REVISTA DEL DEPARTAMENTO VIENTO-PERCUSION / Conservatorio Profesional de Música de Huesca

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Corría el año 1986 cuando el Conservatorio Profesional de Música de Huesca comenzó a dar sus primeros pasos. Treinta años después son muchos las profesores y alumnos que han pasado por sus aulas y sin duda todos ellos, en un momento u otro, han participado en los tradicionales conciertos y actividades organizados durante la semana de Santa Cecilia.

Este año fueron varios recitales los que tuvieron presencia de alumnos de nuestro departamento:

El martes 22 de noviembre un sexteto de percusión integrado por Pol Moliner, Jesús Gutierrez, Julia Sanz, Robert Botezatu, Miguel Sistac y Jorge Montaner interpretaron piezas de M. Henke y W.A. Mozart. En ese mismo recital participaron las alumnas de flauta María Rubio y Jara García, que junto a la cellista Alicia Marco y a la profesora de piano Valeria Vaganova interpretaron obras de C.Ph.E. Bach y de J.S. Bach.

El jueves 24 de noviembre un sexteto formado por las alumnas de flauta travesera María Ballesteros, Henar Bellostas, Candela Serrano, Mar Sesé, Rocío Coiduras y María Puig acompañadas por su profesora Eva García interpretaron un programa con piezas de G. Gariboldi y M. Goddard entre otros.

Los alumnos de oboe Juan Gallego, Kevin Gabriel y Laura Gallego interpretaron ‘Tres Piezas Antiguas’ acompañados por Luis Calaforra al corno inglés, mientras que Pilar Piedrafita, Lucía Ferraz, Araceli Carrera y Darío Carmona junto a Jorge Ariza (fagot) y Luis Calaforra (corno inglés) interpretaron una selección de piezas del oratorio ‘Judas Macabeo’ de G.F. Häendel.

Este recital, en el que también participaron Juan Paul y Luis Cantero alumnos de trombón, se cerró con la actuación de un cuarteto de clarinetes y del ‘Ensemble de Trombones’ del CPMH que interpretó un espectacular arreglo de la BSO ‘Piratas del Caribe’.

CONCIERTOS DE SANTA CECILIA 2016Participación en varios recitales de alumnos del departamento por LUIS CALAFORRA, profesor de oboe CPMH

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EDITOR: Conservatorio Profesional de Música de Huesca. Depósito Legal: HU 336-2015 / ISSN 2444-7609

Foto superior: Jara García (flauta), Alicia Marco (Cello) y la profesora de piano Valeria Vaganova.

Foto inferior: The Oboes acompañados por Jorge Ariza, profesor de fagot del CPMH.

FORMAN PARTE DE ESTE PROYECTO:

Eva García, Luis Calaforra, Jorge Ariza, David Ruiz, Pablo López, Miguel Ángel Gracia, Fco. Javier Gonzalo, Hugo Portas y Blanca Gascón.

CONTENIDO:• Portada• Familia y Docentes. Pautas para

un estudio eficaz, 2• Entrevista a Noé Cantú, 4• Taller de Ideas Creativas, 6• The Flipped Classroom, 8• Agenda - Rincón del Humor, 9• ¿Es decisivo emigrar...?, 10 • II Concurso Internacional de

Flauta de Cataluña, 12• Actividades del Aula Oboe, 13• CITMADRID 2016, 14• Entrevista a Javier Arellanas y

Roberto Delgado, 15• Carta a Florencio Martínez, 16

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FAMILIA Y DOCENTESPautas para un estudio eficazpor EVA GARCÍA y BLANCA GASCÓN, profesoras de flauta y percusión CPMH.

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“Cuanto mejor estudie, mejores serán mis resultados y más contento estaré”.

El éxito es la mejor motivaciónEs un hecho indiscutible que cuando avanzamos en algo nos sentimos bien. Todo esfuerzo que nos acerca a nuestras aspiraciones lo vivimos con mucha satisfacción y nos renueva de energía para perseverar en el trabajo. Por el contrario, la falta de resultados conduce al desánimo. El mero hecho de tocar un instrumento no garantiza progresos, es fundamental además realizar un estudio eficaz.

Creación de hábito/rutina de estudioSi hay una virtud que beneficia sin duda la práctica musical es la perseverancia y la responsabilidad en el estudio. El dominio del instrumento implica crear unos hábitos de estudio diarios que pasan por dedicarle tiempo de calidad, estar concentrado y tener paciencia y confianza en el proceso.

Es importante que los profesores ayudemos a nuestros alumnos a elaborar un plan de trabajo personalizado que les permita optimizar el tiempo y los recursos de que disponen. Enseñarles a buscar siempre un objetivo, a dividir la tarea en pasos lógicos, estableciendo prioridades, tratando de encontrar en su estudio el equilibrio necesario entre cantidad y calidad, será muy útil para ellos en la consecución de los objetivos propuestos.

A continuación, y a modo de reflexión, os ofrecemos una revisión de todo lo que conlleva el hecho de estudiar y que creemos que conviene recordar a alumnos y familias.

¿Dónde estudio? Habitación propia o sitio tranquilo, alejado de la televisión y de ruidos fuertes.Suficiente espacio para colocarte tú y el atril. Suficiente luz (y si es natural, mucho mejor).

¿Qué necesito tener conmigo para estudiar?El instrumento, ¡¡¡imprescindible!!!Material específico de cada instrumento: cañas, papel secante, aceite, cuerdas, baquetas…Cuaderno o agenda del aula con los deberes y observaciones de la semana a la vista.Métodos de clase.Un atril de altura regulable.Un metrónomo digital. Un afinador digital cuando te lo indique tu profesor.Un espejo en la pared para autocorregirte. Un aparato lector de CDs.Lápiz, goma de borrar, tajador, lápices de colores…Material de limpieza.

¿Qué debo buscar siempre cuando estudio?Criterios Sonoros: Cantidad / Calidad/ Precisión/ Buena afinación/ Rigor en el tempo/ Rigor en el ritmo/ Gusto musical.

Criterios Corporales: Buena postura/ Ausencia de tensiones/ Respiración consciente/ Sentirse cómodo con el instrumento (“fluir”).

Criterios Psicológicos: Concentración/ Actitud constructiva/ Disfrute/ Gestión sana de emociones.

¿Cómo debe ser mi rutina de estudio?ANTES DE TOCAR

Ejercicios de respiración, si el instrumento lo precisa.

Calentamiento muscular: brazos, muñecas, dedos, cuello, cabeza…

Prepara bien el lugar y el material para evitar pérdidas de tiempo y despistes durante el tiempo de estudio.

Organización de la sesión de estudio: el estudio de calidad tiene que ver con identificar el punto de partida, marcar un objetivo realista y alcanzable al que se quiere llegar y desarrollar las estrategias más adecuadas para conseguirlo.

Consulta tu cuaderno del aula y prioriza lo que vas a estudiar según tus necesidades de estudio y tu disponibilidad de tiempo. Es decir, piensa y DECIDE qué vas a estudiar y cómo vas a estructurar tu sesión.

DURANTE EL ESTUDIO

Un estudio efectivo y ordenado debería contener:

Técnica: ejercicios de sonido, escalas, arpegios, articulación, ejercicios rítmicos….

Trabajo de estudios y obras: sea que sea lo que vayas a tocar, siempre dedica unos minutos previos para trabajar la partitura sin instrumento: echa un vistazo general a la pieza (tonalidad, compás, tempo, carácter…) que te permita “situarte” en ella, canta lo que vayas a tocar llevando el compás, marca respiraciones, fraseo y digitaciones, localiza los puntos de mayor dificultad…

Primera lectura de la pieza a un tempo cómodo y estable con el propósito de hacerte una idea general. Cuida la calidad sonora y la precisión en la lectura: ritmo, alteraciones, articulaciones, digitaciones, matices…etc.

Trabajo por frases, manteniendo la importancia de una lectura precisa.

Estudio específico de los pasajes más difíciles. Estúdialos en bucle, con diferentes tempos, ritmos, articulaciones… En estos pasajes complicados es muy útil estudiar a cámara lenta, manteniendo el mismo impulso y técnica que si lo tocaras a velocidad normal.

Trabajo sobre los enlaces de estas frases.

Interpretación del estudio/obra de arriba a abajo. Con el propósito de darle forma definitiva a tu interpretación y trabajar la resistencia y la concentración.

No te olvides de utilizar el metrónomo y afinador, ¡tus mejores amigos!

Trabajo de la memoria, la lectura a vista y el desarrollo de la creatividad, improvisación…

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Algunas herramientas muy útiles para el estudio, pueden ser:

Hacer pausas para descansar durante el estudio. Por cada 25 minutos de estudio, 5 minutos de descanso, aproximadamente. Eso sí, no te olvides de prestar mucha atención SIEMPRE a tu cuerpo para evitar cualquier tipo de dolor y/o lesiones. Al mínimo dolor, detén tu estudio y observa qué está pasando…

Grabar tu interpretación y escuchar esa grabación con mucha atención.

Organizar conciertos para la familia, amigos, vecinos, peluches….

DESPUÉS DE TOCAR

Realiza ejercicios de estiramientos ¡Son muy necesarios para evitar lesiones!

Anota en tu cuaderno lo trabajado y posibles dudas.

Recoge todo el material y limpia con mucho cuidado el instrumento.

Deja ordenado tu lugar de estudio.

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ERRORES MÁS COMUNES DURANTE EL ESTUDIO:0Estar despistado, desconcentrado, pendiente del móvil…

Tocar todo seguido sin abordar de manera aislada los problemas: “repitiendo, perfeccionamos el fallo”.

Tocar siempre rápido, o siempre fuerte.

Hacer una lectura mediocre de la partitura sin fijarse en el tempo, matices, articulaciones, etc.

Colocarse de manera incorrecta sin prestar atención al cuerpo, acumulando tensiones innecesarias que pueden derivar en lesiones.

Tocar sin prestar atención a la respiración.

Tener una actitud negativa e hipercrítica en el estudio, pues genera mucha inseguridad.

ACIERTOS DURANTE EL ESTUDIO:0Tener paciencia con uno mismo. Valor el esfuerzo que realizamos y los objetivos 0conseguidos por pequeños que éstos sean. Recuerda que pequeños objetivos dan lugar a uno grande.

Organizar pausas cada 25 minutos.

Mantener una actitud constructiva en la que los errores se vean como oportunidades para aprender. La automotivación, sentirnos capaces y competentes para alcanzar los objetivos propuestos son la mejor arma del estudio eficaz.

Recuerda que nuestro rendimiento depende también de nuestro estilo de vida. Además de estudiar es importante descansar, seguir una alimentación saludable y llevar una vida sana.0

Y ahora ya…. ¡a disfrutar con tu estudio!

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MARCAPÁGINAS PARA UN ESTUDIO EFICAZ

1º. ORGANIZA bien tu lugar de estudio y ten a mano espejo, atril,

metrónomo, lápiz, partituras y cuaderno de clase.

2º. MONTA correctamente tu instrumento.

3º. ¿Qué quieres y qué tienes que mejorar con tu estudio? Ten claro el

OBJETIVO a conseguir.

4º. Presta siempre atención a tu CUERPO y a tu RESPIRACIÓN. Una buena postura ayuda a tocar

mejor.

5º. Haz ejercicios de CALENTAMIENTO CORPORAL

antes de tocar y haz un calentamiento de EJERCICIOS

TÉCNICOS y escalas con tu instrumento.

6º. Un correcto ORDEN DE ESTUDIO sería:

Antes de tocar la pieza: canta en voz alta llevando el compás para

asegurarte una lectura correcta y completa de la partitura.

Después de una primera lectura de la pieza, divídela por frases y

trabájalas primero por separado y luego enlazándolas. Presta atención

especial a los pasajes difíciles.Toca de arriba abajo la pieza, a ser posible para alguien, o grábate para

escucharte a continuación.

7º. Piensa SIEMPRE en la MÚSICA, en disfrutar tocando con

un buen sonido y expresando.

8º. La concentración tiene un límite y las PAUSAS son importantes:

cada 25 minutos de estudio haz una pausa de 5 minutos.

9º. VALORA TUS AVANCES y anota las dudas para preguntar a tu

profesor.

10º. Al acabar tu sesión de estudio, haz ejercicios de ESTIRAMIENTO

y RECOGE correctamente tu instrumento y lugar de estudio.

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NOÉ CANTÚ - FAGOTpor JORGE ARIZA, profesor de FAGOT CPMH

Un piano de cola..., un fagot Heckel…, libros…, partituras..., cañas por todos los lados..., llegar a casa de Noé es llegar a un lugar en el que se respira música.

Hace diez años tuve la suerte de que Noé se cruzase en mi camino, desde entonces ha sido la persona que más ha influido en mi vida profesional. No solo me ha transmitido sus conocimientos, sino también su ilusión y pasión por conseguir nuevas metas.

Estadounidense nacido en Texas ha comenzado su 18ª temporada como fagotista de la Orquesta Sinfónica de Barcelona y Nacional de Cataluña (OBC). Estudió con los maestros Benjamin Kamins (Solista sinfónica de Houston), Normán Hezrberg (profesor Universidad de California del Sur y solista de los grandes estudios de Hollywood) y William Buchman (asistente solista de la Sinfónica de Chicago).

Ha colaborado con orquestas como la Sinfónica de San Diego o la Sinfónica de Chicago además de ser solista de la Chamber Orchestra at St. Matthew, California. Ha participado en numerosos conjuntos de música de cámara, como el trío de lengüetas Triole, y el Nicolás Consort.

Es aficionado a la fotografía.

Para conocer más a Noé Cantú:https://youtu.be/FlnQFq8fDy4

www.flickr.com/photos/noecantu.

“Cuando era niño me fascinaba el fagot por las muchas llaves que tenía. Todavía me fascina, me parece bien pensado, algo curioso y con una bonita forma”

Noé Cantú

Foto realizada por May Zircus

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¿Qué te inspiró a estudiar música, y por qué el fagot?A los 11 años mi familia se trasladó del pueblo natal, donde no había mucho, a una ciudad pequeña que tenía un programa de música muy bueno. Ese año no llegué a tiempo para entrar a la banda, ni siquiera sabía que lo quería, pero me hice amigo de unas chicas que tocaban el fagot, me dejaban sus instrumentos de vez en cuando y empecé a tocar de forma autodidacta. Me fascinaba el fagot por las muchas llaves que tenía, todavía me fascina, me parece bien pensado, algo curioso y con una bonita forma. Cuando no tenía uno en la mano, jugaba con una raqueta de tenis. El año siguiente aprobé el examen, empecé a estudiar y a tocar en la banda. Nunca me fue demasiado grande por su tamaño así que pude comenzar directamente a los 11 años. Lo tocaba para pasar el tiempo, divertirme en la escuela, etc. Lo de estudiar música en serio vino después porque ya llevaba tiempo tocándolo y me hacía la idea de que podría continuar como profesional y hasta incluso ganarme la vida así. Supongo que eso nos ha pasado a muchos ¿no?

¿Cómo funciona el sistema educativo en EE.UU?En mi tiempo la formación musical estaba integrada en el sistema educativo, era una asignatura a la que te podías apuntar. Normalmente la agrupación principal era la banda, actuábamos tanto en concierto como para los espectáculos en las pausas de los partidos de fútbol americano, lo típico de las películas, dos veces toqué el fagot porque normalmente tocaba el xilófono, ¡cómo pesaba!No creo que pueda hablar de la actualidad ya que hace muchos años que no estudio allí pero la importancia de las artes liberales ha ido disminuyendo en favor de las ciencias y matemáticas. Diría que hay muy pocas subvenciones actualmente y que no es lo que era. Lo que creo que todavía funciona igual que cuando era un crío es que no se tiene que empezar por lenguaje musical. A mí me dieron un instrumento, me enseñaron como soplar y como formar la embocadura, después me dieron el primer libro del método Rubank, en el que había ilustraciones de las posiciones y nombres de las notas (que allí son alfabéticas, de A a G) y también lo que era una negra, una corchea, etc. Y a tocar.

Normalmente los que queremos seguir estudiando acabamos en las escuelas como Juilliard y el Instituto Curtis o en algún conservatorio. Lo hacemos todo en 4 años y acabamos con un Bachelor of Music, que no es exactamente el bachillerato de aquí. Muchos seguimos y hacemos un máster, que creo que es equivalente al de aquí.

Cuéntanos el momento más especial, enriquecedor y emocionante que has experimentado en tu vida artística.Ha habido unos cuantos. Lo que tienen en común es que eran momentos cuando la orquesta se dejaba llevar por el director y hacíamos algo que no se había ensayado, momentos orgánicos digamos. A nivel personal destaco un momento que compartí con el director Stefan Denève que tenía que ver con una amiga mía recién fallecida, este momento tan emotivo ocurrió durante un concierto con un cruce de miradas.

¿Quién ha tenido más influencia en tu formación cómo músico?¿A lo largo de mi carrera? La verdad es que es difícil nombrar a solo una persona. Al tener que hacerlo, diría que el señor Cliff Colnot, el director de la Chicago Civic Orchestra, un tipo de joven orquesta asociada con la Sinfónica de Chicago. Exigía

mucho de todos y cada uno de los músicos, nos animaba tanto a subir de nivel a la hora de tocar como a profundizar en nuestros conocimientos musicales. Cuando decía "¡enhorabuena!, ¡lo has hecho muy bien!" te sentías alabado y también que merecías el piropo.

¿Qué estás estudiando en este momento?El trío para oboe, fagot y piano de Francis Poulenc, la 6ª de Shostakovitch que es la próxima sinfonía que haremos con la OBC. Sigo estudiando los estudios de concierto de Milde, siempre hay algo nuevo que descubrir en ellos. Ahora estoy investigando como cambian las cañas si fijo el primer alambre más cerca de la punta…

De no haber sido músico, ¿a qué te dedicarías?De pequeño, antes de comenzar a aprender a tocar el fagot quería ser arquitecto; actualmente creo que me hubiera gustado ser fotógrafo o bailarín.

¿Qué proyectos tienes a corto plazo?En este momento estoy trabajando en un quinteto de fagotes con integrantes de la OBC y de la banda municipal de Barcelona, y un cuarteto de fagotes con profesores de varios Conservatorios y Escuelas de Música. Fuera de la Música he cumplido todo un año de entrenamientos de natación.

¿Qué es lo que más te gusta de ser músico?Participar en un conjunto que crea momentos especiales para el público, tanto durante la temporada de la Orquesta, en el Auditori de Barcelona, como fuera de ella, como por ejemplo el concierto que realizamos en la playa en el mes de junio.

¿Qué cualidades compartieron tus mejores maestros?Todos me inculcaron aspectos como: dejar fluir la música, no aceptar “aproximadamente”, intentar tocar bien siempre, estar en forma para conseguirlo, ayudar a los compañeros cuando sea posible y no dejar nunca de escuchar y aprender.

Para acabar una batería rápida de preguntas rápidas:-Un director: Stefane Denève. -Un fagotista: mi primer profesor, Benjamín Kámins, ex-solista de fagot de la Sinfónica de Houston. -Una obra favorita: “La Canción de la Tierra” de Gustav Mahler.-Un hobby: tengo unos cuantos, natación (sobre todo nadar a mariposa), la fotografía analógica, el canto (llevo como 7 años haciendo clases particulares, soy barítono, canto arias italianas, napolitanas, alguna que otra aria de zarzuela, temas de "West Side Story" y "Porgy and Bess", entre otras, y hace medio año comencé a aprender danza clásica.-Un lugar: el hogar, soy muy casero.-Un adjetivo o palabra para describirte: inquieto, pero a la vez tranquilo y observador.-Una anécdota: hasta el día de hoy no nombro las notas mientras las hago, cosa que fascina a mis colegas de la OBC. Por ejemplo no digo para mis adentros "do si do si sol mi si la..." cuando repaso el solo de la Consagración de la Primavera.

Para terminar, ¿qué recomendaciones darías a los alumnos de fagot que están empezando?Lo primero de todo que se lo pasen bien tocando, que con trabajo y esfuerzo el fagot sonará mejor (no deben preocuparse de eso). Y por último, que toquen con cañas algo flojas.

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Como profesora de percusión hacía tiempo que buscaba la oportunidad de que Luis Tabuenca trabajase con los 22 alumnos con los que cuenta actualmente el aula de percusión del conservatorio de Huesca. Recién empezado el primer trimestre de este curso 2016-17, los días 17 y 18 de octubre pudimos contar con la presencia de este artista internacional que es a la vez percusionista, compositor e improvisador.

El objetivo del taller era ayudar a adquirir a los alumnos participantes una serie de herramientas creativas para que luego pudieran emplearlas en su práctica musical diaria.

¿De qué herramientas estamos hablando? Fundamentalmente de tres:

Exploración Tímbrica, Improvisación y Escucha Activa.

En la primera sesión Luis trabajó distintos tipos de juegos para ayudar a despertar la creatividad de cada alumno. Primero pidió que cada uno buscásemos un objeto dentro del aula de percusión (instrumento musical o no) y que sacásemos de él 3 sonidos distintos. Fue nuestra primera inmersión en la Exploración Tímbrica.

¿Puede ser un instrumento musical una caja de Cd’s? ¿Y una funda de tela con cierre de velcro que habitualmente se usa para guardar los platos de choque? ¿Y la puerta de una armario metálico? Cualquier objeto es válido porque sirve para centrar nuestra atención en escuchar los sonidos que podemos producir con él.

A continuación realizamos ejercicios en círculo en los que cada participante tocaba uno de los sonidos de su nuevo instrumento y escuchaba los de los demás. Llevamos a cabo en grupo uno de los recursos más utilizados en la composición musical: la Melodía de Timbres. ¿Quién no ha escuchado por ejemplo alguna sinfonía de Tchaikovsky en la que la melodía que es presentada en principio por un solo instrumento es mostrada después en una especie de collage repartida entre varios instrumentos? Escuchando nuestro instrumento y los de los demás, siguiendo la dinámica que dejaba nuestro compañero anterior o haciendo un cambio de dinámica para producir un contraste empezamos a crear nuestro propia atmósfera musical a través del uso de timbres y dinámicas.

El siguiente paso fue la Libre Improvisación creando cada uno pequeños solos. Al tocar un solo una de las premisas a tener en cuenta es que menos es más. Esto es, si nos centramos en pocos materiales como: usar distintas dinámicas, silencios o acentos, es más fácil que empecemos a conocer mejor nuestro instrumento y podamos expresar más con él.

Cuando hablamos de Libre Improvisación nos estamos refiriendo a darle apertura total al sonido, sin utilizar una armonía clara ni un ritmo definido.

Los solos dentro de grupo requieren la Escucha Activa de todos los miembros del grupo. Entrar con un solo tras otro compañero supone entender que el anterior ha terminado ya su solo y dejar claro que ahora es otro instrumento el que acapara el protagonismo.

La práctica de solos unidos, en los que varios músicos tocan solos a la vez crean inercias rítmicas también llamadas Groove.

También trabajamos el uso de Texturas a través de los cambios de material como pueden ser sonidos largos o sonidos cortos. Muchos sonidos a la vez o seguidos, o sonidos muy separados entre sí. Pudimos ver que texturas musicales como el canon, la imitación o la fuga son posibles de plasmar de un modo elemental en partituras gráficas que cualquier persona podría interpretar.

Todos estos conceptos fueron tratados en un clima muy relajado donde cada uno sentía que podía hacer lo que le apeteciera. En la práctica de la libre improvisación no hay errores. Cualquier sonido es entendido como parte del conjunto y es utilizado bien para continuar en una línea sonora o para cambiar hacia otra. La única norma era escucharse y escuchar a los demás.

TALLER DE IDEAS CREATIVAS PARA MÚSICOSLUIS TABUENCA, 17 y 18 de octubre 2016por BLANCA GASCÓN, profesora de percusión CPMH

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(Ejemplo de partitura gráfica)

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A través del juego fuimos entrando con naturalidad en todos estos conceptos que a priori pueden parecer complejos. A su vez nos preguntamos sobre lo que entendemos por música, notación, tiempo, espacio y sobre los límites que con demasiada frecuencia nos ponemos a nosotros mismos al interpretar estudios y obras impresos.

Durante los dos días del taller y utilizando todas las herramientas anteriores fuimos dándole forma al esqueleto de dos obras de creación colectiva:

Los alumnos de EE.PP. realizaron una obra basada en la escucha activa, creación de grooves, solos y texturas.

Los alumnos de EE.EE. se centraron en la creación de un cuento sonoro en la que cada intérprete tenía un rol dentro del mismo y cada uno aportaba su creatividad personal, un cuento de terror que tenía lugar dentro del conservatorio...

El colofón del taller fue la presentación pública de las dos piezas de creación colectiva en las que alumnos y público pudieron compartir las herramientas adquiridas durante el taller.

Fue especialmente destacable el silencio que se consiguió en el salón de actos durante el inicio de la actuación, donde los sonidos eran tan piano y con objetos tan poco habituales que se consiguió trasladar la Escucha Activa a todo el patio de butacas.

Luis Tabuenca además de dirigir las obras de los alumnos, ofreció un recital en el que explicó e interpretó obras de creación propia y también de compositores actuales acercándonos y haciéndonos comprender mejor el mundo de la música contemporánea.

Fue un lujo poder realizar este taller que sin duda sirvió a todos para abrir los oídos y la mente, darnos cuenta de que dentro de cada uno tenemos recursos para ser más creativos y que los límites muchas veces están ahí para que los saltemos.

Confiamos en volver a traer a Luis Tabuenca el próximo curso pero mientras tanto, seguiremos explorando el sonido.

www.luistabuenca.com

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GONZALO ZANDUNDO JIMÉNEZ, percusiónPremiado en Italiapor BLANCA GASCÓN, profesora de percusión CPMH

Gonzalo Zandundo Jiménez, exalumno del CPM Huesca, resultó ganador del segundo premio del concurso de Caja organizado por la Percussive Arts Society en Pescara, Italia.

El concurso formaba parte de un congreso centrado en el mundo de la percusión que celebraba su edición número 14. Tuvo lugar entre los días 13 y 18 de septiembre y contó con participación de artistas internacionales de reconocido prestigio. Los patrocinadores de este evento fueron las marcas de instrumentos Adams, Bergerault y Yamaha.En la modalidad de caja el jurado estuvo compuesto por los percusionistas Iñaki Martín (España), John Beck (Estados Unidos) e Isao Nakamura (Japón).

De los días en Italia, Gonzalo valora especialmente la asistencia a las clases magistrales del congreso y haber conocido a percusionistas jóvenes y profesionales de otras nacionalidades, especialmente europeos, japoneses y taiwaneses.

Actualmente cursa tercer curso de superior en el CSMA, bajo la tutela de César Peris, Verónica Cagigao y Francisco Inglés.

Con tan solo 20 años, Gonzalo suma el premio recibido en Italia a otros galardones como la Matrícula de honor de Enseñanzas profesionales 2014 y el primer premio en el I Concurso para Jóvenes Percusionistas de la  Fundación Internacional para la Difusión de las Artes y las Humanidades (FIDAH) 2014.

¡ENHORABUENA GONZALO!

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El modelo educativo denominado Flipped Classroom, o clase invertida, aboga porque la fase de aprendizaje de conceptos e ideas se realice en casa. A través de diferentes medios (principalmente el video) el profesor comunica al alumno los conceptos e ideas básicas que se vayan a tratar en la próxima clase y es el alumno quien adquiere la responsabilidad de llegar a clase habiendo dado el primer paso en el proceso de aprendizaje dejando los procesos más complejos para trabajar con el profesor. De esta manera el aula pasa a ser un taller de prácticas, donde los alumnos ejercitan los contenidos que ya conocen de forma teórica.

La metodología Flipped Classroom parte de la Peer Instruction, o instrucción entre iguales, desarrollada a partir de 1990 por Mazur Erick, decano de la Universidad de Harvard, quien constató que con el modelo tradicional de impartir clases el alumno se estaba convirtiendo, cada vez más, en un sujeto pasivo que asistía al monólogo de un profesor que se erigía en protagonista de las clases. La metodología tradicional dificultaba que los alumnos pensasen de manera crítica, provocando en ellos desinterés, al punto de llegar a memorizar los conceptos sin llegar a comprenderlos.

Mazur desarrollo una estrategia de enseñanza en la que dos o tres estudiantes discuten y explican su forma de pensar en relación a un tema concreto. El objetivo de la discusión es la comprensión más profunda del tema tratado ya que el hecho de explicar y defender el punto de vista propio ante las explicaciones alternativas de los demás ayuda al estudiante a involucrarse profundamente en su aprendizaje.

No fue hasta 2007 cuando se creó el concepto Flipped Classroom en el instituto Woodland Park en Colorado (EEUU). Jonathan Bergmann y Aaron Sams, profesores de este instituto, comenzaron a grabar con una cámara de vídeo los contenidos de sus clases y a publicarlos en Internet para ayudar a los alumnos que no habían asistido a clase. El enfoque gusto y sus lecciones online se fueron ampliando y propagando rápidamente hasta el punto de usar los vídeos como forma de enseñar a los alumnos, reservando el tiempo de clase para la realización de los ejercicios prácticos y la resolución de dudas. De esta forma surgió lo que ahora se conoce como ‘aula al revés’.

En 2013 el enfoque Flipped Classroom llegó a España de la mano de dos profesores de la Universidad de La Rioja, Javier Tourón y Raúl Santiago. Ese mismo año el ‘Colegio San Gabriel’ de Zuera (Zaragoza) decidió adoptar este tipo de enseñanza. Hoy es el único centro de España reconocido como flipped school.

Una de las virtudes del modelo pedagógico Flipped Classroom es que permite utilizarlo con la flexibilidad que necesitemos, con lo que podemos adaptarlo a nuestras necesidades e ir integrándolo paso a paso.

La enseñanza musical en los conservatorios se basa fundamentalmente en la práctica, de hecho las clases de instrumento son como un taller de trabajo en el que alumno y profesor van de la mano en busca de

procedimientos que mejoren el rendimiento a la hora de interpretar música. Por lo tanto, la esencia del Flipped Classroom ya está presente en nuestra metodología, aunque es cierto que el recurso del vídeo es anecdótico como herramienta de trabajo. Pero, ¿por qué no plantearnos el empleo de las nuevas tecnologías como elementos que pueden facilitar a nuestros alumnos el aprendizaje de ciertos contenidos?

Probablemente a todos nos dé vértigo la idea de introducir un elemento como el video en nuestras clases, entre otras cosas porque desconocemos ciertas cuestiones técnicas que nos den la seguridad de hacer algo ‘digno’, o porque no alcancemos a ver que aspectos de nuestra materia son susceptibles de ser transmitidos a través del vídeo. En cualquier caso, como dijimos antes, la flexibilidad es una de las virtudes de este método y su incorporación a nuestras clases puede crecer según nos sintamos más cómodos o según vayamos viendo si nos da los resultados esperados.

Entre los temas que pueden servirnos como punto de partida en la preparación de nuestros vídeos están los siguientes:

- Cómo montar y desmontar nuestro instrumento.- Ejercicios de respiración.- Ejercicios con la boquilla o caña.- Fabricación de cañas.- Mantenimiento y limpieza del instrumento.- Ejercicios de calentamiento.- Estudio de pasajes difíciles.

La tecnología forma parte de nuestras vidas y con seguridad su presencia en la vida de nuestros alumnos será cada vez mayor. Probablemente emplearla bien en el aula puede ayudarnos a conectar mejor con ellos y de esta manera mejorar su aprendizaje.

Si quieres saber más sobre la ‘clase al revés’ o Fliped Classroom aquí puedes acceder a algunos vídeos interesantes sobre el tema:

https://youtu.be/obvnAMuN7hA

https://youtu.be/tWTkSL3NzRI

THE FLIPPED CLASSROOM La clase al revés por LUIS CALAFORRA, profesor de oboe CPMH.

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HUESCA

EN EL CONSERVATORIO O POR ALUMNOS DEL CPMH EN OTROS ESPACIOS

DICIEMBRE 2016

Viernes 16. Concierto de Navidad en el IES Pirámide. 18.30 h.

Domingo 18. Asistencia al concierto de Emmanuel Pahud con la ONE en Auditorio Nacional (Madrid). Aula flauta travesera.

Lunes 19. Audición del Aula Oboe (Piano, Ana Gistau). 18:15 h. Salón de Actos.

Martes 20. Audición de alumnos EE.PP. de percusión 16:30 h. Aula 15.

Martes 20. Concierto de Navidad en la Residencia 3ª Edad “Sagrada Familia”. Alumnos de flauta travesera y alumnos de piano (profesora Gemma Bercero).

ENERO 2017

Curso de batería con David Sánchez. Alumnos de percusión. CPM Huesca. Lunes alternos.

Jueves 19. Audición de flauta travesera “Adivina, adivinanza...”. 18:30 h. Salón de Actos.

FEBRERO 2017

Curso de batería con David Sánchez. Alumnos de percusión. CPM Huesca. Lunes alternos.

Viernes 24 y sábado 25. Curso de flauta travesera con André Cebrián (Profesor CSMA).

MARZO 2017

Viernes 10. Concierto de PERCOSCA, Big Band del CPMH y el Grupo de Metales-Percusión del Conservatorio de Tarragona. Salón de Actos CPMH.

Domingo 19. X Encuentro de Jóvenes Percusionistas de Aragón. CSMA Zaragoza. Más información en: www.percusiondearagon.wix.com

EN HUESCA CIUDAD

Adjuntamos unos enlaces de interés en los que podréis encontrar la programación más detallada:

http://www.palaciocongresoshuesca.es/

http://www.huesca.es/areas/cultura/programacion/programacion-propia/

http://www.guiadelocio.com/huesca/arte/huesca/centro-cultural-del-matadero

http://www.teatro-olimpia.es/

h t t p : / / o b r a s o c i a l . i b e r c a j a . e s /v2_ficha_centro.php?centro=11

ENERO 2017

Martes 3. Orquesta de Cámara de Huesca: “Concierto de Año Nuevo”. Solistas: Andrés Otín (oboe) y Antonio Viñuales (violín). Palacio de Congresos de Huesca. 20:00 h.

Viernes 6. Strauss Festival Orchestra: “Gran Concierto de Año Nuevo”. Palacio de Congresos de Huesca. 20:30 h.

ARAGÓN

Aquí te presentamos una guía de las agendas de conciertos en diferentes puntos de Aragón:

Conciertos en la sala Mozart del Auditorio de Zaragoza.

Conciertos en la Sala multiusos del auditorio de Zaragoza.

Conciertos en el auditorio Eduardo del Pueyo en Zaragoza.

Salón de actos CAI Luzán.

Conciertos y audiciones del CPM de Zaragoza.

Conciertos y audiciones CPM Alcañiz.

Conciertos y audiciones CPM Monzón.

Conciertos y audiciones CPM Tarazona.

Palacio de Congresos de Jaca.

Conciertos y audiciones CPM Sabiñánigo.

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RINCÓN DEL HUMORpor PABLO LÓPEZ profesor de trompeta del CPMH

¿Qué diferencia hay entre el sonido de una viola y arañar una pizarra con las uñas?El vibrato.

¿Cómo conseguir que dos flautines suenen al unísono? Echando a uno de los dos.

Había una vez dos bellísimas doncellas paseando por los alrededores de su castillo. De pronto, una de ellas escuchó una tímida voz que gritaba: ¡Ehhhh! ¡Mirad aquí abajo! Las doncellas miraron y vieron un pequeño sapo a la orilla del foso. ¡Hola! - dijo el sapo - En realidad soy un cantante, pero un genio malvado me ha convertido en un sapo. Si una de vosotras me besa, volveré a ser cantante y viviremos felices para siempre. Entonces, la más bella de las dos doncellas lo cogió con la mano y se lo metió en el bolsillo. ¿Cómo es eso? - le pregunta la otra doncella - ¿No vas a besarlo? ¿Estás de broma? - responde la bella - ¡Ganas mucho más con un sapo que habla que con un cantante!

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[...] Yet, all said and done, Art is and remains firs of all international, and the great violinist is a great artist, no matter

what his native land [...] (1).

[...] Sin embargo, todo está dicho y hecho, el arte es y seguirá siendo ante todo internacional, y el gran violinista es un gran artista, sin tener

importancia su tierra natal [...].

La sociedad camina por un proceso de globalización indudable. En cualquier parte, y gracias a los medios de comunicación e Internet, todo el mundo está comunicado e informado al instante. Es un proceso de mezcla cultural que reinventa nuevos códigos que son asimilados de forma simultánea en diferentes puntos del mundo.

El proceso de globalización enmarcado en la música está aportando grandes novedades a compositores, intérpretes y consumidores. Con respecto a las escuelas interpretativas de cada instrumento, cabe señalar que históricamente han estado definidas por un ámbito geográfico pero hoy en día ya no es tan importante ir a la fuente estilística de cara a formarse al más alto nivel.

Aun así, parten cada año hacia diferentes destinos europeos decenas de jóvenes españoles a perfeccionar sus estudios con el fin de conseguir en el futuro el puesto de trabajo soñado. Si bien se trata de una de las experiencias más enriquecedoras que un estudiante puede vivir, hay que valorar ciertas cuestiones antes de abandonar tu país y emigrar como estudiante de música.

1. ¿Cuándo irse?Pese a que nunca es tarde y siempre se puede abrir esa posibilidad, la etapa más habitual va desde los 18 a los 24 años:- A los 18 años, justo al terminar los estudios de Enseñanzas Profesionales de Música. - Durante los estudios superiores, como alumno del Programa Erasmus, con 20 - 22 años.- Con 22 años, al terminar el Grado en Música.- Después de cursar un Máster, con unos 24 o 25 años.

2. ¿En qué momento decidirlo?Es conveniente tomar la decisión con un año de antelación (no a mitad de curso). Y aquí entran razones de tipo logístico, emocional, estratégico o económico.

Cuanto más apresurada sea la decisión, mayor posibilidad de toparse dificultades e imprevistos, que van desde no encontrar una habitación cómoda y económica a no acertar con el profesor, la escuela o la ciudad. Además, hay que pensar en cumplir con todos los objetivos inmediatos de ese año previo mientras se preparan las audiciones de acceso, las convocatorias de becas, se viaja a los posibles destinos o se estudia, en serio, el idioma, etc.Aunque sea hasta cierto punto obvio, este tipo de decisión debe tomarse después de hablar detenidamente con diferentes profesores de confianza, con la familia y también con colegas que han vivido o están viviendo una experiencia similar.

3. ¿Será lo mejor para mí?Se trata de una decisión vital que condiciona el perfil profesional y la vida personal, por lo tanto, no vale una sola frase por respuesta. Antes de tomar la decisión conviene reunir una justificación sólida por escrito, con más de tres razones de peso diversas. Por ejemplo: De tipo estratégico: la ciudad y el entorno gozan de una gran vida musical y academias orquestales; de tipo personal: tengo absoluta confianza en el profesor para mejorar mi nivel; de tipo profesional: en la ciudad se realizan muchas audiciones de orquestas profesionales o es económico y rápido viajar a alguna gran capital; de tipo formativo: el centro es de prestigio y ofrece una formación que no encuentro fácilmente en otro lugar; de tipo económica: puedo asumir el coste de vida y la matrícula; de tipo estilístico: concuerda mi formación previa y mi instrumental con la escuela estilística del profesor, la institución o el país de destino.

4. Anticiparse y no improvisarEn primer lugar, es apropiado viajar y estar al menos una semana en cada posible destino. Principalmente dar clase y ver de cerca cómo trabaja el profesor, cuántos días da clase al mes o cuál es su grado de implicación. Pero al mismo t iempo, es el momento perfecto para: ver el funcionamiento interno de cada centro (nivel en la clase de instrumento, demás profesorado, conexiones con orquestas profesionales, programas orquestales, posibilidades laborales, calendario escolar, horarios y espacios de estudio, etc.); entablar contacto con colegas de la misma especialidad que tendrán información de primera mano; conocer las ciudades, la vida musical en ellas, el coste de vida, etc.

Por otro lado, inscribirse en el plazo de admisión y organizarse bien sin olvidar ninguna fecha límite importante requiere adelantar la decisión. Un buen ejemplo es el de EE.UU., donde la preinscripción se realiza en diciembre del curso anterior. Asimismo, es imprescindible revisar los HandBooks con toda la información sobre titulaciones, itinerarios, especialidades, programas de estudio, reglamentación, etc. Cabe detenerse particularmente en los programas de estudio y las exigencias de titulación y nivel de idioma para acceder a cada uno de ellos. Con respecto a los planes de estudio, conviene valorar si merece la pena repetir los estudios ya cursados (por ejemplo un Bachelor si ya tenemos el Grado en la misma especialidad en España). Asimismo, es beneficioso anticiparse y obtener el nivel del idioma antes

¿Es decisivo emigrar como estudiante de música?6 aspectos a tener en cuenta si quieres estudiar en el extranjeropor HUGO PORTAS, profesor de tuba del CPM Huesca

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de llegar o en los primeros meses y así hacer menos traumático el proceso de adaptación e integración.En segundo lugar, y de forma paralela, vale la pena analizar, inscribirse, prepararse y optar a ganar concursos y convocatorias de becas que contribuyan a financiar los estudios.

5. Vivir en otro paísEl hecho de dejar España e irse a estudiar a otro país conlleva una serie de beneficios pero igualmente ciertos riesgos que deben ser valorados.

Pros y beneficios:- Convivir con personas de diferentes procedencias, raza,

cultura, etc. Borrar estereotipos culturales y repensar valores, creencias y puntos de vista.

- Ampliar la visión sobre España, su sector musical y ver dónde está en el plano internacional como referente cultural.

- Coger perspectiva y saber comparar y valorar aspectos culturales, económicos o políticos entre España y el país de destino.

- Reflexionar sobre nuestro nivel como intérprete con respecto a jóvenes de otras nacionalidades.

- Adquirir confianza y desenvolverse autónomamente en situaciones adversas, lejos de la zona de confort como instrumentista y como persona.

- Desligarse de ciertos compromisos o costumbres sociales que implican una pérdida importante de tiempo y energía en el estudio personal.

- Romper con la rutina. Nada va a cambiar en el entorno al irse dos o tres años a otro país.

- Aprender sobre uno mismo, tomar el control sobre el futuro y gestionar recursos como tiempo y dinero.

- Mejorar la iniciativa propia y fortalecer la madurez al no poder recurrir a la familia o a los amigos de siempre. Es una buena manera de aprender a valerse por sí mismo y adquirir una serie de responsabilidades en un entorno nuevo.

- Dominar un nuevo idioma con fluidez y competencia. Es requisito indispensable hablar al menos inglés si se quiere trabajar en orquestas o conservatorios internaciones. Sin casi esfuerzo se puede lograr este objetivo.

- Ampliar el currículum. Pese a que la cantidad de estudiantes que hoy en día se forman en otros países ha aumentado, todavía son muy pocos.

- Ganar nuevos contactos de cara a crear proyectos o conseguir bolos fuera del entorno actual.

- Abrir nuevas posibilidades profesionales. En el país de destino o en cualquier otro país, al hablar, presumiblemente y al menos, inglés de forma fluida.

- Encontrar inspiración, nuevas influencias estilísticas y enriquecerse conviviendo con profesionales y compañeros que aportan.

- Participar y familiarizarse con los procesos de las audiciones a nivel internacional. Tiempos, organización, comunicación con el tribunal, etc.

- Experimentar con otros hábitos de estudio, posiblemente más productivos.

- Conocer un nuevo sistema educativo. Descubrir e interactuar con otros métodos de enseñanza o nuevas perspectivas metodológicas y profesorado con distintos criterios y formas de enseñar.

Contras y riesgos:

- Rechazar ofertas de trabajo en España o dejar trabajos o bolos habituales.

- No poder presentarse a audiciones en España o que sea costoso.

- No conectar con el profesor de instrumento y echar en falta un referente de confianza.

- Perder contactos en tu entorno.- Transportar los instrumentos y contratar seguros de

cobertura internacional.- Desembolsar dinero extra por el coste de vida o

matrícula en la ciudad de destino.- Descentrarse durante la adaptación al país de destino.- Echar tanto de menos las costumbres, la familia y los

amigos que se desee regresar.- No hablar de forma fluida el idioma influye a la hora

de integrarse con gente del país de destino (no internacionales).

- Costear los trámites burocráticos: visados, permisos de re s idenc ia , s eguro s méd ico s , acc iden te s y hospitalización, homologación de titulaciones, traducciones juradas, etc.

- Invertir demasiado tiempo en integrarse socialmente mientras otros colegas y potenciales competidores están centrados en el estudio.

6. Salir de la zona de confortDejar a un lado las comodidades de vivir en un entorno amable y abandonar la zona de confort es quizá lo más destacable al emigrar como estudiante. En cualquier caso, es indudable que sea cual sea la decisión, debe tomarse con sosiego porque cambiará la trayectoria profesional, y quizás la personal, para siempre. Al fin y al cabo, la mayoría de los beneficios se pueden alcanzar sin necesidad de emigrar como estudiantes. Ya sea a través de experiencias esporádicas en orquestas jóvenes internacionales, con la participación en campus de verano o en concursos internacionales (algo también muy recomendable).

Tampoco debe ser una huida hacia adelante, siguiendo modas o hábitos en el entorno. Se trata tomar la mejor decisión buscando fortalecer carencias actuales, alcanzar los objetivos, ambiciones o sueños fijados y crecer lo máximo como intérprete, como profesional y como personal.

En definitiva, puede que no sea decisivo emigrar con el fin de lograr esos objetivos, pero si existe la inquietud, debe lucharse por ella. Puede cambiar nuestra trayectoria y quedarse con la duda de no haber vivido esa experiencia no es recomendable. Eso sí, esa fuerza de voluntad conviene canalizarla hacia una decisión responsable y coherente con nuestra madurez y ambición profesional.

Solo espero que como lector hayas encontrado al menos un dato o una reflexión provechosa en medio de todas las obviedades descritas en el artículo.

(1) MARK HANS, L. Citado por MARTENS, F. en: Violin Mastery (Nueva York, Frederick A. Stokes Company, 1919), pp. 145.

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La Asociación de Flautistas de Cataluña (AFCAT) convocó la segunda edición de este interesante concurso, que tuvo lugar en Lérida el domingo 27 de noviembre de 2016.

En esta ocasión, el concurso constaba de 3 modalidades de participación:

Modalidad A: Nacidos a partir del 1 de enero de 1998.Modalidad B: Nacidos a partir del 1 de enero de 2000.Modalidad C: Nacidos a partir del 1 de enero de 2002.

Podían participar flautistas de cualquier nacionalidad, estando excluidos los alumnos de conservatorios superiores o aquellos que hubieran finalizado sus estudios. Las plazas estaban limitadas a 15 participantes por cada modalidad. El concurso constó de una fase eliminatoria (con interpretación de una obra obligada a escoger de un pequeño listado) y de una fase final a la que accedieron 3 flautistas de cada modalidad.

El jurado estuvo formado por 3 miembros: Jaume Cortadellas (Profesor de Música de Cámara en el Conservatorio del Liceo. Miembro de la comisión artística de la JONC-Joven Orquesta de Cataluña-), Qiao Zhang (Ayuda de solista en la Orquesta Filarmónica de Hèlsinki) y Josep Lluís Boix (Director y profesor de flauta en el Conservatorio de Lérida).

Participación de flautistas oscenses

Para situarnos, hay que señalar que en la primera edición del concurso, que tuvo lugar el año pasado en Barcelona, y en la que sólo había dos categorías, se presentaron también 3 alumnos del aula de flauta del Conservatorio de Huesca. En aquella ocasión, María Tolosana y María Rubio pasaron a la fase final, ganando el 1er premio, ex-aequo, María Rubio.En esta segunda edición se volvieron a presentar los mismos tres alumnos del aula: Pablo Rubio de 15 años y que cursa 2º EP, María Rubio de 13 años y que cursa 2º EP y María Tolosana de 13 años y que cursa 3º EP. Debido a que María Rubio había ganado el 1er premio en la edición anterior, no le permitieron presentarse en su categoría C (hasta 14 años), pero pudo hacerlo en la categoría B superior a la suya (14 a 16 años) coincidiendo en dicha categoría con su hermano Pablo. María Tolosana participaba en la categoría C (hasta 14 años).

El resultado de esta segunda edición del concurso de flauta travesera de Cataluña ha sido:

María Rubio Bellostas, 1er premio en la modalidad B.

María Tolosana Puyuelo, 2º premio en la modalidad C.

Muy orgullosa de todos ellos!

Enhorabuena y a seguir con tantas ganas e ilusión!

Eva García, profesora de flauta, con los 3 alumnos participantes en el concurso.

CERTAMEN INTERCENTROS MELÓMANO

La alumna María Tolosana Puyuelo fue también premiada en el concurso Intercentros, en su fase autonómica, que tuvo lugar en el CSMA (Conservatorio Superior de Música de Aragón) el jueves 1 de diciembre de 2016.

Los resultados de Aragón fueron:

– Primer Clasificado: Stoyan Plamenov Chunov, guitarra, Conservatorio Profesional de Música de Zaragoza.

– Segundo Clasificado: María Tolosana Puyuelo, flauta travesera, Conservatorio Profesional de Música de Huesca.

– Tercer Clasificado: ex-aequo Raquel Lacruz Pérez, piano, Conservatorio Profesional de Música de Huesca y Misaki Mita Torre, piano, Conservatorio Profesional de Música de Huesca.

Enhorabuena a todos ellos y en especial a las alumnas de nuestro centro, Misaki, Raquel y María!!

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II CONCURSO INTERNACIONAL DE FLAUTA TRAVESERA DE CATALUÑAPremios para dos alumnas del Conservatorio de Música de Huescapor EVA GARCÍA profesora de flauta del CPMH

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AFOES 2016

A finales de septiembre de 2016, entre los días 23 y 25, se celebró en la ciudad de Murcia el IV Congreso de AFOES, la Asociación de Fagotistas y Oboístas de España. Estos congresos de periodicidad bianual son una cita obligada para aquellos que vivimos con pasión todo lo relacionado con el oboe, y este año tocaba visitar Murcia... Les propuse a los alumnos más mayores que se unieran a mí para pasar el último fin de semana de septiembre entre tudeles, cañas, navajas, oboes de todas las marcas y como no: recitales de cámara, conciertos con orquesta, conferencias, masterclass y rodeados de otros bichos raros que, como ellos, tocaban el oboe.

Al final fueron tres los alumnos que se animaron a viajar hasta Murcia: Lucía Ferraz, Araceli Carrera y Darío Carmona.

La experiencia fue muy positiva para todos nosotros, y a pesar de las ocho horas de tren que tuvimos que sufrir tanto en la ida como en la vuelta, el ambiente entre el grupo fue fantástico y pudimos compartir anécdotas y recuerdos de los años que hemos pasado juntos gracias al oboe.

Las actividades fueron muy variadas, pero probablemente lo más importante fue el reencuentro con viejos amigos y la posibilidad de conocer y charlar con grandes oboístas como Michaela Hrabankova, Raúl Gadea o Eduardo Martínez viviendo el buen ambiente que se crea en este tipo de eventos.

¡La próxima cita de AFOES será en Granada 2018! Además este será un encuentro de carácter internacional organizado por la Internationa Double Reed Society (IDRS).

THOMAS ORLOWSKI en el CPMH

El pasado viernes 21 de octubre el luthier alemán Thomas Orlowski visitó nuestro centro por segundo año consecutivo.

Thomas Orlowski e Isabella, su mujer, organizan cada año una gira por diferentes ciudades españolas para mostrar una amplia exposición de herramientas y material relacionado con la construcción de cañas de oboe, además de una gran selección de instrumentos de las marcas más importantes.

Este año fueron muchos los alumnos que se animaron a visitar la exposición, además de algunos amigos de diversa procedencia que se interesaron por la muestra del luthier berlinés.

Orlowski también ofreció sus servicios como mecánico a los asistentes a la exposición que de manera gratuita pudieron poner a punto sus instrumentos o realizar algunos arreglos.

Esperemos que estas visitas puedan seguir durante muchos años y que la relación que se ha establecido entre el CPMH y Thomas Orlowski nos permita seguir al día de las innovaciones que en los dos últimos años nos ha mostrado Thomas en sus exposiciones.

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ACTIVIDADES DEL AULA OBOE

Primer trimestre 2016-17

por LUIS CALAFORRA profesor de oboe del CPMH

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Los días 2,3 y 4 de diciembre, se celebró en Madrid el Congreso Internacional de Trompas con el nombre de “Citmadrid2016”.Tal evento estuvo organizado por la AEAT (Asociación Española de Amantes de la Trompa) y promovido en esta edición por Elies Moncholí Cerveró, quien ocupa la cátedra de trompa del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.

Francisco Fermín Galduf Cervera, presidente de la AEAT, comenta que tal asociación fue creada con el objetivo de difundir y promocionar todo lo relacionado con el mundo de la trompa. Pretende aglutinar a todas aquellas personas que aman este bello instrumento, más allá de si son trompistas profesionales, amateur, estudiantes o incluso no tocan la trompa, pero aprecian el instrumento. Los valores de esta organización son el respeto mutuo, la tolerancia y el trabajo en equipo, huyendo de conceptos que consideran obsoletos como la competitividad insana o la egolatría. Todo lo que se organiza desde este colectivo se realiza sin ánimo de lucro, es más, a veces incluso tiene costes para los organizadores, costes que entienden como una inversión en el colectivo y en la sociedad musical en general.

Madrid se convirtió por unos días en la capital mundial de la trompa. En el privilegiado enclave del Real Conservatorio Superior se dieron cita profesores y alumnos de diferentes países para compartir el amor por la música a través de este instrumento, disfrutando de una gran cantidad de eventos: masterclass, conferencias, concursos, debates, mesas redondas, etc…

La recepción del congreso fue el viernes 2 de diciembre a las 12 horas. Acto seguido se ofreció un concierto de bienvenida a cargo del grupo de trompas del RCSMM (Real Conservatorio Superior de Madrid). Por la tarde hubo varias tipos de concursos: trompa natural, trompa moderna y composición.

• En el concurso de trompa moderna había 3 categorías: A de 19 a 24 años, B de 15 a 18 años y C de 8 a 14 años.

• El concurso de composición estaba dirigido exclusivamente a alumnos de Composición e Instrumentación del RCSMM. La obra a componer tenía que estar escrita para trompa y piano, con una duración aproximada entre 6 y 8 minutos, de estilo y estética libre.

La tarde del viernes concluyó con un concierto de trompas Lusas y el Cuarteto DürkHorns.

La organización preparó, para el sábado y el domingo, actividades para tres niveles educativos.

1) Enseñanzas Elementales; 2) de 1º a 4º de Enseñanzas Profesionales. Estos dos niveles estuvieron encabezados por los siguientes profesores: Antoni Aburquerque, María José García, Miguel Peña, Judit Rovira, Barbara Llopis, Verónica Escribano y Miguel Olivares. Estos profesores prepararon juegos educativos para los pequeños trompistas y con ellos trabajaron las piezas “HornIsland” y “Bestuario para el Pequeño Trompista” (obras pedagógicas escritas por Antoni Alburquerque). El domingo por la mañana ofrecieron un concierto con el repertorio trabajado ese fin de semana.

3) El grupo de 5º y 6º de Profesional y Enseñanzas Superiores tuvieron un sinfín de actividades: masterclass, conferencias, conciertos y exposiciones. Las masterclass fueron impartidas por los siguientes profesores: Bruno Schneider (concertista internacional), María Rubio (solista de la orquesta de Valencia), Juanma Gomez (solista de la OCB), Bernardo Silva (solista de la orquesta de Oporto), Bernardo Cifres (solista de Les Arts), Rodolfo Epelde (solista de la ONE), Luca Benicci (solista del Magio Florentino), José Luis Sogrob (Royal Concertgebouwm Amsterdam), Juanjo Llimerá (Cons. Sup. de Valencia), José Luis Morató (solista de la OSPA), Inés González y Francisco Rodríguez. Se ofrecieron las siguientes conferencias: “Anatomía y técnica trompística” por Gema Guillem, “Introducción de la trompa en España” por Josep Antoni Alberola, “Trompa y consc ienc ia cor pora l” por Pedro Casañas y “Entrenamiento mental para la audición” por Guillermo Dalia. Los conciertos fueron ofrecidos por grupos de trompas de Tenerife, Valencia, Málaga, Euskadi, Sevilla, Oviedo, Barcelona, Zaragoza, Madrid. Además el trompista Javier Bonet interpretó el Concertino de Weber con trompa natural y presentó su nuevo CD con trompa moderna.

Hubo exposiciones de trompas de las marcas: Alexander, Klaus Fehr, Dürk, Stomvi, Willson, Hans Hoyer, Schmid y Yamaha.

Como colofón del congreso, el domingo p o r l a t a r d e , s e celebró un concierto e n h o m e n a j e a l maestro Francisco Burguera Muñoz, trompa solista de la Orquesta Nacional de España y catedrático

de trompa del RCSMM durante gran parte de la segunda mitad del siglo XX. Participaron en el homenaje los cuartetos de trompas de la Orquesta Nacional de España, de la Orquesta de la Comunidad de Madrid y de la Orquesta de Radio Televisión Española, entre otras.

Es probable que el año que viene se organice un evento similar en Zaragoza.

CITMADRID 2016, Congreso Internacional de Trompistaspor MIGUEL ÁNGEL GRACIA profesor de trompa del CPMH

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En el este número de la revista, tenemos la oportunidad de hablar con dos antiguos alumnos del Conservatorio Profesional de Música de Huesca, Javier Avellanas y Roberto Delgado, que están estudiando 3º y 4º de Superior en el Conservatorio Superior “Salvador Seguí” de Castellón.

¿Por qué la Trompeta? Javi: La trompeta, porque un familiar la tocaba. Roberto: Coincido con Javi, debido a que un primo se dedica a ello.

¿Cuántos años lleváis estudiando trompeta? J y R: Los dos entramos al conservatorio el mismo año, hace 15 años ya.

¿Qué os motivó para estudiar un Superior con la Trompeta?J: Yo elegí la trompeta porque se me daba bien y además, me encanta!R: A mí me gusta mucho la música, es la mayor pasión que tengo.

¿En qué momento sentisteis que estudiar Trompeta era vuestro futuro?J y R: En los últimos años en el conservatorio de Huesca, cuando empezábamos a dar clases con distintos profesores.

¿Por qué elegisteis el Conservatorio Superior de Castellón?J y R: Por la gran variedad de profesores de trompeta, y la tradición del viento metal en la zona.

¿Cómo es la vida musical en Castellón? ¿La orquesta y la banda del Conservatorio, qué os han aportado?J y R: Como hemos dicho antes, hay una gran tradición por la música en la Comunidad Valenciana. Se puede ver todo tipo de conciertos de distintas agrupaciones. A trabajar individualmente, por secciones y colectivamente.

¿Hay grandes diferencias entre un Conservatorio Profesional y un Conservatorio Superior, ha sido difícil adaptarse?J y R: La verdad que no. Se nos ha hecho fácil adaptarnos, aunque algún profesor hablara en valenciano, pero te acabas acostumbrando.

¿Creéis que hace falta alguna asignatura en el Conservatorio Profesional que os hubiera ayudado en la actualidad?J y R: Educación auditiva y Repertorio Orquestal.

¿ C ó m o v a l o r á i s v u e s t r a f o r m a c i ó n e n e l Conservatorio Profesional de Huesca?J y R: Bastante positiva, debido a que en algunas asignaturas veníamos bastante preparados.

¿Qué es lo más interesante que os ha sucedido hasta el momento?J y R: Conocer a trompetistas de alto nivel, como Manu Mel laer t s , Enr ique Rio ja , Manue l B lanco, Max Sommerhalder...

¿Cómo veis las Enseñanzas Superiores en España en general?J y R: En comparación con el resto de Europa, bastante flojo.

Cuando ter minéis ¿Cuáles son las salidas profesionales con las que soñáis?J: Trabajar o en algún Conservatorio o alguna Orquesta Profesional.R: Tocar profesionalmente en alguna banda o grupo musical, aunque no me cierro a la enseñanza.

¿Os gustaría estudiar fuera de España? ¿Dónde?J: Canadá o Bélgica son mis preferidosR: En Inglaterra.

La trompeta es un instrumento muy versátil, que puede intervenir en muchos estilos de música ¿En cuál os encontráis más a gusto?J: Me encuentro más a gusto en la música clásica.R: Me gusta la música barroca, aunque disfruto mucho tocar música ska.

¿Cuáles son vuestros conciertos favoritos?J y R: J. N. Hummel y Oskar Bohme.

Y ¿Quién vuestro compositor favorito?J y R: Beethoven y Mahler.

¿Qué le diríais a un alumno del Conservatorio que esté pensando en estudiar Superior?J y R: Que se informe bien de cómo trabaja cada centro y el profesor de su especialidad. Es lo más fundamental.

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ENTREVISTA a Javier Arellanas y Roberto Delgadopor PABLO LÓPEZ profesor de trompeta del CPMH

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Hola Floren, en estos momentos no recuerdo bien cuándo ni cómo te conocí, quizás tú tengas mejor memoria; debió de ser a mediados de los 70, antes de hacer la mili, ya por entonces habíamos apostado fuerte por los estudios musicales y de alguna manera anhelábamos abrirnos camino entre los pentagramas y dedicar nuestra vida a la música.

Un poco más tarde vino Barcelona en donde tú por un lado y yo por otro sacamos de ahí todo lo que pudimos, que no fue ni poco ni fácil.

Después, ¡qué recuerdos!, vinieron nuestros viajes juntos a Madrid cuando lo del AVE era el futuro. ¿Te acuerdas de La Pensión Burgas de la calle Arenal, de las escapadas a Malasaña, del autobús nº 5…….?

En el año 1986 se abría el Conservatorio de Huesca y ahí que metí la cabeza, poco después, en el 88 se inauguraba el Conservatorio de Monzón, y el primer director fuiste tú. Fue poco tiempo, pero fue.

Siguieron años de preparar oposiciones, de un destino aquí y otro allá, pero por fin llegó la plaza definitiva de funcionario en Huesca y nos volvimos a juntar.

Ambos compartimos la gestión de este Centro a mediados de los 90 procurando en todo momento hacer un buen servicio y ser útiles a la sociedad, a buen seguro que no lo hicimos todo bien, pero ¡pardiez! tampoco todo mal.

De tu periplo musical por los conservatorios de Aragón no me cabe duda de que en todos ellos habrás dejado huella de tu seriedad a la vez que simpatía y rigor a la hora de enseñar a tocar la guitarra, pero ha

sido en Huesca en donde a través de estos 20 años aproximadamente, te has convertido en un referente de la didáctica de la Guitarra clásica.

Por tu aula han pasado muchos de los actuales concertistas que recorren la escena con sus conciertos, grabaciones, proyectos, etc.

Como compañero de claustro soy el menos indicado para valorarte, sí ya sé que no se trata de eso, pero tengo la seguridad de que tanto los pasillos como tu Aula nº 20 han sido testigos de numerosas consultas, sabios consejos e incuestionables referencias y opiniones consistentes en torno a la estética, la historia y la filosofía del fenómeno musical en su conjunto a numerosos compañeros.

Como amigo quiero decirte que ha sido y sigue siendo un honor para mí compartir tu afecto y tu amistad curtida a través de tanto tiempo y, que por supuesto, deseo conservarlos para siempre. Todavía nos quedan muchas tertulias, discusiones y muchas partidas de Mus por hacer.

Se me acaba el espacio Floren y debo terminar; me gustaría aprovechar mis últimas líneas para desearte un feliz descanso en compañía de Sylvie.

También quería decirte amigo y Maestro que: ¡Bienvenido al club de la experiencia! del cual espero y deseo que seas socio durante mucho, mucho tiempo.

Hasta luego o à tout à l'heure… Como prefieras.

Antonio Viñuales

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FLORENCIO MARTÍNEZGuitarra

por ANTONIO VIÑUALES, profesor jubilado de Orquesta y Coro del CPMH