PINTURA MURAL

Resumen en esta presentación:

http://www.slideshare.net/IISABELLSS/pintura-mural-7996321

La Pintura Rupestre

La pintura rupestre es una manifestación artística primitiva del ser humano, iniciada hace unos 40.000 años durante la última glaciación que se puede ubicar en diversas épocas y en todos los continentes (exceptuando la Antártida).

Se realizaban principalmente en los muros de cavernas, aunque también se hacían grafismos en diferentes objetos como cantos rodados, cerámicas decoradas y objetos ornamentales. Se cree que en general eran realizados por ancianos o alguna especie de chamán. Casi todas las manifestaciones rupestres se dan en la parte más interior de las cuevas. La decoración está, por lo general, apartada de los sitios ocupados por el asentamiento. Este carácter latente subraya su significado religioso o fuera de lo cotidiano. Al estar ocultas en asentamientos rocosos lejos de la erosión han resistido milenios.

Características

En las pinturas rupestres se simbolizan seres humanos, animales y el medio ambiente, representando además el comportamiento habitual de las colectividades y su interacción con las criaturas del entorno y sus deidades. Entre las principales figuras encontramos imágenes de bisontes, caballos, ciervos y renos, aunque las marcas de manos también ocupan un porcentaje importante. Frecuentemente se muestran animales heridos o dañados con flechas. Los motivos y los materiales con que fueron elaboradas las distintas pinturas rupestres son muy similares entre sí, a pesar de los miles de kilómetros de distancia y miles de años en el tiempo. Se señala que todos los grupos humanos que dependían de la caza y recolección de frutos efectuaron este tipo de trabajo plástico.

Colores

En una pintura rupestre por lo general se usaban uno o dos colores, incluyendo algunos negros, rojos, amarillos y ocres. Los colores o pigmentos eran de origen vegetal -como el carbón-, de fluidos y desechos corporales -como la sangre y las heces-, compuestos minerales -como la hematita, la arcilla y el óxido de manganeso-, mezclados simplemente con agua o con un aglutinante orgánico (resina o grasa animal, caseína,...).

Pinturas rupestres de las Cuevas de Lascaux,

(Francia)

Técnica, elaboración y herramientas

Las cuevas se ubican totalmente bajo el suelo, y en consecuencia se hallan en una oscuridad casi completa. Se cree que los antiguos artistas se auxiliaban con unas pequeñas lámparas de piedra llenas de grasa animal o tuétano.

Los colores se restregaban directamente en la pared con los dedos, o mojando el extremo de un palo en la pintura, o dando pequeños toques con un tampón fabricado con un palo forrado de piel por un extremo. Las huellas de manos aparecen como formas positivas, manchándolas de color y estampándolas directamente en la pared, o como forma negativa, aplicándolas como una plantilla y rociando pintura alrededor de su contorno, a base de escupirla con la boca o soplarla a través de una caña hueca. Como lápices se usaban ramas quemadas y bolas de colorante mineral aglutinadas con resina. A veces se aprovechaban desniveles y hendiduras de la pared para dar la sensación de volumen y realismo. A menudo las siluetas animales se marcaban o raspaban para generar incisiones y así producir un contorno realista y notorio en la roca.

Vista general del techo de la Gran Sala de la Cueva de Altamira (Cantabria)

Pintura Mural del Antiguo Egipto

Para los antiguos egipcios, lo importante era su visión de la realidad, intemporal, sin cambios, sin influencias del exterior. Por ello somos capaces de reconocer los estilismos de la pintura del Antiguo Egipto y sus características entre el resto de representaciones pictográficas de cualquier época, lugar o corriente estilística: se mantuvieron prácticamente inalterados durante toda su historia.

Lo primero que nos llama la atención son los convencionalismos de la pintura egipcia en la representación de la figura humana: se puede ver que la cara va de perfil pero el ojo de frente, los hombros de frente y las caderas de ¾, los pies de perfil y, lo más chocante, dos manos y dos pies del mismo lado, es decir, dos manos derechas o dos manos izquierdas. Conseguían de esta manera reflejar toda la esencia principal del personaje como si se le viese simultáneamente desde varios puntos de vista.

Se consideran cuatro principios básicos:

Representación bidimensional: las pinturas, a pesar de cierto naturalismo en el color, eran planas, en dos dimensiones, sin sombras, sin dar sensación de relieve, lo cual no restaba belleza a las obras.

Frontalidad: las representaciones se hacían vistas de frente, aunque en el caso de la figura humana, la cabeza, pies, manos y senos se representaban de perfil, el ombligo de tres cuartos, y el resto del cuerpo de frente.

Falta de perspectiva: la única forma de suplir la falta de perspectiva era representando las pinturas en líneas horizontales, dividiendo la escena en “registros” o planos diferenciados, con el fin de secuenciarla. Las líneas superiores representaban el fondo, y las inferiores, los primeros planos. También se utilizaba la representación de figuras en distintos tamaños, pero más que para dar sensación de perspectiva, para indicar la importancia del personaje.

Horizontalidad: se aplicaba a todo el conjunto, pudiendo representar así la verticalidad de ciertos conjuntos decorativos.

Además de los cuatro principios anteriores, en las pinturas no se representaba el movimiento, se trataba de imágenes estáticas. En el caso de figuras humanas, se pintaban idealizados, y siempre jóvenes.

Técnica y materiales

El método para realizar los dibujos se basaba en la ejecución de líneas guía o cuadrículas, representando la figura humana según su regla de proporción (18 cuadrículas si estaba de pie, 14 si estaba sentada, etc.). La técnica pictórica de los egipcios fue un precedente de la pintura al fresco, pero en el enlucido, mezclado con paja trillada, no se empleaba la cal, desconocida hasta la llegada de los romanos. Las pinturas de las tumbas se han conservado después de miles de años gracias a un clima extraordinariamente seco y al hacho de estar protegidas en esas estancias selladas. La mayoría están sólo disueltas en agua, y bastaría pasar una esponja mojada para hacerlas desaparecer.

La aplicación de la pintura se realizaba frecuentemente sobre un bajorrelieve muy ligero. Normalmente se comenzaba por pintar los contornos de las figuras en ocre rojo, y coloreando el fondo en amarillento o blanco. A continuación se recubría la superficie de los personajes con colores vivos, aunque planos, sin mezclas ni sombras. Los colores utilizados en pintura eran los siguientes:

Azul, representado por el Nilo, se usaba para el cielo, el agua y la noche.

Verde, símbolo de la fecundidad y la vegetación, color con que se representaba al dios Osiris, y era utilizado para representar la naturaleza y motivos vegetales.

Blanco, usado como fondo para los dibujos, para colorear la ropa, la corona blanca, y para representar el pan.

Rojo, representado por el dios Set, se usaba para la corona roja, la piel masculina, la cerámica, la madera, y para el desierto.

Amarillo, representado por el sol, usado para el oro y la piel femenina.

Negro, color de la fertilidad, representado por el limo del Nilo. Se usaba para pintar los cabellos y los ojos.

Los egipcios pintaban los bajorrelieves los cuales, por su escasa profundidad, propician la identificación con la escultura y el arte pictórico. A partir de la dinastía III la pintura sobre los muros de las tumbas sustituye al bajorrelieve, del cual adopta las principales convenciones.

Pintura griega: Creta, tumbas etruscas

Creta fue el lugar del mundo antiguo civilizado, donde se inició el desarrollo de las artes y técnicas de la metalurgia del bronce, el cual se introdujo en la isla hacia el año 2500 a.C. En la isla de Creta se desarrolló una pintura innovadora de extraordinaria calidad. El carácter singular e innovador de la pintura cretense se distingue en tres aspectos fundamentales:

Los cretenses incorporan desfiles y procesiones de dioses y hombres, danzas variadas, juegos de riesgo como el salto de las bailarinas por encima de las astas de los toros, etc. La incorporación de la composición, del ritmo y las proporciones es el aspecto más innovador ya que a partir de Creta estos elementos inmateriales estarán presentes en todas las manifestaciones de la pintura.

Dejan de lado la rigidez de la pose propia de las culturas egipcia y mesopotámica para representar a los dioses con forma humana y a la misma escala que los hombres. La pintura cretense, si bien en sus inicios mantiene la frontalidad, evoluciona y da volumen a los cuerpos usando las medias tintas o las gradaciones de color. En otro sentido, si bien recrea los mismos temas de la vida cotidiana, capta con más humor y espontaneidad las actitudes y los gestos; Finalmente, incorpora ritmos, detalles y formas geométricas decorativas: espirales, bucles, olas etc.

La pintura cretense se encuentra en los palacios, no en las tumbas. El espacio propio de la pintura cretense son las habitaciones, corredores y otras dependencias de los palacios y las casas. Los cretenses pintaban al fresco sobre los entrepaños enfoscados o revocados. Sus mejores escenas están a la altura de la vista, entre el zócalo de alabastro o mármol polícromo y el techo de los palacios y casas.

FRISO DE LOS GLIFOS, en la Sala del Trono del Palacio de Cnossos. Creta, periodo Minoico II, hacia 1450 ó 1400 a.C.

EL PRÍNCIPE DEL LIRIO. Pintura mural del Palacio de Cnosos.

La obra más destacada de la pintura cretense es "el Príncipe del Lirio", un fresco que pertenece al periodo Minoico I. Otras obras son: la "Corrida de Toros" con el tema de las bailarinas saltando, y el perfil de una muchacha que popularmente se denomina "la Parisina". Todos ellos, procedentes del Palacio de Cnossos, se guardan actualmente en el Museo de Heraklion (capital de la isla de Creta)

Los etruscos fueron un pueblo de la antigüedad cuyo núcleo geográfico fue la Toscana, a la

cual dieron su nombre. Se cree que los etruscos llegaron desde Lidia hacia el siglo XIII a. C. Llegaron a ser una gran potencia naval en el Mediterráneo Occidental; su cultura y sus técnicas militares superiores hicieron de este pueblo el dueño del norte y centro de la Península Itálica desde el siglo VIII a. C. hasta la llegada de Roma. Hacia el 40 a. C., Etruria perdió su independencia y se convirtió en una provincia del Imperio romano.

Produjeron frescos admirables, con temas marcadamente narrativos, anecdóticos y principalmente funerarios. Aunque el arte etrusco, como otras artes del Mediterráneo Occidental, se vio influido fuertemente por el arte de la Grecia Clásica y el magnificente arte helenístico, guarda características singulares. El arte etrusco muy relacionado a los rituales funerarios legó a Roma un extraordinario naturalismo en cuanto a la representación de rostros: los bustos son prácticamente una invención etrusca.

Los colores preferidos en la pintura por los etruscos fueron el rojo, verde y el azul, al parecer porque les asignaban connotaciones religiosas.

Músico etrusco de la "Tumba del Triclinio", en Tarquinia

Pintura mural romana

Los romanos tendían más que los griegos a decorar sus paredes con pinturas murales, y aunque siguen la tradición griega, muestran en sus pinturas un gran colorido y movimiento. Los procedimientos usados en esta pintura debieron ser el encausto, el temple y el fresco. Aunque se sabe que los romanos desarrollaron la pintura sobre tabla, los restos pictóricos conocidos más importantes son de tipo mural, frescos protegidos con una capa de cera que avivaba los colores.

Pompeya

Pintura bizantina

La pintura bizantina evolucionó a partir del arte paleocristiano y se desarrolló desde el siglo VI (el de Justiniano I) hasta el fin del Imperio bizantino en el siglo XV. La mayor parte de la producción pictórica de la primera época se destruyó durante la iconoclasia de los siglos VIII y IX, de modo que sólo han sobrevivido ejemplos en territorios no controlados por el imperio bizantino (como Italia o el Próximo Oriente). La pintura tradicional rusa y de otras naciones eslavas es una prolongación de la bizantina.

La representación pictórica en la cultura bizantina y en la cristiandad oriental ejercía una función muy importante, pues se la consideraba la materialización de la misma divinidad.

Los diseños fuertemente lineales son característicos del estilo bizantino.

Fresco de la Anastasis (Cristo sacando a Adán de su tumba en el infierno)

en la mezquita de Ka’riye (antigua iglesia del Salvador de Chora)

Estambul, hacia 1310-1320

Pintura románica

Se llama pintura románica en conjunto a la desarrollada en Occidente desde la invasión de los bárbaros (siglo III) hasta mediados del siglo XIII (comienzos del Gótico). Los procedimientos generalmente seguidos fueron el temple y el fresco para cuadros y decoraciones murales, el temple y la aguada en la pintura sobre tabla, y la aguada o acuarela (con aplicaciones de oro) para las iluminaciones de códices.

La pintura románica se caracteriza por el escaso estudio de la naturaleza que revelan sus figuras, por la seriedad y uniformidad de los rostros, por la simetría en los pliegues de los paños, por las violentas actitudes que se dan a los personajes al representar una escena y el rígido hieratismo cuando las figuras no han de expresar acciones, por los contornos demasiado firmes o acentuados y por la falta de perspectiva.

En España se elaboraron notables pinturas murales en el Románico, de las que cabe destacar, en Cataluña, las pinturas absidiales de iglesias que pertenecieron a monasterios de la época, como los de San Clemente y Santa María de Tahull, y en Castilla y León, las que decoran el Panteón de los Reyes en León con sus escenas evangélicas, signos del zodiaco y otros elementos ornamentales, del siglo XII.

GÓTICO y TRECCENTO

La característica más evidente del arte gótico es un naturalismo cada vez mayor, frente a las simplificadas e idealizadas representaciones del románico. Surge por vez primera en la obra de los artistas italianos de finales del siglo XIII, y marcó el estilo dominante en la pintura europea hasta el final del siglo XV.

La pintura gótica se aproxima a la imitación a la naturaleza (incluyendo la representación de paisajes), pero sobre todo se centra en la expresión de las figuras, que demuestran emociones y sentimientos (placer, dolor, ternura, enojo), rompiendo el hieratismo y formalismo románico. Se produjeron lentos avances en el uso de la perspectiva.

La pintura mural de frescos siguió usándose como el principal medio para la narración pictórica de episodios bíblicos en las paredes de las iglesias en el Sur de Europa, especialmente en Italia.

Cimabue, “Madonna con ángeles y San Francisco”, hacia 1280, fresco en la iglesia inferior de Asís

Iglesia de Gordaliza del Pino (León)

Se considera a Cimabue el iniciador de la escuela florentina del Trecento, pero el gran maestro de esta escuela es su discípulo Giotto (h. 1266-1337), al que se considera

como auténtico iniciador de la pintura moderna. Busca representar el espacio correctamente, así como adecuar las expresiones y los gestos en relación con el estado de ánimo del personaje. Dio un tratamiento revolucionario a la forma y a la representación realista del paisaje, introduciendo la tridimensionalidad, lo que significó un gran paso en la historia de la pintura. Con él llega a la cumbre la pintura gótica italiana.

En la Capilla de los Scrovegni, en Padua, se encuentra todo un ciclo de frescos (1305-1306) que muestran escenas de la vida de la Virgen y Jesucristo.

Giotto, El beso de Judas, 200 x 185 cm,

Capilla de los Scrovegni, Padua

RENACIMIENTO - LA TÉCNICA DEL FRESCO

A menudo, el término «fresco» se usa incorrectamente para describir muchas formas de pintura mural. El auténtico fresco, o buonafresco, es a las técnicas pictóricas modernas lo que el Latín a los idiomas modernos. Es interesante tener conocimientos del mismo en esta última mitad del siglo XX, cuando, después de un largo período de experimentación estilística, existe una creciente tendencia entre los pintores a mirar hacia atrás y aprender los orígenes de su arte.

La técnica del fresco se basa en un cambio químico. Los colores de tierra, molidos y mezclados con agua pura, se aplican sobre una argamasa reciente, de cal y arena, mientas la cal está en forma de hidróxido de calcio. Debido al dióxido de carbono de la atmósfera, la cal se transforma en carbonato cálcico, de manera que el pigmento cristaliza en el seno de la pared: la pintura se integra por completo en el soporte.

Pueden pitarse frescos tanto en interiores como en exteriores; resistirán siempre que estén en un lugar razonablemente resguardado y no expuesto a humos o vapores. Pueden hacerse frescos pequeños sobre tablas, en un marco de madera, o sobre una placa cerámica sin esmalte. Son muy decorativos, con un acabado muy agradable al tacto.

Los procedimientos para pintar al fresco son sencillos pero laboriosos, y consumen muchísimo tiempo. En la preparación de la cal se tardan dos años. Cualquier artista que desee pintar al fresco en la actualidad tendrá problemas para encontrar y preparar los materiales, tareas que en otros tiempos hubieran realizado los operarios del taller.

SUPERFICIES

Preparación de la argamasa: En primer lugar, se necesita una cal absolutamente pura y blanca. Este peligroso polvo puede almacenarse en el exterior, en un pozo con paredes de ladrillo, excavado en un lugar sombrío y protegido por una tapa de madera. Hay que mantener la cal saturada de agua pura y remover a intervalos frecuentes durante dos años antes de que esté lo bastante pura y suave como para usarse. La basura "limpia" (ranas muertas, por ejemplo) no importa; el enemigo son las impurezas químicas. El segundo problema es encontrar arena pura de arroyo, o de un pozo de arena de tierra adentro. La arena de mar y la de río no sirven, porque la sal estropea el fresco y nunca se puede eliminar por completo.

Además, la arena debe estar libre de mica. Un fresco hecho con arena de construcción no durará más de tres años. Las impurezas de la arena provocarían eflorescencias, grietas, decoloración o reacciones químicas.

Preparación de la pared: Antes de iniciar el trabajo hay que preparar meticulosamente la pared para que sea igualmente absorbente por todas partes, hay que quitar y sustituir la argamasa viva y los ladrillos estropeados. La pared debe estar perfectamente seca y bien ventilada, y se la debe proteger del sol mientras dura el proceso de pintado. Es imposible pintar frescos sobre cemento, porque exuda impurezas químicas. Antes de aplicar la masa, hay que picar la pared con martillo y cincel. Después se moja toda con agua limpia.

Aplicación de la argamasa: Deben darse tres capas. La primera, que en los antiguos tratados italianos se llamaba trusilar, es la más pobre en cal y se compone de tres partes de arena limpia y una de cal floja, bien mezclada con la paleta con suficiente agua como para que se mantenga firme en el mortero. La masa se arroja contra la pared con una paleta de madera. Si se untase como si fuera mantequilla, quedarían bolsas de aire atrapadas en la superficie picada. Hay que aplanarla con la llana, pero no dando golpes, porque entonces quedaría demasiado lisa. Para esta capa, no importa poner más masa de la que se puede cubrir en un día de pintura, siempre que se mantenga húmeda con un trapo mojado. Es la capa más gruesa y debe tener unos 12 mm de espesor.

La capa media, el arricciato, puede aplicarse con una llana en cuanto la primera capa ha fraguado, aunque no esté seca. Esta capa es más rica en cal -dos partes de arena y una de cal- , y debe tener unos 6 mm de espesor. Sólo debe aplicarse la suficiente para un día de trabajo. Lo que sobra, debe arrancarse al terminar de pintar.

La tercera capa, el intonaco, puede aplicarse una media hora después, en cuanto ha fraguado la capa media. Debe quedar muy lisa, pero hay que lavarla con agua, bien con un caldero o con una manguera suave, para eliminar parte de la cal de la superficie. Esta capa es la más rica en cal -una parte de cal y otra de arena fina, o si es posible mármol molido-, y debe ser un poco más delgada que la capa anterior. Si al final de la jornada de pintura queda sin pintar alguna parte, hay que quitar la argamasa haciendo una incisión oblicua con una espátula de marfil o plástico.

Proceso de realización de un fresco

...

Muro, superficie picada Primer revoque: Trusilar Capa media: Arricciato

Sinopia (dibujo con tierra roja) Intonaco (enlucido fresco) Estarcido del dibujo con carbón

Aplicación de colores Ej.: Massaccio, capilla Brancacci (1424-1428), Florencia

PINTURAS

Lo mejor es que la paleta del artista se limite a unos pocos colores. La composición química de los pigmentos es importante, ya que algunos no se combinan bien con la cal. Es aconsejable que los artistas que intentan trabajar en un fresco discutan los colores con el departamento químico del fabricante. Los siguientes pigmentos son adecuados para el fresco: bianco-sangiovanni (cal blanca pura); ocre amarillo; amarillo de Nápoles; rojo cadmio; rojo de India; caput mortuum; ocre rojo; rosa potter; tierra verde; viridiana; verde cobalto; sombra natural; ocre pardo; perigord (natural y naranja); cobalto; cerúleo; ultramar; negro de óxido de cobalto; negro de óxido de hierro; negro de manganeso.

TÉCNICAS

Antes de comenzar a pintar o a aplicar la masa, hay que hacer un esquema a escala completa y planear exactamente los colores. Por ejemplo, hay que decidir si los contornos o modelados de tono se van a hacer con una sombra más oscura del mismo color local, con un color complementario, o con un color medio empleado para sombras en todo el fresco. No hay tiempo para indecisiones, ya que la argamasa se seca muy rápido. La única forma de remediar los errores es quitando toda la argamasa y sustituyéndola, operación muy delicada.

Así pues, el esquema debe indicar las zonas que se van pintar en cada jornada. Los límites de cada zona deben seguir líneas que disimulen las junturas la argamasa. Hay que hacer un diseño separado de cada una de estas zonas, y pasarlos a la pared mediante la sinopia, que es el dibujo a escala definitiva transferido desde los cartones de diseño, con pequeñas perforaciones a lo largo de sus líneas, para que se pueda estarcir con tierras sobre la superficie del arriccio.

La pintura se aplica con pinceles blandos, de pelo. Los pigmentos en polvo, sólo disueltos en agua, deben tenerse en platillos y mezclarse con cuidado en una paleta de cerámica o celuloide blanco.

La técnica más aconsejable es aplicar lavados de color transparente, como si se tratase de una acuarela, y después definir con líneas las formas y contornos. Conviene recordar las antiguas técnicas italianas: un tono medio general, un tono más oscuro para modelarlo con sombras, y un tono más claro para las luces. Se puede dar más cuerpo a los tonos claros añadiendo algo de bianco sangiovanni (cal blanca), aunque hay que tener presente que al secarse quedará más claro de lo que parece en la paleta.

Miguel Ángel, detalle de los frescos de la Capilla Sixtina

La pintura mural en seco

La necesidad de realizar retoques en la pintura mural al fresco obliga a que estas rectificaciones o arrepentimientos se hagan una vez seco el fresco; pero, con frecuencia, las técnicas en seco se han utilizado no sólo para correcciones, sino para completar el procedimiento, tanto con pintura a la cal como con distintas formas de temple (a la caseína, a la yema de huevo, a la cola, etc.).

La pintura a la cal se distingue del fresco, en primer lugar, en que se aplica sobre el revoque seco; en segundo lugar, en que la cal apagada (hidróxido de calcio) se utiliza aquí como verdadero aglutinante para disolver los colores. Se sabe que la pintura bizantina y la románica emplearon abundantemente como complemento la pintura a la cal, obteniendo esta técnica un efecto más lechoso que el que se advierte en la pintura ejecutada al “buen fresco”.

Asimismo se han utilizado diversas formas de temple como técnicas mixtas aplicadas sobre el fresco, para rectificaciones o acabados. Puede decirse que mientras el “buen fresco” se caracteriza por una gran resistencia, ya que los colores han sido absorbidos por el propio muro adquiriendo una dureza y brillantez peculiares, los retoques y acabados en seco quedan en cambio deteriorados, e incluso desaparecen más o menos rápidamente según las condiciones en que se han realizado y las técnicas utilizadas. Así, se puede observar en algunos murales que mientras las partes realizadas en verdadero fresco se encuentran bien conservadas, han desaparecido los acabados en seco, faltando incluso elementos esenciales de la representación para su correcta comprensión.

Por regla general, la utilización de otras técnicas de pintura mural (al temple, al óleo, etc.) se debe al deseo de obtener sobre el muro resultados similares a los conseguidos sobre tela, especialmente por lo que se refiere a la variedad e intensidad de los tonos y a los esfumados. En este sentido, son conocidos los experimentos de Leonardo, que no encontraba en el fresco las posibilidades del “sfumato” que daba la pintura sobre tabla.

En la pintura española, y ya desde tiempos medievales, se ha utilizado la pintura mural al óleo. Con este procedimiento realizó el gran pintor Francisco de Goya los murales

del Aula Dei en Zaragoza y los de la Quinta del Sordo en Madrid.

Ejemplo de las “pinturas negra” de las paredes de “La quinta del sordo”. Goya adquirió esta finca cercana al río Manzanares cuando tenía 72 años, y vivió en ella hasta su traslado a Burdeos en 1824, donde murió.

Pintura mural en el Barroco

Como estilo artístico, el Barroco surgió a principios del siglo XVII en Italia, desde donde se extendió hacia la mayor parte de Europa. El arte se volvió más refinado y ornamentado, con formas más dinámicas y efectistas, y un gusto por lo sorprendente y anecdótico, por las ilusiones ópticas y los golpes de efecto. Se observa una preponderancia de la representación realista y a la vez una cierta distorsión de las formas, fuertes contrastes de luces y sombras y cierta tendencia al desequilibrio y la exageración.

“La gloria de San Ignacio” (1685-1694), de Andrea Pozzo Iglesia de San Ignacio (Roma)

Mengs, Frescos del Palacio Real de Madrid (1762–1766)

Pintura mural mexicana

La pintura mural en este país tiene tradición desde los tiempos remotos del pasado indígena. La pintura rupestre en territorio mexicano tiene unos 7500 años de antigüedad, y se ha manifestado en las cuevas de la península de Baja California.

Bonampak, frescos mayas

En el año 1922 se inició el formidable movimiento de la nueva pintura mexicana, que se caracterizó desde su nacimiento por tres valores fundamentales: lo nacional, lo popular y lo revolucionario. La pintura mexicana del siglo XX ha alcanzado renombre mundial con figuras como David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco y Diego Rivera, generación de

idealistas que marcaron la imagen del México moderno ante fuertes críticas sociales y económicas.

Los tres artistas recibieron comisiones del presidente del gobierno Obregón y del secretario de educación Vasconcelos, para decorar edificios públicos con temas que glorificaran la revolución y la historia precolonial de México. El mensaje artístico-político principal era que los murales a pintar pudieran ser "leídos" fácilmente por el ciudadano mexicano promedio. La escuela oaxaqueña rápidamente obtuvo fama y prestigio como puente entre una cultura ancestral y moderna.

La pintura mural en la actualidad

El grafiti, en sus vertientes más artísticas y monumentales, ya es considerado como

una forma contemporánea y urbana de pintura mural. Es un término tomado del italiano, graffiti, plural de graffito, que significa ‘marca o inscripción hecha rascando o rayando un muro’ y así llaman también arqueólogos y epigrafistas a las inscripciones espontáneas que han quedado en las paredes desde tiempos del Imperio romano. El neologismo se popularizó y pasó al inglés coloquial al usarse en periódicos neoyorquinos en los años setenta. Por influencia de la cultura estadounidense, el término se popularizó en otros idiomas, entre ellos el castellano.

En el lenguaje común, el grafiti es el resultado de pintar textos abstractos en las paredes de manera libre, creativa e ilimitada con fines de expresión y divulgación donde su esencia es cambiar y evolucionar buscando ser un atractivo visual y con un alto impacto, como parte de un movimiento urbano revolucionario y rebelde; por lo tanto, una pintada política no se considera un grafiti como tal. El grafiti se realiza de manera espontánea, veloz, en lugares públicos, y en algunas ocasiones se mantiene el anonimato. Se le relaciona especialmente con la cultura hip-hop.

A finales de los años 60, en Nueva York se vio una explosión de nombres sobre edificios y paredes en todas partes de la ciudad, acompañados de lemas políticos que reflejaban el cambio social. En la primera generación de Nueva York, los grafiteros asignaban un número al nombre que habían escogido. La mayor parte de los números reflejaba la numeración de la calle en la que los autores vivían, por ejemplo: Taki 183, Franquean 207, Tree 127,…

Un tag o tager ("etiqueta") prácticamente es una firma o un acrónimo de una persona o un grupo de personas (crews). Para los tags de crews se suelen utilizar abreviaturas o simplemente las siglas. Aunque un tag comprende mucho más que una simple firma; es una manera de expresar un propio estilo mediante un apodo o alias, pues en muchas partes del mundo el arte callejero es ilegal.

En España el tagging con aerosoles empezó de una manera peculiar, denominado como "estilo flechero" al parecer espontáneamente, mientras que en el resto de Europa fue por influjo estadounidense. A principios de los años 1980, en plena movida madrileña, varios jóvenes se pusieron a escribir en las calles, los metros, las estaciones, etc., con sus rotuladores primero y después con aerosol. Muelle fue el primero en aparecer alrededor del año 1980 y en los cuatro años siguientes le siguieron otros como Bleck La Rata y Glub.

Aunque la mayoría de estas pintadas se realizan con aerosol (esmaltes sintéticos en spray), en otros encargos institucionales se busca trabajar con materiales nobles que permitan una larga duración del mismo sin demasiado mantenimiento, especialmente cuando se ubican en exteriores.