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Revista Digital Cuatrimestral

N° 5 - Agosto 2019

ISSN 2618-1908

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N° 5 - Agosto 2019Registro DNDA en trámiteISSN 2618-1908Dirección: Azcuénaga 1265 1° A, Ciudad Autónoma de Buenos Aires, ArgentinaTeléfono: (54 11) 4825-0009 E-mail: [email protected] site: www.arteterapiarevista.com.ar

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ARTETERAPIA. Proceso Creativo y Transformación es una realización editorial de:

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Revista Digital Cuatrimestral

ARTETERAPIAProceso Creativo y Transformación

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Editorial• Cartografiando futuros parajes

Haciendo foco• Una visita a la Colección Prinzhorn, el sueño de todo arteterapeuta. Luis Formaiano

Centros de formación• Centros de formación en México

Caleidoscopio de lenguajes • María Fux y su danza. María José Vexenat • ¿En qué escena estás? . Fernando Castelli • Arteterapia con orientación antroposófica. La metamorfosis de la planta, un camino de trans-

formación en siete pasos. Gabriela Henke, Carolina Estevez y Gabriela Porák de Osman

Encuentros conversados• Entrevista a Cecilia Byrne Asenjo

Experiencias arteterapéuticas• Arteterapia para personas que viven con ELA (Esclerosis Lateral Amiotrófica).

Viviana Faierman • Arte Terapia con adultos mayores en el marco de la Atención Centrada en la Persona.

Analía Alaniz • Arte terapia en hospice: rescatando historias y legados a través del arte.

Claudia Alejandra Acuña Douglas • Arteterapia comunitaria. Algunas reflexiones. Pamela Reyes H.

En profundidad• Arteterapia: ampliando o olhar para a arte, através da análise semiótica da imagem.

Evelyn Carrano

Te contamos • Muestra de arteterapia de pacientes con ELA

De libros y autores• Terapia a través del arte en una comunidad infantil. Edith Kramer

Arteterapeutas en acción

Agenda de congresos, simposios y encuentros

Humor

Galería de lenguajes arteterapéuticos

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Cartografiando futuros parajesCuando pensamos esta propuesta editorial, éramos conscientes de que nos sumergíamos en un paisaje sin conceptualizaciones ni deli-mitaciones consensuadas, de modo que este proyecto era parte de aquellos esfuerzos por cartografiar parajes arteterapéuticos pasa-dos, presentes y futuros. También sabíamos que se trataba de un territorio por donde circulan conceptos antropológicos, filosóficos, psicológicos y sociológicos; lenguajes corporales, literarios, pictóri-cos y musicales, entre otros, y cuyas intensidades generan puntos de encuentro y desencuentro.

Para recorrer este mapa nos nutrimos de diversos autores y discipli-nas. Hoy compartimos algunas ideas de Deleuze y Guattari que des-de la filosofía creemos que aportan a esta construcción. Para ellos el pensamiento no es arborescente, el árbol o la raíz inspiran una imagen del pensamiento que no cesa de imitar lo múltiple a partir de una unidad superior, de centro. Es más nutritiva la imagen del rizoma que conecta cualquier punto con otro punto cualquiera y en el que cada uno de sus rasgos no remite necesariamente a otros de la misma naturaleza. En palabras de los autores, el rizoma no se deja reducir ni a lo uno ni a lo múltiple, no está hecho de unidades, sino de dimensiones o direcciones cambiantes; no tiene ni principio ni fin, siempre tiene un medio por el que crece y desborda. “Contra-riamente a los calcos, el rizoma está relacionado con un mapa que debe ser producido, construido, siempre desmontable, conectable, alterable, modificable, con múltiples entradas y salidas, con sus lí-neas de fuga”.

En síntesis, mientras que los sistemas centrados invitan a una co-municación jerárquica y de uniones preestablecidas, “el rizoma es un sistema acentrado, no jerárquico y no significante, sin General, sin memoria organizadora o autómata central, definido únicamente por una circulación de estados”.1

La edición que presentamos hoy es una invitación a seguir constru-yendo el mapa arteterapéutico desde una perspectiva rizomática. En la sección “Haciendo foco”, el arteterapeuta argentino Luis For-maiano nos invita a recorrer la Colección Prinzhorn, que cuenta con 6000 trabajos realizados por pacientes de diversas clínicas psiquiá-tricas, en gran parte alemanas, entre 1840-1945. La sensibilidad de la mirada del autor convoca al lector a recorrer la muestra actual, denominada “Fantasías Florales, entre el Simbolismo y Outsider Art”. Pinturas, dibujos y esculturas de personas cuyas historias se encuentran también relatadas y en las que se refleja la manera en la que el arte constituyó un paliativo ante el encierro y la estigmatiza-ción. En “Caleidoscopio de lenguajes” presentamos una nota larga-mente concebida. La Danzaterapia o Danza Creativa estará presente en este número desde el aporte realizado por María Fux, destacada artista de la danza, bailarina y coreógrafa argentina, que en la ac-

tualidad tiene 97 años y cuyas indagaciones artísticas y búsquedas intuitivas la llevaron a descubrir un método, un lenguaje de caracte-rísticas particulares que fue vanguardia para la época.

Entre los lenguajes de los que se nutre el arteterapia incluimos tam-bién un artículo sobre el Teatro Espontáneo en América Latina, que ha sido desarrollado por psicodramatistas y que se ha visto enrique-cido por el aporte de otras disciplinas, como el teatro de máscaras, la música, los títeres, el clown y la danza. Nuevamente, la imagen del desarrollo rizomático aparece en nuestro horizonte conceptual.

Continuamos ahondando en el enfoque antroposófico con una técnica que implica la observación de la naturaleza. Inspirada en Goethe, quien consideraba que se daba a conocer al espíritu una for-ma plástico-ideal, cuando se habían abarcado la variedad de formas de las plantas existentes, y repara en lo que todas ellas tienen en común. En el contexto de la terapia, se le propone al paciente que realice pinturas con acuarela, mostrando el proceso de crecimiento y devenir de la planta. El artículo describe este proceso en siete pasos.

En los “Encuentros conversados” de este número nos reunimos con Cecilia Byrne Asenjo, miembro de la Comisión Directiva de la Asociación Chilena de Arteterapia, quien nos relata su camino de descubrimiento del arteterapia y los preparativos del VII Congreso Latinoamericano de Arteterapia, que se realizará en Santiago de Chile en 2020. Las “Experiencias arteterapéuticas” nos llevan al re-lato del trabajo de profesionales con diversas poblaciones: personas que viven con esclerosis lateral amiotrófica (ELA), adultos mayores y pacientes que se encuentran en el final de sus vidas. La sección “En profundidad” presenta la tesis doctoral de Evelyn Carrano, que consiste en el análisis semiótico de la obra de un artista del Rena-cimiento como Miguel Ángel Buonarroti y de una representante del movimiento modernista en Brasil, en la obra de Anita Katerina Mal-fatti. Para la autora, el análisis semiótico permite que el artetera-peuta y el paciente puedan adentrarse en la imagen, considerando sus elementos visuales de una forma directa, específica y detallada.

En esta edición continuamos presentando “Arteterapeutas en ac-ción” que nos cuentan acerca de sus formaciones y lugares de tra-bajo, y con el comentario sobre libros, esta vez con una autora pio-nera del arteterapia como Edith Kramer. Proseguimos también con la “Agenda de congresos, simposios y encuentros” para facilitar la par-ticipación en este tipo de eventos. En la sección “Te contamos” inclui-mos el relato de una muestra de pintura pergeñada y organizada por una persona que vive con ELA y es parte de un taller de arteterapia.

¡Que disfruten la lectura de cada uno de los artículos de esta edición! ■■

1. Deleuze, G. y Guattari, F. (2002). Mil mesetas. Capitalismo y esquizofrenia. España: Pre-Textos.

Editorial

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Una visita a la Colección Prinzhorn, el sueño de todo arteterapeuta

Haciendo foco

Resumen

El pasado mes de mayo tuve la fortuna de cumplir un sue-ño: visitar una de las colecciones de arte producido por pacientes psiquiátricos más importantes del mundo, la Colección Prinzhorn. Casi 200 obras en exhibición, algunas fechadas tan tempranamente como 1905, y realizadas con toda clase de materiales y soportes. Una experiencia con-movedora si consideramos que el arteterapia aún no exis-tía como tal, pero sí la experiencia de sufrimiento psíquico y su objetivación a través de la actividad en el arte.

Palabras clave: Prinzhorn, psiquiatría, Art Brut, Outsider Art, arteterapia.

La Colección Prinzhorn posee unos 6000 trabajos realiza-dos por pacientes en el período 1840-1945, y no solo está compuesta por pinturas y dibujos en papel, sino también por esculturas. Las contribuciones provinieron de diversas clínicas psiquiátricas, en gran parte alemanas.

Las muestras se arman de acuerdo a ejes temáticos espe-cíficos donde se curan los trabajos correspondientes. El 31 de marzo de 2019 se inauguró la muestra ”Fantasías Flo-rales, entre el Simbolismo y Outsider Art”, que clausura el 4 de agosto. Es un proyecto de cooperación que se origina en la coincidencia geográfica y programática de instituciones culturales muy diferentes del área metropolitana de los ríos Rin y Neckar. El foco central está puesto en la Colec-ción Prinzhorn, que desde 1840 hasta la fecha es la espe-cialista indiscutible en Outsider Art. El catálogo nos explica que “las manifestaciones que las plantas toman aquí se deben menos a intereses botánicos que a su carácter como símbolos fantásticos del psiquismo, como una superficie en la que se proyectan estados emocionales”.

Al ingresar desde la escalera principal, sentimos una ráfaga de emoción que preludiaba lo que íbamos a ver, haciéndo-nos desear que esa soleada mañana de domingo durara un sin tiempo. Apenas entramos en la primera sala, vemos 33 obras en pastel de motivos florales realizadas por Han-na Hellmann, fechadas entre 1939 y 1942. Hanna fue de-portada a Lublin (Polonia) desde el hogar de convalecencia para judíos en Bendorf-Sayn, y se cree que fue asesinada

en el campo de concentración de Sobibor. En el año 2016, la colección recibió alrededor de 1800 pasteles realizados por ella.

Luego, en la sala grande, nuestro interés es captado por los trabajos de Else Blankenhorn, en los que a los motivos florales simbólicamente cargados se les suman plantas-humanas híbridas. Su historiografía nos cuenta que Else era hija de un profesor y que tuvo internaciones en 1898 y en 1906. En su delirio, sostenía ser la esposa del Kaiser Guillermo II. Produjo gran cantidad de billetes bancarios inventados cuya finalidad era financiar la resurrección de matrimonios fallecidos, aunque ella nunca llegara a casar-se. Un personaje que además aparece en su obra es Jesu-cristo, a quien, en un trabajo al óleo, muestra en el cáliz de una pasionaria, aludiendo a la Pasión de Cristo. Los péta-los blancos simbolizan a los apóstoles, la corona roja es la corona de espinas, el aparato reproductor de la planta, los

Luis Formaiano1

1. Licenciado en Psicología (UBA). Arteterapeuta (UNA). Miembro fundador de la Asociación Argentina de Arteterapia. Artista Plástico.

Else Blankenhorn, Cristo.

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Hacie

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foco cinco estigmas y la hiedra trepadora representa las heridas

producidas por los azotes. Se dice que su obra ha influido en la pintura moderna, especialmente al pintor expresio-nista alemán Ernst Ludwig Kirchner.

Franz Malter era un militar que peleó en la Guerra Franco-Prusiana y fue internado en 1884, cuando tenía 36 años de edad. Se lo conocía como poeta, comediante, cantante y compositor. Le interesaban las lenguas y escribía expresio-nes en persa o inventaba palabras inexistentes, derivadas del latín. En sus dibujos aparecen figuras femeninas muy estilizadas que, en muchos casos, recuerdan a las figuras de las musas inspiradoras.

En una vitrina se encuentran delicadamente expuestos los trabajos de Wilhelm Maasch, paciente de la clínica Duren, quien dibujó motivos florales en pequeñas hojas de un ca-lendario del año 1910 de 11 por 7 centímetros. En su mayo-ría se trata de representaciones abstractas realizadas con técnica mixta. Estos se exhiben por primera vez al público.

También se puede ver la obra más antigua que posee la colección, un trabajo anónimo fechado el 7 de marzo de 1842. Se trata de una acuarela sobre cartón, proveniente de la clínica Leubus en Silesia (Europa Nororiental). En este detallado estudio de la naturaleza podemos descubrir tres cabezas masculinas de perfil que salen de las piedras gri-sáceo-amarronadas cubiertas de vegetación.

También observamos cabezas humanas en los siete tra-bajos en crayón realizados en 1920 por Frau von Zinoview, donde las plantas crecen desordenadamente y de forma confusa, asemejando las figuras que se pueden encontrar al realizar un garabato.

Heinrich Mebes realizó ilustraciones botánicas de temas religiosos, fechadas entre 1899 y 1918, en lápiz, tinta y pin-cel en un cuaderno que además posee profusos textos que acompañan cada trabajo.

De Heinrich Hack podemos ver dos trabajos en lápiz y cra-yón anteriores a 1921, donde a los versos de la Biblia les diseña un lenguaje floral.

Elise Mahler era una modista hospitalizada en 1893 en la clínica Burgholzli, en Zurich, donde trabajaron Bleuler y Jung. De allí pasó al psiquiátrico de Rheinau, bajo tutela de la corte. La mayor parte de sus trabajos fueron reali-zados sobre cartón de cajas en las que se guardaba viru-ta. Sus temas, utilizando crayón y acuarela, tienen toda la apariencia de tarjetas de salutación, en su mayoría di-rigidas a sus familiares, a quienes reprochaba dejarla en ”la institución asesina” en la que se encontraba recluida y cuya comida ”solo servía para alimentar a los cerdos”. Estas tarjetas nunca fueron remitidas a los familiares a los que estaban destinadas, sino que se enviaron di-rectamente a Hans Prinzhorn como ejemplo de un arte ”bizarro y excéntrico”. En los registros figura que muchas veces la paciente prendía la tela de su ropa sobre su piel, usando en su cabeza una tela arreglada como la gorra de un chef, tal vez tratando de recuperar la imagen del tra-dicional bonete suizo. En una obra que muestra una taza desbordante de flores escribió: ”Solicito que vengan a sal-varme de mi casa”.

Las acuarelas de Helene Maisch son impactantes por el manejo que tenía de la técnica, utilizando colores vividos y matizados, en dos trabajos que datan de 1919.

Ernst Bernhardt, que era maestro de dibujo, trabajó sobre un estudio comparativo cruzando diversas frutas con la punta del miembro masculino, así como también retratos abstractos de figuras mirando a través de manzanas.

Johann Kaiser dibujó una compleja obra que se titula ”La imagen completa del cosmos en una semilla de manzana alegóricamente presentada como imagen de un espejo”.

Hay muchas obras más, las que, luego de observar y fotografiar detenidamente, nos condujeron al subsue-lo, donde se encuentran las esculturas de Karl Genzel (1871-1925), un albañil sin ningún tipo de formación en

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arte. Él fue uno de los diez pacientes esquizofrénicos que Hans Prinzhorn presentó en su libro El Arte de los Enfer-mos Mentales, de 1922. Lo hizo conocer por el seudónimo Karl Brendel, y es así como su arte llegó a interesar a los expresionistas alemanes y a los surrealistas franceses. Cuando se le diagnosticó esquizofrenia en 1906, ya ha-bía pasado alguna temporada en la cárcel por conducta violenta y hasta sufrió la amputación parcial de una de sus piernas.

Tenía delirios religiosos y aunque antes de su enferme-dad había hecho algunas esculturas para sus propios hijos, su producción comenzó con el modelado de for-mas obscenas en 1912, utilizando pan masticado. Lue-go, vinieron figuras de animales esculpidas en madera. Su mayor interés se evidenció en la figura de Jesucristo, además de variaciones sobre la cruz que se transforma en criaturas con enormes cabezas soportadas por pier-nas finas como las de un tero, y también en figuras an-dróginas. Su obra nos recuerda mucho al arte africano, y su facilidad para abstraer la figura humana fascinó a Paul Klee, quien imitó y refinó sus propias composicio-nes. Hay en exhibición cerca de 40 de sus esculturas.

Para visitar el museo se puede llegar en avión al aeropuer-to de Frankfurt, y de allí se toma un tren hacia Heidelberg vía Mannheim. El viaje ida y vuelta cuesta 50 euros y dura menos de una hora. El museo está alojado en el edificio de la Universidad de Heidelberg, sitio perteneciente también al hospital psiquiátrico.

Se puede llegar a pie desde la estación de tren en unos 45 minutos. La entrada cuesta 5 euros y la visita es una ex-periencia enriquecedora. No solo vemos lo que luego sería llamado Art Brut por Jean Dubuffet, sino que atisbamos retazos de vidas en las que el arte fue un paliativo ante el encierro y la estigmatización. ■

Haciendo foco

La Colección Prinzhorn posee unos 6000 trabajos realizados por pacientes en el período

1840-1945, y no solo está compuesta por pinturas y dibujos en papel, sino también por

esculturas.

Escultura de Karl Gensel.

La galería.

BIBLIOGRAFÍA

Catálogo de la muestra “Floral Fantasies between Symbolism and Outsider Art” (versión en alemán e inglés).

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ión Centros de formación en México

En Arteterapia creemos que la consolidación de la disciplina requiere profesionales cada vez mejor formados en la articulación de lo artístico y lo terapéutico. Una sólida forma-ción teórico-práctica en arteterapia compor-ta no solo la adquisición de conocimientos y técnicas, sino también la transformación de la persona en este proceso. En este número presentamos los principales centros de for-mación de México.

Instituto Mexicano de Psicoterapia de Arte

Dirección: Bosque de Duraznos 65, Bosques de las Lomas, Ciudad de México.Teléfono: 01-5252450457.E-mail: [email protected] Sitio web: www.imparte.com.mx

Título: Diplomado de Arteterapia.Directora: Mtra. Ana Laura Treviño.Duración: 12 meses.Requisitos de ingreso: ser psicólogo en el último se-mestre o ya titulado. Presentar CV, realizar una entre-vista con la directora o coordinadoras del Diplomado, redactar una carta que mencione los motivos por los cuales desea inscribirse y autobiografía, entregar la ficha de inscripción y tres fotografías tamaño infantil.

Plan de estudios:

Módulo I y II: Psicoterapia de Arte Infantil. Módulo III y IV: Psicoterapia de Arte con Adolescentes. Módulo V y VI: Psicoterapia de Arte con Adultos. Módulos VII y VIII: Psicoterapia de Arte con Familias. Módulos IX y X: Intervención en Crisis y Trauma. Módulo XI y XII: Terapia de arte con grupos.

Modalidad de cursada: intensivo de un fin de semana al mes (viernes de 16:00 a 20:00, sábados de 10:00 a 20:00 y domingos de 10:00 a 14:00) o de forma se-manal, los jueves de 16:00 a 20:00. Requisitos de graduación: completar todos los cré-ditos, cursar 50 horas de supervisión individual y en-tregar un trabajo final de un caso completo.

Taller Multinacional

Dirección: Eje Central Lázaro Cárdenas 13, Despacho 2105, Edificio Miguel E. Abed, CP 06050, Ciudad de México.Teléfono: 01-52-55187710.E-mail: [email protected] Sitio web: https://www.tallermultinacional.org/

Carrera: Diplomado en Arteterapia Humanista.Título: no hay título, ya que es un diplomado (educa-ción continua).Tutora del Diplomado: Dra. María de los Ángeles Ló-pez Ortega.Duración: un año (180 horas).Requisitos de ingreso: pago de inscripción.

Plan de estudios: Módulo 1: Arteterapia.

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Centros de formación

Módulo 2: Herramientas y técnicas de expresión per-sonal en arteterapia. Módulo 3: Arteterapia desde el enfoque centrado en la persona. Módulo 4: Arteterapia y los pilares de la resiliencia. Módulo 5: Arteterapia y autoconocimiento. Módulo 6: Proyecto de aplicación de arteterapia en el ámbito educativo y social.

Modalidad de cursada: online.Requisitos de graduación: dado que es educación continua solo se otorga constancia al haber concluido los seis módulos de forma satisfactoria.

Centro de Atención Psicológica, Arte y Consultoría A.C.

Dirección: Imperial #84 Col. Industrial Del. Gustavo Madero, Ciudad de México.Teléfono: 52-1-5515957993.E-mail: [email protected] web: https://capacpsico.com.mx/

Directores: Psic. Elizabeth Tabares y Mtro. Josafath Romero.Oferta educativa: Diplomado, dividido en tres fases. Requisitos de ingreso: dos fotografías tamaño in-fantil, carta explicando los motivos, ser psicólogo/a en formación o titulado, o tener formación afín. Título: constancia de participación avalada por la Se-cretaría de Trabajo y Previsión Social. Duración: un año (120 horas).

Plan de estudios: Primera parte: intensivo. Módulo 1: Materiales en Arteterapia y sus antece-dentes históricos. Módulo 2. La arteterapia como herramienta de auto-conocimiento. El papel del símbolo en la arteterapia. Módulo 3: Gestión Emocional y Arteterapia.

Módulo 4: Proyecto de Vida y Arteterapia. Segunda parte: Técnicas de Intervención. Módulo 1: Arteterapia y Grupos de encuentro. Módulo 2: Técnicas de intervención social. Módulo 3: La creatividad como intervención en po-blación adulta. Tercera parte: Formación de talleres. Supervisión de casos. Modalidad: clase regular los viernes de 10:30 a 14:00.

Requisitos de graduación: entregar diario creativo, cumplir con el 80% mínimo de actividades extraaca-démicas y rendir un examen.

Instituto Macui

Dirección: Medellín 70, Roma Norte, CDMX, CP 06700, México (la formación se puede cursar en dos sedes, como se especifica en el plan de estudios).Teléfono: 52-1-5528557886.E-mail: [email protected] web: www.institutomacuil.com

Director: Psicoanalista Sven Doehner.

Directora de estudios: Lic. Psic. María Islas.Oferta educativa: formación en Arteterapia Trans-personal. Modalidad: intensivo, clases de un fin de semana al mes, viernes, sábados y domingos de 10:00 a 20:00.Requisitos de ingreso: carta explicando motivos, en-trevista (personal o vía Skype), CV y completar for-mulario de inscripción. Duración: de marzo a noviembre, con un total de 270 horas.

Plan de estudios: Módulo 1: Introducción a la visión transpersonal (sede prado sur). Módulo 2: La vida simbólica y la creación de imágenes. Módulo 3: Mitología personal y la imaginación creativa.

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ión Módulo 4: Mito, Ritual y Sanación (residencial en

Oaxaca). Módulo 5: Crisis psicológica, despertar espiritual y chamanismo. Módulo 6: La práctica de la visión transpersonal: abordajes psicoespirituales a la salud. Módulo 7: Los sueños y lo inconsciente. Módulo 8: La mente del cuerpo. Módulo 9: Las artes y la psicoespiritualidad: desa-rrollando una práctica transpersonal.

Requisitos de graduación: cumplir con las 270 ho-ras de trabajo durante la formación y presentar tra-bajo de aplicación.

Taller Mexicano de Arteterapia

Dirección: Donatello 15, Col. Insurgentes Mixcoac, Del. Benito Juárez, Ciudad De México.Teléfono: 52-1-5554071506.E-mail: [email protected] web: http://arteterapia.com.mx

Directora: Mtra. Ana Bonilla Rius.Oferta educativa: Diplomado en Arteterapia. Requisitos de ingreso: tener licenciatura o estar en séptimo semestre de carrera, comprobante de es-tudios, resumen biográfico, carta de exposición de motivos, entrevista previa con la coordinadora del diplomado, estar cursando o iniciar un proceso te-rapéutico.Título: Diploma de participación. Duración: 160 horas (equivalentes a 11 meses) más 15 sesiones de prácticas y 8 sesiones de su-pervisión.

Plan de estudios: Propedéutico Psicología: Principios de teoría psi-codinámica. Mecanismos de defensa. Estructu-ras psíquicas. Antecedentes del Arteterapia. Modulo I: Teoría y procesos del Arteterapia. Arte Marginal. Ética y Fundamentos del AT. Procesos del AT. Expresión y creatividad. Arteterapia Apli-cada. Modulo II: Procesos Grupales. Teoría de grupos. Dinámicas y exploración grupal. Prácticas y me-todologías de investigación. Cómo elaborar un anteproyecto. Prácticas. Supervisiones. Tutorías.

Módulo III: Talleres de producción artística apli-cadas al trabajo en AT. Módulo IV: Seminarios de Psicología, Arte y Expe-riencia (Metáfora en Arteterapia, Períodos evoluti-vos del dibujo, Proceso creativo cotidiano. Fronte-ras de contacto. Vínculos). Módulo V: Presentaciones Finales.

Modalidad: clase regular dos sábados al mes de 9:00 a 18:00. Requisitos de graduación: acreditar las presenta-ciones finales, asistencia.

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Caleidoscopio de lenguajes

María Fux y su danza

María José Vexenat1

1. Danzaterapeuta. Coreógrafa. Bailarina.

Resumen

La Danza y la Vida son conceptos de base en el proceso artístico de María Fux. Rescatar determinados hitos his-tóricos se hace necesario para comprender algunas claves en su pensamiento metodológico.

Palabras clave: María Fux, Danzaterapia, vida, creatividad, comunicación, arte, método fuxiano. Ubicar en contexto histórico una práctica de movimiento creativo como la Danzaterapia/Danza Creativa, se hace realmente inevitable. Hace décadas esta creadora desa-rrolla y promueve un trabajo de concepto inclusivo, es re-conocida como precursora de la Danzaterapia en su país y, del mismo modo, como una de las pioneras de la Danza Moderna.

La relación entre sus indagaciones artísticas y sus bús-quedas intuitivas la orientaron hacia el descubrimiento de un método, generando un lenguaje de características par-ticulares que fue vanguardia para la época.María Ana Fux es una destacada artista de la danza, bailarina y coreógra-fa argentina, nacida el 2 de enero de 1922. Proviene de una familia de inmigrantes judíos rusos. La fuerte influencia de sus padres, y en especial la de su madre, marcaron su carrera para siempre. La pierna rígida de su madre sin ró-tula es la que la llevaría, a través de la danza, a convertirse en su pierna móvil. Ella siempre ha destacado: ”yo soy la pierna de mi madre, yo soy esa pierna que danza [...] ella fue un ejemplo de todo lo que se puede hacer aún con un problema de inmovilidad” (Supera, 2013).

Un dato curioso que emerge de la mayoría de sus escritos bibliográficos y reportajes es la reiteración de la palabra ”Vida” como respuesta a la danza, vida como potencia de movimiento. ¿Cuántos significados encerrarán esas cua-tro letras? ¿Será un diseño la vida, de rectas y curvas, de puntos de encuentro y desencuentro, de sonidos que as-cienden y descienden, de silencios y ritmos, de formas, pe-sos, movimiento, volumen y color? ¿De cuántos modos se puede crear vida? ¿Qué es un acto creativo?

María Fux ha encontrado en este arte una filosofía de vida, un hecho artístico, una vida en estado de arte. Martha Graham intuía el camino de María cuando le decía:

Eres una artista, no busques maestros fuera de ti. No tengas miedo de hacer danzas teatrales [...] Continúa hacia adentro de ti lo más que puedas. Vuelve a la Ar-gentina y no esperes nada del maestro. Tu maestro es la vida.

Por otro lado, la lectura de Mi Vida, autobiografía de Isado-ra Duncan, cuando tenía solo 15 años, impregnó un modo diferente de ir al encuentro de la danza:

Cuando descubrí a Isadora y sus conceptos, entendí que la danza podía olvidarse de los estereotipos. Ella abrió los caminos que derribaron barreras y conven-cionalismos para que todos fuéramos libres de hacer lo que sentíamos (Gesell, 1999).

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s El arte de Fux se construye de épocas, de movimien-tos sociales, culturales y políticos. Su hallazgo como artista para la evolución de su trabajo metodológico se sostuvo en la propia aptitud, sensibilidad, persistencia, coherencia, tenacidad para seleccionar determinados recursos creativos, sin dejarse afectar por modas o es-tigmatizaciones que la hubieran fijado en un determi-nado esquema espacio-temporal. Estamos hablando de una artista que se animó a quebrar formas pre-determinadas, y que lo hizo a partir de un claro posi-cionamiento ideológico político y social, considerando la danza como un derecho de las personas, sobrepo-niéndose a todos los riesgos que esto representó para ella, desde amenazas hasta la incorporación en listas negras.

marcaron sus danzas, como así también los diez años de investigación artística en el lenguaje corporal, dan-zando en el Teatro del Pueblo, con el apoyo de Leónidas Barletta.

Pero además conformó una compañía con bailarinas sordas, algo inusual para la danza y para esa época. Su aporte frente al desarrollo artístico-social es también pedagógico. Por primera vez las clases de danzas estu-vieron conformadas e integradas también por personas con discapacidad.

Hace más de 50 años María Fux creó un método artístico a través del movimiento, que promueve un espacio para el desarrollo del aprendizaje mutuo hacia la comunica-ción. Este carácter de reciprocidad enriquece a la condi-ción humana porque la aleja de ese lugar de poder frente a lo diverso, permitiendo amplificar y potencializar cada mundo personal. El método ha trascendido las fronteras de nuestro país, es valorado y apreciado en varios países de Latinoamérica y Europa, en especial en Italia.

Fux siente la danza como una posibilidad de comunica-ción, que facilita un mejor entendimiento entre las per-sonas más diversas:

El hecho de aceptar que todos somos semejantes ayuda. Hay mucha gente que, teniendo la posibili-dad, no escucha y otras que dicen ver y no miran. Algunos aparentemente tienen cuerpo pero se mue-ven a través de elementos mecánicos. Con la danza unificamos y rompemos esos preconceptos (Diario Página 12, 14 de mayo de 1995).

Pero el gran hallazgo de sus danzas fue la búsqueda en el silencio. Ella describe ese proceso creativo desde un diá-logo con la hoja: caminando por la calle observó un árbol casi desnudo en el que una última hoja luchaba por no

Su arte se construye de épocas, de movimientos sociales, culturales y

políticos. Su hallazgo como artista para la evolución de su trabajo metodológico se

sostuvo en la propia aptitud, sensibilidad, persistencia, coherencia, tenacidad

para seleccionar determinados recursos creativos.

Su arte, también entre sus colegas, causó incomodida-des, cuestionamientos de todo tipo, malestares, sor-presa, descreimiento. Todo lo que cualquier expresión artística despierta en esa línea de emociones diversas que se suscitan entre el rechazo y la admiración a lo nuevo o diferente. Se atrevió a danzar sin música, sin pasos preestablecidos, a improvisar, a vestirse y desves-tirse en escena, a recrear gestos en la danza, a incluir elementos teatrales, a expresar dolor, rabia o llanto a través de gritos guturales, a soltar su cabello como parte de su danza, a despertar sensualidad, bailar poesía y pa-labra, pintura o escultura, a transitar las músicas tanto contemporánea como folklórica, clásica, jazz o cualquier otro género popular, danzar el silencio o el sonido. Todo se convertiría en vías de estímulos y contacto con su particular mundo interno.

Así es como se vuelca al impresionismo de Ravel, De-bussy, Fauré y Satie, y también al movimiento de la jo-ven pintura argentina, los componentes surrealistas del grupo Orion. Pintores, grabadores, escultores y poetas

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caer; pensando en la danza buscó una música para esa imagen y le preguntó a la hoja si necesitaba música para danzar y ella le respondió que no, que necesitaba viento. Así nació La última hoja, una danza en silencio que para ese tiempo histórico significó un proceso de avanzada.

Esta experiencia antecede a otro gran hallazgo: las Pala-bras Madres que se originan a partir del encuentro de Fux con Leticia, una niña sorda:

Lentamente se acercó a mí y el milagro se hizo; la palabra, junto con el movimiento que se expresaba en mí, se unió a su boca. Y ”ne-ne” fue la llave, entre el pensamiento abstracto y la expresión del cuerpo (Fux, 1998).

La vida de María es amplia y frondosa como un árbol. Tiene tierra, raíces y memoria, es semilla que ”crece”, es presente y es futuro, es tronco, ramas, hojas y flores.

Su danza es estado de movimiento, se nutre y se ali-menta de todo lo que aparece, siempre atenta y despier-ta a la curiosidad y el asombro, que le permiten descubrir estímulos y asociaciones en cada hecho, gesto o fenó-meno. Busca en lo simple y encuentra. ¿Qué encuentra? aquello que está al alcance de todos y que habitualmen-te olvidamos.

1)-¿Qué es el tiempo, María? -Hay un tiempo de afuera y otro de adentro. Escuchemos los dos tiempos.-¿Dónde está el ritmo? -Busco el ritmo que hay dentro mío, pero hay un ritmo afuera, también lo escucho.-¿Qué dicen las palabras? -Las palabras dicen tengo ritmo. Todo sirve en la vida, mezclo todo y sale una torta. Lo más importante es fluir, ¿sabés qué es? Dejar que el movimiento venga y se vaya.

2)-María, ¿dónde está? - Aquí y allá, siempre viajando, dando a los otros, siendo un puente de comunicación.- ¿Qué edad tiene? - Noventa y siete años.- ¿Qué desea? - Desde hace años tengo la idea obsesiva de dejar algo más que mi danza, que se deshace en el aire una vez fi-nalizada. ■

Compartimos con ustedes el video de la entrevista a María Fux, realizada por Guillermo Molina Rus en julio de 2019. https://www.youtube.com/watch?v=nb9n6HXWn3I&t=143s

Y el video de alumnado actualhttps://www.youtube.com/watch?v=9wTtYoBZ3gY

Conformó una compañía con bailarinas sordas, algo inusual para la danza y para

la época. Su aporte frente al desarrollo artístico-social es también pedagógico. Por primera vez las clases de danzas estuvieron conformadas e integradas

también por personas con discapacidad.

BIBLIOGRAFÍAFux, M. (1998). Danzaterapia. Fragmentos de Vida. Buenos Aires: Editorial Lumen.Supera, J. (2013). María Fux. Una vida en danza. Diario La Nación, 14 de julio.Gesell, S. (1999). María Fux, la leyenda continúa. Diario La Nación, 28 de agosto.

Agradecimiento en la corrección del artículo Lic. Malva Roldán.

Desde mi infancia y hasta la actualidad las conversa-ciones con María son profundas, cómplices, plenas de humor y de enseñanzas. Me gustaría compartir algunas preguntas que pertenecen a mi archivo personal y luego otras que pertenecen a un diálogo imaginario con ella, basado en esa historia de vida que nos une.

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s ¿En qué escena estás?

Fernando Castelli1

1. Psicodramatista, actor y director de teatro espontáneo. Coordinador General en ”EIPASO de Psicodrama y Psicoterapia” (http://www.psicodramaypsicoterapia.com/). Miembro de ”La Combinada. Compañía de Teatro Espontáneo”. Docente en la Escuela Argentina de Arteterapia. Coordinador de grupos con consumo proble-mático de sustancias en la Fundación ”Creer es Crear” y El ”Palomar”. 2. Para un mayor desarrollo del término, se recomienda ver: Boal, A. (2004). El arco Iris del deseo. Barcelona: Alba Editorial.

Resumen

El teatro espontáneo es un dispositivo terapéutico grupal muy emparentado con el psicodrama. Este artículo des-cribe su génesis histórica y sus fundamentos conceptua-les. Asimismo, distingue entre dos modalidades diferen-tes de abordarlo: Función y Taller. Destaca la importancia de la narración del relato grupal que se construye a partir de los relatos individuales y que despliega sus múltiples sentidos y sus líneas de fuga en la dramaturgia colectiva.

Palabras clave: teatro, psicodrama, construcción colecti-va, espontaneidad, grupos.

Jorge fijó su mirada en Bárbara. No se perdía una sola función en la que estuviese Bárbara arriba del escena-rio. A ella le tocaba hacer papeles de personas buenas y dulces. Luego de un tiempo, Bárbara y Jorge se casaron. Bárbara continuaba siendo actriz de teatro de improvisa-ción y Jorge, su fiel espectador.

Un día el director de estos encuentros teatrales, Jako-bo Moreno, se acercó a Jorge para preguntarle sobre su reciente matrimonio. Jorge, un poco apesadumbrado, le relató que Bárbara no era como los personajes que dra-matizaba arriba del escenario. En la convivencia se mos-traba muy agresiva y con momentos de cólera. Moreno le respondió que tenía una idea que podía ayudarlos. Le pidió a Jorge que no le contara a su esposa sobre esa conversación. Se acercó a Bárbara y le dijo: ”El público se sentiría muy a gusto si usted tomara papeles más agre-sivos y hostiles”. Bárbara aceptó muy conforme el nuevo desafío.

Al tiempo Jorge le relató a Moreno que Bárbara había me-jorado en cuanto a su agresividad y que muchas veces, cuando estaba por tener un acceso de ira, lo identifica-ba con algunos de los personajes violentos que le había tocado representar. Para Jakobo (o Jacob) Levy Moreno este hecho marcó uno de los inicios del psicodrama. Pero antes de esto, Moreno se encontraba trabajando con el teatro de la espontaneidad. Sostenía que el teatro, como

estaba planteado en ese momento, hacía que los actores fueran meros repetidores de un guion y quitaba todo in-tento de espontaneidad. Moreno afirma que el teatro tie-ne que representar nuestras historias, descubrir nuestro acto espontáneo.

Desarrolla el concepto de catarsis de Aristóteles, y lo ex-tiende también a la que realizan los actores. La catarsis es un proceso de limpieza, de expulsión de un elemen-tos físicos o psíquicos que perturban nuestro equilibrio.2 Para Aristóteles, los espectadores de la tragedia griega se someten a un proceso que comienza con la exaltación de sus propias faltas, idénticas a las del héroe trágico. Sigue la peripecia, en la que el camino hacia la felicidad se transforma en infortunios: Edipo se hace rey y descu-bre su triste verdad. Este proceso desemboca en la con-fesión de la falta que los espectadores hacen suya por empatía, haciendo su mea culpa. El proceso termina con la katastrophe para los personajes y con la más suave ca-tarsis para los espectadores.

En 1974, en New London (Connecticut) Jonathan Fox se reúne con un grupo de amigos para hacer una obra de teatro en una escuela a la que asistían sus hijos. La expe-riencia fue tan placentera que decidieron seguir haciendo teatro, específicamente basado en la improvisación para diferentes públicos. El desarrollo más importante fue cuando comenzaron a hacer las improvisaciones sobre la base de las historias del público. A partir de ahí se creó el teatro playback.

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Jonathan Fox completa su formación en el institu-to que había fundado Moreno y que dirigía su espo-sa, Zerka, donde encuentra un complemento valioso para terminar de desarrollar su idea. Otras influencias, como el estudio de la historia oral, el Teatro del Opri-mido de Augusto Boal y las ideas de Paulo Freire han contribuido al desarrollo del teatro playback.

En América Latina se denomina ”teatro espontáneo” y ha sido adoptado fundamentalmente por los psico-dramatistas, quienes han tomado la posta de su desa-rrollo y continuidad sin ignorar, por supuesto, a otros interesados que provienen de otras disciplinas y artes. Quien ha traído a la Argentina esta forma de hacer teatro espontáneo es la Lic. María Elena Garavelli, sobre todo desde su espacio en la Ciudad de Córdo-ba. Luego, ha migrado hacia diferentes localidades de América Latina.

La inquietud de Moreno al crear el teatro espontáneo y el psicodrama era terapéutica y social. Entre otras cosas, fue el creador del concepto de ”Psicoterapia de Grupo”. El desarrollo del trabajo psicodramático es ex-tenso en cada escena y muy meticuloso en cuanto a la aplicación de sus técnicas. En el teatro espontáneo la búsqueda es un rito teatral y comunitario, el desarrollo se encuentra orientado por lo estético y lo terapéutico acontece como una consecuencia necesaria (recordar el concepto de catarsis descrito con anterioridad). En una función o en un taller de teatro espontáneo se dramatizan muchas historias y se habilita a un diálo-go entre estas. Sus efectos terapéuticos son muy po-tentes en cuanto a su poder catártico y de elaboración grupal. Es por eso que lo hemos adoptado como un lenguaje posible dentro del espectro arteterapéutico.

El desarrollo del teatro espontáneo también se ha vis-to enriquecido por otras disciplinas, como el teatro de máscaras, la música, los títeres, el clown y la danza. Por ello, el teatro espontáneo puede dialogar y ser un articulador con otros lenguajes. No debemos olvidar también que muchos psicodramatistas hemos adop-tado el teatro espontáneo desde la perspectiva de la multiplicación dramática, en la que hemos sido forma-dos, gracias al desarrollo que han hecho del psicodra-ma Eduardo ”Tato” Pavlovsky y Hernán Kesselman. Dentro de esta corriente quisiera citar a la Lic. Silvia Schverdfinger, quien considera que

El Psicodrama es un método, una herramienta que posibilita agudizar los registros de percepción de uno mismo y de los otros. Facilita la conexión con las sensaciones y las emociones y potencia la crea-

tividad de la que somos capaces de desarrollar por ser sujetos. El trabajo con las escenas nos permite ”vernos” y ”ver a los otros” desde múltiples senti-dos (Schverdfinger, 2007).

El propio Jonathan Fox, quien distingue muy bien su dispositivo playback del psicodrama, recomienda tener formación en psicodrama para el manejo de la coordi-nación grupal y la escucha terapéutica.

Hasta aquí hemos hecho un poco de historia.

Teatro espontáneo: modalidades y encuadre

Podemos identificar diferentes modalidades de hacer teatro espontáneo. Nos detendremos en una distinción que es la que nos servirá para contextualizar el con-tenido del artículo. Distinguiremos entre ”Función de Teatro Espontáneo” y ”Taller de Teatro Espontáneo”.

Función de Teatro Espontáneo

Es la modalidad más conocida y tradicional de teatro espontáneo. Un grupo de actores, actrices, músicos y director/a se presentan un espacio teatral frente a un público. El director comienza con un caldeamiento verbal para que todos se adentren en un clima acorde para narrar, representar y disfrutar de las emociones y las historias que serán representadas. En un tono cálido y sugerente se invita al público a compartir sus emociones e historias, y a que los actores y actrices las representen.

Se suele comenzar con las emociones y sensaciones del momento como previa a las historias. El relato de una de esas sensaciones se aproximará más a una historia que a una sensación presente. Entonces, el narrador, que es la persona del público que contará su

En una función o en un taller de teatro espontáneo se dramatizan muchas

historias y se habilita a un diálogo entre estas. Sus efectos terapéuticos son muy potentes en cuanto a su poder catártico

y de elaboración grupal. Es por eso que lo hemos adoptado como un lenguaje posible

dentro del espectro arteterapéutico.

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s historia, luego de contarla elegirá a los actores de la compañía que representarán cada papel. De acuerdo con una estructura de representación enunciada por el director, se realizará la dramatización. Finalizada la representación, se le preguntará al narrador si ”vio” su historia. Se puede volver a dramatizar en el caso de que el narrador no haya ”visto” su historia. Siempre hacemos la salvedad de que es una versión posible.

Taller de Teatro Espontáneo

Esta modalidad es muy usada, en especial para los entrenamientos de las compañías de teatro espon-táneo y como modo de intervención en los grupos. Como cualquier taller, consta de un momento previo de caldeamiento para llegar a la dramatización de las historias. La diferencia con la función es que el lugar de la actuación y del público van rotando entre los integrantes. Esta modalidad de taller es la que nos interesa en este artículo.

Quien quiera coordinar grupos desde esta modalidad debe tener en cuenta un concepto muy importante en psicodrama: el ”pensamiento en escenas”. Quienes coordinamos debemos habilitar esta forma de pensar, habilitar la imagen espontánea y traducirla en una es-tructura que nos permita una dramaturgia acorde con el relato que hemos escuchado. Este movimiento im-

El teatro espontáneo permite que el narrador de su historia se implique

desde su narración (implicarse desde la narración es más que una descripción) y pueda ver su historia, la que estamos tejiendo en ese grupo en ese momento,

y descubrir en qué escena está.

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plica no pensar tanto en las causas ni en los fines, sino más bien en el aquí y ahora de la escena, en sus accio-nes, en sus sensaciones, dejándonos llevar por nues-tra curiosidad, en querer verla y no tanto en entenderla o interpretarla, en descubrir su maquinación, su forma de ser jugada y no ser juzgada.

En mis cursos siempre digo que el teatro espontá-neo ”para que sea terapéutico no tiene que ser tera-péutico”. Este juego de palabras significa que nues-tra forma de encarar el dispositivo no tiene que ser desde un pensar terapéutico sino teatral. Pensar, en el desarrollo de la construcción de la escena, como un director de teatro y no como un terapeuta. Te-nemos que dar las condiciones para crear la imagen dramática. La escena se construirá en el entre3 de los actores y actrices que en estado de búsqueda activa estarán explorando la historia en la misma medida que se va desarrollando. El grupo se agencia de la historia, la hace propia y la devuelve al narrador en una versión posible, versión que dialogará con otras historias y escenas que vayan sucediendo. La histo-ria no queda aislada, no es una novela privada, sino que queda comprendida y contextualizada en el te-rritorio de un mural viviente de historias. Ya no es una historia que será interpretada, sino que será ha-bitada de una forma nueva y colectiva.

Hablábamos de pensar en escenas. Una cosa es es-cuchar el relato de la escena e interpelarla desde la imagen. Otro recorrido posible es que la construcción de la imagen se genere a partir de una determinada composición corporal que siempre será grupal. Se trata de resonar y multiplicar estos sentidos en más relatos y escenas a ser dramatizadas. Pero cuando somos protagonistas nos resulta difícil descubrir en qué escena estamos. Esta es mi historia, pero mi escena, mi escenografía, sus ritmos, los pequeños gestos, son un nuevo costado de esa misma historia.

El teatro espontáneo permite que el narrador de su historia se implique desde su narración (implicar-se desde la narración es más que una descripción) y pueda ver su historia, la que estamos tejiendo en ese grupo en ese momento, y descubrir en qué es-cena está. Este descubrimiento actualiza la historia en tiempo presente y no como un recuerdo inmóvil. Permite comprender el para qué y el porqué de esa

El desarrollo del teatro espontáneo también se ha visto enriquecido por otras disciplinas, como el teatro de máscaras, la música, los títeres, el clown y la danza. Por ello, el teatro espontáneo puede dialogar y

ser un articulador con otros lenguajes.

BIBLIOGRAFÍA Moreno, J.L. (1961). Psicodrama. Buenos Aires: Ediciones Horme.Salas, J. (2005). Improvisando la vida real. Montevideo: Editorial Nordan.Pavlovsky, E. y Kesselman, H. (2006). La multiplicación dramática. Buenos Aires: Editorial Atuel.Schverdfinger, S. (2007). Entre prácticas y reflexiones del psicodrama grupal. Campo Grupal, Junio.

3. El ”entre” es un concepto deleuziano que Eduardo Pavlovsky agencia para explorar las intensidades que hay entre dos actores (yo auxiliares) de una escena. Según Deleuze el ”entre” es como el chispazo que se produce cuando chocan dos espadas. Lo que se produce no se identifica con ninguna de las partes aunque necesite de ellas para acontecer.

historia en ese momento de su vida y en ese grupo. Un coordinador con una mirada atenta, una escu-cha apropiada y una afectación abierta hacia múl-tiples sentidos podrá señalar la historia grupal que se encuentra en cada relato individual. Que cada participante se pueda preguntar dentro de la red de identificaciones y proyecciones grupales: ”¿En este momento de mi vida en qué escena estoy, cuál es la historia que tengo historizar y no la que tengo que repetir como un guion aprendido?”.

Si la sucesión de historias que se presentan en un grupo deja de ser una ”serie” (recordemos que la se-rie es una resistencia a lo grupal) para transformarse en un relato y dramaturgia grupales, las diferentes historias de los integrantes se verán completadas, complementadas, superadas e interpeladas por las otras historias.

Al finalizar un taller o una función de teatro espon-táneo mi historia solitaria y capturada es transfor-mada en multiplicidades historizadas deseantes. Potencia del relato grupal, del compartir, del resonar en cuerpos que dan testimonio de una sensibilidad y pensamientos del cuerpo colectivo. ■

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s Arteterapia con orientación antroposófica

Resumen

Cuando hablamos de una metamorfosis nos referimos a una transformación y/o un cambio en la forma. Esta palabra está formada por meta (más allá, después de), morph (forma, estructura) y osis (aplicado a nombres para indicar acciones, condiciones o estados). El alma se torna activa al crear cada paso, transformación que sucede ”más allá” de la forma, y a la vez, junto a ella, en este proceso arteterapéutico.

Palabras clave: individualidad, potencia, transforma-ción, ritmo, renacer.

Se trata de una propuesta artístico-terapéutica en la que las personas o pacientes pueden fluir en un pro-ceso vivo e individual que les permite vincularse con-sigo mismos y transitar de manera simultánea una transformación profunda en su ser. Nos fue entregada en su profundidad por la arteterapeuta dinamarquesa Else Marie Henriksen, quien trabajó durante 40 años en diversos países de Europa, y en Brasil y Argentina. Se realizaron siete pinturas con acuarela, y cada una de ellas muestra un momento en el ciclo de vida de la planta.

Presentaremos los procesos realizados por dos estu-diantes de la Formación en Arteterapia con orientación antroposófica del Centro Vertical. Pretendemos mos-trar así la gran posibilidad de variantes que permite esta propuesta. Los 32 estudiantes presentaron for-mas tan diferentes e individuales como lo somos cada uno de nosotros, reconociéndose en cada paso, en cada planta que iba transformándose, creciendo para morir y renacer, algo propio.

¿De dónde proviene la teoría de la metamorfosis de las plantas?

Si observamos todas las formas, en particular, las orgánicas, descubrimos que en ninguna parte apa-rece algo estable, en reposo o cerrado en sí mismo, más bien todo parece hallarse en un movimiento constante (Introducción a la Teoría de las Metamorfosis de J. W. von Goethe, en Steiner, 2014).

Goethe había configurado dentro de sí la imagen de una forma plástico-ideal que se da a conocer al espí-ritu, cuando éste, habiendo abarcado la variedad de formas de las plantas existentes, repara en lo que todas ellas tienen en común (Steiner, 2017).

A través de la observación, del dibujo y de la poesía, Goethe busca mantener vivo el tejido de lo bello, bueno y verdadero que se revela en el mundo vegetal en total pureza, vinculando y uniendo aquello que Linneo dife-rencia. Linneo realiza el trabajo de sistematización del reino vegetal, que se encuentra vigente hasta hoy. En

Gabriela Henke1

Carolina Estevez2

1. Cofundadora y estudiante del tercer año de la Formación en Arteterapia en Centro Vertical. Artista plástica. Docente en la Escuela Waldorf Rudolf Steiner y en se-minarios pedagógicos.2. Estudiante del tercer año de la Formación en Centro Vertical. Formación en Pedagogía Waldorf. Profesora de Educación Física.3. Cofundadora de la Formación en Arteterapia en Centro Vertical. Artista plástica. Arteterapeuta y docente.

Gabriela Porák de Osman3

La metamorfosis de la planta, un camino de transformación en siete pasos

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ningún momento tenemos a la planta completa delante de nosotros. Por ello, necesitamos poder movernos con un pensamiento fluido y universal, para comprender las leyes propias de la vida, del reino vegetal.

Rudolf Steiner continúa la línea de pensamiento inaugu-rada por Goethe, en su Teoría de la Naturaleza (1780). Desde 1890, Steiner trabajó durante siete años en los archivos de Goethe, como responsable principalmente de la edición completa de su producción científica entre 1891 y 1896. En una nota de la edición de 1918 de esta obra, Steiner afirma que si se busca en las ciencias naturales un fundamento para las del espíritu, puede ser encontrado en la concep-ción goetheana del mundo. Surge así el método goethea-no, fenomenológico, que se basa en observar y pensar la naturaleza como una unidad, de modo que el arquetipo se exprese en lo particular y en la diversidad.

En 1917 Steiner fundamenta el pensamiento trinitario como método epistemológico para superar el dualismo y sus consecuencias éticas en la ciencia, la filosofía y en lo social. La visión trinitaria de la naturaleza permite com-prender los fenómenos en el mundo como el de la planta: contracción en la raíz, expansión en la flor, resolviéndose la polaridad en el elemento foliar, con la alternancia rítmica entre la contracción y la expansión.

El proceso artístico en siete pasos

Se buscan siete momentos del devenir de la planta en su ciclo completo: la semilla, el brotar de los cotiledones, el desarrollo foliáceo, la formación del pimpollo, la apertura de la flor, el marchitarse y, finalmente, la generación de la nueva semilla que cae a la tierra.

La planta vive, crece, se reproduce y perece sostenida por el entretejido de los cuatro elementos: tierra, agua, aire-luz y calor. En cada momento del proceso cada uno de estos elementos interactúa en formas determinadas. Por ello, pintamos siempre primero el entorno elemental, el ámbito en el que la semilla es recibida y donde puede desarrollar su ciclo.

La técnica

La técnica utilizada para realizar estas pinturas es la de ”acuarela, húmedo en húmedo”, sobre una hoja humede-cida previamente. Utilizamos las acuarelas líquidas de la marca Stockmar, por la intensidad y brillo que ofrecen.

La hoja debe poder recibir la cantidad necesaria de agua y pigmento, permitiendo que fluyan, y no tanto que se fi-jen, los colores y formas, mientras la pintura está siendo creada. Se cuida que la hoja permanezca húmeda hasta

finalizar la tarea, porque de esta manera los colores man-tienen su fluidez y permiten continuas mezclas y trans-formaciones.

Empleamos un pincel de mango largo, de cerdas blan-das (pueden ser sintéticas), de un ancho de 22 milímetros para poder pintar desde las superficies que van creciendo y transformándose (si el pincel es muy fino tendemos a dibujar). Intentamos pintar desde un ritmo y tiempo sa-ludables, prestando atención a la respiración. El manejo justo de la relación del agua, el pigmento y la hoja es un gran desafío y conquista. Lo importante es el proceso en sí mismo y no tanto el resultado.

Las sesiones

Cada uno de estos pasos puede llevar más de una sesión (de 60 a 75 minutos), volviendo a humedecerse la hoja del reverso, para continuar pintando con el papel húmedo en el siguiente encuentro. Es recomendable encontrarse en forma rítmica, semanal. El ritmo crea salud, el proceso si-gue actuando ”entre” las sesiones.

Ver Proceso pintado por Gabriela Henke.

Sus experiencias

Fue especialmente revelador lo que sentí al pintar el quinto paso, el momento de mayor expansión de la planta, cuando logra con-cretar en sustancia su idea, en la plenitud de la flor abierta. En ese momento me vinculé profundamente con la planta, sentí un fuerte deseo por florecer y, a la vez, de mantener el centro de la flor lo más luminoso posible. Al pintar busqué que el tallo fuera firme y al mismo tiempo que mantuviera su dinamismo. Si bien esta pintura me otorgó alegría al lograr una flor tan solar, sentí que me imprimía tensión interior este punto de máximo desplie-gue, reconociendo el motivo: en la pintura siguiente ya comienza el perecer, la polaridad opuesta, donde la vitalidad disminuye, y vivencié un exhalar, un soltar… acompañé con ternura el marchi-tarse de la planta. Descubrí que entre ambos pasos se ocultaba un gran misterio: el inhalar y exhalar, el formar, conquistar y lue-go soltar y desarmar. Lo saludable es poder moverse rítmica-mente entre ellos; hay tiempo para todo, y todo tiene un tiempo.

Al trabajar, pintar con este proceso arquetípico que revela el reino vegetal, se tiene la vivencia de que cada estadio posee una profunda relación con las experiencias del alma. A veces nos encontramos en un momento que parece de-tenido, de quietud aparente, colmado de posibilidades que aún no se muestran, como lo es la semilla. En otro mo-mento vivenciamos mucho despliegue, como cuando la planta se llena de hojas, o estamos floreciendo en nuestro máximo esplendor, cuando nuestra verdadera esencia, el núcleo de nuestra individualidad, se revela para el mundo,

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s como lo hace la flor para la planta. Y en el marchitarse es-tamos soltando algo viejo, que nos permite seguir nuestro camino para gestar a la nueva semilla, un nuevo proyecto con toda la potencia y posibilidades desconocidas que la-ten en ella. La semilla necesita volver a la tierra porque en ella comienza la nueva vida.

En todo este proceso el agua interactúa permitiendo fluir, moverse, sentir la vida pulsando en el brillo sobre la hoja como también en las profundidades de la propia alma.

Ver Proceso pintado por Carolina Estevez.

Sus experiencias

Resumo lo que sentí mientras trabajaba en este pequeño verso:

El sol me guíay YO,

cual labriego,trabajo la tierra

y me hago nacer.

Realmente es muy laborioso cambiar de formas, de actitudes internas, muy arraigadas, se necesita mucha voluntad de ac-ción y trabajo interno intenso. Al pintar tenía que estar muy atenta a las pinceladas, al color, a dejar que surja lo nuevo en mí y no imponer en la pintura lo viejo.

Por ejemplo, en la tercera pintura, donde aparece el tallo con hojas, solo intenté pintar “hojas llenas de vida”, que fue una de las consignas de esta pintura, y recién cuando estuvo termi-nada pude ver que se parecía mucho a alguna de las especies de suculentas. Y a partir de allí seguí con mi propia imagen en esta especie de plantas, continuando su desarrollo.

Al trabajar en la semilla última, me di cuenta de que mi primer impulso era volver al carril de lo conocido, y tomé conciencia de que quería cambiar mi cielo, mi tierra y mi marco, “mi límite”, y así lo hice. Me asombré al poder ver todo el proceso junto. Veo mucho color, movimiento, trabajo, alegría y esperanza. Creo que es realmente una herramienta para realizar con personas que necesitan confiar en los ciclos de la vida y tomar concien-cia de la posibilidad de transformación que todos tenemos.

Me fue propuesto por Else Marie Henriksen crear un cuento a partir de este proceso artístico que me gustaría compartir con ustedes, descubriendo cómo las diferentes artes pueden potenciarse entre sí.

La curiosidad

Por un caminito, alegre va, llena de fuerza y valor.Busca una tierra que la pueda acunar

Encuentra un lugar, de calor y bondad,Donde puede desplegar su curiosidad.

Con el sol y con la tierra ella sale a jugar,Y con el viento y la lluvia, conversa sin cesar.

Contenta se sentía de poder disfrutar,Y en eso empezaron a asomar, alegres capullitos,

que también querían mirar.

Brotaron, y al observar, de júbilo quisieron estallar.Un rojo intenso en estrellas de repente apareció,Y de un dorado hermoso en derredor se iluminó.

Luego llegó el día que debían marchitar, pues sabíanQue ya en su centro, nueva vida, había para donar

Y la nueva semillita comenzó a palpitar,¡por todo lo nuevo que la espera para explorar!

Conclusión

El arteterapia con orientación antroposófica tiene como objetivo conocer las fuerzas que actúan en el macrocosmos, en el mundo, porque ellas también ac-túan dentro de cada ser humano, ya que cada uno es un microcosmos. Mediante la pintura de la Metamor-fosis de las Plantas, podemos despertar a las fuerzas creadoras de la naturaleza poniéndonos en movimien-to y vivificándonos en cada paso. Es en el ”entre” de cada estadio de la planta que se revelan los misterios de la naturaleza. Asimismo, este proceso nos invita a activar los sentidos y percepciones para con todo el reino vegetal, el mundo que nos rodea, y estimula el crecimiento de nuestro amor por el reino vegetal, jun-to al conocimiento que va despertando la observación atenta de este.

Este proceso despierta la confianza en un futuro que siempre posibilita el despliegue del potencial de la indi-vidualidad. La planta anhela la luz solar; el ser humano, el despliegue de su núcleo luminoso, de su individuali-dad. ■

BIBLIOGRAFÍA Steiner, R. (2014). Introducciones a las obras científicas de Goethe, y fundamentación de la ciencia espiritual (antroposofía). Cuadernos Pau de Damasc, Chile.Steiner, R. (2017). Goethe y su visión del mundo, Buenos Aires: Antroposófica.

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Se abre la flor. Se marchita. Una nueva semilla en la tierra.Gesta el pimpollo.

Se despliega, crecimiento de hojas.La semilla en la tierra. Germina y nacen los cotiledones.

Proceso pintado por Gabriela Henke

Se despliega, crecimiento de hojasLa semilla en la tierra. Germina y nacen los cotiledones.

Pinturas realizadas por Carolina Estevez

Gesta los nuevos pimpollos. Florece. Comienza a marchitarse. Una nueva semilla en la tierra.

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s Entrevista a Cecilia Byrne Asenjo

¿Cuáles fueron los contextos y las motivaciones que influyeron en la decisión de formarte progresivamente en enfermería, bellas artes, psicología y arteterapia?

Desde niña soñé con trabajar en un hospital. Mis jue-gos giraban en torno a operar y hacer curaciones a mis muñecas. Por esta razón, al momento de tomar la de-cisión de estudiar no tuve dudas: sería enfermera. Du-rante mi formación pude comprobar que tenía una só-lida vocación de servicio.

En mi primer trabajo, en un servicio de Traumatología y Ortopedia Infantil, preocupada por otorgar una aten-ción holística a los niños que padecían largas hospita-lizaciones, me propuse mantenerlos activos. Para esto les organizaba a diario, de acuerdo a su condición y edad, tareas escolares que estimularan su creatividad a través de las artes plásticas y manuales: dibujo, pin-tura, modelado, tejido a palillo o crochet, entre otros.

Mediante sus creaciones artísticas, con el tema ”Yo en el hospital”, descubrí los principales traumas que les producía la hospitalización: la lámpara del quirófano y las curaciones a las que eran sometidos. Esto me mo-tivó a realizar visitas al quirófano la tarde anterior a la cirugía, para familiarizarlos con ese ambiente especial y realizar curaciones semejantes a las suyas a una mu-ñeca ”operada”. Con ambas intervenciones disminuyó este tipo de trauma. Siento que de manera sutil se de-sarrollaba en mí la vocación por ser arteterapeuta.

El estrés laboral provocado por el sufrimiento, la muer-te y situaciones de abandono de los niños, me llevó a

canalizar mis tensiones por medio del arte. Comencé como autodidacta los fines de semana, mis creaciones artísticas no solo me aliviaban emocionalmente, sino que fueron adquiriendo valor estético, lo que me per-mitió participar en concursos y muestras colectivas de pintores de domingo. Años después, el deseo de adqui-rir conocimientos teóricos y técnicas pictóricas me inci-tó a estudiar Licenciatura en Arte.

En el Hospital del Salvador tuve la oportunidad de vi-sitar una exposición de los trabajos de pacientes del Servicio de Psiquiatría, a cargo de Mimí Marinovic. Este primer encuentro con el trabajo arteterapéutico que se realizaba en Salud Mental me estimuló a investigar so-bre el tema, desconocido aún en Chile, porque toda la información existente provenía de Gran Bretaña y Es-tados Unidos. La pasión que despertó en mí me instó a estudiar psicología; pensaba que ese era el camino para acceder a estudiar posteriormente arteterapia.

Poco antes de obtener mi título, revisando bibliografía para mi tesis ”Efectos de la Musicoterapia sobre los niveles de ansiedad en pacientes esquizofrénicos”, me llevé la gran sorpresa: existían dos programas de pos-título en Arteterapia en Chile. ¡De inmediato postulé al Magíster que ofrecía la Universidad del Desarrollo!

¿Qué conocimientos de esas formaciones te ayudan hoy en tu rol como arteterapeuta?

Enfermería es el arte del cuidado, y de mi formación en la Universidad Católica de Chile agradezco el én-fasis dado a la visión biopsicosocial de las personas

“Enfermería es el arte del cuidado, y de mi forma-ción en la Universidad Católica de Chile agradez-co el énfasis dado a la visión biopsicosocial de las personas y a la importancia de la interacción para establecer una relación de ayuda significativa, que no solo considera la recuperación sino que priori-za las actividades de prevención y promoción de la salud”.

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Encuentros conversados

y a la importancia de la interacción para establecer una relación de ayuda significativa, que no solo consi-dera la recuperación sino que prioriza las actividades de prevención y promoción de la salud. Estos conoci-mientos adquiridos han sido relevantes al ejercer mi rol como arteterapeuta, pues facilitan un encuentro empático, de respeto y aceptación, de apoyo al usua-rio y su familia desde una visión holística y persona-lizada.

Mis estudios de Arte en la Universidad Católica de Chile me proporcionaron múltiples herramientas al practicar todas las expresiones artísticas (dibujo, pin-tura, collage, escultura, grabado, fotografía, video), ex-perimentar con diversos materiales artísticos (óleo, acrílico, acuarela, lápices de colores y pastel), manejar la teoría del color, la apreciación estética y el desa-rrollo de la creatividad. Estos conocimientos facilitan mi rol como terapeuta con vasta experiencia, no solo en el quehacer artístico –que he cultivado en forma constante–, sino también en mi terapia de autocuida-do, que me permite reconocer en mí misma las técni-cas más beneficiosas para aliviar el estrés, aumentar la autoestima, estimular la expresión de emociones reprimidas y poder aplicarlas mucho mejor en los pa-cientes.

Los conocimientos adquiridos en mi formación como psicóloga han sido un gran aporte para mi rol como arteterapeuta, pues la amplia visión de todas las co-rrientes teóricas ha hecho posible que mi desempe-ño clínico sea más bien ecléctico: selecciono la inter-vención terapéutica más adecuada para cada caso y soy muy creativa al utilizar diversas dinámicas de abordaje (juegos de rol, relajación e imaginería o psi-coeducación, entre otros. La práctica profesional me ha permitido desarrollar habilidades, tanto en la valo-ración del paciente como en técnicas para la conten-ción, el apoyo y la reinserción social de los usuarios.

Por último, estudiar el Magíster de Arteterapia fue la culminación de un sueño largamente atesorado. Los contenidos del programa cumplieron con mis expec-tativas y, además, mi práctica profesional en un esta-blecimiento de extensa estadía para el adulto mayor me permitió intervenir como arteterapeuta con las herramientas adecuadas en el área de geriatría, en la que estaba ejerciendo de manera profesional desde los años 90.Como miembro de la Comisión Directiva, ¿cuáles fue-ron las motivaciones que llevaron a la creación de la Asociación Chilena de Arteterapia y qué objetivos tie-nen planteados para el bienio?

La Asociación Chilena de Arteterapia (ACAT) se cons-tituyó legalmente el 21 de diciembre de 2006 ante la necesidad de protegerse de prácticas inadecuadas, y se planteó como misión ”difundir y educar sobre el arteterapia en nuestro país y velar por el profesiona-lismo que se requiere en la atención a los usuarios de acuerdo a los lineamientos establecidos en el Código de Ética Profesional”. La actual directiva de la ACAT fue elegida en mayo de 2018 y está conformada por socios de distintas zonas del país.

Nos planteamos como objetivo prioritario trabajar por el reconocimiento de la profesión en la red de sa-lud pública a nivel ministerial. En este aspecto hemos estado trabajando en conjunto con otras asociacio-nes que forman parte de las Terapias Expresivas del país, para sacar adelante propuestas que ya llevan bastante avance y evolución, junto al Ministerio de Salud.

Dada la importancia que tiene para la directiva visi-bilizar nuestra profesión, trabajamos en su difusión a través de jornadas, cursos y programas en diversos contextos: educacionales, asistenciales y comunita-rios a nivel nacional.

También mantenemos una presencia activa en los medios a través de nuestra página web y el Boletín ACAT, que muestra las actividades y publicaciones de sus socios.

Se llevó a cabo la revisión, actualización, aprobación y difusión del Código de Ética Profesional, en vigencia desde 2019.

Como representante de Chile en el VI Congreso de Arteterapia realizado en Río de Janeiro durante 2017, anuncié que seríamos la sede del próximo congre-so: por esta razón, al asumir como parte de la nueva

“Cuando trabajo con grupos he podido apreciar en ellos el desarrollo de

habilidades. A medida que se dan cuenta de que sus pares sufren los mismos

problemas que ellos, comparten con mayor libertad sus experiencias más traumáticas,

confiados en la contención del grupo”.

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s directiva, sentía la responsabilidad de organizar el congreso pero no tuve el apoyo que esperaba. Final-mente, gracias a mi persistencia y gran motivación logré animarlos a emprender esta difícil tarea de or-ganizar el VII Congreso Latinoamericano de Artete-rapia y VIII Encuentro del Mercosur, que se realizará en la ciudad de Viña del Mar del 24 al 26 de abril de 2020. Ya publicamos y difundimos la convocatoria.

Hemos cumplido también otros objetivos, como la producción de las asambleas online para dar opor-tunidad de participar a los socios de todas las re-giones del país. Además, hemos firmado convenios con empresas que otorgan descuentos en servicios y productos a nuestros socios.

Como objetivos pendientes tenemos la organiza-ción de un Consultorio ACAT sobre la base de con-venios para brindar atención clínica, y la supervisión a socios a través de estudios de casos en reuniones técnicas online.

Imaginando el esfuerzo que relatás para la organi-zación del próximo Congreso Latinoamericano de Arteterapia, ¿cómo ha sido el proceso de definición de ejes temáticos y programa general del congreso?

Los ejes temáticos que guiarán el congreso fueron definidos de acuerdo a las problemáticas de salud mental más relevantes en Latinoamérica, en las que nuestra participación como arteterapeutas requie-re de continuos desafíos, investigación empírica y ética profesional. Es por esto que hemos decidido incluir temas tan amplios como género, diversidad, migraciones, inclusión y transformación social; vio-lencia y abuso sexual; trauma y estrés, y cuidados paliativos.

Por otro lado, con el objeto de abarcar la promoción de la salud hemos considerado áreas temáticas como autodescubrimiento, lenguajes artísticos y nuevos medios arteterapéuticos que consideren a la persona sin diagnóstico.

El programa contempla conferencias con invitados internacionales y nacionales a las que puedan con-currir el 100% de los asistentes, dada la relevancia de los temas a tratar. Estas se realizarán los tres días, durante la jornada de mañana.

En las tardes se podrá optar, según las preferencias personales, por asistir a la presentación de ponen-cias o participar en los talleres experienciales, que se

desarrollarán en forma paralela y que tendrán su-ficiente cobertura para la participación de todos los asistentes.

Estamos evaluando la posibilidad de editar un opúsculo o carpeta para entregar a los asistentes al inicio del con-greso. Una especie de folleto que contenga los resú-menes de cada ponencia y las actividades que se de-sarrollarán en cada uno de los talleres experienciales, de tal modo que puedan elegir anticipadamente en qué participar de acuerdo a sus intereses personales y pro-fesionales.

El programa incluye actividades sociales que contem-plan una recepción de bienvenida, actos artísticos y culturales, y visitas a lugares de atracción turística de la región.

¿Qué conocimientos, de qué áreas y qué autores con-siderás que son indispensables para el desempeño profesional del arteterapeuta?

En mi formación como Magíster de Arteterapia de la Universidad del Desarrollo se privilegia el abordaje psicodinámico, tanto en lo teórico como en la práctica arteterapéutica, que es un conocimiento esencial si tenemos en cuenta que el Arteterapia permite la ex-presión de emociones, sentimientos y pensamientos reprimidos en el inconsciente.

Dentro de los autores que considero indispensables puedo mencionar a Winnicott, para quien la creativi-dad y el juego en el espacio transicional son pilares fundamentales de la salud y, por lo tanto, de la vida, donde el arteterapeuta estimula al paciente para la interpretación creativa de su vida. También destaco a Joy Schaverien, que nos presenta la transferencia y contratransferencia como básicamente positivas, la relación terapéutica triangular, y nos permite recono-cer los dos tipos de imágenes que surgen en el pro-ceso arteterapéutico: la diagramática y la encarnada.

“Debido a que no existe el reconocimiento de nuestra profesión en el país, muchos

arteterapeutas, con el fin de dar a conocer esta medicina complementaria, trabajan en forma de voluntariado ad honorem y

dentro de un marco de informalidad”.

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Durante mi desarrollo profesional tuve la oportuni-dad de conocer y realizar un taller arteterapéutico con el Dr. Héctor Fiorini. Así pude comprender práctica-mente su teoría del proceso creador terciario: ”La reor-ganización desde el caos nos estimula a desorganizar formas constituidas para trabajar la reorganización de nuevas formas o nuevos sentidos”.

Pienso que es indispensable que los arteterapeutas tengan conocimientos teóricos y prácticos de los dife-rentes enfoques (cognitivo, humanístico, conductual), así como también que sepan manejar teoría grupal, sistémica y de pareja, lo que les permite tener una visión más amplia y evitar encasillarse en un único enfoque.

Considero fundamental, en terapia grupal, estudiar a Yalom y su terapia existencial, donde aborda temáti-cas relevantes como son la muerte, el aislamiento, el sentido de la vida y la libertad.

Algo que todo arteterapeuta debe conocer es la im-portancia de su autocuidado, que implica realizar in-trospección permanentemente, someterse a terapia personal, individual o grupal, y recibir supervisión por parte de un arteterapeuta supervisor calificado.

¿Considerás que los arteterapeutas deben tener una práctica artística personal? Si la respuesta es afirma-tiva, ¿en qué sentido contribuye a potenciar su rol de arteterapeuta?

Por el tipo de trabajo que desempeño vivo de cerca los problemas de los usuarios y sus familias, enfrento de manera constante el dolor y la muerte, debo soportar un clima organizacional estresante y una sobrecarga laboral. Como esto puede afectar mi salud mental, la válvula de escape para mis tensiones es la pintura al óleo, que trato de realizar con la mayor frecuencia po-sible porque para mí es una excelente forma de auto-cuidado. Además, he expuesto mis pinturas en varias muestras colectivas de arte en galerías de Santiago y he realizado muestras individuales en Valparaíso. La última, titulada ”Un recorrido por Chile”, se llevó a cabo en la sala ”El pensador” del Congreso Nacional durante el mes de mayo. Asistieron muchos de mis clientes y sus familiares.

En mi práctica profesional para optar al grado de Magíster en Arteterapia se nos exigía después de cada terapia, tanto grupal como individual, realizar la ”respuesta artística”, con el objeto de canalizar sensaciones, emociones y contratransferencias pro-

ducidas durante el encuentro arteterapéutico. En la actualidad, después de algunas intervenciones y cuando amerita, realizo la respuesta artística -o ”arte en respuesta”-, lo que me facilita el análisis de la re-lación terapéutica y me alivia el estrés provocado en la sesión.

Por otra parte, el conocimiento y la utilización de los distintos materiales artísticos en mi práctica perso-nal, valorar sus propiedades, reconocer sus ventajas y desventajas, y el experimentar con materiales nuevos contribuye a fortalecer mi rol como arteterapeuta al momento de ofrecer los materiales más adecuados según la edad del usuario, sus capacidades y limita-ciones, y los objetivos arteterapéuticos planteados de acuerdo a la problemática de base.

¿Qué características debe reunir la respuesta artísti-ca? ¿Hay condiciones en cuanto al tiempo de realizar-la, los materiales que se utilizan, se generan en todas las sesiones?

Si bien es cierto que existen directrices básicas para realizar la respuesta artística, personalmente creo que cada arteterapeuta necesita disponer de ciertas libertades para obtener resultados óptimos. Es propio del ser humano crear mecanismos de defensa frente a situaciones estresantes, pero cada individuo conoce sus armas y las aplica según su necesidad y su estado anímico, que no siempre es el mismo.

En cuanto al tiempo, cada arteterapeuta tiene libre disposición para ocupar ad libitum su tiempo de res-puesta artística. Para algunos será beneficioso reali-zarla en forma paralela al proceso creativo de su pa-ciente; y para otros, en cualquier oportunidad previa a la siguiente sesión. En mi caso, trato de hacerlo lo antes posible, para liberarme pronto de alguna carga negativa.

“No es extraño encontrar casos de arteterapeutas que están contratados,

pero bajo su título profesional (psicólogo, terapeuta ocupacional, etc.), ya que los departamentos de recursos humanos

de las instituciones no consideran, en su dotación, crear el cargo de arteterapeuta”.

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s Los materiales utilizados para la respuesta artística son, o deben ser, absolutamente personales y sub-jetivos. Hay terapeutas que trabajan con los mismos materiales del paciente con el fin de involucrarse un poco más en sus sentimientos y emociones.

Yo utilizo materiales dúctiles de acuerdo con la emo-ción vivida: si lo que me inquieta es ira o rabia, me calmo manipulando materiales de modelado, como greda o plastilina; en cambio, si mi sensación es de tristeza o angustia, prefiero la fluidez de las técnicas líquidas, como acuarela y témpera.

Este recurso tan vital para el autocuidado y la inte-gridad psíquica del arteterapeuta, será necesario ex-clusivamente si durante la sesión se genera o aflora alguna ”contratransferencia” importante. Solo en el caso de las estudiantes de arteterapia que se encuen-tran realizando su práctica profesional, su supervisor exige la utilización de esta herramienta después de cada sesión.

Como docente universitaria, ¿cuáles son las fortale-zas y debilidades de las formaciones en Arteterapia en Chile?

En Chile la formación en Arteterapia comenzó en el año 2002 con el ”Postítulo de especialización en te-rapias de arte, mención Arteterapia” de la Universi-dad de Chile. En el 2012, la Universidad del Desarrollo ofrece el ”Magíster de Arteterapia”; luego, en 2016 co-mienza el ”Magíster Artes en la Salud y Arteterapia” en la Universidad Finis Terrae, y este año comenzó el programa profesionalizante de Postítulo en Artetera-pia de Espaciocrea. Todos tienen una formación aca-démica de cuatro semestres, una práctica profesional supervisada y la exigencia de un trabajo de finaliza-ción, monografía o tesis de investigación, para optar al título profesional.

Se dictan dos diplomados en el sur del país: ”Arte Te-rapia: Estrategias para la inclusión social, salud y edu-cación”, de la Universidad Austral de Chile, y ”Funda-mentos en Arte Terapia”, de la Universidad Católica de Chile, sede Villarrica.

Siento que las principales fortalezas de la formación en Arteterapia en mi país se relacionan con el hecho de ser universidades, públicas y privadas, reconocidas por su excelencia académica, con docentes con grados académicos de Magíster y/o Doctorado, con mallas de estudio que poseen sólidas bases teóricas y metodo-lógicas profundizadas a través de prácticas experien-ciales. Contemplan un año de práctica profesional con supervisión y terapia personal adecuadas.

Del Magíster donde me formé, destaco la oportunidad de conocer arteterapeutas de vanguardia en sus res-pectivos ámbitos laborales, como Sally Skaife, Marga-ret Hills, Karen Gibbons, Estela Garber, Sheena McGre-gor y Héctor Fiorini, entre otros, quienes compartieron sus experiencias y desarrollaron talleres con los es-tudiantes. Estos fueron de gran utilidad por tratarse siempre de intervenciones innovadoras.

Dentro de las debilidades, la mayoría de estos cen-tros formadores no cuentan con suficientes conve-nios para las prácticas profesionales de todos los estudiantes, por lo tanto, muchos debimos gestionar nuestra práctica en instituciones, ya fueran públicas o privadas. Aun cuando a veces se interesaban por este tipo de intervención, no siempre era factible hacerlo, porque, al no estar reconocida aún como una medici-na complementaria por el Ministerio de Salud, existe desconocimiento y desconfianza de sus beneficios.

Realizás talleres individuales y grupales para adultos mayores, y sistematizaste tu experiencia en el libro Arte Terapia en Adulto Mayor: Estrategia para compren-der su percepción de su etapa vital. ¿Cuáles son las prin-cipales problemáticas de esa población y los benefi-cios del arteterapia en ese grupo etario?

En general he tenido la oportunidad de trabajar con personas mayores que presentan, por una parte, pro-blemas de salud producto del envejecimiento y mala calidad de vida, como son las enfermedades crónicas (diabetes, hipertensión arterial) y degenerativas (de-terioro cognitivo, mal de Parkinson, demencias) y, por otra parte, problemas psicológicos, como depresión y ansiedad, derivados de los cambios biopsicosociales que experimentan y que se traducen en limitaciones funcionales con pérdida de autonomía, enlentecimien-

“En Chile aún no contamos con el reconocimiento del arteterapia como

profesión complementaria de la salud, pero estamos dando la lucha por logarlo. Este año se ha trabajado en conjunto con

otras asociaciones que conforman las terapias expresivas (TE) a nivel ministerial”.

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to y menor eficiencia del funcionamiento cognitivo (merma de memoria, falta de concentración), aumento de pérdidas (muertes, jubilaciones que requieren ela-boración de duelo) y disminución de redes de apoyo, de actividades sociales e institucionalización.

Siempre trabajo con ellas desde sus capacidades conservadas, considerando sus limitaciones, y uti-lizo técnicas y materiales cómodos que favorezcan la expresión plástica de sus experiencias. He obser-vado que con el collage se sienten con más libertad para trabajar al contar con las imágenes y saber que no existen posibilidades de error, que pueden encontrar fotografías que representen a sus fami-liares, sus sentimientos, sus gustos, y solo deben pegarlos en el papel. Se aprecia que a medida que pasa el tiempo desarrollan la creatividad y demues-tran mayor seguridad con el uso de los materiales, incluso algunos tienden a experimentar con nuevos materiales.

Los principales beneficios del arteterapia observa-dos en este grupo etario se relacionan con la expre-sión de emociones, sentimientos y pensamientos reprimidos, la resolución de conflictos por medio de formas más saludables de enfrentar la soledad y la tristeza, la aceptación de sus limitaciones, y el reco-nocimiento de sus capacidades conservadas en un contexto que los contiene emocionalmente. De esta forma experimentan el alivio del estado depresivo, estrés o ansiedad inicial. También produce mejoría de sus capacidades cognitivas (memoria, percep-ción, sensación, lenguaje, concentración, motricidad fina).

Cuando trabajo con grupos he podido apreciar en ellos el desarrollo de habilidades sociales (mejoría en la comunicación y en las relaciones interper-sonales, el apoyo solidario, el respeto, sentido de

pertenencia y de vinculación social). A medida que se dan cuenta de que sus pares sufren los mismos problemas que ellos, comparten con mayor libertad sus experiencias más traumáticas, confiados en la contención del grupo.

En cuanto a su desarrollo personal, creo importante destacar que logran un mayor conocimiento e in-tegración de sí mismos. Se percibe una mejoría en la confianza, refuerzan su propia aceptación, y así aumenta su autovaloración. El hecho de terminar un trabajo artístico les da ”placer y satisfacción”, lo que incrementa su autoestima y el sentido de au-toeficacia.

¿Cuáles son las dificultades para la inserción del ar-teterapia en contextos institucionales?

Debido a que no existe el reconocimiento de nuestra profesión en el país, muchos arteterapeutas, con el fin de dar a conocer esta medicina complementa-ria, trabajan en forma de voluntariado ad honorem y dentro de un marco de informalidad.

No es extraño encontrar casos de arteterapeutas que están contratados, pero bajo su título profesio-nal (psicólogo, terapeuta ocupacional, etc.), ya que los departamentos de recursos humanos de las instituciones no consideran, en su dotación, crear el cargo de arteterapeuta.

Encontramos escasas intervenciones de artetera-pia en algunos establecimientos de Salud Pública a lo largo del país: a nivel de atención primaria en centros de salud familiar (CESFAM) y centros co-munitarios de salud familiar (CECOSF), y a nivel de atención secundaria, en centros de salud mental (COSAM) y en servicios de salud mental, de cuida-dos paliativos y de pediatría de hospitales clínicos y psiquiátricos.

Las intervenciones arteterapéuticas en los ámbitos educacional y laboral se realizan sobre todo como talleres con temáticas específicas de acuerdo a ne-cesidades percibidas en su interior por los actores comprometidos. No existen programas que las in-cluyan formalmente. A nivel educacional, el arte-terapia se implementa para fomentar habilidades blandas, para disminuir las conductas agresivas, para lograr la inclusión escolar, para la construc-ción de la identidad en adolescentes o reforzar el autoconocimiento, entre otros. A nivel laboral se realizan talleres de autocuidado para prevenir el

“La mayor parte de los arteterapeutas se desempeñan en el sector privado, en consulta privada. Obtienen su clientela a través de publicidad en los medios,

páginas web, redes sociales, y por interconsultas de otros profesionales de

la salud”.

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Adultos mayores durante el proceso creativo.

Adultos mayores, la consigna.

Personas mayores haciendo un trabajo grupal.

estrés laboral, mejorar el clima organizacional, ne-gociación y resolución de problemas.

La mayor parte de los arteterapeutas se desem-peñan en el sector privado, en consulta privada. Obtienen su clientela a través de publicidad en los medios, páginas web, redes sociales, y por intercon-sultas de otros profesionales de la salud.

Respecto de la región latinaomericana, ¿cuál es el estado del arteterapia en Chile?

En Chile aún no contamos con el reconocimiento del arteterapia como profesión complementaria de la salud, pero estamos dando la lucha por logarlo. Este año se ha trabajado en conjunto con otras asocia-ciones que conforman las terapias expresivas (TE) a nivel ministerial. Estamos muy satisfechos por los grandes avances obtenidos en los últimos meses, que se materializarán en septiembre con el lanza-miento de la Política de Medicinas Complementa-rias y Prácticas de Bienestar de la Salud, en la cual se reconoce que las TE existen en Chile y tienen beneficios comprobados para la salud. Consiste en una base que da cuenta de un paradigma dentro del ámbito de la salud, pero no indica aspectos más específicos asociados a la forma de aplicación.

Después de la publicación de esta política, a nivel ministerial y con representantes de cada asocia-ción de las TE, se procederá a la definición de orien-taciones técnicas para la aplicación de las TE en las áreas de atención primaria y hospitalaria.

Con estos avances nos asiste la gran esperanza de tener el reconocimiento que nos permita integrar equipos multidisciplinarios en instituciones públi-cas y privadas, abarcando los tres niveles de aten-ción con intervenciones arteterapéuticas de pro-moción, prevención, recuperación y rehabilitación de la salud.

El contar con las orientaciones técnicas para la apli-cación del arteterapia y también con el código éti-co profesional, nos permitirá regular y denunciar la práctica del arteterapia por parte de profesionales que no cuentan con estudios académicos de acuer-do a los estándares mínimos exigidos. Esto tam-bién nos permitirá estimular la formación de super-visores clínicos de los arteterapeutas para cumplir con el requisito que asegurará su excelencia. ■

Paula Gimbatti

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Experiencias arteterapéuticas

Arteterapia para personas que viven con ELA (Esclerosis Lateral Amiotrófica)

Resumen

Este artículo relata la experiencia de una propuesta virtual y grupal de arteterapia para personas que viven con ELA (Esclerosis Lateral Amiotrófica). Cuenta cómo fue el proceso de creación del proyecto, los primeros pasos, la decisión de la modalidad virtual, la necesi-dad de conocer en persona a las participantes, las vi-sitas a sus hogares. Explica qué es la ELA y presenta a las mujeres que participaron. Describe cómo fue el comienzo del taller, el proceso de transformación, el reconocimiento y los logros. Llega hasta el presente y la apuesta al arte como potencia de vida.

Palabras clave: arteterapia, ELA, arte, virtual, recono-cimiento.

Introducción

Me siento honrada y agradecida por poder compartir mi experiencia tanto en la creación de este maravilloso proyecto como en el desarrollo del Taller de Artetera-pia grupal y virtual para personas que transitan la es-clerosis lateral amiotrófica (ELA).

Espero que mis palabras logren transmitir todo lo que este espacio ha significado y significa para quienes participan. También espero que reflejen cuánto me ha enriquecido a mí de manera personal y profesional.

¿Qué es la ELA?

La esclerosis lateral amiotrófica (afección padecida por Stephen Hawking) es una enfermedad neurode-generativa progresiva que afecta a las neuronas mo-toras del cerebro y la médula espinal. Estas neuronas dejan de funcionar y, por lo tanto, de enviar mensajes a los músculos, ocasionando debilitamiento muscular e incapacidad de movimiento, y afectando también la

deglución, el habla y la respiración. No todos los sín-tomas necesariamente se manifiestan en todos los pacientes, y es poco probable que se desarrollen al mismo tiempo, o en algún orden específico.

La ELA es una enfermedad debilitante que lleva a una paralización progresiva del paciente hasta su parálisis completa. Es, por lo tanto, una enfermedad que conlleva una gran carga de discapacidad y dependencia, ya que, a lo largo de la enfermedad y en un corto plazo de tiempo, los pacientes pasan de una situación de normalidad a una de dependencia completa. Se desconocen las cau-sas que la generan, y no tiene cura.

Según los datos de la asociación de pacientes adELA, la esperanza media de vida es de seis años y, según la Sociedad Española de Neurología, la mayoría fallece en menos de diez. Aquellos que sobreviven más tiempo suelen necesitar un respirador artificial u otro tipo de dispositivo para poder seguir viviendo.

En algunos casos extraordinarios, y por causas des-conocidas, la ELA de algunos afectados se detiene en su avance. Un ejemplo es el del físico teórico Stephen Hawking.

1. Arteterapeuta (Primera Escuela Argentina de Arteterapia), Counselor (Instituto de Consultoría Psicológica Holos Capital), Técnica Superior en Bellas Artes (Nueva Escuela de Diseño y Comunicación). Actualmente coordina talleres de arteterapia en la Asociación ELA Argentina para personas afectadas por la esclerosis lateral amiotrófica. Es directora-fundadora del espacio artístico terapéutico ”Nuevos Caminos”, donde facilita talleres grupales y consultas individuales.

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icas Arteterapia en el acompañamiento a personas con ELA

En la mayoría de los casos, la inteligencia y los sentidos no son afectados por la ELA. Esto significa que se mantie-ne intacta la capacidad de imaginar, soñar y percibir me-diante el gusto, el olfato, el oído, la vista y el tacto.

Por esta razón, es beneficioso para las personas con ELA contar con un espacio que les permita potenciar sus capa-cidades presentes, estimular su creatividad e imaginación, y adquirir nuevos recursos que les brinden bienestar emocional.

El arteterapia, valiéndose de los lenguajes artísticos y del diálogo acerca del proceso creativo, brinda a las personas con ELA las herramientas y contención necesarias para que les sea posible expresar sus sentimientos y emocio-nes, comprenderse a sí mismas, fortalecer sus mentes y enfocarse en nuevos proyectos que les permitan descu-brir distintas maneras de transitar su situación.

Es importante que una persona con ELA comprenda que esta es solo una parte de sí, que continúa siendo la misma persona que era antes de que apareciera la enfermedad, con su personalidad, sus gustos, sus ilusiones, su esen-cia. El tomar conciencia de que su ser no está enfermo le permitirá descubrir nuevas alternativas y posibilidades de acción frente a la vida.

El psiquiatra Jean-Pierre Klein, fundador del INECAT (Ins-tituto Nacional de Expresión, de Creación, de Arte y Tera-pia) lo expresa muy bien en una definición más profunda sobre qué es el arteterapia:

[…] es un acompañamiento de personas en dificultad (psicológica, física, social o existencial) a través de sus producciones artísticas: obras plásticas, sonoras, tea-trales, literarias, corporales y danzantes. Este trabajo sutil, que toma las vulnerabilidades como material, busca menos revelar los significados inconscientes de las producciones que permitir al sujeto re-crearse él mismo, crearse de nuevo, en un recorrido simbólico de creación en creación (Servián Franco, 2017).

Nacimiento y desarrollo del Taller de Arteterapia

A mediados del año 2017, el fundador y presidente de la Asociación ELA Argentina, Darío Ryba, tuvo la idea de incluir en su programa de actividades en beneficio de la Comunidad ELA una propuesta de expresión por medio del arte, destinada a las personas afectadas por la enfer-medad. Para este fin me convocó, y juntos le dimos forma a una primera idea de proyecto. Este fue presentado al Gobierno de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires y obtu-

vo su apoyo a través de su programa de Fortalecimiento a Organizaciones y Proyectos Sociales 2017.

A principios de 2018 comenzamos a difundir la propues-ta. Para esto diseñamos flyers, convocando a personas que viven con ELA a transitar la experiencia del artete-rapia. Estos fueron publicados en la página web de la Asociación ELA Argentina y en distintas redes sociales de la asociación y de mi pertenencia. En las respuestas a la convocatoria apareció el primer desafío.

Cinco mujeres se contactaron interesadas. Algunas vivían lejos de la sede donde pensábamos brindar el taller. A otras se les dificultaba movilizarse por su condición física.

Los que parecieron ser obstáculos, terminaron dándome la idea de coordinar el taller de manera virtual, por medio de Skype. De esta forma, cualquier persona, sin importar cuál fuera su lugar de residencia o su condición física, po-dría participar del taller.

En las semanas previas al inicio del taller, visité personal-mente a cada participante en su hogar. El conocernos en persona me parecía muy importante. Aunque la modali-dad del taller luego iba a ser virtual, poder vernos a los ojos y estar ahí en presencia para esta otra persona que se disponía a iniciar una nueva experiencia con mi acom-pañamiento, me parecía fundamental para empezar a crear un vínculo.

A cada una le llevé materiales artísticos: hojas, pinturas acrílicas, pinceles, pasteles al óleo, pasteles a la tiza, lápi-ces de colores, acuarelas, plastilinas, pasta para modelar. En cada visita, las animé a explorarlos juntas.

• Silvia, de 69 años, vivía en el barrio de Almagro (CABA). Enfermera, había dedicado toda su vida al cuidado de per-

La esclerosis lateral amiotrófica es una enfermedad neurodegenerativa progresiva

que afecta a las neuronas motoras del cerebro y la médula espinal. Estas dejan

de funcionar y, por lo tanto, de enviar mensajes a los músculos, ocasionando

debilitamiento muscular e incapacidad de movimiento.

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sonas. Hacía cuatro años que ya no podía caminar y se le dificultaba salir de su departamento, debido a que la silla de ruedas no entraba en el ascensor, ni tampoco había rampas en las escaleras. Le gustaban las manualidades, sobre todo tejer, y alguna vez había hecho algún dibujo.

•Damiana, de 53 años, vivía en el barrio de Flores (CABA). Hasta el avance de la ELA se había dedicado al comer-cio. Tenía serias dificultades para hablar. Su hija estaba muy cerca de ella, asistiéndola y traduciendo lo que decía. También tenía inconvenientes para mover los brazos y las piernas. Hasta el momento nunca había tenido un acerca-miento a la expresión a través del arte. Le di algunas ideas de empleo de los materiales en caso de que se le dificultara usar sus manos, y la acompañé y asistí en el dibujo y pintu-ra con pasteles y acrílicos.

• María del Carmen, de 63 años, vivía en Vicente López (Provincia de Buenos Aires). Counselor y psicóloga, seguía atendiendo consultantes a pesar de empezar a experimen-tar dificultades en el habla y en el andar. Nunca se había acercado a la expresión artística porque consideraba que no podía hacerlo, decía que era imposible para ella. Pero, al mismo tiempo, tenía ganas de empezar este nuevo desa-fío, lo encaraba de manera positiva, con alegría.

• Elisabet, de 64 años, vivía en Saladillo (Provincia de Bue-nos Aires) a 189 kilómetros de CABA. Ella y su marido me invitaron a almorzar un sábado, y me recibieron con mucho cariño y alegría. Psicóloga clínica, se había especializado en TCC y en adicciones. Trabajó muchos años en México acompañando a personas adictas en hospitales y también a mujeres con cáncer de mama. Tenía afectada el habla, razón por la cual tuvo que renunciar a lo que amaba hacer. Esto le causaba un gran enojo que le costaba manejar.

• Margarita (Magui), de 46 años, vivía en Mar de Ajó (Pro-vincia de Buenos Aires) a 365 kilómetros de CABA. Con ella, su marido y su hija pasé un hermoso día, que incluyó también una visita a la playa a tomar mates y a contem-plar el mar. Maestra jardinera de alma, su diagnóstico era muy reciente y aún lo estaba asimilando. Comenzaba con algunas dificultades en el caminar y en el movimiento de sus brazos. Su espíritu era alegre, positivo, emprendedor. Le gustaba pintar objetos y hacer artesanías. En su casa había muchos objetos realizados por ella y su marido.

Al finalizar cada visita les propuse como consigna empe-zar a jugar con los materiales, experimentar y crear sin preocupación por la estética, hasta vernos en nuestro pri-mer encuentro virtual.

Comenzamos el taller en el mes de abril de 2018. Ese día fue muy emotivo, tanto para las participantes como para

mí. Para ellas, significó la posibilidad de no sentirse so-las frente a la ELA, el alivio de estar acompañadas, de ser comprendidas, escuchadas, motivadas por la oportunidad de hacer algo diferente con sus vidas. Para mí, la alegría de ofrecer esta posibilidad tan impensada, y cierto temor por encontrarme de nuevo frente a otro desafío: era la primera vez que iba a coordinar un taller grupal de manera virtual.

Luego de presentarnos y conversar entre todas sobre el mejor momento de cada una para crear, teniendo en cuen-ta sus limitaciones, su necesidad de ayuda y su tiempo li-bre sin otras terapias, les propuse que el proceso creativo tuviera lugar durante la semana previa a cada encuentro. Así, en cada taller podríamos reflexionar acerca de sus creaciones.

Entonces esta fue la modalidad que implementamos. Cada semana, en el día y horario fijados, nos conectábamos to-das a través de la plataforma Skype, activando nuestras cámaras y micrófonos. Así es como nos veíamos, escu-chábamos y leíamos. El modo de comunicación era según lo que cada una podía hablar o escribir, respetando sus tiempos y posibilidades. Los encuentros tenían una hora y media de duración, aunque siempre nos extendíamos un poquito más.

Fuera del día y horario del taller, teníamos un grupo de WhatsApp a través del que nos comunicábamos diaria-mente.

En cada taller comenzábamos conversando sobre cómo se sentían, qué temas les preocupaban, qué tenían necesidad de compartir. Con este diálogo inicial atendíamos su aquí y ahora.

Luego dábamos paso a compartir sus creaciones. Cada una, mostrando su obra, relataba cómo había sido su pro-ceso creativo, con qué dificultades se había encontrado, qué emociones y pensamientos se habían despertado

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icas mientras creaba, con qué recursos se encontró, qué pudo

aprender de sí misma.

Cada una de estas maravillosas mujeres lograba recono-cerse en su obra, podía encontrar símbolos y significados propios. Por medio de su obra conseguía expresar su sen-tir; a través de ella lograba reflejar su alma.

De las resonancias personales pasábamos a las grupales; cada participante, al observar la obra de su compañera ex-ploraba lo que le atraía, lo que rechazaba, lo que la obra espejaba de sí misma, reconocía las emociones y pensa-mientos que la obra le despertaba. Y cada una de estas mi-radas enriquecía la mirada de quien había creado la obra, le permitía ampliar su campo de percepción, reconocer otros modos, otros significados. Así era como lo individual dejaba de serlo para transformarse en colectivo. Esto les brindaba un sentido de unión y pertenencia que las hacía sentirse seguras, protegidas, cuidadas, hermanadas.

Cada encuentro era único, intenso, valioso. Lo que allí ocu-rría nos hacía olvidar que estábamos detrás de una com-putadora. La energía que nos rodeaba traspasaba las pan-tallas, nos fortalecía y nos renovaba.

Al momento del cierre, luego de las reflexiones comparti-das, yo tomaba algo de lo que había acontecido en el en-cuentro para proponerles una consigna, o como me gusta-ba llamarla a mí, una idea que las invitara a crear por medio del arte durante la semana. Las ideas eran eso, ideas para que ellas adaptaran y transformaran según sus propios deseos y necesidades.

Los primeros meses las consignas o ideas tenían que ver con animarlas a crear, a perder el miedo, a ganar confianza en el uso de los materiales y lenguajes artísticos. Así fue como les propuse, por ejemplo:

• Hacer collage con imágenes que hablaran de sí mismas.• Pintar su canción favorita.• Hacer su autorretrato.• Representar su nombre de manera creativa.• Pintar su lugar en el mundo.• Crear en familia.• Intervenir una foto.• Contar un cuento.• Dibujar con la mano izquierda.

Con el correr de las semanas, las participantes fueron viendo que era posible para ellas expresarse a través del arte. Esto las animaba a aceptar nuevos desafíos, a ex-plorar con mayor profundidad sus emociones, su relación con su cuerpo, sus miedos, su incertidumbre frente a lo desconocido.

Si les surgía alguna dificultad durante el proceso creativo, o si querían aprender más sobre el uso de los materiales, podían contactarme y lo revisábamos juntas.

A veces no les resultaba fácil utilizar algunos de los mate-riales debido a las limitaciones físicas. Entonces, veíamos otras posibilidades de usarlos o de reemplazarlos. Luego, ellas buscaban la manera de implementarlo, o de pedir ayuda para hacerlo.

Los lenguajes artísticos que empleaban eran los de su preferencia, aunque también se animaban a experimentar cuando yo les proponía cambiar.

Silvia, en general, prefería hacer collages con imágenes que recortaba de revistas; Eli y Damiana preferían dibujar con los pasteles y los lápices de colores, y Magui y María del Carmen elegían pintar con los acrílicos.

El arteterapia, valiéndose de los lenguajes artísticos y del diálogo acerca del proceso

creativo, brinda a las personas con ELA las herramientas y contención necesarias

para que les sea posible expresar sus sentimientos y emociones.

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Al principio las chicas tomaban la consigna o idea al pie de la letra, y a partir de ella creaban. Con el tiempo fueron ganando confianza, venciendo resistencias. Se animaron a transformar la consigna para darle forma propia. Incluso se fueron animando a proponer sus propias ideas, temas de interés y proyectos propios.

También algunas de las participantes incorporaron la escritura como medio de expresión. Escribían cuentos y poemas para acompañar sus obras plásticas.

Así fue como Magui2 descubrió su gusto por el arte naíf y, probando estilos, desarrolló uno propio. Al tiempo que su arte se expandía, aumentaban también las limitaciones, pero esto no era impedimento para ella. Con una enorme fortaleza y perseverancia, creó y sigue creando mujeres llenas de color, llenas de vida. Mujeres que la representan, mujeres que son ella en esencia.

Y también se animó a sublimar su arte en cuadernos y agendas, dándole vida a su propio proyecto, que planea seguir desarrollando y haciendo crecer.

También María del Carmen hizo su propia búsqueda. Pasó de pintar rostros a descubrir su amor por la naturaleza y en particular por las flores. Y comenzó a pintarlas con colores vibrantes que reflejan su alegría y su pasión por la vida.

2. Su página en Facebook: https://www.facebook.com/Arte-Magui-Pizarro-249590382361701/

A fines de noviembre de 2018, organizamos una Muestra de Arteterapia, donde expusimos sus obras, mostrando su trabajo y evolución a lo largo del año. A esta muestra asistieron las participantes que tuvieron la posibilidad de hacerlo, junto a sus familiares y seres queridos. Fue un momento de reconocimiento muy importante para ellas.

A mediados del año 2018 organizamos un encuentro pre-sencial para que estas mujeres pudieran conocerse per-sonalmente. María del Carmen y Eli pudieron asistir. El encuentro fue emotivo, las chicas pintaron juntas, con-versaron y estrecharon lazos. Luego, se sumaron al en-cuentro sus familiares, y las participantes les compartie-ron momentos y anécdotas del taller.

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icas Siento una enorme alegría y satisfacción por los logros de

estas mujeres, por sus recorridos, por sus transformaciones, por su tenacidad y superación. Me enorgullece ser testigo de cómo pudieron encontrar y desarrollar su propia fortaleza en la adversidad.

Y como broche de oro para un gran año, nuestro Proyecto de Arteterapia fue reconocido por la International Alliance of ALS/MND Associations3 (Alianza Internacional de Asociacio-nes ELA/Enfermedades de las neuronas motoras). La Alian-za lo eligió, junto a otros proyectos de otras asociaciones de distintos lugares del mundo, como propuesta innovadora de bienestar para personas con ELA. Lo presentamos en el mes de diciembre de 2018 en Glasgow, Escocia, Gran Bretaña, ante el Allied Professionals Forum (Foro de Profesionales Aliados).

El año 2019 nos muestra otra realidad, una realidad que nos duele, y que a la vez forma parte de la vida. La muerte se hizo presente: Damiana, Eli y Silvia partieron. Estamos en una nueva instancia de taller. Fuimos transitando el dolor por la partida, el vacío, la tristeza, la incertidumbre, la muerte como posibilidad, las limitaciones que aumentan. Y también vuelven a surgir las ganas de darle un nuevo impulso al taller, de hacer que crezca, que se sumen más personas con ELA que quieran enriquecerse y enriquecernos. Silvina ya se incorporó, y esperamos que se sumen muchas personas más.

Seguimos apostando a la vida, a vivirla con todas sus posibilida-des y matices, y a apoyarnos en el arte, que nos permite conec-tarnos con potencia, energía y más ganas de vivir.

Prueba de esto es la Muestra de Arteterapia que Magui, por iniciativa propia, comenzó a organizar en Mar de Ajó, lugar donde vive, y para la que contó con el apoyo de la Municipali-dad de la Costa y de la Asociación ELA Argentina.

El evento tuvo lugar el 20 de junio de 2019, por lo que se lla-mó “Levantemos la bandera de la ELA”. Se realizó en el Cen-tro Multicultural de Mar de Ajó (Provincia de Buenos Aires, Argentina), y asistieron más de cien personas.

Haciéndose necesario mostrar todo lo que el Taller de Arte-terapia para personas con ELA generó y sigue generando, creé una página en Facebook que comparto, y agradezco su difusión:

Arteterapia en la ELA: https://www.facebook.com/arteterapia.ela

Y seguimos adelante, apostando a la vida.

Testimonios

Arteterapia es jugar con el arte. Es encontrar lo que no podemos expresar de otra manera. Es darnos la oportunidad de conocer nuestro interior. Es alegría por lo logrado, ya sea nuestro o de un compañero. Este espacio es de comprensión, todas somos igua-les y nos entendemos mutuamente. Hoy vos, mañana yo, el arte nos une y a través de esa sensibilidad que nos aporta es que podemos hablar desde el corazón.

María del Carmen

A mí me encantó ver mi humilde arte expuesto en un cuadro. Llo-ré de emoción. Algo impensable.

Silvia

¡¡¡Doy gracias por estar viva!!! Por ser la persona que fui y que soy hoy con ELA. Ella hace su trabajo de aflojar, yo hago el mío de reforzar cada minuto, hora, día, mes el deseo de querer vivir. Gra-cias, amigas del taller. Dios, la vida nos puso en el camino y nos acompañamos con amor en el descubrimiento y el aprendizaje de vivir con el arte. ¡Cómo me gusta pintar! Lo hace mi corazón y mi alma, junto con mi cuerpo. ¡¡¡Gracias al arte!!!

Eli

Porque mi vida cambió, puedo hacer. Hacer algo que me saca de este plano y me deja expresar, y me siento muy valorada por los demás. Ahora no ven mi enfermedad, ahora me ven a mí.

Magui

Gracias, chicas, por la tarde de ayer. Las quiero tanto, son las tres maestras para mí. Gracias por escucharme, este es un espacio tan hermoso que dan muchas ganas de seguir!

Silvina

BIBLIOGRAFÍAServián Franco, F. (2017). La Mente es Maravillosa. Recuperado de: https://la-menteesmaravillosa.com/arteterapia-definicion-beneficios/

3. Página web: https://www.alsmndalliance.org/

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Arte Terapia con adultos mayores en el marco de la Atención Centrada

en la Persona

Resumen

El sujeto que envejece se enfrenta a una serie de cam-bios que se producen tanto en el área corporal como en la esfera cognitiva. La teoría de la actividad o del apego sostiene que los adultos mayores deben permanecer ac-tivos tanto tiempo como sea posible y que es necesario buscar sustitutos para las actividades que ya no puedan realizar. El Arte Terapia se ofrece como un medio para desplegar la creatividad y las potencialidades del suje-to. Las residencias en las que se lleva a cabo el Taller de Arte Terapia se enmarcan en la modalidad denominada “Atención Centrada en la Persona”. El objetivo es mejorar la atención desde dimensiones relacionadas con la cali-dad de vida y el bienestar. Desde el arte y a través del arte la persona desarrolla o recupera su capacidad creadora..

Palabras clave: Arte Terapia, creatividad, adultos mayo-res, Atención Centrada en la Persona, salud.

Introducción

El sujeto que envejece se ve enfrentado a una serie de cambios que se producen en el área de lo corporal y en la esfera cognitiva, lo cual repercute en el ámbito de lo social.

Según Salvarezza (1988) existen dos formas predomi-nantes de enfocar esta etapa. Una es la que postula que a medida que la persona envejece y pierde interés por las actividades y objetos que lo rodean, se aísla más del entorno y de problemas ajenos, y reduce la interacción con los otros. El paso planteado por esta teoría es tomar distancia de los mayores.

La segunda teoría -a la que suscribo- es la teoría de la ac-tividad o del apego. Esta teoría sostiene que los adultos mayores deben permanecer activos tanto tiempo como

sea posible y que deben buscarse sustitutos para aque-llas actividades que ya no puedan realizar. El buen enve-jecer estará dado entonces por la capacidad que tenga una persona de aceptar y acompañar las declinaciones inevitables, manteniendo al mismo tiempo una lucha ac-tiva para obtener el máximo de satisfacción con las fuer-zas que en ese momento se dispongan. En este marco, el Arte Terapia se ofrece como un medio para desplegar la creatividad y las potencialidades del sujeto.

1. Licenciada en Psicología (UCA). Especialista en Arte Terapia (UNA). Coordina talleres de arteterapia con adultos y en residencias con adultos mayores.

Analía Alaniz1

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icas Desarrollo

El Arte Terapia es la disciplina en la que nos valemos de las técnicas y materiales artísticos con objetivos terapéu-ticos. El lenguaje de las artes visuales está menos sujeto al control consciente del individuo, y por ende, permite una multiplicidad de posibilidades expresivas que tras-cienden a la comunicación verbal, lo que resulta de gran beneficio en aquellas personas que tienen alguna dificul-tad en esta área. Las imágenes facilitan la reflexión; el color y las líneas favorecen la expresión de emociones y vivencias.

El arteterapeuta, en su rol, integra varias funciones. Al respecto, Kramer (1982) afirma que este es, al mismo tiempo, artista, terapeuta y maestro. Artista, porque debe ser competente en el manejo de técnicas y mate-riales artísticos. Terapeuta, ya que ha de aceptar mani-festaciones de impulsos y las sublimaciones incomple-tas que se llevan a cabo en el arte. Maestro, para estar atento a las posibilidades y limitaciones del sujeto y así ayudarlo de acuerdo a sus necesidades individuales.

Las residencias en las que se lleva a cabo el Taller de Arte Terapia se enmarcan en la modalidad denominada “Atención Centrada en la Persona”. Se trata de un mo-delo profesionalizado que busca cuidar apoyando para que las personas puedan seguir teniendo control en su entorno, en sus cuidados y en su vida cotidiana, desarro-llando sus capacidades. Se apunta a mejorar la atención desde dimensiones relacionadas con la calidad de vida y el bienestar.

En este contexto, el Taller de Arte Terapia en la residencia se plantea como un espacio que continúa con el linea-miento de la Atención Centrada en la Persona.

Los aspectos claves de este enfoque son:

• Respeto por la dignidad. • Cuidado integral y personalizado. • Apoyo a los proyectos de vida. • Búsqueda de calidad de vida. • Favorecer la implicación de la persona y su familia.

Los objetivos generales del Taller de Arte Terapia son los siguientes:

• Desarrollar una actividad terapéutica plena de sentido.• Estimular funciones cognitivas: atención, memoria, con-centración.• Estimular habilidades motrices.• Fomentar la socialización.• Apoyar la autonomía.• Favorecer la toma de decisiones. • Respetar la dignidad del sujeto.

Los objetivos específicos del Taller de Arte Terapia son:

• Generar un espacio donde el adulto mayor pueda esta-blecer vínculos para compartir con otros pares la expe-riencia de la actividad artística. • Favorecer un clima en el que el adulto mayor pueda te-ner una mirada de su propia historia. Los recuerdos y re-miniscencias serán material de gran valor. • Aportar una vía de expresión nueva. La expresión plás-tica se utiliza como un medio de comunicación, lo que es de gran ayuda para quienes tienen dificultades en la ex-presión verbal. • Fomentar la creatividad y el desarrollo de diversas téc-nicas con la mirada puesta en la expresión de la subjetivi-dad y la búsqueda de un estilo propio. • Favorecer el bienestar personal y una mayor confianza en sí mismo. • Estimular patrones de movilidad y psicomotricidad, así como también las áreas cognitivas.

La modalidad del taller es la siguiente:

• Práctica grupal. Los encuentros son semanales y duran una hora y media. La participación de los residentes es voluntaria, así que el grupo varía en cada encuentro.

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• Se utilizan diversas técnicas artísticas con consignas que, según el caso, empiezan y terminan en un solo en-cuentro o se continúan. Se experimenta con témperas, acrílicos, acuarelas, pasteles a la tiza, collage, modelado en arcilla, etc.

La estructura de cada encuentro consta de tres momen-tos:

1. Presentación de la historia y obra de un artista, de una obra en particular o de un movimiento artístico. Se mues-tran imágenes a través de diversos dispositivos. Se gene-ra un intercambio grupal. Se fomenta un clima de diálogo no solo a partir de los aspectos estéticos y artísticos sino también dando cuenta de las emociones y afectos que les provoca como espectadores (aparece el elogio, el rechazo, los recuerdos, etc.).

2. Consigna. Se presentan dos propuestas y en cada en-cuentro se les da la opción de elegir. La idea de esto es brindarles a los residentes más de una alternativa para acercarse al arte fomentando asimismo la autonomía al escoger cómo participar:

• Cognitiva: juegos de estimulación cognitiva a partir de palabras que tienen que ver con lo conversado en la pri-mera etapa del encuentro. No solo se estimula lo referen-te a la memoria y la atención, sino que también se genera un intercambio entre quienes optan por esta propuesta.

• Artística: se plantea la consigna y técnica a desarrollar, con los materiales correspondientes. Se apunta a generar un vínculo de confianza en el que se sientan seguros para expresarse a través del arte, orientándolos para que lo-gren desplegar su potencial creativo.

3. Cierre: se realiza una reflexión acerca de la temática del encuentro (qué les generó, cómo se sintieron) y también a partir de las producciones realizadas. Esto da lugar al diálogo no solo con el arteterapeuta sino, especialmente, con sus pares.

En caso de que estén dadas las condiciones y los inte-grantes del grupo estén de acuerdo, se pueden realizar muestras de los trabajos del taller en la institución. Cada residente decide qué destino le da a su producción, por ejemplo, regalarla a un familiar.

Conclusión

El Taller de Arteterapia en una residencia de adultos ma-yores se enmarca en una visión en la que el sujeto está en constante desarrollo. Desde esta perspectiva, la eta-

pa muchas veces llamada “pasiva” o “tercera edad” no se define por la declinación (hecho que no se niega pero que no constituye el foco de nuestra labor). La mirada del arteterapeuta tiene en cuenta las características particu-lares del individuo, entre las que se encuentran tanto las patologías y dificultades que padece, así como su histo-ria de vida e intereses. Partiendo de esta base hace foco en aquellas habilidades y recursos con los que cuenta. En este sentido, podemos pensar que es un modo de trabajo que se apuntala en un modelo salutogénico, es decir, que promueve acciones en salud enfocadas hacia la conser-vación, bienestar y crecimiento del individuo.

Desde el arte y a través del arte la persona desarrolla o recupera su capacidad creadora. Fiorini (1995) afirma que crear es convocar tensiones y contradicciones, y dar-les formas nuevas a esas tensiones y a esas contradiccio-nes, de modo que esas formas puedan albergarlas y ha-cerlas fecundas. El proceso creador es uno de los pilares del arteterapia, pues principalmente a través del proceso creador es que el sujeto -en este caso, el adulto mayor- se redescubre activo y con potencialidades a desarrollar. Y es mediante la producción artística que puede habilitar-se un modo de expresión que muchas veces permanecía coartado o silenciado. ■

BIBLIOGRAFÍAFiorini, H. (1995). El Psiquismo creador. Editorial Paidós.García Pinto, C. (1993). El círculo de la vejez: sobre la psicología normal de la persona que envejece. Editorial Almagesto-Rescate.Kramer, E. (1982). Terapia a través del arte en una comunidad infantil. Editorial Kapelusz.Salvarezza, L. (1988). Psicogeriatría. Teoría y clínica. Editorial Paidós.Martínez Rodríguez, T. et al. (2015). Modelo de atención centrada en la persona. Presen-tación de los Cuadernos prácticos. Madrid, Informes Envejecimiento en red, nº 12. Fecha de publicación: 30/07/2015.

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icas Arte terapia en hospice: rescatando

historias y legados a través del arte

Resumen

Arteterapia en hospice nos invita a conectarnos con pa-cientes de cuidados paliativos desde otro lenguaje. A tra-vés de un caso y un estudio descriptivo pudimos concluir que trabajar con arte terapia al lado de la cama de los pa-cientes es viable y una gran herramienta de comunicación y expresión, ayudándoles a rescatar sus historias y lega-dos y destacándose su uso recreativo.

Palabras clave: arte terapia, legado, cuidados paliativos, hospice.

Introducción

Trabajar en arte terapia es un desafío en muchos aspec-tos, y más aún con pacientes al final de sus vidas. Cuan-do conocí a Elena, ella tenía 39 años, era madre de una niña de 9 años y había ingresado al hospice2 desde hacía un par de semanas con diagnóstico de un tumor cerebral avanzado. Había perdido su visión como producto de esta enfermedad. Fue una de las primeras pacientes en cuida-dos paliativos que atendí y a su lado viví un gran proceso de aprendizaje tanto a nivel profesional como de manera personal.

Elena me dejó un gran legado y muchas preguntas: ¿Cómo trabajar desde el arte con pacientes en un hospice? ¿Cuán efectivo es nuestro acompañamiento a través del arte en pacientes con una expectativa de vida limitada? ¿El arte puede ayudar a nuestros pacientes a expresar lo que es-tán viviendo o sintiendo?

Atender en un hospice es un gran reto para las y los arte-terapeutas. En estos lugares, los pacientes presentan un estado avanzando de su enfermedad, motivo por el cual la mayoría no puede dejar sus camas para ir a trabajar en arte a otro lugar. Muchos presentan dificultades para comunicarse, y existe una intensa carga emocional en el

entorno. Todo esto genera un gran desafío para los profe-sionales, que deben llevar el arte a sus camas.

Los pacientes en hospices transforman la habitación y su cama en su hogar, intentando vivir como lo hacían antes, pero al mismo tiempo la institución debe velar por cumplir los protocolos sanitarios y las rutinas diarias para ellos, como alimentación, higiene, control de signos vitales, vi-sita de profesionales de la salud, entre otros. Además, no debemos olvidar que casi siempre están presentes las vías de administración de medicamentos (por ejemplo, suero y oxígeno), que forman parte del escenario al que debemos adaptarnos para ser parte del equipo. Por todo esto necesitamos aplicar gran flexibilidad y compasión para acompañar, escuchar de forma activa y sincera, tener creatividad para trabajar con ellos, y para proponer acti-vidades artísticas realistas que puedan realizar. También debemos tener en cuenta el propio autocuidado, debido a que estos contextos son de gran vulnerabilidad social, emocional y de salud, ya que estamos acompañando a personas en sus últimos días de vida.

Cuando recibí la derivación del equipo psicosocial para vi-sitar a Elena había mucha expectación por ver qué ocurri-ría. No sabíamos cómo reaccionaría al invitarla a trabajar en arte, teníamos incertidumbre por su condición de no

1. Licenciada en Diseño (Universidad Tecnológica Metropolitana, Chile). Magíster en Arte Terapia (Universidad del Desarrollo y Espaciocrea, Chile). Unidad de Artes Creativas, Hospice Clínica Familia, Santiago de Chile.2. Hospice: lugar de atención para personas con enfermedades terminales en donde se realiza control de síntomas físicos, apoyo psicológico y espiritual.

Claudia Alejandra Acuña Douglas1

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vidente, considerábamos que era un encuentro distinto. El arte ofrece variedad de técnicas y actividades. Es un medio de comunicación simbólica útil para expresar las emociones y los conflictos (Malchiodi, 2007). Asimismo, es reconocido en salud que las artes tienen el poder para promover el bienestar de los pacientes por medio de la autoexpresión y la creatividad, más aún en cuidados pa-liativos, porque les permite comunicar de una forma dife-rente sus emociones, ayudándoles a expresar sus ideas y trabajar su legado. Es por esto que, como profesionales, es fundamental diseñar las sesiones, proponer materia-les adecuados y permitir que los pacientes puedan elegir colores, papeles y actividades. Ellos no pueden elegir su diagnóstico, por lo que hacerlo en una actividad recreativa les genera de nuevo autonomía.

Fue así cómo invité a Elena a trabajar. En las primeras sesiones comenzó a escribir algunas palabras y a dibujar. Volver a ocupar sus manos y escribir fue tan importante para ella que surgió la necesidad de realizar regalos para su hija.

Al comentar el trabajo realizado con Elena al equipo psi-cosocial, nació la idea de abordar el tema del legado para su hija, proponiéndole trabajar esto mediante la creación de objetos y manualidades que ella pudiera realizar.

Logramos realizar ocho sesiones, siempre trabajando en su cama. Ella elegía los materiales y colores, confiando en que los que le entregábamos eran los que solicitaba. Comenzamos a crear collares de lana, cintas y mostaci-llas; amarrábamos las lanas al borde de la cama y empe-zábamos a trenzar. Los materiales tenían diferentes tex-turas, lo cual aportaba más sensorialidad a la sesión, ya que el objetivo era que ella usara sus manos y el sentido del tacto para crear con libertad. El arte terapia permite la expresión libre y espontánea, donde no se emiten juicios ni valoraciones estéticas y donde se entabla una relación terapéutica (Case y Dalley, 1992).

Elena, tal como la mayoría de los pacientes oncológicos antes de su enfermedad, era una mujer muy activa, tra-

bajadora, y disfrutaba de las manualidades en sus ratos libres. Entonces, volver a utilizar sus manos para crear, fue algo tremendamente movilizador, debido a que faci-litó hablar de sus recuerdos, de sus historias, de lo vivido hasta ahora. El arte permite rescatar narrativas e historias personales en el proceso creativo.

Elena usó las sesiones de arte terapia para crear recuer-dos y así poder despedirse de su hija. En las últimas dos sesiones ya no podía trabajar con sus manos y su vida se fue apagando. En este punto es importante recordar que nuestro acompañamiento también se termina, que debe-mos despedirnos y cerrar procesos.

En varias ocasiones los familiares se quedan con las obras de sus seres queridos, incluso con los lápices que ellos uti-lizaron para pintar.

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icas Trabajar con Elena fue revelador para todos. El equipo

comprendió que acompañar con arte en un hospice es po-sible y lo importante que es brindar la oportunidad a los pacientes de trabajar en arte, aunque estos tengan una funcionalidad disminuida y haya que adecuarnos a su con-dición física y a su salud.

El arte nos permite acercarnos a los pacientes y comuni-carnos a través de otro lenguaje. Es una forma de dar voz a lo que no se puede expresar con palabras.

A partir de lo vivido con Elena, en el hospice hemos tra-bajado en arte terapia con disintios pacientes, los cuales nos han generado oportunidades y desafíos para seguir creando y aprendiendo. Por ejemplo, pacientes que debido al tumor no pueden hablar, u otros a los que su condición de salud no les permite sentarse en su cama, debiendo trabajar con ellos semiacostados, adaptando los mate-riales para que puedan disfrutar del hacer arte, dándoles la posibilidad de que usen sus propias manos para crear, como puede ser cortar papeles para un collage.

En el IX Congreso Latinoamericano de Cuidados Paliativos, celebrado en Santiago de Chile en abril de 2018, expusi-mos el trabajo que habíamos realizado en la unidad entre los meses de marzo y septiembre del año 2017, mos-trando las intervenciones efectuadas con arte terapia en el hospice. Nuestro estudio se tituló “Arte en Hospicios: Una forma distinta de expresión y comunicación de los pa-cientes de cuidados paliativos” y motivó gran interés entre los participantes del congreso. El objetivo del estudio fue describir el trabajo de arte terapia realizado en cama con pacientes en cuidados paliativos e identificar las técnicas y materiales de arte que los pacientes preferían utilizar para

crear sus obras. Se efectuaron 39 sesiones, trabajando con 14 pacientes. Las sesiones fueron individuales, en la propia habitación del paciente, una vez a la semana y con una duración de 45 minutos. Los objetivos de cada sesión se definieron en conjunto con el equipo psicosocial, y los pacientes al inicio de cada sesión podían elegir la técnica y los materiales con los que querían trabajar.

En promedio, cada paciente participó en 2,7 sesiones. Los objetivos desarrollados durante las sesiones fueron: re-creativo (49%), recuerdos de historias personales (23%), expresión de emociones (21%) y creación de legado (8%). Por otra parte, las técnicas utilizadas fueron: lápices de colores sobre papel (41%), collage con papeles (38%), plas-tilinas para moldear (15%) y collares de lanas-cintas (5%).Nuestro equipo pudo concluir que el arte es una herra-mienta de expresión y comunicación para los pacientes con enfermedades avanzadas, que es posible trabajar con pacientes en cama y que se destaca su utilidad para el rescate de recuerdos de historias personales y fines re-creativos.

Para concluir, me gustaría mencionar la necesidad de con-tar con más investigación en esta área, tanto para evaluar la efectividad del arte terapia en el control de síntomas de pacientes de cuidados paliativos como para conocer con mayor detalle las preferencias de los pacientes y/o fami-liares en el trabajo con arte. Esto podría permitir la imple-mentación de unidades de artes creativas y programas de arte tanto en hospices como en otras unidades de cui-dados paliativos, lo que representa un gran desafío para los profesionales del arte terapia y los motiva a buscar nuevas posibilidades de integrarse a los equipos de salud, que están cada vez más dispuestos a incorporar terapias complementarias en la atención de pacientes con enfer-medades crónicas avanzadas. ■

BIBLIOGRAFÍACase, C. y Dalley, T. (1992). The Handbook of Art Therapy. New York: Routledge.Dalley, T. (1987). El Arte como Terapia. Barcelona: Editorial Herder.Collete, N. (2011). Arteterapia y Cáncer. Psicooncología, 8 (1), pp. 81-99. Hartley, N. (2014). End of Life Care, a guide for therapists, artists and arts therapists. London: JK publishers.Malchiodi, C.A. (2013). Art Therapy and Health Care. New York: The Guilford Press.- (2007). The Art Therapy sourcebook (2da ed.). New York: Mc-Graw Hill.Rubin, J. A. (2001). Approaches to Art Therapy, theory and technique. USA: Taylor and Francis Group.Rutenberg, M. A., ATR-ATPQ (2008). Casting the Spirit: A Handmade Legacy. Art Therapy: Journal of the American Art Therapy Association, 25 (3), pp. 108-114.Wadeson, H. (1995). The Dynamics of Art Psychotherapy. New York: John Wiley & Sons, Inc.

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Arteterapia comunitaria. Algunas reflexiones

Resumen

Desde hace varios años me encuentro analizando de manera reflexiva algunos antecedentes de arteterapia en Chile a partir de una epistemología culturalmente si-tuada, estableciendo vínculos entre los campos del arte, la salud y el modelo comunitario de acción social (Reyes, 2014). En este trabajo reflexiono respecto del desarro-llo del arteterapia comunitaria en su articulación con la salud colectiva y la educación por el arte. Tomo como ejemplo las cartografías sociales y su potencial como recurso para el arteterapia con comunidades.

Palabras clave: arteterapia, comunidad, salud colecti-va, cartografías participativas.

Arteterapia comunitaria y la noción de salud colectiva

Diversos arteterapeutas han discutido y ampliado el rol del arteterapia al campo comunitario, vinculándola con la acción social para afrontar los problemas sociales y culturales (Kaplan, 2007). Lynn Kapitan (2011) recono-ce y enfatiza los aspectos relacionales y las conexiones del grupo como ayuda para asegurar el bienestar de los individuos a nivel comunitario. En su comprensión, el arte se vuelve un medio a través del cual una comu-nidad nombra y entiende sus realidades, identifica sus necesidades y esfuerzos, y transforma su vida de un modo que contribuye a la justicia social y al bienestar individual y colectivo.

Suess (2011) llama a atender la epistemología del ar-teterapia y acción social, observando las estructuras y presupuestos sociales en los que se inserta la práctica arteterapéutica en comunidad, revisando los concep-tos establecidos para la normalidad, la enfermedad o la psicopatología.

En mi experiencia de arteterapia comunitaria reconoz-co el paradigma de la promoción de la salud y salud mental comunitaria como epistemologías centrales

para comprender mi quehacer. Para la Organización Mundial de la Salud (OMS) la promoción de la salud es un proceso de empoderamiento individual y colectivo. La salud mental es constituyente tanto de la noción de salud general como de la promoción de la salud en par-ticular y exige una gama más amplia de intervenciones y actores.

Definida como acción y abogacía para abordar los de-terminantes de la salud, la promoción de la salud men-tal es fundamentalmente considerada acción social. Abordando factores que mejoran o amenazan el esta-do de salud de individuos o comunidades, por ejemplo, clase social, género, etnicidad, acceso a la educación, calidad de vivienda, presencia de relaciones de apoyo, participación social, disponibilidad de trabajo, calidad del aire, diseño de viviendas, espacios públicos, entre otros (Fundación Victorian para la Promoción de la Sa-lud y Universidad de Melbourne, 2004). Esto implica la adquisición de estrategias comunitarias, interviniendo de manera privilegiada en los sistemas sociales.

De este modo, en arteterapia comunitaria existe una ampliación desde objetivos individuales centrados en el fomento de la creatividad o espontaneidad, autoex-presión, autoconciencia y confianza en sí mismo hacia otros objetivos grupales y colectivos que implican la in-tegración social y la reducción del estigma, la formación

1. Master en Arteterapia y Doctoranda en Psicología. Coordinadora Master de Artes en la Salud y Arteterapia. Facultad de Artes. Universidad Finis Terrae. Santiago de Chile.

Pamela Reyes H.1

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icas de lazos de solidaridad, el empoderamiento, el fomento

de procesos de resiliencia colectiva, la identidad y el sen-tido de comunidad (Reyes, 2013; 2018).

El paradigma de autoexpresión creativa a la luz de enfoques de salud comunitaria

La asunción de un paradigma sociocomunitario de ac-tuación en arteterapia me lleva a repensar el modelo autoexpresivo predominante en los abordajes de ar-teterapia individual. A grandes rasgos, concibo el pa-radigma autoexpresivo como centrado en la experien-cia del individuo con el arte y la externalización de sus vivencias internas a través de él. Sería la expresión por medio de formas visuales sostenida por una bien definida relación terapéutica lo que permite la exter-nalización del mundo interno, el alivio, el desahogo de aquellas experiencias que son difíciles de verbalizar y avanzar en los procesos de simbolización. Inspirados en la visión de una psicología individual e intrapsíqui-ca, estos abordajes quedan, a mi juicio, cortos al mo-mento de abordar problemáticas socioculturales, o de identificar la compleja trama intersubjetiva y el con-texto donde se instala. Dicha trama y el contexto son constituyentes de una noción de salud comunitaria. Cabe destacar que este planteamiento no implica que la autoexpresión individual esté ausente en la acción comunitaria, sino que los abordajes hacia la subjeti-vidad individual enfaticen y se vuelvan más permea-bles y sensibles al contacto con la otredad, así como mantengan la conciencia en el mundo, una visión de cambio y transformación social en sus prácticas.

Una interesante reformulación del paradigma autoex-presivo es la visión que ha ofrecido la educación por el arte en el contexto latinoamericano. Para esta con-cepción de la educación artística, el arte es un medio de desarrollo humano donde se fomenta la expresión creativa, y la expresión de este impulso creativo ofre-ce un beneficio terapéutico. La educación por el arte y la escuela nueva son antecedentes del arteterapia a nivel internacional (Karkou y Sanderson, 2006). Refe-rentes como Margaret Naumburg y Edith Kramer tu-vieron formación en educación artística, la primera en Educación Montessori y la segunda, con Viktor Low-enfeld, Cane Detre, K. Frank, T., Refsnes Kniazzeh, C., Robinson, M. C., Rubin, J. A. y Ulman (1983).

En efecto, López Fernandez Cao (2011) expone que en

Iberoamérica los trabajos de Viktor Lowenfeld y Her-bert Read tienen gran repercusión para el desarrollo de la educación artística. Eissner enfatiza el marco histórico:

Dada la época –los años cuarenta–, la imagen del niño que divulgaron Lowenfeld y Read encontró una buena acogida. Cuando un país está en gue-rra para desterrar el totalitarismo, no es sorpren-dente que una concepción de la educación artística que destaque el cultivo y la protección de lo más individual que hay en el niño encuentre un público receptivo (Eissner, 2004, p. 54).

En Latinoamérica existe un modo particular de llevar adelante este proyecto de la educación por el arte como expresión personal creativa (Cabrera, 2001; Menin, 1998). Diversas experiencias, como por ejem-plo las escuelas de pintura al aire libre mexicanas, las prácticas pedagógicas de Jesualdo (Uruguay) y las hermanas Cossettini (Argentina) son antecedentes donde se articulan conceptos de autoexpresión indi-vidual y libertad con otros vinculados a la importancia del contexto social, la cultura popular y el compromiso social (Menin, 1998).

Entre 1903 y 1943 las escuelas de pintura al aire libre mexicanas intentaron democratizar la educación ar-tística para llevarla a los niños de sectores indígenas y obreros. Sus prácticas educativas contemplaban la observación del entorno y de las prácticas culturales a partir de la experiencia del niño (Barbosa, 2013). Esto permitió el desarrollo de un imaginario visual que ha contribuido a las artes visuales en México.2

2. Artistas como Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco constituyen ejemplos reconocidos del muralismo mexicano. Su trabajo influyó en los años 50 y 60 en los muralistas chilenos (Reyes, 2014).

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De este modo, la historia de la educación por el arte latino-americano demuestra que es posible articular expresión creativa individual con conciencia social, y que es posible articular la premisa de arteterapia sobre el potencial sana-dor de la creatividad con paradigmas de salud comunita-ria. Estos hallazgos favorecen la superación del paradigma de daño y la cura por la actuación a través del arte sobre los factores que posibilitan la promoción y la prevención en salud mental.

Enfoques de derecho en salud y arteterapia comunitaria

La salud, desde una perspectiva de derechos, focaliza su accionar en que los usuarios sean “sujetos” de su propio desarrollo con la modificación de las situaciones que les afectan en salud. La participación social es el eje de la po-lítica de salud comunitaria, y la Investigación Acción Co-munitaria (IAC) es la metodología a elección. La IAC bus-ca recoger desde las visiones de la población los factores que afectan su salud, la identificación de los recursos y las posibles soluciones a través del Diagnóstico Participativo (DP) con la comunidad.

A partir de las líneas estratégicas de la promoción de sa-lud se establece que desde otros sectores de la sociedad y fortaleciendo el trabajo intersectorial se puede encon-trar la complementariedad requerida para la atención de las diversas circunstancias determinantes de inequidades en la situación de salud y calidad de vida (MINSA, 2015). Fomentamos que en la acción intersectorial los artetera-peutas que trabajan en comunidad visualicen en el sector del arte y la cultura un intersector privilegiado de coordi-nación.

Por cierto, vemos como una oportunidad para el desarrollo del arteterapia comunitaria la convergencia de las políticas salud y cultura en el ámbito de la acción territorial. Tanto el sector salud como el sector cultura implementarán meto-dologías basadas en IAC. En efecto, el DP en salud consi-derado desde intersector arte y cultura encuentra un símil con las metodologías que exploran los territorios en sus dinámicas socioambientales. La confección de un DP des-

de enfoques de educación y cultura proporciona el aná-lisis de contextos específicos para entender los principa-les mecanismos estructurales por medio de los cuales se producen las relaciones de una comunidad y de esta con su realidad socioambiental (Valderrama, 2013). La carto-grafía social y los mapeos colectivos se tornan en obras colectivas de miradas territoriales que favorecen prácticas colaborativas y de transformación.

A grandes rasgos, concibo el paradigma autoexpresivo como centrado en la

experiencia del individuo con el arte y la externalización de sus vivencias internas a

través de él.

En la imagen inferior, vemos el trabajo colectivo creado en un taller de arteterapia comunitaria con adultos ma-yores. En el contexto de un centro cultural se implementó un proyecto psicosocial donde se promovieron talleres de memoria colectiva con adultos mayores. El proyecto psi-cosocial original no contemplaba el uso de metodologías activas a través del arte. Sin embargo, se evaluó como un aporte la posibilidad de incorporar actividades basadas en arte, en especial en la fase inicial del proyecto.

Así se desarrollaron unas jornadas de encuentro comu-nitario con diversas organizaciones sociales de adultos mayores del territorio. Se hicieron primero actividades de autocuidado mediante ejercicios de conciencia corpo-ral y relajación por medio de ejercicios también basados en arte, para luego abordar colectivamente temáticas de historia local que representaran espacios colectivos de recreación o prácticas tradicionales y que pudieran ser transmitidas de generación en generación desde la pers-pectiva de talleres de memoria colectiva.

Dos temas emergieron como propuesta: juegos y memo-rias de infancia y mapas de celebraciones y barrio. De este modo, en esta última actividad se invitó a crear con mate-riales de reciclaje una maqueta que representara un mapa de celebraciones y barrio en su comunidad. Sobre un so-porte colectivo el grupo de adultos mayores se coordinó para trazar un mapa de su territorio, así como para identi-ficar lugares significativos y recrear la vida cotidiana tanto presente como pasada. Temas vinculados a los límites te-rritoriales, la historia de sobreviviencia y resiliencia de los primeros habitantes emergieron naturalmente por medio

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de un intercambio de experiencias, en un contexto lúdico que permitía la recreación y representación de la memoria colectiva del barrio.

Durante el proceso observé que una adulta mayor lloraba en silencio mientras el grupo continuaba creando en for-ma colectiva. Al acercarme a ella y preguntar qué le hacía sentir así, me explicó que hizo una pequeña intervención en el mapa, un monolito que existía en su barrio. Ese mo-numento recordaba a unos vecinos que fueron secuestra-dos y desaparecidos durante la dictadura militar chilena. La acompañé y fui testigo de su dolor; luego la invité a compartir esta experiencia con todo el grupo, todos la es-cucharon en silencio. Esta actividad me condujo a reflexio-nar respecto de la profundidad que metodologías como las cartografías sociales basadas en arte pueden tener como recursos de apoyo y acompañamiento psicosocial. En este ejemplo enfatizo cómo favorecen la reflexividad sobre el pasado, subrayando el trabajo elaborativo de los hitos de memoria colectiva presentes en los territorios. Una oportunidad para continuar procesando colectiva y cotidianamente la historia traumática de nuestro país.

En suma, la acción conjunta de estos mapas colectivos permite la elaboración de narrativas que surgen de la vida cotidiana de las personas. En su creación se nombran aquellas historias y experiencias no oficiales, no dominan-tes o no estigmatizadoras. Se trata de formas de subjeti-vación y agenciamiento social en el sentido planteado por la micropolítica (Rolnik y Guattari, 2006). El arteterapeuta, dada su formación interdisciplinaria, que articula educa-ción artística, manejo de dinámicas y procesos grupales con el arte, puede cumplir un rol importante de apoyo, acompañamiento y facilitación creativa que favorezcan los diálogos y el intercambio social, formas sensibles de reparación del tejido social de un arteterapia desde y con la comunidad. ■

BIBLIOGRAFÍABarbosa, A. M. (2013). No Title. Santiago de Chile. Recuperado de http://portal.unesco.org/geography/es/ev.php-URL_ID=16675&URL_DO=DO_TOPIC&URL_SECTION=201.htmlCabrera, R. (2001). El yo de la educación artística (una visión curricular). UNESCO Courier. UNESCO.Cane Detre, K. et al. (1983). Roots of Art Therapy: Margaret Naumburg (1890-1983) and Florence Cane (1882-1952). A Family Portrait. American Journal of Art Therapy, 22 (4), pp. 111-123.Eissner, E. (2004). El arte y la creación de la mente. El papel de las artes visuales en la transformación de la conciencia. Buenos Aires: Paidós Educación.Fundación Victorian para la Promoción de la Salud y La Universidad de Mel-bourne. (2004). Organizanización Mundial de la Salud.Promoción de la Salud Mental. Recuperado de http://www.who.int/mental_health/evidence/pro-mocion_de_la_salud_mental.pdfKapitan, L. (2011). El testigo creativo. En Marinovic, M. y Reyes, P. (eds.), Ar-teterapia, reflexiones y experiencias para un campo profesional, Santiago de Chile: Edit. Teoría e Historia del Arte, Fac. Artes. U de Chile. Kaplan, F. (ed.) (2007). Art Therapy and Social Action. London: Jessica Kingsley Publishers.López Fernandez Cao, M. (2011). De la función estética y pedagógica a la fun-ción social y terapéutica (Arteterapia). En Engeli, G., Cruz, M. Á. C. y Cámbara, A. E. L. (eds.), Arte, intervención y acción social: la creatividad transformadora (pp. 69-97), Madrid: Editorial Grupo 5.Menin, O. (1998). El ensayo de “escuela serena” realizado por las hermanas Cossettini en la República Argentina. Revista Da Faculdade de Educação, 24 (1), pp. 160-176, http://doi.org/10.1590/S0102-25551998000100011MINSAL (2015). Orientaciones Técnicas Municipios, Comunas y Comunidades Salu-dables. Chile: Ministerio de Salud. Reyes, P. (2011). Arteterapia: nociones preliminares. Revista Galería Psicoló-gica. Universidad Sto. Tomás. Sede Puerto Montt (acreditada). Año 5, Nº 5, Noviembre. Recuperado de https://es.scribd.com/document/360387703/introduccion-ArteterapiaReyes, P. (2014). ATOL : A rt T herapy O n L ine. ATOL: Art Therapy Online, 5 (1), pp. 1-26.Reyes, P. (2018). II Coloquio Artes para la Inclusión y la transformación so-cial. Arte, identidad y comunidad en el contexto de la discapacidad. Recu-perado de https://www.arteterapiachile.cl/single-post/2018/11/01/BOLET%C3%8DN---20Rolnik, S. y Guattari, F. (2006). Micropolítica. Cartografias del deseo. Madrid: Edit. Traficantes de Sueños.

Una interesante reformulación del paradigma autoexpresivo es la visión que ha ofrecido la educación por el arte en el contexto latinoamericano. Para esta, el arte es un medio de desarrollo humano

donde se fomenta la expresión creativa, y la expresión de este impulso creativo ofrece

un beneficio terapéutico.

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Arteterapia: ampliando o olhar para a arte, através da análise

semiótica da imagemPara a arte, o que está na alma toma forma, se con-verte em uma realidade visível; pela arte, a realida-de visível, até então exclusivamente física, toma um sentido humano, adquire una alma. Maravilhoso e fecundo intercambio onde nasce uma terceira reali-dade, que é simultaneamente o homem e o mundo, que participa de ambos e os une, levando-os ao mes-mo tempo ao grau superior da existência, o da beleza (Huyche, 1986: 40-41).

Resumo

A Arte e sua expressão plástica levam à subjetividade humana encontrar um canal para materializar aspec-tos interiorizados da personalidade. Identificando essa dinâmica, a análise semiótica demonstra a possibilida-de de ampliação do olhar do terapeuta para a imagem e seus recursos subjetivos. A Arte possibilita o encontro do paciente com sua subjetividade, onde as produções expressivas são protagonistas do trabalho terapêutico, proposta da Arte como terapia: a Arteterapia.

Palavras chaves: arte, subjetividade, imagem, artetera-pia e análise semiótica.

Origem e tema da investigação

Recentemente, defendi minha Tese de Doutorado na Fa-culdade de Psicologia e Psicopedagogia da Universidad del Salvador (USAL), Buenos Aires, Argentina, cujo título foi “Estudio sobre el arte aplicado al ámbito psicotera-ámbito psicotera- psicotera-péutico: la subjetividad a través de las imágenes”.

Ao longo do processo de elaboração da mesma, várias questões e possibilidades de pesquisas foram surgindo, transformando-a num grande desafio acadêmico e tem-

poral. Como objetivo principal, escolhi a subjetividade re-velada através da imagem e como ela se manifestaria ao longo dos períodos da História da Arte.

Minha ideia original seria percorrer a linha do tempo em cada período, verificando como os artistas utilizavam, inconscientemente, as suas expressões plásticas como um relato imagético de sua subjetividade, por meio de distintas manifestações, atravessando o contexto socio-cultural de cada época, na qual o mesmo encontrava-se inserido.

O tema mostrava-se apaixonante e desafiador, mas iria requerer muita dedicação e, principalmente, tempo, o que eu não tinha à minha disposição. Então, um corte temporal fez-se necessário, com a escolha de somente dois períodos distintos, marcantes do início de uma nova era na Arte: o Renascimento e a Arte Moderna.

A partir daí, foram necessárias outras duas novas esco-lhas: a de um artista representante para cada momento histórico e a eleição de uma obra de cada um. E, assim, consegui realizar a delimitação tão necessária.

Evelyn Carrano1

1. Doctora en Psicología Clínica (USAL-AR). Psicóloga (CRP 05/8017). Arteterapeuta (AARJ/10). Arte Educadora. Posgrado con especialización en Psicoterapia Junguiana y el Imaginario (PUC-RJ), Terapia de Familia (AVM-RJ) y Arteterapia en la Salud y la Educación (UNIRIO). Curso de maestría en el área de Psicología Social y de la Personalidad (FGV-RJ).

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ad Representando o primeiro período histórico, nada me-lhor do que o grande artista do renascimento europeu, Miguel Ángel di Lodovico Buonarroti Simoni, gênio da escultura, da arquitetura, da pintura e ativista das pro-fundas mudanças que o olhar da arte sofreu para o ho-mem e para a religião através de sua habilidade artística e criatividade, sem se deixar subjugar pelos ditames do Papa Julio II.

E, na escolha do segundo movimento, optei por um pe-ríodo não menos importante: a Arte Moderna, com o Ex-pressionismo, que somente encontraria força expressiva no Brasil depois de 1922, e onde, até então, os ditames de uma sociedade elitista e tradicional rejeitava esse novo movimento.

Assim, a artista brasileira, Anita Katerina Malfatti, uma das pioneiras e representantes do Movimento Moder-nista no Brasil no início do Século XX, foi selecionada. Ela, bem como todos os artistas desse período, pretendia fa-zer uma desconstrução dos arcaicos conceitos acadêmi-cos da arte realista.

Desta maneira, a escolha de uma obra de cada artista foi acontecendo aos poucos, na medida em que eram feitos os estudos sobre a vida e a obra de cada um. A pintura, “A Criação do Sol e da Lua”, no teto da Capela Sistina, magis-tralmente elaborada por Miguel Ángel Buonarroti, repre-sentante do Renascimento, foi a eleita para estudo, jus-tamente por sua importância naquele momento histórico.

Já, com relação à obra de Anita Katerina Malfatti, “Rítmo (Torso)”, a escolha ocorreu por ser uma obra represen-tante de um período muito importante na vida da artista, à qual ela mesma se referia como sendo de grande valor e inspiração para a sua carreira.

Assim, selecionadas as obras, o próximo passo seria a obrigação de esquadrinhar o respaldo teórico sobre a subjetividade humana com uma teoria consistente, orientando-me a percorrer caminhos que se abririam para adentrar pelo viés da Psicologia Analítica de C. G. Jung, que eu já vinha percorrendo desde que conheci a Arteteapia, há 25 anos.

Então, a relação com a arte e a interpretação da imagem descortinou-se como um novo desafio a ser vencido. Procurava encontrar por algo através do viés da arte, e não da Psicologia, pois a Arteterapia não é um saber restrito somente a um grupo da Psicoterapia, mas para todas as pessoas que desejam mergulhar no mundo subjetivo das emoções humanas através da expressão artística e/ou das artes visuais.

E, naquele momento, a análise semiótica foi-me apresen-tada por minha Diretora de Tese brasileira, formada em Comunicação e Arteterapeuta, Doutora Mariana Alcân-tara, como ferramenta necessária para que eu pudesse avançar em meus estudos. Daí em diante, um enorme obstáculo descortinou-se com a pergunta: mas afinal, o que é, e como se faz, a análise semiótica da imagem?

Algumas pessoas tentaram explicar-me, e, cada vez mais, eu ficava assustada. Parecia algo impossível de se enten-der. Quanto mais eu lia menos entendia. Até que, em de-terminado momento, encontrei nas redes sociais uma es-tudiosa do assunto, a Professora Doutora Lucia Santaella. Após adquirir, ler e reler diversas vezes seu livro, “Semió-tica Aplicada”, passei a compreender o assunto, sentindo--me capacitada para fazer a análise das obras escolhidas.

Assim, o mais gratificante foi perceber que o imenso desa-fio passou a ser visto por mim como um grande e valioso instrumento de análise das imagens, tornando-se um po-deroso meio condutor e orientador na observação delas.

Abriu-se, portanto, uma preciosa janela de possibilida-des para que o processo criativo da arte encontrasse na análise semiótica o instrumento auxiliar para a elabora-ção de análise das imagens. Em consequência, sob uma nova ótica, e com a abordagem da Arteterapia, acreditei que os terapeutas poderiam fazer uso dela.Neste con-texto, a análise semiótica tornou-se, a partir de um novo enfoque observacional, uma boa estratégia para priorizar aspectos específicos da obra, integrando diversos saberes sob a perspectiva da fenomenologia e da percepção, tão estudados por seu criador, Charles Sanders Pierce (1839-1914).

Após vasta pesquisa bibliográfica, pude notar que existem pontos importantes no processo de observação da ima-gem, que a Análise Semiótica aborda de uma forma direta, específica e detalhada, fazendo, de imediato, um convi-te ao terapeuta e ao paciente a adentrarem na imagem, impregnando-se por seus elementos visuais, para, então, poderem modificar suas posturas de observação inicial.

A Historia da Arte revelou-se como um rico cenario de conteudos e expressoes do

imaginario social, reflexos da subjetividade, e passiveis de serem estudados como um registro imagetico das emocoes humanas

atraves de seu relato historico.

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Ao sugerir aos mesmos: “abrir os poros do olhar”, termo usado por Santaella em seu livro, significaria conduzir o processo de observação e compreensão da imagem por uma via mais específica, confluindo os interesses mais su-perficiais despertados.

Durante todo o processo de estudos do apaixonante tema por mim escolhido, foi fundamental fazer as devidas re-lações entre a Arte, a Psicología Analítica e a Arteterapia, como possibilidades de união entre os conteúdos teóricos que deveriam ser debatidos durante o atendimento em Arteterapia, tornando possível estabelecer-se um espaço criativo por onde fluíssem os mais inusitados caminhos da subjetividade humana através da imagem.

A Historia da Arte revelou-se como um rico cenario de conteudos e expressoes do imaginario social, reflexos da subjetividade, e passiveis de serem estudados como um registro imagetico das emocoes humanas atraves de seu relato historico.

Com a imagem, fiel portadora e autêntico reflexo da sub-jetividade humana, abre-se um canal de comunicação com o inconsciente: o universo subjetivo, onde coexistem as emoções. Através das palavras, este acesso fica mais difícil. Mas, por intermédio das diferentes expressões ar-tísticas, como a arte visual, a música, a dança e o teatro, permite-se que esses conteúdos subjetivos, muitas vezes reprimidos, venham à tona, pois representam uma porta de acesso ao mundo interior das emoções.

Partindo-se dessa premissa, a tese destacou a subjeti-vidade inerente à cada uma das obras selecionadas, em todos os seus aspectos específicos. Neste artigo, porém, apresentar-se-á tão somente uma breve análise semiótica da obra de Miguel Ángel Buonar-roti, por exiguidade de espaço e falta de tempo.

Análise semiótica da imagem, na obra de Miguel Ángel Buonarroti

Para a semiótica, o Signo é um representamen, ou seja, aquele que está em lugar de outro, podendo ser um ob-jeto por ele representado. No caso da obra de arte, pode ser um objeto físico ou uma situação imaginária. Porém, é fundamental entender que a imagem já traz em sí conte- já traz em sí conte-sí conte-údos passiveis de serem interpretados, mas que necessi-tam de um intérprete para que a análise se realize.

Análise semiótica e os efeitos interpretativos

Seguindo por esse caminho, é primordial entender alguns conceitos semióticos, como o de interpretante, que é o

efeito que o Signo pode provocar em uma mente intérpre-te. Esse efeito tem três níveis de realização que a obra nos apresenta, prontos para serem analisados, a saber:1) O interpretante imediato (abstrato) – Primeiridade – os Quali-signos, ou seja, suas qualidades. São os elementos visuais básicos: suas cores, linhas, formas, ritmo, movi-mento, contrastes, texturas, superfície, luzes, sombras e etc.2) O interpretante dinâmico (efeitos) – Secundidade - o Sin-signo. Ou seja, atentar para o que a imagem está co-municando, e para aos indícios e pistas dessa comunica-ção.3) O interpretante final - Terceiridade - o Leg-signo. Que apresenta um apelo mais amplo, mais geral, conectando--se ao Símbolo, e que, por sua vez, está relacionado com os elementos culturais e que, por convenção, são incorpo-rados pela pintura.

Miguel Ángel: uma semiótica da beleza e vigor

Quando se faz a análise semiótica de uma imagem, é importante ter-se em mente que se trata de uma cópia e não da obra original, como desejável. Pela simples tro-ca do suporte original por uma fotografia, alguns Quali--signos são perdidos, tais como a textura, o gesto e a dimensão, diretamente relacionados com a escolha e a postura do artista perante a execução de sua criação,

Para a semiotica, o Signo e um representamen, ou seja, aquele que esta

em lugar de outro, podendo ser um objeto por ele representado. No caso da obra de

arte, pode ser um objeto fisico ou uma situacao imaginaria.

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ad como na reprodução da obra “A Criação do Sol e da Lua”, de Miguel Ángel Buonarroti, um afresco, pintado de for-ma magnífica no teto da Capela Sistina. No nível do interpretante imediato, que se refere à primeira fase da experiência fenomenológica, a imagem convida o intérprete a submergir na obra através da percepção, deixando-se contagiar pelos elementos visuais dela. Segundo Santaella, ele precisará ter uma “disponibi-lidade contemplativa, deixar aberto os poros do olhar; com singeleza e candidez, impregnar-se das cores, li-nhas, superfícies, formas, luzes, complementaridades e contrastes; demorar-se tanto quanto possível sob o domínio do puro sensível” (Santaella, 2016: 86).

O Signo já traz consigo um potencial interpretativo que lhe é inerente, particular e abstrato, independendo da presença ou da atuação do intérprete para que ele se realize. Estas são as suas características qualitativas, ou seja, seus Quali-signos, encontrados na obra de Mi-guel Ángel Buonarroti, “A Criação do Sol e da Lua”.

No nível do interpretante dinâmico, referentes à Se-cundidade, são os Sin-signos e os efeitos que o Signo vai causar num possível intérprete, atuando quando este é colocado perante o Signo. Esses efeitos subdi-videm-se em três tipos, a saber: o efeito emocional, o efeito energético e o efeito lógico. Sua ocorrência acontece no momento em que o processo de interpre-tação é iniciado, ou seja, com a presença de um intér-prete e de seus recursos intelectivos.

Efeitos interpretativos da obra “A Criação do Sol e da Lua”

A pintura finalizada tem um efeito e atuação comuni-cativa para que a análise semiótica possa acontecer. Assim, é importante relembrar que estamos diante de um Sin-signo, relativo à classe de pinturas em afres-cos do período histórico do Alto Renascimento, ela-borado por Miguel Ángel no teto, e não na parede da Capela Sistina.

O efeito emocional, como Quali-signo, refere-se às qualidades emocionais e de sentimentos que o Signo vai provocar no intérprete através de seus elementos visuais e compositivos.

Dando prosseguimento à analise semiótica, perce-bemos como o Signo atua agora num outro nível, o do interpretante dinâmico energético, referindo-se à energia da ação contida no mesmo, elaborada de uma forma sutil por Miguel Ángel Buonarroti, e gerando uma certa reação no intérprete, que pode ser tanto fí-

sica quanto afetiva, provocando um esforço intelectual do mesmo, como um convite a entrar na imagem.Assim, o efeito energético, refere-se à energia da ação, ao Sin-signo. Destacando: Deus continua a criar o mundo; agora executando a criação do Sol e da Lua.

Nesta obra, o Sin-signo vai sugerir vários indícios que podem ser analisados nos mais diferentes aspectos. Sutilmente, Miguel Ángel Buonarroti transfere alguns de seus sentimentos para a sua obra, onde traços fa-ciais da figura principal, representante de Deus, parece ser porta voz de sentimentos e atitudes repletos de fúria, pois seu rosto aparece endurecido e severo.

Outra comunicação subjetiva presente nesta obra, são as duas figuras representativas de Deus que apare-cem em dois momentos, na mesma imagem. A maior, representando Deus em pleno poder de sua criação, com a face austera. E, a segunda, em tamanho menor e descentralizado, dando a entender que, ao terminar sua obra, Deus vira-se de costas e parte, deixando duas partes íntimas desnudas.

As duas figuras poderiam estar expressando atitudes que o próprio Miguel Ángel Buonarroti gostaria de ter, pois sua relação com o Papa Julio II estava cada dia mais complicada. Tudo que Miguel Ángel Buonarro-ti gostaria era terminar sua obra na Capela Sistina, e partir.

O efeito lógico, o Legi-signo, refere-se ao Símbolo e seu poder de representação dos Signos. Neste efeito, o Símbolo adquire uma nova configuração na mente do intérprete. Agora, ele vai precisar generalizar, transfor-mando e configurando o Signo em classes mais gerais. Neste nível, não são mais só as qualidades e os indí-cios que importam, mas a busca pelo simbólico em classes mais gerais.

O símbolo também se refere aos elementos cultu-rais, às convenções da época que a pintura incorpo-

Para a semiotica, o Signo e um representamen, ou seja, aquele que esta

em lugar de outro, podendo ser um objeto por ele representado. No caso da obra de

arte, pode ser um objeto fisico ou uma situacao imaginaria.

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ra. Sem dúvida, é preciso lembrar que os elementos culturais e as convenções só funcionam simboli-camente para um interpretante. Dependendo do tipo de intérprete, dependendo especialmente do repertorio cultural que o intérprete internalizou, al-guns significados simbólicos se atualizarão, outros não (Santaella, 2016: 93).

Nesta obra, é importante considerar que se trata de um afresco com características e moldes pictóricos relativos ao Alto Renascimento, onde Miguel Ángel Buonarroti foi seu grande mestre, e o representa ma-gistralmente. Assim, ao pintar esta obra, traços gestu-ais singulares o individualizam, tornando sua pintura única, plena de conteúdos cromáticos e expressivos, que acabam por caracterizá-la, tornando-a completa-mente diferente de outra, mesmo que o artista siga os mesmos parâmetros de uma obra renascentista.

O interpretante final e seu efeito lógico acabam por ficar em aberto, pois ele refere-se a um devir, a todo tipo de interpretação que ainda está por vir, ligado ao futuro.

Neste nível, o Signo é interpretado seguindo as dire-ções de uma regra onde o intérprete já possui alguma compreensão, ou seja, já processou intelectualmente. Tem a ver com a sua experiência cultural, com seus co-nhecimentos de História da Arte e conhecimentos da Gênese. No nível do interpretante lógico, esta obra foi criada para ser vista e pensada em sua relação com o Clero, com a Igreja Católica e com os conceitos reli-giosos da época em que foi elaborada: o Alto Renasci-mento.

Miguel Ángel Buonarroti, La Creación del Sol y de la Luna. Capilla Six-tina, 1508-1512.Fuente: Colección Hoja-Grande Maestros de la Pintura, v. 9 pp. 68-69.

BIBLIOGRAFÍAFaria, Eveline Pereira Carrano de. (2019). Estudio sobre el arte aplicado al ámbito psicoterapéutico: la subjetividad a través de las imágenes. Tese de Doutorado em Psicologia. Universidad Del Salvador (USAL).Huyghe, R. (1986). El Poder de la magen. San Paulo: Martins Fontes. Santaella, Lucia, (2016). Semiótica Aplicada. São Paulo: Thomson Learning.

Conclusão

Ao deter-se perante a imagem, produzida num con-texto terapêutico, é necessário observar, com espe-cial atenção, os elementos subjetivos nela contidos. Somente assim, esses conteúdos manifestam-se, tornando-se perceptíveis ao olhar atento, tanto do paciente como do arteterapeuta.

Como proposta, a Psicoterapia aproxima-se cada vez mais dessa expressão milenar e tão comum ao ser humano, que é a Arte. E, através dela, a imagem apre-senta-se, com o passar dos tempos, como uma nar-rativa viva da história da subjetividade humana, não representando somente o social que ela contém, mas o artista que a retrata e que, logo depois, passa a ser o observador dela.

Assim, tanto os terapeutas como os pacientes podem usar, como indícios, linguagens da Arte retratadas em suas criações, através das cores, das linhas, dos mo-vimentos, dos contrastes, do ritmo, do claro e escuro, e etc., buscando pistas a serem seguidas, para, final-mente, encontrar nas imagens seus conteúdos sim-bólicos.

Há que chegar, então, a conclusão de que a arte, mesmo que sofra a influência daquele que a pro-duz e daquele que a circunda, constitue, apesar de todo, um mundo a parte; e este mundo tem leis próprias às que obedece: são irredutíveis. No con-certo das manifestações humanas a arte á como um instrumento que não se pode separar dos de-mais; apesar de tudo, tem seu papel próprio na or-questra: não só tem a partitura que o corresponde, senão também seus efeitos. Ainda mais: tem sua estrutura original; obedece a suas regras autôno-mas (Huyche, 1986: 23-24). ■

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os Muestra de arteterapia de pacientes con ELA

El 20 de junio de 2019 se realizó una Muestra de Artetera-pia organizada por Magui Pizarro, participante del Taller de Arteterapia de la Asociación ELA Argentina.

El evento, que se llamó “Levantemos la bandera de la ELA”, tuvo como objetivo dar visibilidad a la enfermedad. Se rea-lizó en el espacio multicultural de Mar de Ajó (Provincia de Buenos Aires, Argentina) y contó con el apoyo de la Muni-cipalidad de la Costa. Le pedimos a Magui que nos contara su historia y el proceso de diagnóstico de su enfermedad:

Soy Magui, tengo 47 años, docente de nivel inicial (maestra jardinera) y preceptora de escuela secunda-ria. Hace dos años me diagnosticaron ELA, esclerosis lateral amiotrófica, una enfermedad degenerativa que actúa sobre los músculos voluntarios del cuerpo. Estos dejan de realizar movimientos tales como ca-minar, abrazar, comer.

A partir de ese momento comenzó la búsqueda de lo posible, de lo que podía hacer. Entonces inicié un taller de arteterapia sin poder tomar el pincel. Un día empecé a realizar trazos más definidos. En la actua-lidad pinto, dibujo y creo mujeres que, como yo, es-tán llenas de color, que aman la vida. Estas mujeres no solamente están en mis cuadros, sino también en cuadernos, en láminas y en otros objetos. Por eso, te invito a que también le encuentres color a tu vida.

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Te contamos

Hacía tiempo que tenía la idea de organizar algo que permitiera a las personas conocer más acerca de la ELA. Un día cualquiera, en el mes de abril, le envié un mensaje por Instagram a Cristian Cardozo, secretario de Relaciones Institucionales del Partido de la Costa. Él me contestó inmediatamente. Luego de intercam-biar algunos mensajes, Cristian me visitó en mi hogar, en San Bernardo, Provincia de Buenos Aires. Ese día le conté mi historia y también le expliqué qué es la esclerosis lateral amiotrófica, una enfermedad que él, como muchas otras personas, desconocía.

También hablamos acerca del arteterapia y de todo lo que generó en mí acercarme al arte para expresar mis sentimientos. Entonces me ofreció todo lo que estu-viera a su alcance para realizar esta exposición y en ella brindar una charla informativa para dar a conocer la ELA. Así fue como me brindó el espacio Multicul-tural de Mar de Ajó, se encargó de gran parte de la difusión del evento e imprimió folletos explicativos para los presentes, diseñados por la Asociación ELA Argentina. La asociación también me apoyó y acom-pañó. Me brindó videos informativos sobre los aspec-tos neurológicos y los derechos de las personas con ELA, a cargo del Dr. Osvaldo Genovese y de la Dra. Eli-zabeth Aimar, asesores de la asociación.

Nuestra arteterapeuta, Viviana Faierman, estuvo pre-sente en el evento, ayudando con la organización y brindando una charla en la que habló sobre el arte-terapia y sobre nuestro taller. María del Carmen Car-bia, que también transita la ELA, y yo dimos nuestros testimonios y compartimos con los presentes nuestra experiencia.

Este evento superó ampliamente mis expectativas, no solo por la cantidad de personas que concurrie-ron, sino también por la admiración que generó en los presentes. Las personas que asistieron se sorpren-dieron al ver que a pesar de la adversidad, a pesar de no caminar ni mover los brazos, a pesar de tener un diagnóstico que no tiene cura, a pesar de que no existe tratamiento que frene a la ELA, a pesar de todo, podíamos crear pinturas llenas de alegría, de color, de esperanza.

En el evento María del Carmen y yo hablamos de la ELA, hablamos del arte, hablamos de la vida. Me queda la sensación irrefrenable de que todos los que asistie-ron, que fueron muchos más de 100, tal vez 200 –que desconocían la enfermedad o tenían algún familiar que la estaba transitando– se fueron con información, y además con un mensaje lleno de esperanza. Un men-saje que dice que en el tránsito de una enfermedad se puede ser feliz a pesar de todo, y que el arte, como ninguna otra cosa en el mundo, sana el alma.

Luego nos contó cómo fue el proceso de gestación de la muestra que organizó:

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Cuando pensé en esta charla…

Cuando imaginé este momento de hablar de una en-fermedad de la que poco se conoce…

Quiero hablar y hacer visible lo invisible.

Sabía que iba a hablar con personas sanas, personas que desconocen la ELA, como la desconocía yo antes de que me diagnosticaran. Entonces pensé en que no estoy capacitada para dar argumentación cientí-fica de cómo se produce, y ni siquiera para dar con-sejos o decir qué se puede hacer cuando la transitan.

La única certeza que tengo, que tenía, era que que-ría que se conociera y que en ese conocimiento de una enfermedad rara, que cada día deja de ser rara porque somos cada vez más los que la transitamos, pensé en hablar de algo que tuviéramos en común tanto las personas que transitamos una enfermedad y las que tienen una discapacidad, como las perso-nas que caminan, las que abrazan, las escriben, las que trabajan con pacientes. Y descubrí que hay algo que tenemos en común y que son los sueños. Los sueños nos conectan entre todos.

Cuando yo recibí el diagnóstico pensé que habían cortado mi cadena de sueños, que con una tijera ha-bían cortado mi vida. Pero me equivoqué, de a poco, así como fui perdiendo la capacidad de poder levan-tar los brazos, la capacidad de poder abrazar, de po-der caminar, fui encontrando también otros sueños, distintos pero comunes. Y fue entonces que descubrí que se puede ser feliz, que la felicidad no está en el cuerpo, tampoco está en el alma; está en la cabeza.

Una ventaja y una desventaja que tiene la ELA: con-

servamos la lucidez y somos conscientes de todo lo que perdemos y lo que perderemos en ese camino. La alternativa es aceptar la muerte, que en algún momento a todos nos tocará. Pero con la ELA parece que se zarandea en nuestras narices. Creo que el día que perdí el miedo a la muerte, encontré la fe en la vida, y trabajé para poder tener no la cura, eso se lo dejo a los científicos, sino el bienestar. El bienestar como un estado permanente, el bienestar como una prioridad en mi vida. Y para ese bienestar necesita-ba de los cuidados de otros, y permitir que otros me cuidaran. Pero a la vez me encontré con un mundo distinto, que tenía una manera distinta de vivir.

La ELA está considerada por la Organización Mun-dial de la Salud como una de las enfermedades más crueles que existe. Y es verdad. Pero lo que nadie nos dice es todo lo que podemos hacer mientras tanto.

Creo que estar quietos no representa estar inactivos. Estar quietos nos da tiempo, tiempo para ver lo in-visible, tiempo para sentir lo imperceptible, tiempo para escuchar, tiempo para decidir.

¿Cuántas veces decidimos qué hacer con nuestro tiem-po, con el tiempo que nos queda?¿Cuáles son las prioridades?La ELA no es mi amiga, ni mi enemiga.Ni un castigo, ni mi responsabilidad.Es una enfermedad que atraviesa mi cuerpo.Necesitamos que se investigue y se encuentre la cura para que nadie más la transite. Ustedes, hoy, acá, con nosotras, están haciendo algo enorme.

Gracias por visibilizar la ELA. Gracias por acompañar-me a levantar la bandera de la ELA.

Magui también nos compartió el texto que escribió y leyó en el evento:

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De libros y autores

En las primeras páginas del libro, Kramer reconoce que cuando comenzó a trabajar con niños de la Es-cuela Wiltwyck en 1950, la terapia a través del arte era un terreno sin explorar y, excepto por el trabajo pionero de Margaret Naumburg, no existía bibliografía al respecto.1

El arte es, para la autora, un método para ampliar el alcance de las experiencias humanas mediante la creación de equivalentes a ellas. Los trabajos artísti-cos tienen lugar en un mundo artificial de símbolos y convenciones, de modo que las experiencias pueden ser elegidas, variadas y repetidas a voluntad. Y el ras-go más característico del arte es que produce placer, derivado esencialmente de fuentes inconscientes.

Para Kramer, la sublimación que está presente en el arte es un importante mecanismo por el cual un pri-mitivo impulso antisocial es transformado en un acto socialmente productivo. En palabras de la autora: “hay sublimación cada vez que la conducta instintiva es reemplazada por un acto social, de tal manera que ese cambio se experimenta como un triunfo del yo”, y esto se logra sin despertar ansiedad en el mundo interno ni hostilidad en el mundo exterior. Este me-canismo es tan importante para Kramer que afirma

que los niños que han sido privados de las experien-cias que conducen a la sublimación tienen trastornos dolorosos y parecidos a aquellos que resultan de las frustraciones de las satisfacciones instintivas.

Kramer afirma que la mayoría de las personas son artistas en algún grado y que el período comprendi-do entre los 6 y los 12 años es en especial apropia-do para la expresión estética con instrumentos como la arcilla y la pintura. También es una etapa en la que los mecanismos de defensa y la represión no están firmemente establecidos y el principio de realidad no impera sobre el principio del placer.

El programa de terapia a través del arte desarrollado por la artista en la escuela mencionada contemplaba el trabajo con cada niño en particular y con la comu-nidad en su conjunto. Luego de las horas de escuela, los niños podían optar por varias actividades, entre las que se encontraba el arte. Como la creación artística es para Kramer una experiencia privada y un hecho público, las sesiones de arte se realizaban en grupos de entre seis y diez niños. El material de arte estaba compuesto por papel de todos los tamaños, incluido un rollo de papel madera que permitía pintar mura-les de gran tamaño, lápices y anotadores. Los traba-

Terapia a través del arte en una

comunidad infantilEste libro fue escrito por Edith Kramer, pintora y precurso-ra del arteterapia con orientación psicoanalítica en Estados Unidos. Kramer nació en Viena en 1916. Desde los 13 años realizó estudios de dibujo, escultura y pintura con diversos artistas de la Bauhaus, como Friedl Dicker-Brandeis y Jo-hannes Itten. Es autora de este libro y de El arte como tera-pia, ambos de lectura recomendada para los arteterapeutas que comienzan a dar sus primeros pasos en la profesión.

1. La Escuela Wiltwyck es un hogar terapéutico, interracial y no confesional, para niños con perturbaciones de entre 8 y 13 años de Nueva York y sus suburbios. Son derivados allí por jueces de menores e instituciones u hogares sustitutos a los que no se adaptan.

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es jos terminados eran guardados en el aula de arte en carpetas individuales, y los niños tenían la libertad de llevárselos, regalarlos o destruirlos.

La función del terapeuta consiste, para la autora, en evitar que se desarrollen los conflictos intergrupales, la intolerancia, la sobrevaloración de las modas y el consiguiente empobrecimiento del arte. Asimismo, destaca el afectuoso cuidado con el que el terapeuta debe exponer, colgar y preservar las pinturas, lo que demuestra a los niños que sus trabajos son valiosos. Con esta actitud, el terapeuta debe aceptar cualquier pintura que represente un gesto genuino del niño, aunque sea primitivo. El límite lo constituyen las pro-ducciones en las que de manera consciente se exte-rioriza el desprecio, la regresión o las realizadas para dañar o ridiculizar a otro.

Kramer sostiene que la exposición de las pinturas puede ser terapéuticamente significativa y que en el programa se hacía lo posible para satisfacer los de-seos de los niños respecto de la elección de sus pintu-ras, el tiempo que iban a estar expuestas, su ubicación y su agrupamiento. De esta manera, la autoestima de los niños podía ser acrecentada por la exhibición pú-blica de su labor.

En uno de los capítulos, la autora ilustra con ejemplos la constelación que se establece entre los niños, de manera que en un momento pueden coexistir varias tendencias o escuelas pictóricas, como sucede con el arte en general. Un caso ilustra hasta qué punto el éxito del niño artista depende de las semejanzas que haya entre su estructura de personalidad y la de su público, mientras que otro caso muestra el trabajo de un niño que es rechazado por elegir un tema que toca los prejuicios del grupo.

De la misma forma, en el capítulo titulado “Reyes, presidiarios y monstruos” analiza obras de niños en las que se reflejan emociones relacionadas con la au-toestima, la delincuencia y la ansiedad. También ana-liza y ejemplifica con casos el proceso de aprendizaje implicado en la terapia a través del arte, lo que la lleva a analizar conceptos como el éxito y el crecimiento, la percepción y la aptitud, las aspiraciones y la acepta-ción de sí, la continuidad y el desarrollo.

Como la vida en la Escuela Wiltwyck se caracteriza-ba por una agresión ubicua e indiferenciada, la auto-ra estudia en detalle, y con abundantes ejemplos, la posibilidad que proporciona el arte para canalizar la conducta agresiva. Al finalizar este capítulo, expresa

que el tema o el contenido emocional de la pintura no sirven por sí solos como criterio de evaluación y que la situación integral del niño determinará el significado de cada pintura. Destaca también que el estado aní-mico del niño durante las sesiones, su aproximación al material y la calidad formal de la obra son elementos a tener en cuenta. En cuanto al estado anímico, distin-gue entre el regocijo que acompaña al acto creador, la hostilidad de una regresión y el nerviosismo que suele seguir a un avance contra una resistencia interna.

En síntesis, este libro que se encuentra firmemente encuadrado en la teoría psicoanalítica, describe en sus páginas los pasos graduales que dan los niños por medio del arte para alcanzar un saludable desarrollo y consolidación yoicos. Concluimos con las palabras plasmadas por la autora en el prefacio: “La gran re-ceptividad para las artes por parte de los niños y prea-dolescentes como los que pintaban en Wiltwyck sigue intacta. La necesidad de programas de terapia a través del arte es tan urgente hoy como lo era en 1958”. ■

Terapia a través del arte en una comunidad infantil Edith KramerBuenos Aires: Kapelusz, 1982Cantidad de páginas: 174ISBN: 950-13-6857-2

El arte es, para la autora, un método para ampliar el alcance de las experiencias

humanas mediante la creación de equivalentes a ellas. Y el rasgo más

característico del arte es que produce placer, derivado esencialmente de fuentes

inconscientes.

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Experiencias profesionales contadas en primera persona

Destinamos este espacio a visibilizar algunos de los ámbitos en donde pueden desempeñarse los arteterapeutas graduados en instituciones nacionales y extranjeras. Por eso convocamos a profesionales con trayectoria y a jóvenes graduados para que nos cuenten sus formaciones curriculares, su ámbito de desarrollo profesional y en qué consiste su trabajo arteterapéutico. Les presentamos algunas historias más de la ciudad de Rosario, Argentina.

Formación e instituciones

• Licenciada en Psicología (Universidad de La Plata, Unidad Académica Rosario, Argentina).

• Arteterapeuta (CentrArT, Centro de Arteterapia, sede Rosario, Argentina).

Escuela de Formación en Arteterapia (Metáfora, Centre d’ Estudis d’Art i Artterápia, Barcelona, España).Fotógrafa Experimental (Escuela Municipal de Artes

Plásticas “Manuel Musto”, Rosario, Argentina).

• Ámbito donde se desempeña como artetera-peuta

• “Laboratorio de Arteterapia”, Espacio de Experi-mentación Creativa: Seminario Introductorio de Formación en Arteterapia y talleres vivenciales.

• Centro de día “Identitas” para problemáticas de la conducta alimentaria. Red Psicoterapéutica: Taller de Arteterapia.

• Centro de día “Los Puentes” para problemáticas severas, Red Psicoterapéutica: Taller de Capacita-ción Psicológica desde el Arteterapia.

• Centro de día “Vitae”, Tratamiento en adicciones.

Red Psicoterapéutica: Taller de Arteterapia.• Arteterapia individual en consultorio particular y

a domicilio.

Descripción de la tarea

Me desempeño como psicóloga arteterapeuta en clínica individual, soy coordinadora de grupos y tallerista en di-ferentes dispositivos de trabajo para la salud mental de las personas, facilitando recursos creativos y acompa-ñando procesos.

Creo en la apropiación del arte como una potente herra-mienta de autoexploración personal y de transformación social. En mi recorrido experiencial, utilizando esta disci-plina voy vivenciando cómo el lenguaje artístico facilita nuevos modos de comunicación y expresión. que permi-ten visibilizar, crear y transformar el mundo interno y ex-terno de cada persona que atraviesa este proceso creati-vo, tanto a nivel terapéutico como formativo.

Siguiendo ese sentir me animé a co-crear, junto con otras colegas, el “Laboratorio de Arteterapia”, un espacio de experimentación creativa que funciona desde el trabajo colectivo y la autogestión, hace varios años, en la ciudad

Angie Quintana

Creo en la apropiación del arte como una potente herramienta de autoexploración

personal y de transformación social. En mi recorrido experiencial, utilizando esta disciplina voy vivenciando cómo el

lenguaje artístico facilita nuevos modos de comunicación y expresión.

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de Rosario. Facilitamos espacios de talleres vivenciales desde los diversos lenguajes artísticos, y seminarios in-troductorios de formación en arteterapia, “el arte como herramienta de trasformación”, orientados a trabajado-ras/es de la salud y educadores/as, con la intención de que puedan descubrir y sumar el arteterapia como he-rramienta facilitadora, apropiándosela para que circule y se expanda por todos los espacios de autoexploración y sanación personal, juego, experimentación y descubri-mientos, lo cual es muy gratificante.

Tanto en mi trabajo con grupos en el centro de día, indivi-dual en el consultorio, y en los seminarios de formación, aparece el asombro por el descubrimiento del hacer artís-tico como recurso terapéutico, que habilita ese otro modo de expresión y despliegue personal, más ameno, casi es-pontáneo, dejando esa huella visible de lo que se siente adentro y revalorizando lo lúdico como energía de mo-vimiento. Por todo esto es que elijo el arteterapia como guía en este rol de facilitar y acompañar procesos, siem-pre acompañada por la curiosidad y la mirada creativa.


• Psicóloga (Universidad Nacional de Rosario, Ar-gentina).

• Arteterapia Plástica, Seminario “Introducción al Arteterapia Plástica” (90 horas, Asociación Ar-gentina de Arteterapia en Rosario).

• Seminario “Expresión de conflictos en los dibu-jos” (16 horas, Centro de Desarrollos Psicológi-cos de Rosario).

Ámbito donde se desempeña como arteterapeuta

• “Laboratorio de Arteterapia”, Espacio de Experi-mentación Creativa: Seminario Introductorio de

María Belén Cerfoglio

Formación en Arteterapia, Taller Anual de Arte-terapia (grupo terapéutico de adultos), talleres vivenciales.

• Clínica individual (niños, adolescentes, jóvenes, adultos y adultos mayores).

• Creadora de Educación Emocional Artística.


Participo tanto de la gestión como en el dictado del Se-minario de Formación en Arteterapia y de los talleres que se brindan desde el Laboratorio de Arteterapia.

En clínica individual trabajo con niños, adolescentes, jóvenes y adultos mayores desde el enfoque del arte-terapia.

Desde Educación Emocional Artística (que es una fusión de la Educación Emocional con el Arteterapia) brindo capacitación para educadores y talleres para niños. El eje conector de todos estos espacios es el arteterapia. Es un lenguaje que me encanta facilitar porque obser-vo que permite, desde niños hasta los adultos mayo-res, encontrar otra forma de expresar y elaborar lo que sienten y piensan. Asimismo, les permite comunicarse con los demás con una mayor riqueza expresiva y crea-tiva, lo que genera un gran impacto en sus vidas.

No me reconozco sin el arte. Desde niña estuve vincu-lada a él a partir de sus distintas ramas: danza, música, teatro y artes plásticas. Siento al arte como un lenguaje fundamental en mi vida, como mi modo de expresión, me ha acompañado en distintos conflictos de mi vida, haciendo más ameno mi transitar, me da libertad. No concibo mi vida sin el arte. Siempre digo que el arte es mi camino y la psicología el fundamento. Arteterapia es mi pasión.

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No me reconozco sin el arte. Desde niña estuve vinculada a él a partir de sus distintas ramas: danza, música, teatro y artes plásticas. Siento al arte como un lenguaje fundamental en mi vida, como mi modo de expresión, me

ha acompañado en distintos conflictos de mi vida.

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Pamela Parma


• Licenciada en Psicología (Universidad de Buenos Aires).

• Especialista en Psicología del Deporte (Asociación de Psicología del Deporte Argentina, Buenos Aires).

• Arteterapeuta (CentrArT, Centro de Arteterapia sede Rosario).

• • Ajedrecista federada (Federación Argentina deAjedrez) y Docente de ajedrez, nivel primario (Insti-tuto “Bernardo Houssay”, Rosario).

Ámbito donde se desempeña como arteterapeuta

• Laboratorio de Arteterapia, Espacio de Experimen-tación Creativa (Psicóloga arteterapeuta).

• Seminario Introductorio de Arteterapia: “El arte como herramienta de transformación” (co-coordi-nadora).

• “Plumas para volar”. Taller de escritura creativa ar-teterapéutica (coordinadora arteterapeuta).

• “Taller de creatividad para adultxs y adultxs mayo-res” (coordinadora).

• Escuela Interdistrital de Ajedrez Intensivo (Psico-deportóloga y arteterapeuta).

• Consultorio particular (arteterapeuta en sesiones individuales).


Mi trabajo como arteterapeuta se desarrolla principal-mente en el consultorio y en Laboratorio de Arteterapia, espacio co-coordinado con dos excelentes y amorosas colegas que conocí en la formación. Allí generamos dispo-sitivos en los que el arte funcione como una herramienta para autoexplorarnos, abrirnos a la indagación de nues-tros mundos internos, facilitar el diálogo y la comunica-ción de nuestras emociones, sembrando hábitos creativos para nuestra vida y nuestra inteligencia intra e interper-sonal.

Asimismo, coordino talleres destinados a la promoción de la salud mental y emocional de adultos mayores y, por otro lado, asisto a deportistas (en mi caso actual, un equipo de ajedrecistas infanto juveniles de Rosario). En ellos trabaja-mos a través de actividades correspondientes a la Psico-logía deportiva estrictamente pero siempre acudiendo a recursos y consignas de índole arteterapéutico, que acom-pañan de manera positivamente y favorecen de manera vi-sible los procesos grupales.

Mi impronta es 100% lúdica en cada espacio que habito, por lo cual el arte siempre colabora con mi quehacer laboral. De hecho, estoy conectada con él en sus múltiples versiones, desde muy pequeña. Siempre fui aficionada a la música, la danza y la pintura, pero más específicamente a la literatura y al teatro. Y por fortuna de adulta me permití continuar jugando y he podido desarrollarme como escritora amateur, actriz y dramaturga en diferentes talleres.

Siguiendo ese camino, después de mucho tiempo y gracias al apoyo de mis compañeras, este año me animé a unir la psicología, el arteterapia y la literatura, y nació “Plumas para volar“, un espacio de escritura creativa y biblioterapia por demás gratificante y sorprendente. Allí pude aprender mucho de los asistentes y apreciar de nuevo el poder trans-formador del arte y el potencial que brinda a cada persona que se anima a crear sin juzgarse y encuentra en ese acto una posibilidad de hacer algo con su propia angustia, do-lencia o “rollo”, descubrir cuestiones personales y empezar a plasmar una especie de camino destinado a encauzar un trabajo comprometido consigo mismo.

Sin duda, siento al arte como una alternativa indiscutida de bienestar personal (de hecho, ha sido en mi propia ex-periencia un hábito, un sostén y un impulsor en diferentes momentos), a la terapia como una vocación y un camino siempre bienvenido para hacer más sano nuestro paso por este mundo y, en consecuencia, al arteterapia como el fe-liz intersticio entre ambas disciplinas, con todas sus herra-mientas y posibilidades juntas. ■


Sin duda, siento al arte como una alternativa indiscutida de bienestar personal (ha sido en

mi propia experiencia un hábito, un sostén y un impulsor en diferentes momentos), a la terapia como una vocación y un camino siempre bienvenido para hacer más sano

nuestro paso por este mundo.

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Internacionales 2019● 11 al 14 de septiembre

Fifteenth European Arts Therapies ConferenceImagining Windmills. Trust, truth and the unknown in the arts therapies.Imaginando molinos de viento. La Confianza, la verdad y lo desconocido en las Terapias Artísticas.Alcalá de Henares, España.http://www.ecarte.info/conference/

● 27 y 28 de septiembre

Creative Gathering Brisbane Symposium Australian, New Zealand and Asian Creative Arts Therapies Association.Brisbane, Queensland, Australia.https://www.anzacata.org/events

● 3 al 6 de octubre

Arts, Creativity and the Global Crisis: Reimagining Identity, Otherness and the Possible.Albany, New York, USA.Email: [email protected]

● 12 y 13 de octubre

20º Congresso Português De Arte-Terapia 6º Encontro em Lisboa da Sociedade De Psicopatologia Da Expressão E Arte-Terapia Arte e Integração Social em contexto educacional e terapêuticoFundação Calouste GulbenkianLisboa, Portugal http://arte-terapia.com/congresso/

● 17 al 20 de octubre

American Dance Therapy Association 54th Annual ConferenceBuilding Connections: Dance/Movement Therapy in our Diverse World.Miami, Florida, USA. https://adta.org/events/events-annual-conference/

● 30 de octubre al 3 de noviembre

The American Art Therapy Association’s 50th Annual ConferenceKansas City, Missohttps://arttherapy.org/annual-conferences/

● 29 al 30 de noviembre

IV Jornadas Nacionales de Investigación en ArteterapiaOrganiza el grupo de trabajo sobre investigación de la Asociación Profesional Española de Arteterapeutas (Ate)Barcelona, Españahttp://www.jornadasate.es

Si desean enviarnos información sobre congresos, simposios y encuentros,pueden escribirnos a: [email protected].

Internacionales 2020● 24 al 26 de abril

VII Congreso Latinoamericano de Arteterapia y VIII Encuentro del Mercosur.Imagining Windmills. Trust, truth and the Asociación Chilena de Arte Terapia (ACAT).Viña del Mar, Chile.https://www.arteterapiachile.cl/congreso

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Los invitamos a construir juntos una ga-lería de lenguajes arteterapéuticos.

Este es un espacio para quienes deseen enviarnos su creación en cualquiera de los lenguajes que se utilizan en un proce-so arteterapéutico.

Pueden escribirnos a: [email protected].

Con la autorización del autor publicare-mos su nombre y apellido, el título de la obra o las palabras que quiera adjuntar. La publicación estará sujeta al espacio disponible. La recepción se realizará has-ta el 1° de noviembre de 2019.


Humor

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Galer

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leng

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arte

tera

péut

icos Esta sección está destinada a los arteterapeutas, sus obras y sus procesos creativos. Compartimos

las producciones de Ita Pizzarro, Marcela Inés Medrano, Rocío Azucena García y Silvina Ruth Casabella.

Autora: Ita PizzarroTécnica: instalación / Land Art

Título: ”Nace una luz”

Autora: Marcela Inés MedranoTécnica: instalación

Título: ”Sentate y tomate un café”

Autora: Rocío Azucena García Técnica: poesía

Título: ”Laberinto”

Autora: Silvina Ruth CasabellaTécnica: mixta

Título: obra de la serie ”Mundos Cíclicos”

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n 5 - agosto 2019 revista digital cuatrimestral · pb 1. revista digital cuatrimestral n

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