el espetaculo teatral nº64 julio-agosto 2011

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el mundo del espectáculo teatral

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Editorial

Ah, la crisis! Llevamos varios (bastantes) números de la revista en los que tenemos que guardar en la nevera (por lo menos están fresquitos en esta temporada) va-

rios artículos, porque el volumen de publicidad con el que contamos hace inviable am-pliar nuestro número de páginas. Teníamos previsto haber ofrecido en un solo número las entrevistas que realicé, durante los meses que viví allí, a diversos profesionales espa-ñoles de las artes escénicas residentes en Londres, pero no ha sido posible… Estamos teniendo que publicarlas “por capítulos” y en este número hemos llegado a una de las que considero más interesantes. Se trata de Aitor Basauri, un veterano clown vizcaíno que trabajó en el pasado con Pepe Quero en Ulen Spiegel (el nombre primitivo de su actual compañía, Los Ulen) y que desde hace casi quince años es el director artístico de Spymonkey, una compañía inglesa de teatro de humor. Destripando la entrevista –que recomiendo encarecidamente leer– puedo adelantar un par de cosas que me llamaron la atención y que él mismo destacó en nuestra charla. Lo primero: que vive en Getxo y que, low cost mediante, mantiene su “oficina” en Londres, que es desde donde le salen contratos para todo el mundo. De hecho, el año pasado actuó un mes en el Teatro Circo Price de Madrid con el espectáculo de cabaré “Pasión sin puñales”. Dice que le contrataron como maestro de ceremonias porque le habían visto en la capital del Támesis, no porque le hubieran visto actuar en España… Curiosamente, mantiene otra compañía en el País Vasco, Coloniales y Salazones, que, pese a que su espectáculo “Hienas rellenas” ha gozado de un éxito importante en sus representaciones, apenas logra girar por España (y sin embargo no tuvo problema para permanecer dos años en Las Vegas con Spymonkey, formando parte de “Zumanity”, uno de los cinco espectáculos “fijos” que el Cirque du Soleil mantiene en la ciudad del juego por antonomasia).Lo segundo que comenta: que en el Reino Unido las compañías de teatro –del tipo que sea, hasta las más alternativas– no sienten vergüenza por querer ganar dinero con su trabajo. Y se ríe un poco (en plan “épater le bourgeois”) de quienes consideran su trabajo “arte” y reniegan de pertenecer a una “industria”… Y ahora me dispongo a unir este asunto con el siguiente:Acabo de regresar de la Cuatrienal de Praga. Allí he podido ver “in situ” el trabajo de catorce empresas del sector de la escenografía, el vestuario, la iluminación…, seleccionadas con excelente criterio por el comisario de la delegación española, el escenógrafo y figurinista Ramón Ivars. Desde Cube.bz –creadores del stand de España que patrocinaba el INAEM– a Sastrería Cornejo –los Inditex del vestuario cinematográfico y teatral español, con menos capital social que la empresa de Amancio Ortega, pero de enorme presencia internacional–, pasando por RAS Artesanos –una empresa gaditana especializada en la creación de escenografías teatrales y musicales– o los hinchables gigantes de Quim Guixà –presentes en teatros de ópera de toda Europa–. Y me dejo a otras diez empresas en el tintero.Pero al volver me quedé con una sensación agridulce, la que me provoca ver un esfuerzo económico importante (desarrollado por el INAEM, el Instituto Cervantes, la Embajada de España en la República Checa, el Institut del Teatre…) sin una estrategia de marketing capaz de rentabilizar y potenciar nuestra presencia en Praga para “vender” escenografía, vestuario, diseño de iluminación, etc. Lo único que había era el folleto conjunto de nuestros catorce representantes (y la visita de uno de ellos al día para hablar de su trabajo), con los teléfonos y las páginas web de cada empresa…Es “arte”, por supuesto; eso está fuera de toda duda. Pero, ¿por qué nos da vergüenza ser también “industria”? ¿Por qué no aprovechamos que ya estamos allí para vender, conseguir clientes? Está claro que cada país acude con el objetivo de causar la mejor impresión posible. Pero ¿a quién? La expedición española cuchicheaba con la ilusión/esperanza de llevarse la “Triga de Oro” (el máximo galardón de la Cuatrienal que, finalmente, se fue para Brasil). Pero si no se procura influir en nadie, ¿para qué tanto esfuerzo? ¿Por qué no han estado allí representantes de cada empresa durante todo el tiempo que dura el encuentro? Sólo así podían encontrarse con los visitantes profesionales, porque no sólo de estudiantes de escenografía vive la Cuatrienal.En una coyuntura tan dura como la que atravesamos, con nuestro sector en plena reconversión industrial, una de nuestras posibilidades de aspirar oxígeno es abrirnos al exterior. ¿Por qué no se considera una prioridad estratégica de primer orden?

Jesús Rodríguez Lenin

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Edita: Publicaciones Teatrales S.L.

c/ Julián Camarillo 47 port. D of. 104 28037 MADRIDTel.: 91 304 04 88

Director: JESÚS RODRÍGUEZ FERNÁ[email protected]

Director de arte: ENRIQUE PÉ[email protected]

Redactora Jefe: CRISTINA RELLO [email protected]

Redacción: JAVIER MORA, CLARENCE J. BODDICKER.

Autoedición: LAURA R. DIONIS, FRANCISCO CACENAVES

Publicidad: ABEL VALERO [email protected]

Publicidad Equipamiento: SANTIAGO GARCÍ[email protected]

Fotocomposición: Dos Dimensiones, S.L.Depósito Legal: M-46213-2005Imprime: Gráficas Villena.Distribuye: National Post.

SUMARIO:

6 REPORTAJE - 6: Entrevista a Andrés Basauri

9 RECINTOS - 9: Centro Cultural Sanchinarro

10 FERIAS Y EVENTOS - 10: Entrevista a Blanca Portillo y Chusa Martín - 12: Feria de Teatro en el Sur de Palma del Río y Feria de Teatro de Castilla y León-Ciudad Rodrigo - 13: Mostra de Teatre d’Alcoi - 15: Olmedo Clásico y Festival de Almagro 16 COMPAÑÍAS - 16: Entrevista a Moncho Borrajo - 18: Teatro de texto - 25: Humor - 26: Danza - 27: Teatro de calle - 28: Infantil 29 EQUIPAMIENTO ESCÉNICO

OPINIÓN - 14: Heteatrodoxias, de Xavier Marcé - 34: La reflexión, de Robert Muro

Cuestión de espacio

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el mundo del espectáculo teatralentrevista

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reportaje

Trabajas por todo el mundo. Seguir tu rastro nos lleva a Suiza, Alemania,

Reino Unido, Estados Unidos, Australia, Taiwan, Finlandia, España… ¿Desde cuán-do vives en Londres?- Yo realmente vivo en Getxo, junto a la playa, pero en Londres tengo mi “oficina” y trabajo allí desde 1994. En Londres es donde me salen los trabajos. La temporada que hice en julio de 2010 en el Teatro Circo Price de Madrid surgió allí, porque fue donde me vieron.Yo no cambio Londres por nada del mundo. Allí está el mejor teatro del mundo y no me refiero a que los mejores teatreros del mundo sean ingleses, sino a que todo el teatro del mundo viene a Londres para poder ser considerado el mejor, porque si no pasa por Londres desde luego que no lo puedes ser.

Aitor BasauriActor y productor teatral en Londres

“Los gobiernos no se dan cuenta de que esto es una industria, que damos trabajo a imprentas, a empresas de iluminación, a técnicos de todo tipo”

Actor vizcaíno (Baracaldo, 1969) formado en el Instituto de Teatro de Sevilla (CAT) y en la escuela

de Philippe Gaulier, Aitor Basauri lleva desde 1994 trabajando en Londres (y en, prácticamente,

todo el mundo), donde creó la compañía Spymonkey junto a Toby Park y Petra Massey.

Ha formado parte del elenco del espectáculo de Cirque du Soleil “Zumanity”, uno de los cinco

espectáculos fijos que la compañía mantiene en Las Vegas, y en el verano de 2010 ofició como

maestro de ceremonias del espectáculo de cabaret y burlesque “Pasión sin puñales”, estrenado

en el Teatro Circo Price de Madrid. También forma parte de la compañía Coloniales y Salazones,

cuyo último espectáculo en gira es “Hienas rellenas”.

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reportaje- Entonces, ¿cómo organizas tu trabajo en España?- Yo no suelo trabajar en España. Cuando hice “Pasión sin puñales” en el Price hacía quince años que no trabajaba aquí. Antes de marchar a Londres sí. Estuve con Pepe Quero, Mayte Sandoval y Paco Tous en Ulen Spiegel y con el Teatro de la Jácara en la Expo’92. Ahora he hecho un espectáculo en el País Vasco, “Hienas rellenas”, con la compañía Coloniales y Salazones, pero apenas circula, porque en España no hay industria del entretenimiento. En España todo es “arte” y el arte es un aburrimiento. Nosotros lo que queremos hacer es entretenimiento y ganar dinero. En Inglaterra no les da vergüenza ganar dinero con el teatro. Con Coloniales y Salazones, la compañía que he creado con Eguzki Zubia y Jon Ariño, hemos hecho “Hienas rellenas”, que ha dado empleo a quince personas durante dos meses. Y eso no es arte, eso es industria.Obviamente, digo que no es arte por provocar.- Con tu perspectiva, ¿qué te parece el panorama español para la creación?- El teatro tiene que estar subvencionado porque es una industria con mucho riesgo. Pero también es cierto que un teatro nacional no tiene que competir con el teatro comercial. En España o tienes una supercompañía, que además tiene subvenciones, o te mueres de hambre.Nosotros conseguimos nuestro dinero por la venta de entradas y las ayudas de la administración, que es aproximadamente un 35%. Pero en Londres no me dan subvención si no tengo diez teatros interesados en ver lo que yo pueda ofrecer. En España, en cambio, me han dado subvención teniendo sólo la fecha de estreno. ¿De qué me sirve eso? El día del estreno ya sabemos que va a ser una mierda, porque así es la naturaleza de nuestro negocio. El primer día nunca está bien, en comparación con cómo va a estar un mes y medio después. A partir del estreno, las risas del público, las reacciones de los espectadores, van modificando el espectáculo.Los gobiernos no se dan cuenta de que esto es una industria, que damos trabajo a imprentas, a empresas de iluminación, a técnicos de todo tipo. Público hay. Lo que no hay es la estructura. Yo he visto en la sala Triángulo de Madrid espectáculos de jueves a domingo, con ciento cincuenta personas al día. Pero no se apoyan a las salas que ya existen para que se conviertan en negocios que funcionen. Lo que no

tiene sentido, desde el punto de vista de negocio, es el espectáculo de cabaret que hice en el Price. No tiene sentido que se gasten una millonada en un espectáculo que va a durar sólo un mes… Debería estar desde mayo hasta finales de septiembre, para intentar amortizar el trabajo.

En el Reino Unido la diferencia o la cualidad es que hay una industria del entretenimiento que permite que sea muy posible que un actor pueda vivir de actuar. Yo vivo de actuar en la cuna del inglés de Shakespeare y soy un español con un inglés patatero. Y mi compañía vive de actuar, y lo hacemos alrededor del mundo.

- ¿Cómo lo consigues? ¿Tienes distribuidores en todo el mundo? ¿Cómo contactas con ellos?- Al trabajar en inglés es más fácil llegar a todo el mundo. Pero lo fundamental es

que en el Reino Unido se piensa mucho en el público, porque si no viene no hay forma de pagar el siguiente espectáculo. Así que todos buscan mercados por todas las partes del mundo. Es cierto que programadores de todo el mundo vienen a Londres a comprar teatro y de esa manera

nosotros hemos hecho nuestro trabajo en los cinco continentes; bueno en África todavía no. Además nosotros tenemos una oficina en la que trabajan tres personas y hay que ganar dinero para pagarles.- ¿Cómo lo hiciste para empezar a trabajar en Inglaterra? ¿Qué pasos hay que seguir?- Me gustaría poder decir que hay una manera especial pero no tengo ni idea. En mi caso creo que fue un golpe de suerte: alguien me vio en la escuela y me invitó a una audición; en esa audición había muchos actores y actrices y me recomendaron para otros trabajos y así poco a poco. No creo que todavía haya conseguido trabajar en el verdadero corazón de la industria porque mi inglés no deja de ser un inglés con mucho acento pero hay actores como Antonio Gil

Martínez o Javier Marzán que sí lo hacen. Sí tendría que decir que una forma de entrar sería haciendo muchos cursos para, de esta forma, conocer a mucha gente, además de ir a todas las audiciones que puedas. Y cuando haces un trabajo invitar a todos los agentes que puedas.- ¿Es más fácil o difícil montar una obra en

Londres que hacerlo en España?- Es una pregunta complicada. Yo pienso que es igual de fácil o difícil en cualquier parte pero creo que en Inglaterra el público tiene mas experiencia como público y salir al teatro es un hábito, por lo tanto, en lo que respecta a las posibilidades que hay de que mucha gente te vaya a ver son muchas más en Inglaterra. En España el problema es muy grande sobre todo porque las compañías independientes de teatro no reciben apoyo suficiente de los teatro subvencionados. Se hacen funciones que no gustan a los programadores y eso significa que o actúan en salas independientes o nunca van a poder sobrevivir… En Inglaterra es difícil pero en España, según mi parecer, es prácticamente imposible.- ¿Hay que alquilar los teatros para poder representar una obra o son los teatros los que te contratan si les

gusta tu propuesta?- Se hace de las dos maneras, en festivales como el de Edimburgo o Brighton tú puedes alquilar un teatro. Practicas show business puro y duro, te haces la publicidad y

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“En el Reino Unido la diferencia o la cualidad es que hay una industria del entretenimiento que permite que sea muy posible que un actor pueda vivir de actuar. Yo vivo de actuar en la cuna del inglés de Shakespeare y soy un español con un inglés patatero”

“Yo he trabajado con mi compañía por muchos países del mundo gracias al British Council, que lleva espectáculos que triunfan en Inglaterra a todos los rincones del mundo. Es una pena que nuestro Instituto Cervantes no tenga algo parecido. Si me equivoco me alegro de equivocarme”

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reportajete arriesgas. Pero también, en el más puro estilo West End o Gran Vía madrileña, te puede contratar un teatro y programarte. Lo que sí esta bien hecho en Inglaterra, a mi parecer, es que las compañías están monitorizadas por el Arts Council; esto hace que las subvenciones para proyectos vengan avaladas desde el papel, desde que se manda la solicitud de subvención de una serie de teatros que van a programar la función. De esta manera la función va a tener vida, porque desde su gestación tiene una gira de diez teatros que suponen unos ingresos con los que más o menos se paga la producción. Así la compañía crea un publico, el teatro crea un público y todos contentos. Aunque a veces las cosas no salen.- ¿Sabes de obras de autores españoles o hechas por actores españoles que se hayan representado en teatros londinenses?- El caso mas grande que yo sepa es Yllana con el “666”. Y también se han visto montajes de Calixto Bieito pero con actores ingleses. Y Patricia Rodríguez con su espectáculo de Ernesto Caballero. Por desgracia en España el tema de la industria del show business no está nada cuidado. O por lo menos yo no lo veo. Yo he trabajado

con mi compañía por muchos países del mundo gracias al British Council, que lleva espectáculos que triunfan en Inglaterra a todos los rincones del mundo. Es una pena que nuestro Instituto Cervantes no tenga algo parecido… creo que no lo tiene. Si me equivoco me alegro de equivocarme.- ¿Cuentas con subvenciones públicas inglesas o españolas? ¿Qué requisitos has tenido que cumplir para conseguirlas? - Spymonkey tiene una subvención del Arts Council para hacer nuestra siguiente producción con Emma Rice, del Kneehigh

Theatre de Cornwall. Nosotros nos autofinanciamos con nuestro trabajo y recibimos una subvención por proyecto.- ¿Conoces a más españoles que trabajen en Londres en el mundo de las artes escénicas? ¿Les va bien o, al menos, mejor de lo que les podría ir en España?- Conozco a mucha gente que esta aquí trabajando como se trabaja en todas partes, algunos con éxito como Antonio Gil, Cesar Saratxu, Javier Marzán, David Sant, Patricia Rodríguez, Merce Ribot, Susana Alcantud, Pablo Ibarluzea… en realidad se mueven por aquí y por todo el mundo.- En resumen: ¿es más fácil o más

difícil vivir de las artes escénicas en Londres que en España?- Yo creo que es difícil vivir de esto en todas partes pero lo que hay que hacer es resistir. Inglaterra me parece más fácil, porque es lo que más conozco. Hay más industria y si no actúas puedes dirigir, o enseñar, o hacer doblaje, o figuración, o animación, pero siempre algo relacionado con la actuación. En España no hay industria y es una lástima, una verdadera lástima.

Spymonkey se creó en 1997 y la forman los bri-tánicos Toby Park y Petra Massey y Aitor Basauri. “Hasta la fecha hemos hecho todos nuestros tra-bajos con un actor alemán que se llama Stephan Kreiss –añade Aitor–. Seguramente él es el mejor de todos nosotros. Yo soy el encargado del depar-tamento de educación a la vez que director artís-tico”. La compañía ha creado cinco espectáculos: “Stiff”, “Cooped”, “Bless”, “Moby Dick” y “Love in”.En 2003 la formación fue invitada por Cirque du Soleil a crear y desarrollar varios números del es-pectáculo de cabaret para adultos “Zumanity” en Las Vegas. Desde su debut en agosto de aquel año hasta su despedida en agosto de 2005 su show fue visto por más de medio millón de espectado-res.“Spymonkey estrenó ‘Love In’ en el festival de Brighton, un cabaret dirigido por Crish Green, los días 26, 27 y 28 de mayo y luego lo haremos en el Southbank de Londres la última semana de junio –explica Basauri–. Luego estaremos en ju-lio en el Latitude Festival de Suffolk haciendo un scratch performance de una producción del Lyric Spymonkey y Peepolikus sobre ‘Doctor Jeckyl y Mr. Hyde’, y para el año que viene haremos ‘Oedipus-sy’, nuestro nuevo espectáculo dirigido por Emma Rice. Y Spymokey seguirá girando por el mundo, ahora estamos impartiendo cursos de clown en Viena, Alemania y Nueva York, así que si quieren mas información visiten spymonkey.co.uk”.

“En España no hay industria del entretenimiento. En España todo es ‘arte’ y el arte es un aburrimiento. Nosotros lo que queremos hacer es entretenimiento y ganar dinero. En Inglaterra no les da vergüenza ganar dinero con el teatro”

Spymonkey cumplirá quince años en 2012

“Moby Dick”, de Spymonkey. Aitor Basauri aparece a la derecha interpretando uno de los papeles de este montaje.

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el mundo del espectáculo teatralrecintos

El joven barrio madrileño de Sanchinarro ya cuenta con un espacio para el fomento y la promoción de

las artes. Caracterizado por su singular diseño, en el que predominan los grandes ventanales y los espacios amplios y luminosos, que ya le han convertido en uno de los con-juntos arquitectónicos emblemáticos de la zona, el centro cultural Sanchinarro ya programa una amplia oferta cultu-ral. Para ello, entre otras instalaciones, destaca su audi-torio de 400 localidades, una de las piezas emblemáticas del complejo, que alberga espectáculos de teatro, danza y música. La mayoría de las propuestas escénicas incluidas en su programación de julio son espectáculos familiares. Es el caso de “Cuentos sonantes y títeres”, de Arte Fusión Títeres, que el día 3 mostrará a los más pequeños como las piernas puedes ser esbeltas palmeras o como los pies pueden crear pispiretos pollitos. Los días 8 y 9 la Compañía Joven Estudio Corazza representará “Evocando Yerma”, una interpretación y creación grupal basada en el drama de Lorca. Y para finalizar, dos nuevos espectáculos infantiles: “Cuentos sin cuento”, otra creación de títeres de Arte Fusión Títeres, que se verá el día 10; y “Papelín, papelón, este cuento se acabó”, de El Círculo de Tiza, un didáctico montaje que se representará el día 17.

Centro Cultural Sanchinarro Un nuevo recinto de artes escénicas en el norte de Madrid

Más información en la edición digital

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ferias y eventos

Cómo surgió el que fuerais designadas directoras del Festival de Mérida?

- Blanca Portillo: Eso habría que preguntárselo a quienes tuvieron la idea, a nosotras simplemente nos llamaron y nos lo ofrecieron. Cuando nos llamaron en noviembre sentí un poco de vértigo porque sé el alcance que tiene este festival y lo que supone. Pero después de hablarlo con Chusa –que es un pilar fundamental de esta historia– y meditarlo, entendí que teníamos un compromiso con la cultura de nuestro país. Y con todo el miedo del

Blanca Portillo y Chusa MartínDirectora y directora adjunta del Festival de Mérida

Aunque fue la famosa actriz Margarita Xirgu la que puso en marcha el Festival de Mérida allá por 1933, no ha sido hasta este año cuando este evento ha contado por primera vez con una mujer al mando de sus riendas. Y no solo con una, porque al frente de la edición número 57 de este encuentro escénico imprescindible están Blanca Portillo y Chusa Martín, directora y directora adjunta respectivamente. Ambas han planteado un festival en el que la figura de la mujer, encarnada en el personaje de Antígona, que aparecerá en tres montajes teatrales, tendrá un papel preponderante. Pero además, entre el 7 de julio y el 28 de agosto, la ciudad extremeña acogerá en multitud de sus rincones a otros muchos personajes, encarnados por actores del calibre de Isabel Ordaz, Carmen Machi, Fernando Tejero, Marcial Álvarez o Félix Gómez, por mencionar solo algunos.

“Hemos tratado de hacer un festival en el que prime la cultura sobre el entretenimiento. Un festival para todo el mundo donde el espectador no solo disfrute de buen teatro, sino que se convierta en un lugar de debate de ideas, de intercambio, de crecimiento”

De izda. a dcha., Chusa

Martín y Blanca Portillo,

directora adjunta y directora

respectivamente del Festival

de Mérida.

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el mundo del espectáculo teatralentrevistaferias y eventos

mundo y todo el respeto dimos el OK.- Chusa Martín: Y durante estos meses hemos estado trabajando juntas de manera absolutamente coordinada. Quiero destacar que soy una privilegiada, porque tengo a mi lado a una persona que es muy inteligente, tiene las ideas muy claras y es muy fácil de seguir.- Sois las primeras directoras al frente de este evento. Cómo mujeres, ¿qué creéis que podéis aportar al Festival de Mérida? - Ch.M: Bueno, han sido 57 ediciones de festival y ninguna mujer al frente hasta ahora.... es bastante significativo, ¿no crees? - B.P: No creemos ser mejores ni peores pero sí entendemos que la mujer y su universo están aún infravalorados. Margarita Xirgu fue pionera, y la responsable de que el Festival de Mérida se pusiera en pie. Ha habido muchas mujeres después que han luchado por el teatro o por sus profesiones. Queremos que este festival sea un homenaje a todas ellas y nuestra intención es dejar claro que el universo femenino tiene un gran valor en sí mismo.- ¿Por qué habéis incluido tres versiones diferentes de «Antígona» para esta edición?- B.P: Entendíamos que Antígona representa perfectamente ese universo femenino. Ofrecer varias visiones de un mismo texto o un mismo personaje es algo absolutamente intrínseco al teatro. Ese personaje tiene millones de posibles lecturas, de análisis, de formas de ponerlo en pie, tantas como directores y actores haya en el mundo. Nos pareció puramente teatral ofrecer varias de esas visiones. La historia, la anécdota de la obra, la conocemos todos. Lo interesante es nutrirse con todas las posibles visiones que nos puedan ofrecer.-Ch.M: La primera, «Antígona de Mérida», no es un texto clásico, sino una recreación de la historia de la ciudad, de la tragedia vivida durante la Guerra Civil que nos ayudara a ver la tragedia no como género teatral, sino como hecho real. La segunda, «Antígona del siglo XXI», se sitúa en cualquier ciudad del mundo, de nuestro mundo actual, donde la guerra

está generando destrucción, desolación y muerte. Finalmente Mauricio García Lozano dará carne, sangre y cenizas al mito de Antígona. Es la de ayer, la de hoy y la de siempre. Lo sagrado, lo mítico de ese personaje. Es una Antígona para siempre.- ¿Un festival como el de Mérida, el más antiguo de España dedicado al teatro clásico, también sufre la crisis en forma de recortes presupuestarios? ¿Cómo se afronta?- B.P: Una premisa fundamental es que el dinero público debe ser gastado con mucho rigor y transparencia. Indudablemente manda mucho la calculadora, pero creo que si uno es honesto con quien pone el dinero, el ciudadano, y le explicas lo que hay...- Ch.M: Las limitaciones son las limitaciones, pero también es cierto que cuando las hay la imaginación se dispara. Y de la necesidad salen muy buenos resultados. Prueba de ello es la programación que hemos diseñado para esta edición.- ¿Qué características va a tener vuestra

programación? ¿Qué tipo de espectáculos queréis incluir?- B.P: Hemos tratado de hacer un festival en el que prime la cultura sobre el entretenimiento. Un festival para todo el mundo donde el espectador no solo disfrute de buen teatro, sino que se convierta en un lugar de debate de ideas, de intercambio, de crecimiento. Hemos diseñado una línea sobre la que gira toda la programación: el universo femenino, la historia de los muertos, de los vencidos, el teatro como elemento purificador...- Ch.M: Además, hemos abierto espacios que hacía tiempo que no se utilizaban, tratando de inundar la ciudad para que toda ella se convierta en un punto de encuentro para cualquier amante del teatro. Habrá participación de creadores de otras disciplinas: cine, fotografía, música, moda... Espectáculos para todos los públicos... Esas son básicamente las líneas generales de esta edición.

Fotos: Ceferino López © Festival de Mérida.

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ferias y eventos

Prácticamente un tercio de la progra-mación, es decir, diez de los treinta

espectáculos que incluirá, supondrán es-trenos absolutos en la Feria de Teatro en el Sur de Palma del Río (Córdoba), que este año celebrará su edición número 28 entre los días 5 y 8 de julio. La producción an-daluza supondrá aproximadamente el 80 por ciento del total de los montajes que se podrán ver en la feria. Además se espera la visita de cerca de un centenar de progra-madores de todo el país.Ya la jornada inaugural incluirá estrenos. El primero de ellos será “Los últimos días de Judas Iscariote”, de Theatre for the People, uno de los platos fuertes de la feria que cuenta con la dirección del estadounidense Adan Black. La primera jornada se cerrará también con el debut de los sevillanos La Butaca Roja, que en “El baúl de la Piquer” contarán la historia de dos miembros de una compañía que, ante el anunciado derrumbe de su teatro, se encontrarán con el pasado sobre las tablas del escenario. En la segunda jornada serán Síndrome Clown los que ofrecerán su nuevo montaje de pequeño formato, “Mejor... es posible”. Síntesis Producciones, por su parte,

Feria de Teatro en el Sur de Palma del RíoDiez estrenos absolutos se desarrollarán entre su treintena de espectáculos

representará por primera vez “La balada de los espías”, una historia de intriga y humor ambientada en 1944 y 1982. La compañía Siesta Teatro de Granada madrugará la tercera jornada para ofrecer “El traje del emperador”, un montaje a partir del famoso cuento del Conde Lucanor adaptado por Andersen. Ese mismo día se estrenará “Augusto”, de Teatro El Velador, la historia de un payaso encerrado en una especie de residencia para la tercera edad. También gira en torno a la vejez “Qué fue... de la niña Juanita?”, un espectáculo basado, libremente, en la

película “¿Qué fue de Baby Jane?”. Y la compañía almeriense Axioma propondrá un desfile de payasos en “Delirante”, aunque también ofrecerá su espectáculo “Leticia.net”. La última jornada de la feria también se vestirá de estreno. La compañía sevillana Maravilla Teatro y Música presentará “Lapsus, desconcierto acústico”, mientras que la formación cordobesa El Círculo ofrecerá “Pedro y el capitán”, una obra de Mario Benedetti sobre el largo y tenso diálogo entre una víctima y un verdugo en una sala de interrogatorios.

Un total de 643 propuestas escénicas recibió el equipo or-ganizador de la Feria de Teatro de Castilla y León-Ciudad

Rodrigo para participar en su XIV edición, que se celebrará en la bella localidad salmantina entre los días 23 y 27 de agosto. Fi-nalmente han sido treinta compañías –entre las que las hay pro-cedentes de Portugal, Francia, Italia y Bélgica– las seleccionadas para presentar sus más recientes proyectos en el marco de esta feria integrada en COFAE.La Feria de Teatro de Castilla y León-Ciudad Rodrigo siempre ha estado marcada por el carácter estratégico del municipio que la acoge, situado prácticamente a medio camino entre Castilla y León, Extremadura y Portugal. Así, de estos tres lugares son muchas las compañías que participarán. De la región anfitriona están incluidas en la programación diez formaciones, un tercio del total, entre las que destaca Teloncillo, la única que ofrecerá dos espectáculos: “Besos” y “Los animales de D. Baltasar”. Menor será la aportación de Extremadura, que presentará dos montajes: “Drakomakia”, de Teatrapo, y “La decisión de John”, de Teatro del Noctámbulo. Y desde Portugal llegarán las compañías Quórum Ballet, Visoes Útiles, Teatro do Mar y María Salgado, esta última

en coproducción con nuestro país. Además de los espectáculos originarios de otros países ya mencionados, también se podrán ver propuestas procedentes de Galicia, Andalucía, Cataluña, Madrid y la Comunidad Valenciana.

Feria de Teatro de Castilla y León-Ciudad Rodrigo

“Trogloditas”, de la compañía gallega Tanxarina.

Contará con propuestas llegadas de Portugal, Francia, Italia y Bélgica


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el mundo del espectáculo teatralferias y eventos

De los veintiún espectáculos se-leccionados para participar en la

Mostra de Teatre d’Alcoi, que se celebró en el municipio alicantino entre los días 8 y 11 de junio, un 80% eran naturales de la Comunidad Valenciana, lo que consoli-da a este evento como un importante es-caparate de la producción teatral valen-ciana. Su XXI edición, la última dirigida por Carmina Nácher, ha querido ampliar su abanico de géneros y ha incluido es-pectáculos infantiles, de calle y musica-les. Además, a los espacios escénicos conocidos de años anteriores, como el Centro de Cultura, la Llotja de Sant Jordi, los teatros Calderón y Principal, el teatro de los Salesianos y la Plaça de Dins, se le ha sumado en esta ocasión el Centre d’Art d’Alcoi.

Mostra de Teatre d’AlcoiUn 80% de los espectáculos exhibidos procedían de la Comunidad Valencina

Isabel-Clara Simó ganó el premio de teatro “Ciutat d’Alcoi”

Al igual que el año pasado, un autor alcoyano se alzó con el Premio de Teatro “Ciutat d’Alcoi”. En esta edición, la XXXIX de su trayectoria, fue Isabel-Clara Simó la ganadora con su obra “La visita”, quien recogió su galardón durante la gala de clausura de la Mostra el 11 de junio. El jurado estuvo integrado por Ximo Llorens, actor y escritor; Àlex Camarasa, en representación de Ediciones Brosquil –que publicará la obra triunfadora–; Carles Cortés, escritor y ganador de la edición 2010 con “La joia”; Amparo Puig, del departamento de producción de Teatres de la Generalitat; y Ascensión Figueres, presidenta de la Acadèmia Valenciana de la Llengua.

Feria de Teatro de Castilla y León-Ciudad Rodrigo

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heteatrodoxias

No hay demasiados argumentos para sentirse tranquilos ante el futuro

inmediato que se le presenta a la cultura en España. La derrota inapelable del par-tido socialista en las recientes elecciones municipales no es una buena noticia y las expectativas ante las próximas generales no son nada alentadoras.El partido socialista no estaba haciendo buenas políticas culturales, por supuesto, pero es cierto que la cultura está íntimamente ligada a su ideario político. Gracias a esta realidad el municipalismo cultural ha tirado del carro desarrollando infraestructuras de todo tipo y manteniendo presupuestos que en los años buenos llegaron a superar el 5% del total municipal. Cabría criticar a los Ayuntamientos de un exceso de intervención pública en la gestión cultural, a veces de la mano de un populismo de corte electoral (fiestas mayores, folclore y asociacionismo popular, por ejemplo) y a veces de la mano de un elitismo artístico basado en la gestión de la foto fija con el creador mediático. Sin embargo el balance es positivo. Cualquier municipio medio tiene un teatro, bibliotecas, centros culturales, auditorio y un museo.A estas dinámicas era difícil responder con evasivas. En la medida que las políticas culturales han sido un patrimonio teórico de la izquierda y en la medida, también, que han contado con el beneplácito de intelectuales, artistas y opinadores mediáticos incluso los municipios gobernados por la derecha han seguido sus directrices con pocos cambios relevantes.Pero a todo eso llegaron los recortes presupuestarios, una reducción de la intensidad programática de las políticas culturales y por fin el vuelco electoral. Si la derecha tenía poco interés por la cultura, la izquierda le ha hecho el trabajo y la ha convertido en una expresión periférica de la actividad municipal.Las circunstancias, además, son mucho

más complejas. Ya hace algunos años que el mercado cultural aprieta y la exigencia de todo tipo de empresas para liberalizar el sector crece sin parar y no sin falta de razón en algunos aspectos. A la izquierda le hubiese correspondido transformar progresivamente el mundo de la cultura hacia escenarios de mayor corresponsabilidad entre lo público y lo empresarial con el objetivo de garantizar el mantenimiento de los servicios culturales públicos. Pero este trabajo no se ha realizado adecuadamente y ahora se avecina una etapa con falta de ideas y escaso liderato conceptual.Es indiscutible que cualquier propuesta de futuro debe realizarse bajo parámetros propios del siglo XXI, que esencialmente son tres: hay que incrementar el mercado interno porque sin ello no hay posibilidad alguna de mantener una producción de contenidos tan elevada como la existente, hay que convencer a la banca de que invertir en contenidos culturales puede ser rentable y hay que reformular la participación social en los costes de la cultura.Incrementar la demanda no es únicamente una cuestión de supervivencia económica, es, además, un regulador de contenidos que discrimina aquello que no tiene interés, tanto desde el punto de vista comercial como referencial. El mercado siempre tiene múltiples caras y admite una gran diversidad de contenidos siempre y cuando logren encontrar su público. Convencer a la banca de que una parte del futuro pasa por las inversiones en productos intangibles es esencial para modernizar nuestra economía, y para la cultura es una oportunidad inexcusable para equilibrar las lógicas de la subvención con las dinámicas de financiación.Solucionar el problema del patrocinio es una de las deudas pendientes de la política cultural, aunque para ello sea necesario juntar dos escenarios simbólicos: el primero tiene que ver con la reformulación

de nuestras políticas fiscales, el segundo con un mayor prestigio del mecenas. La cultura debería convertirse en el “golf urbano” de nuestra sociedad: un espacio legitimado para aparentar, hacer negocios y explorar los complejos caminos de la ascensión social.Vender más, interesar a los inversores y poner en valor la capacidad de simulación social que tiene la cultura son, en una combinación razonable, los tres escenarios que deberíamos explorar en el futuro inmediato. Lo que está claro es que poco futuro nos espera si esperamos a que la administración solucione sus problemas de financiación y le devuelva a la cultura lo que un día le prometió.Los cambios que acontecen diariamente, los escenarios nuevos que aparecen a remolque de las nuevas tecnologías y la concentración empresarial que comporta un mercado global tienen poco de bucólico. Podemos mantener una diminuta y resistente vida cultural al margen de la realidad, aunque luego en la vida cotidiana, la gente consuma compulsivamente contenidos culturales “pret a porter”. Este es el dilema que conviene dilucidar: ¿A qué jugamos?En los próximos meses asistiremos a una progresiva privatización de centros culturales sobre la base de la reducción presupuestaria. El sector cultural puede hacer dos cosas: criticarlo y simular una resistencia crítica pero probablemente ineficaz o contribuir a racionalizar este proceso para que se realice en buenas condiciones y asegurando, en cualquier caso el mantenimiento de los servicios públicos. A nadie debería espantar que se modernice la gestión de los espacios culturales públicos dotándolos de una mayor capacidad operativa. Lo importante es preservar los objetivos y no caer en la trampa del corporativismo sectorial.

Xavier Marcé

¿A qué jugamos cuando hablamos de cultura?

Tras el varapalo electoral que el PSOE sufrió en los comicios municipales y autonómicos del pasado mes de mayo, y que vaticina otra posible derrota en la próximas elecciones generales, nuestro colaborador, Xavier Marcé, reflexiona sobre el futuro que le espera al sector de las artes escénicas de nuestro país. En su opinión, a la izquierda le hubiera correspondido una transformación que hubiera debido basarse en tres pilares: la incentivación de la demanda de productos culturales, el convencer a la banca de que invertir en cultura es rentable, y el lograr una mayor implicación de la ciudadanía en la financiación de las producciones artísticas.

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ferias y eventos

La VI edición del Festival de Teatro Clásico en la Villa del Caballero, Ol-

medo Clásico, rendirá homenaje a Fer-nando Urdiales, director de la compañía Teatro Corsario y codirector de este evento, quien falleció el pasado mes de diciembre. Durante la celebración del festival, que tendrá lugar del 15 al 24 de julio, se edi-tarán dos libros sobre Urdiales: el primero con vivencias y recuerdos sobre su figura, y el segundo con la versión de su última obra, que precisamente es “El caballero de Olmedo”, además de otro actos en su recuerdo. Cada día de la semana el festival contará con un espectáculo de calado. Así, la inauguración del día 15 correrá a cargo de Teatres de la Generalitat, que ofrecerá “Los locos de Valencia”, la comedia de Lope de Vega sobre la que Urdiales montó uno de sus espectáculos más celebrados. El sábado llegará Morboria Teatro, ganador del Premio del Público de la anterior edición, con “Los enredos de Scapín”, de Moliere. El domingo le tocará el turno a Teatro Corsario, de cuyo repertorio se ha elegido “Pasión” como espectáculo más representativo de los que ideó Urdiales. Al día siguiente Corsario llevará a cabo otro

Olmedo ClásicoDedica su sexta edición a la figura de Fernando Urdiales

montaje específico para rendir homenaje al que fue su fundador y director. El martes se podrá ver “El sueño de una noche de verano”, de Shakespeare, a cargo de Teatro Furtivo (Escuela Superior de Arte Dramático de Castilla y León). El miércoles, Acción Cultural Española traerá una propuesta universitaria dentro de su programa “Las huellas de La Barraca”: se trata de “Las almenas de Toro”, de Lope de Vega, a cargo del aula de teatro de la Universidad Carlos III de Madrid. El jueves intervendrá Juanjo Seoane Producciones con “La violación de Lucrecia”, de Shakespeare, interpretada por Nuria Espert. El viernes es para “Donde no hay agravios no hay celos”, de Rojas Zorrilla, propuesta escénica de la compañía

cubana Mefisto Teatro. El sábado subirá al escenario Ur Teatro con su “Macbeth” dirigido por Helena Pimenta. Y el domingo cerrará esta fiesta teatral Rafael Álvarez “El Brujo”, quien pondrá en escena “Las mujeres de Shakespeare”. Entre las propuestas dedicadas al público familiar destaca una producción de la compañía Pie Izquierdo Teatro y el propio festival, que lleva el título de “El gran mercado del mundo”. Y también habrá hueco para sus VI Jornadas de Teatro Clásico y su VI Curso de Análisis e Interpretación, ambos también dedicados a Urdiales, y para una exposición del figurinista de cine y teatro Javier Artiñano, quien mostrará sus producciones sobre el Siglo de Oro Español.

La recién creada Fundación Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro organizará este año la XXXIV edición de

este evento, que se celebrará en la localidad ciudadrealeña entre los días 1 y 24 de julio. Bajo el lema de “Pasión barroca”, contará con un total de cuarenta y nueve compañías participantes: treinta y una españolas, cinco de música y trece extranjeras llegadas desde Argentina, Chile, China, Colombia, Estados Unidos, Francia, Líbano, Portugal y Reino Unido. A estos hay que sumar trece espectáculos familiares y uno de danza. Y de entre todos estos montajes, quince son estrenos: nueve absolutos y seis en España.Durante la jornada inaugural se hará entrega del premio Corral de Comedias a la actriz, gestora y directora de escena Nuria Espert. Andrés Peláez también será homenajeado, pero el día 12 de julio, por su larga trayectoria como documentalista, comisario de exposiciones y creador y director al frente del Museo Nacional del Teatro, con sede en Almagro.Respecto a la primera edición del Certamen Internacional “Almagro Off”, que se celebrará este año, la alta participación ha marcado su desarrollo. Finalmente han sido diez los espectáculos seleccionados, que se podrán ver entre el 5 y el 14 de julio en La Veleta. Los ganadores cerrarán la programación del Patio de Fúcares.

Festival de AlmagroSe desarrollará del 1 al 24 de julio bajo el lema “Pasión barroca”

La actriz Nuria Espert, premio Corral de Comedias 2011.

“Los enredos de Scapín”, de Morboria Teatro.

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compañías

En 2006 anunciaste tu adiós a los es-cenarios con “Despedida y cierre”,

espectáculo con el que estuviste tres años de gira. ¿Qué es lo que te ha llevado ahora a regresar a las tablas?- Es por algo muy sencillo. Yo me despedí no por capricho personal, sino porque me dediqué a cuidar de mi padre, que en esos momentos se había quedado solo, y entonces tuve que hacer la trampa de despedirme porque si no no me hubiera dejado estar con él. Tuve que vender mi

Moncho BorrajoAutor, intérprete y productor de “Golfus Hispánicus”

“En estos últimos años hemos pecado de mucha obra minimalista y al público le hemos alejado del teatro-espectáculo. Lo comercial es válido, siempre que esté bien hecho”

El haber estado algo más de dos años alejado de los escenarios no le ha restado a Moncho Borrajo ni una pizca de beligerancia. En la siguiente entrevista el showman y dramaturgo gallego nos explica el porqué de su despedida de los escenarios y el porqué de su regreso ahora, los detalles de “Golfus Hispánicus” –el montaje con el que volverá a las tablas el próximo 23 de septiembre en el teatro Colón de La Coruña–, y su visión del panorama actual de las artes escénicas de nuestro país, para lo que, como ha sido habitual a lo largo de su trayectoria, no se muerde la lengua precisamente.

casa de Madrid y hacer todo un montaje para que se lo creyera, pero mi padre falleció en octubre del año pasado. La vuelta, de alguna manera, me la ha pedido mucha gente. Ahora, cuando he decidido volver, nadie me ha echado en cara que vuelva como los toreros, todo el mundo ha comprendido por qué lo hice. - Regresas con “Golfus Hispánicus”. ¿Quién produce este montaje?- Está producido por Producciones Suspiro, empresa en la que estamos Alberto Blasco

y yo. En este caso la producción la hace Alberto, pero colaboramos siempre los dos, aunque a veces es mejor que los demás piensen por ti ciertas cosas, como por ejemplo el cartel, la escenografía... Tú tienes un punto de vista que, con los años, como pasa como con la vista normal, se cansa... y los otros lo ven de otra manera. Es un espectáculo que lo que pretende es divertir, lógicamente, en un momento difícil. Habla de los “golfus” de la Hispania de hoy, que no se diferencian tanto de los “golfus” de la Hispania de antes. - ¿Se trata de un monólogo?- Bueno, yo nunca he dicho que hago monólogos porque el público está delante y me responde de todas las maneras posibles: con la cabeza, con la vista... Siempre hago espectáculos en los que colabora mucho la gente, y este va a ser igual. La pretensión es que, como ya había hecho de todo, de

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compañíasdiablo, de loco, de bufón..., pensé, viendo en la tele una película de romanos muy antigua, que con la barbita que tengo ahora mismo tengo una pinta de senador que no me tengo (risas). - Volviendo al tema de la producción, ¿se ha dado el enfrentamiento entre el Moncho artista y el Moncho productor?- Esa es una lucha diaria, pero también es buena. Yo, que trabajé mucho en cabaret en la “belle epoque”, creo que cuando se hacen producciones en las que hay de todo y no hay problema de gasto, a la larga se exagera mucho, se incluyen muchas cosas inútiles. De la otra manera tienes que ir a lo que hace falta, a lo justo, a lo esencial, y en eso gana mucho el espectáculo. He visto espectáculos maravillosamente producidos que superaban al texto, y te preguntas por qué, si la producción tiene que ir al servicio de la obra. Y sin embargo puedo decir que he visto a Pavlovsky solo con una silla y unas luces y me he dicho “madre mía, ¡qué bonito!”. Yo siempre intento que el espectáculo sea vistoso, es decir, que el teatro sea teatro, que no sea solo palabras, sino que sea también luces, escenografía, vestuario... porque creo que en estos últimos años hemos pecado de mucha obra minimalista y al público le hemos alejado del teatro-espectáculo. Lo comercial es válido, siempre que esté bien hecho. Es algo de lo que he discutido mucho con gente de teatro, sobre todo con los que pretenden un teatro purista... Entiendo muy bien la Comédie-Française, pero hace falta gente que haga otro tipo de comedia, otro tipo de parodia, otro tipo de espectáculo, porque no todo es teatro clásico. Creo que el espectáculo de lentejuelas tiene que volver en estos momentos de crisis porque la gente necesita esa alegría. - ¿Pero ahora las circunstancias no obligan precisamente a seguir manteniendo ese cierto minimalismo?- Creo que no, soy de los que opino que en época de crisis hace falta revista, hace falta vestuario, hace falta que la gente vaya al teatro no a encontrarse con la realidad del vecino. Ahora no podemos poner “El tragaluz”, de Buero Vallejo, porque nos suicidaríamos. - Eso puede ser así desde el punto de vista del público, pero, ¿qué ocurre a la hora de enfrentarse a los programadores?- Es terrible, es muy difícil, porque muchos de ellos no acaban de entender que la comedia bien hecha, con calidad, es tan valida y tan necesaria como el resto de géneros. No le quito el valor a un “Hamlet” bien hecho, pero creo que todo es necesario. Es como comer caviar todos los días, el día que comes una sardina te vuelves loco. En estos años ha habido una exagerada preocupación por el purismo

en el teatro y, además, con una condición terrible, y es que estamos perdiendo un montón de actores de la antigua y gran escuela del teatro y hay poca sustitución, porque la televisión, con las series, nos ha comido muchos intérpretes que cuando van al teatro no se dan cuenta de que no se les oye en la segunda fila. España tiene

un problema y es que al teatro no se le ha valorado como le valoran fuera. Un actor inglés o estadounidense pierde el culo por hacer teatro, porque sabe que la categoría que le dan los escenarios no se la da el cine. Aquí no, aquí parece que teatro lo hace cualquiera. También es cierto que creo que todos los partidos políticos han cometido un grave error y es que hay mucha gente dirigiendo teatros que no aman el teatro. El teatro, desde mi punto de vista, no es un

puesto político, es un puesto cultural serio. Además se está perdiendo mucho teatro privado y eso es peligroso culturalmente, porque acabaremos viendo solo lo que quiere una minoría. - ¿Y de esa percepción del teatro como algo menor quién tiene la culpa: los propios integrantes del sector, las instituciones públicas, el público...?

- Para empezar el público no es tonto, el público cuando quiere algo lo busca y lo va a ver, lo que pasa es que no tenemos una receta exacta de lo que va a funcionar. Lo que sí es cierto es que los estamentos oficiales se empeñaron durante algún tiempo en reducir los precios de las entradas, en hacer que costaran cinco euros, y claro, ahora, cuando llegas con una función para la que quieres cobrar 30 ó 40 euros, te dicen que si les estás robando, y no es así, porque aquí hay luces, hay técnicos... ¿Qué ocurre? Que no se le ha dado el valor y la categoría que tiene que tener el teatro. Para el fútbol se pagan 100 y 200 euros y no ocurre nada. También es muy triste que los premios de teatro en la televisión no interesen. Y que una persona que ha recibido un premio de teatro no le sirva para trabajar más. Por otro lado, los teatros tienen un número reducido de público y al político no le preocupa, pero si lo que yo digo en un teatro, que digo verdades como puños, lo dijera ante doscientas mil personas en una televisión sí les preocuparía. El teatro, por desgracia, se ha hecho minoritario en muchos aspectos, y eso que tenemos la suerte de que en las capitales de provincia se han recuperado muchos espacios, lo que ha hecho que trabajemos más en giras que en Madrid y Barcelona. También ha influido mucho esa huida hacia los chalets adosados que ha hecho que el viernes, que era una noche magnífica para el teatro, se convierta en una noche terrible. Aunque nuestro gran enemigo es el fútbol, porque en el resto de Europa los partidos se juegan a las cinco de la tarde, mientras que aquí se juegan a las ocho y media y te fastidian la sesión de la tarde y la de la noche. Todas esas cosas se van sumando... - ¿Y parte no es culpa del sector escénico que no ha sabido agruparse para luchar contra todos estos problemas? Por ejemplo, en torno a una Academia del Teatro parecida a la que tienen en el cine. - Es curioso que no tengamos una Academia del Teatro... Ha habido grupos que se han juntado, pero no hay una unidad fuerte. Ahí sigue el tema de la Casa del Actor, cuando se pelea por los horarios no parece importar... Tenemos que luchar por nuestro trabajo, que además es cultura para todos. A mí una de las cosas que me da más pena de nuestro país a la hora de hablar del teatro es lo poco que respetamos a nuestros clásicos y a nuestros autores. No se promociona a los nuevos dramaturgos, seguimos trayendo obras de fuera, en inglés, que parece que por ser de fuera son mejores. Incluso estuve a punto de escribir una obra y firmarla con un seudónimo anglosajón, para que dijeran “coño, que bueno es este inglés” y sorprenderles siendo yo (risas).

“Todos los partidos políticos han cometido un grave error y es que hay mucha gente dirigiendo teatros que no aman el teatro. El teatro, desde mi punto de vista, no es un puesto político, es un puesto cultural serio”

“El teatro, por desgracia, se ha hecho minoritario en muchos aspectos, y eso que tenemos la suerte de que en las capitales de provincia se han recuperado muchos espacios, lo que ha hecho que trabajemos más en giras que en Madrid y Barcelona”

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Tras una trayectoria de más de 25 años, más de una treintena de montajes, y muchas ilusiones comparti-

das, Morboria lleva al teatro Fígaro de Madrid el “Sueño de una noche de verano”, una obra que parece que el mismí-simo William Shakespeare hubiera escrito para la forma-ción madrileña, ya que se adapta a la perfección al estilo propio y original de la compañía. El público madrileño po-drá disfrutar de este montaje del 1 de julio al 28 de agosto. Morboria continúa fiel a su línea de trabajo, creando todos los elementos que aparecen en escena: escenografía, vestuario, maquillaje... En esta ocasión desarrollan una estética entre fantástica y realista que logra confundir la frontera entre lo real y lo ficticio, tal y como requiere el texto. Eva del Palacio ha dirigido y adaptado esta obra que ella misma interpreta junto a Fernando Aguado, Álvaro Aguado, Ana Belén Serrano y Ana Burrel. Por otro lado, la compañía prosigue con las representaciones estivales de otros de sus montajes. “Los enredos de Scapín” se pudo ver en el Festival de Teatro Clásico de Chinchilla (Albacete) el 30 de junio, y también estará en de Olmedo (Valladolid) el 16 de julio. “Fiesta barroca”, por su parte, tomará parte en la inauguración del Festival de Teatro Clásico de Olite (Navarra) el 15 de julio.

El sueño de una noche de verano

El festival Clásicos en Alcalá ha iniciado una clara apuesta por La Academia del Verso de Alcalá. Su objetivo es apostar por la

formación en verso y por la interpretación a través de un grupo de consumados profesionales con los que se conformará una compañía encargada de producir temporalmente un texto clásico, como corres-ponde a Alcalá de Henares, una de las ciudades más destacadas del Siglo de Oro español. La primera parte, la dedicada a la formación, se ha desarrollado a través del I Curso de Teatro en Verso, que se celebró del 7 de marzo al 26 de mayo. La segunda parte consiste en que los alumnos formen la compañía y lleven a cabo la producción de un gran espectáculo, que en esta primera ocasión ha sido “Los empeños de una casa”, de Sor Juana Inés de la Cruz. La obra se estrenó en el festival Clásicos en Alcalá los días 24, 25 y 26 de junio, y se podrá ver también en la Campaña Escolar del Teatro Salón Cervantes alcalaíno los días 19 y 20 de octubre. Además se representará en otros festivales veraniegos del género clásico como el de Almagro. “Los empeños de una casa” está dirigida por Juan Polanco y cuenta con la dirección de verso de Karmele Aramburu. Ambos se han encargado además de adaptar el texto. Esta comedia, que produce Es.Arte, narra la historia de dos hermanos, don Pedro y doña Ana, que viven juntos en Toledo y que están enamorados: don Pedro, de Leonor, y doña Ana, de un desconocido por el que ha dejado de amar a don Juan que, sin embargo, le ha seguido desde Madrid.

Los empeños de una casaLa primera producción de La Academia del Verso de Alcalá

Morboria entrelaza las fronteras entre lo real y lo fantástico

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el mundo del espectáculo teatralteatro de texto


compañías

Las actrices María Adanez y Cristina Marcos estrenaron el pasado 18 de junio en el Festival de Teatro Clásico de Cáceres “La escuela de la desobediencia”, obra de

teatro en la que siguen las directrices de Luis Luque, y en la que cuentan con la compa-ñía sobre el escenario de Sofía Alegre a la viola de gamba y de la soprano Rosa Miranda. Este proyecto de Producciones Andrea D’Odorico y Teatro Portátil, que se basa en un texto de Pietro Aretino y en otro anónimo, hizo escala en Clásicos en Alcalá los días 1, 2 y 3 de julio. Unas jornadas más tared, en concreto los días 8, 9 y 10 del mismo mes, se representará en el Festival de Almagro, mientras que el 26 de agosto tendrá una cita en el Festival de Teatro de San Javier. Ya en otoño, “La escuela de la desobediencia” comen-zará un periplo por todo el territorio nacional. Paco Bezerra, Premio Nacional de Literatura Dramática 2009 y Premio Nacional de Teatro Calderón de la Barca 2007, es el responsable de la dramaturgia de este montaje que se inspira principalmente en dos textos. El primero es “Ragionamenti”, firmado por el italiano Pietro Aretino, toda una celebridad para los lectores del siglo XVI, que es una novela dialogada en la que se reflexiona sobre los tres únicos estados a los que la mujer de aquella época podía aspirar: esposa, monja o prostituta. El segundo es una obra escrita un siglo más tarde en París por la que un hombre llamado Michel Millot fue detenido y posteriormente condenado a la horca junto a la quema de todos los ejemplares. Era “L’Ecole des filles ou la Philosophie des dames”, un libro “contrario a las buenas costumbres” que se inspira en el anterior y que sigue hablando del perverso concepto de la educación femenina y de la necesaria libertad sexual y espiritual de las mujeres. “La escuela de la desobediencia” está ambientada en un salón literario, aquellos lugares en los que en la Francia del siglo XVII se conversaba, se filosofaba y que sirvieron de base de los movimientos culturales más importantes de la época, en el que Susanne y Fanchon, protagonistas de la obra, cobrarán vida. Precisamente el intenso trabajo de interpretación de las actrices es el punto de partida del montaje, cuya puesta en escena cuenta con una gran alfombra roja que ocupa todo el escenario, un vestuario deslumbrante y una música que nos evocará a la mujer eterna.

La escuela de la desobedienciaMaría Adanez y Cristina Marcos interpretan esta obra sobre la liberación de la mujer

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El evangelio según Pilatos Joaquín Kremel protagoniza esta original obra sobre el eterno conflicto entre razón y fe

Toñi Arranz Producciones, Cinco Jotas Producciones y Urban Stage Producciones coproducen “Verano”, la obra escrita por el popular actor Jorge Roelas y que bajo

la dirección de Tanzim Townsend está previsto que se estrene el próximo mes de octu-bre, tras lo cual emprenderá una gira por todo el país que desembocará en Madrid. Las actrices Ana Marzoa, Ruth Gabriel y Ana Villa ya preparan sus interpretaciones para este esperado montaje teatral. También contará con el avalado trabajo de Ricardo Sánchez Cuerda en el diseño de la escenografía y con el de Felipe Ramos en el de la iluminación. La trama de la obra se desarrolla en junio, julio o agosto. Hace calor, es verano. Ayer, ignorantes siempre del mañana, sus personajes pensaban que sería una tarde más. Unas horas más en su vida que pertenecerían a otra tarde lenta y calurosa de verano. Pero esa traía tormenta. Y con la tormenta llueven las sorpresas, sorpresas que no siempre son agradables. Porque a veces una tarde calurosa de verano puede dejarnos helados.

VeranoEl conocido actor Jorge Roelas es el autor de este texto teatral

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El actor Joaquín Kremel protagoniza “El evangelio según Pilatos”, la obra

que, dentro de la programación de los Ve-ranos de la Villa, podrá verse en el teatro Conde Duque de Madrid entre los días 8 y 24 de julio, y en la que estará acompa-ñado sobre el escenario por Julia Torres y José Luis de Madariaga. El autor francés Eric-Emmanuel Schmitt escribió este texto de una gran habilidad en el que mezcla lo histórico, lo legendario y lo poético, y sitúa a Poncio Pilatos, que es quien ordena, sin querer hacerlo, la crucifixión y muerte de Jesús, ante al fenómeno fundamental de la fe cristiana: La resurrección de Jesucristo. La empresas Sabre Producciones, Impala y Bastanis producen esta obra en la que

el Procurador de Roma en Judea, papel al que da vida Kremel, al no admitir la resurrección de Jesucristo, inicia una búsqueda, entre desesperada y policiaca, del cadáver del “mago de Nazaret”. A la vez Poncio Pilatos contempla como su esposa Claudia Prócula, de la que está muy enamorado, se va poco a poco acercando a la fe cristiana. En palabras de José Sámano, adaptador y director de este montaje, “la búsqueda del cuerpo muerto de Jesús, que en nuestra obra Pilatos emprende desde que le anuncian que ha resucitado, no es más que la evidente aplicación de la razón. La Resurrección no puede considerarse un hecho histórico. Si ya es discutida por los estudiosos la

mera existencia de Jesús de Nazaret, su vuelta a la vida después de la muerte es algo completamente legendario. Pero es materia adecuada para especular sobre lo racional y lo irracional de la existencia, sobre lo conocido y lo desconocido de la vida. ¿Puede la razón explicarlo todo? ¿Cómo entender nuestra necesidad de espiritualidad, nuestros sentimientos y emociones?”. Y añade: “De todo esto hablamos en nuestra obra. De la aplicación de la razón a la realidad de nuestra vida y, al mismo tiempo, de la necesidad de espiritualidad y trascendencia que tiene el ser humano”. De la distribución de este montaje se encargan Loquibandia y Concha Busto.

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A todos nos ha pasado en algún momento: el tener la sensación

de que todo avanza y que nosotros nos quedamos atrás, la sensación de que todo el mundo está contra nosotros, la sensación de que estamos solos... ¿Qué podemos hacer contra eso? Lu-char. ¿Y con qué armas? Con la risa. Eso es precisamente lo que hacen los dos personajes protagonistas de la obra “Carcajada salvaje”, a los que dan vida Charo López y Javier Gurruchaga. La nueva producción de Pentación verá la luz el próximo 12 de agosto en el teatro Palacio Valdés de Avilés. Este texto firmado por Christopher Durang, y que dirige Josep Costa, cuenta la historia de un hombre y una mujer que, tras un encuentro casual poco afortunado, acaban compartiendo la más dolorosa aflicción a través de la risa. La obra llegará a Madrid unos días después de su estreno, el 26 de agosto, y permanecerá en la cartelera del teatro Bellas Artes hasta el 6 de noviembre.

Carcajada salvaje Javier Gurruchaga y Charo López protagonizan la nueva producción de Pentación

La lechugaHilarantes conflictos familiares se dan cita en este montaje de Glu Glu Producciones

La familia Martínez, a pesar de la mala relación que existe entre sus miembros, se ha reunido para

celebrar el cumpleaños del patriarca, quien lleva nueve años en coma. Este encuentro genera incómodas situa-ciones que dan paso a momento hilarantes, todo ello en el espectáculo “La lechuga”, el nuevo proyecto de la empresa vasca Glu Glu Producciones. El teatro Barakal-do de la localidad homónima vizcaína albergará sus pri-meras representaciones los días 8, 9 y 10 de julio. Esta eficaz comedia negra toca con ácida irreverencia temas supuestamente sagrados tales como el ideal de hogar unido y feliz, la enfermedad terminal, la vejez y la muerte. Su autor es el venezolano César Sierra, quien ya la ha estrenado con éxito en ciudades como Nueva York, Chicago, Miami, Santiago de Chile o Buenos Aires, mientras que la responsable de su dirección es Rosita Nicolet. El elenco actoral, por su parte, está integrado por Gorka Aginagalde, Gurutze Beitia, Mari Cruz Melgosa, Galder Pérez y Gabriel Ocina.

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Locas por Pepe ‘El Napolitano’

Profetas del Mueble Bar vuelve a la capital con esta fantasía lorquiana

Como alternativa a las series de médicos, a los telediarios

catastrofistas y a las telenovelas in-terminables, Ribalta Teatro ofrece un cocktail explosivo para reírse con ganas. “Con la muerte en los tacones” es una road movie teatral por las carreteras de España que protagonizan las actrices Raquel Romero, Ana López y Nieves Cas-tell, conocidas entre el gran público por su trabajo en la serie cómica de La Sexta “La tira”. Tras el éxito co-sechado en 2010, esta obra regresa a Madrid con una serie de actuaciones en el teatro Nuevo Alcalá durante los meses de julio y agosto.Tras recibir la noticia de la muerte de su madre, tres hermanas emprenderán un viaje para cumplir la última voluntad de la difunta. Son Mari Fe, una ejecutiva agresiva, triunfadora y exalcohólica; Esperanza, una hippie paranoica, adicta a los ansiolíticos y con problemas de contención urinaria; y, por último, Caridad, una ama de casa neurótica perseguida por las desgracias. Tres mujeres muy diferentes unidas por un mismo destino: viajar juntas desde Parla, Madrid, hasta el Mar Menor murciano para esparcir las cenizas de su madre. Esta divertida comedia negra cuenta con la dirección Joan Miquel Reig.

Con la muerte en los taconesRegresa a Madrid esta “road movie” teatral

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Una temporada más el público madrileño tendrá la oportunidad de reír a carcajadas con la compañía canaria Profetas del Mueble Bar. La formación estará del 24 de

junio al 28 de agosto en el Pequeño Teatro Gran Vía con “Locas por Pepe ‘El Napolitano’”, una fantasía desenfadada inspirada en “La casa de Bernarda Alba”, de Lorca, que estre-nó hace unas semanas en el teatro Cuyás de Las Palmas de Gran Canaria.Se dice que la casa de Bernarda Alba se está desmoronando; que alguien, cada noche, ronda las ventanas de aquella mansión venida a menos desde la muerte de la matriarca en un incendio que dejó la estirpe reducida a Sagrario y Paloma, dos hermanas hasta ahora desconocidas que se debaten entre las ansias de libertad y la represión. Este drama cómico y coplero está interpretado por Juan Ramón Pérez en el papel de la alocada Paloma; y Carmelo Alcántara, que se transforma en la beata Sagrario; Fernando Navas, que se pone en la piel de Justa, y Pino Luzardo, que se atreve con la criada Dolores.


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el mundo del espectáculo teatralhumor


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El cómico cántabro Bernar Caldevilla

pondrá a prueba al público en “¿¡No conoces a Charli Black!?”, su tercer espec-táculo en solitario, que lleva la etiqueta de “no apto para menores, mentes sensibles y otro tipo de mamíferos”. Este “one man show” con-tinúa con sus representa-ciones en la sala madrileña La Escalera de Jacob, que exhibirá el montaje todos los jueves de julio. Coescrito con el dramaturgo madrileño José Melchor García, está dirigido por Miguel Tubía y protagonizado por Charli Black, alter ego de Caldevilla, un insólito personaje tan bestia como tierno. El espíritu de Charli Black, un buscavidas descarado, divertido, adicto al sexo y vividor de profesión, preocupado solo por disfrutar el momento, se apodera del cuerpo de Iván, modélico empollón que vive apocado por sus prejuicios religiosos, con Internet como único vicio.En el espectáculo se incluyen sorprendentes cameos audiovisuales de Héctor Alterio, Pedro Ruiz, Pilar Bardem, Julieta Serrano, Arturo Valls o Fele Martínez. Además cuenta con impactantes escenas grabadas fuera de la ley en Nairobi, Londres, Paris, Roma y Santiago de Compostela. De hecho, el actor ha sido detenido por la policía en dos ocasiones. Las funciones madrileñas de “¿¡No conoces a Charli Black!?” servirán de preludio a las que tendrán lugar este verano en el teatro Plaza de Buenos Aires, y en el teatro Empleados de Comercio, de la también argentina ciudad de Rosario.

¿¡No conoces a Charli Black!?Más que teatro, toda una experiencia de la mano de Bernar Caldevilla

Los integrantes de la compañía se-villana Síndrome Clown han encon-

trado la clave para afrontar la dura crisis económico-social-artística que vivimos. Tienen un lema: Si no puedes pagar la hi-poteca, tu sueldo es miserable o ni siquie-ra sabes los que es una nómina... ¡Bien! Que encuentres un trabajo mejor, es posi-ble. Por eso han llamado a su nuevo espectáculo precisamente así, “Mejor... es posible”, y lo darán a conocer en la próxima edición de la Feria de Teatro en el Sur de Palma del Río (Córdoba), que tendrá lugar entre los días 5 y 7 de julio. Se trata de un espectáculo de pequeño formato y con pocas necesidades técnicas con el que la compañía pretende llevar su humor a galas, congresos, entregas de premios, convenciones y reuniones de empresa. Como si de una conferencia “normal” se tratara, Víctor Carretero y Práxedes Nieto harán reflexionar sobre la felicidad del ser humano, la risa y sus beneficios, o el optimismo y el pesimismo con el que afrontamos nuestro día a día. Por lo tanto, si todo sale mal, y no recuerdas la última vez que te reíste... ¡Enhorabuena! Porque que a partir de que veas este espectáculo te sientas mejor, es posible.

Mejor... es posibleSíndrome Clown combate la crisis con su divertido nuevo espectáculo

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La compañía Danzarte, representada dentro y fuera de nuestra fronteras

por Artimouse, fue creada por Bruno Ar-genta y Natalia Ferrándiz, bailarines y co-reógrafos con una larga trayectoria artísti-ca, un amplio registro de la danza española y calidad profesional. Nació en 2006, el año en el que estrenaron su primer espec-táculo, “Perfiles del tiempo”, con música en directo y poemas de José Manuel Caba-llero Bonald. La inquietud de estos bailari-

¡Voy! El segundo proyecto de Danzarte busca respuestas para dudas existenciales

nes les llevó a plantearse un segundo pro-yecto, “¡Voy!”, pero esta vez con diferencias significativas: cuenta con un argumento y con la coreografía de Teresa Martín, ya que Danzarte consideró que era necesario dar a conocer su magnífico trabajo, que aporta un lenguaje más a la danza española.Nueve bailarines participan en este espectáculo del que el Diario de Jaén dijo: “El espectáculo fue más allá de la danza”. Sus intérpretes quieren algo más

que lo que ven y sienten, porque la vida no va a ser solo eso. “¡Voy!” habla de las dudas existenciales del ser humano, de la búsqueda por entender la vida y dejarse fluir en ella, saber desenvolverse en medio del sufrimiento, del caos, del absurdo, y encontrar la respuesta que solo está en el amor. El espectáculo cuenta además con la música de Alfredo Lagos, el vestuario de Eva Pedraza y el diseño de iluminación de Olga García.

Desde que era niña y paseaba por las salas del Museo del Prado la bailarina y coreógrafa Blanca Li ya sentía fascinación por “El jardín

de las delicias”, el famoso cuadro de El Bosco. Como ella misma explica, “siempre había tenido la tentación de poner en movimiento esta expresión pictórica, que nazca un ballet de esta obra ‘sacrílega’ donde el infierno se mezcla con el paraíso, lo satírico con la moral, que invita al espectador a encontrar su camino propio hacia un nuevo mundo”. Los próximos días 8 y 9 de julio la compañía de la artista granadina presentará su obra en Madrid, en concreto en el Auditorio de San Lorenzo de El Escorial, en el marco del Festival de Verano. La coreografía de Blanca Li, ideada para nueve bailarines y un pianista sobre música original de Tao Gutiérrez, fue creada en junio de 2009 en el marco del Festival de Danza de Montpellier –que participó en su producción junto a Le Teatre, Scène Nationale (Narbonne) y Altstadtherbst Kulturfestival (Düsseldorf)–. El detonante de su puesta en escena fue el encuentro de Li con Eve Ramboz, especialista reconocida en efectos digitales, que estaba trabajando en una película de animación sobre las imágenes de El Bosco y que finalmente colaboró en este espectáculo. Desde su creación esta producción se ha representado en más de 70 ocasiones.

El jardín de las deliciasBlanca Li presenta en Madrid este espectáculo inspirado en el cuadro de El Bosco

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el mundo del espectáculo teatralteatro de calle


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En 1854 el presidente de los Estados Unidos, Franklin Pierce, ofreció al jefe Seattle de la tribu Suwamish la compra de los territorios del noroeste que hoy forman

el estado de Washington. Un año más tarde el jefe Seattle le respondió en una amplia carta de la que se pueden extraer pasajes tan bellos y obvios como este: “¿Cómo podéis comprar o vender el cielo, el calor de la tierra? Esta idea nos parece extraña. No somos dueños de la frescura del aire ni del centelleo del agua. ¿Cómo podríais comprarlos a nosotros? Lo decimos oportunamente. Habéis de saber que cada partícula de esta tierra es sagrada para mi pueblo». La compañía vizcaína Markeliñe reflexiona sobre esta correspondencia y propone en «Alegoría magnética», su nuevo espectáculo de calle, una autopsia al sistema y a su positivista idea de progreso. «Anomalía magnetica» es una inteligente e imaginativa experiencia plástica y escénica en la que el humano actual se enfrenta a una encrucijada vital: ¿Pertenezco a la Tierra o ella me pertenece? Toda una duda, quizá no resuelta, que nos indica una nueva evolución pendiente: la ética. Sandra F. Agirre, Itziar Rekalde, Jon Koldo Vázquez y Fernando Barado dan vida a este espectáculo que se podrá ver en la próxima edición de la FiraTàrrega. Pero antes de eso se representará en las localidades vascas de Elorrio, Bilbao, Zarautz, Santurtzi, Amorebieta-Etxano y Ermua a lo largo del mes de julio, y en Bilbao de nuevo el 23 de agosto.

Anomalía magnéticaUna autopsia al sistema y a su positivista idea de progreso

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Llegados del planeta Rúpiter, “Los Ra-tonautas y la Banda del Queso” pro-

siguen con sus divertidas actuaciones. Con apenas un año de vida, este espectáculo de música familiar de calle o de sala de Sin Fin, en el que participan dos cantantes, cuatro músicos y una actriz-presentadora totalmente en directo, ha conquistado a grandes y pequeños. Tanto es así que el montaje ha sido incluido en la Red de Teatros de la Comunidad de Madrid. Sus próximas citas tendrán lugar el 15 de agos-to en Becerril de la Sierra y el 10 de sep-tiembre en Ajalvir. Pero la actividad de Sin Fin no se limita solo a “Los Ratonautas y la Banda del Queso”. La formación madrileña mantiene abierta la contratación de sus espectáculos de calle itinerantes: “Piratas, the little history” y “El viaje de la familia Iglúlik”, montajes que cuentan con una gran aceptación en fiestas patronales, así como en el resto de programaciones culturales de los municipios de nuestro país. Durante el verano los Iglúlik viajarán a Massamagrell (Valencia) el 24 de julio, a Fuenlabrada

Los Ratonautas y la Banda del QuesoSin Fin entró en la Red de Teatros de la Comunidad de Madrid con esta obra

(Madrid) el día 29 del mismo mes, al Festival de Teatro de San Javier (Murcia) los días 2 y 3 de agosto, y a Pamplona el día 16, mientras que “Piratas, the little history” llegará a Agoncillo (La Rioja) el 14 de agosto.Por otro lado, “Dos pillos y un bombero”, obra didáctica infantil sobre la prevención de incendios, ha renovado su acuerdo de colaboración con la Fundación Mapfre y la Asociación Profesional de Técnicos de Bomberos (APTB). Así, y por cuarta temporada consecutiva, el montaje emprenderá este otoño una gira nacional

por unas 15 ciudades para concienciar a los más jóvenes sobre este grave problema que afecta a nuestro país.Por último, Mandarina y Serafín, los dos personajes con los que Sin Fin arrancó a andar allá por el año 2003, salen ahora del baúl para regresar a los escenarios con un espectáculo de pequeño formato de circo y variedades completamente renovado, apto tanto para espacios al aire libre como para cerrados, que llevará el título de “Las aventuras de Mandarina y Serafín”.

Entre los próximos días 10 y 14 de agosto la compañía madri-leña Títeres Sol y Tierra representará la obra “The princess

and the dragon” en el teatro Acoustic Music Center (at St. Brides), dentro de la programación del Festival de Teatro de Edimburgo (FRINGE). El recinto que dirige John Barrow acogerá nueve repre-sentaciones de esta obra, cuya versión en castellano ha superado ya las mil funciones. Esta no es la primera vez que el montaje tras-pasa nuestras fronteras, ya que anteriormente también se ha po-dido ver en otros festivales internacionales de lugares tan diversos como Taiwan (Kaohsiung), Venezuela (San Cristobal), El Salvador (San Salvador), Francia (Sant Eloy Les Mines) y Suecia (Lund).“La princesa y el dragón”, dirigida a niños de entre 3 y 10 años y que cuenta también con una adaptación al euskera, se estrenó el 14 de febrero de 1998 en la sala Pradillo de Madrid. Narra la historia del dragón Artimañas, que amenaza con destruir el país de Tranquilia si no le entregan a la princesa Valentina. Ella decide ir a “cantarle las cuarenta”, pero su padre se lo impide. Rimas, el jardinero, se ofrece voluntario para apaciguar al insolente dragón. Finalmente será la propia Valentina quien tendrá que resolver la situación.

Títeres Sol y Tierra participará en el FRINGE de Edimburgo en agosto

La princesa y el dragón

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teatro de texto

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formaciónLa luz y el cuerpo: diseño de

iluminación para danza

Profesora: Lola Barroso, diseñadora de iluminación. Técnico de sala y de gira. Operadora especializada en consolas de iluminación. Labor docente en las escuelas ESADT y TAI de Madrid. Bailarina y actriz.

Contenidos: En este curso se pretende que los alumnos obtengan los conocimientos específi cos necesarios para iluminar un espectáculo de danza. Pertenece a BizBak, los cursos de verano de la Universidad del País Vasco UPV / EHU.

Fechas y horarios: Del 18 al 22 de julio, de 9h a 14h.

Lugar: Teatro Social Antzokia. Nagusia Kalea, 2. Basauri (Vizcaya).

Precio: Estudiantes y desempleados: 82,5 euros. Resto de matrículas: 165 euros.

Curso de interpretación: Actuando para la cámara

Profesor: Jordi Frades, director, realizador y Guionista. Director, entre otras, de las series de televisión “Isabel, mi reina” (en preparación), “14 de abril. La República”, y “La señora”.

Contenido: Curso práctico orientado a tomar conciencia de la relación entre el actor y la cámara. Se realizarán ejercicios para aplicar técnicas que ayuden a que el trabajo del actor no se pierda entre el espacio y la cámara. El curso es acumulativo, ya que se empieza por ejercicios técnicos, sin un contenido dramático, para luego incorporar los conocimientos adquiridos en escenas dramáticas y llegar a un nivel de libertad interpretativa. Así mismo habrá una aproximación al casting, al mundo del vídeobook y a cómo enfrentarse personalmente al trabajo en una serie. Se entregará al director de casting y a los actores y actrices todo el material grabado en bruto, así como todas las escenas montadas por el equipo de realización.

Fechas y horarios: Del 9 al 10 de julio, de 10h a 19h.

Lugar: Espacio Puentearéa. Plaza de España, 6, Edifi cio Cataluña (Madrid).

Precio: 180 euros.

Movimiento Cómico

Profesor: Norman Taylor (Bélgica).

Contenidos: Obeservación y análisis de los movimientos diarios, las acciones, los gestos, las situaciones... y enseñanza de las técnicas creativas necesarias para llevarlo al escenario.

Fechas y horarios: 30 y 31 de julio, de 10h a 14h y de 16h a 20h.

Lugar: Festiclown 2011. Calle de Figueiras (Vigo).

Precio: 120 euros.

Cursos de Clown

Contenidos: Superación del ridículo. Trabajo sensorial y de percepción. Actuar como placer y juego. Del vacío a la forma. Ingenuidad y vulnerabilidad. Ritmo e impulso. Calentamiento con juegos. Bautismo de nariz roja. Transparencia y humanidad. Trabajo de escucha. La respiración como conexión con el aquí y el ahora. Punto fi jo y proyección. La verdad en escena. La voz en juego. Aceptación del vacío. La comicidad en la neutralidad. El juego y la proyección de la emoción. La improvisación como vehículo para encontrar nuestro Clown. El Clown como herramienta de auto-conocimiento. El reencuentro con nuestro niño interior. Trabajo con música y caretas. El confl icto como impulso dramático. El Cara Blanca y el Augusto.

Fechas y horarios: Iniciación módulo A: Del 4 al 7 de julio. Iniciación módulo B: Del 11 al 14 de julio (ambos de 20h a 22:30h).

Lugar: Nave 202. Ronda de Toledo, 16, 2ª Planta, 202 (Madrid).

Precio: Iniciación módulo A y B: 140 euros. Un solo módulo: 80 euros (se dejará de anticipo 30 euros por un solo módulo o 50 euros por los dos).

Taller creativo de Danza-Teatro

Profesora: Simona Ferrar, actriz y bailarina en España y Francia.

Contenido: Este taller propone explorar la creatividad de cada participante a través de la danza y del teatro, y, asímismo, estimular y valorar la manera personal y única de moverse cada uno. Se realizarán ejercicios individuales y en grupo, y se elaborarán composiciones coreográfi cas a partir del material desarrollado por cada participante durante el taller.

Fechas y horarios: Del 11 al 15 de julio, de 20:30h a 22:30h.

Lugar: BambúDanza. Calle Doctor Cortezo, 17, 3º (Madrid).

Precio: 80 euros.

Taller de teatro “Acciones Teatrales”

Contenidos: Se combinarán diferentes artes como la música, la pintura y la danza con el teatro, y se realizarán salidas en las que se buscará sorprender a la gente de la calle con una acción trabajada en el aula. Se trabajará la fuerza del colectivo, el ponerse de acuerdo para un objetivo común.

Fechas y horarios: Del 11 al 22 de julio, de 11:00h a 13:00h (martes y jueves acciones en la calle).

Lugar: Escuela de Teatro de Getxo. Avda. Los Chopos, 56, 2ª Planta. Getxo (Vizcaya)

Precio: 70 euros.

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el mundo del espectáculo teatralreflexión


la última

1. Todavía habitados por un cierto clima crí-tico eclosionado a partir del 15-M sorpren-de sobremanera –bueno, la verdad es que no demasiado– que las decisiones guber-namentales sobre Cultura apenas generen opiniones. Y mucho menos, críticas. Gerardo Vera, al que apenas le quedan unos meses de cargo, ha presentado la programación hasta junio de 2012 del Centro Dramático Nacional (www.cdn.mcues). Podríamos de-cir poéticamente que alargando su mano desde el más allá. Es tan habitual considerar el poder de un modo patrimonial que ape-nas llama la atención que esa programación responda esencialmente a los gustos personales del próximo exdirector del CDN. Si atendiéramos, sin embargo, a los criterios de política cultural y servicio social a que debe sujetarse, la programación anunciada da la espalda a los fines a los que ha de servir una institución de carácter nacional como el CDN. Supongo que en su silencio, el actual director del INAEM y la ministra se estarán removiendo en sus asientos. O no, a saber.

2. Claro que la última/próxima temporada es un calco de las anteriores, pero sin complejos. Estas son las principales líneas (les aseguro, aunque lo parezca, que no hay ninguna parábola futbolística Madrid-Barça sobre la cantera y demás). Por un lado, una extraordinaria presencia de autores extranjeros, siempre más presentes que los locales: diez naciones tienen representados jugadores, perdón, dramaturgos, la nueva temporada (y siempre en las salas “grandes”). Ciertamente si el afán con que Vera ha buscado fuera (Marlowska, Marthaler, Bartlett… lo empleara en buscar y promover dentro, la dramaturgia española debiera estar encantada. Españoles, siete, dos de ellos desgraciadamente fallecidos: Valle y Marsillach. De los cinco “vivos”, tres de ellos catalanes, cuatro si sumamos Comediants, que sí, ¿no? Como representante del resto del país está la estupenda Ester Bellver. Por cierto todos, salvo Comediants, recluidos en la sala Francisco Nieva (la alternativa, digamos), o en la Princesa. Perdona Ester: llevar al CDN una obra estrenada hace más de dos años y representada decenas de veces en Madrid carece de toda lógica. Deberías estar, en todo caso, con otra nueva obra.

“Es amarga la verdad quiero echarla de la boca…” El director del CDN define la temporada próxima.

Anunciada la última temporada del ¿ya anterior? director del CDN, puede tener un cierto interés que analicemos la programación y la práctica para iluminar el camino futuro. Evitar caer de nuevo en errores viejos, desterrar estilos cortijeros. Una nueva entrega de nuestro colaborador, Robert Muro, que a buen seguro tendrá continuidad.

3. En realidad la programación del CDN de la próxima temporada no solamente muestra la seducción que Vera siente por cuanto se mueva allende los Pirineos y en los condados orientales de la vieja Marca Hispánica; expresa también, el profundo desprecio por la dramaturgia nacional y por el papel que el CDN debe asumir por ley de promoción de la cultura teatral española; le guste a él o no. Las viejas heridas de viejas personas que creen que cualquier cosa de fuera es mejor que cualquier cosa de casa. Y que invierten con ello en páramo futuro. Para algunos, la noticia es que el CDN se abre al mundo; para otros, el subtexto es que se cierra a la propia cultura.

4. No hay nada ilegal en que el director de un gran teatro público asuma, además, la dirección artística de obras que él mismo programa. Pero, éticamente, en buena norma, parece que dos tareas de tanta envergadura difícilmente pueden compaginarse, al menos durante las fases de ensayos. Pero estamos tan acostumbrados a que todos los que pasen por el CDN –y otros teatros públicos– aprovechen para lucirse, que parece ya normal. Como en esta temporada que acaba de cerrarse, en la siguiente Vera reserva para sus “direcciones” casi dos meses para cada una. Se va, es natural, claro.

5. Para ser justos, a Gerardo Vera y al tiempo que ha estado nombrado al frente del CDN, le debemos también muchas enseñanzas, y las iremos desglosando en futuros artículos, porque éste es un ejemplo perfectamente extrapolable a otras grandes instituciones artísticas del estado. Hoy me limitaré a enunciar algunas.

a.- Los centros dramáticos, compañías nacionales y centros de producción y exhibición y en general los grandes centros de creación y promoción artística requieren una dirección menos artística y más profesional de la gestión. Ha pasado el tiempo en que era inevitable poner al frente a un gran artista, bailarín, director o figura. Hoy las responsabilidades de los gestores tienen que ver más con la captación de recursos financieros, la dirección de equipos, la transparencia, la proyección, la gestión y la relación con

las audiencias… Y es más que obvio que quien se ha formado para el arte no tiene por qué reunir en general esos requisitos.

b.- La transparencia debe ser la norma con la que enfrenten la gestión: los presupuestos y la ejecución presupuestaria, la programación, las decisiones estratégicas, la relación con los públicos… deben estar sometidas a escrutinio del sector y de la sociedad. Y deben establecerse mecanismos concretos que permitan ese escrutinio y la rendición de cuentas.

c.- La gestión de lo público es un servicio a la sociedad, no un cortijo que uno recibe para que disfrute mientras le dure el usufructo. Los amigos han de alejarse y ser sustituidos por los mejores; uno mismo, si tiene perfil artístico, debe declinar –en general– sus tareas habituales por las puramente de gestión. No debe competir con otros directores, creadores, autores.... Desde que es elegido está por encima de esas funciones.

d.- Como al viejo Brassens no me gusta la música militar ni el nacionalismo que cree superior lo propio a lo ajeno, peeeeeero no confundamos a las ojinegras churras con las lanudas merinas: desde la función pública se ha comprometido a sembrar futuro, a promover la creación y la cultura española, sin complejos. Sí, también ser ventana al mundo, claro. Pero ventana. Porque solamente amando, reconociendo, y criticando también lo propio podemos dar al mundo obra universal. El seguidismo, la copia paleta, la consideración de que lo extraño es lo más, ha de ser desterrado de las direcciones de los centros de creación y exhibición públicos.

No voy a negar que siento cierto desasosiego ante el futuro. Los códigos de buenas prácticas, los contratos-programa, la transparencia, la democratización…, amenazan con no venir a clase mañana tampoco. Porque, entre otras cosas, parece que poca gente los echa de menos.

Robert Murowww.robertmuro.wordpress.com

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el espetaculo teatral nº64 julio-agosto 2011

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