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Música

Cine

Arte Urbano

Mc

Todo dise

ño"No se trata de colores y formas, se trata de transmitir sensaciones"

Revista MC / Año 1 - Nº 1 / Julio 2013 / Arg. $ 17.50Buscala todos los viernes en tu kiosco

Tatuajes

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Staff

Índice

Directores: Maxi Maier / César Sobarzo

Redacción: Maxi Maier / César Sobarzo

Marketing & Ventas: Maxi Maier / César Sobarzo

Editores: Maxi Maier / César Sobarzo

Ilustraciones: Maxi Maier / César Sobarzo

Fotografías: Maxi Maier / César Sobarzo

Columnistas: Maxi Maier / César Sobarzo

pág. 4: Música y logos pág. 11: Canciones convertidas al diseño gráfico

pág. 25: El diseño en el cine

pág. 34: Arte urbano

pag.44: Entrevista Áron Jancsó

pág. 48: Sección tatuajes

pág.58: Humor Gráfico

pág.64: Utilidades y consejos

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El logo de Aerosmith fue diseñado por el ex guitarrista y miembro co-fundador Ray Tabano, solamente estuvo en la banda durante un año y ni siquiera tuvo alguna participación en algún material de escritura. Su aporte en el diseño del logotipo fue crucial, el mismo se ha ajustado ligeramente en los últimos años, pero siempre se ha mantenido la idea original a través de los años. Su prmera aparición fue en 1974 en el album “Get your wings”.

Las características distintivas del logotipo de Iron Maiden, lo clasifican entre los mejores logotipos de bandas de rock de todos los tiempos. La forma de las letras son muy particulares especialmente la “o”, cuya forma sale del clásico circulo generando un “triángulo” y esa característica se ve en las contraformas puntudas de las demás letras del logo. También nos hacen ver que el heavy metal está estrechamente asociado con la banda. El logo de Iron Maiden proba-blemente es el que ha vendido más cantidades de remeras que la mayoría de las bandas de metal. Debemos mencio-nar a Eddie “mascota” de la banda y elemento gráfico importante para la apertura de logo.

El primer guitarrista de Kiss, Ace Frehley, ideó este logo que apareció por primera vez en el segundo álbum de la banda, ‘Hotter Than Hell’.Aunque el original de Frehley tenía las dos últimas letras estilizadas como flechas de relámpago. En Alemania tuvieron que reformar su logo y utilizar la “doble S” común en lugar de los rayos caracte-rísticos, a fin de evitar mala prensa y un encono generali-zado con la sociedad germana.

La música esta en el ámbito del diseño, cuando hacemos el diseño de cds, posters musicales y piezas para gente relacionada a laindustria musical, todo tiene un logo característico, como hablamos en el post logos en nuestras vidas, todo tiene logo y la música también. El logo en la industria musical se toma con el mismo concepto de “empresa”, se tiene que poder relacionar al músico con una imagen, si bien lo mas importante de un producto es el producto en si, el logo ayuda a retener en la memoria al producto, puntualmente en la música se abre un mundo sintomático muy amplio ya que más de un logo de los siguientes logos sale una identidad visual y gráfica única. A continuación, nuestra primera recopilación sobre la historia y orígenes de cada logo.

Los seguidores de AC/DC han usado este logo por 30 años. Diseñado por Bob Defrin, el director de arte de la discográfica Atlantic Records VP, hizo su debut en la edición internacional de “Let there be rock”. La con-cepción del logo basandose en una tipografía gótica, le da un “peso” y el significado es ac = alternating current, dc = direct current hace referencia a voltajes y señales eléctricas que no son corrientes, por eso la referencia del rayo.

MÚSICA Y EL DISEÑO DE SUS LOGOS

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En Metallica, el guitarrista James Hetfield fue quien diseñó la imagen que siempre identificó a Metallica. La versión original hizo su primera aparición en los años 80 en la tarjeta de vista de la banda. En las mismas, además del logotipo estaba el número de contacto y la frase “Power Metal”.

El dibujo Smiley Face que dibujó (segun dicen) para hacer una parodia de la cara que utiliza la cadena de supermercados Wal-Mart una cara feliz de color amarillo que Kurt la convirtio en heroinomana ya que la mustra bien pasada en drogas toda temblante y con la lengua a fuera.

Radiohead:Su logo es la imagen de un gato mutante que simbolizaba al “Niño A”, el primer clon humano. El dibujo es del artista Stanley Donwood, el mismo que ha trabajado en las carátulas de la banda.

Joey, Johnny, Tommy y Dee Dee, los nombres de los cuatro miembros originales de la banda, rodean el logo, basado en el sello del presidente de los Estados Unidos. Dicha obra fue realizada por el artista de New York y amigo de la banda, Arturo Vega. El águila descubre una rama de manzano en lugar de una rama de olivo (ya que los Ramones eran tan americanos como el pastel de manzana), mientras que las flechas fueron sustituídas por un bate de béisbol, ya que Johnny era fanático de tal deporte. Vega se inspiró para hacer este diseño icónico, luego de ir a ver a la banda en Washington DC, dónde notó que Ramones era la última banda de rock de todos los estadounidense

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Prince Rogers Nelson usa el nombre artístico de Prince, aunque también ha sido conocido bajo un símbolo impronun-ciable, que utilizó entre 1993 y 2000. Este cambio de nombre resultó controvertido y muchos se referían a él como “El Artista Antes Conocido como Prince. En 1991 salió el álbum conocido como “Symbol” que adelantaría su cambio de nombre (Prince) por el de un símbolo, rara fusión entre el masculino y el femenino. Lanzó la canción “My name is Prince”, en la que ya anunciaba que volvería a ponerse el nombre de Prince como hizo a partir de 2000, cuando finalizó su contrato legal con la Warner Bros.

El logo de Queen lo hizo Farrokh Bulsara (Freddie Mercury) plasmó dos leones por su signo zodiacal (John Deacon y Roger Taylor), un cangrejo (Brian May), dos haditas (Freddie Mercury) y un enorme fenix y una corona de Reina (QUEEN). Los leones trataron de plasmar las personalidades de cada uno y por eso hay diferencias entre ambos.

Rolling Stone: Erróneamente atribuido a Andy Warhol, el logo de la lengua y los labios conocida como lengua stone fue diseñada por el artista inglés John Pasche en 1970. Tampoco se inspiró en la famosa boca de Mick Jagger, sino en la diosa hindú Kali que muestra su lengua.

The Beatles: El logotipo de la banda de rock más famosa de todos los tiempos, tiene quizás la historia más simple. El icónico logotipo de The Beatles con la letra “T” alargada hacia abajo hizo su debut en 1963, cuando fue utilizado por primera vez al frente de la batería de Ringo Starr. Dicho logo fue diseñado por Ivor Arbiter, la persona que le vendió la primera batería a Ringo Starr.

The Chemical Brothers: La fuente de escritura característica del logo de The Chemical Brothers fue diseñada por Karlgeorg Hoefer en 1992 desde la fuente Sho, de la que se diferencia en sólo unos po-cos detalles, como las letras “a” y “b”. Linotype posee la licencia de esta fuente de escritura.

The Who: En 1964, Brian Pike diseñó este logo inspirado en el Pop Art para promocionar una fecha de la banda en el Marquee de Londres. Aunque nunca apareció en la tapa de un álbum, se convirtió en insignia de la banda, usado con múltiples propósitos por sus fans, enfatizando a The Who como la principal banda mod.

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CANCIONES CONVERTIDAS EN DISEÑO GRÁFICO

El artista Viktor Hertz plasma sus obsesiones musicales en unos interesantes carteles. Desde Blur a AC/DC.

Cuenta el diseñador independiente Viktor Hertz que lleva unos años obsesionado con las películas y la música. Pero sobre todo con fusionarlos para crear unos curiosos pósters donde mezcla el diseño gráfico con los títulos de las canciones. ¿Y si Coffee & TV, de Blur, fuera un cartel? De esa obsesión ha surgido esta interesante colección, donde repasa otros temas, desde Frank Zappa a Mc Hammer, pasando por The Supremes, The Doors o Pixies. Aquí los tienes, con su canción correspondiente.

Representación de la canción ‘Light my fire’, de The Doors, hecha por Viktor Hertz

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EL DISEÑO GRÁFICO EN EL CINEUn aspecto que se cuida cada vez más, pero aún no lo suficiente, en el mundo del cine es el del diseño gráfico. Tanto en el mundo del cortometraje como en el del largometraje pensamos muchas veces que los créditos o el cartel son una especie de impreso rutinario que hay que cumplimentar para “ser profesional” pero que se descuida completamente, o al menos no se le da la debida importancia.

Hay que tener en cuenta que un cartel, por ejemplo, es lo primero que ve un espectador medio cuando llega a unos multicines. Numerosas pelí culas se publicitan mediante ellos en la fachada y en el interior del templo cinematográfico y, sin embargo, parece que muchas veces distribuidores y/o productores no entienden que hay que tratar de destacar sobre el resto y a la vez vender el concepto de la pelí cula. Ellos piensan que el reclamo son los actores, concretamente sus caretos a gran escala, por eso en la mayorí a de carteles nos encontramos versiones muy chuscas o poco imaginativas de emplastes de caras. Según nos cuenta Cristóbal Garrido, guionista de cine y televisión, y diseñador gráfico finalista en el concurso de carteles de Cinemad y Fotogramas “el principal error es creer que una cara por sí misma es suficiente reclamo. Pero a las productoras y distribuidoras se les olvidan que la mayorí a de los espectadores que van cada fin de semana a los multicines de toda España van sin saber qué van a ver y lo deciden casi en la misma cola y ante la cartelera. Es en ese momento cuando tu cartel debe de destacar por encima de todos los demás. Tiene que ser un pelotazo que llame la atención. Si te la juegas a la cara de Óscar Jaenada o Kira Miró estás muerto porque al lado siempre tendrás la de Johnny Depp o Angelina Jolie. Que está más buenos, son más conocidos y encima son mejores actores.”

Poco a poco esta mentalidad va cambiando en nuestro cine: “Nuestra industria, aunque a paso de tortuga, cada vez es más industria y como tal empieza a mimarse tanto la parte artí stica como la comercial, que era la gran asignatura pendiente

del cine español (…) motivado por el inevitable (y esperado) relevo generacional de los productores. Tipos y tipas jóvenes que cuidan su producto desde el mismo origen del proyecto y que saben que conseguir un buen escaparate de su peli es casi tan importante como llegar a tiempo para pedir las subvenciones correspondientes” según Garrido.

Una empresa que en los últimos años ha destacado mucho en el panorama cinematográfico nacional es User T38. Han diseñado carteles, logos y créditos para muchos de los tí tulos más sonados del último lustro, algunos puede que os parezcan flojos, pero son el resultado de mezclar sus propuestas con las decisiones finales de los clientes (productoras/distri-buidoras) o del mismo equipo de diseño, que ame-nudo se decantan por carteles más conservadores y estereotipados por miedo a que un buen diseño (o uno demasiado innovador) espante al espectador porque pueda dar la sensación de que la peli en cuestión es una culturetada o bien porque creen que se aleja del concepto de la misma.

A continuación mostraremos afiches preparados por un canal de televisión de francia “CANAL+” sobre péliculas del 2010Excelente propuesta para hacerse notar y evitar la monotonía de las publicidades de siempre.

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A continuación mostraremos afiches con caracteres minimalistas, preparados por un canal de televi-sión de francia “CANAL+” sobre péliculas del 2010. Excelente propuesta para hacerse notar y evitar la monotonía de las publicidades de siempre.

Bastardos Sin Gloria Jurassic Park

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Pulp Fiction Terminator

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Robin Hood V de Venganza

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La Isla Siniestra

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La historia Argentina es rica en intervenciones urbanas o callejeras. En 1968, artistas utilizaron pintadas con aerosol, dentro del proyecto multidisciplinario llamado Tucumán Arde. Se escribió este lema por toda la ciudad para generar conciencia sobre los despidos a trabajadores y campañas falsas de prensa y comunicación producidas por el gobierno militar. Luego en 1983 junto con la vuelta a la democracia se realizo el Siluetazo, siluetas pintadas de los detenidos-desaparecidos, se expandieron por la plaza de Mayo. En esta línea, podemos sumar las intervenciones de Marta Minujín, entre otras. Pero en el 2001, con una nueva crisis económica “terminal” de la Argentina, es cuando se profundiza el fenómeno actual de arte callejero y street art a nivel local. La potencia que inyecto la crisis en género la posibilidad de nuevos rumbos para la disciplina. Se multiplicaron los grupos y artistas en las calles. Esta explosión consolido nuevos estilos dentro del ámbito local. A los grafiteros olds school, se sumaron diseñadores y artistas. Muchos desarrollaron personajes DE FICCION, algunos devenidos del comic o el manga japonés (sic). El muñequismo local y sus personajes se distribuyeron por toda la ciudad. En paralelo, muy variados estenciles, se apoderaron de la cosmética porteña, generando una respuesta instantánea en el público que busca desde entonces nuevas imágenes en sus recorridos cotidianos. .

El artista prepara sus materiales frente a ese desafiante espacio en blanco, que lo intimida y seduce. Esa tela que se convertirá en obra de arte. Despliega colores que meticulosamente eligió; pigmentos, aglutinantes y calidades que mejor se acomodan a sus necesidades. Comienza a trabajar y en esa milésima de segundos donde se produce el contacto con la superficie, toda su vida, sus imágenes, pensamientos, deseos, frustraciones, lo consciente e inconsciente; juegan su partido.

Ahora imaginemos lo mismo, pero en la calle.

Street art o arte callejero, son nomenclaturas, categorías estéticas o artísticas en construcción. Sus acepciones por momentos generan sutiles desacuerdos. Porejemplo, en junio del 2008 el suplemento Cultural del diario el País, Babelia, esbozaba “...Lo llaman arte urbano, street art, arte callejero de la era posgraffiti.Porque no nos referimos a las pintadas de nombres y tags (firmas) que invaden ya las paredes de las grandes ciudades de todo el planeta....”. Esta es una claraintención de acercarse a una definición concreta, estilos quedan adentro, otrosafuera. Para nosotros, el arte callejero incluye la idea de arte urbano, es decir, toda intención artística de intervenir el espacio público. El arte es una institución social pero también es una forma de tomar, entender y atacar al mundo. La historia del arte, según nuestro parecer, puede unificar todo tipo de intención estética de comunicar. Es imprudente limitar esta categoría solamente a sus técnica o materiales. La relación cada vez más estrecha y fértil entre el el arte contemporáneo y el callejero, solidifican esta idea. Por esto los materiales utilizados varían constantemente; Aerosol, varios tipos de pintura industrial, papeles, marcadores, chapas, residuos, etc. El street artdesarrollo una tecnología personal y eficaz que responden a la especificidad contemporánea como ningún otra disciplina actualmente. Es veloz, económica, inclusiva, global, de fácil aprendizaje y apta para el perfeccionamiento personal. La proliferación de imágenes por internet, hacen sencillo la creación y socialización de un stencil, como sucedió con el grupo local, Bs As Stencil y su famoso Bush con orejas de Mickey Mouse. Una critica satírica y profunda sobre la distribución del poder mundial y su discurso, generada desde la periferia.

ARTE URBANO

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El mapa del arte callejero local ha crecido mucho en los últimos años a ritmos incontrolables. La tendencia se consolida con la participación de instituciones que antes no valoraban estas producciones.

Varias galerías se dedican exclusivamente al arte callejero, como la míticahollywood in camboya en Palermo Viejo.

En 2007 organizamos en conjunto (o conjuntamente) con Ezequiel Black una de las primeras exhibiciones de arte ca-llejero dentro de una institución pública y de la Universidad de Buenos Aires, como fue Street Art en el Centro Cultural Rojas. Participaron en esta exposición artistas de las diferentes tendencias dentro del arte callejero, quienes intervi-nieron también en las paredes de la galería de arte. Este hecho inédito, dio lugar (originó) una serie de acciones que dan cuenta de su fuerza y actualidad. Como ejemplo de este fenómeno podemos citar; Intervenciones en paredes del Centro Cultural Recoleta en el Festival ciudad emergente, Ficus Repens exposición curada por Violeta Bronstein y final-mente Del graffiti a la pintura, donde artistas de Italia, Brasil y Argentina se expresarán o (diálogarán) en forma directa.

El arte callejero es una acción de liberación individual y grupal. El lugar que una nueva generación elige como canal de expresión. Es un caldo de cultivo y termómetro de la máquina creativa local. Es una forma de hacer y comprender el arte; un filtro para interpretar e intervenir la realidad. Presenta sus imágenes sobre paredes, edificios, monumentos, generando así una nueva realidad, otro mundo posible sobre la piel de la ciudad. Un sistema de relaciones y pensa-mientos, que surge del seno de la vida contemporánea. Como arte es hijo pródigo de las ciudades cosmopolitas, cada vez más globales y conectadas; New York, Berlín, San Pablo, Barcelona... y ahora con firmeza, Buenos Aires.

Exponentes del arte callejero Con diferentes ciudades como núcleos del arte callejero, algunos de sus exponentes más reconocidos son Banksy, John Fekner, Shepard Fairey, Blek le Rat.Con estos artistas se ven manifestadas en sus obras no sólo las variantes técnicas y estéticas, sino también distintos trasfondos ideológicos. Se ven manifestadas irónicas figuras que se burlan de la política o de la moral. Por otro lado, ha saltado a la fama por una campaña esparcida por toda la ciudad, sin bases u objetivos reales, más que la reproducción de una figura por el medio en sí mismo,algunas obras no tiene sentido pero y eso que porque es arte algunos tienen ese don de poder analizar y ver más allá de lo que esta plasmado rompiendo así con diversas reglas de la física, tal vez la gravedad, o incluso crear cosas que nunca nadie pensó que pudiesen existir, pues todos estos artistas son grandes personas algunas como Fredo que solo los conocen unos cuantos pero de eso se trata de dar a conocer.

El término arte urbano o arte callejero, traducción de la expresión inglesa street art, hace referencia a todo el arte de la calle, frecuentemente ilegal. El arte urbano engloba tanto al grafiti como a diversas otras formas de expresión artística callejera. Desde mediados del los años 90 el término street art o, de forma más específica, Post-Graffiti se utiliza para describir el trabajo de un conjunto heterogéneo de artistas que han desarrollado un modo de expresión artística en las calles mediante el uso de diversas técnicas (plantillas, posters, pegatinas, murales....), que se alejan del famoso grafiti pero no siempre tiene que ser en paredes pues ahora en el 2013 en la actualidad siglo 21 ya es posible todo, incluso dibujar en forma experta 3D.Uno es el uso de plantillas (stencil), a menudo con un mensaje político, cobra especial relevancia en París en la se-gunda mitad de los años 60. Sin embargo, no es hasta mediados de los años 90, con la aparición de artistas como el norteamericano Shepard Fairey y su campaña “Obey” (Obey Giant) (Obedece al gigante), ideada a partir de la imagen del luchador norteamericano Andre The Giant y llevada a cabo mediante el uso de posters y plantillas, cuando las diversas propuestas de este tipo cobran auge en distintas partes del mundo y son percibidas en su conjunto como parte de un mismo fenómeno o escena.El arte callejero, al integrar sus elementos en lugares públicos bastante transitados, pretende sorprender a los espec-tadores. Suele tener un llamativo mensaje subversivo que critica a la sociedad con ironía e invita a la lucha social, la crítica política o, simplemente, a la reflexión. Sin embargo, existe cierto debate sobre los objetivos reales de los artistas que actualmente intervienen el espacio público, algunos dañando el espacio privado y en pocas palabras destruyendo es por eso que ahora se les corrige con un buen castigo si es que los llegan a ver.Cabe mencionar que también a las personas que tienen un talento “nato” se les asigna un lugar apropiado y que sea legal antes que nada, en esos espacios esas personas pueden plasmar diversas cosas obviamente promoviendo temas de sumo interés como contaminación, el agua, la naturaleza, la historia etc. eso si sin ofender de cierta forma a la demás gente que aprecia lo que se puede visualizar.

Blek le Rat

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No se decime vos....

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Superhéroes Energy Drink

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Bebidas energéticas creadas por Mike Karolos. El motivo tiene que ver con superhéroes que conocemos y que recientemente han aparecido con nuevas películas. Sin duda ha logrado un gran trabajo manteniendo la misma línea gráfica.

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Áron JancsóHoy dejamos que se presente el joven diseñador.....

Hola soy Áron Jancsó, diseñador gráfico de Hungría. Soy un tipo adicto al diseño. Construir desde cero es como me gusta trabajar, a veces incluso el diseño de cada letra de un cartel. Prefiero formas y estructuras en vez de efectos. Mi estilo es una mezcla de modernismo, cultura de la calle y caligrafia, pero también es muy experimental, siempre estoy buscando nuevas formas de creación. Mis áreas favoritas son la tipografía, identidad y diseño del cartel.

A continuacion algunos de los trabajo del joven diseñador

Contacto: https://www.facebook.com/jancsotypohttp://www.flickr.com/photos/mil3n/http://www.behance.net/milen

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SecciónTatuajes. Tabú, moda o expresión personal

tattoos

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Costumbre milenaria con significación alternadamente positiva y negativa, los tatuajes, más que signo de rebeldía, hoy son una moda. Para algunos, forma de expresión personal; para otros, un nuevo modo de ser tribales, «dime qué te tatúas y te diré quién eres». Nadie puede afirmar que un tatuaje altere lo esencial de la persona, pero no hay que perder de vista el sentido común, su significado en cada cultura bajo la lupa de los criterios sociales y su permanencia. ¿Te identificarás toda la vida con lo que te tatúas? Tras la moda viene la contramoda e incluso el negocio ¿cuánto cuesta un tatuaje y cuánto cuesta quitárselo?

SEÑAL DE ALCURNIA O ESCLAVITUD

El término tatuaje se refiere a los dibujos que se graban sobre el cuerpo al introducir pigmentos o tintas bajo la epidermis. El tatuaje ha acompañado al hombre durante miles de años. Los más antiguos se encontraron en los restos de Ötzi, un hombre que vivió hace 5 mil 200 años. Los científicos piensan que, Ötzi y sus contemporáneos, usaban los tatuajes con fines terapéuticos: para paliar el dolor en diferentes partes del cuerpo. Un poco más

adelante, también se emplearon como amuletos. Las mujeres egipcias se grababan la parte alta de los muslos y alrededor del abdomen. Según la opinión de los arqueólogos, lo hacían para buscar protección durante el embarazo y a la hora de parir.

Además, los tatuajes se utilizaron para marcar a las personas de acuerdo con el grupo social al que pertenecían y a las creencias religiosas o políticas que poseían. Los escitas y tracianos fueron dos pueblos que recurrieron a los grabados para distinguir a la nobleza. De acuerdo con el historiador y geógrafo griego Herodoto, no tenerlos era para ellos señal de haber nacido humilde. Por el contrario, entre griegos y romanos, las marcas indelebles servían para señalar a quienes pertenecían a una secta religiosa o eran esclavos o criminales. Por contradictorio que parezca, con el paso del tiempo, los soldados romanos adoptaron los tatuajes como una moda y los propagaron en todo el imperio hasta que emergió el cristianismo.

Con los años, los tatuajes se fueron sofisticando: los de Ötzi estaban formados solo por líneas, luego vinieron los puntos, las figuras geométricas, los animales, los motivos de la naturaleza y mucho más.

Con la introducción de la máquina de tatuar, hace cerca de cien años, la técnica del grabado ha variado poco. Todo comienza con el diseño de un motivo que –una vez revisado– se transfiere a la piel, se delinea el contorno con una máquina que inyecta tinta bajo la epidermis y se rellena el dibujo con diferentes pigmentos. Las agujas que se utilizan varían en forma y calibre de acuerdo con el tipo de trabajo y acabado que se busque.

Rick Genest

Rick Genest (n. Montreal, 7 de agosto de 1985) es un artista y modelo canadiense. Es conocido también como Zombie Boy por estar tatuado como cadáver en la mayor parte de su cuerpo.1Genest creció en Châteauguay, un suburbio de Montreal. De niño, Rick desarrolló un tumor cerebral que fue removido cuando tenía quince años.2 De acuerdo a su madre, él esperó hasta los dieciséis para tatuarse por primera vez por respeto a su padre.1 Se fue de la casa a los diecisiete años, después de graduarse de la secundaria. A los veintiuno acudió por primera vez al tatuador montrealense Frank Lewis, quien ha sido el responsable de dibujar la mayor parte de su cuerpo desde entonces.

CarreraEn el 2009, Genest tuvo un rol terciario como fenómeno de circo en la película Cirque du freak: The vampire’s assistant. El 5 de marzo de 2010, una página de admiradores fue creada en Facebook para mostrar la inusual elección de tatuajes de Genest. El 19 de noviembre de 2011, esta página registraba 1 526 292 seguidores y sirvió para que Nicola Formichetti, director de moda de la cantante Lady Gaga, lo descubriera.El 19 de enero de 2011, Rick fue contratado como modelo de la colección otoño-invierno del diseñador Thierry Mugler, para quien Formichetti también trabaja como director creativo. A petición de Gaga, Genest terminó desfilando la línea de ropa masculina, algo que no estaba en los planes originales. Su descubrimiento también influyó en la colección de Formichetti. El desfile estuvo acompañado por un video que mostraba a Genest siendo fotografiado por Mariano Vivanco. Posteriormente, Genest fue incluido junto a Lady Gaga en el desfile de la colección otoño-invierno para mujeres. El 27 de febrero de 2011, Genest participó en el video de la canción «Born this way», de Lady Gaga, quien fue maquillada replicando los tatuajes de él.Genest fue vestido por Formichetti con prendas de Mugler para la sesión fotográfica de Mariano Vivanco que se publicó en el sexto número de la revista Vogue Hommes Japan en un editorial titulado «Hard to be passive» (‘Es difícil ser pasivo’). En la edición primavera-verano de la revista británica GQ Style, Genest y Formichetti fueron entrevistados, siendo el primero retratado por Karim Sadli luciendo diseños de Mugler en el editorial de moda.A fines del 2011, Genest fue parte de la campaña «Go beyond the cover» (‘Ve más allá de la cubierta’) de la marca de cosméticos Dermablend, apareciendo en un video donde un equipo de maquilladores cubrieron todos sus tatuajes con un producto creado para ocultar imperfecciones de la piel. Después se le ve sentado con la frase «How do you judge a book?» (‘¿Cómo juzgas un libro?’), al tiempo que comienza a remover parte del maquillaje en su pecho y rostro. Finalmente, el video muestra el proceso de aplicación del producto en reversa.Para la edición 2012 de la Convención Internacional de Cómics de San Diego, la compañía Tonner Doll produjo figuras de acción llamadas «Zombie Boy», inspiradas por Genest, quien fue invitado por Tonner Doll al evento. Cada muñeco incluía un certificado de autenticidad firmado por Genest como «Rico the Zombie». La edición limitada de quinientas unidades fue vendida hasta el 27 de julio de 2012.Rick Genest posee dos récords Guinness, uno por la mayor cantidad de insectos tatuados (176) y otro por la mayor cantidad de huesos humanos tatuados (139).

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Un estigma negativoEn diferentes lugares y épocas de la historia, los grabados sobre la piel han tenido una connotación negativa. Durante el siglo IV, los tatuajes o stigmata fueron prohibidos en el imperio romano. Según el emperador Constantino, desfiguraban lo creado a imagen y semejanza de Dios.

También en Japón, después de siglos de cultivar la práctica, los tatuajes fueron vedados. Desde el siglo V A.C., los japoneses recurrían a los grabados con el fin de embellecer y decorar el cuerpo. Por ley, el uso de kimonos ricamente ornamentados era de uso exclusivo de la nobleza. A los hombres de clases sociales inferiores no les quedó otra alternativa que grabarse el kimono sobre la piel. Héroes legendarios se entremezclaban con diseños florales y animales de gran simbolismo sobre un fondo de nubes o llamaradas. Eran imágenes que se extendían por debajo del cuello y cubrían cada centímetro hasta el codo y la rodilla de gran número de obreros y comerciantes. Si bien los motivos quedaban tapados por la ropa de trabajo, el gobierno japonés interpretó la costumbre como subversiva y la prohibió en 1870.

Al igual que los kimonos sobre la piel, los tatuajes de Sandra, como los de un gran número de personas, se concentran en lugares que quedan al resguardo de la ropa de trabajo. «Son sólo para mí, la oficina no es un lugar adecuado para exhibirlos», declara la chica suiza. Sandra sólo los luce cuando siente que es apropiado.

Hoy en día, el tatuaje ha cobrado gran popularidad, se ha puesto de moda. En el mundo occidental, 10% de las personas tiene algún tipo de modificación en el cuerpo. El tatuaje o el «arte en el cuerpo», como ahora se le conoce, ya no se limita a grupos específicos como marineros, pandilleros o motociclistas, es para cualquier clase social o edad. Muchas compañías alrededor del mundo han advertido esta tendencia y han reflexionado al respecto. Esto las ha llevado a revisar su política interna y manifestar de forma explícita su posición. Si bien, en México, las políticas de las compañías no se caracterizan por estar a la vanguardia, la Encuesta Nacional contra la Discriminación (2007) revela que 67% de los encuestados no contrataría a personas con tatuajes visibles.

Un estigma positivoLo bueno es que si es un dibujo original echo por un muy buen artista quedará hermoso.Lo bueno es que puede ser totalmente original, si lo dibuja uno mismo o es diseñado de acuerdo a tus gustos personales.Lo bueno es que si realmente estas seguro de hacertelo, te acompañará siempre y estarás feliz de tenerlo, y cuando lo veas recordarás porqué lo hiciste.Es IMPOSIBLE cansarse de un tatuaje, a no ser que te hagas un pato donald, jajaj... pero si ese tattoo significa algo para vos y te representa NO te vas a cansar... por eso hay que elegirlo y pensarlo bien!

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Al decidirnos por un nuevo tatuaje, muchas veces sucede que si bien en nuestras cabezas tenemos el diseño que

queremos bien claro, por una u otra razón no logramos que el tatuador consiga plasmar lo que realmente queremos. ¿Qué tal hacerlo tu mismo? En estos casos, saber cómo diseñar tu

propio tatuaje te puede ser de gran ayuda. Es por eso que hoy voy brindarte algunos consejos sobre cómo diseñar tu

propio tatuaje que a mi me funcionaron.

Antes que cualquier otra cosa, debes saber que si no eres bueno dibujando y si tienes poca imaginación, es mejor que consideres otra idea. Por supuesto que, a menos que seas un tatuador profesional, diseñar un tatuaje no es una tarea sencilla. Sin embargo, con paciencia, imaginación y con seguridad en lo que quieres: diseñar tu propio tatuaje es posible, también debes saberlo.

Cuando se trata de los tatuajes, una marca que va a estar en nuestro cuerpo por el resto de nuestras vidas (o al menos esa es la idea) siempre es bueno utilizar un diseño original, uno que hable de quienes somos, uno que nos represente. Por ello, diseñar el tatuaje por tu propia cuenta es una gran idea, pero obviamente: siempre y cuando culmine bien. Para que esto ocurra, tendrás que ser paciente y si algo no está bien o no te convence por completo, lo eliminas y vuelves a comenzar de cero. Una buena idea es hacer varios bosquejos de lo mismo, hasta quedar totalmente satisfecho. Por supuesto que éste consejo pierde validez si no estas buscando un diseño que represente algo en especia

El simbolismo de tu diseñoAunque bien sabemos que sobre gustos no hay nada escrito, existen ciertas cosas que simplemente son más atractivas o más llamativas que otras en los tatuajes. Para que un tatuaje sea más atractivo, muchas son las cosas que van a incidir, una de ellas es el simbolismo y el significado del tatuaje.Existen toda clase símbolos diferentes significados en particular. No es algo nuevo, pero al momento de diseñar tu tatuaje es bueno tener claro qué se quiere simbolizar y qué significado va a tener para así escoger precisamente el símbolo adecuado. Algunos ejemplos bien simples: si quiero simbolizar el amor, utilizaré un corazón, si quiero hacer referencia al tiempo utilizaré un reloj de arena o si quiero simbolizar la muerte utilizaré un cráneo, etc.Lo mejor que puedes hacer es pasarte por nuestra sección de “diccionario de símbolos para tatuajes”. Allí encontrarás todo tipo de símbolos con sus respectivos significados y letra por letra, en orden alfabético.

Personalizar tu diseñoUna vez tenemos listo lo básico de nuestro diseño para tatuajes, siempre es bueno perfeccionarlo. Lo mejor que puedes hacer es realizar varias copias del mismo al ir completando los bosquejos. Cuando consideras que tienes listo el bosquejo final, lo puedes personalizar una y otra vez. Para personalizarlo puedes añadirle elementos que te identifiquen, colores, formas, emblemas o lo que sea que haga referencia a tu vida, tu personalidad o lo que estás buscando representar. Esto lo hará más original y te hará sentir más cómodo con tu tatuaje.

Asesorarse con el tatuadorCon el diseño terminado por completo, lo mejor es visitar a tu tatuador para que juntos hablen del diseño. Por diferentes razones puede que haya que modificar el mismo o bien puede haber algo que tu tatuador pueda cambiar para mejorar el diseño y no lo sepas. Con la aprobación de tu tatuador, ya no hay más que esperar. ¡A pasar por la aguja!¿Alguna vez diseñaste tu propio tatuaje? ¿Te animas a intentarlo?

COMO CREAR TU PROPIO TATUAJE UNO DE LOS MEJORES TATUADORESPaul Booth, Estados Unidos

Los clásicos son clásicos y el mundo de los tatuajes es un mundo en el que a los mayores se los respeta. Paul Booth es una leyenda viviente del tatuaje y de forma más que justificada, cada uno de los grandes tatuadores que componen esta lista lo nombran entre sus influencias. Maestro del black & grey, el gore, el horror, lo siniestro y retorcido, el oscuro surrealismo de Paul Booth aún cautiva a toda la comunidad del tatuaje.

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FONTANARROSA

Roberto El Negro Fontanarrosa fue un humorista gráfico y escritor argentino.El 26 de abril de 2006, el Senado le entregó la Mención de Honor Domingo Faustino Sarmiento, en reconocimiento a su vasta trayectoria y aportes a la cultura argentina.En diciembre de 2006 recibió en la Feria Internacional del Libro en Guadalajara (México) el premio «La Catrina», reconocimiento que cada año se entrega en el Encuentro Internacional de Caricatura e Historieta.Recibió además el Premio Konex de platino en 1994 y el Konex en 1992.9En 2009 su personaje Inodoro Pereyra forma parte de la muestra “Bicentenario: 200 años de Humor Gráfico” que el Museo del Dibujo y la Ilustración realiza en el Museo Eduardo Sívori de Buenos Aires, homenajeando a los más importantes creadores de la historia argentina.

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