual. Es por esto que mezclar técnicas ofrece nuevas posibilidades para quien las aplica.

Los elementos de una composición visual pueden definirse a partir de la técnica que se utiliza, elementos como el color, la tipografía, las texturas y las formas o figuras. Por la técnica análoga de tinta que Tillman aplica en sus ilustraciones para realizar el texto, se maneja una tipografía manuscrita con trazos muy naturales y orgánicos reforzando los mensajes visuales muchos de los cuales manejan temáticas naturales.

La técnica de acuarela permite al sujeto principal mantener una paleta de color simple por su facilidad para generar una gran variedad de tonos a partir de un solo color aumentando la pigmentación. Esta característica es aquella que más contribuye a la transmisión de los mensajes visuales al aplicarla para generar centros de interés o puntos focales en las composiciones. A través de la cantidad de lavados aplicados y por ende la saturación de color en ciertas áreas, se crea énfasis en ciertos elementos que son de mayor importancia en el mensaje.

La posibilidad de crear varias tonalidades también permite al ilustrador poder trabajar composiciones con un solo color modificando solamente la saturación del pigmento transmitiendo ciertas sensaciones o mensajes que se reflejan de mejor manera al utilizar únicamente un color.

El elemento de la textura va siempre de la mano con la técnica que se aplica. La técnica puede definir tanto texturas táctiles como visuales. De acuerdo a cada técnica, la textura que la acompaña o se logra tiene rasgos específicos. En el caso de la técnica mixta de acuarela y tinta aplicada por Tillman, se manejan dos texturas, la textura táctil del soporte que se utiliza para aplicar la técnica y las texturas visuales logradas con la técnica de tinta simulando ciertas texturas táctiles y creando una sensación de profundidad. Éstas texturas refuerzan los mensajes visuales dando un aspecto natural y en el caso de las texturas visuales creando contornos y delimitaciones y por tanto énfasis en aquellos elementos y figuras que componen el mensaje.

Todas las figuras utilizadas en una composición buscan representar un mensaje visual. La técnica que se utilice influenciará de gran manera a estas figuras, ya que estas son modificadas por los elementos anteriores como el color y las texturas. El uso de éstos elementos en las figuras influyen en su valor en la composición y por tanto en la transmisión de los mensajes.

Las técnicas por sí solas transmiten ciertos mensajes o sensaciones. Por ser técnicas análogas transmiten naturalidad, originalidad y espontaneidad. La fluidez y transparencia de la técnica de acuarela permite transmitir ciertos sentimientos mientras que el contraste, peso y dureza de la técnica de tinta transmite otros.

Las técnicas apoyan la transmisión de un mensaje generando ciertas interpretaciones o significaciones en la composición. En algunas ocasiones se busca aplicar ciertas técnicas para ciertos mensajes o tipos de mensaje de acuerdo a lo que se quiere transmitir.

En el caso de Tillman la técnica de acuarela y sus características particulares le permiten transmitir las emociones o grupos de emociones que componen los conceptos o mensajes de sus ilustraciones. La

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técnica le permite lograr tonos desaturados de una paleta de colores simple para la transmisión de mensajes tristes o nostálgicos pero al mismo tiempo permite generar tonalidades más saturadas para emociones más fuertes y positivas.

La unión de técnicas le permite a Tillman unir tanto la fluidez y transparencias de la acuarela con el peso y definición de la tinta para transmitir un mensaje claro, simple y directo complementando el trasfondo natural y el carácter de sus mensajes personales con las principales características de las técnicas.

3/ IDENTIFICACIÓN DEL ESTILO GRÁFICO DE LAS ILUSTRACIONES DE CLINT TILLMAN Y COMO ÉSTE REFUERZA LOS MENSAJES VISUALES QUE EL ILUSTRADOR QUIERE TRANSMITIR.

Un estilo es un conjunto de características tanto de forma como de contenido. Estas características permiten la agrupación de ciertas obras que comparten estas características o elementos de forma constante. Cada artista, ilustrador o diseñador añade o modifica ciertos elementos visuales en sus proyectos pero mantiene la esencia de un estilo.

Evaluando la aplicación de estas características iniciales se identifica que el estilo de Tillman se asemeja al estilo grunge por su carácter análogo, natural el uso de tonalidades neutrales o tenues y el uso de texturas. Sin embargo también se notan algunas diferencias. Tillman no sólo se limita al uso de colores tenues sino también aplica colores cálidos y brillantes, y aunque mantiene su característica análoga no tiene un acabado desgastado o maltratado.

Por esto se concluye que Tillman aplica un estilo más personal y propio que se mantiene en sus proyectos y no un estilo determinado y establecido. Este estilo personal se basa en un aspectos de forma y tres aspectos de contenido: en la aplicación de la técnica mixta de tinta y acuarela como característica de forma, el uso de retórica visual, el uso de algunos símbolos recurrentes y la importancia del texto que acompaña a las imagenes.

Tanto el uso de la técnica mixta como la manera en que refuerza los mensajes visuales fue explicado con anterioridad.

El uso de retórica consiste en potenciar los mensajes de las ilustraciones. Las ilustraciones de Tillman tienen un gran contenido simbólico por lo que la mayoría de ilustraciones manejan una figura retórica de la metáfora. La mayoría de los símbolos representan algo más. Esta aplicación de la figura retórica permite al ilustrador representar sus situaciones o emociones de una manera figurativa y no literal pero igualmente efectiva. Es por esta razón que las ilustraciones transmiten un mensaje general sobre los sentimientos o emociones en base a la situación en la que el sujeto principal se encuentra. Este acercamiento permite que los espectadores que observen los proyectos de Tillman puedan llegar a relacionarse ya sea con la situación que es el trasfondo de la ilustración o con los sentimientos o emociones que Clint buscaba transmitir, en algún nivel, a pesar de que la situación del espectador no sea la misma en la que se encontraba el ilustrador.

En cuanto a los símbolos recurrentes, existen ciertos elementos que al aparecer más constantemente en las ilustraciones se convierten en parte del estilo gráfico del artista. Estos elementos se van estableciendo como símbolos en base al trabajo del ilustrador. El sujeto le asigna cierta significación a estos elementos y es así como los espectadores empiezan a leer estos significados al observarlos más constantemente en las ilustraciones.

Así como el artista define aquellos elementos que serán parte de la composición visual también define el título de su proyecto, usualmente al momento de iniciar el proceso de ilustración. Este título llega a cerrar en alguna medida la interpretación que puede darse a la ilustración, por lo que refuerza el mensaje que Tillman desea transmitir, por lo que se le da gran importancia a pesar de no aparecer visualmente en la composición.

El estilo entonces tiene gran repercusión en los mensajes visuales ya que en base a este se seleccionan los elementos visuales que componen una ilustración y puede llegar a modificar completamente la lectura de sus mensajes.

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Recomendaciones1. Se recomienda al diseñador gráfico interesado en documentar los pasos del proceso creativo utilizado para ilustrar, se de un mayor énfasis a la observación e información proporcionada por los sujetos de estudio ya que cada persona puede llegar a manejar un proceso creativo diferente según su enfoque creativo o preferencias personales, siempre con una referencia de un proceso preestablecido que pueda crear ciertos parámetros para evaluar el proceso creativo personal del ilustrador. Para obtener mayor información, así como información más específica sobre el proceso creativo, también se recomienda realizar preguntas específicas sobre cada paso del proceso creativo estándar tomado como referencia para evaluar la medida en que el sujeto de estudio se apega o se separa de él.

2. Al analizar o evaluar la aplicación de una técnica y su influencia en la transmisión de mensajes visuales se recomienda analizar más a profundidad las características particulares de las técnicas en cuestión y por ende las sensaciones o mensajes que transmiten por su cuenta para poder comprender de mejor manera la relación entre las técnicas y los mensajes visuales. También se recomendaría, si es posible, realizar una evaluación en cuanto a la percepción de una muestra del grupo objetivo sobre la relación entre la técnica y la correcta lectura de los mensajes visuales midiendo la similitud entre la lectura realizada por el grupo objetivo y el mensaje que el ilustrador quería transmitir. 3. Para la definición de un estilo y la evaluación de su influencia en la transmisión de mensajes visuales se recomienda utilizar las guías de observación aplicadas a los objetos de estudio para determinar aquellos elementos o características constantes en las muestras gráficas y que por ende componen o definen el estilo gráfico. También se recomienda realizar un listado de estilos con sus respectivas muestras gráficas para poder preguntar a los sujetos de estudio entrevistados y poder más fácilmente determinar a que estilo se relacionan más directamente los objetos de estudio.

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• ELIPSIS: http://yocomunicador.wordpress.com/2009/01/21/figuras-retoricas-en-publicidad-ejemplos/

• EXPERIENCIAS DESDE DISEÑO GRAND CHAMACO: SITIO OFICIAL DE GRAND CHAMACO. SERIES SE DIBUJAN TUITS 1 Y 2: http://www.grandchamaco.com/

• FRIGOR - NOVELTY / FERNAN BONSERIO / 2013: http://www.behance.net/gallery/Frigor-Novelty/6717277

• GRAPHICS TEES ENERGIE / ANTONIO PALANZA / 2012: http://www.behance.net/gallery/Graphics-Tees-ENERGIE-FW12-13-INK-Pack/6041975

• HAPPY RAINY DAY / SUSAN BATORI / 2013: http://www.behance.net/gallery/Happy-rainy-day/7246039

• HIPÉRBOLE: http://lysanconsulting.blogspot.com/2009/11/recursos-visuales-en-grafica.html

• HOME SWEET HOME / THOMAS BURNS / 2013: http://www.behance.net/gallery/Home-Sweet-Home/7631501

• ILUSTRATIONS / FRANCESCA ASSIRELLI / 2011: http://www.behance.net/gallery/Illustrations/2385472

• IN THE PENAL COLONY / ALAN MCNAMARA / 2012: http://www.behance.net /ga l lery / In-The-Penal -Colony-Narrat ive-Illustration/3872173

• INTERLETRAJE: http://disenopreimpresionpastorrebeca.wordpress.com/page/2/

• INTERMODAL TRANSPORTATION / THOMAS BURNS / 2013: http://www.behance.net/gallery/Intermodal-Transportation/6939473

•IRONÍA: http://unaformadeinterpretar.blogspot.com/2010/04/intuicion-descubrimiento-e-innovacion.html

• INSTINCTIVE / DZO OLIVIER / 2012: http://www.behance.net/gallery/INSTINCTIVE/5953575

• LA LOTERIA DE LOS MONTAÑESES 2011 / JORDI SELLES PASCUAL / 2012: http://jordisellespascual.blogspot.com/2012/03/proceso-de-ilustracion-de-la-acuarela.html

• MENSAJE CODIFICADO: http://3.bp.blogspot.com/_cy2MUCchaV0/T Ty E X 6 q A - y I / A A A A A A A A A B M / 0 k U 4 R h q m H E w / s 1 6 0 0 /mensaje+codificado.jpg

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• METÁFORA: http://tamara-narrativadigital.blogspot.com/2012/06/la-imagen.html

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• METONIMIA: http://retoricavisual.wikispaces.com/02.metonimia

• MOÑA NEGRA: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/0a/Black_Ribbon.svg/200px-Black_Ribbon.svg.png

• MOÑA ROSA: http://www.pinklacewigs.com/assets/images/pink_cancer_ribbon.jpg

• MUESTRA DE ILUSTRACIONES DE CLINT TILLMAN: http://chechitout.tumblr.com/

• NOT TODAY / DIMA REBUS / 2011: http://www.behance.net/gallery/Illustrations-3/6285349

• ONOMATOPEYA: http://blogvecindad.com/buen-poster-utilizando-las-onomatopeyas/

• ORGAN TRIO / FABIO CORAZZA / 2010: http://www.behance.net/gallery/Pastel/631369

• OXIMORON: http://morfologiadelolivo.wordpress.com/2011/05/11/a-proposito-de-las-figuras-retoricas/

• PAPEL PARA ACUARELA: http://us.123rf.com/

• PESO DE TIPOGRAFÍA: http://www.creativosonline.org/blog/que-es-la-justificacion.html

• PINCELES PARA ACUARELA: http://www.aiba.es/

• PLUMA CON DEPÓSITO: http://www.departamentodedibujo.es/Dibujo_Tecnico_Primero/UD1/dt1_UD1_tema1_v04/24_estilgrafos_y_rotuladores.html

• POSTER DHUB / CLASE BCN / 2013 / TÉCNICA DE CONCEPTUALIZACIÓN - MAPA MENTAL: http://www.behance.net/gallery/Poster-DHUB/8122387

•PROSOPOPEYA: http://josephlucas.blogspot.com/2012/10/imagenes.html

• PUNTO FOCAL POR COLOR: http://static.reflejandome.com/wp-content/uploads/tres-colores.jpg

• PUNTO FOCAL POR CONTRASTE: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/1/1f/El_Palacio_Municipal_en_alto_contraste.JPG

• PUNTO FOCAL POR TAMAÑO: http://www.canonistas.com/galerias/data/1912/medium/contrastes1_ej_32.jpg

• REINDEER SKETCHS / CORINNE MASSACRY /2013: http://www.behance.net/gallery/Reindeer-sketchs-Croquis-de-rennes/6537379

• REPETICIÓN: http://vi.sualize.us/calle13_38_572_800_pixeles_sin_fin_publicidad_perspective_repeticion_picture_35ao.html

• SCIENTIFIC MEDICAL ILLUSTRATIONS / DANA HAMERS / 2011: http://www.behance.net/gallery/Scientific-medical-illustrations/2031847

• SINÉCDOQUE: http://retoricavisual.wikispaces.com/02.metonimia

• SKETCHNOTES / TIMOTHY REYNOLDS / 2011: http://www.behance.net/gallery/Sketchnotes/2582191

• TECHNICAL ILLUSTRATIONS / DANNIS CHAN / 2012: http://www.behance.net/gallery/Technical-Illustrations/4228687

• TEXTO COMO IMAGEN 2: http://www.behance.net/gallery/TYPOGRAPHY/3279125

• TEXTO COMO IMAGEN: http://www.behance.net/gallery/Whole-lotta-love/7790199

• TEXTURA ARTIFICIAL: http://es.123rf.com/photo_10515273_textura-de-cuero-artificial.html

1 6 5

• TEXTURA GEOMETRICA: http://es.123rf.com/photo_14547907_perfecta-textura-geometrica-en-el-diseno-del-op-art-vector-de-arte.html

• TEXTURA NATURAL: http://iesvallvera3b04.blogspot.com/2009/03/textura-natural_7285.html

• TEXTURA ORGANICA: http://www.deviantart.com/art/Stock-Texture-Cracked-Earth-326936540

• TEXTURA TACTIL: http://disenartelpardo.blogspot.com/2012/11/textura.html

• TEXTURA VISUAL: http://www.aloj.us.es/galba/DIGITAL/CUATRIMESTRE_II/TECNICAS/textura.htm

• THE AIRSHIP / CARK KOCH / 2013: http://www.behance.net/gallery/The-Airship/6734825

• TWO TOWERS / DAVIDE MAGLIACANO / 2013: http://www.behance.net/gallery/Two-Towers/7701187

• UN DESPERTAR CON DOS FELINOS / MARA HITTERS / 2012: http://www.behance.net/gallery/Un-despertar-con-Dos-felinos-2012/5401343

• WE UP NORTH / THERESE LARSSON / 2013: http://www.behance.net/gallery/We-Up-North/7694873

• WHALE / ZUTTO / 2013: http://www.behance.net/gallery/various-works-2012/7053423

1 6 6

Anexo 1: Guía de entrevista a Clint Tillman

Anexo 2: Guía de entrevista a Juan Carlos Calderón

Anexo 3: Guía de entrevista a Luis Pinto

Anexo 4: Guía de entrevista a Silvia Barrientos

Anexo 5: Guía de observación

Anexo 6: Resultados de entrevista de Clint Tillman (Inglés)

Anexo 7: Artículo Marca cromática y semántica del color por Norberto Chaves

Anexo 8: Lyrics Falling Snow

1 6 7

ANEXO 1: GUÍA DE ENTREVISTA A CLINT TILLMAN

1. Define para ti que es ilustración.

2. ¿En que clasificación consideras que entran tus ilustraciones?

_____ Ilustración conceptual_____ Ilustración publicitaria_____ Ilustración narrativa_____ Ilustración infantil

3. ¿Por qué?

4. Según tu experiencia como ilustrador, ¿podrías mencionar alguna diferencia entre pintura e ilustración?

5. ¿Cuando empezaste a ilustrar?

6. ¿Cuánto tiempo inviertes en la realización de tus ilustraciones?

7. ¿Como inicia la realización de tus ilustraciones?

8. ¿Cuál es el proceso creativo que sigues para generar tus ilustraciones?

9. ¿Tus ilustraciones parten de un concepto?

10. ¿Realizas algún proceso de conceptualización al iniciar a realizar tus ilustraciones?

11. ¿Realizas varios bocetos de propuestas antes de llegar a la ilustración final?

12. ¿En tu proceso para ilustrar buscas referencias?

13. Explica paso a paso como aplicas la técnica análoga de la acuarela y tinta para ilustrar.

14. Según tu experiencia cuales son las principales ventajas de la técnica de acuarela?

15. ¿Cuál es tu preferencia en pinceles para aplicar la técnica de acuarela?

16. ¿Cuál es tu preferencia en plumas para complementar tus ilustraciones con la técnica de tinta?

17. ¿Cómo decidiste mezclar las técnicas de acuarela y tinta?

18. ¿Como apoya la técnica de acuarela a los mensajes que transmites en tus ilustraciones?

19. ¿Cuales son los mensajes que quería transmitir en las siguientes ilustraciones?

20. ¿De donde salen los mensajes que transmites en tus ilustraciones?

21. ¿Como defines los elementos que forman parte de tus ilustraciones?

22. ¿Cuál es tu grupo objetivo? ¿A quién diriges tus ilustraciones?

23. ¿Cómo sabes si el mensaje que tu querías transmitir ha llegado a tu grupo objetivo?

24. ¿Que respuesta has tenido por parte del grupo objetivo?

25. ¿Qué figuras retóricas usas más en tus ilustraciones? ¿Por qué?

26. ¿Sabes lo que es polisemia? Crees que se aplica a tus ilustraciones?

27. ¿Qué signos son recurrentes en tus ilustraciones?

28. ¿Las tonalidades de los colores que usas representan algo en especial?

_____ Ilustración científica_____ Ilustración técnica_____ Ilustración editorial

1 6 8

29. ¿Cuál consideras que es tu estilo gráfico?

30. Si no hay uno específico, ¿qué estilos crees que influencian más tus ilustraciones?

31. ¿Qué características gráficas definen tu estilo?

32. ¿Cuál ha sido la mayor satisfacción que has tenido desde que empezaste a ilustrar?

33. ¿Cuál es tu lugar favorito para ilustrar?

34. ¿Cuál es tu ilustración favorita hecha en el 2012 y el 2013 y cuál es la historia detrás de ella?

35. ¿Cómo consideras que has evolucionado como ilustrador?

1 6 9

ANEXO 2: GUÍA DE ENTREVISTA A JUAN CARLOS CALDERÓN

1. ¿Qué es la acuarela?

2. ¿Desde cuando trabaja la técnica de la acuarela?

3. Explique paso a paso como se aplica la técnica análoga de la acuarela.

4. Según su experiencia, ¿cuales son las principales ventajas de la técnica de acuarela?

5. ¿Cuál es su preferencia en pinceles para aplicar la técnica de acuarela?

6. En su opinión, que tipo de pinturas funcionan mejor, ¿semilíquidas o líquidas?

7. En su trabajo, ¿mezcla diferentes técnicas con la técnica de acuarela?

8. ¿Qué otras técnicas funcionan de mejor manera con la técnica de la acuarela?

9. ¿La técnica de la acuarela tiene un modo específico de empleo o puede aplicarse de varias maneras?

10. ¿Que desventajas tiene la técnica de acuarela?

11. ¿Qué errores son comunes al aplicar la técnica de acuarela?

12. ¿Cómo se pueden minimizar estos errores al aplicar la técnica?

13. En su opinión, ¿como puede apoyar la técnica de acuarela a los mensajes visuales?

14. ¿De que manera ha impactado su vida el uso de la técnica de acuarela?

15. ¿Considera que la acuarela tiene un gran poder de comunicación? ¿Porqué?

16. En su experiencia, ¿cuáles son las respuestas más comunes del público ante un trabajo de acuarela?

17. ¿Considera que la técnica de la acuarela es adecuada para la ilustración?

18. ¿Considera que la técnica de la acuarela apoya a los mensajes que Clint Tillman busca transmitir en sus ilustraciones?

19. ¿Cómo es su proceso para realizar una obra con la técnica de acuarela?

20. ¿Cómo difiere el proceso de pintura con el proceso de ilustración con la técnica de acuarela?

1 7 0

ANEXO 3: GUÍA DE ENTREVISTA A LUIS PINTO

1. Define para ti que es ilustración.

2. Según tu experiencia como ilustrador, ¿podrías mencionar alguna diferencia entre pintura e ilustración?

3. ¿Como inicia la realización de tus ilustraciones?

4. ¿Cuál es el proceso creativo que sigues para generar tus ilustraciones?

5. ¿Tus ilustraciones parten de un concepto?

6. ¿Realizas algún proceso de conceptualización al iniciar a realizar tus ilustraciones?

7. ¿Consideras que las ilustraciones de Clint Tillman parten de un concepto?

8. ¿Realizas varios bocetos de propuestas antes de llegar a la ilustración final?

9. Cual es tu preferencia, ¿técnicas análogas o técnicas digitales?

10. ¿Porque?

11. ¿Que beneficios consideras que tienen las técnicas análogas?

12. ¿Como defines el estilo de Clint Tillman?

13. ¿Qué estilos consideras que influencian las ilustraciones de Clint Tillman?

14. ¿Consideras que el estilo de Tillman apoya la transmisión de los mensajes visuales?

15. ¿Crees que las ilustraciones de Clint Tillman pueden tener mas de una interpretación?

16. ¿Que signos recurrentes puedes encontrar en las ilustraciones de Tillman?

17. ¿Cómo crees que Clint Tillman utiliza el color en sus ilustraciones? ¿Consideras que la paleta de colores que utiliza tiene un significado?

18. ¿Crees que la aplicación de color apoya a la comunicación visual en las ilustraciones?

19. ¿Consideras que la técnica de la acuarela apoya la transmisión de mensajes en las ilustraciones de Clint Tillman?

20. ¿Crees que Tillman utiliza figuras retóricas en sus ilustraciones?

21. ¿Qué figuras retóricas identificas en sus ilustraciones?

22. ¿Como ha influenciado en tu vida la ilustración?

23. ¿Cuándo empezaste a ilustrar?

24. ¿Cuál ha sido la mayor satisfacción que has tenido desde que empezaste a ilustrar?

25. ¿Cómo consideras que has evolucionado como ilustrador?

1 7 1

ANEXO 4: GUÍA DE ENTREVISTA A SILVIA BARRIENTOS

1. Brevemente, ¿qué es la comunicación visual?

2. ¿Qué signos recurrentes identifica en las ilustraciones de Clint Tillman?

3. ¿Qué elementos o características influyen en una mejor comunicación visual?

4. ¿Considera que el color es utilizado como signo en las ilustraciones?

5. ¿El color refuerza los mensajes visuales de las ilustraciones?

6. ¿Considera que la técnica de acuarela apoya la transmisión de los mensajes de las ilustraciones de Clint Tillman?

7. ¿Cree que las texturas de las ilustraciones apoyan la transmisión de los mensajes visuales?

8. ¿A su criterio las ilustraciones de Clint Tillman pueden tener varias interpretaciones?

9. El que las ilustraciones tengan más de una interpretación, ¿es una ventaja o desventaja?

10. ¿Cree que Tillman utiliza figuras retóricas en sus ilustraciones?

11. ¿En general, qué figuras retóricas identifica en sus ilustraciones?

12. ¿Cómo se puede evaluar objetivamente si el mensaje llega a un grupo objetivo?

13. ¿Existen diferentes maneras? ¿De que depende cuál se aplica? 14. Clint Tillman tiene un estilo muy particular, ¿considera que éste estilo apoya la transmisión de mensajes?

15. En cuanto comunicación visual, ¿la ilustración análoga tiene un mayor valor que la ilustración digital?

1 7 2

ANEXO 5: GUÍA DE OBSERVACIÓN

• Nombre de ilustración:

• Autor:

• Fecha de elaboración:

1. ¿Qué técnica se utiliza en las ilustraciones?

2. Puede notarse la mezcla de técnicas de ilustración?

_____ Si _____ No

3. ¿Qué signos pueden identificarse en la ilustración?

4. ¿Cuál es el significante y el significado de los principales signos de la ilustración?

SIGNIFICANTE SIGNIFICADO

5. ¿En qué categoría se encuentran los principales signos de la ilustración?

____ Ícono ____ Índice ____ Símbolo

6. ¿Qué mensaje se percibe?

7. ¿Qué tipo de mensaje visual es? ____ Mensaje lingüístico ____ Mensaje icónico codificado ____ Mensaje icónico no codificado

8. Significado Denotativo 9. Significado Connotativo

10. ¿La ilustración contiene texto?

_____ Si _____ No

11. ¿Qué tipo de tipografía utiliza?

____ Antigua ____ Palo seco ____ Caligráfica

____ Decorativa ____ Simbólica ____ Manuscrita

12. ¿Qué función tiene el texto en el mensaje visual?

____ Anclaje ____ Relevo

13. ¿Qué gama de colores aplica?

____ Fríos ____ Cálidos ____ Análogos ___ Complementarios

14. Según la psicología del color, ¿qué transmiten las ilustraciones?

15. ¿Qué tipo de texturas se aplican en las ilustraciones?____ Visuales ____ Táctiles

____ Naturales ____ Artificiales

____ Orgánicas ____ Geométricas

16. ¿Se utiliza la retórica?

_____ Si _____ No

17. ¿Qué figura retórica se aplica?____ Metáfora ____ Metonimia ____ Doble sentido

____ Hipérbole ____ Alusión ____ Elipsis

____ Ironía ____ Onomatopeya ____ Oxímoron

____ Prosopopeya ____ Repetición ____ Sinécdoque

____ Otra:

1 7 3

18. ¿Cómo se aplica la figura retórica?

19. ¿Cuál es el punto focal en la composición?

20. ¿Cómo se logra el punto focal?

1 7 4

ANEXO 6: RESULTADOS DE ENTREVISTA DE CLINT TILLMAN (INGLÉS)

1. In your own words, what is illustration?Um, for me, all of this is subjective of course. For me illustration is creating an image to express a word or words or set of emotions that… You usually make an illustration when words aren’t enough. You need something to convey those feelings. That’s what I use illustrations for.

2. In what type do you think you can classify your illustrations? Why?

I would probably venture out and say that I touch on all of those categories, just depending on what I’m doing. Most of what I do is conceptual, just because there’s a lot of symbolism and metaphors, everything means something else. I do a little bit of advertising illustration just through my design work. Narrative illustration, everything I do basically tells a story, it’s conveying that message that I’m trying to get out. I do some children’s illustrations, I’ve got a couple of books that are in the beginning stages that are just waiting for time. Scientific illustration, this is probably stretch I do a lot of anatomy like bones and organs, I did a heart series recently. So its scientific in nature, although it’s not incredibly accurate, you know, you wouldn’t want to put it in a science text book and say this is what a heart really looks like cause something is gonna be out of place. I do a little bit of technical stuff. Not so much in the past few years. And editorial, I do a comic illustration once a week for the weekly paper, so it’s not necessarily editorial but it kinda falls into that different category.

3. Based on your experience as an illustrator, can you mention a difference between painting and illustrating?

That’s a difficult one. I’m gonna answer personally. In this last art show… I had an art show in January at the gallery where I work, and I did a lot of larger pieces and I hadn’t work that big before, even in college I never went that big and I wanted to take the illustration style that I did on small paper and see if I could transfer that to a large surface, but once I put it in a large

surface, even though I was still using the same basic technique still using pink pens for the heart outlines, and everything, you know, it didn’t necessarily classify as an illustration, maybe more a painting, and my guess is because, for me when I illustrate the main goal is giving a message across, what the illustration means, whereas painting generally is focusing more on, I guess is function versus form. Illustration tends to focus on function, and painting seems to focus more on form.

4. When did you start to illustrate? Um, technically, I don’t know maybe 3 or 4. When I was a kid I drew lots of comics, particularly anything batman or spiderman related, anything Mario related, definitively, a little bit of Garfield here and there. But then, I didn’t really start illustrating professionally until 4 or 5 years ago. And it started… I have a background in graphic design so I did a lot of print design, logo development so I would sketch and draw just for those things, sort of as a tool, but I never really focused, and I moved to this little mountain resort town when I was 24 maybe and um yeah I think I was 24, it was a long time ago, so I started drawing there, and I wanted to make t-shirts, so I taught myself how to screen print and started drawing more, focusing on illustrating for apparel, and then that kind of how I started. Getting more and more into illustrating and then taking it to pen and paper and watercolor, and focusing just on illustration for illustration sake.

5. How much time do you invest in the realization of your illustrations?

I spend my life illustrating. Just kidding. You know, having a concept developed, sometimes it’s something that normally it doesn’t take much time at all, it’s something that just kinda jumps into my mind, illustration is sort of a therapy, basically, so whatever I draw is whatever is going on currently, and so it’s always there, ideas are always just gonna jump up, every once in a while I come across a project that I end up spending a little more time on, and trying to… you know and that’s usually on

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tshirt design and things like that that’s when I spend a little bit more time working on the concept. Yeah, normally the realization of the illustrations happen really quick. Something happens and I have to draw it.

Do you carry around a notebook to sketch while you’re out?Yeah, when I travel. I have a pretty set schedule, where I’m at now, I work in the mornings, then go to the studio in the afternoons and evenings, and so I’m always doing something. But when I’m out and about or planning on running to the coffee shop and maybe staying for a little bit, I always make sure that I have my sketch book, I have my own travel case with pencils and pens.

6. How do you start the realization of your illustrations? A lot of the times it comes from quotes or song lyrics or just kind of random words that…, so I guess, I mean, I always make tittles first. For the most part. I’ll come up with a phrase or something that I want to express and then I figure out what should I draw to express that, sometimes it’s easy, you know, to kinda wind up what I wanna express and what I want to draw to express it. Cause sometimes I have no idea, and go in different directions and experiment a little bit. But I guess it’s just random stuff floating through the air and I just kinda grab one. It’s real technical, haha.

7. What is the creative process that you follow to create your illustrations?

I always start sketching. I’ll have and idea, a tittle, that I wanna draw and then I get my sketch book and I kinda sketch it out widely, tighten it up a little bit, and um usually I have to start and finish the sketch on one sitting, I don’t like stopping, I wanna get the whole idea developed, at least to the point to where it’s complete enough and just needs a bit of detail work.

8. Are your illustrations based on a concept? Yes. Yes, the idea usually comes first. I don’t really draw, I mean, we did that a lot in college, there was a table with a bunch fruit on it, and we had draw fruit to make it look like what we were seeing, so. Which I guess is important, makes the fruit feel good maybe. So yeah most of my illustrations start with a concept and

the imagery sort of evolves from what I think would work best to convey… Like a lot of it’s I‘ve been doing a lot of nautical themed illustrations lately so if things are really rough you kind of, equate depression to the sea. It’s up and down, tumultuous and dark and gray and its kind of overwhelming. The fact that there’s just so much havoc around you and you just have to ride the waves or sink, so normally when I’m touching on that concept on depression I kind of gravitate towards water. And then space, I was kind of in a space phase for a while too, and that’s sort of the scenic side of depression where it’s not really up and down it’s just kind of flat, everything is quiet and you really don’t know what to do you feel you’re just kind of floating through life, so I use space to kind of bring up those qualities of the concept. So yeah.

9. Do you follow any process or use a technique to reach a concept for your illustrations?

I um. I guess I’m always thinking about how to visualize things. So my process is kind of always going. So yeah, everything is like that. I guess it’s always just looking out I guess. You know, if somebody who designs type, who likes to do a lot of font work, when they go through and look at bulletin boards with all the posters for bands and things like that I guarantee you they’re not looking to see what band is playing and when they’re looking to see what font choice the designer used for the poster and why would they use that font, at least that’s what I do. So I sit at the coffee shop and point at coasters, and yelling why would they use this font, it’s terrible and it’s not appropriate at all and nobody else gets it. So that’s kind of how my process goes, it just doesn’t really stop. So I’m always looking for things to draw and how can I express different sets of emotions with different sorts of imagery and themes and stuff like that.

10. Do you make several drafts or sketches before reaching your final illustration?

I have the sketch and then the final, and there’s usually just those two.

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11. During your illustration process, do you search for references? Um, I search for references if I’m doing something a little bit more on the technical side. Like I did a bird skull series recently, so I looked through a lot of bones I guess, that was kind of my starting point but I don’t stick with it, you know I add things that aren’t there and take away things that should probably be there. But I like to spread out with a good solid reference. If its something more like… I do a lot of character development and things like that. One of my main characters is a guy with a beard and a hat who I just kinda refer to as beard man. I’m very descriptive with names haha, so I don’t really do much reference with him, that’s more conceptual, and everything, so.

12. Please explain step by step how you apply your usual technique of watercolor and pen to illustrate.

So I start out in the sketch book, and I’ll sketch out the rough draft in blue pencil and then I add on top of that with red pencil and get the lines a little bit tighter and get them where they need to be and then once I get that done with the red pencil, I take just a regular graphite pencil and I draw the final sketch lines on top of that. So I kinda draw it, I sketch it three times but it’s all over the same drawing until I get it really tight and detailed, and then I do a lot of shading. I didn’t always, I used to just draw straight in pen in my sketchbook and color it with highlighters and stuff like that cause it was fun and it was different and all the final stuff… but over the last couple of years I’ve stuck with just pencil in my sketch book and then I use the shading to figure out how I’m gonna apply the watercolor in the final piece so I kinda figure out the depths what I want to really saturate with color and what I wanna wash out pretty lightly. And um so after that I scan the image in, to the computer and I print it out in black and white and then I put it in the lightbox and then I put my watercolor paper over the top the sketch and then I do my final pen work. I’ve done it before where I’ve drawn pencil straight on the paper, on the watercolor paper, and then erase the blue lines and everything, but it, anytime you take the eraser to the paper, it messes the paper up and the parts that have been erased won’t hold the watercolor the same way than the parts that weren’t erased, and I’m kind of obsessive compulsive about that so, I don’t want any

erasing on the paper, I just want pen. So I put the pen down and the outlines and then I take it off and I add all the detail after that, and then I add the watercolor on top of that. And I usually have light washes, so I go over in a really light wash and then I’ll add a little bit more pigment to the wash and then start building up the really tart saturated areas, and washing out some of the layers too if I need to.

13. Based on your experience, what are the main advantages of the watercolor technique?

It’s fast. I don’t have a lot of patience. I would love to work with oil but at the same time you gotta have your station set up and that stuff takes so long to dry and I just want to start something and finish it. So that’s one technique and also I like to really play around with depth and pushing and pulling the lights and darks and I like to keep a simple color palate, and so the light washes of the watercolor allow me to do that, so just using one color but just adding on to the washes to make it darker and get the depth that I want. That’s why I like watercolor.

14. What is your preference in brushes to apply the technique of watercolor?

Small. I have a brush that’s falling apart that I’ve had for years, I don’t even know what brand it is anymore I’m not too concerned as long as it’s small and round, and has a fine point to it, so I can really dial in the detail. I have a couple of small flat brushes if I’m doing large areas of saturation but they’re small too, so.

15. What is your preference in pens? I’ve been using microns, and I use the two smallest microns .005 and .01 in black and red, I have a blue one too that I’ve used maybe twice.

16. How did you decide or why did you decide to mix the watercolor technique with pen?

It kind of stand from that obsessive-compulsive nature. I like structure, I like grids, I like storage containers that are organized well where everything has a place, you know. And so that sort of, in my art, you know what I really admire the free flowing

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watercolor, that’s just heavy on the water, wet on wet technique, and stuff like that and I would love to maybe experiment with that. But it drives me crazy, I like things to be contained. And I don’t necessarily mean that in a “don’t ever color outside of the lines” sort of way, but for me all of my creativity and challenge goes on inside those lines. So I really like the domination, hahaha.

17. How does the watercolor technique support or enhance the messages of your illustrations?

Um, you know a lot of the concepts that I focus on are emotions or sets of emotions that are… That can really be interpreted different ways by different people and it’s kind off all a metaphorical story, and so to have the watercolors… It’s not very solid, it’s not very… You know you’re not gonna paint an apple and have it, the surface of it look like an apple, it’s gonna be a lot more, you can have a lot more of an interpretation on it, you can just kind of experiment, kinda make it, kinda use the watercolor and the feeling that the watercolor washes lay down, like I use a really desaturated washed out palate in something that’s really bleak but at the same time I can also really increase the pigment and make it a little bit more saturated if I’m trying to get a more heavy feel on a certain emotion or a certain part of that so.

18. What are the messages that you wanted to convey in the following illustrations?

THE POLICY.Most of the messages that I’ve been wanting to convey are ridiculously personal which is why I use a lot of metaphors and symbols and things like that, so it basically hides what… puts me what I’m trying to convey in a way that it still gets the point across and the message across, just the general set of emotions that’s running through my head at the time, without writing somebody’s name down and saying “you suck” or something like that, and so also it’s always nice because other people can relate to it and apply that message to their own lives, personally, so they can take how I was feeling and not have to take in what it was about necessarily. So in the policy I was wrestling with… Um, I’m kind of big on just always being up front and honest and if somebody doesn’t

like what I’m doing that’s fine, as long as they just tell me. And so I was kind of at this point where I was being very truthful not outspoken, I guess, but just kinda letting people know how I felt when they asked, and… because they asked, just being polite and accommodating and turns out a lot of people didn’t like it, they realized quickly that maybe they didn’t want to know how I really felt cause it was too truthful so, that was, kinda, the policy was about honesty or silence. And letting people know how you really feel or keeping your mouth shut. So.

BLACK SHEEP BOY.This one is kind of, it’s just the standard black sheep metaphor, like black sheep of the family. Also I like to do mash ups, that’s where I take some of my favorite references and incorporate those into my drawings, kind of like a tribute, so this one was this movie by Guillermo del Toro called Hellboy, so that the main imagery was based of the scene of the movie at the end where he’s breaking his horns off, and making the decision to do what he wanted which was good, not to follow what everybody thought he was supposed to be which was bad, you know. That was kind of main, and then it also incorporated this song by this band Okkervil River and is called Black sheep boy and so that was kind of the soundtrack and the visuals, and then just walked in beard man. So that was kind of my tribute to a couple of favorites.

I’VE GOT A BAD FEELING ABOUT THIS.So I guess, this one is sort of going along with... When you struggle with saying “no” to people and I guess not necessarily be like a doormat to you know let people walk all over you, but just trying to accommodate everybody and kinda letting somebody hook you in a hook and use you for bait and then halfway down the ride you start realizing what the bait is for and you’re about to get really messed up. You’re helping somebody out but it’s turning out to be for their selfish game, with your safety and your health not really their concern.

SEAT BELT HANDSThat one was just… The seat belt only works with both sides, you know, you gotta have the hook and the clasp. So that’s sort

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of like… Just telling somebody that you’ve got your hand out and if they put their hand out and hold tight they’re not gonna fly out a metaphorical windshield.

GUARD YOUR HEARTThat’s one of my favorites. That one was a collaboration with my friend Cody Ike, he’s a tattoo artist that lived in Durango and we would always do draw, go to the coffee shop and draw, he’s up in Canada now. But there’s this band, this two guys, and they’re called The Listener and probably they have some of the most prolific, well thought out, meaningful lyrics ever written so you know, we just listened to their stuff over and over and over again, and there’s this song that talks about being a house on fire and it’s really dealing with depression and letting things start inside you, that just burn you up from the inside and so its hard to tell from the outside what’s going on, like how bad things are on the inside and so the heart tends to be one of those places where fires can start really easy, and so I guess if you’re like me you have the tendency to close up while those things smolder before you know it you’re just gutted and burned up, really not use to anybody. He did the scrolls and I did the house and the text and everything else and we ended up tattooing that on my ribs next to my heart.

Before we move on I wanted to ask. For example, in the one that’s called lantern it has circles and geometrical shapes, do those shapes mean something?

Yes, a lot of the geometry... Um, I guess, the lantern in itself is a symbol of family, it started out as a tattoo design, it’s an oil lamp cause when we were growing up it would get really cold in winter and we couldn’t really afford to turn the heat up and so mom would say put on another sweater and if you’re cold get a blanket and she would light this oil lamps around, and whenever we would go camping, dad would have this old lanterns and so like, the lantern in itself is a symbol for that. And then the shapes are even… they’re not more vague, but they’re just… they’re representative of feelings about family and so like the diamond kind of shape that’s sort of, kind of, used a lot for family or loved ones that hold you, that are about foundation, that allows you to

grow from, mom and dad set up a really good foundation there that kind of gave me that solid point to put my feet on, to kinda grow out so that’s what that means. The circles are usually just… sometimes I do… I like numbers, I use certain numbers of things, like 7 or 11 or 13 is in there a lot, 6 if it’s something bad, you know, it’s all little things for me. And so the shapes, the geometry kind of are those vague, kind of ambiguous concepts that go even further than what the main point is. Sometimes they interact with the drawing, the main illustration; sometimes they’re just behind it. So if you see a lot of arrows, all the arrows are in that sacred geometry style, too, arrows are usually heartache and disappointment. Ghosts, I used to do a lot more ghosts, ghosts are regrets of the past, a few thing that haunt you constantly. And birds are usually people, like existing currently.

19. Where do the messages that you convey in your illustrations come from?

Yeah, they come from life, what’s happening around me, what’s going on in my head, I can’t really stop thinking. Which I guess is good, sometimes. But at the same time it’s really frustrating and so the illustration really developed out of a way to cope with all that and get it out of my head and into a picture form that I can make sense of, you know, a little bit more, so all the messages just kinda come from al the craziness inside my head.

20. How do you define the elements that form part of your illustrations?

Um, I talked a little bit about that, so I’m gonna go over it real quick. I’ve got a lot of the same symbols that recur like ghosts for haunts and regrets, arrows for heartache and disappointment from other people, axes, there’s a lot of axes, and they usually are a symbol for working hard. There’s this whole big deal of retirement, in the U.S. at least, retirement funds are gonna be there, and I don’t understand that cause you work, until you can’t work anymore, and so like I picture this old, rusty worn axes, that have been repaired and broken again and repaired again just as a symbol for just a life of hustling and hard work. Um, and then you know there’s the main figures, then the geometry that comes in behind that and just kinda accentuates the meanings

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that are going on, all the underlines. So it’s like… I can say that there’s a ghost coming out of beard man’s chest and um there’s obviously something in his heart that’s bothering him. But you know what, I did a piece where this ghost has one of this red arrows and he’s like sticking it, metaphorically of course, into beard man’s chest, so I used the geometry to really try to capture all the complexity that’s behind it, it’s not the story, you know there’s one thing spawns all this what ifs, what should I have done, how would things be different, and then also at the same time like how do I cope with this, how is it hurting me now and it shouldn’t, you know things like that, so the geometry comes in as a separate element to really focus on building out the story behind the symbol.

21. What is your target group? Do you make your illustrations for a certain group?

I try to get as many illustrations as I can on my mom’s refrigerator, cause it’s a pretty hotspot. Hahaha. No. No, I don’t, it’s really interesting to see… You know the show in January it was called Perspective and it really focused on the fact that all this illustrations and paintings are about sets of emotions and things that happened to me but told in a way where it leaves that real honest aspect in there without the personal story, so it can be picked up and applied to somebody else’s life. Um, where it needs to reach them you know so it’s like I’ll draw something really, really sad and it makes me feel better because I’m getting it out on paper and dealing with it and kind of, I always tend to breathe a little bit easier once it’s out, and then somebody else will see it, and it’ll be like a really positive thing for them, it reminds them of something good. And so I’m not gonna stand on the way of that, so my target group it’s basically… it’s not an age it’s people who are looking to relate to something, to take the meaning of something, instead of just glossing over it, and saying that’s a really cool image, which is fine, you know, I mean artists do need to make money, and if somebody buy’s one of my shirts cause it’s a really cool image, or hey they like inkers, that’s completely fine with me, but the people that I always enjoy talking to and meeting are the people who can pick up on the honesty in it, and either the honesty in whether it’s the emotion

of sadness, pain or joy, or sentiment, or heartache, or longing or love or something like that, that they can kind of pick it up and understand, it means something to them. So that’s my target group. I imagine they’re a bunch of really cool people.

22. How do you know if the message that you wanted to convey has reached your target group?

Um one of the ways that I’ve been judging that metric is through tumblr. And it’s kind of a way… I don’t know, I almost use it to judge the level of honesty or the level of emotion that I put into a piece. It seems like things get shared, the more they hurt coming out. So it was really a process, and really a trial, and a struggle to get something on paper, and to tell a story for me, that really, that seems to get shared, a lot more than a lot of other stuff. It’s social media, for sharing things they like, things that affect them one way or the other, no matter how shallow or deep so that’s kind of the metric that I’ve been using.

23. What kind of response have you had from the target group? Um, lot of high fives… ehh no. haha. I’d be ok with that. But I get a lot of… I don’t know, positive feedback but not necessarily like, “Hey your art is good!”, or something, a lot of it is “Hey, this really meant something to me!” And “It affected me in a certain way, so thanks!” and so it’s nice to get positive asfronation to know that like the manic and the depression that kinda coexist at the same time, that I have trouble dealing with that, and I have to put it in paper, that it means something to other people and that they will tell me once in a while it’s just nice to have that.

24. What rhetorical figures you use most in your illustrations? Why is that?

I use a lot of metaphors, I mean everything is a symbol for something in a drawing. Yeah so like the one we talked about before, the policy? You’ve got… If you look at all the beard man drawings, I’m sure I missed a couple, especially in the older ones, but there’s always a 13 somewhere, if it’s on a sleeve, if it’s in his hat, if it’s on his shoe, there’s always a 13 somewhere. And… so you’ve got the bird that’s in there, and the bird is a silhouette and it’s black and normally they’re like flying around and kind of

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oblivious of what they’re doing to everybody else. So the bird is a symbol for somebody who was there, who… that relationship was not severed but it just really… it changed and transition into something more, not real and present but… and then you’ve got the arrow’s obviously signifying heartache and then you’ve got on the honesty part, it’s you know, it’s real and it’s living, and in silence you feel dead inside because you know you’re not being able to express how you really feel and you don’t feel much like a person. And then the red line going through honesty and silence that just really I guess symbolizes the… the significance of it, it is real, is a real emotion, like the blood that goes through our hearts, that’s why we’re alive basically, to communicate.

25. Do you know what is polysemy? Do you think that it applies to your illustrations?

I googled it. Haha. I looked it up on Wikipedia. Right before the interview. I was like holly crap I don’t know what that means. According to Wikipedia, the free encyclopedia, it’s the capacity for a sign or signs to have multiple related meanings. So, yes I believe, I do apply polysemy in my illustrations, just because of the figures that I have that are so reacurring, like ghosts, but then there’s different kinds of ghosts too. There’s this really weird looking tiny ghosts and they’re just like junk from the past that still comes back, and haunts you, more of like specific events or tragedies or people, you know. And then there’s a ghost that’s a little bit more terrifying and I call it beard ghost, it usually comes out of beard mans chest and it also has a beard, so he looks like beard man, so that ghost is more like a… it’s self-doubt or subconscious basically that sometimes it’s well intentioned, sometimes it’s like a little kid chasing after things, that you know, it’s not a good idea like trying to put a fork in a light socket you know, like I’m just playing around and having fun and you know, it’s not a good idea, why are you doing this, so it’s just like this constant haunting, fear, for this being that contains multiple levels of self doubt, inflated hope and things like that, and that’s the scariest to me at least. So yeah the ghosts have multiple meanings. Even the arrows, red arrows versus blue arrows, there’s a difference. So yeah I think I could say that I apply polysemy.

What do the red and blue arrows mean?Um, the blue arrows, are things that are iced over, not necessarily cooled off but maybe not as painful but just as real. And… Like a red arrow would be like the heartbreak, and then a blue arrow, would still be heartbreak but it would be something that you knew had to happen and you were totally ok with, you understood it’s significance, and you accept the fact that it’s there but you’re not letting it burn you up, it’s just a part of life, you know, because at least personally you’re never gonna be without heartache and pain and stuff like that, and some of it is necessary to grow. So the blue arrows are kind of that, you know, I’m ok with that. I’d rather have more blue arrows than red arrows, but there’s a lot more red arrows it seems like. Haha.

26. What signs are recurrent in your illustrations? Yeah, the ghosts, arrows, ocean themed, space themed, astronauts. I haven’t drawn a lot of astronauts recently but I was in that fase for a while. There’s this band called Rosetta, they’re sort of like a really post post metal band. I don’t know it’s really spacey and um floaty music. But all their lyrics are really themed and I love themes and they sing about this space man who… he hates life on earth and he wants to get away from all the drama, and all the people in his life that are making things difficult for him, so he makes this plan to go to Europa. I think it’s Jupiter, but it’s a moon, and it’s completely covered in ice, and so it’s one of those that scientist look at and say hey maybe there’s water, what’s underneath the ice, and junk like that, it’s got that curiosity and mystery around it, maybe there’s something out there, a place to live that’s not here, so the astronaut… half the album is going to Europa, floating through space, and be away from everybody. Then he gets to Europa, and he’s like finally made it, this is what I always wanted, and then, he realizes that life wasn’t about being happy all the time, it was about the people, and everything that was going on, and then he realizes that he already spent so many years traveling to Europa that he would never make it back and everything he truly loved is gone and he’s gonna die alone. Kind of a downer. But I did a lot of spacemen and astronauts for a while, starting with that whole idea, space being either an escape or a trap at the same time. So there were a lot of recurents with

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astronauts. And space is cool, honestly I love it. The fact that there’s, you know, a billion times, billion stars in the milky way, and a billion galaxies like the milky way. So there’s so much stuff out there, and then there’s us.

27. Do the colors you use in your illustrations mean or represent something in particular?

Not too much. Personally they reflect just like, my personal palate, you know like I wear gray jeans… I’m wearing gray jeans and a black shirt today. And um… tomorrow I’ll wear black jeans and a gray shirt. You know, I’ve got fun bright shirts too as I have fun bright illustrations, but for the most part they’re just colors that I like.

28. Which do you think is your graphic style? Awesome. Haha. But I don’t know. So it’s kinda all spread out. As far as illustration goes, I don’t know if I can really describe myself with a style. It’s just… It’s not ethereal you know, because it’s not super ghostly because there are lots of hard lines, with the pen. I would almost say it’s… storytell. I don’t think that’s really a graphic style, but. Haha.

29. What graphic or visual characteristics define your style? Shaky hands, hahaha. I have to make sure I’ve got like a peanut butter sandwich handy, because if I don’t eat my blood sugar messes up, and you can really tell. Haha. So I like rough watercolor paper, I don’t use smooth, hotpress, I like to use rough, cold press. It eats up the microns especially the small ones, but it really hides shakes very well. So, I don’t know, maybe it’s genius that I’ve kinda developed my style around that, and, there’s some people that do amazing work with this long smooth lines, and just super flowing and soft and beautiful, but I can’t do it, and I love it and appreciate it and want it on my walls, but I guess for me it’s just not, it’s not what I should be doing, so. So, Shaky lines, so there’s uncertainty, in a way, but at the same time, I mean, I only use pen so I make the one line, I’ve done it three times on top of each other on the sketch book before I take it to pen, and so I’ve built it up and I’ve practiced this drawing, and thought about it and really dialed it in and so I’m confident of what I want it to look

like but there’s still that fragile, uncertainty behind it all. And then the watercolors allow me to really bring that out, the washes and layers and things like that.

30. What has been the greatest satisfaction that you’ve had since you started to illustrate?

Um, I don’t have a really fast car, so that’s kind of my goal. No. haha. I guess, I’ve had a really great experience at this last show, um, in January. A lot of things that went in that show were… it wasn’t a really good time, so a lot of things that were put in that show were tied to things that weren’t really encouraging to me, it was kind of like a downer to me. I was kind of at the point were I was done drawing. I didn’t know what I should be doing, basically, like what was my goal, should I be making tshirts, or making art, or should I just quit and be a website designer, which I don’t want that… at all. So, I decided to price everything low, not to sell it, but just to make it affordable for people to take home. And people showed up and it was one of the highest, engrossing shows that we’ve had in 3 years. And I basically sold out. I sold just about everything. And to stand there and watch people take art home, you know, cause it was one thing to have people connect with it and say “yeah, this is… this means something to me” but to actually see people take it home, and have that... to take that honest emotion that I cut out, appreciate it, and then take it home and include it in their lives, um, that was really encouraging and uplifting to know that I was making this little positive impacts. So people would go buy the illustration, like walk by the illustration, smile and connect to it, and say “this makes me feel really good” and now it’s at their house, and hopefully they still walk by it and let it remind them how they felt the first time about it.

31. What is your favorite place to illustrate? Usually on paper. Hahaha. Sometimes I draw on my hands. I used to go to the coffee shop almost every single day, that’s still my favorite place to illustrate. When I moved to Durango, three years ago, it took me about three months to find a job, it’s a small turist town, and it’s just, one of those things you have to be on it everyday. So I applied at a bunch of places, I really wasn’t looking for a dishwashing job or a barista job, I mean I love

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coffee and I make a really mean latte but I was just done being on that side of the counter so. I spent 2 or 3 months just going applying places, going to interviews and then sitting at the coffee shop for 3 or 4 hours just drawing. And my roommate would… he does a lot of comics, cartoon kinda drawings and stuff like that, and so we would just sit at the coffee shop forever and draw. And then our friend Cody the tattoo artist he started joining us and then things I was doing or styles I was exploring would show up in Cody’s sketch book and things that he was doing would show up in George’s sketch book, so it was awesome, transfer of motivation and inspiration, and a lot of coffee. So we just drank so much, until my hands would shake from caffeine overdose, and it was time to go home.

32. Which of the illustrations you have made in 2012 and 2013 is your favorite and what is the story behind it?

They’re all my favorite. They’re all about kittens. About how much I miss my cat The Cat. No! Hahaha. Let’s see… It’s like asking my mom which kid is her favorite, hahaha. Can I pick a topic? Yeah. This is a pretty… it’s been a pretty consistent theme for the last 2 months. It’s called or I call it Quick notes. So it’s just little notes drawn out, and I love… I don’t have good handwriting, I have terrible handwriting. People say… They’re like no! Look at that, your handwriting is beautiful, and I’m like no that’s hand drawing, I’m drawing those letters, I’m not writing them. The quick notes, are hand drawn letters. So they’re really personal and really direct to a specific individual. It’s one of those deals that are incredibly relatable and positive as well and you know looking back, the last few months of 2012 and the first of 2013 were kind of a downer, and it’s kind of those deals in which I have to force myself to not… I mean, I think it’s healthy to express yourself, and to get things out there and stuff, but not to dwell on it. And I was … I didn’t want to get to that point. So the quick notes, are probably my most favorite thing from this year, being able to write notes to somebody based on conversations or inside jokes that we have but have it mean a lot to so many other people too. So it’s art with a purpose, a purpose bigger than me, like bigger than therapy and trying to deal with all the crap that’s in my head. So you know I’m eventually gonna make, I’ve got a series of cards

lined up that are based on the quick notes. And I wanna do quick notes suggestions, so take commissions, like really cheap, a 3 inch by 3 inch piece of paper, add nice watercolor that I use, and you get a 3 to 5 word phrase. That’s what I want to do with quick notes.

33. How do you feel you’ve evolved as an illustrator?Physically, I don’t have wings, or any superpowers. I haven’t evolved much on that end. My hands hurt a lot more. Especially when I’m drawing tons and tons of tiny dots and lines and things.

I don’t know, it’s been a really natural progression, I feel like... I look back and… If you scroll (on tumblr) all the way to like 2009, and everything was digital. I have a Wacom tablet. I did a lot of digital drawings and coloring, and I would even ?? digitally. So I’ve spent more time away from the computer, not because I don’t like it, it’s a great tool, but it’s… I guess, if I’ve evolved at all, it’s been really focusing on the process, just as much, if not more than the final result. Yes I have this emotion or this feeling that I wanna get out, and I want it to be in picture form, but I want how I do that to mean just as much. Just slowing down and thinking about the process. That’s how I’ve evolved I guess.

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ANEXO 7: ARTÍCULO MARCA CROMÁTICA Y SEMÁNTICA DEL COLOR POR NORBERTO CHAVES

Fuente: http://foroalfa.org/articulos/marca-cromatica-y-semantica-del-color

La significación del color motivada por el anclaje del signo en códigos preexistentes, y la significación del color por la progresiva convencionalización de la relación arbitraria, no motivada, entre el signo y su referente.

En el manual de identificación gráfica de una red internacional de centros educativos se lee lo siguiente: «El azul representa el ardiente deseo de conocimientos del joven. El rojo remite al fuego regenerador de la institución». Este tipo de verbalización del significado de los colores prolifera en manuales y presentaciones orales del diseño de marcas. El carácter arbitrario de esas atribuciones de sentido salta a la vista: el significado de aquellos colores podría haber sido igualmente explicado mediante cualquier otro argumento. Intentémoslo: «El azul corresponde al color del planeta en cuyos cinco continentes ejercemos la docencia, color internacional por excelencia, y el rojo alude al color de la bandera del país de origen de nuestro grupo».En ambos casos se trata de asignaciones de significados unilaterales y arbitrarios; o sea, significaciones inventadas por el emisor independientemente de los códigos sociales que permiten una decodificación directa, inmediata, unánime por los receptores. Por otra parte, si el emisor debe explicar el significado de un color, ello significa que tal significado no es evidente. Lo cual es sinónimo de decir que ese no es su significado real.El significado de un color sólo es unánime, o sea, comunicacionalmente eficaz, cuando su uso lo asocia de un modo unívoco a un contexto determinado, en el cual dicho color ya está socialmente codificado. Si yo veo, en Barcelona, a una persona con una camiseta verde y amarilla en la semana de los mundiales de fútbol, no tendré la menor duda de que estoy ante un brasileño: camiseta + mundiales + verde/amarillo = futbolero brasileño. Fuera de ese contexto puede significar simplemente «persona poco elegante».El significado de un color no es intrínseco sino determinado por los códigos operantes en el contexto que aparezca. El rojo —el color de los

colores— puede significar: peligro, fuego, pasión, sangre, comunismo, el mismísimo diablo… y vete a saber cuántas cosas más. Y puede utilizarse eficazmente con función identificadora por Coca-Cola, Avis, Marlboro, el Partido Comunista, Perú, Canadá, o por los «diablos rojos» del club Independiente de Avellaneda.En síntesis, cuando un manual de marca dice que «el rojo remite al fuego regenerador de la institución» la único que está sosteniendo es: «Hemos decidido unilateralmente asignarle ese significado al color rojo; si ustedes lo captan o no, nos importa un bledo». O sea, el color en ese caso carece de toda utilidad comunicacional. Sólo funcionará como identificatorio recién cuando se haya convencionalizado por su uso intensivo, infalible y prolongado. Y, a partir de entonces, el receptor tampoco verá «el fuego regenerador» sino simplemente, dirá: «es rojo porque éste es el color institucional de esa entidad». Y es esto lo que hay que lograr cuando se asigna un color a una marca, y desechar toda pretensión narrativa… a menos que el anclaje esté ya socialmente implantado y, por lo tanto, acelere el proceso de decodificación o lectura.Hay gente que considera que el color verde significa unívocamente «ecología» y, en la bandera de Greenpeace, efectivamente lo significa. Pero en épocas pre-catastróficas, el verde era el color de la esperanza. Por lo tanto hoy podríamos leer en él «la esperanza de que el planeta se salve» (mera esperanza). Aún así, en un cartón de leche, el verde significa «parcialmente descremada»; y, en los semáforos, «puede Ud. avanzar». O sea, no estamos sosteniendo que los colores no transmitan significados sino que transmiten los significados dictados por el contexto y las convenciones en él operantes.Utilizar el azul para crear la marca «Japón» sería meterle un gol en contra al cliente. Por cierto, es increíble la cantidad de goles en contra observables en la tarea creativa de experto en branding. En una de las marcas «Alemania», un célebre diseñador internacional recurrió a la bandera (sensata opción) pero sustituyó el negro por el azul: era más «amable» (flagrante insensatez).El simple sentido común nos dirá que una fiesta de aniversario del Barça no puede ambientarse con otros colores que la combinación blau-grana. Sin ir más lejos, «blau-grana» es sinónimo coloquial

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de «Barça», así como «azul y oro» suele utilizarse para referirse al Boca Juniors. En síntesis, existiendo una cromática instituida, toda «originalidad» es vana. La «falta de originalidad», auténtico tabú de los creativos, es en estos casos lo correcto.El color de una marca comercial puede llegar a justificarse simplemente por ser el único color disponible en un sector ultracompetitivo. Razón más que valedera en ese caso. Pero esta libérrima atribución de significados no se agota en el campo de los colores: la tipografía, la iconografía, todo signo gráfico es víctima de la compulsión semantizadora.Vale entonces repetir (aunque de nada sirva): no es que esos signos no signifiquen (no es casual que los llamemos «signos»). Simplemente se trata de tener claro que no significan lo que a uno le dé la gana. Para escoger un signo (color, letra, dibujo…) y con él construir una pieza gráfica es, precisamente, indispensable detectar las asociaciones —conscientes o inconscientes— que, en su contexto de uso, despertará en el imaginario social. No es fácil.

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ANEXO 8: LYRICS FALLING SNOW

“Falling Snow” - Lotte Kestner

When you fell, you fell so hardReaching for me in the falling snow

I should have stayed, you said I should goHow will you make it home, oh

Leaving your wayI heard you got lost

Losing your voice to the ground belowAnd I stayed awake until you were homeIt was days and days and days and oh

Come down from your mountainYou’ve been gone too long

If you will then you should say soDon’t leave me hanging on

Out from the open windowWe could hear you breathing

Hold on but it does not hold onEvery mountain falls

Somebody said you would be goneSomebody said you would be goneSomebody said you would be goneSomebody said you would be gone