TEMA 10. ARTE RENACENTISTA Y MANIERISTA EN ITALIA

Introducción al Renacimiento

El Renacimiento es ante todo un movimiento italiano, pues es clara la supremacía de Italia en el desarrollo artístico de los siglos XV y XVI. No hay que olvidar el poco arraigo del estilo gótico en este conjunto de estados. Desde el punto de vista económico, Italia era un centro de primer orden, por sus relaciones comerciales entre Europa y Oriente y el gran desarrollo de su banca, lo que le hizo alcanzar una modernidad económica y unas estructuras sociales avanzadas. En este país el lenguaje del Renacimiento se viene gestando desde finales del siglo XIII.

El Renacimiento significa un nuevo despertar del Humanismo. Por primera vez desde la Antigüedad, el hombre se siente centro del universo (antropocentrismo), y esto tendrá una evidente plasmación en el arte, tanto en la arquitectura, donde las dimensiones del edificio se acercan más a la escala humana, como en la escultura y la pintura, donde el naturalismo y el realismo se irán imponiendo cada vez con más fuerza. El culto a la vida y el amor a la Naturaleza propios de este nuevo humanismo (presentes ya en cierto modo en el espíritu gótico) hacen que el arte se conciba más como una recreación del espíritu que como la expresión de un pensamiento religioso. La belleza de las formas sustituye al expresivismo del arte medieval. Por otro lado, se produce un retorno a las formas artísticas propias del clasicismo, consideradas ejemplo de equilibrio y perfección.

La figura clave de este periodo es el humanista, el hombre universal, que posee conocimientos sobre una amplia variedad de temas: filosofía, literatura, geografía, arte, a la vez que lee el latín y el griego. En las cortes renacentistas, deseosas de abrirse a un mundo nuevo, estos hombres son aclamados con veneración. Quizás Leonardo Da Vinci sea

el ejemplo más perfecto de este nuevo prototipo humano.

Nace ahora la crítica del arte, pues por primera vez la obra de arte es analizada racionalmente desde el punto de vista del espectador. Los pensadores renacentistas discutían sobre la idea de Belleza y la plasmación física de la misma en el arte. Ello da lugar al surgimiento de tratados sobre arquitectura, escultura y pintura.

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El artista empieza a cobrar conciencia de su papel en la sociedad. Es respetado y venerado por todos. Ya no es un mero artesano, sino un inventor, un artífice de ideas que firma sus obras. Los artistas más famosos son reclamados de un lugar a otro. En adelante, el artista definirá con su exclusiva personalidad su obra y rara vez aparecen los nombres de los colaboradores. A veces, como es el caso de Miguel Ángel, este trabajará solo. Ello aumentará más el mito y se hablará de “genios”.

El mecenas es el protector de los artistas, y a veces llega a mantenerlos durante un tiempo. Solían ser miembros de familias acomodadas, príncipes e incluso papas, que encargaban y coleccionaban obras de arte. Un buen ejemplo es la familia de los Médici, en Florencia.

El Renacimiento puede dividirse en las siguientes etapas:

1. TRECENTO: años finales del siglo XIV. Es la época de gestación del estilo, destacando la ciudad de Pisa como foco artístico más importante.

2. QUATTROCENTO: siglo XV. La capital artística es Florencia.

3. CINQUECENTO: siglo XVI. La capitalidad del arte se desplaza a Roma. Es el Renacimiento pleno.

1ª parte: El Quattrocento italiano

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1- Arquitectura: Brunelleschi y Alberti2- Escultura: Donatello

3- Pintura: Fra Angelico, Masaccio y Botticelli

1. Arquitectura: Brunelleschi y Alberti

En el siglo XV es Florencia la ciudad más próspera de Italia. Los Médicis son los grandes banqueros y dueños de la ciudad, mecenas al mismo tiempo de los artistas del momento. El arte alcanza allí una enorme importancia.

La arquitectura ya no va a obedecer sólo a principios religiosos. El edificio tiene que ser resultado de un cálculo matemático, y este deriva del conocimiento científico y de las leyes de armonía. Respecto al espacio, tienden a predominar los edificios con plantas centrales (cruz griega, círculo), e incluso en las plantas longitudinales se trata de obtener una unidad espacial, con interiores anchos y desahogados.

Se retoman muchos de los elementos de la arquitectura clásica. Como elementos sustentados se prefieren las bóvedas (medio cañón, aristas) y sobre todo las cúpulas. Abundan los arcos de medio punto, apoyados en columnas. Reaparecen los órdenes arquitectónicos, con sus correspondientes entablamentos, aunque el más usado es el corintio. De todas formas es el muro y no la columna el verdadero soporte del edificio.

a) Brunelleschi

La arquitectura renacentista italiana empieza con Filippo Brunelleschi (1377-1446). Su gran obra, que dura toda su existencia, es la cúpula de la catedral de Florencia (pág. 168-169). La catedral había sido levantada en el siglo anterior, en estilo gótico, y ofrecía un amplio espacio en el crucero para cubrirlo con una cúpula. La obra fue encargada a Brunelleschi, y cuando aceptó el encargo, la cúpula llegaba ya al tambor de arranque.

Brunelleschi tenía que resolver un problema de construcción, pues la forma octogonal del tambor le obligó a una solución gótica con nervios. El artista empleó una solución altamente novedosa: dos cúpulas superpuestas, con un espacio vacío en medio, una especie de doble cascarón. Para hacer las cúpulas menos pesadas se utilizaron ladrillos huecos, y las tensiones se contrarrestaron a través de los nervios de la cúpula, muy reforzados, y por diversas semicúpulas de descarga.

Otras obras de Brunelleschi son:

- Hospital de los Inocentes, con un pórtico de amplios vanos y esbeltas columnas.

- Capilla Pazzi, con una cúpula sobre pechinas asentada sobre una planta cuadrada, y un bello pórtico exterior sobre columnas.

- Iglesias del Santo Espíritu y de San Lorenzo (pág. 174), inspiradas en las basílicas paleocristianas. En ellas la esbeltez de las columnas hace que la vista se expanda a lo largo y a lo ancho del espacio.

- Palacio Pitti, servirá de modelo al resto de palacios renacentistas. Está concebido como una masa cerrada, con sillares almohadillados y rústicos en la base (con una cara sin tallar), lo que acentúa el efecto de robustez.

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b) Alberti

El otro gran arquitecto del Quattrocento fue León Bautista Alberti (1404-1472), florentino que vivió y trabajó sobre todo en Roma. Es un teórico que representa el saber universal del humanista, pues sobresalió en todas las artes e ideó varios artilugios mecánicos. Estudioso de la arquitectura romana, le interesó también la teoría de la arquitectura, y por ello escribió un famoso tratado "De re aedificatoria". Alberti crea una ciencia arquitectónica basada en el número y las proporciones. Fue además el creador de determinados tipos arquitectónicos, imitados luego sin cesar. Uno de ellos es el plan de nave única con capillas entre los contrafuertes, inspirado en las iglesias catalanas.

Sus obras más importantes son:

- Iglesia de San Andrés de Mantua, con la disposición mencionada más arriba.- Templo de Malatesta (Rímini), que demuestra mejor que ningún otro edificio el

influjo de la arquitectura romana. La fachada es como un gran arco de triunfo, dando a arcos y columnas una misión decorativa.

- Palacio Rucellai (Florencia) (pág. 170-171), donde los pisos se separan con un entablamento y los ventanales con pilastras. La utilización -por primera vez- de los órdenes clásicos en una fachada palatina estableció un modelo que sería después muy imitado.

- Fachada de Santa María Novella, una iglesia gótica que es terminada con una fachada donde el elemento compositivo principal es el cuadrado.

2. Escultura: Donatello

La escultura del Quattrocento presenta las siguientes características:

En la escultura se buscará más la belleza de las formas que la expresión de un sentimiento religioso.

El hombre y la naturaleza son los protagonistas de la escultura. El cuerpo desnudo reaparece como símbolo de belleza.

Junto a las obras religiosas, también se representan temas paganos, mitológicos y alegorías, a imitación de la época clásica. Sin embargo son los temas cristianos los que siguen predominando, pero aún en ellos se admira la belleza puramente formal.

El artista busca en sus obras el realismo, pero idealizándolo (naturalismo idealizado).

Los géneros son muy diversos: puertas monumentales de bronce y mármol, altares, tumbas, fuentes públicas, púlpitos, retratos...

Con respecto a los materiales, el mármol va a ser el más utilizado, junto al bronce. También se empleará el barro vidriado.

El artista más fecundo del siglo es Donatello (1386-1466), con una gran capacidad creadora. Cultiva todos los géneros y estilos. Se inspira en la escultura clásica, pero conserva el expresivismo medieval en la profundidad psicológica de sus figuras. Representó todos los estados de ánimo, la alegría y la tristeza, y todas las edades y estados del alma, incluso lo feo y macabro.

Sus obras más importantes son:

- David (pág. 184-185), de bronce, con tipo praxitélico, que es el primer desnudo en bulto redondo del Renacimiento.

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- San Jorge, que refleja la fuerza de la juventud desafiante, anunciando la "terribilitá" de Miguel Ángel.

- El profeta Abacuc, realizado para el campanile de la catedral de Florencia.- Cantoría (tribuna para niños cantores) de la catedral de Florencia, decorada

con niños desnudos tomados de la Antigüedad clásica (putti). - Relieve de la Anunciación, para la iglesia de Santa Croce.- Estatua ecuestre del Condottiero Gattamelata (pág. 190), que sigue el

modelo de la de Marco Aurelio. Es así como surge el retrato ecuestre en el Renacimiento.

- Magdalena penitente, una figura demacrada y temblorosa que parece la negación de la belleza renacentista.

En el Quattrocento destacaron además otros escultores como Ghiberti y Verrocchio, este último gran seguidor de Donatello, y maestro además de Leonardo Da Vinci.

2.3. Pintura: Fra Angelico, Masaccio y Botticelli.

Las características más importantes de la pintura del Quattrocento son las siguientes:

- Agrupación de las figuras formando composiciones complejas.- Realismo de los cuerpos y de los rostros, asentado en el estudio de la anatomía.

Se crean verdaderos retratos.- Volumen en las figuras, conseguido mediante un sabio sombreado. Desaparece

el planismo medieval.- Interés por la perspectiva, que se convierte en una obsesión para los pintores.

Los escenarios son arquitectónicos o paisajísticos, cobrando estos últimos un gran desarrollo.

- Preocupación por la luz, usada de forma cada vez más natural. Con ella se consiguen distintos efectos: resaltar determinados planos, crear volumen...

- Enriquecimiento extraordinario del color. El color ya no es sólo un elemento ornamental de una pintura lineal, sino que ayuda a conseguir el volumen de la figura. En la escuela veneciana se descubrirá el predominio del color sobre la línea.

- Interés por el movimiento. Introducción de escorzos.

Con todo ello se llega a un pleno naturalismo, pero idealizado. Con respecto a los temas, estos siguen siendo en gran medida religiosos, pero con un tratamiento profano muchas veces. También hay temas históricos, mitológicos, retratos, desnudos...

a) Fra Angelico

En Florencia destacan dos grandes pintores. El primero es Fra Angelico (1387-1455), un monje pintor en cuya pintura todo es espiritual, predominando en él una línea mística y dulce. Hay mucho de goticismo medieval en él: su sentido curvilíneo y sus dorados recuerdan a la escuela de Siena, pero su concepción del volumen supone la irrupción de un nuevo elemento en la pintura. Este fraile representa el amor franciscano a la Naturaleza y al paisaje, al emplear fondos paisajísticos y arquitectónicos, en los que introduce efectos de perspectiva. Su técnica es muy cuidadosa, inspirada en las miniaturas. Es un magnífico colorista, predominando en él los colores claros y brillantes.

Su obra más importante se encuentra en el Convento de San Marcos, en Florencia, donde pintó el claustro, la sala capitular y todas las celdas, con escenas de santos, visiones celestiales, Vírgenes con el niño... Es también el pintor de las Anunciaciones (pág. 196-197), una de las cuales se encuentra en el Museo del Prado.

b) Masaccio

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La otra figura del Quattrocento florentino es Masaccio (1401-1429). Fue un gran innovador, muy preocupado por el volumen de las figuras. Crea espacios siguiendo las leyes de la perspectiva, y logra dar relieve y corporeidad a las figuras mediante la luz. Individualiza al hombre, dándole una psicología y fisonomía con tendencia a lo poderoso y dramático. Antepone la simplicidad, la unidad de la composición y la representación del espacio tridimensional a los detalles y a la decoración.

Entre sus obras destacan los frescos de la Capilla Brancacci, en Florencia, con las escenas del Tributo de la moneda y la Expulsión de Adán y Eva del Paraíso. En esta última realiza los primeros desnudos renacentistas en pintura. Otra de sus obras es La Trinidad o Calvario de Santa María Novella (pág. 194-195), con una impresionante arquitectura tratada con efectos de perspectiva.

c) Botticelli

Sandro Botticelli (1444-1510) pertenece a la última generación de pintores del Quattrocento. Pintor de una sensibilidad exquisita, no le preocupan las conquistas técnicas. Su concepción de la pintura es más poética que científica o matemática. Opta por las figuras humanas, dejando el tratamiento del paisaje en un segundo plano. Domina en él la vocación de dibujante de líneas deliciosas, que oscilan como ondas. Sus figuras están agitadas por el movimiento, y los rostros son tristes y melancólicos. Al final de su vida se acentuará el dramatismo en sus obras: colores intensos, movimiento exaltado, contenido moralizante... Esto se explica por el cambio de mentalidad de Botticelli tras las predicaciones del fraile Savonarola en Florencia, que critica el paganismo y la degradación de la vida artística florentina. En 1497 el dominico llega a organizar una quema pública de cuadros entre los cuales había algunos de Botticelli, que se convirtió en un ferviente seguidor del fraile, lo que demuestra en el fuerte sentimiento religioso de sus últimas obras.

Es un magnífico pintor de Vírgenes, y también sintió gran afición por los temas mitológicos. En La calumnia trata de reconstruir un cuadro perdido del pintor griego Apeles. La Primavera nos vuelve a traer el tema clásico de las tres Gracias. En el cuadro aparece Venus con las tres Gracias, que bailan a su derecha junto a Mercurio. Flora aparece situada a la izquierda, y en el fondo se sitúa un bosquecillo de naranjos y flores. El Nacimiento de Venus (pág. 200-201) es un canto al desnudo femenino. En él aparecen el viento primaveral Céfiro, la ninfa Cloris y de nuevo Flora, que es el fruto de la unión entre ellos. De sus últimos años destaca el Descendimiento, obra llena de patetismo.

En el Quattrocento italiano destacaron otros muchos pintores, como Paolo Ucello (gran estudioso de la perspectiva), Filippo Lippi (maestro de Botticelli), Ghirlandajo, Perugino (maestro de Rafael), Andrea Mantegna...

2ª parte: El Cinquecento

1- Arquitectura: Bramante, Miguel Ángel y Palladio2- Escultura: Miguel Ángel3- Pintura: Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel Buonarroti, Rafael

Sanzio y Tiziano.

La muerte de Lorenzo de Médicis en 1492 marca el fin de Florencia como capital italiana del arte renacentista. Le sucede ahora Roma, donde los Papas (Julio II,

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León X) ejercerán el mecenazgo sobre las artes. El siglo XVI es la época de los grandes genios, de Miguel Ángel, Rafael y Leonardo, pero también de la aparición del capitalismo económico, del fortalecimiento político del Estado moderno, de las reformas religiosas y de los descubrimientos geográficos.

En el Cinquecento pueden distinguirse dos etapas:

- En la primera mitad del siglo predomina el sentimiento de la medida y del equilibrio. Es el Renacimiento clásico.

- En la segunda mitad se inicia ya el camino hacia el Barroco: es la época manierista. Los artistas caen en la exagerada imitación de Leonardo, Rafael y Miguel Ángel. La copia de la "maniera" personal de los grandes maestros, pero vaciándola de contenido y deformándola, es lo que se ha llamado Manierismo. La impresión general de estas obras es de tensión y ruptura con las reglas del arte clásico.

1. Arquitectura: Bramante, Miguel Ángel y Palladio.

a) Bramante

Donato Bramante (1444-1514) representa la severidad arquitectónica. Sus comienzos son en el norte de Italia, donde realiza obras en las que prevalece el sentido decorativo propio del Quattrocento. Pero una vez en Roma es cautivado por la majestad de las ruinas romanas. De su arquitectura desaparece totalmente la decoración, y a partir de ahora en su arte será la estructura arquitectónica lo único dominante.

Su primer trabajo importante en la Ciudad Eterna es para la Corona española. Los Reyes Católicos, en agradecimiento por la conquista de Granada, deciden consagrar en Roma una iglesia a San Pedro, que es encargada a Bramante. Es el templete de San Pietro in Montorio (pág. 172-173). Es un templo circular con 16 columnas dóricas, coronado por una cúpula, que se convertirá en canon de belleza arquitectónica y en símbolo del estilo clásico.

El Papa Julio II le encarga la construcción de la nueva Basílica de San Pedro, para sustituir a la antigua basílica paleocristiana y reconstruirla de acuerdo con la grandiosidad de los nuevos tiempos. Bramante concibe el proyecto con una planta de cruz griega inscrita en un cuadrado, con una gran cúpula como símbolo del cosmos, que estaría rodeada por otras cúpulas más pequeñas. La cúpula central debía elevarse sobre cuatro grandes pilares, que se comenzaron a edificar en vida de Bramante. Sin embargo tras su muerte el plan previsto se alteró con varias innovaciones, debidas sobre todo a Miguel Ángel, encargado de continuar las obras, quien no obstante respetó el plan central bramantesco. Luego se fueron añadiendo nuevas partes al templo, hasta quedar configurado el actual trazado basilical.

b) Miguel Ángel

Miguel Ángel Buonarrotti (1475-1564) es uno de esos artistas que podríamos calificar de genios. En la Basílica de San Pedro (pág. 174) se atuvo al plan central de Bramante, aunque lo simplificó. Hizo una cúpula pesada y maciza, pero esbelta, lo

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que le obligó a reforzar los pilares. De esta manera construyó una cúpula grandiosa, cuya cúspide está a 132 m. del suelo, levantada sobre un robusto tambor, decorándolo con columnas, ventanas y guirnaldas. Finalmente Miguel Ángel proyecta para la iglesia una sola entrada, a la que antepone un pórtico adintelado y con doble fila de columnas exentas.

Es genial el arreglo que este artista hace de la Plaza del Capitolio en Roma. También realizó diversas obras para su patria, Florencia. En la Sacristía de la basílica de San Lorenzo, que sirve de sepulcro a Lorenzo y Giuliano de Médici, establece una perfecta armonía entre escultura y arquitectura, utilizando frontones curvos y

ventanas ciegas, entre los cuales se enmarcan las figuras escultóricas. En este mismo edificio hace también la Biblioteca Laurenciana, en cuya escalera de acceso logra dar impresión de gigantesca majestad en un escaso espacio, gracias a la alternancia de superficies curvas (dinamismo) y rectas (estatismo). La puerta de entrada a la biblioteca era pequeña, así que Miguel Ángel pensó en monumentalizarla, añadiéndole unos espaciosos peldaños, abiertos en abanico, con lo cual se dilata ópticamente la entrada.

c) Palladio

La preocupación máxima de Andrea Palladio (1508-1580) fue adaptar las formas de la Antigüedad clásica a las necesidades modernas, alumbrando un repertorio de obras civiles que brillan con luz propia. Sus principales obras se encuentran en la ciudad de Vicenza. Allí construyó la Basílica o Palacio de la Razón, donde el Consejo Municipal de la ciudad administraba justicia.

Palladio hizo muchos palacios y villas en los alrededores de Vicenza, donde consigue integrar como nunca se había logrado la arquitectura y el paisaje. La más célebre es la Villa Capra o Villa Rotonda (pág. 176-177), una original construcción consistente en un cuadrado cubierto con cúpula, ofreciendo pórticos (a imitación de los templos romanos) en sus cuatro frentes.

Un aspecto muy importante de la obra de Palladio es la ordenación perspectivista que da a algunas de sus obras, como el Teatro Olímpico de Vicenza, inspirado en los teatros romanos, pero con un carácter de ilusión, irrealidad y escenografía que anticipa el espíritu del Barroco. Por último entre sus obras religiosas cabe citar la lglesia de San Jorge Mayor, en Venecia.

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Palladio proyecta una fachada de dos plantas -el piso bajo de orden dórico y el alto jónico- a partir de la repetición seriada de un módulo, que ha pasado a la historia del arte con el nombre de motivo o tramo rítmico palladiano. Consiste en asociar un arco de medio punto con una arquitectura adintelada, columnas de dos tamaños, y un contraste entre el vano y el macizo, añadiendo además óculos perforados.

2. Escultura: Miguel Ángel

La fascinación que ejerció Miguel Ángel sobre sus contemporáneos llega a la veneración absoluta. Es el único artista del siglo XVI al que se le dedican en vida tres biografías. Fue arquitecto, urbanista e ingeniero, poeta y pintor, sobresaliendo con maestría inigualable en todos los campos, pero el artista se consideraba fundamentalmente escultor. Su estilo se define por las siguientes características:

- Los sentimientos más diversos se aprecian en sus obras, fruto de los cambiantes estados de ánimo que él experimentaba. Sin embargo, el más fuerte y dominante de estos sentimientos fue el dramatismo, la expresión de fuerza controlada, conocida como "terribilitá" (sus figuras parecen estar muy concentradas, preparándose para la acción).

- Estudia con originalidad los problemas del movimiento y la composición. - Es maravillosa su capacidad para intuir la figura dentro del bloque; esculpe

bloques inmensos, sin necesidad de dividirlos. - El artista exalta por igual la fuerza física y la espiritual, lo cual es un signo

de clasicismo: las pasiones están reprimidas.- Varias de sus obras han quedado inacabadas (“non finita”) posiblemente por su

poderosa autocrítica. Aspiraba a la perfección absoluta, y al no poder alcanzarla abandonaba el trabajo comenzado.

- Obsesionado con la idea de Belleza, utiliza casi siempre el blanco mármol de Carrara, por estimar que es el material más apropiado para acercarse a dicha idea.

- Sus figuras son siempre grandiosas, verdaderos titanes, con una vitalidad más propia de dioses que de hombres.

Miguel Ángel se formó en Florencia, en los tiempos exaltados de Savonarola y del gobierno de los Médicis, bajo cuya protección realiza sus primeras obras. Las obras de esta época son aún muy clásicas, inspiradas directamente en los mármoles antiguos que adornaban el jardín de sus mecenas. Destacamos la Virgen de la escalera, un relieve pictórico donde la talla se gradúa en diferentes planos.

Más tarde, cuando contaba 21 años, se establece en Roma, donde se enfrenta con las esculturas clásicas, siendo el Laocoonte la que más le impresionó. Es ahora cuando esculpe su primera Piedad (pág. 186-187), conservada en San Pedro del Vaticano, convertida desde entonces en prototipo de imagen devota para el arte cristiano. La Virgen aparece representada como una niña, sosteniendo el cuerpo de su Hijo muerto. En esta obra Miguel Ángel se inclina hacia la belleza ideal. Este tema lo retomaría en más ocasiones en su ancianidad.

La fama de su talento se propaga por Italia y sus paisanos florentinos lo reclaman para confiarle la ejecución del David (pág. 188) en un bloque gigantesco de mármol de Carrara que desde el siglo XV permanecía arrumbado en la catedral. El tamaño de la piedra era tan grande que ningún artista se había atrevido a enfrentarse con ella, hasta que llegó Miguel Ángel. La obra representa a un joven que estudia a su rival, preparando las fuerzas para el ataque. Es la preparación para la acción, la tensión en potencia, lo que la convierte en una escultura clásica. El excesivo desarrollo de la cabeza, las manos y los pies puede responder al interés del artista en representar el cuerpo de un adolescente que aún no ha adquirido el desarrollo pleno de su anatomía, aunque también puede deberse al énfasis que el escultor quería dar a aquellas partes del cuerpo implicadas en la heroica acción. Nunca se ha expresado mejor el equilibrio de la fuerza en tensión, la terribilitá.

En 1501, de nuevo en Roma, Miguel Ángel traza el proyecto para el mausoleo del Papa Julio II, que no pudo terminar. Su idea deslumbra por su grandiosidad, al concebir un gran conjunto de tres pisos distribuidos en una estructura piramidal, donde

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figurarían hasta 40 figuras. De estas sólo se realizaron ocho, entre las cuales destacan el Moisés (pág. 188) y los Esclavos. En el rostro del Moisés se aprecia la poderosa influencia que el Laocoonte ejerció sobre Miguel Ángel, y los Esclavos son un ejemplo de sus obras inacabadas, que no por ello pierden un ápice de su fuerza expresiva.

Unos años más tarde, ahora en Florencia, trabaja en los sepulcros de los Médicis (Lorenzo y Giuliano) (pág. 189), en la sacristía de la iglesia de San Lorenzo, para los que también había ejecutado la decoración arquitectónica. Cada sepulcro presenta tres figuras: el difunto sentado dentro de un nicho y dos desnudos recostados a sus pies. Giuliano aparece retratado como un general romano, simbolizando la vida activa, con las figuras representando a la Noche (una mujer) y el Día (un joven) a sus pies. En cambio, Lorenzo sostiene la cabeza con la mano, en actitud pensativa, reflejando el espíritu de la vida contemplativa. Debajo aparecen la Aurora (una mujer desperezándose) y el Crepúsculo (un anciano).

A partir de 1550, Miguel Ángel sólo realiza variaciones sobre un tema que le ha conmovido desde su juventud: la Piedad, acentuando el dramatismo. Las figuras aparecen consumidas, algunas sin acabar, reflejando una intensidad dolorosa creciente. Destacan la Piedad de la catedral de Florencia (pág. 189), la Piedad Rondanini (misma pág.) y la Piedad Palestrina. El manierismo se había adueñado ya de la obra del artista, rompiendo la armonía entre cuerpo y espíritu que había sido su norma de conducta hasta el momento. El artista muere en febrero de 1564, cuando contaba 88 años de edad.

El manierismo impregna las obras escultóricas de la segunda mitad del siglo XVI. Se prefiere la forma "serpentinata", contorsionada, dibujando composiciones helicoidales y perdiéndose el equilibrio. Los artistas que mejor reflejan el nuevo espíritu son Cellini, autor del famoso Perseo (pág. 191) y Juan de Bolonia, que adornó muchos jardines florentinos con sus bellas estatuas (El rapto de las sabinas) (misma pág.).

3. Pintura: Leonardo, Rafael, Miguel Ángel y la escuela veneciana.

La pintura italiana del siglo XVI presenta las siguientes características:

Tendencia a las composiciones sencillas, con frecuencia piramidales, donde las figuras se relacionan entre ellas.

Interés por el movimiento, más complejo que en el Quattrocento, hasta llegar al movimiento contorsionado propio del manierismo.

Preocupación por la luz, que tiende a borrar los perfiles y a difuminar los contornos. Las formas adquieren mayor sensación de volumen gracias al claroscuro de sombras y luces.

El color se maneja de un modo más suelto, y en consecuencia pierden importancia el contorno y el dibujo.

La perspectiva y la profundidad resultan mucho más naturales, fruto de los avances que en este sentido se han conseguido en la pintura.

Florencia sigue siendo el primer centro artístico en lo que a pintura se refiere, pero sus maestros emigran a Roma con frecuencia, dejándonos allí gran parte de sus obras.

a) Leonardo Da Vinci

Con Rafael y Miguel Ángel, Leonardo (1452-1519) compone la gran tríada del Cinquecento. Dotado de una gran inteligencia, tuvo una actividad múltiple. Es el arquetipo del hombre renacentista: científico, ingeniero, dibujante, artista... Estudió el cuerpo humano anatómica y geométricamente, interesándose también por su psicología a través de la expresión.

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En pintura, sus dos preocupaciones esenciales son la luz y el movimiento. Su principal contribución es la técnica del sfumatto o difuminado, que se logra por medio de contrastes suaves de luces y sombras. Se consigue así una superficie aterciopelada, que funde figuras y ambientes como si una gasa cubriese el cuadro. El tono de sus personajes es dulce y romántico, introduciendo en los rostros una suave sonrisa que ha dado lugar a todo tipo de interpretaciones.

Leonardo se forma en Florencia, para pasar luego a Milán, donde pinta la Virgen de las Rocas. En esta obra se muestra ya como un gran maestro de la composición triangular y de las luces, con su célebre sfumatto, que da lugar a un paisaje brumoso típicamente romántico. En 1498 pinta una de sus obras más conocidas, la Santa Cena (pág. 210), en el refectorio del convento de Santa María della Grazie. El procedimiento del fresco no le interesaba a Leonardo, ya que su rápido secado exigía prontitud de ejecución, y el artista necesitaba tiempo para estudiar cada detalle. Por ello trató de inventar un sistema que le permitiera pintar al temple sobre la pared, siendo el resultado desastroso, pues la pintura se deterioró rápidamente. Siguiendo las leyes de la perspectiva lineal, Leonardo hace converger las líneas de fuga hacia las tres ventanas abiertas a la espalda de Cristo, que confieren profundidad y luz a la estancia. Los apóstoles aparecen agrupados en tríos, rompiendo con la antigua disposición de figuras seguidas. El momento escogido por el pintor es el anuncio por Jesucristo de que será traicionado por uno de sus apóstoles, y de ahí los rostros de asombro e incertidumbre de todos ellos a excepción del propio Judas.

Más tarde, ya de vuelta en Florencia, pinta el cuadro de Santa Ana, la Virgen y el Niño, y luego el famosísimo retrato de la Gioconda (pág. 202-203), una figura femenina envuelta en un aire misterioso que lleva prendida en su rostro la típica sonrisa leonardesca.

b) Rafael

Pese a su corta existencia, Rafael Sanzio (1483-1520) nos ha legado una producción mucho más copiosa que la de Leonardo y Miguel Ángel. Nace en Urbino, y se traslada luego a Florencia y a Roma, donde llevará una vida fácil y de éxito. Su mérito principal radica en haber sabido conciliar armoniosamente tendencias muy diversas conservando siempre su estilo propio. Sus composiciones son claras, con amplias perspectivas, aunque con el tiempo y por influencia de Leonardo y Miguel Ángel sus obras adquieren más movimiento, claroscuro, expresiones variadas... Fue un gran dibujante y colorista. Pinta tres tipos de obras: cuadros religiosos, retratos y grandes composiciones.

Su período de formación lo realiza con un famoso pintor, el Perugino. En su etapa florentina asimilará la composición piramidal y el sfumatto leonardesco, con los que realiza varias Madonnas que le reportarán un gran éxito. Una de las más famosas es la Virgen del jilguero.

En 1508 pasa a Roma llamado por el papa Julio II, que le confía la decoración de cuatro habitaciones (las Estancias vaticanas). En ellas Rafael realiza grandes composiciones cuyas figuras se mueven en un espacio amplio y profundo. En la denominada Sala del Sello, pintó La Disputa del Santo Sacramento, un himno a la Teología y La Escuela de Atenas (pág. 204-205). Esta última simboliza la Filosofía, con Platón y Aristóteles en el centro de la composición. En Roma hizo también Madonnas y magníficos retratos, en los que la figura se funde con la atmósfera, perdiéndose la línea del contorno. Destacan los de Julio II, León X, la Fornarina, etc.

c) Miguel Ángel

La pintura de Miguel Ángel presenta rasgos escultóricos: predominio del dibujo, desinterés por el color y la luz, importancia del volumen... Elimina el paisaje para

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concentrarse en la figura humana, especialmente en su modelado. Pinta tipos de gran fuerza física y psíquica, cuyas enormes proporciones se acompañan de una fuerza titánica. El sentimiento de la terribilitá también aparece en sus pinturas.

Su primera obra conocida es el tondo de la Sagrada Familia, donde la Virgen aparece arrodillada en primer término, tendiendo el Niño a San José en una violenta torsión. Sin embargo su obra más célebre es la decoración de la bóveda de la Capilla Sixtina (pág. 206-207), tarea que le ocupó cuatro años. Esta bóveda es el mayor conjunto que pueda ofrecer la pintura del Renacimiento, pues Miguel Ángel reunió allí casi 350 figuras de tamaño mayor que el natural. Fingió una arquitectura de arcos, pilastras y medallones, para no mezclar las escenas y para fundir de manera armoniosa arquitectura y pintura. En el tramo central de la bóveda dispuso diversas escenas del Génesis. En los lunetos (bovedillas en forma de media luna) aparecen los antepasados de Cristo, y entre los lunetos colocó Profetas y Sibilas, junto a jóvenes desnudos (ignudi), sosteniendo medallones de bronce.

Cuando tenía 61 años Miguel Ángel recibió el encargo de pintar en el testero (muro del fondo) de la Sixtina el fresco del Juicio Final. Se trata de una obra grandiosa, donde puede apreciarse la terribilitá del maestro en el tremendo movimiento de las figuras, los escorzos, el dramatismo... No es un conjunto desordenado, pues aparece estructurado en varias franjas. En el centro un Cristo joven en actitud de juez, levantando su brazo para descargar el peso de la justicia, divide la composición en dos mitades. Hay un terrible dramatismo en la composición. Este fresco además puede considerarse en vanguardia del Barroco, pues las figuras se inclinan y contorsionan buscando posiciones complicadas.

d) La escuela veneciana

En el siglo XVI una serie de grandes maestros descubren para la pintura posibilidades que explotarán luego los artistas del Barroco. Sus características son: el culto al color, que predomina sobre el dibujo; la importancia de los temas secundarios, a los que se concede la misma consideración que al tema principal; la exaltación de la riqueza y el lujo, etc.

El pintor más importante de esta escuela es Tiziano (1488-1576), gran retratista y maestro de las formas blandas y redondeadas, mostrando predilección por los desnudos femeninos e infantiles. Su paleta evolucionó hacia una factura cada vez más pastosa, más gruesa, deshaciendo la forma a través de pinceladas sueltas, lo que constituye un claro precedente de la pintura barroca. Sintió un gran amor por la música, lo que se aprecia en algunos de sus cuadros.

Entre sus obras religiosas cabe destacar la Asunción de la Virgen, con una composición dividida en tres pisos. Pintó numerosas obras mitológicas: El Amor sagrado y el Amor profano, donde aparecen dos Venus contrapuestas (la Venus desnuda encarna la belleza eterna, el amor sagrado, y la Venus vestida es la belleza terrenal, el amor profano); La Bacanal, un cuadro mitológico convertido en una fiesta alegre; y Dánae (pág. 208-209), que recibe a Zeus en forma de lluvia de oro. En el campo del retrato fue también muy fecundo. Lujosas damas venecianas posan ante él, y realiza retratos de la familia real española, entre los que destaca el de Carlos V en la batalla de Mühlberg.

En la recta final de su vida, Tiziano desarrolla un estilo de trazo nervioso, que anticipa la técnica impresionista, pero en el que sigue presente su mágica paleta. Vasari, que lo visitó en Venecia, dice que los cuadros "no se pueden mirar de cerca, pero de lejos resultan perfectos."

Dentro de la escuela veneciana, cabe citar también otros maestros como Veronés, el pintor del lujo y las glorias de Venecia, y Tintoretto, que trasluce ya la crisis de los ideales renacentistas en sus composiciones manieristas, preludio del Barroco.

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Para curiosear en Internet

- http://www.bluffton.edu/~sullivanm/italy/florence/ghibertiparadise/ ghibertiparadise.html Página dedicada a las Puertas del Paraíso de Ghiberti, con numerosas fotografías.

- http://www.scultura-italiana.com/Biografie/Donatello.htm En ésta podéis encontrar imágenes de las principales obras de Donatello.

- http://www.artelista.com/maestros-del-arte.php En esta web tenéis un amplio catálogo de imágenes de los grandes pintores del Renacimiento. Sólo tenéis que pinchar en el que os interese.

- http://www.aiwaz.net/panopticon/masaccio/gc149p0 Para estudiar la obra de Massaccio.

- http://www.repro-tableaux.com/a/sandro-botticelli/&pid=Wikipedia Un catálogo con todas las obras de Botticelli.

- http://www.historiadelartemgm.com.ar/galeriamichelangelo.htm En esta otra página tenéis un catálogo muy completo de la obra de Miguel Ángel.

- http://www.elrelojdesol.com/leonardo-da-vinci/gallery-english/index.htm Interesante web para conocer los dibujos de Leonardo y algunas de sus obras.

- http://mv.vatican.va/4_ES/pages/CSN/CSN_Main.html Sitio muy interesante sobre la Capilla Sixtina, con posibilidad de realizar una visita virtual de la misma.

- http://www.mclibre.org/consultar/amaya/ejercicios/escuela_de_atenas/ escuela_de_atenas_formateado.html Para identificar a todos los personajes de La Escuela de Atenas de Rafael.

Lecturas interesantes

- NICHOLL, CHARLES: Leonardo, el vuelo de la mente. Ed. Taurus. Madrid 2005. Un fascinante ensayo sobre la vida y obra de Leonardo.

ACTIVIDADES

1. ¿Cómo influye el Humanismo en el arte? ¿Por qué cambia el papel del artista en esta época?2. ¿Cuál fue la solución constructiva adoptada por Brunelleschi en la cúpula de la catedral de Florencia?3. ¿Qué plan arquitectónico introduce Alberti en el arte italiano? ¿A qué iglesia lo aplicó?4. Compara los relieves del Sacrificio de Isaac realizados por Ghiberti y Brunelleschi (pág. 183) y

enumera las principales diferencias. 5. Enumera las principales características de la pintura de Fra Angelico, Masaccio, Piero Della Francesca

y Botticelli. 6. ¿Qué plan ideó Bramante para la basílica de San Pedro? ¿Cómo lo cambió luego Miguel Ángel?7. ¿En qué consistía el motivo o tramo rítmico palladiano?8. ¿Qué es la famosa terribilitá de Miguel Ángel? ¿Por qué pudo dejar muchas de sus obras inacabadas?

¿Qué tema retomó varias veces a lo largo de su vida? ¿Qué evolución se aprecia en las representaciones de este tema?

9. Compara el David de Miguel Ángel y el Donatello y explica en qué se diferencian.10. ¿En qué consiste el sfumatto leonardesco? Explica cómo se aprecia esta técnica en el cuadro de La

Gioconda.11. Intenta identificar el mayor número de personajes posibles en el fresco La escuela de Atenas, de

Rafael. 12. Describe la composición de la bóveda de la Capilla Sixtina realizada por Miguel Ángel. Investiga cuánto

tiempo tardó el pintor en terminar la obra y en qué condiciones la ejecutó.13. Con ayuda del guión para el comentario de obras de arte, realiza una ficha de las siguientes obras:

templete de San Pedro in Montorio (Bramante), Piedad (Miguel Ángel), El nacimiento de Venus (Botticelli)

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