xxv concurso de arte eduardo león jimenes

catálogo de obras

centro león santiago de los caballeros, república dominicana octubre 2014 / Febrero 2015

Cultivar las génesis, las construcciones, las trayectorias, las reflexiones 4

dra. MarÍa aMalIa leÓN de Jorge directora, Fundacion eduardo león Jimenes y centro león

Las travesías redefinen todas las representaciones mentales 8

eNtreVIsta a aNdrea gIUNta Jurado

La construcción de significados colectivos 14

eNtreVIsta a soFÍa HerNáNdeZ cHoNg cUY Jurado

Para poder repensar nuestro país desde el arte 18

eNtreVIsta a Jorge PINeda Jurado

XXV Concurso de Arte Eduardo León Jimenes 23jurados

Artista Selecionados y Obras 24XXV concurso de arte eduardo león jimenes

laura castro 26

Fermín ceballos 34

Queury dicent 42

patricia encarnación 50

andrés Farías cintrón 58

mónica Ferreras de la maza 66

marie Jiménez 74

Joiri minaya 82

randy morales (rands) 90

Jochi muñoz 98

gustavo peña 106

david pérez (Karmadavis) 114

Freddy pérez (prandy) 122

maurice sánchez 130

XXV Concurso de Arte Eduardo León Jimenes 139opiniones XXV concurso de arte eduardo león jimenes 142 English translations

Contenido

XXV concurso de arte

eduardo león jimenes

Cultivar las génesis, las construcciones, las trayectorias, las reflexionesdra. MarÍa aMalIa leÓN de Jorge Directora, Fundación Eduardo León Jimenes y Centro León

Así como se expresó Víctor Hugo a propósito de París, así quiero hablar de esta no-

che, en la que celebramos desde la cultura, la vida: el Arte enseña siempre sus dien-

tes, cuando no gruñe, ríe.

Conmemoramos hoy, en esta vigésima quinta edición del Concurso de Arte Eduar-

do León Jimenes, 50 años de un certamen que desde su primera convocatoria en

1964, se ha hecho cita ineludible para la comunidad de artistas de República Domi-

nicana. En su incesante búsqueda de libertad, como reto existencial que les permi-

te estremecerse, trascenderse y lograr transformarse, los artistas dominicanos, una

generación tras otra, han podido aquí, en las sucesivas celebraciones de este even-

to, cultivar las génesis, las construcciones, las trayectorias, las reflexiones y rupturas

que han definido el arte dominicano en las últimas décadas.

Este Concurso surge de la visión y compromiso solidario de los hermanos y her-

manas León Asensio, quienes tuvieron el interés de propiciar, a través de sus

iniciativas empresariales, un marco de estímulo y reconocimiento a la creati-

vidad de los artistas dominicanos.

Ese proyecto, incluía la constitución de un espacio para exponer y ha-

cer accesible a todo público las obras que fueran siendo premiadas en

cada edición, anhelo que fue cumplido en el año 2003, cuando la

familia León entregó a la nación el Centro Cultural Eduardo León

Jimenes que hoy nos acoge.

Como en cada edición de este Concurso, nuestros pensamien-

tos primeros van dirigidos para nuestros artistas, que una

vez más creyeron en nosotros y concurrieron entusias-

tas a la convocatoria realizada. Nuestro reconocimiento

y gratitud sincera por la minuciosa y responsable labor realizada por el jurado inte-

grado en esta vigésimo quinta edición por Andrea Giunta, Sofía Hernández Chong

Cuy y Jorge Pineda.

Para conmemorar de manera significativa este cincuentenario tan especial para no-

sotros, la Familia León, a través de la Fundación Eduardo León Jimenes y el Centro

León, quiere rendirle un solemne y merecido homenaje a la comunidad de artistas de

República Dominicana, que en estos cincuenta años de vida cultural, ha sabido impri-

mirle a nuestros días y noches, sus creaciones tan vitales para la vida colectiva y per-

sonal de los dominicanos. Para celebrar este medio siglo de creación, de aspiracio-

nes sublimes y de experimentación del arte en nuestro país, el Centro León inaugura

esta noche una nueva versión de su exposición permanente Génesis y Trayectoria.

Esta nueva propuesta asume por primera vez un proceso museológico participativo,

que incorpora en sus perspectivas curatoriales y museográficas, recursos expositi-

vos múltiples, con el objetivo de establecer acercamientos y diálogos con el público

que nos visite. La nueva museología del Centro León pretende hacer más accesible

y pedagógica la aproximación a la intencionalidad artística, utilizando formas de en-

contrar y sentir el arte a la vez políglotas y polisémicas.

Para su concepción y diseño, se escucharon las voces de especialistas, artistas, edu-

cadores y colaboradores, con el fin de dar a luz una exposición que favorezca mira-

das diversas a las artes visuales dominicanas, tomando en cuenta los diversos con-

textos sociales, culturales y políticos en que se han desarrollado.

imagen del acto de premiación del XXV concurso de arte eduardo león Jimenes.

octubre 2014

54

Esperamos que Génesis y Trayectoria no sea una simple exhibición, sino una verda-

dera experiencia, un encuentro con más 50 años de cultura dominicana y caribeña,

es decir universal. La exposición comprende una selección de obras de la Colección

Eduardo León Jimenes de Artes Visuales que se ha venido formando desde 1964,

con obras participantes en el Concurso de Arte, así como con obras donadas por ar-

tistas y coleccionistas.

De igual manera, estamos esta noche inaugurando la vibrante exposición temporal

que contiene las obras seleccionadas y premiadas de este vigésimoquinto Concurso

de Arte Eduardo León Jimenes. Un espacio lúdico y muy caribeño.

Para finalizar, quiero expresar nuestra más profunda gratitud a la Cervecería Nacio-

nal Dominicana y al Banco BHD León por el valioso y sostenido respaldo para la ce-

lebración de este certamen bienal. A la Fundación Cisneros, en especial a la señora

Patricia Phelps de Cisneros y al Ayuntamiento de Cádiz, por su apoyo al arte y a los

artistas dominicanos. A nuestro equipo de colaboradores del Centro León, nuestra

profunda gratitud por su dedicación y esmero en hacer una entrega de rigor y pro-

fesionalismo para este Concurso.

Hemos aprendido de la historia de este Concurso de Arte, que la clave del Caribe

al asumir con tanta dignidad y belleza los rigores de su clima, está en la flexibilidad

hermosa de sus palmeras. Este Concurso ha preservado su vitalidad y vigencia pre-

cisamente porque ha ido tomando en cuenta los cambios en las artes y la cultura, a

lo largo de estas cinco décadas. Así mismo quiero expresar, en nombre de la tercera

y venideras generaciones de la familia León, nuestro compromiso inextinguible por

las artes en este país.

Honor a los creadores, honor a quienes han sido luz de cultura para esta nación. El

gran maestro de maestros, Fradique Lizardo, cuyos archivos fueron generosamente

confiados al Centro León, escribió una vez: “…allí una palabra, aquí una costumbre, la

manera de preparar una comida, una forma peculiar de tocar el tambor, formas de

cantar, todo debe de analizarse, con mucho trabajo, con esfuerzo, con dedicación,

pues se trata de una importante tarea patria”.

Fue al leer a Fradique que pude entender aquellos versos de Borges que iniciaban

diciendo “Nadie es la Patria”.

Gracias Fradique y contigo, a todos nuestros artistas e intelectuales, por mostrarnos

que es verdad, “Nadie es la Patria”, porque Patria es lo que hacemos EN ella, lo que

hacemos POR ella, lo que hacemos DE ella.

Palabras de María Amalia León de Jorge, Directora de la Fundación Eduardo León Jimenes y del Centro León, en el acto de premiación del lV Concurso de Arte Eduardo León Jimenes. Centro León, Santiago, 16 de octubre de 2014.

entrada del centro león con banderola alusiva al

XXV concurso de arte eduardo león Jimenes.

mesa de honor en la inauguración del XXV

concurso de arte eduardo león Jimenes.

6 7



Las travesías redefinen todas las representaciones mentaleseNtreVIsta a aNdrea gIUNta Jurado

dialoguemos sobre el reto que ha sido la XXV versión del concurso

de arte eduardo león Jimenes para el Jurado

Como sucede en estas instancias en las que se reúne un jurado que proviene de dis-

tintas trayectorias y de distintos espacios, implica el proceso de conocerse entre el

jurado y conocer una cantidad de obras que son todas aquellas que se presentan al

premio. Y sobretodo, establecer una dinámica de comunicación para el jurado. Un

ámbito de debate de ideas, de expansión de los propios presupuestos, a fin de ela-

borar tomas de decisión que después serán consensuadas. Es el desafío de conocer

a personas que van a actuar como jurado que uno no conocía, y al mismo tiempo, a

una cantidad de obras, de artistas. Lo que uno siempre experimenta en estas situa-

ciones es que le gustaría poder ir a ver a todos esos artistas, y no simplemente ver

un dossier. Pero como muchos son proyectos, es decir, son obras que tampoco

existen realmente sino que van a ser realizadas si son seleccionadas, el proce-

dimiento es adecuado a la circunstancia que va a caracterizar el certamen.

Y para mi también... tu sabes, yo soy profesora de arte latinoamericano en

Estados Unidos, en la Universidad de Texas, en Austin; y también en la

Universidad de Buenos Aires, entonces, soy escritora, curadora, inves-

tigadora. Pero como investigadora y profesora tener la posibilidad

de estar en un país de América Latina, del Caribe; del cual, desde

Buenos Aires, no necesariamente sabemos mucho, cómo en-

tenderlo, no lo conocemos mucho históricamente, y artística-

mente es una gran oportunidad.

Es muy positivo que tengamos el espacio para poder hacerlo.

Yo he documentado todo y esa documentación la voy a compartir en la clase que

tengo el próximo viernes, y les voy a contar a mis estudiantes que es lo que vi, cómo

fue el certamen, les voy a explicar algunas obras. Y esa difusión de ideas no tiene un

efecto inmediato, pero sí en el largo plazo, y permite que estos estudiantes en el fu-

turo van a estar definiendo temas de investigación para sus maestrías y doctorados

desde Buenos Aires, quizás contemplen la posibilidad de hacer un trabajo de inves-

tigación sobre el Caribe, sobre República Dominicana, sobre un artista que vieron en

la clase y que les impactó. Así que son como efectos en la larga duración que son

colaterales, que uno no puede anticipar efectos inmediatos, pero que así se va con-

tribuyendo a esto que todos queremos, que es que el arte de América Latina y de

nuestros países se conozca afuera.

son 14 artistas, 19 obras. ¿cuál entiende que es el resultado

de este colectivo? ¿Qué trasfondo tienen estas obras en conjunto?

Digamos que una de las formas en las cuales uno evalúa el criterio de un ju-

rado es la amplitud de selección. Entonces yo no diría que hay una forma

de comprender la selección. Más bien hay un arco de propuestas. Sin

embargo, uno sí encuentra en forma recurrente, y creo que es muy

interesante, una preocupación por pensar la condición de isla, pen-

sar la condición de Caribe, pensar la condición de frontera, pensar

la condición de hábitos alimentarios específicos, arquitecturas

específicas, estereotipos a partir de los cuales se ve qué es

la República Dominicana desde el exterior; y desordenar

esos estereotipos. Se trata de artistas jóvenes y cultos

imagen de un momento del performance Siboney

de Joiri minaya en su presentación al jurado

del XXV concurso de arte eduardo león

Jimenes.

98

con conocimientos profundos de la historia del arte universal también, que no es-

tán haciendo una obra en un aislamiento, sino a partir de conocimiento y que dialo-

gan con otros lenguajes, con otras construcciones. Se trata de artistas que exploran

las relaciones con las diásporas, es decir, el que se queda y el que se va; y cómo se

ven mutuamente, y cómo es imposible fijarlos en una única imagen, porque ni el que

se queda ni el que se va, continúan siendo los mismos durante el tiempo en el que

están distanciados. Ni tampoco, cuando el que se fue vuelve, va a encontrar lo que

dejó. Porque las travesías redefinen todas las representaciones mentales y todas las

experiencias. Entonces, obras que tienen que ver con esas experiencias, obras que

tienen que ver con el lenguaje, con un lenguaje formal que busca anudar cierta ma-

gia, busca impactar en las percepciones del espectador, lenguajes que se basan en

la abstracción, pero que van hacia la percepción emocional, que involucran al cuer-

po. En muchos artistas la idea es, casi como de sacrificio. Sacrificio de la obra, sacri-

ficio del propio cuerpo. Llevar al cuerpo propio al límite de las experiencias, llevar-

lo hasta el borde. Hay una gran entrega. Eso es algo que se ve en los artistas. Una

gran entrega, un llevar al límite su propio cuerpo. Artistas que experimentan con la

luz, que experimentan con la fotografía. Artistas que retoman métodos constructi-

vos de la ebanistería y plantean formas totémicas. Artistas que retoman los dichos

populares, de la sabiduría popular caribeña y dominicana; y que retoman también su

propia historia, su propia biografía, sus experiencias de vida, su propio archivo, el ar-

chivo de su propia vida filmado, construido con el cariño de la familia. La comida, la

comida específica; o sea, hay un recorrido por una cantidad de cuestiones que tie-

nen que ver con los lenguajes universales y con los lenguajes propios del Caribe. Hay

un color que a una persona que viene de una ciudad como Buenos Aires también le

llama la atención. Pero, no es aislamiento. Contrariamente a lo que yo sé que siente

montaje de la obra de mónica Ferreras de la maza en el

XXV concurso de arte eduardo león Jimenes.

un dominicano, se siente aislado, yo por el contrario veo artistas que no están aisla-

dos. Pueden sentir que no tienen los recursos para estar en la escena internacional,

pero están dialogando con la escena internacional.

¿Qué tendría que decir sobre la vida profesional y el trabajo

de los artistas contemporáneos?

Que es difícil. Es muy difícil en todas partes. Y creo que una de las obras que están

aquí muestra cuan difícil es. Y que no por el hecho de vivir en Nueva York, o vivir en

Berlín uno tiene garantizado el acceso al mundo global del arte. A veces las cosas se

producen de manera inesperada. Sin embargo, yo creo que tanto los artistas como

aquello que constituye el mundo del arte y que tiene que ver con la investigación his-

tórica, con la escritura sobre el arte, con las prácticas curatoriales, con las formas de

pensar las relaciones entre las obras; me parece que son trabajos que aparentemen-

te no están muy desarrollados todavía, pero que hay que darles impulso. Porque no

se trata de un artista solo en el mundo. Se trata de una comunidad intelectual, una

comunidad de aquellos que aman el arte y que se sienten gratificados con una ex-

hibición, que no necesariamente es un coleccionista. El público en general es el po-

seedor también de todas las obras. Y que si esas redes, digamos, de personas que

conforman el mundo artístico empezaran a trabajar interrelacionadamente, eso da-

ría más posibilidades para que el arte se conociera en el exterior y para que los ar-

tistas tuvieran más acceso y más aceite en los canales para poder fluir en el mun-

do internacional del arte.

¿cómo entiende que influye el quehacer artístico y estos espacios de

concurso, en el fomento del desarrollo de alguna nación?

Evidentemente, desde el mundo en el que yo he trabajado siempre no

creo que los modelos tecnocráticos garanticen el desarrollo de un país.

Creo que la educación es el punto de partida. Es decir, en la medida

en que las personas tienen más capacidad para conocer sus opcio-

nes, pueden encontrar las maneras de realizar sus convicciones.

De la misma forma, creo que el arte es fundamental. Y que in-

corporar la enseñanza sobre el arte, el contacto con el arte

desde la escuela básica, desde la escuela primaria, es fun-

damental. Porque, en una obra, lo que sucede no es so-

lamente lo que está representado, lo que está sobre la

pared o lo que está en el espacio. En una obra se com-

pacta un mundo. Es decir, hay un universo de expe-

riencias, de vivencias colectivas, personales del

artista, relaciones con el espacio, diálogos con

la historia del arte, diálogos con la literatura

10 11

nacional e internacional; que es como si se apretaran, es como si fuera un comprimi-

do. Eso está ahí. Está en el espacio, está en la pared, es una cosa, es algo que existe.

Cada persona que se aproxima a esa obra con su propia sensibilidad, o con una sen-

sibilidad informada; es decir, con sus gustos, sus preferencias, pero también con co-

nocimiento, conocimiento sobre ese artista, conocimiento sobre como se gestó esa

obra, con todo aquello que brinda la estructura pedagógica de un museo, hacen que

ese mundo explote. Es decir, que se abra, estalle, se multiplique y se expanda. Como

si uno le pusiera agua a esas toallitas comprimidas y se inflan. Y esa obra pasa a ser

cientos de obras. Ya no es más la obra del artista. Es la obra de todos aquellos que

están frente a la obra. Entonces, yo creo que como esa obra tiene un concepto del

mundo comprimido, la posibilidad que le brinda a una persona a acceder a ese mun-

do es un privilegio para el conocimiento. Yo le doy mucho valor a la sensibilidad. Yo

creo que no se desarrolla tecnológica o industrialmente un país sin sensibilidad. Una

sensibilidad que es una sensibilidad social, una sensibilidad que es una sensibilidad

emocional, estética. Y que el trabajar en todas estas áreas de una manera coherente,

pensar los museos, pensar las exposiciones, pensar cómo crear buenas condiciones

para los artistas y para los públicos, es parte del crecimiento de un país. Y que no se

conquista la libertad, no se conquista el futuro, sin el arte. Entonces para mí es una

pieza que es parte de un engranaje complejo, pero que es indispensable.

montaje de la obra Bosque tallado de maurice

sánchez en el salón del XXV concurso de

arte eduardo león Jimenes.

montaje de la obra Better de laura castro en el salón del XXV concurso de arte eduardo león

Jimenes.

12 13



La construcción de significados colectivoseNtreVIsta a soFÍa HerNáNdeZ cHoNg cUY Jurado

¿Qué retos te ha planteado esta XXV versión del concurso de arte

eduardo león Jimenes como miembro del Jurado?

A mí me parece que el jurado, al menos en esta edición del Concurso, tuvo dos mo-

mentos de trabajo, dos etapas. Una ellas fue haber hecho la selección de los artistas

que participaron en el Concurso, que viene con sus propios retos. Y la segunda eta-

pa es la de haber tenido la experiencia de ver la obra realizada en la sala de exposi-

ción, lo cual presenta otro tipo de situación o conversación, al menos entre el jurado,

que se debe de generar con distintos criterios. Creo que los retos que se presentan

en la primera etapa, que es en la selección de los artistas de una convocatoria, es el

reto de muchas de estas convocatorias. Que es cómo realmente conocer el trabajo,

o comprender el trabajo, a partir de una serie de diapositivas digitales y de infor-

mación presentada en una solicitud de aplicación. Me parece que los retos que

eso presenta, que es una acumulación de portafolios, unos mejores desarro-

llados que otros, lo cual no significa que sea que la obra de arte o la trayec-

toria artística, o que los problemas en cuestión elaborados en la plástica,

sean mejores o peores realizados. Simplemente, que el portafolio ha sido

mejor o peor armado. Entonces, creo que los retos ante un jurado es,

por una parte, comprender que no todos los artistas saben formar

un buen portafolio. Y uno debe de, hasta cierto punto, suspender

eso como un juicio o como un criterio para llegar a un juicio de

comprender la obra o de adentrarse a la obra. Y por otra par-

te, queda claro también que luego se reintroduce ese tema

de si la calidad del portafolio es buena o no, precisamen-

te por la elaboración o el trabajo que se ha puesto ahí.

Un tema ahí de meritocracia que entra en la selección, por más o menos interesados

que estemos en utilizar eso como uno de los criterios de selección. Así es que el reto

principal creo que tiene que ver con el poder hacer sentido de información en vez

de obra. Información que es un portafolio o una solicitud, y que no es la experien-

cia ante la obra completa o ante una obra de arte de un artista. Entonces me parece

que hacer sentido de información, la cual esta hecha de mejor presentada, o mejor o

menos calidad, es un tema de este, así como de todos los demás concursos que son

en base a convocatoria. Los retos de la segunda etapa me parece que son distintos.

La exposición presenta las obra ya desarrolladas, o al menos algunas de ellas toda-

vía en los inicios de la instalación, pero que se van a terminar para su exposición. En-

tonces, creo que ahí los retos son más, al menos en la conversación entre el jurado,

sobre como también suspender el tema del gusto para poder realmente enfocarse

en los temas que hacen a la obra importante o relevante hoy en día.

¿cómo fue ese proceso de selección en el que se pasó de 141 participantes

a decidir a la decisión final de 14 artistas?

Me parece que cada uno, individualmente, analizó. Cada miembro del jurado ana-

liza los portafolios, y cada quien presentó un grupo de artistas de los cuales que-

ría conversar más, para a partir de ahí poder hacer una preselección de los artistas

a participar en el Concurso. Entonces, por una parte hay un análisis individual que

se hace del portafolio, una preselección que cada quien pone al frente para que el

tiempo que tengamos como jurado de dialogar, de conversar en conjunto, sea uno

dirigido específicamente sobre aquellos artistas que en principio nos intrigaron, o

cuya obra dejó algo de que hablar, para poder elaborar conjuntamente una discu-

sión de ese trabajo.

Vista de la sala de exposiciones del XXV

concurso de arte eduardo león

Jimenes.

1514

son 14 artistas, 19 obras. ¿cuál entiendes que es el resultado de este colectivo?

¿Qué trasfondo tienen estas obras en conjunto?

A mí me parece que varias de las obras en la exposición, y creo que es un indicador

más amplio de la escena artística dominicana, la presencia del cuerpo o el interés en

el performance como una de las técnicas o modalidades en que se desarrolla el arte

contemporáneo nacionalmente, es importante. Me parece que no solamente esta ex-

posición incluye varias obras que involucran performance o una acción, sino, si anali-

zas la historia de los concursos recientes de los últimos años, verás que también hay

un gran interés en el evento o en el cuerpo como material propio de desarrollo de la

obra. Me parece que es uno de los aspectos interesantes en la producción del arte

nacional, el lugar del cuerpo.

¿Que opinión merece la producción artística contemporánea dominicana?

Me parece que hay muchas ideas que se están trabajando. Ciertamente, no solamen-

te porque es performance, aunque fuera una obra pictórica o escultórica, claramente

hay un gran interés en procesos. Y me parece que procesos conceptuales y técnicos

son parte de lo que se puede notar en la exposición aquí mismo en el Centro León.

Creo que eso está asociado con preocupaciones filosóficas mucho más amplias, y

que tiene que ver con un querer estar en relacionamiento en vez de en aislamiento,

y eso es una construcción de significados colectivos más que individualmente.

sofía, en una entrevista que fue publicada para una revista de arte

contemporáneo, usted planteó: “el coleccionismo debe funcionar hoy y tener

una mirada para el futuro”. ¿Podría abundar más en este sentido?

En el contexto de esa entrevista, al decir yo eso, era precisamente porque me enfo-

caba o hacía todo un desarrollo sobre la importancia de estar adquiriendo o desa-

rrollando propuestas de adquisición a partir de comunidades de pensamiento, en vez

montaje de la obra Acción para Buonarrotti de

Fermín ceballos en el XXV concurso de


de simplemente ciertas figuras en el arte, ciertos artistas. Entonces era ver, más bien,

grupos de artistas que están trabajando, o grupo de ideas que se están poniendo

en trabajo, en vez de seguir la carrera simplemente de un artista y coleccionar de el

o de ella con profundidad. La propuesta y la forma en la que, de alguna manera, se

está desarrollando la obra de arte contemporáneo en la Colección Patricia Phelps de

Cisneros es a partir de comunidades de pensamiento, grupos de artistas que están

trabajando y que están dialogando ya por muchos años juntos. Y que la obra obvia-

mente está respondiendo, algunas veces, a ciertos temas compartidos, con ciertos

procesos también compartidos; cada quien haciéndolo de forma singular, pero no

dejando de mirar que en un futuro uno, para poder también tener sentido de lo

que se está creando, va a ser a partir de comunidades de pensamiento y no,

como decía, en aislamiento.

¿algún otro comentario sobre toda la experiencia de

haber participado como jurado en el concurso de arte eduardo

león Jimenes?

A mí me parece, como jurado, una gran oportunidad para darme

cuenta de qué es lo que está pasando aquí en las artes. La con-

vocatoria, como dijiste, y las solicitudes o las aplicaciones, los

portafolios que se reciben son vastos. Es un número gran-

de. Eso te puede dar, al menos, un panorama de las pre-

ocupaciones artísticas; y también, para alguien como

yo que no vive aquí, dar una introducción a algunas

de las preocupaciones artísticas y a algunos de los

artitas que están trabajando y a quienes yo de-

bería ponerle una mirada más allá como miem-

bro de un jurado.

montaje de la obra Fantasía de mi retrato familiar de randy morales (rands) en el XXV concurso de


16 17



Para poder repensar nuestro país desde el arteeNtreVIsta a Jorge PINeda Jurado

¿Qué retos te ha planteado esta XXV versión del concurso de arte eduardo león

Jimenes como miembro del Jurado?

Creo que es un reto de alegría. Primero, porque es entrar en una serie de reflexio-

nes sobre lo que es el sistema del arte, sobre lo que es el arte y cómo se desarrolla y

produce aquí. Y yo, como artista, me hago preguntas y aprendo muchísimo de todo

este proceso. Yo creo que es, para mí a nivel personal, una situación ideal. Ha sido

una alegría. No me crea angustias, sino que me crea la excitación de que sé que voy

a aprender. Y eso siempre da placer.

¿cómo fue ese proceso de selección en el que se pasó de 141 participantes a de-

cidir a la decisión final de 14 artistas?

Fue un proceso muy arduo. Muy arduo porque requiere un trabajo físico de tiem-

po y de espacio para leer las propuestas enviadas y para darle a cada artista

el espacio de respeto que merece el hecho de que haya estado trabajando

sobre tal o cual proyecto. Pero he tenido unas compañeras de trabajo ex-

cepcionales, tal como me pasó en la vez anterior, y eso evidentemente,

facilita cualquier proceso. Porque si bien puede uno entrar en postu-

ras opuestas, estás en el momento de llegar a un consenso, entras

en ese proceso de conocimiento de cómo se plantean los proyec-

tos hoy día, de cómo el artista entra en un diálogo y se hace las

preguntas correctas o no sobre lo que está sucediendo a su

alrededor. Es estupendo.

son 14 artistas, 19 obras. ¿cuál entiendes que es el resultado de este colectivo?

¿Qué trasfondo tienen estas obras en conjunto?

Cuando uno ve la exposición va a encontrar discursos en cierto momento muy di-

símiles. Sin embargo, cuando tratas de encontrar una narrativa dentro de la ex-

posición, hay una cantidad de conexiones y de puntos comunes que de una ma-

nera muy panorámica, te dan una visión de lo que está sucediendo en el país no

solamente a nivel plástico, sino de lo que está sucediendo, que es la esencia del

arte porque te cuestiona, desde la plástica, te da una explicación del mundo, de

lo que está sucediendo en República Dominicana y en relación a la totalidad de

nuestro planeta. Esa particularidad de poder repensar nuestro país desde el arte

yo creo que es una ventaja maravillosa, así como lo planteamos desde la litera-

tura, o se plantea desde la política, poder replanteárnoslo y cuestionárnoslo y

aprenderlo desde otra perspectiva nos amplía todos nuestros horizontes y

eso es fantástico.

tocando ese mismo punto, el replanteamiento, y ya más en base a tu

experiencia como artista y lo vivido como jurado en esta oportuni-

dad, ¿cuál sería tu opinión sobre la vida profesional, el trabajo que

realizan los artistas contemporáneos en nuestro país?

Creo que de acuerdo a las premiaciones, hay un nivel de com-

promiso y de honestidad que queda palpado de una manera

muy impresionante en la exposición. Yo estoy muy feliz por

Visita de escolares a la sala de exposición del

XXV concurso de arte eduardo león

Jimenes.

1918

la calidad formal de las obras, pero lo que más me encanta es como esa calidad for-

mal acompaña una reflexión conceptual profunda, decidida y desafiante. Yo creo que

estamos en un momento maravilloso para el arte.

eres artista y has fungido en dos ocasiones de Jurado del concurso de arte eduar-

do león Jimenes ¿cómo sucede la transición de artista a Jurado?

Primero, es un rol de mucha responsabilidad. Creo que lo primero fue que me obligó

a entender algo que yo, filosóficamente había seguido hasta ahora, y es que cuan-

do veo una obra yo no intento como artista tratar de resolverla, sino tratar de reci-

bir esa alegría y ese mundo que me ofrece el artista que ha hecho esta obra. Enton-

ces yo creo que el reafirmar esto ha sido para mí el mayor regalo que me ha dado el

concurso, y lo que me ha hecho sentir mejor que nada.

montaje de la obra Comedor familiar de david pérez

(Karmadavis) en el XXV concurso de


montaje de la obra Better de laura castro en el salón del XXV concurso de arte eduardo león

Jimenes.

20 21

soraya abu Naba´a

Yoel bordas

carlos de león

Polibio díaz

evelyn espaillat

Marie Jiménez

Hulda guzmán

sayuri guzmán

citlally Miranda

Jochi Muñoz

raquel Paiewonsky

david Pérez, Karmadavis

José Pión

Francisco (Pancho) rodríguez

Juan Zapata

XXV Concurso de Arte Eduardo León Jimenesjurados

los integrantes del Jurado del XXV concurso de arte eduardo león Jimenes hicieron dos viajes al centro león y permanecieron en él durante dos semanas. estos diálogos sucedieron en ese periodo de tiempo.

Jorge PINeda, república dominicana

Artista visual. Estudió Arquitectura en la Universidad Autónoma de Santo Domingo y estudió Litografía en el Taller Bordas, París. En 1985 realiza su primera exposición personal en la Galería de Art Nouveau. Desde entonces, ha presentado varias muestras individuales y ha participado en numerosas exposiciones colectivas en República Dominicana, Perú, Francia, España, Puerto Rico, Alemania, Estados Unidos, entre otros. Al tiempo que ha sido merecedor de premios y reconocimientos por su labor creativa.

soFÍa HerNáNdeZ cHoNg cUY, méXico

Escritora, curadora y viajera. Es curadora de arte contemporáneo

de la Colección Patricia Phelps de Cisneros desde el año 2011. Entre 2000

y 2010 se desempeñó como Directora del Museo Tamayo de la ciudad de México

y ocupó cargos de curaduría artística en Art in General y en Americas Society,

ambas organizaciones en la ciudad de Nueva York. Ha trabajado como agente curatorial para

DOCUMENTA (13) en Kassel, Alemania. Es miembro del consejo de Kunstverein en Ámsterdam, desde

2009. Sus textos sobre arte y cultura se publican regularmente en revistas y catálogos.

aNdrea gIUNta, argentina

Escritora, investigadora y curadora. Directora fundadora del Center for Latin American Visual Studies (CLAVIS) y del Seminario Permanente en Arte Latinoamericano. Profesora de Historia del Arte, dirige la Cátedra de Historia y Crítica de Arte Latinoamericano, del Departamento de Arte e Historia del Arte de la Universidad de Texas en Austin. Es autora de numerosos libros, entre los que se destacan Escribir las imágenes. Ensayos sobre arte argentino y latinoamericano (2011), Objetos mutantes. Sobre arte contemporáneo (2010), Poscrisis. Arte argentino después del 2001 (2009), Vanguardia, internacionalismo y política. Arte argentino en los años sesenta (2008, trad. al inglés en 2007, 1ª ed. 2001), editó también El Guernica de Picasso: el poder de representación. Europa, Estados Unidos y América Latina (2009).

2322

laura castro

Fermín ceballos

Queury dicent

Patricia encarnación

andrés Farías cintrón

Mónica Ferreras de la Maza

Marie Jiménez

Joiri Minaya

randy Morales (rands)

Jochi Muñoz

david Pérez (Karmadavis)

Freddy Pérez (Prandy)

gustavo Peña

Maurice sánchez



Artistas Selecionados y Obras

conversaciones con los artistas

según michael diers, “en las últimas tres décadas, el

género literario de la entrevista ha desarrollado una

trayectoria inusual en las artes visuales, y a juzgar por

la práctica contemporánea, podríamos considerarla

la forma textual favorita de crítica de arte.”

a partir del proceso curatorial y las

conversaciones con el Jurado, salió a relucir

una común preocupación ante la inexistencia

de publicaciones que se enfocaran

esencialmente en la producción artística

y conceptual de los artistas desde su

propia perspectiva.

coincidimos en que la mayoría de

publicaciones de arte tiene un

tono “panorámico” e histórico,

que limitan a sus lectores

al evaluar el fenómeno

de la producción de

arte contemporáneo

dominicano en su

especificidad e

individualidades.

igualmente,

reconocimos

que la

mayoría

de estas publicaciones estaban realizadas desde el

único punto de vista del crítico o historiador que las

escribía y que muchas veces los propios artistas

no eran consultados.

de aquí que consideráramos la idea de hacer el

catálogo del XXV concurso de arte eduardo

león Jimenes a partir de diálogos con los

artistas contemporáneos dominicanos

seleccionados.

mientras los artistas trabajaban en la

realización de sus obras, el equipo

del centro león sostuvo estas

conversaciones con ellos.

transcribimos aquí lo esencial.

esto no debe tomarse

como un punto de

partida para acercarse

a sus obras, sino

como un modo

de continuar

reflexionando

junto a

ellas.

24 25



Laura Castro santo domingo, 1982

“ el interés por entender las

dinámicas del espacio que habito

me ha llevado en los últimos años a

desarrollar obras que parten de una

profunda investigación visual del mismo.

Better es el resultado de un ejercicio

de observación de los códigos estéticos

populares que se manifiestan en la arquitectura

y la urbanidad, y que a mi entender revelan

importantes cuestiones sociológicas y culturales

locales. alude a un espacio de adquisición de

conocimiento que explora y revalúa la imitación como

instrumento humano elemental en la aprehensión de su

entorno, a través de mobiliario que comúnmente ambienta

salas de lectura y bibliotecas, cuyas superficies serán

intervenidas pictóricamente y su estructura alterada, imitando

una selección de situaciones formales, accidentes comunes y

técnicas populares que han sido encontradas y documentadas

durante numerosos recorridos citadinos y rurales.

entendiendo la sensibilidad, capacidad crítica y creativa como

valores a defender en el momento social y cultural que vivimos,

mi práctica tiene como punto de partida la observación y

apreciación de mi contexto. mi producción parte en todos los

casos del ejercicio del pensamiento crítico y la apreciación

sensible de la fisicidad que producen las condiciones

culturales de mi entorno. ”

Es egresada de Bellas Artes e

Ilustración y Diseño de Modas de La

Escuela de Diseño Altos de Chavón,

La Romana, República Dominicana.

Realizó estudios complementarios

de dibujo en The Cooper Union,

Nueva York, Estados Unidos y

concluyó la licenciatura en Artes

Visuales en la Escuela Nacional de

Artes Plásticas de la Universidad

Nacional Autónoma de México

(UNAM), México D.F., México.

Vive y trabaja en Santo Domingo,

República Dominicana.

laura castro

Better 2014 mobiliario de madera medidas variables

2726

laura castro

Better 2014 mobiliario de madera medidas variables

composiciones parten de los objetos que

colecciono. Por mucho tiempo estuve

interesada en las miniaturas y en conjunto

con mis investigaciones teóricas lo que

hacía era crear metáforas de cuestiones

humanistas de una forma muy ligera, muy

sugerida.

Pero luego, cuando regresé al país, que uno

recorre un poco, y hay menos miniaturas

y cositas que en México sí encontraba,

comencé a coleccionar pedazos de blocks y

retazos de cambios urbanos. Y poco a poco

me fui interesando más en lo que podemos

ver de humano en lo urbano.

Recolectar y pintar.

Háblanos sobre tu obra del XXV concurso

de arte eduardo león Jimenes.

La obra se llama “Better”. Comenzó

como un simple interés por imitar unos

materiales locales sobre mobiliario usado

de madera, refiriéndome así a la pretensión

y el estatus. Son maderas sin mucho valor,

e imitar encima de ellas mármoles y otros

materiales que tuvieran cierto estatus. Es un

ejercicio de aprendizaje mimético.

Partir de la observación de mi entorno

a través de la imitación y así crear una

empatía con mi hábitat. Siguen siendo

muebles de madera, sobre los cuales estoy

imitando la textura de piedra. Incluyo una

serie de fotografías donde muestro ese

desarrollo de toda la observación que he

ido realizando a través de los años de mi

entorno, y muestro esa empatía con lo que

tengo alrededor a través de ejercicios de

imitación de cosas puntuales, elementos

arquitectónicos, situaciones urbanas, etc.

entonces hay un trasfondo, no solo social,

sino de investigación en el proceso de la

obra.

Más que filosófico, pretendo que sea

algo propositivo. Creo que tuve un

tiempo de conflicto con el hecho de

volver al país, por unas cuestiones

Háblanos sobre tu formación como artista

y los escenarios en que has mostrado tu

obra.

Empecé mis estudios de arte en Altos de

Chavón. Hice la carrera de Bellas Artes, allá

es nivel técnico. Justo terminando Bellas

Artes e Ilustración, como se llama la carrera

allá, hice diseño de modas. Luego ocurrió

un intercambio con la UNAM, en México,

para terminar la licenciatura en artes

visuales y lo aproveché.

Me fui a México, terminé la carrera y estuve

tres años más allá. En México también

empecé una maestría en teoría crítica.

De exhibiciones, lo más reciente, el año

pasado participé en la Bienal Nacional en

una pieza colectiva con Engel Leonardo.

Ahora mismo estoy trabajando para

Storefront for Art and Architecture

en un proyecto sobre los cambios

sociológicos que acompañan a

los cambios arquitectónicos y

urbanos de la modernidad y la

postmodernidad.

¿cómo son tus procesos

de trabajo y en que

temarios te basas?

Fundamentalmente

trabajo pintura,

realismo. La

mayoría

de mis

que para las personas con intereses

culturales generales o intelectuales siempre

están presentes, que es la falta de opciones

en ese sentido.

Y en un momento decidí, más bien, crearme

soluciones en ese sentido. Entonces, la

pieza yo la veo más como eso. Por eso es

un ejercicio de empatía. Es como soltar esa

actitud crítica que se queda en la crítica y,

más bien, hacer un ejercicio de apreciar y

de aprender de lo que está. Mi investigación

visual tiene ya como 4 ó 5 años.

¿consideras que esta obra tiene un

público puntual al que le emites el

mensaje, o esto es para que cada quien

genere su propia percepción?

Sí, siempre es genial hablarle a la mayor

cantidad de gente posible. Pero creo que

hay varias cosas pasando, porque en un

sentido habla de la pretensión; pero en

otro sentido también habla de otro tipo de

conocimiento, que no es lo que típicamente

se conoce como la adquisición de cultura,

sino que es un conocimiento que viene más

de algo más esencial. Y yo creo que eso

puede hablarle a cualquiera, o así lo espero.



Conversación conlaura castro

32 33



Fermín Ceballos san cristobal, 1978

“ en mi primer año de escultura

en la escuela de bellas artes

recuerdo una frase de miguel Ángel

buonarroti pegada en la pared del

aula: “cada bloque de piedra tiene una

estatua en su interior y es la tarea del

escultor descubrirla”. desde entonces la

he escuchado y leído en diversas ocasiones.

¿Qué tal si dentro de una piedra no hay

ninguna escultura o simplemente el escultor no la

encuentra? ¿Qué tal si no le interesa descubrir nada y

sin más propósito que cincelar la piedra, persiste hasta

desintegrarla totalmente, reduciéndola a un montón de

pequeños fragmentos, aniquilando irremediablemente la

posible escultura en su interior?

el arte es para mí un refugio existencial, solo a través de este

medio puedo lidiar con el mundo aunque no estoy seguro si es

el arte una manera de contender mis conflictos o si es el conflicto

mismo… tal vez ambas cosas. siempre he tenido intereses diversos,

una curiosidad que me lleva a experimentar y explorar posibilidades,

incursionar en diferentes disciplinas, técnicas, aspectos formales y

conceptuales del arte. no puedo ni me interesa aferrarme a una

sola disciplina, medio o temática. ”

Estudió en la Escuela Nacional

de Bellas Artes, Santo Domingo,

República Dominicana. Sus

exposiciones individuales más

recientes son “Sueños persistentes”,

en La Galería, Altos de Chavón, La

Romana (2014) y “Perturbación”,

en el Centro Cultural de España,

Santo Domingo (2012). En 2013

participó en el 11th World Cultural

Art Simposium, Mosan Art Museum,

Corea del Sur; la Bienal Nacional de

Artes Visuales, en Santo Domingo,

e Independence Do Encuentro

Internacional de Performance,

Puerto Plata, República Dominicana.

Fue galardonado en 2012 con el

segundo premio del Concurso

Nacional de Escultura Luichy

Martínez Richiez, organizado por la

Embajada de Francia en República

Dominicana.

Premio XXV Concurso de Arte Eduardo León Jimenes

3534

0

Fermín ceballos

Acción para Buonarroti 2014 performance

contradicción y negación de lo aprendido

para plantearse sus propias posibilidades.

Recientemente, estuve en el “World Cultural

Art Simposium”, en el Mosan Museum,

Corea del Sur, tallando un bloque de

granito. Luego, en Nueva York, hice un

proyecto de grabados en Coronado Studio

y, posteriormente, hice una residencia

artística en altos de Chavón, donde en abril

de este año presenté la exposición “Sueños

persistentes”. Actualmente estoy en Nueva

York, haciendo una residencia de grabado

por invitación de Julio Valdez.

¿cómo son tus procesos de trabajo y en

que temarios te basas?

Constantemente tengo la necesidad de

experimentar algo nuevo, por lo que mis

procesos siempre varían, además trabajos

en varias disciplinas. Siempre depende de

la disciplina y las características de la obra

que esté desarrollando en el momento.

En mi pintura, que es lo que más he

trabajado siempre, hay un marcado interés

por los valores matéricos y técnicas no

tradicionales. En el performance siempre

hay un marcado interés por el tiempo y la

persistencia.

Aunque abordo diversos temas, mi obra

en general está marcada por un carácter

introspectivo, podemos decir que a nivel

temático es una obra íntima pero universal

a la vez, porque surge a partir de mis

conflictos y reflexiones personales, pero

plantea cosas con las que el espectador

también se puede sentir identificado o

construir su propia historia, como un espejo

en el que todos se pueden ver reflejados.



La obra está conceptualmente basada en

una frase de Miguel Ángel Buonarroti:

“Cada bloque de piedra tiene una

estatua en su interior y es la labor

del escultor descubrirla”. A



obra.

Me inscribí en la Escuela de Dibujo del

Liceo Musical de San Cristóbal cuando

tenía 13 años, por sugerencia de Sexfraín

Linares (un pintor de paisajes amigo de mis

padres), quien al ver mi habilidad e interés

por el dibujo me estimuló y me recibía en

su casa para iniciarme en la pintura.

Paralelamente, también me inscribí en la

escuela del profesor Miguel Mella. En ese

punto ya todo mi mundo era la pintura. A

los 15 años ingresé en la Escuela Nacional

de Bellas Artes, donde estudié de 1993 a

1998. En el 98 conozco a Thimo Pimentel,

con quien tomo varios talleres de cerámica

y trabajo por varios años en los Talleres

Igneri. Posteriormente he tomado

talleres de escultura, performance y

grabado, entre otros.

Pero siempre he considerado

determinante para el desarrollo

de un artista la formación

autodidacta y la capacidad

de desaprender todo lo

que te han enseñado

para encontrar tu

propio modo de

ver y hacer las

cosas, hay que

entrar en

conflicto,



Conversación conFermín ceballos

partir de esa frase me hago una serie de

cuestionamientos en los que planteo y

exploro posibilidades alternativas a esta

afirmación.

También me inquieta la situación de la

escultura en el país y esta obra de algún

modo la refleja. La idea de transmitir

el performance en vivo vía internet es

porque era una manera prácticas de darle

seguimiento al proceso en tiempo real.

No resultaba factible plantearse una obra

de esta naturaleza con la presencia del

público. Y tampoco funcionaba como video

o foto-performance porque era importante

la vivencia del proceso.

40 41



Queury Dicent san cristobal, 1978

“ Mis dos yo trata de develar

una mujer que no sabe a bien

quién es o quién debe ser, muestra

la disociación de ella misma en su

eterna pelea por satisfacer un entramado

social que le pide, que le exige aparentar

ser deseable, exitosa, apetecible, delicada,

y un largo listado de cualidades. Mis dos yo

es una obra que trata de retratar el culto a la

belleza y sus implicaciones sociales y psicológicas.

los seres humanos han desarrollado múltiples

técnicas para ornamentar sus cuerpos, sin embargo,

desde hace no mucho tiempo se ha desarrollado todo

un mundo de técnicas de embellecimiento que apuntalan

una filosofía de ser bello para triunfar o sentirse mejor con

uno mismo, empleando estándares establecidos que cambian

frecuentemente. al final se podría decir que es una vanidad

dosificada que nos remite a un supuesto éxito en cualquiera de

sus formas. Mis dos yo trata de develar una mujer que no sabe a bien

quién es o quién debe ser, muestra la disociación de ella misma

en su eterna pelea por satisfacer un entramado social que le

pide, que le exige aparentar ser deseable, exitosa, apetecible,

delicada, y un largo listado de cualidades.

con mi trabajo trato solo de expresar como veo el mundo,

desde mi punto, con su lado negativo y su lado positivo,

y quiero evidenciar como vamos interactuando en una

sociedad que cambia a un ritmo vertiginoso. ”

Es egresada de Mercadeo de la

Universidad APEC. Se desempeña

profesionalmente como fotógrafa.

Fue artista seleccionada en el

segundo Premio Joven de la Imagen

y Video del Centro de la Imagen en

Santo Domingo. En la actualidad es

miembro del Colectivo Charlie Atlas.

4342

Queury dicent

Mis dos yo 2014 Fotografía digital a color sobre papel 138.3 x 138.6 x 16.7 cm

44

Qeury dicent dialoga con los públicos sobre su obra.

Y es como un reclamo, una forma de

preguntar ¿por qué?, ¿por qué esto es

así?, ¿por qué tengo que cambiar mi forma

de ser?, ¿mi pelo? O sea, yo ahora tengo

el pelo recortado así porque ya estoy

independiente. Pero cuando yo tenía que

trabajar, tenía que estar con mi pelo liso.

Es increíble.

Eso es de lo que viene a hablar la obra.

Después fue creciendo más, ya no

solamente te habla del pelo, no solamente

te habla de lo que es el maquillaje, de lo

que es tu forma de ser, de tu nariz, de tus

ojos; o sea, de todo lo que tiene que ver son

tu físico, que ahora mismo en el momento

que vamos nos van exigiendo más cosas,

hay que cambiar más cosas. Mis trabajos,

normalmente, son autorretratos.

conversación conmigo

–¿Y ese nombre que tienes ahora? Hasta

eso cambiaste, ya ni me llaman por

mi nombre, con el cual fui bautizada.

¡Sí, fui, no fuimos! Es increíble, como

fuiste transformándome en alguien

completamente diferente, ya ni me

reconozco cuando me paro frente al espejo.

¿Qué hiciste con mi pelo, con mi nariz que

era igual a la de mi abuela? ¿Qué has hecho

de mi sonrisa que era tan natural y honesta?

–Ya ni mis fotos de adolecente quieres ver y

te molesta cuando mamá las enseña, ¿Qué

fue lo que pasó? ¿Por qué hiciste esto? ¿No

estás orgullosa de lo que eras?

–¡Ah! Ahora vienes a reclamar que no

te conoces cuando nos miramos en el

espejo. Sí, cuando ¡Nos miramos en el

espejo! Porque sé que estás ahí, para bien

o desgracia mía. Por más que lo intento

aún sigues ahí. ¿Es que no recuerdas las

veces que llorabas cuando se burlaban

de tu nariz? O cuando te ponían apodos

por tu espantoso pelo, o el trabajo que no

conseguiste “porque están buscando otro

tipo de persona”. ¡Ah, qué fácil es reclamar!

Recuerdas cuanto sufrías porque todas tus

amigas tenían novio, pero tú no, por fea, sí,

perdona que te lo diga, pero eres fea, ahora

míranos, sí míranos, te dejo compartir esto

conmigo.

–Desde que nos operamos la nariz,

arreglamos nuestro pelo, y nos realizamos

unos retoques por aquí y otros retoques por

allá, tuvimos los hombres que queríamos a

nuestros pies. Ya éramos suficientemente

buenas para cualquier trabajo, sin contar

otros beneficios que llegaron bien rápido…

Así que no vengas con tu moral barata, que

esta transformación nos costó mucho, sí,

mucho. Ve acostumbrándote. Si quieres

reclamar, búscate a alguien más.

¡Ah! Y si te sientes incómoda porque mis

fieles, sí, mis fieles, vengan a adorarme,

lo siento por ti, yo si tomé la decisión de

cambiar. Por eso ahora soy la Señora de

los Dos Yo. Ahora soy muy feliz… No sé tú…

Q.D.



obra.

Soy mercadóloga. Llegué a interesarme

en la fotografía a través de mi esposo,

porque él es fotógrafo. A través de él me

comencé a involucrar en la fotografía y el

arte. Pertenezco a un colectivo y de ahí

comenzamos los trabajos. Fui seleccionada

en el Premio Joven de la Imagen y Video

del Centro de la Imagen de Santo Domingo.



La fotografía se llama “Mis dos yo”. Es una

fotografía que nació por una problemática

muy personal, que con el tiempo fui

descubriendo que es una problemática

de muchas mujeres en el país, y no

solamente en el país, sino en todas

partes.

Yo estuve en México y me di

cuenta que es lo mismo, con

ciertos grados de diferencia,

pero es lo mismo. De ahí

nació esa fotografía, de

una problemática en

mi casa, en el área de

trabajo. Por tener

que cambiarte

físicamente

para poder

escalar o

hacer

algo.



Conversación conQueury dicent

48 49



Patricia Encarnación santo domingo, 1991

“ el proyecto titulado El negro detrás

de la oreja tiene como objetivo realzar

la cultura dominicana, rechazando las

creencias raciales y clasistas que existen en

nuestro país. mediante una serie de objetos

populares vaciados en porcelana y composiciones

fotográficas basadas en frases populares, se

crea una sátira que pretende identificarnos como

dominicanos. resaltando así, que ni el color ni la

clase social son determinantes importantes de nuestra

identidad. el objetivo de convertir en piezas de porcelana

estos objetos considerados “ordinarios”, es colocarlos en

un contexto que le añada el significado y la importancia que

realmente tienen en la cultura de nuestro país.

parte de la identidad de un individuo es definida por factores

externos a sí mismo, elementos que han sido demarcados por la

sociedad y/o el ambiente al cual él ha estado expuesto durante su

vida. por mucho tiempo negué esa parte de mi identidad, la que fue

definida por el lugar donde crecí, república dominicana. después de

haber sido descontextualizada de dicho lugar, tuve la oportunidad

de ver desde otra perspectiva mis orígenes y poder apreciar lo que

soy: dominicana. en el momento que acepto lo que soy e inicio mi

exploración de esta parte de mi identidad, descubro como he

arrastrado conmigo problemas raciales y clasistas que han sido

inculcados por mi propia cultura, que me han mantenido todo

este tiempo sesgada, fragmentada. ”

Inicia sus estudios en La Escuela

de Diseño Altos de Chavón, La

Romana, República Dominicana,

donde realiza un técnico en

Ilustración y obtiene un grado

asociado en Diseño Gráfico.

Posteriormente, culmina su

licenciatura en Bellas Artes en

Parsons The New School for Design,

Nueva York, Estados Unidos.

Premio Ciudad de Cádiz. Ayuntamiento de Cádiz, España

5150

patricia encarnación

El negro detrás de la oreja 2014 imágenes digitales sobre papel y cerámica políptico de 15 piezas 5 piezas, 122 x 152.5 x 10.5 cm c/u y 10 con medidas variables

en frases dominicanas populares y las cinco

piezas de cerámica que son: la yuca, el

plátano, el rosario, rolo y peine, y el ron.

La razón por la que las visualizaba en

vitrinas es que, si uno se fija en la casa de tu

abuela, siempre van a tener esas vitrinas de

caoba con todas sus piezas de porcelana

fina que nunca nadie las usa. Es como que

en esas vitrinitas me imaginé, obviamente

no iba a estar tan ornamentada como la

vitrina de mi abuela, pero me imaginé como

mi abuela lo pondría.

Es como parte de la misma cultura de

nosotros, como que todo el mundo que va

para la casa de la abuelita ve esa porcelana

bella o piezas de cerámica en esa vitrina.

Esa fue la razón que me hizo como el click.

Porque parte de la razón por la que estoy

utilizando el medio es también analizar

como la gente coloca y utiliza diariamente

las piezas de cerámica, o sea, sus objetos

de diario de cerámica. Y así fue que hice

esa conexión.

El objetivo que ando buscando con mi

pieza es que la gente vea estos objetos

que consideramos ordinarios en un

contexto diferente, y los vean como estas

piezas hermosas que conforman parte

de nosotros. Ya no lo van a ver como

un plátano, lo van a ver como una pieza

de cerámica en una fotografía, con una

apreciación estética.

No sé si antes mencioné las frases populares

que estoy utilizando. Por ejemplo, el de la

composición del ron, la frase es: “No hay

mujeres feas, sólo poco romo”. Esa es la

frase mía, pero es una frase que realmente

es súper popular, pero tu ves la fotografía,

tu ves la pieza de cerámica, y todo se ve

tan bello y tan estético, que ya tu no ves

esa frase como “¡Hay poco romo! ¡denme

romo!”; lo ves como: “¡Que lindo!”. Como

que le das una nueva apreciación.

Ese es el objetivo de mi proyecto, darle la

oportunidad al público de ver esos objetos

en otro nivel.

Háblanos sobre tus obras en el XXV


El título de mi obra, “El negro detrás de

la oreja”, surge por el poema de Juan

Antonio Alix. Es la crítica dirigida al pueblo

dominicano por la falta de apreciación de

sus raíces. Eso ha sido lo que a mí siempre

me ha ocupado. No lo he entendido, no he

podido entender por qué tenemos esa falta

de apego a nuestra cultura. Obviamente,

existen razones raciales, clasistas.

Mi obra está conformada por fotografía y

cerámica. Todo empieza en el momento en

que yo leo sobre la cerámica, lo mucho que

ha influido en la conformación de diferentes

culturas. Paralelamente me encuentro

estudiando el problema de racismo y

las raíces de nuestra cultura, y veo las

relaciones existentes entre todos los temas.

Es fundamental mi estudio sobre la

representación de todos los elementos

que conforman la base de nuestra cultura:

africano, europeo y aborigen. Ahí es que

decido iniciar el proyecto “El negro detrás

de la oreja”. Cuando trato de combinar esta

investigación que tengo, y este problema

de clases y razas, me dirijo a la base de

la cultura dominicana y a sus elementos

cotidianos, que mucha gente los considera

ordinarios.

Elementos alimenticios, como el plátano,

la yuca. Elementos musicales, como la

güira, la tambora. Elementos religiosos,

como el rosario... Entonces trato de tomar

esos elementos ordinarios y, basándome

en mi investigación de la cerámica, los

recontextualizo y los convierto en estas

piezas de cerámica.

Ese es mi proyecto. Mi proyecto es la

recontextualización a través de la media,

o sea de la media de cerámica, de estos

objetos que nosotros consideramos

ordinarios. Que no son ordinarios, son

parte de lo que nosotros somos.

En resumen, son una serie de cinco

fotografías de la piezas, basadas



obra.

Mi educación inició en 2009, cuando

decidí entrar a Chavón. Inicio Chavón,

hice tres años, que es el año Básico,

después Ilustración y luego terminé con

Diseño Gráfico. En el tercer año consigo

la oportunidad de ir a Parsons The New

School of Design en Nueva York, Estados

Unidos.

Ahí completo mis dos años. Mi desarrollo

profesional ha sido un trayecto todavía

corto pero siempre con el mismo

entusiasmo desde el primer día que inicié

Chavón. Siempre tuve en mi mente lo

que quería hacer. Desde el principio me

desarrollé en bellas artes, en ese proceso

aprendí que los medios técnicos no te

definen, que tu concepto va a definir

los medios técnicos que utilices.

Mi obra ha salido reproducida en

diversas publicaciones como la

Zip Magazine. También tuve

la oportunidad en exponer

en La Galería de Altos

de Chavón. En Parsons

The New School of

Design realicé una

presentación de

mi fotografía.



Conversación conpatricia encarnación

56 57



Andrés Farías Cintrón santo domingo, 1985

“ en mi obra utilizo la imagen

como un vehículo crítico que

coloca en tela de juicio el camino

que hemos elegido como sociedad

caribeña insular en el siglo XXi, a

través de la contraposición de imágenes

fragmentadas de la ciudad, el campo y el

individuo. asimismo, en mis piezas intento

retratar la deshumanización a la que nos

vamos encaminando en la actualidad, además

de cuestionar el papel del artista, su creación y

la reinterpretación de la imagen como agente de

cambio social y resistencia a través de la absorción de la

realidad y su reinterpretación. un calidoscopio de símbolos

transformados una y otra vez, ejemplo del bombardeo

constante de imágenes fatuas en las que nos vemos inmersos

diariamente en las distintas pantallas que nos rodean, articuladas

cada vez más como deidades divinas.

creo que el ‘método’ del artista es el auto-descubrimiento y el

medio para alcanzar y dominar el medio es la confrontación. por

esto trato de crear piezas que me enfrenten y reten a cambiar

los significados, romper realidades y experimentar libremente.

intento forjar con cada nueva pieza mi propio discurso

y mirada, a la vez que establezco un estilo personal

y diferenciador sin dejar de ser fiel a mis valores y

principios. intento, con mi obra, desmantelar el caos

que parece rodearnos utilizando la cámara, narrativa

y experimentación para engrandecer, desmenuzar y

potenciar la cotidianidad. ”

Egresado de Publicidad de la

Universidad APEC. Cuenta con un

máster en Cine, Televisión y Medios

Interactivos en la Universidad

Rey Juan Carlos, así como una

especialidad en Guión y Dirección

de Cine Digital en la Escuela de

Nuevas Tecnologías en Madrid,

España. Actualmente cursa la

especialidad de Dirección de Ficción

en la Escuela Internacional de Cine

y Televisión de San Antonio de los

Baños, Cuba, y trabaja su primer

largometraje: “Candela”.


Honeypot 2014 Videoarte blanco y negro con audio proyección en bucle

Premio Colección Patricia Phelps de Cisneros. Fundación Cisneros

5958


Honeypot 2014 Videoarte blanco y negro con audio proyección en bucle

6362

me interesa son las incomunicaciones de

las personas y la insularidad, sobretodo

el Caribe. Aunque no necesariamente

presente un tipo en el mar pescando.

Subliminalmente, siempre estoy hablando

sobre eso. Sobre como estar rodeado de

agua por todas partes, porque de una u

otra manera ese hecho te va formando y te

hace pensar y actuar de una manera u otra.

cuéntanos sobre la obra con la que estás

concursando. ¿Qué implica esta pieza?

Mi pieza es básicamente un videoarte

que se llama “Honeypot”, que en sería

en español “Tarro de miel”. La realicé en

Cuba en diciembre. Lo rodé con película

vencida de 16 mm, con una cámara Bolex,

que son estas cámaras con las que puedes

rebobinar y volver a filmar sobre el material

ya filmado.

Fue la primera vez, yo siempre he trabajado

en digital y alguna cosa en 16 mm, pero

esto fue bastante particular porque esta

cámara te ofrece efectos que las otras no.

Tiene muchos defectos que se usan como

virtudes. O sea, que se mete un rayo de

luz, que si tú estás filmando y quitas el ojo

entra la luz y se vuelve negativo; fue un

proceso bastante divertido, porque fue muy

experimental.

Partí de una idea, como soy de la ciudad y

he vivido toda mi vida en ciudades, y es la

primera vez que vivo en el campo, estuve

reflexionando mucho sobre la vida en el

campo. Sobre lo distantes que estamos de

los árboles, puede parecer muy hippie, pero

no. De cómo estamos más pendientes a ver

pantallas que a mirar hacia arriba.

Partiendo de esa idea, aproveché todas las

áreas verdes de donde vivo y los animales,

porque vivo como en una finca, y filmé

con esa pequeña idea y llevándome de la

intuición, y experimentando qué pasaría

si rebobino y filmo al revés ahora,

como jugando, básicamente.



obra.

Estudié publicidad, me fui a Madrid, España,

para hacer una maestría en televisión y

medios interactivos. A través de los medios

interactivos fue que empecé a pensar en

instalaciones. Y de Madrid, donde viví tres

años, me fui a Cuba, donde estoy viviendo

actualmente.

Estudio en la Escuela Internacional de

Cine de San Antonio de los Baños, en la

especialidad de Dirección de Ficción. Es

una escuela que tiene una forma de enseñar

bastante particular cine. Por un lado,

vengo de la ficción, de hacer cortometrajes

sobretodo. Y los cortometrajes han

estado en festivales nacionales en Santo

Domingo.

Fuera de República Dominicana he

podido presentar mis trabajos en

Francia (en Clermont-Ferrand),

en España (en Madrid y en

Barcelona), en Cuba y en

Uruguay.

¿en qué temarios

te basas para tus

obras?

Generalmente,

por lo menos

a nivel

consciente,

lo que

más

Fue también la primera vez que seguí todo

el proceso de revelado. Y en el revelado en

sí también comencé a experimentar con

químicos y a rayar la película y ese tipo de

cosas, para luego terminarlo de manera

digital, que también fue la primera vez que

hago como este híbrido.

El que el título de la obra esté en inglés

no responde a nada en particular. Estuve

leyendo un libro sobre la vida de las abejas,

porque leí que Buñuel se obsesionó con un

libro de la vida de las abejas y me dije: ¿Por

qué Buñuel habrá leído sobre abejas?

Comencé a leer sobre abejas, de alguna

manera el proceso de hacer miel se

relaciona con otro mundo que ya no existe,

que era donde el tipo venía y cogía el panal

y tenía sus abejas. Había una relación más

directa entre la naturaleza, el hombre y sus

abejas.

Creo que el tema mío, el “Honeypot”, el

tener miel, iba un poco sobre esto. Mi idea

de ir en contra de toda esta maquinaria,

todas estas pantallas negras, todo este

Internet; y me acordaba a mi infancia, a

mi abuelo que me daba miel, y ese tipo de

cosas.



Conversación conandrés Farías cintrón

64 65



Mónica Ferreras de la Maza santo domingo, 1965

“ esta propuesta es basada en una serie

de dibujos llamada Hope. estos dibujos

son una reflexión sobre aquellos momentos

difíciles y oscuros de la vida donde no parece

haber luz al final del túnel. como si miráramos

un álbum de fotos, desde una mirada en el

presente y fuera del túnel, nos damos cuenta que en

realidad siempre hubo luces a nuestro alrededor. luces

manifestadas en el apoyo de los amigos, familiares, en un

libro, en un compartir con un extraño, etc. luces grandes y

pequeñas que siempre han estado ahí pero, como pasa con

las estrellas, que muchas veces las damos por sentadas. estas

luces las resalto en tinta negra como queriéndome decir: “mónica

ahí está…no te olvides”.

mi cuerpo de trabajo en los últimos años ha tenido un componente

autobiográfico muy marcado. si es visto de manera cronológica, se

pueden capturar diferentes momentos de mi vida: mis interrogantes;

momentos difíciles y tensos; períodos de crecimiento y de luz. en el

aspecto formal, algunos símbolos son recurrentes como la espiral, el

laberinto y las mándalas. además de estos símbolos, hay un uso obsesivo

de líneas, puntos y círculos. Yo construyo mis pinturas y dibujos usando

múltiples capas de pigmentos que van desde las más ligeras hasta

las más sólidas, creando así una atmósfera bien densa con muchas

transparencias y profundidades. paralelamente a este cuerpo de

trabajo, también he venido haciendo instalaciones y videoarte

en los que predomina el componente social. estas obras están

basadas en situaciones de mi entorno cotidiano que llaman mi

atención y me motivan. ”

Sus medios de expresión son la

pintura, el dibujo, la instalación

y el videoarte. En sus 21 años de

trayectoria artística ha realizado 12

exposiciones individuales en galerías

y centros culturales del país y el

extranjero. En 2013 fue ganadora de

la primera residencia del Davidoff

Art Initiative que se realizó en el

International Studio and Curatorial

Program de Brooklyn, Nueva

York, Estados Unidos. En 2010 fue

ganadora del XXII Concurso Eduardo

León Jimenes. Ha participado en

exposiciones colectivas entre las

que se cuentan: “Inside and Out,

Recent Trends in the Arts of the

Dominican Republic”, organizada por

el Inter-American Development Bank

Cultural Center en Washington D. C.,

Estados Unidos.

mónica Ferreras de la maza

Nunca es tarde si la dicha es buena 2014 acrílica sobre tela. 245 x 137.5 cm

66 67


Son solo burbujas de la vida… espejos de preguntas y esperanzas 2014 instalación de hilo nylon y fotocopias 500 x 500 cm detalle y maqueta


Nunca es tarde si la dicha es buena 2014 acrílica sobre tela. 245 x 137.5 cm

social, más de lo que es mi entorno, el

país y las cosas que yo veo que quiero

denunciar y hablar sobre temas que son

más comprometidos ideológicamente.

En las instalaciones es igual, pero hay

algunas instalaciones que se pueden,

al día de hoy, conectar con mi proceso

de vida. Estuve por muchos años

trabajando con algunos de los conceptos

‘junguianos’, como el laberinto, el proceso

de individualización, el mandala, lo que

le llaman “la persona”, que es lo que

comúnmente llamamos “la máscara”, y

algunos otros conceptos.

En ese momento no podría decir que lo veía

como que también hablaba de mí, pero con

el tiempo mirando hacia atrás, puedo ver la

conexión y el componente personal dentro

de esas instalaciones.

Háblanos sobre tus obras en el XXV


Hay una pintura que se llama “Nunca

es tarde si la dicha es buena”, es una

manifestación de cómo me siento al día

de hoy: feliz y agradecida de la vida. Es

un pequeño homenaje a esta etapa de mi

vida. La otra, “Son solo burbujas de la vida…

espejos de preguntas y esperanzas”, es una

pieza que trata sobre la memoria.

Las dos tienen el componente que son

piezas autobiográficas. Una, más que nada,

mirando al pasado, que es la instalación;

donde hay unas burbujas que están

hechas basadas en unos dibujos. Esos

dibujos se reproducen, rasgan, y vuelvo a

ensamblarlos formando las burbujas.

Esas burbujas se conectan entre ellas en un

espacio determinado, en una habitación.

Y lo que estoy hablando con esa pieza

es de la memoria, de como yo veo la

memoria, como yo la asimilo; y con el

otro componente de cuando hay etapas

difíciles en la vida o momentos de

caos, turbulencia o incertidumbre;

los dibujos tienen un componente



obra.

Estudié en la Escuela de Diseño en Altos

de Chavón, hace muchísimos años, en la

primera promoción. De ahí me fui a La

Haya, en Holanda, a la Escuela Nacional de

Bellas Artes, con una beca que me gané por

un año. Luego regresé al país.

Esa es mi formación. He expuesto en

colectivas en varios países. En Estados

Unidos, en Rhode Island, Nueva York,

Massachusetts, Colorado y Miami. En

Europa he participado en colectivas en

Berlín, Oslo, en París y en algunas ciudades

de España. No me acuerdo de más...



Mi obra la he dividido a nivel

conceptual. Manejo dos cuerpos

de trabajo. Porque cuando pinto

y dibujo, generalmente es

una obra más íntima, que

habla más de mí, de lo

que son mis procesos

de vida. Y cuando

hago instalaciones

o videoarte,

muchas veces,

sobretodo en el

videoarte, el

componente

ha sido

más

que tiene puntos de luz, y yo con eso hablo

de que siempre ha habido luz en la vida de

nosotros, o mía.

Esta pieza habla en término personal. Y

cuando yo miro y entiendo que todas esas

experiencias que yo he vivido, las buenas y

las que no son tan buenas, no han sido mas

que aprendizajes que forman y conforman

lo que es Mónica al día de hoy. De eso es

que esa pieza se trata.

Recurro al rasgado como recurso formal,

pero que me aporta a la parte conceptual.

Porque como yo veo la memoria es ese

proceso de reconstruir sobre pedazos

de cosas que uno recuerda y luego, al

momento justo de yo recordar, lo que

hago es unirlas de nuevo pero no dejan de

ser pedazos. Por eso yo rasgo, o en buen

dominicano, ripeo los originales de los

dibujos.

¿cómo evalúas el panorama nacional en

materia artística?

Voy a hablar a partir de mi generación y de

la de los que vienen. Siento que ha habido

cambios importantes y positivos. ¿Qué

uno siempre quiere más? Sí. Creo que eso

es parte de la naturaleza humana, querer

siempre más. Pero han sucedido cambios

positivos en diversos sentidos: tenemos una

serie de artistas que tienen una presencia

a nivel internacional, en exposiciones

importantes, colectivas, que los curadores

los están tomando en cuenta. Eso es muy

positivo.

También me alegra mucho ver que hay un

relevo de artistas que andan entre finales de

los 20 y principios de los 30 años de edad

que yo. Particularmente, me alegro mucho

de verlos porque son artistas que ya están

demostrando que tienen mucho talento,

que están tomando su carrera con una

seriedad y una responsabilidad que es muy

importante porque el talento per se no es

suficiente.



Conversación conmónica Ferreras de la maza

72 73



Marie Jiménez santo domingo, 1991

“ este video instalación consta

de un video y una pintura que

muestran, a la vez, a un pintor como

marginalizado y privilegiado social; al

mismo tiempo que sugiere analizar el rol

del video ante el lenguaje tradicional de la

pintura. el video como centro de la instalación

muestra el vínculo entre dos artistas emergentes

que viven en contextos diferentes: edward y

marie. esta parte de la instalación muestra a edward

como el artista en la periferia; a través de relatos de

su evolución como pintor en un contexto donde no se

le presentan oportunidades para que su producción sea

valorada. la instalación utiliza esta paradoja del pintor para

cuestionar si el marginalizado tiene una voz y si puede uno

reconocerse como tal.

mi práctica se fundamenta en el uso del video como herramienta

para trasladar la periferia hacia el centro. exploro las problemáticas

que generan este interés; entre ellas la relación que existe entre la

marginalización y la felicidad, el conocimiento y el centro, y los límites

que separan el centro de la periferia. mi trabajo muestra estos

temas a través de la documentación de sujetos en situaciones

ficticias o reales, presentándoles de forma que aborde su

intimidad y confronte la del espectador. usualmente trabajo a

partir de experiencias personales que voy moldeando con

un tamiz que permita dar prioridad a los sentimientos. ”

Egresada de Bellas Artes de La

Escuela de Diseño Altos de Chavón,

La Romana, República Dominicana.

Fue artista seleccionada en la Bienal

Nacional de Artes Visuales del

Museo de Arte Moderno de Santo

Domingo, República Dominicana, en

2011. Luego de concluir sus estudios

en Parsons The New School for

Design, de Nueva York, Estados

Unidos, exhibió sus videos y cuerpo

de trabajo pictórico en una variedad

de espacios culturales. Fue artista

seleccionada en el XXIV Concurso

de Arte Eduardo León Jimenes.

marie jiménez

Sin título 2014 Videoarte a color con audio proyección en bucle medidas variables

A la luz de la sombra 2014 acrílica sobre tela autoría de edward salcedo 101.6 x 152.7 cm


7574

marie jiménez

Sin título 2014 Videoarte a color con audio proyección en bucle medidas variables

79



Esta obra se produce desde la amistad

y habla del artista dentro de la industria

del arte y la marginalidad en la República

Dominicana. La pieza comenzó a tomar

forma cuando empecé a cuestionar la

posición de mi amigo como pintor.

Mi amigo Edward y yo empezamos a

intercambiarnos asignaciones como un

tipo de ejercicio para entender por qué

decidíamos trabajar en el medio que

trabajamos. Diariamente hablábamos sobre

su condición socio-económica, lo que

representa la educación, y las posibilidades

de crecer profesionalmente como artista en

el contexto en el que él se encuentra.

Yo le pedía a Edward que grabara vídeos

con temas de su interés, mientras yo lo

ayudaba a verbalizar lo que él estaba

haciendo con sus pinturas. Para tener un

mejor entendimiento de su trabajo, decidí

llevarme una de sus pinturas a New York.

Allí, fuera de su contexto de origen, la

habilidad técnica captaba la atención del

espectador más que el tema de la pintura.

Esta reacción me hizo pensar en lo que

provoca la de este medio, y que la historia

que existe detrás de ella es crucial para

crear un discurso sobre el tema y no sobre

la pintura.

Empecé a trabajar con texto impreso,

conformado por la recopilación de

conversaciones entre Edward y yo. El texto

se prestaba para ‘una historia’ y el acto de

leer podía crear un espacio de intimidad

con el espectador. Pero su forma física,

semejante a un libro, me creaba frustración

por su pasividad en relación a la pintura,

cuando estos se encuentran en un mismo

espacio.



obra.

Estudié Bellas Artes en Altos de Chavón

y luego en Parsons The New School of

Design, donde recibí mi licenciatura en

Bellas Artes. He tenido la oportunidad

de mostrar mi obra en el Museo de Arte

Moderno y en el Centro León de República

Dominicana. En Nueva York, he mostrado

mi trabajo en espacios alternativos como

galerías, cafés y en un contexto más

tradicional como en el Hudson River

Museum, en la galería St Paul’s Chapel, de

Columbia University, y en Parsons The New

School of Design.



Mi trabajo siempre habla de la

identidad a través de la intimidad.

Empiezo por la investigación,

que para mí es un proceso

de entendimiento personal

(punto de vista,

perspectiva) y luego

social (teórico,

analítico) que me

conduce a la forma

que tomará la

obra.



Conversación conmarie jiménez

La pintura de Edward, objeto trabajado

a mano, pincelada por pincelada, y en

tamaño grande, con las dimensiones del

cuerpo humano, llamaba más la atención

que el texto. Tratando de llevar el texto

a un plano físico, como el de la pintura,

superpuse las conversaciones con los

sonidos y videos que Edward grababa con

su celular, creando así una pieza audiovisual

que se pudiera proyectar y tuviera una

presencia más dominante en el espacio.

Tratar de llevar el video a un plano físico

y místico, más cercano a la pintura y lo

que esta genera en el espectador, era

necesario para seguir el discurso de la

marginalización hasta el punto que los

medios tuvieran un diálogo en paralelo al

diálogo que Edward y yo tenemos en el

video.

80 81



Joiri Minayanueva york, 1990

“ Siboney es un performance en dos

partes que explora las construcciones

estereotípicas del caribe y la mujer caribeña

basadas en fantasías elaboradas desde la

alteridad del foráneo. el performance medita

sobre cómo dichas construcciones son luego

interiorizadas y laboriosamente reproducidas por el

sujeto en que se originan. una tela con un estampado

“tropical” genérico encontrado por la artista y la canción

Siboney interpretada por connie Francis son los elementos

de partida para esta investigación. el estampado tiene un

carácter de souvenir estereotípico o diseño de producción

masiva. al copiarlo y pintarlo manualmente sobre una pared,

simbolizo proceso de interiorización de algo determinado por

alguien más. la canción Siboney, compuesta en 1929 por el cubano

ernesto lecuona en un momento de añoranza al estar lejos de su

patria, fue popularizada en 1931 al interpretarla el barítono dominicano

eduardo brito y luego grabada por varios artistas, incluyendo a connie

Francis en 1960. con esta grabación Francis se unía a la tendencia de cantar

boleros en español de muchos artistas norteamericanos de entonces,

reflejando con sus acentos anglosajones las políticas imperialistas y

actitudes de exotismo en la época.

me intereso en temas de identidad, alteridad, auto-conciencia y

desplazamiento. mi trabajo navega sistemas binarios tratando de

encontrar hibridez; investiga cómo nuestras identidades, espacios

sociales y jerarquías han sido construidos en su mayoría a

partir de desigualdades históricas que aún se perpetúan, y

el cuerpo como un receptor condicionado e intérprete de

estas distinciones. en mi obra, como una alternativa a

tales denominaciones jerárquicas, intento crear varias

posiciones de poder, muchas veces contradictorias

pero operando simultáneamente. ”

Egresada de la Escuela Nacional de

Artes Visuales, de Santo Domingo;

de La Escuela de Diseño Altos de

Chavón, en La Romana, y Parsons

The New School for Design, en

Nueva York. Ha participado en las

residencias artísticas Skowhegan

School of Painting and Sculpture,

en Maine, Estados Unidos, y L-EST

European Performing Arts and

Transmedia Lab at MA Scène

Nationale en Montbéliard, Francia.

Fue ganadora del gran premio en la

XXVIII Bienal Nacional del Museo de

Arte Moderno en Santo Domingo.

Vive y trabaja entre Nueva York y

Santo Domingo.

joiri minaya

Siboney 2014 performance


8382

joiri minaya

Siboney 2014 performance

cabello así!”, y la curiosidad de no saber

de otra cultura y querer entenderla, que es

lógico.

Pero también, Bélgica particularmente tiene

una historia de colonización e imperialismo

con el Congo, y las ideas que ellos tienen

de una persona que se ve como yo pueden

estar informadas de esa historia. Entonces

yo, en el momento no estaba consciente,

pero viendo atrás supongo que ahí empezó

mi interés por el estereotipo que yo puedo

representar para otra persona.

Luego en Nueva York es mucho más

diverso, pero todavía tengo ocasiones que

la gente dice cosas como “¡ay! you look

so exotic!, where are you from?” y “oh,

Dominican!”, entonces por el tono con el

que la gente te lo dice, me pregunto cuales

son las ideas que circulan por su cabeza de

lo que yo debo de ser.

Me interesé en el patrón y en la canción

porque yo asocio ambos elementos con una

época específica que es tal vez como los

años 50 o antes, un poco después cuando

Estados Unidos tenía relación con Cuba,

que Cuba era como el lugar vacacional de

los americanos y todos los intercambios

que se dieron allí, y no solamente en Cuba,

luego en el resto de las antillas, pero

supongo que Cuba es el ejemplo más sólido

que yo relaciono con la construcción de ese

estereotipo de la mujer caribeña.

Déjame hablar de la canción entonces…

“Siboney” fue compuesta por Ernesto

Lecuona en 1929 y, supuestamente, la

escribió estando lejos de Cuba, extrañando

su tierra natal. Luego fue popularizada

por Eduardo Brito, que fue un barítono

dominicano, y ha sido interpretada supongo

que por numerosos intérpretes como

muchas canciones de esa época, y boleros

aún más.

Y Connie Francis tiene una versión. La

primera vez que yo oí esa versión fue en

una película de Hong Kong; se llamaba

“2046”. Pero también la he visto en

anuncios de perfume, con una mujer en

una tierra tropical, y todos los usos de

esta canción también responden a ese

estereotipo de lo que la gente se imagina

con la canción.

La canción es muy sensual, tiene como

unos tambores y unas cosas que también

te hacen pensar en algo exótico o en algún

lugar lejano, si tú no vienes de ese lugar, y

me interesó talvez primero por eso. Luego

también me interesó el asunto de que

cuando Connie Francis la canta se convierte

en algo como de necesidad o, en este caso,

de género porque es una mujer que está

cantándole a un hombre y le dice: “Siboney,

yo te quiero, yo me muero por tu amor”.

Y como muchas canciones de amor, pero

particularmente esa metáfora de necesidad

de la mujer de este hombre, o del Caribe

con las naciones del primer mundo. Como

esa relación le interesa como metáfora

a esas políticas o a esas cuestiones

económicas que se dan en contextos más

amplios, y por eso esa versión. También

porque lo relaciono con ese momento

histórico de imperialismo en que Estados

Unidos estaba muy metido, bueno

todavía está muy metido, en el Caribe y

Latinoamérica.

Regularmente trato muchas cosas sobre

la mujer o la idea de la construcción del

género femenino. La relación entre el yo y

el otro, y como ambas partes se determinan

una a la otra. Y jerarquías, cómo se

establecen jerarquías con relación a género,

o la sociedad, o políticas.

sentir que tu puedes hacerlo también.

También es escuela, es un espacio para

tu experimentar. Esa es mi experiencia

educativa en las artes.



La pieza del XXV Concurso de Arte Eduardo

León Jimenes se llama “Siboney”. Es una

pieza multidisciplinaria. Consta de un

mural que pinté a mano, y lo que pinté

está basado en un patrón que encontré

cuando estaba en Parsons. Había un

centro de reciclaje donde los estudiantes

ponían materiales que no usaban y otros

estudiantes podían tomarlos, y yo fui ahí

un día y encontré esta tela que tiene un

estampado de flores tropicales que para mí

es bellísimo y súper sensual visualmente.

Para mí el patrón representa como otras

culturas pueden ver la cultura de nosotros,

y la idea de pintarlo repetitivamente y

exhaustivamente en una pared enorme

tiene que ver con ese proceso de

internalizar la idea de otra persona sobre

lo que yo debo ser. Entonces se relaciona

con esta identidad caribeña o de mujer

caribeña, para mí.

La segunda parte de la obra es un evento

de performance en el cual yo voy a lavar la

pared. Y esta parte se refiere a la negación

de la idea de que yo tengo que cumplir con

un estereotipo. Voy a estar lavando la pared

mientras suena la canción “Siboney”.

Con esta pieza me refiero a los estereotipos

de la mujer caribeña. Yo me interesé en

eso más por mi experiencia de vivir en

el extranjero, cuando viví en Bélgica y el

tiempo que tengo viviendo en Nueva York.

En Bélgica vivía en un pueblito donde no

había mucha diversidad. Yo estaba en un

colegio por un año y mis compañeros de

clase, después que tenían la confianza

de haberme tratado un poco, fue

como “¡Ay! ¿yo puedo tocar tu

cabello?”, “¡yo nunca he visto un

Háblanos sobre tu formación como artista y

los escenarios en que has mostrado tu obra.

Cuando tenía 14 años entré a Preparatoria

en Bellas Artes. Para mí Bellas Artes fue

un momento clave para adquirir más

independencia en cuestionar las cosas

más. Después, a los 17 años, me fui de

intercambio a Bélgica a vivir un año allá.

Cuando volví a República Dominicana, fui a

La Escuela de Diseño de Altos de Chavón.

Chavón también fue increíblemente

influyente. Es admirable lo que ellos hacen

ahí. Luego, en Chavón, me gané una beca

para terminar los estudios en Parsons.

En Parsons empecé a entender otras

formas de hacer arte como válidas también.

Formas que tienen que ver más con

procesos, como performance, instalación

y video. Eran medios que desde aquí

conocía y veía, pero no pensaba

que era algo en lo que yo podía

meterme, porque no tenía ni

siquiera una entrada a ese

mundo o un lenguaje con

que entrarle a eso.

Tener el espacio para

explorar eso en clases,

tener una guía sobre

eso con profesores,

y aprender de la

historia sobre

eso te da una

validación

y te

permite



Conversación conjoiri minaya

88 89



Randy Morales (Rands) santo domingo, 1987

“ trabajo imágenes que narran

las historias de momentos pasados;

que crean un extracto de los instantes

olvidados e iluminan la inconsciencia de

aquellos tiempos, evocando una colisión

de nostalgia y emociones que resulta en el

autodescubrimiento. durante esta exploración

me muestro tal como soy, visualizando mi futuro,

consecuente al entorno que me rodeaba mientras

crecía y a la influencia de lo que fue mi familia. en los

videos que soportan mi trabajo, las imágenes ilustrativas

se involucran con los elementos ya establecidos, sirviendo

como un estudio cognitivo de un niño curioso.

mi obra se centra en historias secretas de mi vida, creadas

a partir de vagos recuerdos, momentos reales, impresiones y

sueños que he retenido a/desde/de mi vida temprana, que se han

ido alimentando hasta la madurez. ”

Estudió Bellas Artes e Ilustración

en La Escuela de Diseño Altos de

Chavón, La Romana, República

Dominicana, y en Parsons The New

School for Design, Nueva York,

Estados Unidos. En la actualidad

realiza su maestría en Animación

y Artes en Movimiento en el Pratt

Institute. Actualmente vive y trabaja

en Brooklyn, Nueva York, Estados

Unidos.

randy morales

Fantasías de mi entorno familiar 2014 Videoarte a color con audio y objetos domésticos proyección en bucle

90 91

randy morales


randy morales


al tema que decida trabajar. Me gusta

mucho que mi trabajo tenga espontaneidad

e improvisación al solucionar problemas

durante el proceso de creación.

Al crear no me gusta la idea de solo

centrarme en ciertos temas. Pero me

he dado cuenta que inconscientemente

siempre están presentes temas o elementos

relacionados a la intimidad, familia, muerte,

abyección y ambigüedad de realidades.



“Fantasías de mi retrato familiar” es la pieza

final de una serie que empecé a trabajar

hace más de un año. Esta es una pieza de

nivel personal donde hago una exploración

cognitiva de mi niñez, por medio de

videos grabados en eventos familiares,

intervenidos por animaciones, como un

dispositivo para ilustrar mi forma de ver las

cosas en ese entonces.

Al principio la pieza fue concebida como

solo un video pero tuvo la necesidad de

expandirse del formato bidimensional al

de instalación, para recrear el espacio más

importante de una familia tradicional: la

sala, donde se reúnen a ver estos videos

de memorias y de esa forma invitar a los

espectadores a participar y formar parte de

mi mundo en el momento.



obra.

Todo comenzó cuando mi madre nos

inscribió a mí y mi hermano menor en

clases de pintura. Al graduarme del colegio

no tenía idea de que estudiar, solo sabía

que tenía que ser algo relacionado con las

artes. Estudie un tiempo diseño gráfico en

APEC y fue allí donde conocí lo que era la

ilustración.

Me di cuenta que estaba en la carrera

equivocada inmediatamente. Pasé un año

fuera del país decidí volver para estudiar en

la Escuela de Altos de Chavón donde me

gradué de Bellas Artes e Ilustración. Luego

me transfiero a Parsons en Nueva York y

termino mi licenciatura en ilustración.

Actualmente me encuentro cursando

una Maestría en Animación y Artes

Digitales en el Pratt Institute.

¿cómo son tus procesos de

trabajo y en que temarios te

basas?

La mayoría de las veces

todo sale de garabatos

no necesariamente

teniendo una

idea concreta.

Después de

eso empiezo

a refinar

todo de

acuerdo



Conversación conrandy morales

96 97



Jochi Muñoz san Francisco de macorís, 1964

“ de entre varios textos que

hablan sobre caminos, uno en

particular: Permanencia del llanto,

del poeta haitiano Jacques Viau, me

ayudó a precisar tanto el concepto

como la forma que habría de tomar la

pieza. permanencias, idas, amor, desamor,

odio, apego, libertad, temor, arraigo, logros,

extrañeza… son cosas que, en dosis distintas,

son apuradas por todo transeúnte de la vida.

durante esta, cada individuo va siguiendo las huellas

de otros, a la vez que deja su impronta sobre la que,

quizás, cabalgarán otros que vengan después. recurro

al empleo del trazado circular del camino, como metáfora

de las constantes y perennes búsquedas del individuo; como

metáfora de las constantes y perennes apatías del individuo.

la cantera de donde me nutro para realizar mi obra está en mi

cotidianidad. tomo un hecho cualquiera que descontextualizo,

fragmento, sobrevaloro en parte, desestimo en otra, recompongo,

para, finalmente, ofrecer mi versión personal del mismo. lo que

resulte puede que no sea comprendido de inmediato por el

espectador. lo que espero es que se marche con el gusanillo

de la interrogante, y que, eventualmente, pueda extrapolar

lo dicho, a planos alejados de lo meramente personal del

artista. ”

Vive y trabaja en Santo Domingo,

donde desarrolla su labor de

profesor de danza, creador

independiente de artes escénicas y

de performance. Fue merecedor de

premio en la XXV Bienal Nacional

de Artes Visuales del Museo de

Arte Moderno en Santo Domingo,

República Dominicana.

9998

jochi muñoz

¿...en qué recodo del camino? 2014 performance

jochi muñoz


jochi muñoz


He participado con ellas varias veces. He

participado aquí en la Bienal Nacional de

Artes Visuales del Museo de Arte Moderno

de Santo Domingo en tres oportunidades

y en el Centro León en la edición pasada,

además de otros proyectos individuales en

eventos diversos.



Casi toda mi obra se deriva de mi biografía,

de mi vida. Son elementos que tomo de

mi entorno o de las personas allegadas a

mí y los voy resignificando, cambiando,

modificando. Y de ahí surgen las piezas.

Algo similar me pasaba también cuando

estaba en danza. En las piezas que yo

coreografié tomaba elementos, muchas

veces no reconocibles, pero no importa.

Soy el que tengo que tener en cuenta eso

y modifico hasta que surge la pieza que

muestro.



El nombre es “¿En qué recodo del camino?”.

Su título viene de un verso de un poema de

Jacques Viau, el poeta haitiano que peleó

aquí en la Revolución de 1965, y es uno de

los primeros versos del poema. Después

de haber leído un sinnúmero de poemas

y de textos que hablaban de caminos, ese

fue el texto que dije: “¡este es el título de la

pieza!”.

Hace un tiempo venía trabajando en una

pieza que habla del camino, del tránsito

mío por la vida y por los trabajos que había

hecho, y quería articular esta pieza. Cuando

leí el poema en extenso dije: “¡pero esta es

la pieza mía hecha poema!”, ahora me toca

a mí llevar esto al medio del performance.

Es muy simple, son 60 lajas, piedras lajas

amontonadas. El performance empieza

así, yo parado sobre ellas. A partir de

ese punto empiezo a construir un

camino con esas 60 piedras, que



obra.

Vengo del mundo del teatro, de la danza

específicamente. Empecé con ballet, con

Fradique Lizardo en el Ballet Folklórico, de

ahí pasé a tomar clases de ballet clásico

con Irmgard Despradel. Posteriormente, con

Eduardo Villanueva hice técnica Graham, de

danza moderna.

Además de una serie de cursos y talleres

de danza contemporánea y de algunos

métodos. Duré muchos años bailando hasta

que, buscando cómo expresarme mejor, no

tanto como intérprete, sino como creador,

me encontré con un diplomado de Estudio

de Performance que Flacso impartió en el

2006.

Lo tomo, y me doy cuenta que por

ahí debía encaminar mi búsqueda

creativa. He presentado

performances en el festival

que Charo Oquet desarrolla

en Miami, me invitó en dos

oportunidades, y aquí en

Santo Domingo en los

festivales y encuentros

de Arte Estudio, que

es un colectivo

que tienen Clara

Caminero

y Sayuri

Guzmán.

es mi edad, la edad que voy a tener cuando

realice el performance.

Hago un arco de un círculo, tan pronto

termine con esa cantidad de piedras,

retomo las primeras que puse y voy

amontonándolo de nuevo al final del

camino. Esto se repite seis veces, que es la

cantidad de décadas de mi vida.

Voy de manera contraria a las manecillas

del reloj, como un devolverme por mi vida,

hacer un recuento del transcurso mío, de

lo que he hecho, de lo que no he hecho, de

las cosas que debía hacer pero por temor

o por cualquier otro motivo nunca realicé;

entonces es esencialmente repasar mi vida

hasta volver al punto de partida.



Conversación conjochi muñoz

104 105



Gustavo Peña santo domingo, 1979

“ inspirado en la era industrial

que vivimos, en la que el lema muy

bien pudiera ser “que trabajen las

máquinas”, he conceptualizado este

tríptico de gran tamaño con el cual busco

conseguir ese efecto sublime que nos

produce el arte, utilizando la computadora y

la impresión digital. estos diseños de módulos

dan paso a la vez a ser construibles y repetibles

de manera mecánica e industrial sin la intervención

del artista.

recientemente he estado investigando la abstracción,

fundamentalmente la relacionada con el arte minimalista

y conceptual. todo comenzó como un ejercicio en el cual

exploro formas, color y espacio pintando directamente

de la imaginación al soporte. luego, estos ejercicios se

volvieron obras per se y más adelante en esculturas. en estos

diseños busco no intervenir en la realización final de las piezas, en

cambio, producirlas en talleres de personas hábiles en las diferentes

disciplinas que lo requieran. algunos de estos diseños funcionan

modularmente, otros, como pequeños sistemas cerrados en sí, en

los cuales las pequeñas partes, a pesar de ser diferentes, forman

un todo. ”

Estudió Bellas Artes en La Escuela

de Diseño Altos de Chavón, La

Romana, República Dominicana.

Culmina la licenciatura en Artes

Visuales, con especialización en

Pintura Mural, en la Escuela Nacional

de Artes Plásticas, de la Universidad

Nacional Autónoma de México.

Actualmente trabaja y reside en

Santo Domingo.

gustaVo peña

Exploraciones de forma, color y espacio 2014 óleo sobre fibra vulcanizada de densidad media díptico 126.7 x 126.3 x 3.8 cm 126 x 125 x 5.8 cm

107106

gustaVo peña

Investigaciones abstractas y figuración 2014 madera 161 x 138 cm

gustaVo peña

Exploraciones de forma y línea 2014 tinta inkjet sobre papel. tríptico 124.7 x 125 x 5.1 cm, 125 x 124.7 x 5.3 cm, 125 x 124.6 x 5.3 cm

ver imágenes y figuración, todo lo que sea

reconocible a la vista. Quise trabajar directo

de la mente.

Trabajo con diferentes medios, pero de

alguna manera todo va hacia lo mismo,

porque la pintura ilustra la escultura y los

trabajos que son impresiones digitales en

inkjet a modo de dibujo son los modelos o

los planos de las piezas.

Al final todo está estrechamente

relacionado. Las piezas resultan como

juegos, como algo sistemático, seriado,

que exploro a partir de cubo, el triángulo

y formas básicas; como restando partes

y haciendo composiciones diferentes. Es

como una especie de juego.

El elemento digital no es necesariamente

para alejarme de lo tradicional, sino que al

hacer los diseños digitales yo los vi como

tal: bellos, y simplemente los vi como obra.



obra.

Estudié en La Escuela de Diseño de Altos

de Chavón dos años, y estudié después

en México, en la UNAM, donde terminé la

carrera con una especialidad en fotografía

y pintura mural. Después, la formación se

complementa con mucho trabajo de taller.

He presentado piezas en Corea, Inglaterra,

Estados Unidos y Francia.



Me gusta experimentar mucho. Primero

comencé como fotógrafo, luego pasé a la

pintura. En la pintura probé varias áreas,

tamaños, técnicas. Y más reciente

estoy experimentando cosas más

conceptuales: geometría, y algo más

sistemático.

Háblanos sobre tu obra del


eduardo león Jimenes.

Comencé trabajando

de la mente directo

al lienzo, y ha sido

un proceso muy

abstracto. Yo

lo que quería

era alejarme

de ver la

realidad

y de



Conversación congustaVo peña

gustaVo peña

Exploraciones de forma, color y espacio 2014 óleo sobre fibra vulcanizada de densidad media díptico 126.7 x 126.3 x 3.8 cm 126 x 125 x 5.8 cm

112



David Pérez (Karmadavis) santo domingo, 1976

“ la isla de Quisqueya es un

cuerpo dividido en dos partes.

dos países que tienen una

historia en común y un presente

compartido. de la fusión de ambos

vienen los domínico-haitianos, grupo

minoritario producto de la descendencia

de ambas naciones. este sector de la

sociedad dominicana vive en una plataforma

irregular, condicionada por intereses políticos

y raciales. la obra es una acción del proyecto

culinario contemporáneo Morisoñando. un ambiente

performático y degustativo para el deleite de los

sentidos, con una intención crítica y funcional. el proyecto

se plantea en formato multimedia, donde se instala una

cocina y un comedor en un área fronteriza de la isla, en

donde se desaparezca la línea divisoria. la degustación es el

resultado de una investigación sobre fusiones e ingredientes que

tengan relación con la gastronomía de ambas naciones y como

resultado primordial, la comunidad domínico-haitiana. una forma

de legitimar a este grupo de dominicanos en la sociedad, es a

través de la comida. sin caer en romanticismo y viéndolo más

con una actitud funcional dentro lo que ocupa y concierne a

la isla. la representación del equipo de trabajo se plantea

en un escenario de diálogo y ayuda mutua. en el vacío

de la tensión queda una chispa de lenguaje. un buda

de fuego. ”

“ cuando el diálogo aún es posible,

existe el misterio de la esperanza. ”

Artista visual, sonoro y culinario

dominicano que reside y trabaja en

Guatemala. Creador y productor del

proyecto de arte contemporáneo

Morisoñando. Recetas del Caribe.

Ha expuesto en Exit Art en Nueva

York (2010), en la Universidad

Essex en Londres (2013) y en los

proyectos Ultravioleta y NuMu en

Guatemala (2013). Ha participado

en el Pabellón del Instituto Ítalo-

Latinoamericano, LIV Exposición

Internacional de Arte de la Bienal

de Venecia, Italia (2011), Unresolved

circumstances, Museum of Latin

American Art de Los Ángeles,

Estados Unidos (2011), Don’t

call it performance/no lo llames

performance Muestra Internacional

de 60 artistas de performance,

Museo del Barrio de Nueva York,

Estados Unidos (2004), entre otros.

Mención de Honor XXV Concurso de Arte Eduardo León Jimenes

115114

daVid pérez (KarmadaVis)

Comedor familiar 2014 performance documentación fotográfica proyectada dibujos, objetos medidas variables

117

donde cada elemento depende uno del

otro.

En cada trabajo lo que hago es poner en

paréntesis a un haitiano y a un dominicano

en una simbología de ambas naciones. En

un conjunto, para ver cómo se relacionan,

como se pueden generar nuevos formatos

de comunicación. Mi obra en sí, en ese

momento se basaba en eso, en generar

formas de comunicación.

Después me voy a Guatemala. En

Guatemala empiezo a hacer una serie de

trabajos llamados “Acciones Estáticas”,

donde yo contrato grupos de personas,

de 40 a 100, y los oriento a hacer una

forma geométrica, una forma que tenga un

contenido relacionado con el grupo. Hago

este tipo de trabajo y después empiezo a

vincularme con personas discapacitadas

haciendo composiciones y estructuras de

cóncavo y convexo.

Pensando más que todo en una forma

escultórica a partir del performance, donde

yo puedo utilizar varios cuerpos y una

estructura que encaje. Pensando en diseño,

y contenido por supuesto. Junto a eso

también hago otro tipo de trabajo: presento

pinturas... y todo, claro, como proyectos de

arte. No es que hago performance y pinto,

sino que hago varias cosas en diferentes

medios.

Siempre he cocinado, pero nunca lo he

tomado como algo muy en serio... era,

como la gente dice, un hobbie. Pero de

hace un tiempo para acá, he querido

hacer otro tipo de cosas, que ya no sea el

mismo trabajo del cuerpo, del performance,

de la atención; sino ir explorando otros

medios. Y estoy trabajando con la cocina, la

gastronomía.

Tengo un proyecto que se llama

“Morisoñando. Recetas del Caribe”, que es

un proyecto culinario contemporáneo

donde utilizo medios de arte

contemporáneo y los mezclo

simplemente con la gastronomía



obra.

Yo estudié en Bellas Artes, en la Universidad

Autónoma de Santo Domingo, y después

terminé mi formación en Altos de Chavón.

Cuando salí de Chavón empecé a hacer

grabados y performance. En ese tiempo

hacía performances que eran de carácter

ritual, basados en la experimentación con el

cuerpo.

Casi ni los documentaba, eran más bien

acciones performáticas, sin otro sentido

más allá del formal. Con el tiempo me fui

desplazando a un contexto más político,

donde empiezo a utilizar el arte como

herramienta para poder decir cosas que

otros medios no me permitían.

En ese momento empiezo a trabajar

con la temática dominico-haitiana.

Con la temática del haitiano

presente en la República

Dominicana, o sea, yo no hablo

de Haití sino del haitiano que

está aquí en la República

Dominicana. Y empiezo

a hacer un tipo de

trabajo donde

planteo a la isla

como un cuerpo

dividido en dos

partes,

del Caribe. Si te das cuenta, la gastronomía

del Caribe no es muy conocida, no hay

muchas variantes y es muy limitada.

La idea del proyecto es eso, buscar una

manera de que esa comida pueda generar

diálogos. Que no sea alimentación nada

más, sino que a partir de la comida puedas

tener otra forma de comunicación.

dialoguemos sobre la obra que presentas

en el XXV concurso de arte eduardo león

Jimenes.

La obra se llama “Comedor familiar”. Desde

el principio la idea de la obra era legitimizar,

a partir de la comida, a una parte de la

sociedad dominicana que ha sido excluida:

la dominico-haitiana. Lo que hago es

generar un menú con alimentos de ambas

naciones y lo presento en un formato en un

conjunto fusionado.

Sé que la palabra fusión aquí es terrible,

pero en la cocina si se vale. ¡Las fusiones

me parecen increíbles! Si en la cocina

funciona, ¿por qué no puede funcionar en

la vida real? Lo que hago en este proyecto

es que ubico una familia domínico-haitiana

y les construyo una especie de comedor,

con cocina y mesa y todo; en un lugar de la

frontera donde ambas partes estén juntas,

o sea, Haití y República Dominicana.

La mesa está en un lugar que, como quien

dice, no pertenece a ninguno, pero a la vez

está en los dos lados, un lugar un poco

inhóspito, como un lugar fantasma. Yo les

cocino en vivo a esas personas ese menú.

¿Quién más que no sea la misma familia

domínico-haitiana para degustar ese menú?

Porque para ellos es el menú.

Ellos se alimentan, les hago una especie de

degustación de pequeño formato, y la idea

de la obra es esa, que se pueda legitimar un

menú de ambas naciones y que se pueda

tener una base sobre la gastronomía del

Caribe.

Creo que el artista tiene que explorar

con los medios. No sólo limitarse a las

mismas cosas de siempre: la pintura, el

video, el performance. Y la gastronomía

contemporánea es increíble, se hacen

muchas cosas y se pueden conseguir

muchas otras.

Es un medio ya muy establecido. Lo que

yo estoy tratando es de introducirlo en

el contexto artístico contemporáneo. Mis

eventos son un proyecto, más que todo,

pensando en el ambiente. En un espacio,

como te digo: pongo la mesa, pongo la

cocina, hay un paisaje, hay un entorno. Ya

no enfocado a un punto, sino algo más

abierto, más expansivo.



Conversación condaVid pérez (KarmadaVis)

118 119



Freddy Pérez (Prandy)duvergé, 1962

“ en esta nueva cultura visual el código

fotográfico y sus fronteras desaparecen.

esta propuesta innovadora se enmarca

dentro del arte óptico, como nomenclatura

visual, que también se aproxima a la corriente

cinética y el realismo mágico. allí, en todos esos

espacios, intento develar los misterios del cosmos

y lo terrenal a través de símbolos y colores, la luz y

las formas. en el desarrollo de esta técnica fotográfica

tuve la necesidad de crear lo que he denominado un

prandiscope y otros accesorios que permiten trabajar

con mayor eficacia en la obtención de mis imágenes. con

ellos puedo emplear objetos y materiales de distintos orígenes

y diferentes diseños; todos se pueden emplear haciendo distintas

combinaciones de manera metódica o espontánea para conseguir

efectos ópticos especiales, como son los movimientos, reflejos y

degradaciones. en mi estilo fotográfico, lo emocional tiene su espacio y

la influencia tropical se manifiesta a través de los colores que caracterizan

todo lo caribeño.

mi formación artística y cultural me ha permitido orientar el sentido de

la creatividad y la innovación en direcciones que a veces difieren, pero

armonizan y se enriquecen cuando se conjugan en el aspecto científico,

tecnológico y artístico. desde una primera formación en pintura y

dibujo tuve la necesidad de evolucionar hacia la fotografía como

medio de expresión artística, porque es justamente ahí, donde

confluyen todas mis inquietudes creativas e innovadoras. es

por ello que en mis imágenes fotográficas se manifiesta ese

dualismo expresivo: el fotógrafo-pintor y viceversa. se trata

de un estilo propio, logrado mediante el desarrollo de una

técnica experimental. ”

Estudió Artes Plásticas, en la

Escuela Nacional de Bellas Artes, y

Técnicas Fotográficas en el Instituto

de Estudios Superiores, ambos

en Santo Domingo, República

Dominicana, y Restauración de

Obras de Arte en la Escuela de

Artes Aplicadas y Oficios Artísticos

de Madrid, España. Es fotógrafo

e inventor. Fue reconocido por la

Comunidad de Manhattan para

las Artes y el Departamento de

Asuntos Culturales de la ciudad de

Nueva York (1994). Merecedor del

primer premio en la categoría Ideas-

Varias de la II Feria Nacional de

Ideas e Inventos de Santo Domingo,

en 2000, y de la medalla de bronce

en la Feria Internacional Ideas e

Inventos y Nuevos Productos de

Núremberg, Alemania, en 2001.

123122

Freddy pérez (prandy)

Metáfora I Fotografía digital a color sobre papel 98.5 x 149.6 cm


Metáfora II Fotografía digital a color sobre papel 98.5 x 149.6 cm


Metáfora III Fotografía digital a color sobre papel 98.5 x 149.6 cm

Fui becado por la Organización de Estados

Americanos (OEA), en el año 1983, para

estudiar en una escuela de Artes Aplicadas

y Oficios Artísticos en Madrid. Y ese curso

fue como una especialidad de lo que yo

ya había estudiado aquí porque fueron,

precisamente, los mismos profesores que

nos dieron clases aquí, los profesores

españoles, los que me daban clases allá.

Entonces, para mí ya no era nada nuevo.

Eso me permitió dedicarme también

a hacer investigaciones. Empecé a

curiosear acerca de las investigaciones,

hice aportes, pues recuerdo que en esa

época nosotros apenas estábamos en

una etapa embrionaria respecto a lo que

es la restauración y la conservación de

fotografías.

En el centro donde me enseñaron aquí,

inserté esa dinámica también de restaurar

fotografías. Me invitaron a dar una charla

en la Escuela de San Fernando de la

Universidad Complutense de Madrid. Eso

a un mes de yo llegar a Madrid. Eso a

ellos les impactó tanto que me invitaron a

dar clases, de una manera algo informal,

a estudiantes que querían aprender a

restaurar fotografías.

Así puedes apreciar que es como un

seguimiento, una cadena de cosas que

también me motivaban, y seguía indagando

en asuntos de aportar, de hacer inventos,

de innovar. En Madrid tuve una etapa bien

interesante en términos creativos, porque

ahí fue el inicio de la máquina de restaurar

que yo inventé.

Que luego, al pasar en el año 1986 me fui

a los Estados Unidos, la idea creció más,

hasta el punto que yo consideré que sí, y

también personas me recomendaron que

si debía registrarla, debía patentarla como

tal lo hice. En el año 1994, después de

ocho años de investigación y tres años

de búsqueda, decidieron otorgarme la

patente como inventor.



obra.

Mi formación artística la inicié por el año

1968, en la Escuela Nacional de Bellas Artes.

Soy de la barriada de San Carlos, en la

Capital, aunque nacido en Duvergé, en el

Sur Profundo. Llegué a Santo Domingo a la

Escuela Nacional de Bellas Artes, hice casi

todos los cursos que se impartían hasta un

cuarto o quinto nivel.

Me inicié en artes, luego me formé en la

Universidad Autónoma como estudiante

de Artes Publicitarias. Fui de la segunda

promoción de Artes Publicitarias en la

Universidad Autónoma. Era una época

en la que tenía muchas inquietudes, de

publicidad pasé al magisterio mención en

Artes Plásticas.

Todas mis cosas tienen que versar

sobre arte. Todo lo que yo hago,

he hecho y estoy haciendo

por algún lado tiene que ver

con arte. Entonces seguí

evolucionando, ninguno

de esos cursos que hice

los completé. Llegué

hasta el último

nivel y seguía

esa búsqueda

incesante hasta

llegar a ser

inventor.

dialoguemos sobre la obra que presentas

en el XXV concurso de arte eduardo león

Jimenes.

Eso tiene una historia un poco larga, pero

igual de interesante. Parece mentira, esa fue

una etapa que yo tenía mucha iluminación

creativa. Estaba haciendo una cosa y me

surgía otra, y a todas le dedicaba su tiempo

en su momento.

Una tarde estaba en Madrid en un parque, y

veo unos niños jugando con un artefacto, y

miraban al sol con el juguete. Yo les dije que

me permitieran mirar, y yo también miré.

Era un caleidoscopio. Esa fue la primera vez

que vi un caleidoscopio. A mí me intrigó

tanto esas maravillas visuales que sucedían

una tras otras, que dije “esto es una obra de

arte”, “esto con poca cosa se puede hacer

experimentalmente cosas que tengan que

ver con arte”.

Como tal lo hice, y eso fue una trayectoria

de por lo menos 29 o 30 años que tengo

yo en eso. Esto no es nada nuevo. Es nuevo

ahora para muchos de ustedes que lo están

viendo, pero no es novedoso. Novedoso

en el sentido de que es mucho tiempo que

tengo en esto. En Estado Unidos empecé

también a hacer mi propio “Prandiscope”.

Yo lo llamé “Prandiscope”.

Algo diferente, que las cosas no fueran

tan parecidas, tan repetitivas, donde uno

puede inventar y agregar, quitar, añadir.

Uno busca objetos cualesquiera, que fueran

transparentes, sobretodo que permitieran y

fueran refractarios, que puedan dejar pasar

la luz.

Así fui recolectando piececitas hasta

que me dedico a eso sobretodo, a una

recolección de piezas. Luego, cuando

empiezo la etapa experimental, puedo

durar seis meses dedicado solamente

a eso. Es algo también que yo tuve que

construir un aparato para yo hacer esa

técnica fotográfica que yo llamo “El sistema

Prandi de fotografía experimental”. Es una

fotografía de taller y laboratorio, no una

fotografía cotidiana de salir a un sitio a

hacer fotos

Titulé “Metáfora” a las tres obras con las que

estoy participando en este Concurso. Las

llamé así porque veo varios mundos en esta

foto. Yo, las cosas del cosmos, lo terrenal,

los misterios, yo cuestiono los misterios.

Albert Einstein dijo: “Lo más bello que

podemos experimentar son los misterios.

Es el acto de toda ciencia verdadera y todo

arte”.

Como él agrupaba esa ambivalencia de arte

y ciencia. Y a mí esa frase siempre me gustó

mucho, siempre la recuerdo. Entonces,

al permitirme descubrir y explorar esos

mundos, por eso esta pieza la titulé así,

“Metáfora”.



Conversación conFreddy pérez

128 129



Maurice Sánchez santo domingo, 1972

“ la caoba, hoy el Árbol nacional

de la república dominicana, ha

sido usada para diversas prácticas

utilitarias desde tiempos prehispánicos.

con Bosque tallado evalúo la accidentada

historia del “mueble criollo” o vernáculo y la

situación actual de nuestros bosques. esta es

una conversación que inicia con el duho taíno y

la llegada de colón, continúa con el comercio de

madera con europa y nuestros años de abandono,

desconexión y desfase. apunta a la era republicana y

sus promesas, la era de trujillo-balaguer y ahora la llegada

ilumel e ikea. una canción de despedida para nuestros

recursos naturales y para el mueble criollo, un adiós para la

víctima y el verdugo.

como artista exploro y trabajo varios medios, desde piezas

gráficas, fotografía e instalación. soy diseñador de productos,

diseñador gráfico, fotógrafo y publicista. me apasionan los temas de

identidad, lo ‘dominicano’, sabiendo que ambas cosas no son estáticas

ni absolutas. parto siempre de la observación y la curiosidad, voy a

lo documental, a recolectar datos y generar información. me gusta

conocer nuestras costumbres, símbolos, técnicas, materiales y

representaciones porque siento que ahí estamos, en lo que se

ve, todas estas cosas son mi lenguaje. me gustaría pensar que

mi trabajo habla desde un punto de vista lúdico, con juego

y con humor, porque siento que así somos y que así nos

entendemos mejor. busco más que encontrar respuestas

generar nuevas preguntas a través de la celebración

de lo ‘nuestro’, lo de antes, lo de hoy, lo de mañana y

como se relacionan estos tres planos. ”

Es artista visual y fotógrafo. Ha

formado parte de los colectivos

artísticos “Shampoo” y “Biscuit”,

con los que ha participado en

exposiciones en el Museo de Arte

Moderno de Santo Domingo,

República Dominicana; Trienal

Poligráfica de San Juan, Puerto

Rico; Museo de Bellas Artes de la

Habana, Cuba; Brooklyn Museum

de Nueva York, Estados Unidos,

entre otras. Ha organizado

las exposiciones Arte Urbano

Sarmiento y Típicográfico junto a

Modafoca, y Gráfica Independiente

Dominicana, junto a Rossy Ramos

y Ángel Rosario. Actualmente es

director creativo general de la

agencia publicitaria Capital DBG.

maurice sánchez

Bosque tallado 2014 madera torneada 500 x 550 cm

131130

a dialogar diversos intereses que tengo,

como el tema del diseño industrial, diseño

gráfico, la comunicación o la publicidad,

el arte en general, la expresión. Uno va

transitando de cosa en cosa.

En algún momento hice algo con una silla

de plástico, porque me llaman mucho la

atención y es parte de este mismo discurso

la presencia de este objeto. ¿Cuántas

mecedoras se van perdiendo y cuántas

sillas plásticas se van acumulando?

Lo que significa que deje de haber una cosa

y haya otra. Lo que pasa cuando se apilan

todas estas cosas. Son muchos temas al

mismo tiempo, y uno en el tiempo que le

queda va buscando la forma, no de intentar

buscarle una respuesta, sino quizás lo

contrario, plantearse más preguntas e ir

moviéndose por la curiosidad.

Viendo qué pasa con eso y pasando de un

sitio a otro, viendo lo que hace la gente en

la calle, lo que está pasando todo el tiempo

alrededor de uno, y viendo también cómo

las cosas van caminando, y qué dicen esas

cosas y qué no dicen.

En lo expositivo he participado, como

miembro del colectivo Shampoo, en varias

Bienales Nacionales, y con otros colectivos

también. Por ejemplo, en la Bienal 2005,

hicimos una pieza que se llama “La plástica

dominicana”, que era precisamente un

montón de sillas plásticas apiladas que

magnificaban eso que sucede en un

colmado o en una casa, que apilan tres,

cuatro, diez, doce sillas. Esto, intentando

llegar a una dimensión muchísimo mayor,

y viendo qué pasaba cuando se apilaban

todas esas sillas y cuál es el planteamiento

plástico, valga la redundancia, qué deja esta

obra al final, el mensaje.

En otro momento, trabajando con Engel

Leonardo, hicimos una pieza de cerámica,

un ‘bicuí’ en forma de ‘picapollo’

abierto. Viendo también cómo otro

producto de fabricación artesanal,

de fabricación vernácula, que



obra.

Soy diseñador industrial. Lo que me llamaba

la atención del diseño industrial era,

precisamente, el diseño de muebles. Soy un

apasionado del mueble. Me gusta mucho el

mueble, investigo mucho sobre el mueble

y, sobretodo últimamente, sobre el mueble,

la vivienda, todo lo que tiene que ver con

el entorno local, el mueble del trópico, el

mueble del Caribe.

Lo vernáculo es otra de las cosas que

siempre me han interesado, ya sea en

el mundo gráfico, en el que también me

desenvuelvo, fotográfico... Investigo de las

cosas que hace la gente en su entorno.

¿Cómo la gente visualiza un letrero?,

¿cómo visualiza una casa?, ¿qué es

para una gente una silla?, ¿qué

significaba una mecedora y por

qué ese objeto deja de existir en

esta sociedad?, ¿qué perdimos

con la mecedora?

Todo ese tipo de

conversaciones son

cosas que de alguna

manera me llaman

mucho la atención,

me generan

mucha

curiosidad, y

son cosas

que

ponen

antes ocupaba el centro de todas las mesas

dominicanas. En aquel momento con un

tema más tropical como una canasta de

frutas, un aguacate, un tomate, cómo

hoy, ese centro de mesa, y la cerámica se

cambió por foam y el contenido de frutas se

cambió por pollo frito y por tostones en un

sitio que hace tanto calor.

Cómo una cosa pasó de ser centro de

mesa a ser el nuevo centro de mesa. Es,

básicamente, ese tipo de cosas. Hay otro

proyecto que también, en su momento, fue

muy enriquecedor. Fue el de “D’ La Mona

Plaza”, que fue para la Trienal Poligráfica de

San Juan y después estuvo en el Museo de

Brooklyn y varias veces en otros puntos del

país también se ha exhibido.

El tema era la migración dominicana en

general, y nosotros íbamos de Santo

Domingo a Puerto Rico, el tema obligatorio

iba a ser la migración dominicana. La

obra tenía que ser gráfica y ninguno de

los miembros del colectivo, de manera

particular, porque todos transitamos obra

gráfica, pero de manera diferente.

Entonces, decidimos hacer algo que

no hiciéramos ninguno de nosotros y

comisionamos a una firma de arquitectos

el diseño de un parador en el Canal de la

Mona. O sea, una “Plaza Jacaranda” en el

medio del agua, donde los dominicanos,

en el medio de su trayecto de República

Dominicana a Puerto Rico, iban a poder

parar y hacer cosas.

Eso lo llevamos un poco al medio

publicitario, hicimos una página web,

sacamos una línea de teléfono, pusimos

una contestadora, publicamos un anuncio

en los clasificados del periódico, porque

fue para lo único que nos dio el dinero, y al

otro día nos dimos cuenta que eso fue una

noticia de primera plana de Diario Libre;

que también dejaba ver muchas otras capas

temáticas que no eran ni siquiera las que

estábamos entonces...

Pasó eso. Se abrió esa conversación de

qué pasaría si una compañía o alguien

decide poner un parador en el Canal de la

Mona. Y ahí tuvimos, desde la compañía

de teléfonos que quería que sacáramos

una línea de teléfono, hasta empresarios

turísticos interesados en alquilar locales,

Adriano Miguel Tejeda comentándolo en su

programa…

El otro, que está ahora en Telemicro,

también comentándolo en su programa de

muchísimas maneras. Fue súper interesante.

Eso nos dejó a nosotros una cantidad de

contenido, o sea, el video que recuenta

el proyecto es un video extenso, lleno de

cosas, y eso dejando fuera muchísimas

opiniones que nosotros recibimos vía

correo, vía llamadas, y que la misma

publicación de la noticia de Diario Libre

generó. Esos son proyectos por momentos

que a mi me parecen que se ha aprendido

mucho de ellos.



La pieza se llama “Bosque tallado”, y tiene

un poco que ver con dos cosas: toca el

tema ambiental, el irrespeto al medio

ambiente que tiene un país que lo único que

tiene es su medio ambiente, que no debería

tener ninguna otra cosa; y, por otro lado,

trabaja también sobre el tema del diseño

vernáculo, cómo nosotros visualizamos aquí

esos objetos, en este caso muebles, y cual

ha sido la historia de eso que comienza

con la explotación del medio ambiente,

de lo que hoy es este país de parte del

conquistador, y el mismo conquistador

importa un modelo de mobiliario que es el

que se queda aquí hoy.

Uno ve una silla Acapulco, y uno ve una

mecedora de aquí y uno dice: “Allá hace

calor, en este sitio no sé exactamente qué

es lo que pasa, porque aquí el miedo al

vacío, la cantidad de detalles que tienen

que tener las cosas... Yo siempre he dicho

que si se tiene que resumir la idiosincrasia



Conversación conmaurice sánchez

134 135

de este pueblo completo en una sola

palabra, la palabra sería “pretender”. Y si es

dominicana, la palabra sería “privar”.

Entonces, siempre es algo que parece

que es otra cosa. Eso venía con el tema

del mueble republicano, cuando la gente

aquí empezó a salir de la “olla” que se vivió

aquí tan grande, se vio y dijo: “Mi casa

tiene que parecer otra cosa. Vamos a darle

importancia a como se ve lo de adentro”. Y

de esa personalidad todavía queda hoy, esa

cultura de fachada. Uno entra a una casa

que es del tamaño de un closet, pero esa

casa está llena de cosas al punto que no

cabe ninguna otra cosa.

Y hay muebles que no pueden faltar, pero

que no es un tema de funcionalidad, sino

que no pueden faltar porque es un tema de

representación. O sea, aquí tiene que haber

un mueble para la televisión. La televisión

es gigante. Ese mueble tiene que tener

unos adornos, ese mueble tiene que tener

esto, aquí tienen que haber cuatro sillas

alrededor de una mesa, aquí tienen que

haber una serie de cosas que, no sé, pero

los suecos no tienen ese problema.

Los suecos dicen: Bueno, si el espacio es

este, aquí tenemos que comer, dormir,

etcétera, aquí vamos a tener esto, aquí

donde se come se duerme, donde se

duerme se come, la cama se convierte en

una cafetera. Pero aquí no. Aquí es como

que tenemos que tenerlo todo. Todo tiene

que ser de caoba, porque lo de caoba es

lo aprobado, lo que tiene casi dos siglos

aprobado.

Y tiene que tener esta forma, porque esta

forma aunque no concuerda con el día de

hoy, sigue siendo lo que ‘representa’. O sea,

si alguien se pone a ver la silla presidencial

de este país, parece que fue, de verdad, la

primera silla presidencial de este país. Y

todo ese caso de una silla que viajaba de

un sitio a otro.

¿A quién se le ocurre montar una silla en

un helicóptero y llevársela para un sitio,

si en el otro sitio hay sillas? Es ese tema

de representación y de esa búsqueda. La

silla presidencial de este país y una silla

de Villa Consuelo no distan mucho. No

distan en hechura, no distan en factura, en

imagen; y las dos representan lo mismo,

el que se sienta en una silla de las otras se

siente también como que el es el dueño

del universo, que el está bien, que a todo el

mundo nos está yendo bien, y que este país

sigue en el trayecto del progreso.

maurice sánchez

Bosque tallado 2014 madera torneada 500 x 550 cm

137136

soraya abu Naba´a

Yoel bordas

carlos de león

Polibio díaz

evelyn espaillat

Marie Jiménez

Hulda guzmán

sayuri guzmán

citlally Miranda

Jochi Muñoz

raquel Paiewonsky


José Pión


Juan Zapata

XXV Concurso de Arte Eduardo León Jimenesopiniones

La edición de este XXV Concurso ELJ, de la que fuimos todos testigos es extraordinaria. Una de las mejores ediciones que se han realizado, a mi juicio, en los últimos años del concurso. Se advierte el gran trabajo que realizaron los curadores del concurso, una exquisita selección de jóvenes artistas que mostraron la polivalencia y riqueza de nuestro arte contemporáneo, la cual puede ser apreciada en esta muestra; un montaje excepcional acorde a los nuevos tiempos y acorde a una generación ávida e identificada con el arte contemporáneo. Muy acertado el cambio de sala, importante innovar y transformar las propuestas, como lo es el arte mismo.

tHelMa leoNor esPINal, artistadirectora de la escuela de bellas artes de santiago de los caballeros

El conjunto de obras recibidas en el XXV

Concurso Eduardo León Jimenes confirma la voluntad

de poner en evidencia el arte como conductor de reflexión y

pensamiento, pero también como hilo que se extiende de lo individual

a lo colectivo, de lo psíquico a lo social, utilizando todas las herramientas

semánticas del arte actual. El despliegue de las obras muestra una libertad de temas

e inquietudes en el mundo de hoy y de aquí en República Dominicana; como los sueños, la

diversidad de identidades y de clases, de género; siempre con un coqueteo inteligente entre lo ideal

y lo real, la aventura y la angustia que quedan por resolver en nuestra trayectoria terrestre.

Este XXV Concurso conjuga perfectamente las investigaciones y las expresiones artísticas del momento:

instalaciones, video, fotografía, pintura, dibujo, un conjunto comprometido en señalar las alarmas que nos invitan a re-

cuestionar la humanidad en este siglo XXI.En este sentido el Concurso cumple con el destino del arte, poner en evidencia a la

ciudadanía los miedos y las esperanzas con un llamado óptico a la conciencia.

delIa blaNco, crítica de arte y literaturainVestigadora sobre las artes del caribe

139138

soraya abu Naba´a

Yoel bordas

carlos de león

Polibio díaz

evelyn espaillat

Marie Jiménez

Hulda guzmán

sayuri guzmán

citlally Miranda

Jochi Muñoz

raquel Paiewonsky


José Pión


Juan Zapata

Fiel al constante proceso de evaluación del concurso, en esta veinticincoava versión se han realizado cambios importantes, tanto en las bases, en la forma del montaje, como en las características del programa de formación continua. Entre los temas que llaman la atención están, la nueva forma de selección de obras, en base a un texto justificativo e imágenes que debería contemplar una mirada más concienzuda a los procesos y obras de los artistas; la escasa información sobre los criterios utilizados por el jurado, tanto para la selección como para la premiación; y que casi en su totalidad, la muestra gire en torno a la problematización del arte, por ejemplo: “la capacidad crítica y creativa son los valores a defender…” (Laura Castro), “…he estado investigando abstracción, la relacionada con el arte minimalista y conceptual…”(Gustavo Peña).Algunas obras, seleccionadas de forma independiente, deberían hablar por sí mismas pero en el montaje se muestran como una instalación, como las exploraciones de Gustavo Peña o las tres fotografías de metáforas de Freddy Pérez, que dejan fuera la mesa con equipos. Por otro lado, las dos obras de Mónica Ferreras parecen pertenecer al mismo conjunto.Es destacable el hecho de que las obras no pueden encasillarse en tipologías artísticas, quedando los medios rezagados a herramientas de comunicación. Un excelente ejemplo es la obra “Siboney” de Joiri Minaya, que si bien está catalogada como performance, utiliza la pintura y el video como medios expresivos.

MIgUel rIVas, arQuitectoartista Visual y gestor cultural

Un Concurso para la historia. El Centro León muestra los

resultados de su concurso de arte. Son obras que se inscriben

en lo mejor del talento dominicano de las últimas décadas. Un esmerado

trabajo de curaduría acompaña el evento.

lUIs beIro escritor y periodista

XXV Concurso de Arte Eduardo León Jimenesopiniones

140 141

their initial project included the creation of a space to exhibit and offer accessibility to the public to the works of art that were awarded in each edition, longing that was fulfilled in 2003, when the león family presented the nation the centro cultural eduardo león Jimenes, our host institution tonight.as in every edition of this contest, our first thoughts go to our artists, who once again believed in us and in enthusiam attended the appeal to partic-ipate. our appreciation and sincere gratitude to the careful and responsible work of the jury con-formed in this twenty-fifth edition by andrea giun-ta, sofía Hernández chong cuy and Jorge pineda.to significantly commemorate this very special fiftieth anniversary, the león family, through the Fundación eduardo león Jimenes and the centro león, wants to pay a solemn tribute to the artistic community of dominican republic, which in the past fifty years of cultural life, had managed to in-form our days and nights with their creations, so vital for collective and personal life of dominicans.to celebrate half a century of creation, of lofty as-pirations and experimental art in our country, cen-tro león opens tonight a new version of its per-manent exhibition Genesis y trayectoria.For the first time, in this new exhibition proposal we undertook a museological participatory pro-cess, which incorporates multiple exhibition re-sources in its curatorial and museologic perspec-tives in order to establish interactions and dialogue with the publics that visit us. the new museology of the centro león aims to make accessible and pedagogical the approach to the artistic intent, using multilingual and multidimensional ways to discover and experience art.For its conception and design, we heard the voices of scholars, artists, educators, and staff, in order to deliver an exhibition that encourages different guises to dominican visual arts, taking into account the various social, cultural and political contexts in which it developed.We hope Génesis y trayectoria comes across not as a mere exhibition, but an experience, an encoun-ter with over 50 years of dominican and carib-bean culture, as well as universal. the exhibition includes a selection of works from the colección eduardo león Jimenes de artes Visuales that has been forming since 1964, with participant works

in the concurso de arte and pieces donated by artists and collectors.

at the same time, we are opening a vibrant temporary exhibition that contains artworks

selected and awarded in this twenty-fifth concurso de arte eduardo león Jimenes.

To FosTEr THE gEnEsis, THE ConsTruCTions, THE PATHs, THE rEFLECTionsspeech delivered by maría amalia león de Jorge, director of the Fundación eduardo león Jimenes and centro león, in the inauguration of the XXV concurso de arte eduardo león Jimenes. Centro León, Santiago, October 16th, 2014

i want to talk to you tonight, a night in which we celebrate life from the perspective of culture, as Victor Hugo spoke about paris: art is always show-ing its teeth; when it is not scolding it is laughing.today, with the twenty-fifth edition of the concurso de arte eduardo león Jimenes we commemorate 50 years since its first edition in 1964, an event that has become unavoidable for the community of artists dominican republic.in its relentless pursuit of freedom, in an existen-tial challenge that allows them shudder, transcend

and transform, dominican artists, generation af-ter generation, have in the successive celebra-

tions of this event, cultivated the genesis, the constructions, the paths, the reflections and

the ruptures that have defined the do-minican art in recent decades.

this contest arises from the vision and commitment of the león asensio

brothers and sisters, who had the awareness to promote, through its

business initiatives, a framework for encouragement and ap-

preciation of the dominican artists’ creativity.

an exhibition that is an energetic and exceptional caribbean space.Finally, i want to express our deepest gratitude to the cervecería nacional dominicana and to the banco bHd león for the valuable and sustained support for the celebration of this biennial com-petition. thanks also to the cisneros Foundation, especially to mrs. patricia phelps de cisneros and the city of cadiz, for their support of art and do-minican artists. to our colleagues from the centro león, i want to express our deepest gratitude for their dedication and hard work in delivering an edi-tion of the contest with rigor and professionalism.We have learned from the history of this art con-test that the key of the caribbean region to assume with such dignity and splendor the rigors of its cli-mate, lays in the beautiful flexibility of their palm trees. this contest has preserved its vitality and force precisely because throughout these five de-cades it has been taking into account the changes in the arts and culture. also, i want to express our undying commitment to the arts in this country, on behalf of the third and succeeding generations of the león family. Honors to the creators, honors to those who have been the cultural light for this na-tion. the great teacher of teachers, Fradique liz-ardo, whose archives were generously entrusted to centro león, once wrote: “...there a word, here a habit, how to prepare a meal, a peculiar form of drumming, singing styles: everything must be an-alyzed, analyzed with much work, effort and ded-ication, because it is an important national task.” it was while reading Fradique i could understand those Jorge luis borges’ verses that started stat-ing “no one is the homeland.” thanks, Fradique, and with you, to all our artists and intellectuals, for showing that is true, that “no one is the home-land” because homeland is what we do in it, what we do For it and what we do oF it.

DiALoguEs WiTH THE JurorsJury members of the XXV concurso de arte edu-ardo león Jimenes made two trips to centro león and stayed there for two weeks. these dialogues happened in those periods.

andrea giuntaandrea giunta (argentina). Writer, researcher and curator, andrea is the director of the center for latin american Visual studies (claVis) and the seminario permanente en arte latinoamericano. art History professor, she directs the latin-ameri-can art and History of the arts department at the university of texas in austin. she is the author of

numerous publications among which are: Escribir las imágenes. Ensayos sobre arte argentino y lati-noamericano (2011), Objetos mutantes. Sobre arte contemporáneo (2010), Poscrisis. Arte argentino después del 2001 (2009), Vanguardia, internacio-nalismo y política. Arte argentino en los años se-senta (2008, trad. al inglés en 2007, 1ª ed. 2001), she also edited El Guernica de Picasso: el poder de la representación. europa, estados unidos y américa latina (2009).

journeys oVerride any mental representationsLet’s talk about the challenge that the XXV edition of the Concurso de Arte Eduardo León Jimenes has represented to the Jury.as in many of the instances in which a jury meets coming from different backgrounds and different spaces this implied a process of engaging between the jury and a number of works that are presented to the contest. and above all, this edition meant establishing a dynamic communication amongst the jury. We develop an area of ideas debate, of expansive notions, to develop a decision-making process which will then be agreed. it represent-ed the challenge of meeting new people who will act as jury with you, and at the same time, to get to know a number of works by dominican artists.What one always experiences in these situations is the desire to go and see all these artists, not just study a dossier. but many of the proposals were projects, i.e. works that are not really there but that will be executed if selected, so the procedure is appropriate to the circumstance that will char-acterize the event.and it is appropriate for me too. i am a professor of latin american art at the university of texas at austin, and at the university of buenos aires. so, i’m a writer, curator and a researcher. but as a researcher and teacher having the possibility of being in a country of latin america, of the caribbean, which, from buenos aires, we culturally don’t know much, it’s a great opportunity. it is very positive that we have the space to do so. i have documented everything and that documentation i will share in the class that i have next Friday, and i will tell my students what i saw, how was the contest, i will explain some works.and that dissemination of ideas have no immedi-ate effect, but in the long term, will allow these students in the future to define research topics for their masters and doctorates from buenos aires, and perhaps consider the possibility of doing a job research on the caribbean, in the dominican re-public, about an artists who they in met in class.



English translations

142 143

so these are effects in the long term that are col-lateral, one cannot expect immediate effects, but in this way it contributes to all we want, which is the art of latin america and our country to be known outside of its frontiers.

There are 14 artists, 19 works of art. What do you understand is the result of this collective of art and artists? What is the experience of all these artworks together?let’s say that one of the ways in which one evaluates the criterion is the extent of the jury selection. so i would not say there is a way to understand the selection. rather there is an arc of proposals. However, one does find on a recurring basis, and i think it this is very interesting, a concern in thinking the condition of island, the status of the caribbean, thoughts on the condition of its boundaries, notions about cultural elements like specific eating habits, specific architectures, stereotypes from which the dominican republic is seen from abroad; and disarray those stereotypes.We are talking about young cultivated artists with a deep knowledge of the history of universal art, that are not doing an artwork in isolation, but from the understanding and dialogue with other languages, other constructions. these are artists who explore the relations with diasporas, i.e., the people who stays and who goes; and how they see each other, and how it is impossible to fix them in a single image, because neither one nor the other remain the same during the time when they are apart. nor, when the people that left comes back, will find what they left because journeys override any mental representations and all experiences. then, we could see works that deal with these experiences, artworks that deal with language, with a formal language that seeks to tie some magic, seeks to impact on perceptions of the viewer, languages that are based on abstraction, but going towards emotional perception that involves the body. in many of these artists there’s the idea almost of sacrifice. sacrifice of the artwork, sacrifice of their own body. they take the body to the limit of the experiences, take it to the edge. there is a sense of compromise. that’s something that you see on the artists. You can witness a great deal of compromise, to push the boundaries of their own body. there are artists who experiment with light, that experiment with photography. You see artists that take on construction methods of woodwork and position totemic forms. artists who take on the popular sayings, the caribbean and dominican wisdom; and that also continue their own history, their own biography, their life experiences, their own

records; the archives filmed of their own life, built with loving family. they also take on the gastronomy, the specific food; that is, there is a tour of a number of issues that have to do with universal languages and the caribbean own languages.there is a color that calls the attention of a person who comes from a city like buenos aires. but, it is not isolation. contrary to what i know the dominican artists may feel, a sense of isolation, i see artists who are not secluded. they may feel they do not have the resources to be on the international stage, but they are for sure in a dialogue with the international scene.

What would you say about the professional life and work of contemporary artists?that is difficult. it is very difficult everywhere. and i think one of the works that are exhibited in the contest shows how difficult it is. and not for the fact of living in new York, or live in berlin you have guaranteed access to the global art world. some-times things occur unexpectedly. However, i be-lieve that both artists and what constitutes the art world and that has to do with historical research, with writing on art, with the curatorial practic-es, with the ways of thinking the relationship be-tween the works; i think there are jobs that are ap-parently not very developed yet, but you have to give them momentum. because, we are not talk-ing about a single artist alone in the world. it is an intellectual community, a community of those who love art and feel gratified with an exhibition, people that are not necessarily collectors.the general audience is also the owner of all art-works. and if those networks, say, people who con-form the art world began working intertwined, that would give more possibilities for art to be known abroad and for artists to have more access and more fluid channels to flow in the international art world.

How do you understand that the artistic work and these spaces like the Contest influence in promot-ing the development of any nation?evidently, in the world in which i have always worked we don’t think the technocratic models ensure the development of any country. i think education is the starting point. that is, to the extent that people are better able to understand their can find ways to make their convictions. likewise, i believe that art is fundamental. and that to incorporate teaching about art, contact with art since elementary school, from primary school, is fundamental. because, in an artwork, what happens is not only what is represented, or what is on the wall or what is in the space. in an artwork a world is compacted. that is, there is a

universe of experiences, individual artist experiences, collective experiences, relationships with space, dialogue with art history, dialogues with national and international literature; it’s like it clenches, as is becomes a capsule. that is there. it is in space, is on the wall, is a thing, it is something that exists.each person approaches an artwork with its own sensibility, or an informed sensibility; i.e., their tastes, preferences, but also with knowledge, knowledge of that artist, and knowledge of how that work was generated with all the elements that provides the pedagogical structure of a museum, all these ele-ments make its world detonate. that is, to open, bursts, multiply and expand. it is like to put those compressed wipes that inflate in water.and that work becomes hundreds of works. it is no longer the artist’s work. it is the work of all those who confront the work. so i think the work has a concept of the comprised world, the possibility that gives people to access that world is a privi-lege for knowledge. i give much value to sensibil-ity. i think that a country will not develop techno-logical or industrial resources without sensitivity. a sensitivity that is at the same time a social sen-sibility, a sensibility that is an emotional sensitivi-ty, and also an aesthetic one. and that working in all these areas in a coherent way, thinking on mu-seums, thinking on exhibitions, thinking on how to create good conditions for artists and the au-diences, is part of the growth of a country. and no freedom is won, no future conquest, without art. so for me it’s a piece that is part of a com-plex system, but it is indispensable.

soFía hernández chong cuysofía Hernández chong cuy (mexico). sofia is a writer, curator and a traveler. since 2011 she is the curator of contemporary art of the patricia phelps de cisneros collection. between 2000 and 2001 she was the director of the museo tamayo in mex-ico city and held various artistic curator positions in art in general and americas society both insti-tutions in new York city. she has worked as part of the curatorial team of documenta (13) in Kas-sel, germany. since 2009 she is part of the council of the Kunstverein in amsterdam. Her texts about arts and culture are regularly published in maga-zines and catalogues worldwide.

the construction oF collectiVe meaningsLet’s talk about the challenge that the XXV edition of the Concurso de Arte Eduardo León Jimenes has represented to the Jury.it seems to me that the jury, at least in this year’s

edition of the contest had two moments of work: two stages. one of it was to have made the selection of the artists who participated in the contest, which comes with its own challenges. the second step is to have had the experience of seeing the work executed in the exhibition space, which presents another type of situation or conversation, at least among the jury, which must be generated with different criteria. i think the challenge presented in the first stage, which is in the selection of artists is the real test of many of these calls. that is to really know the work, or understand the work, from a series of digital slides and information submitted in an application request. i think the challenges that this presents, which is to review a great number of portfolios some better developed than others, which doesn’t mean that the artwork or career, or that the problems in question developed in an art form, are better or worse. simply that the portfolio has been better or worse prepared. so i think that the challenges that a jury confront are, first, to understand that not all artists know how to make a good portfolio. and one must, to some extent, append it as a judgment or criteria to reach a judgment to understand the work or to venture into the work. and moreover, it is also clear that after the issue of whether the quality of the portfolio is good or not it’s reintroduced, precisely from the execution of the work that was there. there is one issue of meritocracy that leaks your selection, even thou we were less or more interested in use that as one of the selection criteria. so i think the main challenge has to do with being able to make sense of information rather than works. information that is a portfolio or an application, and that is not the experience of the complete work of art or an artist.so i think that to make sense of the information, which is made or presented, with better or less quality is an issue of this, and all other competi-tions that are based on call. the challenges of the second stage are different. the exhibition pres-ents the work already developed, or at least some of them still at the beginning of the installation, but that will end its installation for exhibition. so i think there are more challenges, at least in the con-versation between the jury on how to also avoid the issue of taste to really focus on the issues that make the work important or relevant today.

How was this process of selecting which went from 141 participants to decide the final choice of 14 artists?i think each of the jurors individually analyzed. each juror analyzed portfolios, and everyone pre-sented a group of artists who they wanted to talk

144 145

more about, to take it from there to make a short-list of artists to participate in the contest.then, on the one hand there is an individual anal-ysis made based on the portfolio, a shortlist that everyone presents so that the time that we as a jury have to talk, to converse together, is one spe-cifically targeted on those artists who in principle we are intrigued by, or whose work left something to talk, to draw together a discussion of this work.

There are 14 artists, 19 works of art. What do you understand is the result of this collective of art and artists? What is the experience of all these artworks together?it seems to me that several of the works in the ex-hibition, as well as in many other competitions, are a broader indicator of the dominican art scene, and that shows the presence of the body or the interest in the performance as one of the medi-ums or ways in which contemporary art is devel-oped nationally, is important.i think that not only this exhibition includes sever-al works that involve performance or action, but if you analyze the history of recent competitions in recent years, you’ll see that there is also great interest in the event or body as their own materi-al for development of the work. i think it’s one of the interesting aspects in the production of na-tional art: the place of the body.

What is your opinion on the Dominican contem-porary artistic production?i think there are many ideas that are being worked. indeed, not only because it is performance, albeit a pictorial or sculptural work, clearly there is great interest in processes. and i think that conceptual and technical processes are part of what can be seen in the exhibition right here at centro león.i think that is associated with much broader phil-osophical concerns, and that has to do with want-ing to be in relationships rather than in isolation, and that’s a collective construction of meanings rather than individually.

In an interview that was published in a contempo-rary art magazine, you stated that: “Collectionism has to operate today and have a look to the fu-ture.” Could you elaborate more on this regard?in the context of that interview, i precisely stat-ed that because i focused to a whole develop-ment on the importance of being acquiring or developing acquisition proposals from commu-nities of thought, rather than just certain figures in art, certain artists.

then, it was seeing groups of artists who are working, or group of ideas that are being put into work, instead of following the trajectory of just an artist and collect his or her in depth. the way in which, somehow, we are developing the work with contemporary art at the patricia phelps de cisneros collection is from thought communities, groups of artists who are working and are already dialoguing together for years. and its artwork is obviously responding, sometimes, to certain shared themes, certain processes that are also shared; everyone doing it in a singular way, but not without seeing that in the future one have to make sense of what is being created, will be from communities of thought and not, as i said, in isolation.

You have any other comments about the whole experience of having participated as a juror in the Concurso de Arte Eduardo León Jimenes?it seems to me, as a juror, that this is a great op-portunity to realize what is happening here in the arts. the call, like you said, and requests or ap-plications that are received as portfolios are vast. it’s a big number.that can give you at least an overview of the ar-tistic concerns; and also, for someone like me who does not live here, give an introduction to some of the artistic concerns and some of the artists who are working and whom i should look at be-yond my work as a juror.

jorge pinedaJorge pineda (dominican republic).Visual artist. Jorge studied architecture in the universidad autónoma de santo domingo and lithography in the bordas workshop in paris, France. in 1985 he made his first exhibition in the galería de arte nouveau. From then on he has exhibited individually and collec-tively in numerous exhibitions in dominican repub-lic, peru, France, spain, puerto rico, united states among other places. He has been the recipient of many prices for his creative work.

to rethinK our county From the artsLet’s talk about the challenge that the XXV edition of the Concurso de Arte Eduardo León Jimenes has represented to the Jury.i think this is a challenge of joy. First, because it means to engage in a series of reflections on what the system of art is, what is art, and how artists develop and produce from here. and i as an art-ist i’m asking questions and learning a lot from this process.i think, for me personally, it is an ideal situation.

it has been a joy. it doesn’t generate anguish; in-stead, it generates the excitement of the learning process. and that always gives pleasure.

How was this process of selecting which went from 141 participants to decide the final choice of 14 artists?it was a very arduous process. Very hard physical work that requires time and space to read the pro-posals and to give each artist the space and re-spect it deserves because he/she has been work-ing on this or that project.i’ve had some exceptional work colleagues as it happened the last time, and that obviously makes any process easier. because while we may go in opposite directions, at the time of reaching con-sensus, you are entering into this process of knowl-edge of how today’s projects, how the artist en-ters a dialogue and ask the right questions about what is happening around them. it’s great.

There are 14 artists, 19 works of art. What do you understand is the result of this collective of art and artists? What is the experience of all these artworks together?When you see the exhibition you will find very different discourses. However, when you try to find a narrative within the exhibition, there are a number of connections and common points in a panoramic way, you get a view of what is happening in the country not only at the artistic level, but what is happening, which is the essence of art because you questions from art, give an explanation of the world, of what is happening in dominican republic and in relation to the entire planet.that particularity to rethink our country from the arts, i think art is a wonderful advantage, the same way we raised questions from literature, or it is stated from politics, to revisit that and question it and learn from another perspective broadens our horizons to us all and that’s fantastic.

Discussing the same point, the rethinking, and ba-sed on your experience as an artist and lived as a juror in this opportunity, what would your opinion be about the professional life, the work done by contemporary artists in our country?i think that according to this contest, there is a level of commitment and honesty that is imprinted in a very impressive way in the exhibition. i am very happy for the formal quality of the works, but what i love is how formal quality accompanies a deep, purposeful and challenging conceptual reflection. i think we’re in a wonderful moment for art.

You are an artist and have served twice Jury Art Contest Eduardo León Jimenes What happens in the transition from artist to Jury?First, it is a role with a huge responsibility. i think first, it forced me to understand something i had philo-sophically followed so far, that when i see works i don’t try as an artist trying to solve it, but try to get the joy and the world that is offered to me by the artist. so i think that reaffirm why this has been for me the greatest gift i have been given by the con-test, and what made me feel better than nothing.

ConVErsATion WiTH THE ArTisTsaccording to michael diers, “in the last three decades, the literary genre of the interview has grown unusually in the visual arts, and judging by the contemporary practice, we could consider it the favorite textual form of art criticism.” From the curatorial process and discussions with the jury, emerged a common concern about the lack of publications that focused mainly on the production of artistic and conceptual artists from their own perspective. We agreed that most art publications have a “panoramic” and historical tone, limiting its readers to assess the phenomena of dominican contemporary art production in its specificity and individuality. likewise, we recognized that most of these publications were made from the unique perspective of the art critic or historian who wrote them and often the artists themselves were not even consulted. Hence, we considered the idea of making the XXV concurso de arte eduardo león Jimenes’ catalog from dialogues with selected contemporary dominican artists. the team of centro león had these conversations while the artists worked in their projects and artworks. Here, we quote the essential. this should not be taken as a starting point to approach their work, but as a way to continue to reflect with all of them.

laura castroSanto Domingo, 1982.graduated in Fine arts and illustration and Fashion design from the school of design at altos de chavón, la romana, dominican republic. she had complementary drawing studies at the cooper union, new York, usa and completed her degree of Fine arts in the universidad nacional autónoma de méxico (unam), méxico d.F., méxico. lives and works in santo domingo, dominican republic.

better. 2014Intervened wood furniture and photographicdocumentation. Variable dimensions

146 147

artist statementthe interest in understanding the dynamics of the space i inhabit has led me in recent years to develop pieces that are based on a deep visual investigation of the space itself. Better is the result of an exercise in observation of the popular aesthetic codes that are manifest in architecture and urbanity, which i believe reveals important local sociological and cultural issues. it refers to an area of knowledge acquisition that explores and reassesses imitation as an elemental human instrument in the apprehension of their environment through furniture that would commonly acclimate reading rooms and libraries, whose surfaces will be pictorially intervened and the structure altered, imitating a selection of formal situations, common accidents and popular techniques that have been encountered and documented during many city and rural tours.

“understanding the sensibility, critical and creative capacity as values to guard in the social and cul-tural time we are living, my practice has as a start-ing point the observation and appreciation of my context. my production starts in every case from the exercise of critical thinking and the sensible appreciation and the physicality that the cultural conditions produce in my environment.”

conVersation with laura castroTell us about your background as an artist and the scenarios in which you have shown your work.i started studying art in altos de chavón. i en-rolled in Fine arts and illustration, in a technical level there. Just finishing Fine arts and illustration, i studied Fashion design. then there was an ex-change with unam, in mexico, to finish the degree in visual arts and i went there. i went to mexico, finished the degree and spent three years there. in mexico i also started a master’s in critical the-ory. exhibitions wise, the most recent, last year i participated in the bienal nacional in a collective piece with engel leonardo. right now i’m work-ing for storefront for art architecture in a project based on the sociological changes that accom-pany the architectural and urban changes of mo-dernity and post-modernity.

How are your working processes and issues you work with?i primarily work in painting, in realism. most of my compositions are based on the objects i col-lect. For a long time i was interested in miniatures, and along with my theoretical research, what i did was to create metaphors of humanistic issues in a

very light way, in a suggested manner. but then, i returned to the dominican republic from mexi-co, and one walks around a little, and there is less miniatures and dainties than in mexico, i started collecting pieces of construction blocks and frag-ments of urban change. and little by little i be-came more interested in the humanity we can de-tect in urban spaces. to collect and paint.

Talk to us about your artwork in the XXV Concur-so de Arte Eduardo León Jimenes.the piece is called Better. it began as a simple interest to imitate some local materials used in wooden furniture, and refer to the pretension and status of society. those are woods with not much value, and to imitate on them marble and other materials that have a certain status was a learn-ing mimetic exercise. it was an experience derived from observing my surroundings through imita-tion and creating an empathy with my habitat. it is still wooden furniture, on which i am imitating stone textures. i included a series of photos, which show the development of the whole observation i have been making over the years of my surround-ings, and i show that empathy with what i have around through exercises of imitation of specific things, architectural, urban situations, etc.

Then there is a background, not only social but of research in the process of the artwork.more than philosophical, i pretend it to be pur-poseful. i think i had a time of conflict with the fact of returning to my country, because of some issues of lack of options for people with cultural or intellectual interests. and at one point i decid-ed, to create solutions for myself. then, i see this piece more like that. that is why it is an empa-thy exercise. it’s like dropping this analytical atti-tude that remains in the critic and rather exercise its appreciation and learning processes. my visu-al research has already been on for 4 or 5 years.

Do you think that this work has a specific audi-ence to whom you direct the message, or this is for everyone to generate their own perception?Yes, it’s always great to speak to as many people as possible. but i think there are several things going on, because in a sense it deals with pre-tension; but in another sense it also deals with another kind of knowledge, which is not what is typically known as the acquisition of culture, but

a knowledge that comes along in a more essential way. and i thing that it’s possible to talk to any-one, at least i hope.

Fermín ceballosSan Cristóbal, 1978studied in the escuela nacional de bellas artes, santo domingo, dominican republic. His most re-cent solo exhibits are Sueños persistentes in la galería, altos de chavón, la romana (2014) and Perturbación in the centro culturar de españa, san-to domingo (2012). in the year 2013 he was part of several national and international events such as: the 11th World cultural art simposium, mosan art museum in south Korea, the bienal nacional de artes Visuales in santo domingo and the in-dependence do encuentro internacional de per-formance in puerto plata, dominican republic. He was awarded in 2012 with the second price of the concurso nacional de escultura luichy martínez richiez, organized by the French embassy in the dominican republic.

acción para buonarroti. 2014Performance

artist’s statementin my first year studying sculpture in the escuela de bellas artes i remember a quote of miguel Ángel buonarroti that was on the classroom wall: “every block of stone has a statue inside it and it is the task of the sculptor to discover it”. since then, i have heard and read it on several occasions. What if inside a stone there is no sculpture or simply the sculptor can’t discover it? What if he is not interested in discovering anything and without any other purpose rather than to chisel the stone, he persists until disintegrating it all, reducing it to a pile of small fragments, irrevocably annihilating the possible sculpture inside it?“For me, art is an existential refuge, only through this medium i can deal with the world, although i’m not sure if art is a way to contend my con-flicts or if it is the conflict itself… maybe both. i have always had diverse interests, a curiosity that leads me to experiment and explore possi-bilities, to practice different disciplines, techni-cal, formal and conceptual aspects of art. i can’t and i’m not interested on holding to a single dis-cipline, medium or theme”.

conVersation with Fermín ceballosTell us about your background as an artist and the scenarios in which you have shown your work.i enrolled in the escuela de dibujo of the liceo musical of san cristóbal when i was thirteen, at the suggestion of sexfrain linares (a landscape painter that was friends of my parents), who saw

my ability and interest in drawing and stimulat-ed me and received me in his home to initiate me into painting.in parallel, i also enrolled in the school of the teach-er miguel mella. at that point my whole world was painting. at age 15 i joined the escuela nacional de bellas artes, where i studied from 1993 to 1998. in 98 i met thimo pimentel, with whom i took several ceramics courses and worked for several years in the igneri Workshops. i have subsequently taken sculpture, performance and print making cours-es, amongst others.but i’ve always considered crucial to the devel-opment of an artist the self-training and the abili-ty to unlearn everything you have been taught to find your own way of seeing and doing things, you have conflict, contradiction and denial of learning to consider its own possibilities. recently, i was in the “World cultural art sympo-sium” in the mosan museum, south Korea, carv-ing a block of granite. then in new York, i did a project of printmaking in coronado studio and later did an artist residency in altos de chavón, where in april of this year i presented the exhi-bition Sueños persistentes. i am currently in new York, making a printmaking residence by an invi-tation of Julio Valdez.

How are your working processes and the issues you work with?constantly i have the need to experience something new, so my processes always vary; i also work in various disciplines. it always depends on the dis-cipline and the characteristics of the work that i’m doing at the moment. in my painting, which is what i’ve always worked, there is a marked inter-est in the material and nontraditional techniques. in the performance there is always a strong inter-est in time and persistence.although i address various issues, my work in gen-eral is marked by and introspective character, we can say that in a thematic level is an intimate work yet universal at the same time, because it arises from my conflicts and personal reflections, but raises things that the viewer may also feel identi-fied or build its own history as a mirror in which everyone can see themselves reflected.

Talk to us about your artwork in the XXV Concur-so de Arte Eduardo León Jimenes.the piece is conceptually based on a quote from michelangelo buonarroti: “every block of stone has a statue inside it and it is the task of the sculptor to discover it”. From that statement i made a series

148 149

of questions in which i raise and explore alterna-tive possibilities to this statement. i am also con-cerned about the status of sculpture in the coun-try and this work somehow reflects it. the idea of streaming the performance live in the internet is because it was a practical way to follow the pro-cess in real time. it was not feasible to consider a work of this nature with the presence of the public. nor functioned as video or photo-performance be-cause the experience of the process was important.

Queury dicentSan Cristóbal, 1978dominican artist graduated from the universidad apec with a marketing degree. she works profes-sionally as a photographer. she was selected in the second concurso Joven de la imagen y Video of the centro de la imagen in santo domingo. cur-rently she is a member of colectivo charlie atlas.

mis dos yo. 2012-2014Digital photography 138.3 x 138.6 x 16.7 cm

artist’s statementMis dos yo tries to reveal a woman who does not know who she is or who she should be, shows the dissociation of herself in her eternal struggle to please a social network that requires her to look desirable, successful, wanted, sensitive, and a long list of qualities. Mis dos yo is a work that tries to portray the beauty cult and its social and psycho-logical implications. the human beings have de-veloped many techniques to ornament their bod-ies, however, since not long ago, there has been a development of a whole world of embellishment techniques that reinforce a philosophy of being beautiful to succeed and feel better about you, using established standards that change frequent-ly. at the end, you could say it’s a metered vani-ty that refers to an alleged success in any form.

“With my work i try to express just how i see the world, from my point of view, with its downsides and upsides, and i want to show how we inter-act with a society changing at a dizzying pace”.

conVersation with Queury dicentTell us about your background as an artist and the scenarios in which you have shown your work.i studied marketing. i became interested in pho-tography through my husband, since he is a pho-tographer. through him i began to engage in pho-tography and art. i belong to a collective of artists.

i have had very few exhibitions. i was selected in the premio Joven de la imagen y Video of the cen-tro de la imagen of santo domingo.

Talk to us about your artwork in the XXV Concur-so de Arte Eduardo León Jimenes.the piece is called Mis dos yo. it is a photography that was born from a very personal issue, that even-tually i discovered that it is a problem for many women in the country, not only in the dominican republic, but everywhere. in mexico and i real-ized that the issue is a little different, but at the end it’s the same. thus the photograph was done, from a problem in my home, in the workplace. it’s the fact that you have to physically change your-self to be able to grow or do anything. and it’s like a claim form to ask why? Why is this like this? Why do i have to change my personality? Why do i have to change my hair? i mean, i have this haircut because i’m independent now. but when i had to work, i had to wear my hair straight. that’s incredible. that’s what this work deals with. but the piece evolved, and not only speaks about the hair, the makeup, your personality, your nose, your eyes; that is, everything that has to do with your physical ap-pearance, it deals with the many more things that have to change. my works are usually self-portraits.

patricia encarnaciónSanto Domingo, 1991begun her studies in la ecuela de diseño of altos de chavón, la romana, república dominicana, where she got her title in illustration and Fine arts and an associate degree in graphic design. then she finishes her studies of Fine arts in parsons the new school for design, new York, usa.

el negro detrás de la oreja. 2014Digital photography, porcelain122 x 152.5 x 10.5 cm

artist’s statementthe project titled el negro detrás de la oreja aims to celebrate dominican culture, rejecting the racial and classist believes that exist in our country. the piece consists of a series of popular objects made in porcelain and photographic compositions based on popular sayings, a satire that aims to identify us as dominicans. therefore highlighting that nei-ther color nor social class is important to deter-mine our identity. the objective of transforming these objects that are considered “ordinary” into porcelain is to put them in a context that will add

the meaning and the importance that they really have in our culture.

“part of the identity of an individual is defined by externals factors, elements that have been de-marcated by the society and/or the environment to which the person has been exposed during its lifetime. For a long time i denied that part of my identity, which was defined by where i grew up, the dominican republic. after being decontextu-alized from that place, i was able to analyze my origins from another perspective and appreciate what i am: dominican. From the moment that i accept who i am and start the exploration of this part of my identity, i discover how i have dragged racial and class issues that have been inculcated by my own culture, that have kept me this whole time prejudiced, fragmented”.

conVersation with patricia encarnaciónTell us about your background as an artist and the scenarios in which you have shown your work.my education began in 2009 when i decided to go to altos de chavón. i studied there for three years, which are the basic, following Fine arts and illustration and then ended up with graphic de-sign. in the third year i got the chance to go to parsons the new school of design in new York, united states where i completed my degree. my professional development is still short but al-ways with the same enthusiasm from the first day i started chavón. i always had in my mind what i wanted. From the beginning i concentrated in fine arts, in the process i learned that the tech-nical means do not define you, your concept will define the technical resources you use. my work has been reproduced in various publications such as Zip magazine. i also had the opportunity to ex-hibit at la galería of altos de chavón, as well as in parsons the new school of design where i pre-sented my photography.

Talk to us about your artwork in the XXV Concur-so de Arte Eduardo León Jimenes.the title of my work, El negro detrás de la ore-ja, comes from the poem by Juan antonio alix. it deals with the criticism directed to the dominican people for their lack of appreciation of their roots. that is what has always interested me. i have not understood, i could not understand why we have such a lack of attachment to our culture. obviously, there are racial reasons, classist reasons for that.my work consists of photography and ceram-ics. the process started when i researched about

ceramics, how much it has influenced in the for-mation of different cultures. at the same time i found myself studying the problem of racism and the roots of our culture, and i saw the relationship between those issues.my studies about the representation of all the el-ements that form the foundation of our culture: african, european and aboriginal is also funda-mental. that’s where i decide to start the project El negro detrás de la oreja. When i tried to com-bine the research that i did, and the class and race problem, i was directed to the roots of the do-minican culture and its everyday items that many people consider ordinary.Food items, such as bananas, cassava. musical el-ements, such as the güira and the drums. reli-gious elements, such as the rosary… then i tried to take these ordinary items, based on my research on ceramics, re-contextualize and turn them into these objects.that’s my project. my project is the recontextual-ization through the media –ceramic being the me-dia- of these objects we consider ordinary. they are not ordinary; they are part of who we are. in summary, it is a series of five photographs of the pieces, based on popular dominican sayings and five pieces of porcelain that are: cassava, plantain, rosary, roller and comb, and rum.the reason why i visualized them in showcases is that if you look at your grandmother’s house, they will always have those mahogany cabinets with all the pieces of fine porcelain that nobody ever uses. i imagined those showcases as if my grand-mother had organized them, obviously not as or-nate. it’s like a part of our culture, everyone going to grandma’s sees that beautiful porcelain or pot-tery pieces in that glass-door cabinet. the goal i’m looking for with my piece is that peo-ple see these objects that we consider ordinary in a different context, and see them as this beautiful pieces that are part of us. they are not going to see it like a plantain, but as a piece of ceramic in a photograph, which has an aesthetic undertone. i do not know if i mentioned earlier the popular phrases that i am using. For example, in the piece of rum, the quote is: “there are no ugly women, only little rum”. that is my phrase, but it is a phrase that really is popular, but you see the picture, you see the title, and everything looks beautiful and so aesthetic, now you do not see that phrase “only little rum!” you see it as: “how nice!”. and it gives you it a new appreciation. that is the goal of my project; to give the public an opportunity to see those objects on another level.

150 151

andrés Farías cintrón (Santo Domingo, 1985)graduated in literature from the universidad apec. andrés has a ma in Films, television and interac-tive media from the universidad rey Juan carlos, and a specialty in screenplay and digital Film-making from the escuela de nuevas tecnologías in madrid, spain. currently he is studying Fiction Filmmaking in the escuela internacional de cine y televisión of san antonio de los baños and is working in his first feature film, Candela.

Honeypot. 2014Black and white videoLoop projection

artist’s statementin my work i use the image as a critical vehicle that drags into the question the path we have chosen as an insular caribbean society in the XXi century, through the juxtaposition of fragment-ed images of the city, the countryside and the in-dividual. likewise, in my pieces i attempt to por-tray the dehumanization to which we are going trough, in addition to questioning the role of the artist, his creation and the reinterpretation of the image as an agent of social change and resistance through the absorption of reality and reinterpreta-tion. a kaleidoscope of symbols processed again and again, such as the constant barrage of fool-ish images in which we are immersed daily in the screens that surrounds us, increasingly articulat-ed as divine deities.

“i think that the ‘method’ of the artist is self-dis-covery and the means to achieve and master the medium is confrontation. therefore, i try to create pieces that address and challenge me to change the meanings, break realities and experiment free-ly. With each new piece i attempt to forge my own discourse and gaze, while establishing a personal and distinctive style and still remaining true to my values and principles. With my work, i try to disman-tle the chaos that seems to surround us, using the camera, the narrative and the experimentation to magnify, crumble and enhance the everydayness”.

conVersation with andrés Farías cintrónTell us about your background as an artist and the scenarios in which you have shown your work.i studied advertising, went to madrid, spain, for a masters degree in television and interactive me-dia. i started to think of installations through in-teractive media. and from madrid, where i lived

for three years, i went to cuba, where i am cur-rently living. i study at the escuela internacional de cine in san antonio de los baños, specializ-ing in Fiction directing. it is a school that has a very particular way of teaching cinema. i have al-ways done fiction, especially in short films, and the shorts have been screened in national festi-vals in santo domingo. outside of the dominican republic i have been able to present my work in France (clermont – Ferrand), spain (madrid and barcelona), in cuba and uruguay.

Which issues are you interested in?generally, at least on a conscious level, what inter-ests me the most is the lack of communication of people in the insular territories, especially in the caribbean. although i will not necessarily repre-sent a fisherman in the sea, subliminally, i’m always talking about the caribbean i’m talking about be-ing surrounded by water everywhere, because in one way or another that shapes you and makes you think and act in a particular manner.

Talk to us about your artwork in the XXV Concur-so de Arte Eduardo León Jimenes.my piece is basically a video art called Honeypot. it was shot it in december in cuba. i rolled it with an expired film of 16 mm, with a bolex camera, which is the one you can rewind and re-shoot on the material that is already filmed. it was my first time, i have always worked in digital and some other times in 16 mm, but this was quite particular because this camera offers effects that no other equipment does. it has many flaws that are used as virtues. like, if a ray of light gets in and you are filming and you remove the eye, the light gets in and becomes negative; it was quite a fun process because it was very experimental.i started from the idea that since i am from the city and have always lived in cities, and this is the first time that i live in the countryside, i was think-ing a lot about life in the countryside. about how distant we are from the trees, it can seem very hippie, but no. it deals on how we are more con-cerned to see screens than to look up. From that idea, i took all the green areas from where i live and the animals, because i live like in a farm, and started filming with that small idea and letting the intuition lead, and experiencing what if i rewind and filmed backwards now, basically like playing. it was also the first time that i followed the whole development process. in the development pro-cess i also began experimenting with chemicals and scratching the film and that sort of things, to

then finish it digitally, which was also the first time i do this hybrid composition. the fact that the title of the work is in english does not respond to anything in particular. i was read-ing a book about the life of bees, because i read that buñuel became obsessed with a book about the life of bees and i said: Why would buñuel read about bees? i started reading about bees; some-how the process of making honey is related to an-other world that almost doesn’t exists anymore, that was when a person took the hive and nur-ture his bees. there was a direct relationship be-tween nature, a man and his bees. i think that my theme, Honeypot, having honey, was a bit about this. my idea is going in opposition to the machin-ery, to all these black screens, to this whole inter-net thing; and then i remembered my childhood, my grandfather who gave me honey as a treat, and that sort of thing.

mónica Ferreras de la maza (Santo Domingo, 1965)Her means of expression are painting, drawing, in-stallation and video art. in her 21 year career she has made 12 solo exhibitions in galleries and cul-tural centers in the country and abroad. in 2013 she won the first residence of davidoff art initia-tive held at the international studio and curatori-al program in brooklyn, new York, united states. in 2010 she won the XXii concurso eduardo león Jimenes. she has participated in group exhibitions among which are: Inside and Out, Recent Trends in the Arts of the Dominican Republic, organized by the inter-american development bank cultural center in Washington dc, united states.

nunca es tarde si la dicha es buena. 2014Acrylic on canvas245 x 137.5 cm

son solo burbujas de la vida…espejos de pregun-tas y esperanzas. 2014Installation. Nylon thread and photocopies. 500 x 500 cm

artist’s statementmy project is based on a series of drawings called Hope. these drawings are a reflection of those difficult and dark moments in life where there seems as if there was not light at the end of the tunnel. as if we looked at a photo album at the present, we realize that in fact there were always lights around us. light, expressed in the support of friends, of family, light expressed in a book, in

a shared a moment with a stranger, etc. large and small lights that have always been there but, as with the stars, that are often taken for granted. i highlight these lights in black ink as if to let me know: “mónica there it is… don’t forget yourself.

“my body of work in the last years has had a very strong autobiographical component. if seen in chronological order, you can capture different moments of my life: my questions; difficult and tense moments; periods of growth and light. Formally, some symbols are recurrent such as the spiral, the labyrinth and mandalas. in addition to these symbols, there is an obsessive use of lines, dots and circles. i build my paintings and drawings using multiple layers of pigments ranging from the lightest to the strongest, creating a dense atmosphere with many transparencies and depths. parallel to this body of work, i have also been doing installations and video art in which the social component is predominant. these works are based on everyday situations that call my attention and motivate me”.

conVersation with mónica FerrerasTell us about your background as an artist and the scenarios in which you have shown your work.i studied at the escuela de diseño of altos de chavón, many years ago in the first group of students. From there i went to the Hague, netherlands, to the national school of Fine arts with a scholarship i won for a year. then i returned to the dominican republic. that’s mainly my training. i have exhibited in group shows in several countries. in the united states: in rhode island, new York, massachusetts, colorado and miami. in europe i was part of a group show in berlin, oslo, paris and in spain. i do not remember more…

How is your working process, and in what are the issues you are interested in?i have divided my work conceptually. i’m handling two bodies of work. because when i paint and draw, is usually a more intimate work that tells more about me, about my life progression. and when i make installations or video art, often, especially in video art, the component is more of social com-ment, more about my surroundings, the country and the things that i see, the issues i want to ac-count for and discuss and that are more ideologi-cally committed. With the installations is the same, but there are some that can be connected with my life process. i spent many years working with some of carl Jung’s concepts, such as the laby-rinth, the process of individuation, the mandala,

152 153

what he called “the person”, which is what we commonly call “mask” and some other concepts. at that time i couldn’t say that it was also speak-ing about me, but eventually, looking back, i can see the connection and the similar components.

Talk to us about your artwork in the XXV Concur-so de Arte Eduardo León Jimenes.there is a painting called Nunca es tarde si la dicha es buena, it is an expression on how i feel today: happy and grateful for my life. it is a tribute to this stage of my life. the other piece, Son solo burbu-jas de vida… espejos de preguntas y esperanzas, deals with memory. both of the works have auto-biographical components. the installation more than anything; where there are bubbles that are based on some of my drawings. these drawings are reproduced, torn, and again reassembled to form bubbles. these bubbles are connected to each other in a room. and what i’m stating with that piece deals with memory, as i see memory, as i understand it; and the other component is about the difficult stages in life or times of chaos, tur-bulence or uncertainty; the drawings have a com-ponent of points of light, and with that i’m refer-ring to the always present light in our lives, or in my life. this work speaks in a personal manner. i look back and understand that all these experienc-es i have lived, good and not so good, have been learning experiences that shape and form what mónica is today. that’s what this piece is about.i opt to tearing as a formal resource, but it con-tributes to the conceptual element of it. because as i see memory as the process of rebuilding on fragments you remember, at the right time for me to remember what i do is join them again… but they are still fragments. so i tear, or in good do-minican, i “ripeo” the original drawings.

How do you evaluate the national panorama in artistic mater?i will speak from my generation and those who come after us. i feel that there have been signifi-cant and positive changes. that you always want more? Yes. i think that’s part of human nature to always want more. but there have been positive changes in several maters: we have an internation-al presence in important group exhibitions, which curators are taking into account. that is very posi-tive. i am also glad to see that there is a new med-ley of artists between the late 20s and early 30s. i am particularly glad to see them because they are artists who are already demonstrating that they are very talented; these are taking their career

with a seriousness and responsibility that is very important because talent per se is not enough.

marie jiménez (Santo Domingo, 1991)graduated in Fine arts from la escuela de dis-eño of altos de chavón, la romana, dominican republic. she was a selected artist in the bienal nacional de artes Visuales of the museo de arte moderno in santo domingo, dominican republic in 2011. after completing her studies at parsons the new school for design in new York, unit-ed states, she exhibited her videos and pictorial work in a variety of cultural venues. she was se-lected artist in the XXiV concurso de arte edu-ardo león Jimemes.

sin título. 2014VideoartLoop projectionVariable Dimensions

a la luz de la sombra. 2014Acrylic on canvas by Edward Salcedo101.6 x 152.7 cm

artist’s statementthis video installation consists of a video and a painting displayed in a room. it shows a painter

socially marginalized and at the same time privileged; while suggests to analyze the role of video in opposition to the traditional language of painting. the video as the center of the installation depicts the link between two emerging artists living in different contexts: edward and marie. this part of the installation shows edward as the artist in the periphery; through stories of his evolution as a painter in a context where he was not been offered with opportunities for his production to be valorized. the installation uses this painter’s paradox to question whether the marginalized has a voice and if one can be recognized as such.

“my practice is based on the use of video as a tool to move the periphery to the center. i explore the issues that generate this interest; including the relationship between marginalization and happiness, knowledge and center, and the boundaries between the centers of the periphery. my work shows these issues through documentation of subjects in fictitious or real situations, presenting them in a way that addresses their privacy and confronts the viewer. i usually work from personal experience that i shape with a screen that allows me to prioritize feelings”.

conVersation with marie jiménezTell us about your background as an artist and the scenarios in which you have shown your work.i studied Fine arts at altos de chavón and then at parsons the new school of design, where i re-ceived my bachelor of Fine arts. i have had the opportunity to show my work at the museo de arte moderno and the centro león in the domin-ican republic. in new York, i have shown my work in alternative spaces such as galleries, cafes and more traditional contexts as in the Hudson river museum, st paul’s chapel gallery, columbia uni-versity and parsons the new school of design.

How is your working process and in which issues are you interested?my work always deals with issues of identity through privacy. i start with the research, which for me is a process of personal understanding (point of view, perspective) and then social understanding (theo-retical, analytical) that leads me to shape the piece.

Talk to us about your artwork in the XXV Concur-so de Arte Eduardo León Jimenes.this work comes from friendship and deals with the artist within the art industry and marginal-ization in the dominican republic. the piece be-gan to take shape when i started to question my friend’s position as a painter. my friend edward and i started to exchange assignments as a kind of exercise to understand why we decided to work in the field we work. We talked daily about socio-economic status, what education represents, and the opportunities to grow professionally as an art-ist in both contexts.i asked edward to record videos with his topics of interest, while i was helping him to verbalize what he was doing with his paintings. to have a bet-ter understanding of his work, i decided to take one of his paintings to new York. there, out of its original context, the technical ability caught the attention of the viewer more than the subject of the painting. this reaction made me think about what causes this, the story behind it is crucial to create a discourse on the subject and not on the painting.i started working with printed text, produced by the collection of talks between edward and me, the text was fit for ‘a story’ and the act of reading could create a space of intimacy with the viewer. but in its physical form, as a book, made me feel frustrated because its inaction in relation to paint-ing, when they are in the same space.the painting of edward, a manufactured object,

brushstroke by brushstroke, and in large size, the dimensions of a human body, draws more attention than the text. trying to bring the text to a physical plane, such as the painting, i overlaid the conver-sations with sounds and videos that edward was recording with his cell phone, creating an audiovi-sual piece that could be projected and had a more dominant presence in the space. trying to bring the video to a physical and mystical level, closer to the painting and what it generate in the view-er, it was necessary to continue the discourse of marginalization to the point that the media have a dialogue in parallel with the dialogue that ed-ward and i have in the video.

joiri minaya (New York, 1990)graduated from the escuela nacional de artes Visuales in santo domingo, the escuela de dis-eño altos de chavón in la romana and parsons the new school of design in new York. she has participated in residencies such as skowhegan school of painting and sculpture in maine, usa and l –est european performing arts and trans-media lab in scène nationale ma in montbéliard, France. she was the winner of the grand prize at the XXViii bienal nacional de artes Visuales at the museo de arte moderno in santo domingo. lives and works between new York and santo domingo.

siboney. 2014Performance

artist’s statementSiboney is a performance in two parts that ex-plores the stereotypical constructions of the ca-ribbean and caribbean women based on fantasies drawn from foreign otherness. the performance reflects on how these constructs are then inter-nalized and thoroughly reproduced by the sub-ject in which they originate. a fabric with a “trop-ical” generic pattern found by the artist and the song “siboney” sang by connie Francis are the el-ements of departure for this research. the print has a stereotypical souvenir design character or a mass production design. When is manually copied and painted on a wall, symbolizes a process of in-ternalization of something determined by some-one else. the song “siboney”, composed in 1929 by cuban composer ernesto lecuona at a time of longing home, was popularized in 1931 by the in-terpretation of the dominican baritone eduardo brito and then recorded by several artists, includ-ing connie Francis in 1960. With this recording,

154 155

Francis joined the trend of many north ameri-can artists of the time of singing songs in span-ish, with their accents reflecting imperialist poli-cies and attitudes of exoticness.

“i am interested in issues of identity, otherness, self-awareness and movement. my work navigates in the binary systems trying to find hybridity; i in-vestigate on how our hierarchies have been built mostly from historical inequalities that are still per-petuated, and the body as a conditioned receptor and interpreter of these distinctions. in my work, as an alternative to such hierarchical denomina-tions, i try to create several positions of power, of-ten contradictory but operating simultaneously”.

conVersation with joiri minayaTell us about your background as an artist and the scenarios in which you have shown your work.When i was 14 i went to high school in the escuela nacional de bellas artes. For me Fine arts was a key to gain more independence in questioning things. then, at age 17, i went abroad to belgium for one year. When i returned to the dominican republic, i went to the escuela de diseño of al-tos de chavón. chavón was also incredibly influ-ential. it is admirable what they do there. then in chavón, i won a scholarship to finish school in par-sons. in parsons i began to understand other val-id ways of making art. i began to understand me-diums that have more to do with processes such as performance, installation and video. media that i knew and saw, but did not think it was some-thing i could do, because i had not even an entry to that world or language. i had the space to ex-plore those issues in class, i had the guidance of teachers, and learnt from history, and that gives you the needed validation and lets you feel that you can do it too. that is also a school, a space of experience. that’s my educational experience in the arts.

Talk to us about your artwork in the XXV Concur-so de Arte Eduardo León Jimenesthe piece of the XXV concurso de arte eduardo león Jimenes is called Siboney. it is a multidisci-plinary piece. it consists of a hand-painted mural, based on a pattern i found when i was in parsons. there was a recycling center where students dis-card not used materials and other students could use them, and i went there one day and found this fabric that has a pattern of tropical flowers that for me was beautiful and visually sexy. For me, the pattern represented how other cultures may see

our culture, and the idea of painting it repeatedly and exhaustively in a huge wall has to do with the process of internalizing the idea of what i should be for someone else. For me, it relates to the ca-ribbean identity or caribbean woman identity. the second part of the work is a performance in which i wash the wall. and this part refers to the denial of the idea that i have to meet a stereotype. i wash the wall while the song “siboney” plays.With this piece i refer to the caribbean women stereotypes. i became interested in it more from my experience of living outside: when i lived in belgium and the time i have lived in new York. in belgium i lived in a town where there was not much diversity. i was in a school for a year and my classmates, after they were a little closer to me, were like “oh! can i touch you hair?” “i’ve never seen hair like that” and the curiosity of not knowing and wanting to understand another cul-ture is logical. but also, belgium in particular has a history of colonization and imperialism in con-go, and the ideas they have of a person who looks like me can be informed from that history. then, i was not conscious about that, but looking back i guess there began my interest in the stereotypes that i can represent to another person.then, in new York, is much more diverse, but there are still times that people are like “oh! You look so exotic! Where are you from?” and “oh, domin-ican!” then, by the tone in which people say it, i wonder what ideas were circulating in their head of what i must be.i became interested in the pattern and the song because i associate the two elements with a spe-cific era that is perhaps the 1950s or earlier, in which cuba was like a vacation spot for north americans and many interactions took place there, and not only in cuba, but the rest of the antil-les, but i guess cuba is the strongest example of the construction of the stereotype of the carib-bean women.now let me talk about the song… “siboney” was composed by ernesto lecuona in 1929 and sup-posedly wrote it being away from cuba, missing his homeland. eduardo brito, who was a domin-ican baritone, then popularized it and i guess it has been interpreted by many singers like many songs from that era. and connie Francis has a ver-sion. the first time i heard that version was in a Hong Kong film; titled 2046. but i’ve also seen it in perfume ads, with a woman in a tropical land, and all uses of this song also respond to the ste-reotype of what people imagine the song is about.the song is very sensual, it has some drums and

other things that make you think of something ex-otic or somewhere far away if you do not come from that place… perhaps that’s what interested me in the first place. then what also interested me is that when connie Francis sings it, it becomes like a need, or in this case, of gender, because she is a woman singing to a man: “siboney, i love you, i am dying for your love”. and as many love songs, but particularly this metaphor, presents the wom-an in need of this man, or the caribbean needing the first world nations. regularly i address many issues about the woman or the idea of the con-struction of the female gender, the relationship between self and other and how both side deter-minate each other. i also address hierarchies, how hierarchies are established in relation to gender, society or politics.

randy morales (rands) (Santo Domingo 1987)He studied Fine arts and illustration at the la es-cuela de diseño altos de chavón, la romana, do-minican republic, and parsons the new school fro design, new York, united states. He is current-ly doing his ma in animation and movement arts at pratt institute. He currently lives and works in brooklyn, new York, united states.

Fantasías de mi entorno familiar. 2014Installation. Videoart, furnitureLoop projectionVariable Dimensions

artist’s statementi work with images that tell stories of past times; that create an extract of the forgotten moments and illuminate the unconsciousness of those times, evoking a collision of nostalgia and emotions that results in self-discovery. during this exploration, i show myself as i am, visualizing my future ac-cording to my growing up environment, and the influence of my family. in the videos that support my work, illustrative images engage with estab-lished elements, serving as a cognitive study of a curious child.

“my work focuses on secret stories of my life, cre-ated from vague memories, real moments, impres-sions and dreams that have retained to / from / in my early life, which have been nurtured to maturity”.

conVersation with randy moralesTell us about your background as an artist and the scenarios in which you have shown your work.

it all started when my mother enrolled us, me and my younger brother, in painting classes. When i graduated from college, i had no idea of what to study; i just knew it had to be something related to the arts. For a while, i studied graphic design at apec and there i learned what illustration was. immediately, i realized that i was in the wrong ca-reer. i spent a year outside the country and decid-ed to return to study at the the school of design of altos de chavón where i graduated in Fine arts and illustration. i then transfer to parsons in new York and finish my degree in illustration. i am cur-rently pursuing a master of animation and digital arts at pratt institute in new York.

How is your working process and what issues are you interested in?most of the time my work comes from scribbles, not necessarily having a concrete idea. after that, i start to refine everything according to the theme i choose to work. i love that my work has spon-taneity and improvisation to solve problems dur-ing the production process. When creating, i don’t like the idea of only focusing on certain subjects. i have noticed that unconsciously there are always present topics or elements related to intimacy, family, death, abjection and ambiguity of realities.

Talk to us about your artwork in the XXV Concur-so de Arte Eduardo León JimenesFantasías de mi retrato familiar is the final part of a series i started working more than a year ago. this piece is personal; i do a cognitive exploration of my childhood through recorded family events, intervened by animations such as a device to il-lustrate my way of seeing things back then. ini-tially the piece was conceived only as a video but i had the need to expand from a two-dimension-al format to a four-dimensional format, to recre-ate the most important space of a traditional fam-ily, the living room, where they gather around to watch these videos of memories and thus, invite viewers to participate and be part of my world at that moment.

jochi muñoz (San Francisco de Macorís, 1964)artist who lives and works in santo domingo, where he develops his work as professor of dance, inde-pendent creator of performing arts and perfor-mance. He was awarded the prize in the XXV bi-enal nacional of the museo de arte moderno in santo domingo, dominican republic.

156 157

¿...en qué recodo del camino? 2014Performance

artist’s statementamong several texts that talk about paths, one in particular: Permanencia del llanto, by the Haitian poet Jacques Viau, helped me to clarify both con-cept and the way that i would make the piece. stays, trips, love, hate, hatred, attachment, freedom, fear, roots, achievements, strangeness… these are things that in different doses, are rushing to every pass-er of life. during this, each individual is following the footsteps of others, while leaving their mark on which, perhaps, will ride others who come af-ter. i resort to the use of the circular path of the road, as a metaphor for the constant and peren-nial search of the individual; as a metaphor for the constant and perennial apathy of the individual.

“the quarry from which i nourish to make my work is done in my daily life. i take any fact and decon-textualize it, fragment it, in a way overestimate it and in other way undervalue it, recompose, to fi-nally offer my personal version. Whichever results may not be immediately understood by the view-er. What i hope is that you leave with the bug of question, and can possibly extrapolate the above, to spheres away from the merely personal issues of the artist”.

conVersation with jochi muñozTell us about your background as an artist and the scenarios in which you have shown your work.i come from the world of theater, from dance, specifically. i started in ballet, with Fradique lizardo in the Folkloric ballet; from there i went to study classical ballet with imgard despradel. later on and lead by eduardo Villanueva i studied the graham technique on modern dance. i spent many years dancing until when looking for a way to better express myself not as an interpreter but as a creator, i did a certified program on performance in 2006. taking the course i realized that was my creative path. i have presented performances in miami, and here in Festivals and performance events. at the same time in three occasions i have been part of the bienales nacionales de artes Visuales at museo de arte moderno in santo domingo, and in the XXiV concurso de arte eduardo león Jimenes among many other solo projects.

How are your working processes and in what top-ics you base your work?i think that all my work derives from autobiography.

i take elements from my surroundings and the peo-ple that are close to me and i try to give it other meanings, changing and modifying. that’s where the pieces come from. in the dances that i cho-reograph i include some elements sometimes not even recognizable but that doesn’t matter.

Talk to us about your artwork in the XXV Concur-so de Arte Eduardo León Jimenesthe piece is titled en qué recodo del camino? (in which bend of the road?). its title is taken from a verse of a poem by Jacque Viau, the Haitian poet that fought in the civil war in 1965. the title is in one of the first verses of the poem. after read-ing many texts and poems that dealt with paths, that was the text that make me said: that’s the ti-tle of the piece!From sometime i have been working in pieces that deal with paths, with my transit through life and the changes i have made, and i wanted to artic-ulate it in a performance. When i read the whole poem i said: but that’s my piece in a poem, now it’s my turn to take that into performance.it’s simple, there are sixty slabs, stone slabs piled at the moment the performance starts, and i’m standing in top of the pile. From that point i start to build a road with these sixty stones, a number that is also my age. i make an arc, and as soon as i’m finished with that amount of stones i retake the first i laid down and pile it back. this action is repeated six times, which is the number of decades of my life.i go counterclockwise, as if to rewind my life, make a recount of my trajectory, what i have done, what i haven’t done, recounting the things i should have done and didn’t because of fear or other reasons; this is essential to revisit my life and go back to the starting point.

gustaVo peña (Santo Domingo, 1979)studied Fine arts at la escuela de diseño altos de chavón, la romana, dominican republic. He fin-ishes his degree in Visual arts, majoring in paint-ing mural in the escuela nacional de artes plásti-cas at the universidad autónoma de méxico. He currently works and resides in santo domingo.

exploraciones de forma, color y espacio. 2014Óleo sobre fibra vulcanizada de densidad media. Díptico126.7 x 126.3 x 3.8 cm, 126 x 125 x 5.8 cm

exploraciones de forma y línea. 2014 Tinta inkjet sobre papel. Tríptico124.7 x 125 x 5.1 cm, 125 x 124.7 x 5.3 cm, 125 x 124.6 x 5.3 cm

investigaciones abstractas. 2014Madera161 x 138 cm

artist’s statementinspired by the industrial era we live in, where the motto could well be “let the machines to the work” i conceptualized this large triptych with which i seek to achieve this sublime effect that art causes in us, using computer and digital printing. these module designs give way to be constructible and repeatable mechanically and industrially without the intervention of the artist.

“recently i have been researching abstraction, pri-marily the related to the minimalist and conceptu-al art. it started as an exercise in which i explore shapes, color and space painting directly from imagination. then these exercises became work per se and later sculptures. in these designs i seek to not intervene in the final realization of the piec-es, however, produce them in workshops of skilled people in the different disciplines required. some of these designs work modularly, others, like small closed systems, in which small parts, despite be-ing different, form a whole”.

conVersation with gustaVo peñaTell us about your background as an artist and the scenarios in which you have shown your work.i studied two years in the school of design of al-tos de chavón; then in mexico at unam, where i finish the degree with a mention in photography and mural painting. later on my education is com-pleted with lots of studio work. i have show in Ko-rea, england, united states and France.

How are your working processes and in what top-ics you base your work?i like to experiment with media. i started as a pho-tographer and then came the painting. in paint-ing i explore different areas, dimensions and tech-niques. recently i’m exploring more conceptual grounds like geometry and more systemic forms.

Talk to us about your artwork in the XXV Concur-so de Arte Eduardo León Jimenesi started working directly from my mind to the can-vas and it has resulted in a very abstract process.

i wanted to distance myself from reality, from fig-urative imagery and everything that could be rec-ognizable to the gaze. i wanted to work automat-ically from the mind. i work with different media, but at the end everything ends up in the same ground, because the painting depicts the sculp-ture and the inkjet drawings are models of the tridimensional pieces. at the end everything is tightly linked. the pieces come out as games, as a systematic, serial something that i explore part-ing from the cube, the triangle and many basic forms; as if i add and delete parts to make differ-ent compositions. is like a game. the digital ele-ment is not only to distance myself from the tra-ditional but to portray it as i saw, as a work of art.

daVid pérez (KarmadaVis) (Santo Domingo, 1976)Visual, sound and culinary dominican artists who lives and works in guatemala. creator and produc-er of contemporary art project Morisoñando rece-tas del Caribe. He has exhibited at exit art in new York (2010), in essex in london (2013) and the ul-travioleta y numu projects in guatemala (2013). He has participated in events such as: pabellón del instituto Ítalo-latinoamericano, liV interna-tional art exhibition of the Venice biennale, ita-ly (2011), Unresolved circumstances, museum of latin american art in los Ángeles, united states (2011), Don’t call it performance/no lo llames per-formance, international exhibition of 60 perfor-mance artist, museo del barrio in new York, unit-ed states (2004).

comedor familiar. 2014PerformanceDocumentación fotográfica proyectadaDibujo, objetosMedidas variables.

artist’s statementthe island of Quisqueya is a body divided into two parts. two countries with a common histo-ry and a shared present. From the merge of both comes the Haitian-dominicans, a minority group product of the offspring of both nations. this sec-tor of dominican society lives in an irregular plat-form, conditioned by political and racial interests. the work is an action of the contemporary cu-linary project Morisoñando. a performative and organoleptic environment for the delight of the senses, with a critical and functional intent. the project arises in multimedia format, with a kitch-en and a dining room installed in a border area

158 159

of the island, where the divisory line disappears. the tasting will be the result of an investigation about fusions and ingredients that are related to the cuisine of both nations and as a primary out-come, the dominican-Haitian community. one way to legitimize this group dominicans in society, is through food. Without falling into romanticism and seeing it more with a functional attitude in what concerns and worries the island. the representa-tion of the group arose in a context of dialogue and mutual aid. in the vacuum of the tension is a spark of language. a fire buddha.

“When dialogue is still possible, there is the mys-tery of hope”.

conVersation with daVid pérez (KarmadaVis)Tell us about your background as an artist and the scenarios in which you have shown your work.i studied in the escuela nacional de bellas artes, in the universidad autónoma de santo domin-go, and the finished my education in altos de chavón the school of design. When i finished chavón i started doing prints and performanc-es. at that time i did ritual performances mainly based in the experimentation with the body. i al-most didn’t document it; there were performatic actions without more sense beyond the formal. as the time passed i was displaced to a more polit-ical ground in which i start to use art as a tool to be able to say things that other media would not allow it. at that moment i started working with the subject of dominican-Haitian relations. i start-ed working mainly with the issues of the Haitian that lives in the dominican republic; i didn’t talk about Haiti, but about the person that lives in the dr. i start to work in a series in which the island is a body divided in two and where each element is codependent. in each work what i do is to frame each person, the dominican and the Haitian within parenthesis as a symbolism of both nations. as a whole the mean was to see how they relate, and how i could generate new formats of communication. at that moment my work was mainly based in generat-ing forms of communication.after that series i leave for guatemala. there, i start doing a series of works called Acciones es-táticas (static actions), in which i hire groups of people, from forty to a hundred and i guide them to make geometric shapes, a form that have a content related to the group of people. after that i start to work with people with certain physical limitations and work with concave and convex

compositions. i was mainly thinking in a sculp-ture that derived from the performance where i could use bodies and structures that correspond, thinking at the same time about design and con-tent. parallel to that i was doing another type of work, paintings, and drawings. i do several things in different media.i have always cooked. but from a time to this date i have wanted to do other type of things, not the same work with the body, about performance, re-garding the concentration, but explore other me-dia. and now i’m working with the gastronomy.i have a project called Morisoñando Recetas del Caribe, that is a culinary project in which i use con-temporary art media and i mix it with caribbean gastronomy. if you notice caribbean gastrono-my is not well known, there aren’t many variables and is somewhat limited. the idea of the project is that, try that this food generates dialogues. i want that food generates another form of com-munication, and not only feeds.

Talk to us about your artwork in the XXV Concur-so de Arte Eduardo León Jimenesthe piece is titled Comedor familiar (Family din-ner). at the beginning the idea of the work was to legitimize, through food, a part of the island’s society that has been excluded: the dominican-Haitians. What i did was to create a menu with el-ements from both nations and presented it in fu-sion. i know that the work fusion here may sound terrible, but in gastronomy it works. to me fusions are incredible! if fusion works in gastronomy, why can’t it work in real life? What i do in this project is to locate a dominican-Haitian family in a made dinning room, with a table, kitchen and all, in a lo-cation in the frontier of both countries. the table is in a place that doesn’t belong to anyone, but is in both places, is an inhospitable place, a ghost place. i cook the menu for that family. Who else to enjoy that menu but a dominican-Haitian fam-ily? i make the menu for them. they feed them-selves, i make a small format degustation, and the idea behind the piece is that, to legitimize a menu from both nations and to build a foundation on ca-ribbean gastronomy. i think that the artist has to explore different media; not to be limited by the same formats: painting, video, performance. and contemporary gastronomy is incredible; there are much done, and much to be done. it is an estab-lished medium. What i’m doing is trying to intro-duce it in the contemporary artistic context. my events are projects that deal above all with the environment. in the space that i display the table

and the kitchen there’s a landscape, there’s an en-vironment, i don’t focus in one point, but some-thing open, more expansive.

Freddy pérez (prandy) (Duvergé, 1962)studied Fine arts at the escuela nacional de bellas artes in santo domingo; photography at the instituto de estudios superiores of santo domingo, both in the dominican republic and restoration of Works of art in the escuela de artes aplicadas y oficios artísticos of madrid, spain. He is a photographer and inventor, was recognized by the community of manhattan for arts and cultural affairs of the city of new York (1994). awarded the first prize in the category several- ideas of the ii Feria nacional de ideas e inventos of santo domingo in 2000 and the bronze medal in the international Fair ideas and inventions and new products of nuremberg, germany in 2001.

metáfora i. 2014Fotografía digital a color sobre papel98.5 x 149.6 cm

metáfora ii. 2014Fotografía digital a color sobre papel98.5 x 149.6 cm

metáfora iii. 2014Fotografía digital a color sobre papel98.5 x 149.6 cm

artist’s statementin this new visual culture the photographic code and its borders disappear. this innovative proposal is part of the optical art as visual nomenclature that also approaches to the kinetic trend and magical realism. there, in all these areas, i try to unravel the mysteries of the cosmo through symbols and colors, light and shapes. in the development of this photographic technic i needed to create what i have called a prandiscope and other accessories to work more effectively in obtaining my images. With them i can use objects and materials of different origins and different designs; all can be used by different combinations in a methodical or spontaneously way to achieve special optical effects, such as movements, reflexes and degradations. in my photographic style, the emotional has its place and the tropical influence is manifested through the colors that characterize the caribbean.“my artistic and cultural training has allowed me to guide the sense of creativity and innovation

in directions that sometimes differ, but harmo-nize and enrich when conjugated in the scientific, technological and artistic aspect. since the first training in painting and drawing, i had the urge to evolve to photography as an art form, because it is precisely there where all my creative and inno-vative concerns converge. that is why in my pho-tographic images that expressive dualism mani-fests: the photographer – painter and vice versa. it is a personal style, achieved through the devel-opment of an experimental technique.

conVersation with Freddy pérez (prandy)Tell us about your background as an artist and the scenarios in which you have shown your work.i started my artistic education in 1968, in the es-cuela nacional de bellas artes. i’m from the san carlos neighborhood in santo domingo, even thou i was born in duvergé, in the south of the island. When i got to the escuela nacional de bellas artes in santo domingo i did all the courses and work-shops available until the fifth level.i started with the arts and then i received my ed-ucation at universidad autónoma de santo do-mingo as a student in advertising arts. i was the second generation of alumni of advertising arts in that university. it was a time when i had many interests; i also studied a major in pedagogy for the arts.all my issues have to deal with the arts. every-thing i do, i’ve done and i’m doing have too be related to arts in some way. i continued evolving until i decided to be an inventor.i received a scholarship from the organization of american states (oas) en 1983, to study in a school of applied arts in madrid, spain. that spe-cial course was a kind of mastering the knowl-edge i acquired in the same institution. For me it wasn’t new. it also allowed me to devote myself to do research. i started doing research because i remember that at that time we were just at an

embryonic stage as to what is the restoration and conservation of photography.in the institution i learned the basics i included the technique of restoring photography. When i had a month in that city, i was invited to give a lec-ture at escuela de san Fernando of the universi-dad complutense in madrid. From then on i was invited to informally teach the students on pho-tography restoration. so you can see that is like a path, a chain of things that also motivated me and kept me digging into issues to contribute, to make inventions, to innovate. in madrid i had a very interesting stage in creative terms, because

160 161

that was the start of the restoring machine that i invented. in 1986 i went to the united states, and the idea grew to the point that i thought, and people recommended me whether to register it in a patent. and i did. in 1994, after eight years of research and three years of investigation on the registration procedures, i was given the patent. Talk to us about your artwork in the XXV Concur-so de Arte Eduardo León Jimenesthat has a somewhat long story, but just as inter-esting. it seems incredible, that was a stage that i had a lot of creative thinking. i was doing one thing and another arose, and ii devoted all my time to these endeavorsone afternoon i was in a park in madrid and saw some children playing with an artifact looking at the sun. i asked them to let me see through that artifact, and i did. it was a kaleidoscope. that was the first time i saw a kaleidoscope. i was so in-trigued by these visual wonders that happened one after the other that i said, this is a work of art, with just a few elements you can experiment and do things that are art related. and i did just that, and it has been a career of twenty-nine or thirty years.this was nothing new. maybe is new for some of you that are seeing it now, but it is not new in the sense that i have many years working with this. in new York i started to create my own Prandis-cope, i called like that.i wanted to make something different that creates original and not repetitive images, where one can invent, add, take out and paste. i looked for quo-tidian objects, that were transparent, that reflect-ed and let pass the light. that’s how i started col-lecting little pieces, and that what i do, i collect pieces for my works. i had to build a machine to be able to do that photographic technique that i call The Prandy System of Experimental Pho-tography. is lab and workshop photography, not the usual photography of going places and cap-turing images.the three pieces that are in the concurso de arte eduardo león Jimenes are titled Metaphor I titled it like that because i see many worlds in those pic-tures. i see me, the cosmos, the earth, the mys-tery... i question the mysteries. albert einstein said once; the most beautiful thing we can experience is mysteries. is the act of all true science and all art. He used that ambivalence of art and science. i have always liked and remember that statement. then, to let me discover and explore those worlds is a metaphor.

maurice sánchez (Santo Domingo, 1972)Visual artist and photographer. He has been part of the artistic collectives shampoo and biscuit, with whom he has participated in exhibitions at the museo de arte moderno of santo domingo, dominican republic; trienal poligráfica of san Juan, puerto rico; museo de bellas artes of Ha-bana, cuba; brooklyn museum of new York, unit-ed states, among others. He has organized the exhibitions arte urbano sarmiento y típtico with modafoca, and gráfica independiente dominicana, alongside rossy ramos and angel rosario. cur-rently he is general creative director of the agen-cy capital dbg.

bosque tallado. 2014Madera torneada500 x 550 cm

artist’s statementthe mahogany, the national tree of the domini-can republic, has been used for various utilitari-an practices since pre-Hispanic times. With Bos-que tallado i evaluate the checkered history of the “criollo furniture” and the current states of our forests. this is a conversation that began with the taino duho and the arrival of columbus, con-tinues with the timber trade with europe and our years of neglect, disconnection and lag. goes to for the republican era and its promises, the tru-jillo – balaguer era and now the arrival of ilumel and ikea. a farewell song to our natural resourc-es and furniture, a farewell to the victim and the executioner. “as an artist i explore and work various means, from graphic pieces, photography and installation. i am a product designer, photographer and pub-licist. i’m passionate about identity issues, what is ‘dominican’, knowing that both are not static or absolute. i always start from the observation and curiosity, i go to the documental, to collect data and generate information. i like to know our customs, symbols, techniques, materials and rep-resentations because i feel that we are there, in what we see, all these things are my language. i would like to think that my work speaks from a recreational standpoint, with fun and humor, be-cause i feel that this is what we are and this is how we understand each other. i seek more than to find answers i want to generate new questions through the celebration of what is “ours”, from the past, the now and tomorrows and how this three spheres relate”.

conVersation with maurice sánchezTell us about your background as an artist and the scenarios in which you have shown your work.i am an industrial designer. What catches my at-tention about industrial design is precisely, furni-ture design. i’m passionate about furniture. i love it, i research a lot about it and lately, mainly about the habitat, all that has to do with the local en-vironment, the tropical furniture, the caribbean furniture.the vernacular is one other thing that i have al-ways been interested in, either in the graphic, pho-tographic worlds that i work in. i research on the things that people do to their environment. How does a person visualize a sign? How does a per-son visualize a house? What is a chair? What does a rocking chair means for people and why it has ceased to exist in this society? What did we loose with the absence of the rocking chair?that type of dialogues are what interest me, and those are subjects that create a dialogue among many of my interests, such as the industrial de-sign, the communication or advertising, the arts, the human expression to say it all. i move trough all those issues.there was a moment in my career in which i worked with plastic chairs. i researched on what happens when all those elements are piled. How many rocking chairs are we loosing at the same time that we accumulate plastic chairs? What means that one thing ceases to exist and is substituted by another and what happens when those new things are stacked? these are many issues at the same time, and with the time left i try not to find answers for it, on the contrary, to ask myself many more questions and get motivated by inquisitiveness. to see what happens with that issue and moving from one place to the other, seeing what people in the street are doing, what is happening around us all the time and also seeing how things change and what those changes tell us, or not.exhibition wise, i have participated as part of the collective Shampoo, in several bienales naciona-les. For example, in the 2005 biennial we did the piece titled la plástica dominicana that consisted in a lot of plastic chairs stacked up that in some ways magnified what happens in a colmado or a house when the pile up three, four, ten, twelve chairs. We did this trying to get to a greater di-mension and see what happens when all those chairs where stacked, to see if there’s a message that is left behind.in another moment, working with engel leonardo we did a ceramic piece, a “bicuí”, with the form

of a “picapollo” in an open container. this piece, planned to depict another artisanal production object that used to be as a centerpiece of each dominican dining table. at that time these center-pieces had a more tropical subject: a fruit bowl, an avocado, a tomato, today the bowl was changed by an styrofoam container and the fruits where substituted by a fried chicken and plantains, in this hot climate. this piece tried to represent how a thing became the new centerpiece.

Talk to us about your artwork in the XXV Concur-so de Arte Eduardo León Jimenesthe piece is titled Bosque tallado (carved Forest) and it has to do with two main issues: it address-es the environmental issue, the lack of respect for the environment; and also deals with the ver-nacular design, and how we visualize these ob-jects, the furniture, and what has been its history of that phenomena that starts with the depreda-tion of this country’s environment by the conquer-or, and how this colonization also bring a furni-ture model that stayed.one sees the acapulco chair and a dominican rock-ing chair and says: it is hot in that place. i don’t know exactly what happened, we have a fear for emptiness, everything has to have many details. i have always said that if you have to resume in a word this country idiosyncrasy, this word would be: pretend. that so, everything here is always something that looks like something else. that came with the republican furniture, when peo-ple started to accumulate and said: “my house has to look like something else, let’s give the interiors some preponderance”. and that characteristic is still alive today in the façade culture. You can go into a tiny house, that is filled to more its capaci-ty of things. there are essential furniture, not be-cause its functionality but because its represen-tation power. i mean, every house has to have a tV armoire, which has to have adornments; there must be four chairs around a table… i don’t know… the swedish don’t have that problem. they’re more practical. but not here, we have to have it all. every-thing has to be carved in mahogany, because ma-hogany is the approved way, it has been approved for more than two centuries.

162 163

FUNdadoresMaría Rosa León A.Eduardo A. León A.Fernando A. León A.Carmen M. León de CorrieC. Guillermo León A.Clara León de BrugalJosé A. León A.Fundación Eduardo León Jimenes, Inc.E. León Jimenes, C. x A.

coNseJo de dIrectoresJosé A. León A.Presidente

Carlos Guillermo León N.Primer Vicepresidente

Fernando Arturo León H.Segundo Vicepresidente

Franklin E. León HerbertTesorero

Osvaldo A. Brugal LeónSecretario

Alfonso Aguayo LeónVocal

Silvia Corrie LeónVocal

María Amalia León de JorgeVocal

Fundación eduardo león JimenesMaría Amalia León de JorgeDirección

María Cristina TrujilloGerencia Administrativa

Verónica HeinoGerencia de Programas y RR.PP.

ceNtro leÓNdirección generalMaría Amalia León de JorgeDirectora Ejecutiva

gerencia ejecutiva/administrativaMaría Luisa Asilis de MatosGerente

Nelson PuigCoordinador de Contabilidad

Sandra ReyesCoordinadora Administrativa

Carolina SánchezCoordinadora de Planificación y Gestión

Félix GarcíaCoordinador de Tecnología de Información

Kerim FaharaCoordinador de Unidades de Negocios y Proyectos

Ronald MarteCoordinador de Servicios Generales

José Porfirio GarcíaCoordinador de seguridad

gerencia de Programas culturalesLuis Felipe RodríguezGerente

Pedro J. Vega V.Coordinador de Exposiciones

Iturbides ZaldívarRegistrador

gerencia de educación, asc y comunicaciónMaría Belissa RamírezCoordinadora General

José Enrique TavárezCoordinador de Multimedia

Awilda ReyesCoordinadora de Animación Sociocultural

Ana AzconaCoordinadora de Comunicación

eXPosIcIÓN XXV coNcUrso de arte edUardo leÓN JIMeNes, 2014centro cultural eduardo león jimenes

producciónMaría Amalia León de Jorge

superVisión generalLuis Felipe Rodríguez

coordinación y curaduría Sara Hermann

museograFíaPedro J. Vega V., Leticia Moronta

registro de obrasIturbides Zaldívar L.

restauración de obrasLeudy Rosario

montajeLeudy Rosario, Leticia Moronta, Robinson Díaz, Ariel Rosario

programa educatiVo y de animaciónMaría Belissa Ramírez, Awilda Reyes, María Luisa Estrella

diseño gráFicoMaría Isabel Tejada

documentación FotográFicaJosé Enrique Tavárez

instalaciones multimediaManuel Díaz

iluminaciónCarlos Tavárez

graFismosFS Taller Digital, Alfred Almonte

mobiliario museográFicoTerminaciones de Interiores De León

pintura de salaHanzer Díaz, Enmanuel Díaz, Ramón Guzmán

mercadeo y comunicaciónAna Azcona, Jesenia De Moya

apoyoLidia León Cabral, María Luisa Asilis, Verónica Heino, Adelma Vargas, María Luisa Estrella, Awilda Reyes, Carolina Sánchez, Evelina Sánchez, Gloribel Betances, Cristóbal Valerio, Ronald Marte, Gregory Soto, Elbi Castaño, Alberto Matos, Equipo de Servicios Generales.

auspiciosFundación Eduardo León Jimenes, Cervecería Nacional Dominicana y Banco BHD León

catálogo del XXV coNcUrso de arte edUardo leÓN JIMeNes

coordinación generalLuis Felipe Rodríguez

coordinación editorialSara Hermann

entreVistasJesenia de MoyaSara Hermann

traducción Daniela Gaviria De Moraes

edición y corrección de estiloCamilo Venegas

documentación FotográFicaJosé Enrique Tavárez Jonathan Vila Fer Figheras Pedro Genaro Rodríguez

apoyoPedro J. Vega V.Iturbides Zaldivar L.Carolina SánchezAdelma VargasMaría Belissa RamírezAna Azcona

diseño y producciónLourdes Saleme y Asociados

impresiónAmigo del Hogar

ISBN: 978-9945-8954-2-1

Concurso de Arte Eduardo León Jimenes (25. : 2014 : Santiago de los Caballeros, República Dominicana)

XXV Concurso de Arte Eduardo León Jimenes : catálogo. - Santiago de los Caballeros : Centro León, 2014. 164 p. : il 1. Arte Dominicano – Concursos. 2. Pintura dominicana – Concursos. 3. Escultura dominicana – Concursos. 4. Dibujos – Concursos. 5. Instalaciones (Arte) – Concursos. 6. Artistas Dominicanos. I. Título

700.97293 C744c CEP/ Centro León

XXV Concurso de Arte Eduardo León Jimenes. Ediciones Centro León, 2014. Concurso de Arte Eduardo León Jimenes, 2014.

CENTRO CULTURAL EDUARDO LEÓN JIMENES

APARTADO POSTAL 799

AV. 27 DE FEBRERO NO.146,

VILLA PROGRESO

SANTIAGO DE LOS CABALLEROS

REPÚBLICA DOMINICANA

TEL. 809.582.2315

FAX. 809.724.7644

[email protected]

xxv concurso de arte eduardo león jimenes

Documents