trabajo de grado presentado como requisito para optar al...
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REPÚBLICA BOLIVARIANA DE VENEZUELA UNIVERSIDAD CENTROCCIDENTAL “LISANDRO ALVARADO”
DECANATO EXPERIMENTAL DE HUMANIDADES Y ARTES LICENCIATURA EN ARTES PLÁSTICAS
EL ABSTRACCIONISMO PICTÓRICO Y EL JAZZ EN LA SINESTESIA CREADORA
DE LA CONTEMPORANEIDAD.
Trabajo de Grado Presentado como requisito para optar al
Título de Licenciado en Artes Plásticas
Autor: Claudia García Almella
Tutor: Profesor Pablo Pulgar
Barquisimeto, Marzo de 2011
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DEDICATORIA ♫ A Dios, que me permitió la luz para prepararme y cumplir la misión
que me encomendó. Quiero dedicarle este trabajo a mi familia, por acompañarme en cada una de
las locuras que he emprendido y por ser siempre mis más fervientes
acompañantes.
A mis padres María Almella y Javier García por todo lo que me han dado en
esta vida, especialmente por sus sabios consejos y por estar a mi lado en los
momentos difíciles.
A mis hermanos Javier y Evelin, quienes me ha acompañado en el silencio con
una compresión a prueba de todo.
A mi mamá María Almella quien me ha ayudado a encontrar la luz cuando todo
era oscuridad. Simplemente por ser como es, con todas sus manías y defectos,
con todas sus virtudes y bellezas. Gracias por inspirarme, caminar a mí lado
durante todo este tiempo y mostrarme con una sonrisa, que el amor verdadero
existe.
A mis primas Sindy Pérez Almella, Ysledis Pérez Almella y Loingrid Pérez
Almella por escucharme, soportarme y convertirse en mis mejores amigas.
A mis primitos Ari, Vicky y Daniel por contagiarme su alegría.
A mi tía Magdalena, quien desde el cielo me guía y estoy segura que en estos
momentos esta orgullosa de mí.
A mis amigos que se convirtieron en mi familia adoptiva Carla Querales,
Andrius Sánchez y Ronald Infante, que alegría y que honor contar con su
amistad durante toda la carrera. ♫
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DEDICATORIA ♫ A Dios, que me permitió la luz para prepararme y cumplir la misión
que me encomendó. Quiero dedicarle este trabajo a mi familia, por acompañarme en cada una de
las locuras que he emprendido y por ser siempre mis más fervientes
acompañantes.
A mis padres María Almella y Javier García por todo lo que me han dado en
esta vida, especialmente por sus sabios consejos y por estar a mi lado en los
momentos difíciles.
A mis hermanos Javier y Evelin, quienes me ha acompañado en el silencio con
una compresión a prueba de todo.
A mi mamá María Almella quien me ha ayudado a encontrar la luz cuando todo
era oscuridad. Simplemente por ser como es, con todas sus manías y defectos,
con todas sus virtudes y bellezas. Gracias por inspirarme, caminar a mí lado
durante todo este tiempo y mostrarme con una sonrisa, que el amor verdadero
existe.
A mis primas Sindy Pérez Almella, Ysledis Pérez Almella y Loingrid Pérez
Almella por escucharme, soportarme y convertirse en mis mejores amigas.
A mis primitos Ari, Vicky y Daniel por contagiarme su alegría.
A mi tía Magdalena, quien desde el cielo me guía y estoy segura que en estos
momentos esta orgullosa de mí.
A mis amigos que se convirtieron en mi familia adoptiva Carla Querales,
Andrius Sánchez y Ronald Infante, que alegría y que honor contar con su
amistad durante toda la carrera. ♫
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AGRADECIMIENTOS ♫ Esta trabajo de grado, si bien ha requerido de esfuerzo y mucha
dedicación por parte de la autora y su director de trabajo de grado, no hubiese
sido posible su finalización sin la cooperación desinteresada de todas y cada
una de las personas que a continuación citaré y muchas de las cuales han sido
un soporte muy fuerte en momentos de angustia.
- Primeramente a Dios Todo Poderoso, por darme la vida y la posibilidad
de culminar con este periodo importante, por haberme hecho una mujer
de bien y capaz de tomar buenas decisiones.
- A mi madre, el ser mas importante en mi vida, por haberme dado la vida
y por todo ese apoyo y amor incondicional para lograr mis metas.
Gracias a ella soy lo que soy ahora. Te amo mamá.
- A mi padre, por brindarme su apoyo incondicional toda mi vida, por
haberme dado todas las posibilidades para lograr mis metas. Te amo
papá.
- A mi tutor Pablo Pulgar, por su tiempo de dedicación, y por haberme
dado como recompensa parte de su sabiduría necesaria para lograr este
triunfo.
- A mis hermanos, Javier y Evelin, por su ayuda y apoyo incondicional.
Los quiero.
- A mi familia García y Almella por su cariño y apoyo.
- A mis profesoras, Sandra García y Malula Cappello por estar siempre
presente en los momentos de lucha.
- A mi profesora, Cristina Moncada por sus excelentes enseñanzas en el
área de pintura.
- A mis amigos Carla, Andrius y Ronald por su amistad, solidaridad y
espíritu desinteresado en este camino tan arduo. Gracias.
- El resto de personas que me acompañaron en la lucha, A todos muchas
gracias. ♫
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ÍNDICE GENERAL PÀG. RESUMEN XI INTRODUCCIÓN 12 CAPITULO 14 I PLANTEAMIENTO DEL PROBLEMA 14 EL PROBLEMA 14 JUSTIFICACIÓN 18 OBJETIVOS DE LA INVESTIGACIÓN 19
II MARCO REFERENCIAL 20
ANTECEDENTES DE LA INVESTIGACIÓN 20
BASES TEÓRICAS 21
DEFINICIÓN DE TERMINOS 50
III MARCO METODOLOGÍCO 53
RUTA PRINCIPAL 53
CAMINO DE INDAGACIÓN 53 CATEGORIZACIÓN Y ANÁLISIS DE LA INFORMACIÓN 54
IV PROPUESTA PLÁSTICA 78
ANTECEDENTES PERSONALES 78
MEMORIA 88
DESCRIPCIÓN DEL PROCESO TÉCNICO 99
REFLEXIONES 104
REFERENCIAS 106
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LISTA DE CUADROS
FIGURAS
p.p
1 Testimonio de vida. 70 2 Categorización y análisis de la información 74 3 Características demostrativas de la sinestesia artística - musical 75 4 Elementos vivénciales en la representación sinestesicas del
abstraccionismo con el jazz (características) 77
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LISTA DE FIGURAS FIGURAS p.p
1 Obra: Blue. Autor Vasili Kandinsky y partitura. 21 2 Obra: Piano teclado, lago, Autor: Frântiçec Kupka. 23 3 Obra: Escena del Sonido amarillo. Autor: Kandinsky y
Hartmann. 26 4 Action Painting 28 5 Action Painting y Jazz 29 6 Obra: El Grito. Autor: Edvard Munch 30 7 Obra: composición N° 8. Autor: Vasili Kandinsky 31 8 Obra: Composición 10. Autor: Piet Mondrian 32 9 Obra: Murnau la calle con las Mujeres. Autor: Vasili Kandinsky 33 10 Obra: Improvisación 30. Autor: Vasili Kandinsky 34 11 Obra: Composición VII. Autor: Vasili Kandinsky 35 12 Obra: En el azul. Autor: Vasili Kandinsky 36 13 Obra: El almanaque de El Jinete Azul Autor: Vasili Kandinsky 37 14 Obra: El Jinete Azul Autor: Vasili Kandinsky 38 15 Grupo los disidentes 41 16 Obra: Columnas Policromadas. Autor: Mateo Manaure 42 17 Obra: Coloritmo No1. Autor: Alejandro Otero 43 18 Obra: Coloritmo No1. Autor: Alejandro Otero y saxofón 44 19 Obra: Aum- Aum. Autor: Alirio Oramas 45 20 Obra: sin titulo. Autor: Esteban Castillo 47 21 Obra: Jazz. Autor: Virgilio Arrieta 49 22 Maestro Esteban Castillo en su taller 69 23 Ejercicio pictórico: cadáveres exquisitos 79 24 Obra: Vacío 80 25 Obra: Colores internos 81 26 Obra: Pensamientos 82 27 Obra: Paz 82 28 Obra: los diferentes colores de la ciudad 83 29 Obra: sensaciones 84 30 Obra: expresión 85 31 Obra: sonidos internos 85 32 Obra: movimiento
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FIGURAS p.p
33 Obra: música 86 34 Obra: música 87 35 Obra: Vacío 88 36 Obra: Colores 88 37 Obra: Pensamiento 88 38 Obra: Paz 89 39 Obra: los diferentes colores de la ciudad 89 40 Obra: sensaciones 89 41 Obra: expresión 90 42 Obra: sonidos internos 90 43 Obra: sonidos internos 90 44 Obra: sonidos internos 91 45 Obra: sonidos internos 91 46 Obra: movimiento 91 47 Obra: Música 92 48 Boceto 1 92 49 Boceto 2 93 50 Boceto 3 93 51 Boceto 4 94 52 Boceto 5 94 53 Boceto 6 95 54 Boceto 7 95 55 Boceto 8 96 56 Boceto 9 96 57 Boceto 10 97 58 Boceto 11 97 59 Boceto 12 98 60 Bocetos 101 61 Obras: Ecos visuales (Claudia García Almella, 2011) 103
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REPÚBLICA BOLIVARIANA DE VENEZUELA UNIVERSIDAD CENTROCCIDENTAL “LISANDRO ALVARADO”
DECANATO EXPERIMENTAL DE HUMANIDADES Y ARTES LICENCIATURA EN ARTES PLÁSTICAS
EL ABSTRACCIONISMO PICTÓRICO Y EL JAZZ EN LA SINESTESIA CREADORA DE LA CONTEMPORANEIDAD.
Autor: Claudia García Almella. Tutor: Pablo Pulgar.
Fecha: Marzo 2011
RESUMEN
La presente investigación se realizó con el propósito de sustentar la elaboración de obras con lenguaje plástico desde la expresión del mundo interior, en una propuesta basada en la sinestesia entre el abstraccionismo pictórico como corriente artística y el jazz como género musical desde el análisis de las teorías que los sustentan; en virtud de unificar dichos lenguajes se enmarcó dentro del paradigma cualitativo, seleccionándose como método la fenomenología porque profundiza en la relación que existe entre los fenómenos artísticos en estudio y la realidad creadora dentro del contexto del cual forman parte. Asimismo, se optó por la técnica de la narrativa testimonial dada por dos artistas plásticos especialistas en abstraccionismo y un músico experto en jazz cuyos trabajos creativos están relacionados con la temática en estudio, para ello, se utilizó como instrumento una entrevista a profundidad. Palabras claves: Abstraccionismo, el jazz y la sinestesia.
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INTRODUCCIÓN
Este estudio tiene como intención investigar la sinestesia que existe
entre la pintura abstracta y la música de jazz dentro del contexto histórico del
arte contemporáneo, partiendo desde la irrupción de los primeros movimientos
con el impresionismo en el arte, donde se inicia una renovación pictórica que
cambia los procedimientos técnicos hacia una nueva visión de lo figurativo a la
par de la música que renuncia a la repetición y a la tonalidad, hasta la
abstracción plástica donde deja de tener significado la representación de la
realidad y lo externo para iniciarse la búsqueda de un nuevo lenguaje del arte
desprovisto de ataduras tradicionales, relacionado solo con la capacidad de
imitar la realidad, única perspectiva aceptada por los cánones tradicionales.
Otra experiencia relevante que fundamente la conexión entre pintura y
música se da a través de los movimientos contemporáneos entre los que
destaca la relación pictórico-musical que surge en la abstracción lírica con los
aportes de Kandinsky y Shoemberg al arte, conocido por medio de sus cartas y
el movimiento el jinete azul que va a otorgar nuevas posibilidades al mundo de
las artes plásticas y las artes auditivas.
En consonancia con lo anterior, la pintura y la música establecen la
oportunidad de estudiar las diversas vías de expresión transitadas por los
actores de la pintura contemporánea, donde el arte se mezcla con la esencia
del espíritu del creador reflejándose en diferentes obras y estilos que se van
encadenando según las posibilidades creadoras de sus interpretantes; por ello,
la sinestesia como el arte de enlazar dos imágenes por distintos órganos
sensoriales produce oportunidades que permiten realizar creaciones plásticas
innovadoras.
Es así como en la actualidad cuando surgen nuevas teorías que
respaldan la producción artística bajo el concepto de sinestesia para producir
obras de arte vanguardistas, se destaca esta propuesta plástica cuyo tema
representa los aportes del abstracción pictórico y el jazz musical para recrear el
mundo interior como expresión simbólica del presente.
Este estudio fue estructurado por capítulos siguiendo las
recomendaciones del manual; así en El Capítulo I El problema, se hace un
acercamiento al objeto de estudio que concreta las interrogantes, englobando
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los objetivos general y específico, y la justificación; en el Capítulo II El Marco
Referencial se describen algunos antecedentes de investigación como aportes
previos, las bases teóricas que sustentan este estudio y los términos básicos
que la respaldan.
Asimismo, el Capítulo III, se refiere al proceso metódico que se siguió
para organizar el conocimiento desde su naturaleza y la metodología a seguir
para obtener la información que sustente el objetivo general y el Capítulo IV la
Propuesta Artística que concluye en una obra representativa como aporte
creativo de la sinestesia abstraccionista musical.
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CAPITULO I
PLANTEAMIENTO DEL PROBLEMA
EL PROBLEMA
La pintura y la música pertenecen a las bellas artes y a través de la
historia se unen para producir diversas propuestas, este es el caso de la
pintura abstracta en el contexto de lo contemporáneo donde se descubren
nuevos horizontes que se alejan de lo concreto y externo, se produce la
búsqueda interior y la articulación de lo espiritual del arte en su más genuina
expresión.
Según Goethe citado por Kandinsky (1989). “El sonido musical penetra
directamente en el espíritu. Inmediatamente encuentra en él una resonancia
porque el hombre lleva la música en sí mismo”; explica con detalle el efecto
interior que produce la música centrada en lo espiritual del ser humano que se
expresa a través de la pintura; por esto, el artista representa en la obra la
necesidad interior de su espíritu para que el alma encuentre la relación
sinestésica entre emoción y color. Apoyado en el pensamiento goethiano,
Kandinsky (1989) aporta: “El color es un medio para ejercer una influencia directa sobre el alma. El color es la tecla. El alma es el piano con muchas cuerdas. El artista es la mano que por esta o aquella tecla, hace vibrar adecuadamente el alma humana. Kandinsky” (Pág. 102).
La pintura y la música poseen una conexión intrínseca que permite la
sinestesia como interpretación de toda una corriente que relaciona la música y
la pintura contemporánea y percibe con frecuencia correspondencias entre
tonos de color, tonos de sonidos e intensidades de los sabores de forma
involuntaria y desarrolla el proceso mismo de la creación artística.
En sustento de lo anterior Dorfles (2000) explica detalladamente que “se
puede descubrir la analogía entre imágenes cromáticas y aquellas sonoras
suscitadas recíprocamente por sonidos y colores o aquellos estímulos dispares
que llegan a nuestros sentidos" a través de la sensibilidad espiritual que el
artista exprese en su obra.
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La sensibilidad espiritual permite que el ser humano pueda conjugar en
su interior sonidos y colores a través de los sentidos para expresarse
sinestesicamente en su creación plástica.
En este caso, Adorno (1983) aporta que “la renuncia del arte pictórico
al objeto, corresponde a la renuncia de la música de la tonalidad”, por ello, en
Francia la pintura dio impulso a la música, como es el caso de Debussy y los
impresionistas; al crear un movimiento donde se unen la música y la plástica,
la música instrumental se aleja de la tonalidad y lo pintura del objeto como
elemento de representación plástica.
En este orden de ideas, la música y la pintura se conjugan en el arte
contemporáneo como en el caso de las obras de Kandinsky y Schönberg, que
en forma horizontal establecen cambios, Kandinsky comienza un progresivo
alejamiento de la figuración dejando al objeto relegado y abandona la
perspectiva, Schoenberg, por su parte, renuncia a la repetición y amplia los
límites de la tonalidad.
Las analogías entre el pensamiento de Kandinsky y Schönberg, se
reflejan en las cartas intercambiadas que demuestran su amistad y el compartir
de un universo estético como lo señala Díaz de la Fuente (2005):
“El arte es en su grado más ínfimo, una simple imitación de la naturaleza. En su nivel más alto, el arte se ocupa, únicamente, de reproducir la naturaleza interior.(…) Las expresiones consonancias y disonancia, que hacen referencia a una antítesis, son erróneas. Depende solo de las creencias capacidad del oído analizador para familiarizarse con los armónicos más lejanos, ampliado así el concepto sonido susceptible de hacerse arte, el que todos estos fenómenos naturales tenga un puesto hoy en el conjunto.(…) Puesto que debo operar con estos conceptos, definiré la consonancia como las relaciones más cercanas y sencillas con los sonidos fundamentales, y las disonancias como las más alejadas y complejas.” (Pág.194)
Ambos artistas se resisten a lo tradicional, Kandinsky pinta su primera
acuarela abstracta y Schönberg se deshace totalmente de la tonalidad; deja de
tener significancia la representación de la belleza (como representación de la
verdad o de una realidad objetiva), al contrario el arte se convierte en un medio
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de comunicación intelectual que a la vez expresa y suscita poderes
espirituales.
Schönberg y Kandinsky al principio siguen sujetos lo tradicional: la
sinfonía, la ópera, los oratorios y la música de cámara en el caso de
Schönberg, mientras que Kandinsky pinta óleos sobre lienzo y realiza dibujos y
acuarelas; lo que es distinto, es que para ellos la obra de arte ya no significa
la representación de la belleza (como representación de la verdad o de una
realidad objetiva), sino un medio de comunicación intelectual que a la vez
expresa y suscita poderes espirituales. En sustento de lo anterior Adorno
(1983) señala que:
“Cuanto más se libera la pintura del tema figurativo y tiende a igualarse con la abstracción propia de la música instrumental, más de lleno se encuentra enfrentada al propio material de creación con el que trabaja, como son, por ejemplo, los colores y las relaciones cromáticas, dadas sin la intermediación de un objeto externo.” (Pág. 140)
Por ello, la pintura en su concepto abstracto se mezcla de forma
armónica con las diversas composiciones musicales instrumentales y se aleja
de la representación material externa para identificarse con lo espiritual del
arte en una correspondencia natural entre los colores e instrumentos
musicales, la calidad del sonido propia de cada instrumento denominada timbre
se identifica con colores físicos. La música y la pintura crean la esencia de la
obra de arte que habita en el espíritu del artista.
En concordancia con lo antes mencionado, Langer (2005) agrega para
exaltar la unión de las artes, la perspectiva de la estructura orgánica porque:
“Las superficies, los colores, texturas, luces y sombras, los tonos (cualesquiera sean la agudeza y calidad), las vocales y las consonantes, los movimientos veloces y lentos, todas las cosas que exhiben cualidades definidas, constituyen un sentimiento y por ello se elabora la ilusión de estructura orgánica. He aquí porque el arte es esencialmente cualitativo y abstracto al mismo tiempo”. (Pág.80)
La abstracción artística como proceso simbólico que tiene por finalidad la
expresión y el conocimiento de algo muy concreto, independientemente de los
factores materiales y los procesos que se utilicen expresa los sentimientos del
artista; por lo que se puede producir la coincidencia entre la pintura y la música.
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Por ello, Langer (2005) dice que “el arte y la música resultarían triviales
de no ser porque están relacionados por uno de los fenómenos más
atrayentes, que se dan en el dominio de las artes, el fenómeno que puede
denominarse abstracción última o trascendencia”
La expresión artística puede abstraer aspectos de la vida, sentimientos
que muchas veces carecen de nombre y trascienden para establecer una
ruptura con la representación mimética.
Razones que permiten acotar, lo distante de la preocupación en algunos
artistas por la representación de la realidad alejada de la posibilidad de
expresar la espiritualidad intrínseca, al ocultar la visión particular del mundo y
la ruptura de la autenticidad en el lenguaje plástico, propio de la personalidad e
interpretación del universo interno que posee el ser humano.
Es por ello, que este estudio surge como la preocupación de la autora por
las ataduras externas de la expresión artística tradicional que aún toma al arte
como imitación fiel de la realidad mostrándose repetitivo y alejado de la
espiritualidad creadora y cuya producción se enfoca de forma casi exclusiva en
lo tradicional y en la representación de lo externo de forma directa, sin aportes
de los sentimientos y el caudal espiritual donde no existe delimitante con la
conexión espiritual que se produce cuando el acto creador logra la sinestesia,
mediante una propuesta plástica cuya temática se basa en los aportes teóricos
del abstraccionismo pictórico como corriente plástica y el jazz como género
musical, contemporáneo
En este contexto, cabe realizar las siguientes interrogantes:
¿Qué propuesta lograría unificar sinestésicamente un lenguaje artístico,
basado en el abstraccionismo como corriente plástica y el jazz como género
musical?
¿Cuáles teorías sustentan este tipo de creaciones?
¿Cómo se logra en el contexto actual la sinestesia entre el abstraccionismo
como corriente plástica y el jazz como género musical?
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JUSTIFICACIÓN
Este estudio se justifica porque exalta la relación entre las bellas artes y
como tema de relevancia en la estética y permite unir puntos de convergencia
a través de la música y la pintura; puesto que, el artista puede lograr
decodificar lo auditivo a través de la imagen y crear obras sinestésicas.
La sinestesia, permite que el artista plástico obtenga respuesta sensorial
en otra área distinta de aquella que fue estimulada, como lo es la sensación
visual evocada por un estímulo auditivo; más aún en Barquisimeto, Ciudad
reconocida como capital musical de Venezuela, se hace pertinente conocer la
relación entre la música y la pintura del Estado Lara, para proporcionar
insumos a los artistas plásticos que tengan motivación por este tema.
Por otra parte, el estudio de la pintura y la música como lenguaje
plástico, otorga un aporte a los artistas para descubrir las bondades de
conjugar lo visual-auditivo en el proceso creativo de la obra abstracta mediante
la producción de una impresión sensorial basada en los sentidos y la intuición,
que supera las fases primigenias como la copia literal o la repetición de obras
pictóricas de otros autores en la búsqueda de un lenguaje plástico propio.
Así también, el estudio reviste relevancia porque direcciona y ofrece
oportunidades para producir arte a partir de la pintura y la música en una
conexión con la libertad sin ataduras figurativas ni religiosas que impidan
crear una obra que exprese la emoción y lo espiritual del artista.
Es a su vez, la oportunidad de profundizar en la elasticidad como parte
de la transformación interna orgánica de la obra, así como la ordenación de las
formas de acuerdo a los conceptos de heterofonía, consonancia y disonancia,
la fusión de la superficie y el color en armonía o en contraste como elementos
preponderantes en la obra de arte.
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OBJETIVOS DE LA INVESTIGACIÓN
Objetivo General
Presentar una propuesta estética basada en el abstraccionismo como corriente
plástica y el jazz como género musical contemporáneo.
Objetivos Específicos
1. Analizar la noción de la sinestesia.
2. Analizar la abstracción y el Jazz.
3. Analizar los elementos vivenciales entre la pintura y el Jazz.
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CAPITULO II
MARCO REFERENCIAL
Antecedentes de la Investigación Dentro de las artes plásticas, se han realizado algunos trabajos de
investigación sobre la pintura y la música contemporánea como propuesta de
lenguaje plástico. Díaz, A (2005), realizo un trabajo de investigación cuyo título
es: “Estructura y significado en la música serial y aleatoria”. Este trabajo
fue enfocado al estudio de los principios estéticos musicales, su relación con
las vanguardias artísticas del siglo XX y paralelismos de algunos autores y sus
obras.
Así mismo, Layden, T (2005); realizo un trabajo de grado titulado:
“Aportaciones teóricas y prácticas sobre la sinestesia y las percepciones sonoras en la pintura contemporánea”, el cual trata sobre los aspectos de la
sinestesia en la pintura y la relación entre el oído y la visión en las artes el cual
estudia la historia de la relación entre el sonido y la forma desde la filosofía
órfica y las teorías pitagóricas y profundiza en los pensamientos de ciertos
pensadores importantes, sobre las correspondencias entre las notas musicales
y los colores del arco iris o la rueda y la esfera de colores, a través de escuelas
de pensamiento como la teosofía y la psicología, estudiadas por pintores,
músicos y filósofos importantes en la evolución de las artes a principios del
siglo XX.
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Bases Teóricas Teoría contemporánea sobre la pintura y la música (Theodor Adorno)
En el caso de de la pintura y la música existe un filósofo que hace un
análisis exhaustivo sobre esta relación por lo que al respecto Peñaloza (2005)
dice: “Para él, la música, arte temporal (Zeitkunst), y la pintura, arte espacial (raumkunst), “en su contradicción de entremezclan”. Dice pues que la pintura al ser espacial es simultanea, pero al ser esta analizada se convierte en temporal, basado en lo ya antes dicho por Kant, de que el puro acto de pensar requiere necesariamente del tiempo.” (Pág.201)
En el párrafo anterior se expresa la relación entre pintura y música
basada en la relación espacio –temporal de estas artes.
Figuras 1. Obra: Blue. Autor Vasili Kandinsky y partitura.
En este mismo orden de ideas, entre la música y la pintura se
presenta una confluencia explicita a través del espacio y el tiempo por lo
que Adorno (2000) dirá: “En la pintura se condensa tiempo. La confluencia de los elementos pictóricos y musicales no se produce jamás en el asemejarse, en la “pseudomorfosis”, sino allí donde cada una de las artes se somete a su principio inmanente, a una exigencia fundada en sí misma, que los constriñe a su propia existencia. La distinción entre artes del tiempo y artes del
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espacio se desvanece si se considera la existencia de un tiempo pictórico y un espacio musical.” (Pág.123).
Cada una de las artes posee un principio inmanente que le confiere su
propia existencia y su confluencia no se produce por asemejarse o
pseudomorfosis, sino por su propia esencia. En este aspecto González (2005)
habla: “Si para Adorno la música logra su síntesis en su dimensión espacial, la pintura lo hace en su articulación temporal: el cuadro es huella de tiempo. La síntesis pictórica está en ensamblar todo aquello que existe en el espacio de manera simultánea. Este proceso está basado en las relaciones de tensión ya que todos y cada uno de los elementos de la superficie pictórica buscan separarse y contradecirse. Es en esta fuerza de disociación donde reside su síntesis. La tensión es temporalidad en pintura. La objetivación y el equilibrio de tensiones convierten al cuadro en tiempo sedimentado. El tiempo contenido en tensión con el espacio enciende la pintura, de la misma manera que la contemplación adecuada del cuadro, que concluye con el detenerse, despierta el tiempo implícito en él encapsulado. Esta interactuación de tiempos se encuentra en el acto y en la contemplación del representar; la pintura, como una cápsula de tiempo, se activa con la mirada. La temporalidad contenida nos interpela de tal modo que detiene nuestro tiempo presente para introducirnos en su re-presente.” (Pág.86).
En la cita anterior se determina la conceptualización de una síntesis en
la música establecida por la dimensión del espacio y la pintura en su
articulación temporal por lo que se realizan composiciones en consonancia con
el espacio donde los elementos pueden ubicarse en base a la tensión pictórica
donde cada elemento busca separarse y contradecirse y es en esta fuerza
disociativa donde se produce la síntesis.
La música y la pintura conforman una unidad compositiva que
Schönberg citado por González (2005) dice: El espacio de dos o más
dimensiones en el que se representa la música y la pintura es una unidad.
Aunque los elementos de estas ideas aparezcan separados e independientes a
la vista y al oído.
El artista plástico compone de acuerdo al espacio e igualmente el
músico ambos relacionados por conceptos como armonía, ritmo, tono entre
otros. En este sentido Schönberg (1963) dice: “La idea musical, aunque esté constituida por ritmo y armonía, no es ni una cosa ni la otra tomada aisladamente, sino las tres en conjunto. Los elementos de la idea musical están parcialmente incorporados al sentido horizontal en forma de sonidos sucesivos, y en parte se hallan en el sentido vertical
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como sonidos simultáneos. La mutua relación de los sonidos regula la sucesión de intervalos, así como su asociación de armonías, organiza el fraseo.” (Pág.145)
Al respecto se puede inferir que la música y la pintura contemplan las
relaciones de los elementos musicales y pictóricos en correspondencia con la
armonía en la composición.
La sinestesia en la pintura y la música
Sucede que para algunas personas, los sinestetas, la experiencia de la
sinestesia es más que una experiencia que ocurre dentro de sus cerebros;
también se manifiesta como una percepción de algo fuera de su cuerpo, de
forma que realmente pueden ver sonidos u oír colores.
De la misma manera Cytowic (1993) explica:
“La sensación paralela que se experimenta, normalmente se manifiesta de manera real. Si es visual, en lugar de ser una visión interna, la sinestesia se experimenta fuera del individuo, cerca de la cara. En otros modos de sensación, se siente en el espacio personal –el espacio inmediatamente alrededor del cuerpo- más que a una distancia… Las asociaciones de un sinesteta duran toda la vida; si un sonido es azul, siempre será azul, si el sabor a limón es una forma punteada, siempre será así…” (Pág.129).
Según este teórico, la sinestesia se produce como una sensación paralela
que generalmente se experimenta fuera del individuo con otras sensaciones
alrededor de su cuerpo e inclusive las asociaciones que se suscitan entre
música y color perduran por siempre, de modo que sí un sonido posee
determinado color para el individuo esta situación se repite durante toda su
vida.
Figuras 2. Obra: Piano teclado, lago, Autor: Frântiçec Kupka.
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Es necesario por lo novedoso del tema, conocer los experimentos realizados
principalmente con las relaciones de oído y vista que otorgan significativos
aportes a la música y la pintura del teórico Cytowic (1993), quien hizo una serie
de experimentos y llegó a las siguientes conclusiones sobre la experiencia de
un sinesteta:
- (En casos de audición-cromática) “Las formas visuales no son distintas
a lo que se oye, son parte de lo que es oír. Si el instrumento musical
del vibráfono hace un sonido redondo, cada nota es como una
pequeña bola dorada que cae, nunca como otra cosa. En este caso el
autor la conexión existente entre los sonidos y la imágenes visuales e
inclusive presenta un ejemplo donde un instrumento musical como el
vibráfono produce un sonido redondo y cada nota es como una
pequeña bola dorada que cae.
- “La percepción sinestésica nunca aparece como una escena
complicada, se trata de formas simples como líneas o espirales…
texturas, algunas veces suaves o bruscas…; nunca llega a ser
especifica…” Es una experiencia libre sin ataduras donde fluyen las
formas en sus diversas posibilidades.
- “La sinestesia no se puede suprimir. Sucede a quien la experimenta y no
puede ser evocada a través de la voluntad. El estímulo externo que la
hace actuar frecuentemente es fácil de identificar…” aunque no se
puede controlar. Cada experiencia de la sinestesia es única y no se
repite porque es parte de una situación muy particular donde se carece
de control para hacer algo igual.
- “Las sensaciones paralelas de la sinestesia son fácil y vivamente
recordadas, a menudo se superponen al estimulo que las evoca. ‘Tenía
un nombre verde, no me acuerdo bien si era Ethel o Vivían’, decía una
sinesteta que, aun confundiendo dos nombres reales porque los dos
eran ‘verdes’, recordaba la experiencia sinestésica del color verde.”
Existe en el ser humano la posibilidad de establecer relaciones
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paralelas, en ejemplo antes descrito el color evoca el recuerdo de un
nombre en una experiencia sinestesica.
- “La sensación paralela que se experimenta, normalmente se manifiesta
de manera real.” La sensación paralela de la sinestesia se materializa en
caso de la música en la obra de arte, por ejemplo el jazz se convierte en
manchas, líneas, color, textura mediante la sensación que produce su
música en el artista.
- “La sinestesia es emocional y noética: la experiencia de la sinestesia se
percibe como algo real y viene con la sensación de ‘¡Eureka!’, como si
una luz prendiese en la mente; es como una revelación.”La experiencia
de la sinestesia al crear una obra de arte otorga una plenitud de
sentimientos y emoción que eleva el espíritu humano en un acto de
sublimidad.
En consonancia con las experiencias sinestesicas entre música y pintura se
puede citar las expresadas por Kandinsky (1989): “ … Al oír la música de Wagner me provocó la experiencia de ver colores y líneas simultáneamente con la música…”Me acuerdo del final de la sinfonía que traía a cada color vivamente animado, lo cual permitió a las fuerzas de Moscú resonar como un forte fortissimo de una orquesta gigante. Rosa, violeta, amarillo, blanco, azul, verde, casa de verde de fuego, iglesias, cada una, una canción independiente. La nieve cantaba con mil voces, o el alegreto de ramas desnudos…. Pintar esta hora, pensé, debería ser, para un artista, lo más imposible, la mayor felicidad.” (Pág. 127).
Vasily Kandinsky vivió experiencias de sinestesia donde la música en este
caso de Wagner le evocaba colores y líneas infinitos colores plenaban sus
pensamientos y producía visualizaciones de líneas, colores y textura con
emociones de felicidad.
En apoyo a lo antes descrito Castaño (1989) dice:
“Kandinsky continúa, pues, la tradición del siglo XIX – de Heder a Wagner–, con su deseo de una unión de las artes. Una síntesis de las artes es posible, porque a un nivel básico todos los medios artísticos son idénticos en sus significados interiores; en último término, las diferencias exteriores llegan a ser insignificantes, y la identidad interna de toda expresión artística será revelada.” (Pág.133).
26
En este párrafo se aprecia la intención de Kandinsky de la unión entre la
pintura y la música al considerar la igualdad de sus significados internos por lo
que expresa que sus diferencias exteriores son insignificantes, demostrado a
su vez en algunas experiencias como la obra el sonido amarillo en la que
trabajó con el músico aficionado Thomas Von Hartmann entre 1908 y 1912,
inclusive suscitó expresiones como la de Moszynska (1990),comenta: “fue tan
importante que casi no existía división entre su experiencia en la música y su
experiencia en la pintura”.
La experiencia de estos artistas trasciende y se presenta como una
experiencia relevante de la sinestesia en la pintura y la música.
Figuras 3. Obra: Escena del Sonido amarillo. Autor: Kandinsky y
Hartmann.
La pintura y la música Contemporánea La pintura y la música contemporánea evolucionan a través los aportes
de los movimientos que surgen después de la segunda guerra mundial en la
modernidad, en este sentido Caballero (2001) dice que “Aceptando el modelo
evolutivo, podríamos señalar a diversos artistas formados y produciendo en el
XIX de los que se puede decir, con justicia, que sentaron las bases de la
sensibilidad y la plástica pictórica del XX.”
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El arte contemporáneo realizado durante el siglo XX se presenta como
una respuesta a los acontecimientos sociales e históricos los movimientos
pictóricos que surgen en las últimas décadas del siglo XIX influyen en el arte
contemporáneo del siglo XX. Por tanto, son los cambios filosóficos, científicos y
políticos los que exigen del arte una forma diferente para afrontar la realidad.
En este estudio se abordan varios movimientos y se pretende hacer énfasis en
los movimientos pictóricos que se relacionen con la música.
Entre los movimientos del arte del siglo XIX que influyen en el arte
contemporáneo del siglo XX se encuentran los siguientes:
Action Painting El arte como expresión plástica tiene en Jackson Pollok un autor de
nuevas técnicas y conceptos renovadores que conllevan al nacimiento del
impresionismo abstracto, en este orden de ideas Pollok citado por Carrassat
(2004) dice: “Se trata de un método similar al de los pintores de arena de los pueblos indios del oeste. Por eso, intento mantenerme al margen de los instrumentos tradicionales, como el caballete, la paleta y los pinceles. Prefiero los palos, las espátulas y la pintura fluida que gotea y se escurre, e incluso un empaste espeso a base de arena, vidrio molido u otros materiales inusuales adicionados. Cuando estoy en la pintura no me doy cuenta de lo que estoy haciendo. Sólo después de una especie de período de acostumbramiento ver, en lo que he estado. No tengo miedo de hacer cambios, destruir la imagen, etc., pues la pintura tiene una vida en sí misma. Trato de que ésta surja. Sólo cuando pierdo el contacto con la pintura, el resultado es una confusión. Si no, es pura armonía, un fácil dar y tomar y la pintura sale muy bien “(Pág.130).
La creación pictórica en este movimiento se centra en una producción
donde se recurre a la movilidad, vitalidad y dinamismo con movimientos
bruscos y autómatas, se presenta el caos con un cierto orden, la técnica
utilizada es el dripping, que consiste en el goteo de la pintura, también utiliza
otros elementos como vidrio molido, arena y otros materiales innovadores, que
refieren un desacato a las normas establecidas y revelan la valentía de asumir
nuevos retos en la búsqueda de un lenguaje. En este Según López Chuhurra
(1971) afirma que:
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“Pollock con sus drippings (chorreados) multiplica los ritmos y los movimientos hasta el infinito (multiplicación sin fin, energía de y para siempre), aquí también ritmo y el movimiento quedan explicitados como entes desprovistos de lo circunstancial y transitorio” (Pág. 105).
Las nuevas técnicas pictóricas asumidas por el artista Jackson Pollock
generan aportes significativos a la abstracción pictórica y el tratamiento del
espacio con un ritmo y movimiento armónico.
Figuras 4. Action Painting.
Jazz y Action Painting
En este sentido la obra de este artista rompe los paradigmas
establecidos y se une a los nuevos movimientos, del arte, al respecto Cotter
(2001) dice:
“La obra se realiza sin un plan previo y, como el jazz, se construye al mismo tiempo que se interpreta. Lo importante es la inmediatez, el acto de pintar más que el resultado final. No existe, por tanto, un tema, ni un espacio determinado, ni una disposición compositiva, ni figuración. Su acción responde a un impulso libre, automático, principio ya utilizado por los surrealistas, y el resultado es un espacio puramente óptico y totalmente cubierto (all over). La pintura es un vehículo de expresión de sentimientos, pero no hay nada que descifrar.” (Pág.30).
En esta cita se puede apreciar la relación intrínseca entre pintura y arte
en este caso referido al informalismo de pollock y la música del Jazz.
29
Figuras 5. Action Painting y Jazz.
Expresionismo El expresionismo en un sentido amplio es una de las principales
corrientes artísticas contemporáneas. No estaba formado por un grupo
coherente de artistas, tan solo es un movimiento con una dirección claramente
determinada. La filosofía expresionista, en medio de esta gran revolución
pictórica, se apoyaba en frases tales como “reproducir la naturaleza mediante
tonalidades tan fuerte como su alma” sin embargo resulta muy difícil hablar de
una ideología expresionista concreta pues cada artista desarrolló su obra de
una forma particular. En este mismo orden de ideas Rodríguez de Móndelo
(1999) dice:
“Conforme nos vamos acercando al expresionismo abstracto del siglo XX, puede apreciarse en las dos artes, ese paralelismo entre la perspectiva apoyada en la atonalidad musical y la síntesis y abstracción del referente figurativo en la pintura. La sinestesia de este espacio visual y temporal se expresa mediante la simetría de sus elementos, la irregularidad del ritmo, los cambios de dinámica, modalidad y contrastes de color y tonalidad. Todo ello aporta ese carácter disonante y abstracto que requiere del espectador una actitud de compresión activa”. (Pág.99).
La expresión, es un pensamiento desde el sujeto hacia el mundo
exterior, el artista se proyecto imprimiendo su huella en el objeto, quiso
subrayar su carácter moral, agresivo en cada una de sus obras. Estableciendo
30
un arte distinto, intentaron sacudir, asustar y despertar a su público las utopías
irrealizables, así lo reafirma De Micheli Mario (1979): “Tendencia muy difícil de encasillar, en efecto los modos en que el expresionismo se manifiesta, incluso si queremos agruparlos a grandes rasgos, son bastante numerosos y diversos, la única forma de llegar a su comprensión es, pues, a partir de sus contenidos, que por lo demás son todo menos unívocos.” (Pág.44).
El manifiesto expresionista no llego a aclarar ideas, sino que
simplemente se quedó en una ratificación de la libertad absoluta. El
expresionismo no quiso seguir en el camino de la investigación de la forma,
sino que prefirió caracterizarse por su fuerza psicológica, expresiva y con una
elocuencia plástica con deformaciones emocionales de naturales con que el
hombre trata de expresar el desasosiego y la angustia que siente frente a una
naturaleza fundamentalmente hostil e inhumana.
Figuras 6. Obra: El Grito. Autor: Edvard Munch.
Abstraccionismo El arte abstracto con frecuencia deja perpleja a muchas personas, en
gran parte debido a su aparente desconexión con el mundo real. Su
compresión resulta difícil porque intenta representar el complejo ámbito de las
emociones y sentimientos, aplicando la premisa de que una obra no tiene
porque presentar nada concreto su valor esta en sí misma. Utilizando también
elementos como la música que combinada con la pintura forma nuevas
expresiones, respondiendo a la necesidad interior del artista, sus
características son las formas que permiten tener esos elementos básicos,
Según Maur (1999): “La primera década del siglo XX llegó a ser testigo de una revolución casi simultánea de la música y la pintura. Como
31
Schöenberg liberaba a los compositores de una sistema de tonalidades templadas, los pintores estaban inmersos en el proceso de proyectar el sistema de mimesis y una perspectiva espacial unificada.” (Pág.70).
En la historia del arte, se encuentran diferentes tratados acerca de la
correspondencia entre estos dos elementos color y música; Vasili Kandinsky,
que fue uno de los precursores y defendió la sinestesia del arte concebido
como un todo, llega a plantear incluso una serie de ideas con el fin de romper
el límite de las artes particulares y deducir conscientemente los tres elementos
(sonido, color y palabra) la música y su movimiento; el sonido corporal del
alma y su movimiento; el tono del color y su movimiento.
Figuras 7. Obra: composición N° 8. Autor: Vasili Kandinsky.
Abstraccionismo Geométrico En la abstracción geométrica la forma carece de importancia, se
desmaterializa, en un espacio libre, se sobrepasan los límites de la tela, según
Mondrian (1917): La nueva plástica no puede estar constreñida en lo que es
característico de lo particular, forma y color naturales, sino que debe
expresarse mediante la abstracción de la forma y el color: por medio de la línea
recta y del color primario puro.
Mondrian avanza en la búsqueda de un nuevo lenguaje donde la
realidad es simplificada a rasgos esenciales a través de la línea recta y los
colores primarios puros.
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Figuras 8. Obra: Composición 10. Autor: Piet Mondrian.
Abstraccionismo lírico Hacia 1910 comenzaron a producirse las primeras experimentaciones
con la abstracción, no todos los artistas exploraron los mismos caminos
Kandinsky fue el primero en experimentar con este tipo de abstraccionismo
basado en líneas onduladas y manchas de color dispuestas en aparente
desorden, donde se puede observar el reemplazo de las formas abstractas
nacidas por el propio espíritu, en este movimiento la forma objetual se reduce a
una estructura básica (punto, manchas sonidos o motivos) que se ordena en el
espacio con una importancia, expresando a su vez un significado visible y es
por tanto simbólico, implicando también un esfuerzo por parte del espectador o
del oyente, Kandinsky y Schomberg fueron los grandes innovadores en el arte
abstracto y en la música moderna. Boyden (1982) dice: No se cansó de insistir
una y otra vez en que la música trataba de ser “expresiva”. En esta observación
esta implícito el deseo de Schomberg de apelar directamente a las emociones
de sus oyentes (hacerles sentir).
A través del proceso, se intenta que la música sea escuchada como música,
no como elemento constructivo, consiguiendo la abstracción mediante una
depuración dirigida a obtener la máxima expresión con los mínimos recursos.
La obra de Vasili Kandinsky presenta tres momentos que se representan en
tres categorías: impresiones, improvisaciones y composiciones. Todas estas
obras poseen características de colores vivos, líneas gruesas con una sublime
presencia de la realidad.
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Impresiones. Las impresiones se producen en base a una experiencia inusual y se
poseen el colorido de la naturaleza, existe una conexión con la realidad
exterior. En esta etapa aun el color permanece en relación con objeto, como se
percibe.
A partir de una experiencia personal promueve un nuevo aporte a la
plástica a través de las impresiones, que Vasili Kandinsky traduce de la
siguiente forma: “Volvía, enfrascado en mis pensamientos, de mis bosquejos, cuando, al abrir la puerta del estudio, me vi de pronto ante un cuadro de belleza indescriptible e incandescente. Perplejo me detuve mirándolo. El cuadro carecía de todo tema, no describía objeto alguno identificable y estaba totalmente compuesto de brillantes manchas de color. Finalmente, me acerqué más y sólo entonces reconocí lo que aquello era realmente: mi propio cuadro puesto de lado sobre el caballete… Una cosa se me hizo manifiesta: que la objetividad, la descripción de objetos, no era necesaria en mis pinturas y, en realidad, las perjudicaba”. (Pág.88).
Un hecho fortuito genera un cambio en la obra del artista y descubre la
necesidad de alejarse de la objetividad y la descripción de los objetos por
considerarlo perjudicial e innecesario.
Figuras 9. Obra: Murnau la calle con las Mujeres. Autor: Vasili Kandinsky.
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Improvisaciones.
Las improvisaciones van a distanciarse de las impresiones porque se
inicia una búsqueda interna que aleja la obra pictórica del hecho real, surgen
las emociones interiores. Son expresiones espontáneas de carácter espiritual,
que impiden reproducir lo material y tangible del objeto real. Se produce una
ruptura con las formas. En la Improvisación soñada (1913), el artista representa
imágenes que no se vinculan con objetos o formas definidos previamente.
Según Claudin (2006):
“Las creaciones anteriores a la I Guerra Mundial reflejan el dramático torbellino de aquellos años que iban a transformar profundamente la sociedad europea. Su Improvisación 30 (Cañones), de 1913, evoca imágenes bélicas, y aunque Kandinsky utiliza cada vez más las líneas, las formas y los colores para transmitir las emociones que provocan en él determinadas vivencias, todavía resultan reconocibles elementos figurativos como los cañones o un castillo.” (Pág.115).
En improvisación 30 aun se percibe la figura dentro de la obra de arte
como elemento de la composición plástica porque aun existe un vínculo con la
realidad, sin embargo las líneas y los colores reflejan las emociones de las
vivencias suscitadas y se perciben imágenes bélicas, cañones que resultan
impresionantes.
Figuras 10. Obra: Improvisación 30. Autor: Vasili Kandinsky.
35
Composiciones.
En esta etapa de la obra, el artista mezcla los conocimientos sobre la
composición plástica con la intuición de su espíritu, las obras son
construcciones calculadas, con líneas y colores habían sido trazados
instintivamente.
Composición VII, la tela más famosa y más grande pintada por
Kandinsky es un armónico conjunto de líneas, círculos, arcos y otras formas
geométricas simples.
Figuras 11. Obra: Composición VII. Autor: Vasili Kandinsky.
En sustento a lo anterior en un comentario la revista Der Sturm Kandinsky
(1913) expresa que: “Una impresión directa de la naturaleza exterior, es lo que llamo Impresión. Una expresión en gran parte inconsciente, espontánea, de carácter interno y de naturaleza no material (es decir, espiritual), que es lo que llamo Improvisación, y una expresión del sentimiento interior, formada lentamente, realizada durante mucho tiempo y casi con pedantería, que es lo que llamo Composición.” (Pág.50).
En la pintura del autor antes citado posee primacía lo espiritual, la
impresión producto de la espontaneidad, la improvisación que expresa lo
interno, extenso de lo material situación que conlleva a la composición como
expresión de sentimientos. Según Kandinsky (1949) distinguió entre dos tipos
de composiciones: “melódicas (generadas a partir de formas simples) y
36
sinfónicas (composiciones de formas diversas que aparecen generalmente
subordinadas a una forma principal). En el azul sería un tipo de composición
sinfónica.”
La obra composiciones como expresión pictórica aparece unida
intrínsecamente a la música y se distinguen dos tipos melódica que se
estructura a partir de formas simples y sinfónicas que parte de una principal y
se crean otras subordinadas a la anterior.
Figuras 12. Obra: En el azul. Autor: Vasili Kandinsky.
La abstracción en la pintura y la música Kandinsky y Schönberg La relación a la pintura y la música en la abstracción existe una ruptura
con los viejos paradigmas del arte por lo que Rodríguez de Modelo (1999)
afirma: “Existe un paralelismo entre la perspectiva apoyada en la atonalidad
musical y la síntesis y abstracción del referente figurativo de la pintura”
En este sentido Kandinsky y Schönberg conforman la nueva búsqueda
de nuevos lenguajes en al ámbito de la música y la pintura, representados en la
atonalidad musical y la abstracción pictórica.
Entre las técnicas que aporta la conjunción de la pintura y la música se
encuentra la heterofonía que según Barceló (2003) se explican de la siguiente
forma:
37
“La heterofonía es un recurso musical del siglo XX que consiste en superponer varios elementos sonoros de una misma línea melódica pero que no se corresponden entre sí. La transposición de este concepto o recurso musical a las artes plásticas tiene su mejor ejemplo en el uso de las nuevas técnicas como el collage, el ensamblaje o lo que es lo mismo: fundir en la unidad del cuadro una diversidad de materias, percepciones o realidades diferentes.” (Pág.155).
La heterofonía permite superponer elementos sonoros en la misma línea
melódica y en las artes plásticas este recurso se representa a través de la
superposición de elementos, collage, ensamblaje entre otros que conllevan a
percibir otras realidades.
En consonancia con lo antes descrito se encuentran publicaciones,
exposiciones y obras de arte que demuestran la unión entre la pintura y la
música. Al respecto Oliver (2010) dice:
“El Jinete Azul es el título de un cuadro que el pintor ruso Vasili Kandinsky realizó en 1903, pero también es el nombre de una publicación, El almanaque de El Jinete Azul, redactado por él y por Franz Marc, y verdadero manifiesto de aquellos artistas que constituían uno de los grupos de creadores de la vanguardia europea. Junto a ellos, August Macke fue el encargado de la documentación etnográfica del almanaque, en el que aparecieron trabajos de los pintores Max Pechstein, Alfred Kubin y Henri Le Fauconnier, y del músico Arnold Schönberg.” (Pág.98).
Figuras 13. Obra: El almanaque de El Jinete Azul Autor: Vasili Kandinsky.
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El jinete azul es el título de una obra de Kandinsky al igual que la
publicación del almanaque y la exposición del mismo título, que hizo coincidir a
un grupo de artistas unidos por sus conceptos filosóficos y artísticos, donde se
encontraban Vasili Kandinsky y Arnold Schönberg.
Figuras 14. Obra: El Jinete Azul Autor: Vasili Kandinsky.
Las analogías entre los pensamientos de Schönberg y Kandinsky son
tan abundantes que resulta casi evidente en las cartas que ambos
intercambiaron. Ambos compartieron su universo estético pasamos a
reproducir fragmentos significativos de una carta de Kandinsky citado por Díaz
de la Fuente (2005): “En sus obras ha hecho Vd. Realidad aquello que yo, de forma incierta desde luego, he estado buscando en mi música con tanto anhelo. Ese caminar independiente de los propios destinos, de la vida propia de las distintas voces que hay en sus composiciones, es exactamente lo que también intento yo encontrar en la pintura. Actualmente existe una gran tendencia por encontrar la “NUEVA” armonía a través de caminos constructivos, mientras que lo rítmico se construye casi de forma geométrica. Pero mi sentir y mis aspiraciones sólo van parcialmente por ese camino.” (Pág.74).
En esta carta se percibe la correspondencia entre la pintura de
Kandinsky y la música de Schönberg expresado por el propio Kandinsky
cuando reconoce la conexión entre las composiciones de Schönberg y su
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pintura en la búsqueda de una nueva armonía a través de la construcción de
un nuevo lenguaje artístico.
En correspondencia con lo antes expuesto por Kandinsky, Schönberg
citado por Díaz de la Fuente (2005) le responde lo siguiente:
“Estoy seguro de que coincidimos en (…) lo fundamental. En lo que Vd, llamo lo “ilógico” y yo lo denomino la “eliminación de la voluntad consciente en el arte”. (...) el arte pertenece al inconsciente. ¡Uno debe expresarse! ¡Hay que expresarse directamente! (…) ¡¡¡reconocer y expresar la visión percibida!!! ¡Esa es m i creencia! (Pág.69).
Schönberg afirma que existe correspondencia en eliminar la voluntad
consciente del arte y expresarse directamente en la búsqueda de otro lenguaje
por lo que posteriormente, Schönberg citado por Díaz de la Fuente (2005) dice:
(…)Tampoco puedo creer que la pintura tenga que ser necesariamente objetual. Más bien aseguraría lo contrario. No pongo objeción si es la fantasía la que nos inspira lo objetual. Se deberá a que nuestros ojos sólo perciben objetos. ¡Esa es la ventaja que tienen los oídos! Pero cuando el artista llega al punto de desear expresar en los ritmos y valores del sonido únicamente procesos e imágenes internos entonces el “objeto de la pintura” ya no servirá solamente para la reproducción de lo percibido por la vista.” (Pág.51).
En este sentido se presenta una visión de parte de Schönberg cuando
afirma su deseo de expresar en los ritmos y valores del sonido únicamente
procesos e imágenes internos que van a confluir con la propuesta de lo
espiritual del arte planteado por Vasili Kandinsky.
Abstraccionismo.
El abstraccionismo geométrico fue un movimiento sólido y rico en el
panorama de la pintura venezolana, la simultaneidad de modos expresivos
surgidos durante los últimos años, de índole tan diversa que comprenden
desde la escritura de signo espontáneos hasta el rigor de las formas
geométricas, dice a las claras de una tendencia irrepetible hacia la no
figuración y de una nueva lógica de lo imaginativo. Al respecto González Lujan
(2009) dice:
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“Hablar de arte abstracto geométrico en Venezuela es referirse a uno de los momentos más importantes de la creación plástica venezolana y a una de las alianzas coyunturales más claras entre el arte y el Estado de un país de Latinoamérica. El éxito de este arte racional en Venezuela está ligado con la riqueza generada por el petróleo y con la necesidad del Estado, y de las compañías ligadas a esta industria, de crear una imagen de progreso, tanto a nivel interno como externo.”(Pág.125).
La Venezuela petrolera debía estar a la par de las nuevas vanguardias
artístisticas universales y en consonancia con el progreso internacional, de
este modo se inicia la ruptura con el arte tradicional y se otorga importancia al
nuevo arte racional. Algunos artistas comenzaron a viajar a París, entre los
que destacan: Alejandro Otero, Mateo Manaure, Pascual Navarro, Luis
Guevara y Carlos González Bogen.
En este orden de ideas, González García (2010) afirma que el arte
abstracto llegó a Caracas antes de 1949, fue dado en París por la generación
que egresó de la Escuela entre 1945 y 1946, y de la cual formaban parte
aquéllos que serían los pioneros o protagonistas de los primeros cambios
vanguardista que se manifestaron en el arte abstracto venezolano.
En Venezuela surge el movimiento denominado los disidentes quienes
protagonizaron un enjuiciamiento a la cultura tradicional Venezolana y a
instituciones como Bellas artes, salones oficiales y escuelas de artes plásticas,
siendo su mayor aporte las nuevas vanguardias de la abstracción en
Venezuela.
A fines de los cuarenta regresan a Venezuela un grupo de pintores
venezolanos que traen nuevas propuestas plásticas y entran en confrontación
con el arte venezolano, Morales (2009) señala:
“Hacia fines de la década del cuarenta comienza a llegar a París un grupo de pintores venezolanos, estos artistas habían protagonizado en su país de origen una serie de protestas en contra de las enseñanzas impartidas en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas Cristóbal Rojas, que sustituyó a la Academia de Bellas Artes a partir del año de 1936, a las que consideraban al margen de la historia.” (Pág.85).
Los disidentes serán los llamados a producir un vuelco radical en el
panorama de las Artes Plásticas al introducir los lenguajes de la abstracción, la
preocupación por la investigación de los problemas formales de la pintura y la
41
propuesta de una representación que fuese más allá del paisaje y la realidad
social.
Varios artistas reacios a la enseñanza oficial de la escuela de Artes
Plásticas, tomaron rumbo a París para conocer las nuevas tendencias
abstractas. Entre estos pintores figuraban: Pascual Navarro, Alejandro Otero,
Mateo Manaure, Luis Guevara Moreno, Carlos González Bogen, Narciso
Debourg, Perán Erminy, Rubén Núñez, Dora Hersen, Aimée Battistini. La
cabeza intelectual del grupo, es el entonces estudiante de filosofía J.R. Guillén
Pérez.
En concordancia con el párrafo anterior Manaure (2010) dice:
“Somos venezolanos (y continuaremos siéndolo) y hemos sido las primeras víctimas de ese estado lamentable de cosas. Hoy nos revelamos contra ellas, y hablamos alto porque es necesario. Vamos contra lo que nos parece regresivo o estacionario, contra la que tiene una falsa función. Hemos sido resultado y testigos de mucho absurdo, y mal andaríamos si no pudiéramos decir lo que pensamos, en la forma en que creemos necesario decirlo.”
Manaure con su grupo dio un gran salto en el arte venezolano hacia
una creación diferente, enmarca dentro de un nuevo concepto en las artes
plásticas.
Figuras 15. Grupo los disidentes.
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Figuras 16. Obra: Columnas Policromadas. Autor: Mateo Manaure.
Los precursores del nuevo movimiento, poseen ahora métodos para
producir obras de matemáticos y racionales representativos de una nueva
generación. En este sentido Herrera (2010) dice: “A su regreso de París, Otero inicia en 1949 un polémico giro en el arte venezolano, se exhibe Líneas coloreadas, de 1950, el año en que edita en la Ciudad Luz la revista del movimiento Los disidentes que promulga el nuevo arte. Participan en esta muestra, entre otros, artistas exhibidos como Mateo Manaure y González Bogen, que luego desarrollaron en Caracas una aproximación ``más matemática''. (Pág.93)
43
Figuras 17. Obra: Coloritmo No1. Autor: Alejandro Otero.
La obra coloritmo de Alejandro Otero representan formas de tablones
alargados atravesados de un lado a otro por bandas paralelas blancas y
oscuras cuyos intersticios amoblaba con formas de colores puros y brillantes.
Según Herrera (2010) que los Coloritmos se inscriben en el movimiento de la
abstracción geométrica que tuvo su apogeo en Venezuela en la decisiva
década de los cincuenta. Movimiento del que el propio Otero llevo la voz
cantante y fuera su más atildado exponente.
La obra de Alejandro Otero, los coloritmos poseen la influencia del
movimiento de abstracción geométrica liderado por Piet Mondrian, con una
interpretación que pretende conjugar la música y sus vibraciones en la pintura
arte contemporáneo en Venezuela, como lo expresa Peran Erminy (2010):
”Los Coloritmos evocan la influencia del jazz, en un intento de Otero por hacer del arte un fenómeno más universal y menos elitista. Agarró esa idea y la desarrolló con líneas horizontales y colores. Para entonces, tenía la agudeza necesaria para ver lo invisible". (Pág.100).
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Figuras 18. Obra: Coloritmo No1. Autor: Alejandro Otero y saxofón.
El Informalismo En Venezuela se presenta el informalismo como la pintura como una forma
de lenguaje escrito, cuyo grafismo surge cargado de sentido personal y
univoco. Según Páez (2009): “El informalismo se caracteriza por el rasgo libre del lápiz sobre papel, mancha informe producida por el descuido y los surcos, chorrerones y montículos irregulares de pasta, de formas debidas en la peculiar y especifica naturaleza del colorante, se convierte para los informalistas en elementos de poderoso valor expresivo.” (Pág.55)
En el informalismo existe la libertad de utilizar diversos materiales no
convencionales para producir obras de arte, así como desprenderse de la
rigidez al intervenir los espacios compositivos.
En esta tendencia artística se puede mencionar al pintor venezolano Alirio
Oramas quien se dedica a investigar sobre los recursos del informalismo para
realizar obras con un lenguaje gestual con un sentido personal.
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Según Páez (2009) La obra de Oramas en el periodo informalista esta
caracterizada, por el predominio de lo emotivo, exteriorizado en forma libérrima
y anárquica. El artista utiliza los elementos que considera conveniente para
expresar sus sentimientos.
Figuras 19. Obra: Aum- Aum. Autor: Alirio Oramas.
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Artistas Larenses con experiencias en la música y la pintura
Esteban Castillo La Abstracción geométrica va a tener seguidores a nivel mundial, en el
caso desde Venezuela varios artistas asumen esta tendencia siendo uno de
ellos el artista Barquisimetano Esteban Castillo.
Según García (2010) afirma que en sus obras se aprecia el
constructivismo, la forma, el color y la geometría como base de sus
investigaciones que logran constituirse en un significativo aporte a la historia de
las artes plásticas venezolanas del siglo XX. Esteban Castillo estudia el arte
moderno, específicamente a los artistas geométricos, por lo que en su obra la
forma carece de importancia, se desmaterializa, en un espacio libre, la
realidad es simplificada a rasgos esenciales a través de la línea recta y los
colores primarios puros.
En consonancia con lo antes expuesto este artista Larense en algunas
de sus exposiciones ha fusionado la música y la pintura durante la apertura de
sus exposiciones como es el caso de la exposición: De lo pequeño a lo
grande, en la galería “Rafael Monasterios de la UCLA; donde realiza una obra
pictórica al compás del acompañamiento musical.
Al respecto Castillo (2010) dice: “Yo trabajo con música con Jazz aquí en mi taller cuando estoy haciendo mis cuadros, por lo que considero que uno puede unir la música y la pintura , cuando siente que la relación entre las mismas permite una expresión a plenitud de las artes plásticas”. Castillo (2010)
Castillo reconoce la importancia de utilizar dos sentidos para producir
una obra de arte como lo son la vista y el oído, con lo que se presenta una
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sensación paralela sinestesica que se materializa en el caso de la música en
la obra de arte, en este caso el jazz se convierte en formas geométricas,
líneas, color, por medio de las sensaciones que produce su música en el
artista.
Figuras 20. Obra: sin titulo. Autor: Esteban Castillo.
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Virgilio Arrieta
Entre los pintores radicados en el estado Lara se encuentra Virgilio
Arrieta quien también es músico y compositor quien ha organizado
experiencias que involucran la pintura y la música, específicamente el Jazz.
Para Arrieta (2011) las experiencias de música y pintura son espontaneas en
su vida artística porque mantiene años de producción musical y pictórica que
le han aportado grandes satisfacciones.
Según Villanueva (2010) Durante el V festival Internacional de Jazz, se
presentó la obra del artista plástico y músico quien deleitó a los presentes con
obras como. Jazz Latino, Al son del tambor y desnuda con flauta entre otros.
En relación a lo antes expuesto referente al V Festival de Jazz celebrado
en el Hotel Jirahara de Barquisimeto, Perdomo (2010) dice:
“Para esta edición del festival se incorporo la pintura por la relación contemporánea que tiene con el Jazz. Además de exponer ambas artes se profundizará el aspecto pedagógico con conferencia y clases magistrales, donde los participantes podrán recibir asesorías de los mejores y así complementar sus conocimientos sobre el genero”. Perdomo (2010)
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Figuras 21. Obra: Jazz. Autor: Virgilio Arrieta.
50
DEFINICIONES BÁSICAS
• Abstracto: es el estilo artístico que enfatiza los aspectos cromáticos
formales y estructurales, acentuándolos, resaltando su valor y fuerza
expresiva sin tratar de imitar modelos o formas naturales.
• Abstraccionismo Lírico: Término que empiezan a utilizar en Francia a
partir de 1945 el pintor Mathieu y el crítico Pierre Restany, para designar
un tipo de pintura similar al action painting norteamericana que pone su
énfasis en la creación de signos y formas en las que son fundamentales
el inconsciente y la espontaneidad.
• Arte: en términos generales se denomina arte a la actividad o producto
en los que el ser humano, expresa ideas, emociones o en general una
visión del mundo a través de diversos recursos como los plásticos,
lingüísticos, sonoros o mixtos.
• Acuarela: pintura con colores diluidos en agua. La acuarela es la
técnica pictórica que utiliza colores transparentes diluidos en agua e
inalterables a la luz, sobre fondo blanco. Los tonos claros suelen
utilizarse como base a la que luego se le añaden los detalles mediante
pinceladas de colores oscuros.
• Audición: función del sentido del oído.
• Color: sustancia preparada para pintar o para dar a las cosas un tinte
determinado.
• Consonancia: Cualidad de aquellos sonidos que oído simultáneamente,
producen efectos agradables.
• Contemporáneo: existen al mismo tiempo que otra persona o cosa
(actual).
51
• Disonancia: es doble sonido no siempre desagradable; y a veces
necesario.
• Espiritual: se aplica a las personas y cosas en las que prevalece lo
sensible sobre lo material.
• Emoción: estado de ánimo caracterizado por una conmoción orgánica
consiguiente a impresiones de los sentidos, ideas o recuerdos.
• Heterofonía: Interpretación simultánea de una misma melodía por
diferentes voces o instrumentos que puede estar o no en alguno de ellos
modificada u ornamentada.
• Interpretación: Aspectos de la ejecución de una obra que son la
plasmación concreta por parte del intérprete de las indicaciones del
compositor. La notación no es 100% clara y debe ser interpretada para
poder ejecutarla y ser transmitida la obra de arte. En la interpretación,
entra el estado anímico del intérprete, sus sentimientos y forma de
afrontar la música.
• Jazz: Genero musical nacido con el siglo XX, el Jazz se presenta como
una de las manifestaciones más vivas y dinámicas de la música
contemporánea. Creatividad, improvisación y sentimientos son algunas
de las características definitivas.
• Lenguaje plástico: Es la utilización por el artista de medios formales
que componen la pintura. Los elementos del lenguaje plástico son: la
línea, el espacio, el color, la luz y la composición; además se pueden
tener en cuenta otros elementos como el movimiento, las proporciones o
el ritmo.
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• Melodía: Sucesión de sonidos con personalidad y entidad suficiente y
que tiene sentido musical, transmite, por tanto, una idea. Conviene
destacar que toda sucesión de sonidos no es una melodía.
• Música: combinación de sonidos siguiendo las normas de armonía,
melodía y ritmo.
• Nota: Representación gráfica del sonido. El nombre de las notas viene
de un canto de la Edad Media.
• Partitura: Compendio de pentagramas que recogen la parte de cada
instrumento.
• Pintura: conjunto de colores dispuestos sobre una superficie según un
cierto orden y con una finalidad expresiva.
• Pintura contemporánea: La pintura contemporánea es, en líneas
generales, la que ha dado su inicio y se ha desarrollado a lo largo del
siglo XX, y continuado en el siglo XXI.
• Sinestesia: tropo que consiste en unir dos imágenes o sensaciones
procedentes de diferentes dominios sensoriales.
• Sensorial: relativo a las sensaciones en tanto que son fenómenos
sicofísicos.
• Tono: atributo de un color definido por su longitud de onda dominante y,
por tanto, su posición en el espectro cromático.
• Visión: percepción por el órgano de la vista.
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CAPITULO III
Planteamiento metodológico
Ruta Principal La investigación científica busca el conocimiento a partir de la consulta
de anteriores experiencias, postulados en general de teorías prácticas
cuantificables, sensitivas y actualmente particulares del mundo de la vida como
medio vital cotidiano. El objeto de la ruta hacia el conocimiento es la solución a
problemas de carácter técnico, científico o artístico. Existe una búsqueda
intencional para solucionar problemas que pueden estudiarse desde el punto
de vista hipotético deductivo o en el sendero de la investigación cualitativa,
como señala Yanes O (2000):
“La fenomenología fundada por Husserl, es una ciencia eidética, una ciencia descriptiva de la esencia de la conciencia pura. Teniendo como conciencia al conjunto de todas las vivencias; también como tener conciencia de algo, el darse cuenta y además como vivencia intencional. Siendo esta un acto psíquico que no se agota en un ser- acto y se dirige hacia un objeto, exista éste o no, como objeto intencional se diferencia del acto psíquico”. (Pág.127).
En cuanto al método, en consonancia con la temática sobre la creación
plástica específicamente la sinestesia, basada en experiencias vivenciales que
involucran la vista y el oído, y en virtud de establecer los elementos implicados
a través de la reducción e interpretación se seleccionó el enfoque
fenomenológico, pertinente para este estudio de la creatividad plástica y la
música específicamente el jazz porque se abordan los aspectos teóricos desde
el punto de vista de los artistas en la descripción de la realidad tal como es,
sin argumentar ni interferir en ella, pues la epojé husserliana la reduce a su
medio vital cotidiano.
Camino de Indagación
En este orden de ideas, se emplea el enfoque fenomenológico del
método cualitativo, porque el interés central de este estudio va dirigido al
significado de las acciones humanas y la práctica social, fomentando la
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participación democrática y comunicativa entre el investigador deponente y los
artistas testigos, donde predomina la práctica que desnuda la realidad desde
sus propios mundos; razones por las cuales, este enfoque no parte de una
tesis sino que por el contrario se basa en las experiencias vividas y a partir de
allí se interpreta la realidad a través de una síntesis descriptiva haciendo
énfasis en las acciones que desarrollan los artistas testigos como poseedores
de conocimientos producto del trabajo creativo ejecutado en forma cotidiana.
Todo ello, significa asumir la investigación como un desafío constante,
desarrollado a través del diálogo y las interacciones, para lograr así una
interpretación en el contexto artístico , dado que las acciones de las personas
tienen una intencionalidad e influyen en los demás y viceversa; por tal motivo,
se puede decir que con el empleo del enfoque fenomenológico, el investigador
coadyuva en el proceso de describir y estructurar el significado que los
involucrados dan a sus propios procesos artísticos.
Según Martínez Miguélez (2006) la fenomenología presenta etapas y
pasos que fueron analizados tomándose de ellos, los que se consideraron
indispensables para convertir la información teórica en conocimientos y
concretar el objetivo general de este estudio como propuesta estética.
Categorización y análisis de la información
Para el desarrollo metodológico se revisaron minuciosamente los elementos
aportados por los artistas testigos Fernando Freitez, Virgilio Arrieta y Esteban
Castillo, tanto en las entrevistas como en los testimonios de vida posteriores.
TESTIMONIO DE VIDA. Entrevista 1 FECHA: sábado 20de noviembre de 2010.
Fernando Freitez Gassán: La música en la cromática cotidiana.
Conocí al Profesor Fernando en la Universidad Pedagógica Libertador
donde trabaja como Docente en la Licenciatura en música, mi tutor al conocer
mi área temática me lo recomendó y finalmente nos presentó esa tarde,
inmediatamente comenzamos a platicar sobre su experiencia musical hasta
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que se tocó el tema de mi Interés, muy gentilmente me invitó a conversar más
formalmente en el cafetín de la institución a donde nos dirigimos, no sin antes
agradecerle su asertividad y el tiempo que me iba a dedicar.
Fernando: Nací en Barquisimeto el 9 de Julio del año 1958 y desde muy
pequeño siempre tuve agilidad en las manos y un oído musical privilegiado. El
primer instrumento que tuve como buen barquisimetano, fue un cuatro pequeño
que recibí de regalo del Niño Jesús una navidad, pero eso fue como
entretenimiento infantil, jugaba a ser músico y en eso me divertía daba
conciertos con un público imaginario que por supuesto me aplaudía de pié y me
ovacionaba; cosas de niños.(risas)
Claudia: Pero es en la infancia donde se construyen los sueños que de adultos
podemos concretar supongo que ese recuerdo lo lleva con usted siempre.
Fernando: Así es Claudia, creo fielmente en eso que comentas nuestro
presente consolida el futuro y se fortalece con nuestras vivencias.
Claudia: Pasa su infancia soñando con serlo pero profesionalmente ¿cuando
decide ser músico?
Fernando: Tan sólo en el año 1973 es cuando comienzo a ejecutar
profesionalmente el cuatro venezolano, dos años después en 1975, incorporo
guitarra Acústica y Eléctrica pues ya comenzaba mi apasionamiento por el
Jazz.
Claudia: ¿Qué es para usted el jazz?
Fernando: El Jazz arte, y aunque como manifestación cultural tuvo su origen
en Norteamérica a finales del siglo IX y comienzos del XX ha dejado, por sus
complejidad y circunstancias, un producto intercultural e interracial. Hoy día
esta interacción es global por lo que actualmente existen muchos estilos y
mezclas entre ellos, el. jazz Venezolano que yo ejecuto, el jazz flamenco,
fusión de jazz con rock, y algunos otros y dentro de esta compleja expresión
artística se engloban todas las artes, la música principalmente, danzas, pintura,
Teatro,...etc.
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Claudia: En ese englobamiento que menciona está la temática de mi tesis, las
artes plásticas específicamente la pintura y el jazz en un encuentro sinestésico
como resultado creativo, al respecto ¿qué puede agregar?
Fernando: Este concepto de sinestesia como tal lo desconocía aunque había
escuchado o leído este término. En mi caso creo que esta condición de
relacionar sonidos con cualquier objeto físico objetivo o subjetivo, vivencial o
espiritual, colores y formas, como me explicas es natural en muchas personas
sean artistas o no, al menos a mi me sucede y no se a que se debe. Sin
embargo he tratado conscientemente de desligar la música de toda imagen
tratando de ver la música por si misma, independiente de toda imagen o
asociación sinestesica (sobre todo para no asegurar ni concluir la veracidad de
estas asociaciones que son subjetivas y diferentes en cada persona), pero en
la práctica a veces no me sucede así y establezco las asociaciones motivado
por lo que percibo en el entorno, este es un fenómeno que sigue siendo muy
personal y subjetivo.
Claudia: Es muy común que esto pase, a pesar del esfuerzo sobre todo en las
artes plásticas que se asocia totalmente con la imagen figurativa y
específicamente en mi trabajo, se hace abstracta en contacto con la música.
Esta es mi vivencia con los bocetos de mi bitácora cuando escucho jazz
específicamente su CD Evocación que me lo facilitó mi tutor y su amigo Pablo
Pulgar.
Fernando: Qué interesante y que honor que me hayas seleccionado para tu
experiencia plástica. (----) Ahora que lo mencionas, siento que si hay relación,
la pureza de la composición musical hace sinestesia creadora con tu búsqueda,
desde esa perspectiva tiene sentido porque se da la conexión plástica con la
composición musical. Como te decía intento dejarme llevar por la música pero
te prometo hacer la prueba con imágenes (risas) y a lo mejor hago del Jazz un
mural acústico.
Claudia: Profesor, lo prometido es deuda (Risas) y cuando quiera podemos
empezar (Risas nuevamente)
Fernando: si es así de una vez, ni lo pienses más porque después te
arrepientes, vamos (Risas)
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Claudia: Profesor usted si es cómico, mejor terminemos primero con mi tesis y
después vamos con la suya
Fernando: Yo sabía que te ibas a arrepentir rápido. (Risas) ahora si en serio
porque después Pablo te va a reprobar.
Claudia: ¿Qué me puede decir sobre el arte abstracto?
Fernando: Realmente no sé que es arte abstracto, aunque podría intuir que es
la expresividad del color que se da a través de las manifestaciones
psicológicas del artista. El jazz pudiera ser arte abstracto porque son
improvisaciones rítmicas que se organizan posteriormente, así como lo haces
con la pintura, es decir que si me concentro en esas imágenes abstractas que
tienes en la bitácora es posible que surjan nuevas composiciones musicales,
sería una trilogía Evocación-Ecos visuales-Cromatismo sonoro o algo así….
Claudia: Interesante su análisis y muy válido como cadena sinestésica del arte
englobado, como comenzó diciendo en esta entrevista. Muchísimas gracias por
su atención y por los aportes a mi trabajo de grado.
Fernando: No me resta sino felicitarte por la temática que escogiste para
desarrollar nuevos conocimientos y desearte el mayor de los éxitos en la
finalización de tu meta profesional.
El profesor se fue caminando lentamente hasta el salón de clases, allí lo
esperaban jóvenes bachilleres para comprender procesos históricos de la
evolución de la música, tema que domina a la perfección pues se auto-formó
como músico primero para después graduarse en la Universidad de Pedagogo,
lo observaba retirándose y reflexionaba parodiando la sinestesia,
indiscutiblemente el encuentro del compositor con el docente, producen una
obra de arte en ese salón de clase.
Soy compositor autodidacta y esto me ha permitido la libertad creadora desde
la esencialidad profunda de la música; por ello, decidí estudiar Guitarra clásica
con el Maestro Rodrigo Riera en el 1979 y me inicié en el Jazz con el Maestro
Virgilio Soteldo, así me fui enamorando del estudio instrumental para
profundizar en la música Electroacústica con el Maestro Ricardo Teruel vivía
en Caracas para ese entonces eso fue desde 1987 hasta 1989 necesitaba
58
aprender y dominar los instrumentos para tener donde expresar mis
composiciones.
Así surgió mi primera producción independiente, recuerdo que en el año 1991
se editó en formato de LP, SURCOS, con composiciones de mi autoría para
guitarra sola; posteriormente, en el año 1993 Grabé en Bélgica del primer CD
“TERRACOTA” en 2 guitarras y percusión (tinajas) junto con Veronique Gillet y
Carlos Franco.
En el año 1995, doy una gira en Venezuela y de aquí por Alemania, Republica
Checa y Bélgica promocionando Terracota y realicé mi segundo CD grabado
en Bélgica, “3 ELEMENTOS” con 2 guitarras y percusión (tinajas) junto con
Veronique Gillet y Carlos Franco.
En 1999 vuelvo de gira a Bélgica como invitado especial al Festival de
Stavelot, Spy, Jette), en Alemania al Festival de Guitarra Open String 99,
Osnabruck y grabé mi tercer CD con Terracota, "SAVIA"; en el 2006, viajo a
Hungría con Veronique Gillet, Sandor Szabo y Jorg Nassler y Silvio Schneider
al Nemzetkcsi Akusticusguitar Festival.
Después del 2007 comienzo los Conciertos de guitarra Jazz en el Festival
Internacional de guitarra de Angostura Antonio Lauro (FIGA), Ciudad Bolívar,
Venezuela; para así en el año 2010 realizar mi segunda producción
independiente EVOCACIÓN, grabando también composiciones de mi autoría
para la guitarra sola, esto lo hice a dúo de Guitarras con Sandor Szabo y otras
con amigos invitados: Vèronique Gillet, Rubén Riera, Carlos Franco,
Caryashenry Orozco, Dídier Laloy. Editado en formato de C. D (Fernando
Freitez, 2010) Barquisimeto que es el que te acompañó en esta experiencia.
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TESTIMONIO DE VIDA. Entrevista 2 FECHA: sábado 27 de noviembre de 2010
Virgilio Arrieta: El artista de la ternura cotidiana Muy temprano me dirigí a la casa del maestro Virgilio Arrieta luego de haber
concretado la visita por teléfono, siempre había admirado a este reconocido
artista, maracayero de nacimiento pero barquisimetano de corazón como él
mismo dice, su obra muralística ubicada al costado izquierdo del edificio
central del Rectorado ha impactado mi estadía en la UCLA, un gran mural que
transmite alegría y ternura y que va arropando la angustia cotidiana en el
colapsado tránsito de la carrera 19; en esto pensaba cuando llegue a su
residencia, conversamos como si nos conociéramos desde hace tiempo en un
dialogo que fluyó con espontanea naturalidad, le expliqué la temática en
estudio, la finalidad de la visita y lo importante que era para mi su ayuda,
compartimos un café larense y comenzamos la entrevista
Claudia: Buenas días Maestro, ya podemos comenzar formalmente esta
entrevista Virgilio Arrieta: Claro Claudia comencemos
Claudia: Muchas gracias Maestro, para mi es un honor estar aquí en su casa
porque sé que usted está muy ocupado y me está regalando su tiempo
creador.
Virgilio Arrieta: Nada de eso, más bien es un orgullo para mí tenerla aquí en
casa, su hermosa presencia adorna mi hogar
Claudia: (risas) Maestro, siempre he tenido la inquietud de saber algunas
cosas del mundo interior de los artistas, cómo piensan, que sueñan, etc. pero
sobre todo en su caso deseo comenzar esta entrevista conociendo su opinión
sobre ¿qué son la música y la pintura?
Virgilio Arrieta: bueno para mí la música y la pintura son artes de la misma
esencia, se unen cada vez que realizo una obra, pues siento que soy
sinestésico uniendo dos lenguajes artísticos percibidos por dos sentidos
diferentes, se unen de tal forma que son inseparables para realizar el
movimiento plástico, la música fluye en las líneas onduladas, el ritmo es el
movimiento y la acción, la melodía el dibujo y el sonido los colores, ese
60
encuentro entre ambas es espontáneo no se pueden separar, por lo tanto en
esta representación hay sinestesia pues ambas vertientes se fusionan de tal
manera que se funden en una sola respuesta, esa es la obra de arte.
Claudia: en su biografía leí que usted estudió música, por ello siento en sus
palabras ese acercamiento que explica anteriormente.
Virgilio Arrieta: si, estudié música y me especialicé en composición musical
como acto creador, de ahí entendí la unión de la música con la pintura como
abstracción, es decir una Uno es artista integral e íntegramente construye o
más bien, plasma su mundo en la obra, pero cuando compongo canciones me
pasa lo mismo no es solamente cuando pinto, aunque se que a ti te interesa
desde el punto de vista del artista plástico.
Claudia: claro por lo menos desde el enfoque plástico recuerde que es en
Artes plásticas que me voy a graduar (Risas) ahora en concreto, cuando está
realizando una obra ¿qué tipo de música escucha? Virgilio Arrieta: escucho todo tipo de música pero me inclino con mayor
preferencia por la más la tradicional, el tango es uno de mis predilectos aunque
como te decía me gusta escuchar todo tipo de música, recuerdo que leí en
alguna oportunidad que Kandinsky decía que escuchaba a Beethoven pero son
sonidos de otra época, así como la pintura evolucionó, la música también.
Claudia: Maestro, imaginemos que en este instante usted está en proceso
creador, ya tiene el lienzo listo, coloca la música de su preferencia y está
sonando ¿Qué elementos de expresión preponderantemente aparecen en esa
obra cuando escuche esa música? Virgilio Arrieta: que buena pregunta me remonta al trabajo que me espera allá
en el taller (Risas) Generalmente La línea y el color son los elementos que
relacionan la música con mi trabajo plástico, en mis obras se representan a
través de las líneas onduladas, rectas o curvas, dando a conocer también lo
interior en el cuadro por medio de los colores, así puedes captar que los color
cálidos son los tonos altos y los colores fríos los más bajos, fíjate en esa obra
que está al frente de ti, allí puedes ver los aspectos musicales inspirados por la
música a través de la imagen.
Claudia: Muy interesante esa combinación de colores o tal vez esa
combinación de tonos (RISAS) hay en la expresión de estos personajes mucha
61
ternura y me parece escuchar en ellas a Kandinsky no sé, lo sentí en la
vibración interior que produce el encuentro visual con su obra ¿Qué piensa? Virgilio Arrieta: Kandinsky hizo investigaciones profundas al respecto, el vio el
color no como lo vieron en la antigüedad lo captó como lo ven en esta época,
es un hombre que evolucionó y logró descubrimientos extraordinarios de cómo
es el color visto científicamente es decir como elemento autónomo;
anteriormente el color no era visto como autónomo, el color era antes visto
como un relleno al secundario. (Virgilio interrumpe por un rato la conversación
porque se le escapo el perro, todos fuimos a corretearlo hasta que por fin
estuvo nuevamente dentro de la casa) Más tarde Kandinsky fue un hombre
que descubrió que las líneas son un verdadero lenguaje, la gente en la
antigüedad trabajaba con fórmulas fue en el siglo XIX; para Kandinsky era muy
importante en sus obras el leguaje geométrico el decía que uno tenia que
buscar el sonido del color. Tal vez esa ternura la percibes en ese aspecto
Kandinskiano en los colores cálidos que le dan suavidad a la obra.
Claudia: y en esta obra se percibe esa influencia a la perfección, ello quiere
decir que usted considera que ¿Kandinsky fue el que supo cómo manejar la
línea como expresión? Virgilio Arrieta: Claro que sí, él hablaba de que era la línea intermitente, la
recta, la curva, son las que se pueden expresar con mayor facilidad al
asociarlas a la música; por ejemplo, cuando un pintor maneja la línea ondulada
expresa con ella la musicalidad porque esa es la línea de la música pero
cuando expresada con el color.
Claudia: Vuelvo a preguntarle sobre ¿Cómo relaciona la música con la
pintura? Pudiera hablar más a profundidad sobre ello y asociarlo a Kandinsky?
Virgilio Arrieta: Claro con mucho gusto te lo explico, por ejemplo el sonido de
bajo equivale a los colores oscuros, el músico crea un espacio con el sonido
igual que lo hace el pintor, por eso te digo que hay una gran relación entre
ellos.
Claudia: Claro. Virgilio Arrieta: Kandinsky siempre decía que el amarillo es un color
inquietante que afecta el ojo y es el color más luminoso da mucha vida a mi me
encanta el color amarillo es terrenal, el azul es relacionada con lo religioso, el
rojo es fuerte esta asociado con el amor es pasional violencia sabiéndolo usar
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es bueno el rojo y el amarillo da el naranja es de vida, cuando vemos el verde
lo asociamos como algo sedante para Kandinsky era muy importante ver el
verde todos los días ya que es medicina para el espíritu, el violeta es algo triste
o melancólico en china visten a las mujeres viejitas en los asilos de este color,
en una pintura cuando utilices los colores violetas transmites cierto toque de
melancolía inevitable; ahora vamos a los dramáticos según Kandinsky el negro
es un dramatismo extraordinario ve ese cuarto oscuro lo que da es miedo, ve
un hueco oscuro también da miedo porque el negro infunde miedo porque lo
asociamos a la muerte el negro es oscuridad, el negro y el blanco son los
colores en artes plástica que dan mayor impacto es algo vital, el blanco es un
color que nos hace pensar en una limpieza total el blanco lo asociamos con la
pulcritud, el gris para Kandinsky es un color sin sonido no tiene carácter propio.
Claudia: Esto es realmente impresionante usted habla de Kandinsky y se
ilumina de poesía cada una de sus obras. Muchas gracias por permitirme entrar
a su casa y por brindarme la oportunidad de conocer su mundo.
Virgilio Arrieta: Espero que la entrevista te sea útil para la tesis y alcances tu
meta profesional. Mil éxitos y espero que me invites para acompañarte en la
defensa.
Claudia: Seguro que si, sería un inmenso honor contar con su presencia. Finalmente por la noche recibí vía correo electrónico el testimonio de vida que
a continuación agrego: Nací en Maracay, Edo. Aragua, en el año 1955. Desde muy niño me
encantaba la música, encontrarme con los sonidos exaltaba mi imaginación,
confieso que ese fue y hasta sigue siendo mi juego favorito, también me
gustaba escribir poemas amorosos de esos que saltan solos cuando uno está
enamorado y la pintura por los colores, el movimiento y la luz, eran tiempos
donde el arte era cotidiano y aliviaban la enorme carga del estudio infantil,
después música y pintura han ido conmigo por todo el camino universitario en
pregrado y postgrado y creo que conmigo estarán por siempre. Comencé mis
estudios de pintura en la escuela de Arte de la cuidad de Maracay,
compartiendo taller con diferentes artistas plásticos nacionales con quienes
mantengo aún relaciones armónicas, y de vez en cuando, coincidimos en
algunos sitios del país. He realizado exposiciones individuales y participado en
salones, han sido tantos que no los menciono aquí para no fastidiar alargando
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este testimonio. Simplemente sé que el artista debe recorrer múltiples
experiencia para romper con lo cotidiano y experimentar con todas las
posibilidades para que emerja el mundo interior desde lo más recóndito de su
corazón.
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TESTIMONIO DE VIDA. Entrevista 3 FECHA: lunes 24 de enero de 2011
Esteban Castillo:
Me movilicé a la casa del maestro Esteban Castillo un lunes por la
mañana, me costó mucho localizarlo pues estaba de viaje pero por fin el día
anterior concretamos para vernos ese día y así aplicar la entrevista; este gran
representante del Movimiento Abstracto Geométrico de nuestro estado, era sin
duda alguna, una fuente fundamental para indagar y se hizo obligante para mi
escudriñar en su mundo para enriquecer mi propuesta plástica; conocía de
antemano su búsqueda del color y la forma combinándolo con sensaciones
espirituales.
El artista estaba esperándome en la puerta nos saludamos con cierta
confianza Claudia: Hola Buenos días Maestro ¿cómo está?
Esteban Castillo: Hola bien y tú? Pasa adelante bienvenida suba por la esas
escaleras que ahí está mi taller.
Claudia: Muchísimas gracias por permitirme entrevistarlo realmente es para mí
un placer estar aquí hoy conversando con usted
Esteban Castillo: siéntate cómoda, estás como en tu casa. No tienes nada
que agradecerme porque para mi también es un orgullo que mi trabajo inspire a
jóvenes como tú y sirva de sustento en la meta profesional que te has trazado.
Claudia: Realmente para mi es muy importante el aporte que hace a mi
investigación.
Esteban Castillo: ¿estas tomando fotografías?
Claudia: No, de principio sólo lo voy a grabar claro está si usted permite
Esteban Castillo: ah bueno si como tu quieras y te parezca más cómodo.
Claudia: comencemos esta conversación, he leído sobre la manera que utiliza
al concretar su propuesta pictórica fusionando la imagen con la música ¿con
que estilo de música trabaja al realizar sus obras?
Esteban Castillo: mira yo trabajo con música con Jazz aquí en mi taller
cuando estoy haciendo mis cuadros, por lo que considero que uno puede unir
la música y la pintura, hay una relación entre las mismas que permite una
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expresión a plenitud de las artes plásticas, aunque fíjate esto es diferente a la
música que utilizo cuando hago un poco de espectáculo ¿sigo hablándote?
Claudia: si! Tranquilo continúe que es muy interesante.
Esteban Castillo: esa idea nació cuando me pidieron que hablara en público
claro ahorita hablamos más que hace quince años atrás, y entonces yo dije:
prefiero pintar y por eso fue que salió la idea y yo me recordé, de un artista
francés que aparece en una película de hace treinta años que se llama perro
mundo, allí se mostraban puras cosas raras y entre esas cosas raras estaba
esa, cuando el pintor vestía a una mujer desnuda bañándola de pintura azul y
la pegaba sobre el lienzo donde quedaban plasmadas huellas del cuerpo, todo
ello iba acompañado de música de jazz, esto me impactó mucho y quise
trabajar algo así, este pintor ya está muerto pero es impresionante como
trabajaba con un grupo de cámaras que iban captando todo el proceso
acompañado de los acordes del saxofón, el resultado final era muy bello.
Claudia: debió ser muy impresionante verlo, sólo lo cuenta y ya uno se imagina
el saxofón rodeado de azules.
Esteban Castillo: La verdad es que si es muy emocionante, para la próxima
exposición la invito. A raíz de una exposición que hice sobre el tema de las
máquinas, fusioné muchas manchas abstractas con un fondo musical tocado
por el maestro Ángel Eduardo Montesinos con música gitana porque es una
música muy rápida, después agregó música Venezolana, con joropo más que
todo, por su rapidez ejecutante, sólo salve un momento que tiene que ser muy
calmado ya no era lo abstracto de las máquinas porque tenía que redibujar la
figura humana, y regularmente cuando hago pintura figurativa necesito mucha
concentración; en esta exposición utilicé una figura sentada por lo menos la
última, la que se usó para el catálogo, la hice desnuda y al mismo tiempo le
puse el ropaje y bueno a la gente le gusta que haga esas pintura al compás de
la música.
Claudia: O sea, entiendo en sus emotivas palabras que ¿usted pinta a través
de la rapidez de la música?
Esteban Castillo: si, pero cuando estoy en público, te explico más
detenidamente, yo llevo al salón donde estoy exponiendo el boceto dibujado en
el lienzo, allá comienzo a manchar porque llevo los colores más o menos
preparados, esto se hace al ritmo de la música
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Claudia: Ah ok.
Esteban Castillo: los colores no los mezclo en la paleta, yo los llevo directo del
pote a la tela y como esa pintura está húmeda con ningún otro color y un poco
de agua voy matizando el relieve, dándole volumen a la obra.
Claudia: en ¿cuanto tiempo lo hace?
Esteban Castillo: entre quince a veinte minutos que es más o menos lo que
dura la ejecución de la pieza musical; yo en ese momento me transformo un
poquitico porque yo estoy concentrado hacer eso rápido yo estoy demasiado
no estresado es más bien agitado y quiero hacerlo rápido para poderla realizar.
Claudia: ¿Usted se lleva más por el ritmo?
Esteban Castillo: si me llevo más por el ritmo estuve moviendo el pincel a
través del ritmo, por eso es que tiene que ser rápido para que sea más
interesante.
Claudia: ¿qué tipo de música le gusta?
Esteban Castillo: Instrumental más que todo, por ejemplo entre mis favoritas
tocaron un tango que utilizo para redibujar, yo comienzo manchando muy
rápido para llenar la superficie porque eso pone nervioso la tela en blanco.
Claudia: si, a mi también me pasa!
Esteban Castillo: (Risas) ese es como el mal de todos los artistas. entonces
yo lleno eso muy rápido después vienen son dos piezas y yo lleno una
superficie de un metro por un metro cuando empieza viene el redibujo que tiene
que ser algo lento como un bolero o guitarra porque yo tengo que construir y la
ultima tiene que ser una algo de una pieza musical rápida. Te aclaro esto es lo
que hago en público.
Claudia: Entiendo Maestro, lo que usted llama el espectáculo, al respecto
¿Cuál fue su última experiencia?
Esteban Castillo: la última fue con Ramoncito Cimarrón era un merengue
joropo.
Claudia: observo en su discurso que ¿Le gusta más la música Venezolana
para realizar sus obras?
Esteban Castillo: No necesariamente, bueno claro yo tengo que ir y hablar
con el músico, acompañar mi trabajo plástico con los músicos es muy bello,
tanto con Montesinos, como González y como el grupo ensamble Nueva
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Segovia, niña los tienes que mencionar porque se han compenetrado
enormemente con mi obra.
Claudia: claro que si, ellos son parte de este testimonio que va a quedar en mi
trabajo de grado.
Esteban Castillo: ellos se hacen como cómplices conmigo entonces es muy
bello ellos disfrutan mucho también; yo me voy emocionando a medida que
ellos le van avanzando en la pieza musical.
Claudia: ¿Usted lo hace en vivo le gusta hacer esa práctica?
Esteban Castillo: Claro eso si porque es un espectáculo y tiene que ser con
un grupo en vivo, ya lo hago n mis exposiciones ya es algo mío.
Claudia: ¿Pero también lo hace en su taller?
Esteban Castillo: si pero con otro tipo de música. Allí me gusta más el jazz
porque hay un recogimiento interior que te permite comunicarte contigo mismo;
pero en vivo es diferente creo que hay un frenesí y mucha energía vibrante que
se mezcla en el ambiente
Claudia: Maestro ¿usted siempre ha trabajado con el movimiento abstracto?
Esteban Castillo: No, el abstracto son de los últimos de los setenta o cuarenta
años el geométrico, porque primero fue la pintura figurativa, después vinieron
las maquinas que son puras manchas y formas mecánicas, lo figurativo son los
bodegones, el paisaje; aunque soy muy conocido es como pintor abstracto
geométrico los pintores viejos saben que yo soy un pintor figurativo.
Claudia: ¿Qué significa el abstraccionismo geométrico para usted?
Esteban Castillo: yo fusiono Las dos tendencias del abstraccionismo la
geométrica con la figura y la lírica con el color, para mi el abstraccionismo es
un medio de expresión vital porque enuncia una realidad interior que por lo
tanto no se ve sino se siente, como las ideas, sentimientos por ejemplo;
entonces se hace arte visual a través de la figura geométrica y los colores
reinterpretándose con un nuevo lenguaje: el intuitivo artístico.
Claudia: ¿Maestro qué me puede decir sobre la sinestesia?
Esteban Castillo: Específicamente no te podría hablar porque no conozco
mucho sobre el tema en concreto, sólo sé que tiene que ver con los sentidos
pero no me he metido mucho en ese tema.
Claudia: Precisamente de eso se trata, cuando usted me cuenta como fusiona
los dos sentidos el auditivo y el visual para captar o expresar arte, cuando
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congrega la música al trabajo plástico tanto en escena como privadamente hay
sinestesia.
Esteban Castillo: ah entonces no estaba tan alejado del tema (Risas) Bueno
mira indudablemente la música esta unida con la pintura tienen el mismo
código hay armonía, equilibrio y uno encuentra muchos ejemplos en la historia
del arte de artistas plásticos que unen la pintura y la música por lo menos
Kandinsky pintaba y unía sus trabajos con la música. Indudablemente la
música influye al trabajar, acompaña y permite que fluyan libremente las ideas,
siempre he trabajado con la música.
Claudia: Finalmente llegó la hora de despedirnos, me siento muy contenta de
haber conversado con usted y muy orgullosa de su amabilidad y disposición.
Esteban Castillo: en mi tienes un amigo, así que te invitaré para la próxima
exposición, te deseo Claudia que salgas muy bien en tu trabajo de
investigación y cualquier información que necesites llámame que con gusto te
recibo y además avísame para acompañarte el día de tu defensa. Muchas
gracias a ti por escogerme para tu trabajo de grado.
Como habíamos acordado previamente, por la tarde recibí vía correo
electrónico el testimonio de vida que transcribo textualmente: Nací 26 de Diciembre 1941 en Barquisimeto, esta ciudad que llevo en mi
corazón siempre, recuerdo que a los 14 años comencé a estudiar en la
Escuela de Artes Plásticas y me gustaba mucho ir allá quedaba lejos por allá
por la 50 o algo así y me iba a pié. Eran tiempos muy bellos y no había tanto
peligro como ahora. Tuve una gran oportunidad, hice una serie Las Máquinas
en 1965 a 1967. Regrese a Venezuela en 1987. Expuse en Venezuela, México,
Francia, Suiza, Alemania y Japón. Mis primeras obras fueron figurativas, con
temas de campesinos y bodegones. Produje una serie Las Gordas desde 1955
hasta 1964, obras con influencia de Paul Cezanne.
Mis primeras obras figurativas son influidas por los pintores impresionistas,
pero en poco tiempo las obras se enriquecieron con pinceladas fuertes, de
mucho colorido y la utilización de mucha pintura. Después de un viaje de dos
meses a los Estados Unidos, me aleja de la obra figurativa y comienza las
obras de grandes manchas de colores, y donde el gesto, la utilización del
sprays, y la incorporación de números y letras en esta nueva etapa de mi obra.
69
Llego a París, con la vanguardia del arte cinético y gran parte interesado por el
movimiento y las formas geométricas de los artistas venezolanos, Carlos Cruz
Diez y Jesús Rafael Soto son figuras muy importantes. Comienzo a investigar
dentro de los nuevos planteamientos. Reviso y estudio a los artistas
geométricos, y decido ir a Londres, allá desarrolle mi obra que se orienta a
formas simples cuadrados, triángulos y la utilización del blanco y el negro.
Después de vivir tres años en Londres decidió regresar a París e integrarme al
movimiento parisino. Después de 17 años de vida artística y de exponer en
diferentes exposiciones decidí regresar a Venezuela en el año, 1987. En los
últimos años e participado en muchas exposiciones, actualmente, hice un mural
llamado “Geometría y colores”. Realizado en cerámica y con una medida de
más de 2600 metros cuadrados y donde se utilice alrededor de 35.000
cerámicas.
Figuras 22. Maestro Esteban Castillo en su taller.
Se transcribieron y fue representada a los artistas testigos quienes relacionaron
las correcciones necesarias agregando o quitando según sus puntos de vista.
70
Unidades temáticas
Fernando Freitez Artista músico
Virgilio Arrieta Artista plástico
Esteban Castillo Artista plástico
Arte abstracto
Realmente no sé
que es arte
abstracto, aunque
podría intuir que es
la expresividad del
color que se da a
través de las
manifestaciones
psicológicas del
artista. El jazz
pudiera ser arte
abstracto porque
son
improvisaciones
rítmicas que se
organizan
posteriormente, así
como lo haces con
la pintura, es decir
que si me
concentro en esas
imágenes
abstractas que
tienes en la
bitácora es posible
que surjan nuevas
composiciones
musicales.
La abstracción, es
el arte donde se
plasma un mundo
en la obra, no es
necesario razonar
la representación
de las figuras sino
que tiende a
utilizar un lenguaje
visual propio con
unos significados
variados, Vasily
Kandinsky es el
gran teórico del
arte abstracto
pero cuando
compongo
canciones me
pasa lo mismo no
es solamente
cuando pinto.
El arte abstracto es
una manera de vivir
y es lo más fuerte
que existe en mí; es
una condición muy
particular de mirar e
interpretar el mundo
y de sentir todo lo
que me rodea.
Yo fusiono Las dos
tendencias del
abstraccionismo la
geométrica con la
figura y la lírica con
el color, para mi el
arte del
abstraccionismo es
un medio de
expresión vital
porque enuncia una
realidad interior que
por lo tanto no se ve
sino se siente, como
las ideas,
sentimientos;
entonces se hace
arte visual a través
de la figura
geométrica y los
colores
reinterpretándose
con un nuevo
71
lenguaje: el intuitivo
artístico.
Sinestesia Sinestesia como
tal lo desconocía
aunque había
escuchado o leído
este término. En
mi caso creo que
esta condición de
relacionar sonidos
con cualquier
objeto físico
objetivo o
subjetivo, vivencial
o espiritual,
colores y formas,
como me explicas
es natural en
muchas personas
sean artistas o no,
al menos a mi me
sucede y no se a
que se debe. Sin
embargo he
tratado
conscientemente
de desligar la
música de toda
imagen tratando
de ver la música
por si misma,
independiente de
La sinestesia es la
unión de dos
lenguajes
artísticos
percibidos por dos
sentidos
diferentes, se
unen de tal forma
que son
inseparables para
realizar el
movimiento
plástico, la música
fluye en las líneas
onduladas, el
ritmo es el
movimiento y la
acción, la melodía
el dibujo y el
sonido los colores,
ese encuentro
entre ambas es
espontáneo no se
pueden separar,
por lo tanto en
esta
representación
hay sinestesia
pues ambas
vertientes se
Específicamente no
te podría hablar
porque no conozco
mucho sobre el tema
en concreto, sólo sé
que tiene que ver
con los sentidos pero
no me he metido
mucho en ese tema.
72
toda imagen o
asociación
sinestesica (sobre
todo para no
asegurar ni
concluir la
veracidad de estas
asociaciones que
son subjetivas y
diferentes en cada
persona), pero en
la práctica a veces
no me sucede así
y establezco las
asociaciones
motivado por lo
que percibo en el
entorno, este es un
fenómeno que
sigue siendo muy
personal y
subjetivo.
fusionan de tal
manera que se
funden en una
sola respuesta,
esa es la obra de
arte.
Jazz El Jazz arte, y
aunque como
manifestación
cultural tuvo su
origen en
Norteamérica a
finales del siglo IX
y comienzos del
XX ha dejado, por
sus complejidad y
El jazz, es uno de
los ritmos
musicales más
famosos, que se
identifica por la
improvisación.
Estas
improvisaciones
no son
completamente
El jazz es un tipo de
música difícil de
definir, su
característica
principal son las
improvisaciones. Su
rasgo más llamativo
es el originalidad del
sonido, para mí es
un lenguaje creador
73
circunstancias, un
producto
intercultural e
interracial. Hoy día
esta interacción es
global por lo que
actualmente
existen muchos
estilos y mezclas
entre ellos, el. jazz
Venezolano que yo
ejecuto, el jazz
flamenco, fusión
de jazz con rock, y
algunos otros y
dentro de esta
compleja
expresión artística
se engloban todas
las artes, la música
principalmente,
danzas, pintura,
Teatro,...etc.
libres, sino que se
parte con alguna
base melódica.
y con mucha
energía.
74
1. Se dividieron los contenidos allí expresados como unidades temáticas.
2. Dichas unidades temáticas se asociaron para definirlas según los puntos
de encuentros de los tres artistas testigos.
Unidades temáticas Definición
abstraccionismo El arte abstracto deja de considerar justificada la
necesidad de la representación figurativa y tiende a
sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de
sus propias significaciones, usa un lenguaje visual de
forma, color y línea para crear una composición que
puede existir con independencia de referencias
visuales del mundo real, y se preocupa solamente en
crear sus propios significados por medio de un
lenguaje expresivo, capaz de provocar muchas
interpretaciones.
Sinestesia El arte sinestésico no es un género artístico, ni una
técnica, ni tampoco se sustenta en una Filosofía en
particular. No existe una manera correcta o una regla
para crear arte sinestésico. Esta se manifiesta como
una obra que emana de un lugar específico del interior
del artista. Desde una perspectiva biológica, este lugar
se encuentra en el área del cerebro de los mamíferos
que recibe el nombre de cerebro límbico.
Jazz El jazz es un genero musical que se caracteriza por
evitar la ejecución de las interpretaciones a partir de la
lectura fiel de una partitura la base de la interpretación
y el estilo jazzístico es la improvisación forma
primordial de su sonido.
3.- estas unidades temáticas se organizaron para comparar con las teorías
conceptuales.
75
Unidades temáticas Artistas testigos Teorías
Abstraccionismo La abstracción, es el
arte donde se plasma un
mundo en la obra, no es
necesario razonar la
representación de las
figuras sino que tiende a
utilizar un lenguaje
visual propio con unos
significados variados,
Vasily Kandinsky es el
gran teórico del arte
abstracto pero cuando
compongo canciones
me pasa lo mismo no es
solamente cuando pinto.
Es el estilo artístico que
enfatiza los aspectos
cromáticos formales y
estructurales,
acentuándolos, resaltando
su valor y fuerza expresiva
sin tratar de imitar modelos
o formas naturales.
Sinestesia La sinestesia es la unión
de dos lenguajes
artísticos percibidos por
dos sentidos diferentes,
se unen de tal forma que
son inseparables para
realizar el movimiento
plástico, la música fluye
en las líneas onduladas,
el ritmo es el movimiento
y la acción, la melodía el
dibujo y el sonido los
colores, ese encuentro
entre ambas es
espontáneo no se
La sensación paralela que
se experimenta,
normalmente se manifiesta
de manera real. Si es
visual, en lugar de ser una
visión interna, la sinestesia
se experimenta fuera del
individuo, cerca de la cara.
76
pueden separar, por lo
tanto en esta
representación hay
sinestesia pues ambas
vertientes se fusionan
de tal manera que se
funden en una sola
respuesta, esa es la
obra de arte.
Jazz Arte o manifestación
cultural que se
desarrolló en
Norteamérica desde
finales del siglo IX-siglo
XX hasta hoy, producto
entre tantas complejas
circunstancias, de la
relación intercultural e
interracial europea-
africana. Hoy día esta
interacción es global por
lo que actualmente
existen muchos estilos y
mezclas (...Jazz
Venezolano, jazz
flamenco, Fusión con
rock,...etc.)
Genero musical nacido
con el siglo XX, el Jazz se
presenta como una de las
manifestaciones más vivas
y dinámicas de la música
contemporánea.
Creatividad, improvisación
y sentimientos son algunas
de las características
definitivas.
77
Elementos vivénciales en la representación sinestesicas del abstraccionismo con el jazz (características).
1. El movimiento abstracto se caracteriza por aislarse de la realidad
expresando lo que uno siente o piensa, la esencia de ese momento.
2. La sinestesia se manifiesta como una obra que se origina del interior del
artista.
3. El jazz se caracteriza por evitar la ejecución de las interpretaciones a partir
de la lectura de una partitura la base de la interpretación, su estilo es la
improvisación.
4. El color visto como elemento autónomo, allí se puede ver los aspectos
inspirados por la música a través de la imagen.
5. La línea y el color son los elementos que se relacionan con la música, a
través de las líneas onduladas, rectas o curvas, dan a conocer lo interior en
el cuadro por medio de los colores.
6. La música y la pintura son la misma esencia, uniendo dos lenguajes
artísticos percibidos por dos sentidos diferentes.
7. Al unir la música y la pintura, hay una relación entre las mismas que permite
una expresión a plenitud de las artes plásticas.
78
CAPITULO IV
PROPUESTA PLÁSTICA
Antecedentes Personales
A lo largo de la carrera de la Licenciatura en Artes Plásticas se
desarrolló un estudio sobre la mancha, donde la pintura la relacionaba al
principio con la música, la figura humana y el vació, posteriormente durante
todo el cuarto semestre se agregaron, por medio del constructivismo
geométrico, elementos como cuadrados, óvalos y triángulos con diversas
líneas, colores y formas; de ahí en adelante surge la necesidad de hacer una
búsqueda más profunda e investigar sobre la esencia espiritual que se puede
expresar por medio de un lienzo, ya que, no era necesario representar un
objeto o una figura para que una pintura comunicara las impresiones del mundo
particular en los conceptos propios y sentimientos, dando como resultado un
mundo de representaciones infinitas.
Esa esencia, que algunas veces se deja aparte cuando existen
compromisos de diferentes tipos, se hizo fuerza de expresión plástica
aferrándose a lo espiritual del arte y se inician una serie de ejercicios donde lo
más importante es el color y la materia conjugados con el jazz como rítmica de
improvisación creadora; así, se colocaba la música y todos los colores,
materiales y soportes en un sitio de la casa donde sentía comodidad, también
colocaba incienso, era todo un ritual necesario para expresar lo interno dentro
de los trabajos artísticos, donde la armonía se conjugó en temática de las
composiciones.
Por ello, la sinestesia es algo fundamental en la propuesta plástica,
donde se unen dos sentidos en la creación de una obra por medio de la
interacción de la pintura y la música; con esta experiencia se constató que
existe otra posibilidad para canalizar la libertad creadora, tanto en la
escogencia de materiales como en técnicas inusuales; dando como resultado
una obra sin restricciones que la sujeten a esquemas preestablecidos.
79
Así también se siente que la sinestesia, además de exaltar la raíz
emocional, está directamente relacionada con la memoria; pues ésta propulsa
las emociones, y gracias a ella, se establecen relaciones entre los objetos. Un
sonido puede evocar un lugar, y tal vez este lugar se asocie al recuerdo de una
persona, y esta persona a un color, y este color a una emoción, y esta
emoción empuja a crear; todo esto puede ocurrir a un nivel totalmente
subconsciente. En una experiencia de sinestesia audiovisual, las tres únicas
cosas que se perciben a escala consciente son el sonido, el color y las
emociones que los entrelazan. A través de la creación inspirada en tal
experiencia, se entra en estados que son indefinibles, puramente intuidos o
emocionales; siendo exactamente por ello, que no es importante si se está
pintando que el retrato de un amante o un mural abstracto estén físicamente
porque la sensación va más allá de cuanto corporalmente representa lo que se
expresa artísticamente; es como un sueño en el que todo tiene significados
múltiples.
En tercer semestre en la asignatura de dibujo analítico como parte del
contenido de la materia, se realizó un primer ejercicio donde se unían música
con pintura, resultando luego de sinuosos y ágiles trazos, formas y planos
seccionados en un inacabado ritmo que se fragmentaba en el soporte,
revelando un halo misterioso de significados recónditos e imposibles.
Figuras 23. Ejercicio pictórico: cadáveres exquisitos.
80
Ejercicios que sugieren lo infinito, lo interior, lo misterioso, una suerte de
pretensión de ir más allá del dato fácil que proporcionan los sentidos, formas
con espacios infinitos. Para este momento la música y la pintura generan un
impacto en la propuesta plástica y motiva a hacer investigaciones para
profundizar sobre estas posibilidades.
• ¿Qué artistas lo han intentado?
• ¿Que han logrado a través de la pintura y la música?
• ¿Podría producir trabajos artísticos propios con la pintura y la música?
Esta obra fue realizado en el tercer semestre con la profesora Cristina
Moncada, plasmando previamente una series de bocetos donde el dibujo era
indispensable y se debía presentar además de varias propuestas previas las
teorías que los sustentaban, por medio de este trabajo se pedía expresar el
vació, razón por la cual se desarrolló el estudio de la ceguera como se puede
observar en el centro de la pintura se encuentra una figura humana, al costado
izquierdo se halla un ojo esfumándose, a los lados figuras circulares
representando la forma del ojo, la técnica de transparencia y aguada fueron
imprescindibles en este ejercicio, dividido en cuatro partes, los colores azul y
violeta representando la soledad y el desasosiego que son algunas de las
experiencias que las personas invidentes describieron al ser entrevistados; la
música que se utilizó en esta experiencia plástica fue la pequeña serenata
nocturna de Mozart.
Figuras 24. Obra: Vacío.
81
Este ejercicio fue iniciado por el estudio del color como lenguaje plástico,
con anterioridad se desarrolló un estudio teórico por medio de la materia
psicología del color en donde se hablaba que los colores pueden dar a conocer
esas sensaciones pero, que para todas las personas es diferente ya que
depende de lo que haya experimentado, por medio del un lienzo se plasmó un
rostro con una mirada fuerte donde se iba desvaneciendo gracias a las técnicas
explicadas para este ejercicio, el pincel seco y la transparencia, que dio como
resultado que alrededor de la figura se encuentren presentes los colores del
círculo cromático y que van cayendo desde varios ángulos. La música utilizada
en esta experiencia fue el jazz “I love you so” de Louis Armstrong.
Figuras 25. Obra: Colores internos.
La inquietud por la mancha continuó, descubriendo que no sólo en la
representación de la figura aparece sino que también va evolucionando donde
primero se da un fondo y después se desarrolla por medio de la técnica de
pincel seco, donde la búsqueda de las sombras se encontraron por medio de
diferentes tonos; este lenguaje plástico llevó a la reflexión sobre la expresión de
lo interno y las diferentes sensaciones que se dan al momento de realizar este
ejercicio. Música utilizada en esta experiencia: música barroca con la “Sinfonía
número 6” de Beethoven.
82
Figuras 26. Obra: Pensamientos.
Siempre tratando de expresar lo intrínseco humano, esta vez se quiso
representar la paz del espíritu como ejercicio realizado en la materia de pintura,
el cual consistía en seleccionar una corriente artística, en mi caso escogí el
cubismo, estudié sus propuestas teóricas y realicé un análisis de los colores
cálidos y fríos a la vez, representando a la mujer y un paisaje mediante formas
como son triángulos y cuadrados plasmándolos en una superficie desde varios
ángulos, dando como resultado planos que limitan a los volúmenes. De ello
obtuve como reflexión que la paz interna está dentro de cada persona y por ello
siempre escudriñando dentro del alma todos la pueden tener. Música utilizada
en esta experiencia, movimiento barroco: “La Flauta Mágica” de Mozart.
Figuras 27. Obra: Paz.
83
En la asignatura Creatividad durante el tercer semestre se hizo una
práctica con la pintura y la música donde llevamos nuestros pigmentos y la
profesora colocó música, en este caso de Beethoven después de haber
explicado las posibilidades creativas a través de la pintura y la música a la vez
que nos instó a producir trabajos artísticos acordes con nuestras inclinaciones
estéticas bien sea figurativas o abstractas, en mi caso me interesé por el
estudio del arte abstracto y se convirtió en una constante en mis ejercicios
porque al consultar bibliografía sobre el tema tomo la opción de dejar de
considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y
sustituyéndolo por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias
significaciones. Unido a vez en el proceso de este ejercicio la música que en
este caso fue la música “clásica”, dando como resultado una pintura con
diversos colores manifestando las emociones que sentía en el momento de
realizarlo. La música organizo el sonido y la pintura los colores en el plano, los
que, precisamente combinados, originan la composición. La pintura, como
medio de expresión son esenciales e inevitables el color y la forma. Son los
que aplicados por la intuición del artista y sin intervención de la razón ni el
entendimiento, originan una composición armónica. Música utilizada en esta
experiencia: “Las Cuatro Estaciones” de Antonio Vivaldi.
Figuras 28. Obra: los diferentes colores de la ciudad.
84
El inicio de mi propuesta se sustenta en mis trabajos anteriores y
experiencias relacionadas con la pintura y la música, en mi caso he sustituido
la música académica que venía utilizando en mis ejercicios de clase por el Jazz
para obtener otras experiencias como lo las que puedo describir
detalladamente:
Ejercicio de texturas, música y pintura. Con este ejercicio logré plasmar la textura a través de el guesso y pega,
para luego lanzar la misma al compás de la música en el soporte para darle
riqueza visual a mi ejercicio, en ese momento utilicé música de Jazz
específicamente la pieza musical “When it”s sleepy time down south” de Louis
Armstrong.
Figuras 29. Obra: sensaciones.
En este ejercicio utilicé el guesso para dar algunas texturas en el lienzo,
luego preparé una gamma de azules, verdes y violetas para colocarlos en el
soporte de forma libre y estudiar su comportamiento al aplicar agua y alcohol,
al escuchar la música de Louis Armstrong aplicaba los diluyentes sin
preocupación por la forma.
85
Figuras 30. Obra: expresión.
Figuras 31. Obra: sonidos internos.
En este caso, busqué un trozo de madera circular y le hice incisiones con
gubias, luego lo pinte de blanco y al compás de la música comencé a colocar la
pintura diluida por ambas caras hasta lograr un equilibrio cromático.
86
Figuras 32. Obra: movimiento.
Finalmente he experimentado con un lienzo en el cual voy vertiendo pintura
en un espacio libre donde solo escucho el jazz y con el movimiento de los
colores en el espacio de la tela de forma libre y sin compromisos figurativos
previo.
Figuras 33. Obra: música.
87
Figuras 34. Obra: música.
88
MEMORIAS
Figuras 35. Obra: Vacío Figura.
} Figuras 36. Obra: Colores.
Figuras 37. Obra: Pensamiento.
89
Figuras 38. Obra: Paz.
Figuras 39. Obra: los diferentes colores de la ciudad.
Figuras 40. Obra: sensaciones.
90
Figuras 41. Obra: expresión.
Figuras 42. Obra: sonidos internos.
Figuras 43. Obra: sonidos internos.
91
Figuras 44. Obra: sonidos internos.
Figuras 45. Obra: sonidos internos.
Figuras 46. Obra: movimiento.
92
Figuras 47. Obra: Música.
Figuras 48. Boceto 1.
93
Figuras 49. Boceto 2.
Figuras 50. Boceto 3.
94
Figuras 51. Boceto 4.
Figuras 52. Boceto 5.
95
Figuras 53. Boceto 6.
Figuras 54. Boceto 7.
96
Figuras 55. Boceto 8.
Figuras 56. Boceto 9.
97
Figuras 57. Boceto 10.
Figuras 58. Boceto 11.
98
Figuras 59. Boceto 12.
99
PROPUESTA PLÁSTICA
Estructura y descripción de las obras de arte
El arte del siglo XX rompió con los esquemas de la tradición en la
búsqueda de una nueva verdad, el sonido y sus efectos, el espacio de dos o
más dimensiones en el que se representa la música y la pintura es una unidad,
el cuadro es huella del tiempo. Aunque los elementos de estas ideas aparezcan
separados e independientes a la vista y al oído. Es probable que la música
haya inspirado a pintores de todas las épocas por su habilidad para modular
automáticamente las emociones.
Al principio del siglo XX, algunos pintores buscaban una expresión que
representara la experiencia espiritual de la vida humana. Admiraban la
experiencia de la música y el hecho de que su medio estuviera expuesto
sutilmente a través del tiempo; un efecto que aspiraban a obtener a través de la
pintura.
La búsqueda de muchos artistas plásticos contemporáneos creó una
nueva forma de arte abstracto; como los pensamientos de los filósofos, dando
a surgir la creatividad pura no objetiva y la música. Desde la forma y el color,
los pintores buscaron lo más puro del sentimiento, y esto significaba un
distanciamiento de lo figurativo y un acercamiento a realidades intangibles.
En este caso con la obra ecos visuales se presenta la realización de una
obra pictórica realizada con acrílicos, donde el agua y el pigmento juega con la
sensibilización del color, a través de ella se expresa algo muy real que no
sólo experimenta a escala espiritual e intuitiva, sino que también se
experimento físicamente a través de los sentidos, como los colores que se ve
al oír el jazz.
Dentro de esta propuesta, se reflejo la música y la pintura en unión
fundamental para la realización de la obra plástica en el proceso de elaboración
estableciendo las características sensibles, expresivas e imaginativas junto a
los aspectos esquemáticos, lógicos y racionales de la propuesta donde la
autora se identifico con el jazz de Fernando Freitez.
100
Esta experiencia, cuente con un leguaje propio, un tema abstracto que se
representa destacando los aspectos sensibles y creativos. La construcción de
esta obra es producido por, la música específicamente el Jazz de Fernando
Freitez tomada del Cd Evocación, donde el sonido es improvisado, va de lo
rápido a lo lento, la sinestesia y las emociones también tienen relación en esta
obra, los colores parecen no tener fin, simbolizan la diversidad de sonidos
improvisados que van produciendo manchas, líneas que nos dan como
resultado un encuentro armónico desde el éxtasis de la creación artística.
Ecos visuales: Exaltación rítmica del color
Descripción del proceso técnico:
El primer paso fue concebir la idea de lo que quería, pensar en los
materiales posibles a utilizar, seguidamente empecé a realizar una cantidad de
bocetos acompañado del sonido del Jazz de Fernando Freitez, los cuales
realice de manera continua por varios días hasta lograr hacer un boceto bien
elaborado, seleccionando de allí dos obras que componen los Ecos Visuales.
Las dos obras son bidimensionales de 1,20 (cm) de alto, por 80 (cm) de
ancho, siendo armonías de secuencia que se relacionan en la proporción
visual; en el sentido estético las texturas dejan ver el material con que fue
diseñado, el concepto fundamental de la pieza son los colores primarios que se
van uniendo dando como resultado los colores secundarios, los tonos
musicales y los ritmos del color musical de estas pintura son un punto
importante ya que se dio un mundo cromático intentando ejercer sobre el
espectador un impacto como el que podría sentir con la música.
Las obras están planteadas a partir de bocetos previos que se toman
como estudio de todos los valores plásticos, aspectos formales y procesos
técnicos, se sigue con el lienzo en la búsqueda a través de la intuición y la
música (Jazz) para explicar cómo la experiencia sinestésica va adicionando las
dos sensaciones en una estilo complejo sin perder su identidad original.
En las siguientes fotografías se muestran algunos de los trabajos previos:
101
Figuras 60. Bocetos.
102
Significado de la obra: “ecos visuales”
La creación de estas obras pictóricas tiene que ver directamente con la
sinestesia como tema de investigación y la pintura como técnica asumida por la
autora. En estas obras “ecos visuales” el oír significa más que nunca ver, de
ahí la sensación de equilibrio que transmiten las piezas musicales.
Estas pinturas están inspiradas en la pieza de jazz de Fernando Freitez
“excursión” expresan algo espiritual, esta música refleja el estado de ánimo en
forma descriptora, la consonancia, disonancia, la simplicidad y la complejidad
son parte de hecho creador musical. Las obras transmiten las sensaciones que
la música produjo, y captaron visualmente la esencia de la obra musical,
permitiendo que el espectador pueda percibir y reproducir las sensaciones,
ritmos y colores a través de las obras.
En esta experiencia visual se utilizo una técnica donde el pigmento se
une al artista creador a través de la música y la pintura, la música organizo el
sonido y la pintura los colores en el plano, que es el medio de expresión, los
colores aplicados por medio de la intuición y sin intervención de la razón ni el
entendimiento, originaron dos composiciones armónicas donde los
sentimientos percibidos a través del sonido son los protagonistas de estas
obras plásticas.
Estas obras se asumieron con gran sensibilidad hacia la música, lo
sinestésico y lo intangible del universo. Las obras pictóricas completamente
abstractas se basaron en la fuga musical, en la figura número 67 y 68 titulada
“Ecos visuales” se observa varias formas, líneas largas, cortas, recortadas,
alargadas y entrelazadas, se capta que la intuición guió la forma de las
imágenes, dejando que las pinceladas fluyeran, la música llevó a la mente por
un camino sinestésico sin pensar ni fijarme en lo que hacia, recreando la
experiencia humana de la música que es una representación de la conciencia
creativa; así, en esa exaltación rítmica como ecos visuales se deja claro que la
música y la pintura están intrínsicamente unidas al arte como elemento de
comunicación donde se fusionan el lenguaje musical y el lenguaje plástico.
103
Figuras 61. Obras: Ecos visuales (Claudia García Almella, 2011).
104
REFLEXIONES
El análisis e interpretación de los resultados en relación con los objetivos
planteados y las respuestas emitidas por los entrevistados permitieron llegar a
las siguientes reflexiones:
La sinestesia es una experiencia común, aunque muchas personas no se
den cuenta de ello. En algunos individuos se expresa de forma concreta,
directa y consciente. Sucede que para algunos sinestetas la experiencia de unir
dos sentidos para crear algo nuevo, es más que una práctica que ocurre dentro
de sus cerebros; también se manifiesta como una percepción de algo fuera de
su cuerpo, de forma que realmente pueden ver sonidos. Al realizar la obra con
música, para este estudio el Jazz, se pudo pasar a sentir la música uniéndose
con los colores matizados que produjeron como resultado manchas, líneas y
texturas.
Cuando se encuentran la música y la pintura los estados anímicos van a
influir en el resultado creador, a través de este encuentro entre el jazz y la
plástica se puede canalizar la libertad creadora realizando composiciones
armónicas en el espacio, basándose en la tensión pictórica donde cada uno de
los elementos busca separarse y contradecirse.
En Venezuela en los últimos años han existido algunos artistas
interesados en expresar la experiencia del sonido y la música a través de la
pintura. Al mismo tiempo, ha crecido el interés por la obra de importantes
artistas que trabajaban de forma interdisciplinaria la música y la pintura, o
directamente exploraran la sinestesia y los conceptos del sonido en la pintura.
Por ello, museos y galerías en todo el mundo han organizado exposiciones de
este tipo de arte, por ejemplo Esteban Castillo realiza estas experiencias en
vivo acompañado de un grupo musical.
Los artistas entrevistados por la autora del trabajo de grado coinciden en
la relación música y pintura que siempre está presente a través de su obra,
utilizan la música al momento de producir su obra y demuestran que el sonido
se convierte en una propuesta plástica con un lenguaje propio; es así como el
Jazz estimula, al encontrarse con el mundo interior, diferentes gamas de
105
colores aunque se esté escuchando la misma música se puede dar un
resultado diferente.
La música de Fernando Freitez inspiró la propuesta final de la autora del
estudio que va de lenta a rápida. El lienzo transmite la sensación que la música
produjo, y a captar visualmente la esencia de la obra musical, con objeto de
que el espectador pueda experimentarla a través del cuadro.
Finalmente como reflexión de cierre, se puede resaltar que esta
experiencia es totalmente emocional puesto que la percepción sinestésica se
une al estímulo que la crea, por lo cual con la obra ecos visuales se atestigua
que la experiencia emocional e inefable se anticipa a la deducción lógica y
racional, siendo más importante que la lógica y el razonamiento. Ello se explica
por su fuerza para motivar y activar la memoria y la relevancia que se obtiene
en base a la libertad creadora.
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