Historia del Diseño Industrial:

El diseño industrial como actividad específica es un producto del siglo xx, aunque sus orígenes se remontan al siglo xix. El Punto de partida es la gran exposición internacional de 1851 (Londres).El termino diseño industrial recién comenzó a utilizarse en los años 30, y se generalizo después de la segunda guerra mundial.En el diseño industrial se maneja fundamentalmente tres conceptos: La forma, la función y la tecnología.Orígenes y evolución del diseño industrial:

Revolución industrial.Revolución industrial estaba en auge y thonet pasa de la producción artesanal a la industrial.Muebles Thonet, Muebles de madera curvada cuya producción en serie se remonta a los años 40 del siglo xix cuando Michael Thonet se transfiere a Viena y con el apoyo del gobierno austriaco, comienza a trabajar con todo tipo de madera curvándolas por procedimiento químico o mecánico. Instala fábrica de muebles.Thonet plantea las ventajas prácticas de la finura y ligereza, al mismo tiempo la fundamental necesidad de comodidad.Gran época de Thonet termina en 1914 con el comienzo de la primera guerra mundial.Creación de la máquina de vapor de James Watt. Invento de la máquina de hilar y del telar mecánico y maquia de vapor, marcan el inicio de la revolución industrial.

La gran exposición internacional de 1851:Revolución industrial: se instaura definitivamente en el esquema productivo de bienes, se plantea la separación de las tareas de concepción de las de fabricación. Henry Cole (1808 – 1882), diseñador, organizo la exposición de 1851. Consideraba que el bajo nivel de producción industrial se debía a la separación entre arte y la industria. En 1845 inicio movimiento para conciliar el arte con la industria, antecesor del diseño industrial.En la exposición de 1851 la calidad estética de muchos productos industriales era mala. Fue la primera exposición de productos industriales y artesanales a nivel internacional.Despertó la toma de conciencia de la búsqueda de soluciones estéticas.La actitud europea se basaba en la tradición artesanal, mientras que la estadounidense en la producción en gran escala para satisfacer necesidades a nivel masivo. Los europeos buscaban valorizar su producto y los estadounidenses a producir más. Se estaba en una crisis del diseño, se había perdido el sentido de la vinculación entre la forma y la decoración tras la substitución del trabajo del hombre por el de la máquina. La tendencia de la época era “embellecer” los objetos mediante la decoración, agregarles elementos auxiliares de valor artístico.El trabajo se volvió más fragmentario, monótono, tedioso, alienante.

El sistema americano:Los artículos estadounidenses presentados en la exposición mostraban la estética de la máquina, (el revolver colt era un producto cuya forma demostraba abiertamente la estandarización de su producción y el carácter intercambiable de sus piezas.)Estados unidos mostro una nueva concepción en la producción industrial caracterizada por la fabricación en serie de objetos compuestos de piezas normalizadas intercambiables fabricadas con ayuda de máquinas herramientas.

Arts and Crafts: Inglaterra (segunda mitad del xix)

John Ruskin y William Morris, principales cuestionadores de la producción industrial.John Ruskin planteaba que la industrialización representaba un peligro para el consumidor ya que este se deformaba estéticamente debido a la oferta de artículos fabricados en serie, de regular calidad y de mal gusto. También para el productor, porque la producción mecánica le priva de la posibilidad de realizarse plenamente al no sentir que la obra era producto de sus manos.William Morris se asoció a las ideas de Ruskin en su crítica al producto industrial, al que le reprocho su fabricación en serie y su falta de diferenciación. Aunque reconoció que los productos industriales pueden tener cualidades estéticas, pero gracias a cualidades artesanales y no de la máquina.Este movimiento no podía solucionar los problemas de la producción a gran escala requerida por la sociedad, en consecuencia de los cambios en la estructura social y costumbres que trajo la revolución industrial.El planteo del Movimiento Arts and Crafts abarcaba aspectos artísticos así como sociales y morales. Llego a identificar a la maquina como la causante de una perversión moral y artística. Se le cuestionaba la degeneración del diseño de los productos industriales, la carencia de diseño ornamental y mala calidad estética. Socialmente consideraban que deshumanizaba y enajenaba el trabajo, parcializaba actividades creativas y quitaba al trabajador la satisfacción de su trabajo.Este movimiento intento resucitar la artesanía y mejorar la calidad del diseño en la Inglaterra Victoriana, e influyo en forma decisiva en toda la producción artesanal inglesa desde 1860 hasta la llegada del Art Nouveau, en parte heredero del movimiento Arts and crafts. Resumiendo: Buscaba materializar la unidad de la forma, la función y la decoración.Se inspiran en el historicismo gótico, con motivos lineales y orgánicos. Simetría. Aves, plantas. Formas tendían a ser rusticas, simples y elegantes. La forma no debía ocultar la estructura, se buscaba evidenciar la construcción. Clavos y clavijas formaban diseños en la superficie.

Art Nouveau: Última década del XIX y primeros años del XX. Alcanzo su máxima difusión en 1900 y mantuvo hasta 1905. Periodo de paz y prosperidad llamado la belle époque.

Se desarrolló en Europa y américa.Se caracterizaba por su ruptura con el pasado, oponerse a cualquier imitación de estilos. Y la búsqueda de nuevas formas. Rico vocabulario lineal, líneas lacias, curvas sinuosas u onduladas, que muchas veces terminaban en un movimiento de golpe. Influencia arte japonés, estructuras asimétricas.Inspirados en naturaleza y hasta exóticas artes extranjeras. Flores pálidas de tallo largo, no por su belleza sino por ser diferentes. Blanco uno de los colores preferidos.Si bien el arts and crafts ayudo a formar el art nouveau, se mantuvo apartado casi permanentemente de él, una vez afirmado.Es una respuesta a la nueva realidad, consecuencia de la revolución industria, a los cambios que implicaban la aceptación del maquinismo y nuevos materiales, hierro, vidrio, hormigón armado.Art Nouveau es un nexo de unión entre el movimiento arts and crafts y el diseño industrial que nace con la Bauhaus.

Algunos representantes adoptaron el simple funcionalismo del arts and crafts, como Charles Mackintosh, cuyas estructuras son de cierta linealidad neoplástica.Entradas del metro de parís de Guimard.Se extingue con la primera guerra mundial.

La Werkbund: 1907

1896 en Alemania, Surge la necesidad de analizar en profundidad las relaciones entre el arte, la artesanía y la industria. Envían a Hermann Muthesius a estudiar arquitectura y diseño inglés.En 1906 junto a Friedrich Naumann y Karl Shmidt plantean la producción en serie y deciden fundar la Werkbund (unión para la obra).Era un lugar de encuentro de artistas, artesanos, diseñadores, arquitectos, dispuestos a buscar la forma de lograr productos industriales de calidad. La iniciativa se concreta a finales de 1907.Primeros miembros: Peter Behrens, Henry van de Velde, Josef Hoffmann, Joseph María Olbrich, etc. Luego en 1912 se unen Walter Gropius y Ludwig Mies van der Rohe.Consideraban que no es la maquina la que hace un trabajo deficiente, sino nuestra incapacidad de usarla con eficacia. La producción en serie de artículos de consumo Planteo la necesidad de reducir las cosas a sus partes esenciales, esto contribuyo al surgimiento de una estética basada en formas puras y racionales, La estética de la máquina. Veían al diseño como un elemento fundamental en la expansión de la economía alemana. Preconizaba esta estética simple y valorizaba los materiales y los elementos de fabricación industrial. Buscaban Funcionalidad y trabajo de calidad.Enfrentamiento de concepciones.Muthesius planteaba que el espíritu moderno estaba en lo funcional, lo utilitario, lo objetivo (sachlichkeit). Sachlichkeit es objetividad y concreción. Se convirtió en el reconocido jefe de una tendencia hacia Sachlichkeit, que siguió al corto florecimiento del Art Nouveau en Alemania. Era partidario de la estandarización. Sostenía la Tipificación, es decir la adaptación de los proyectos de diseño a los requisitos técnicos de la producción.Van de Velde: se basa en una concepción estética y social sobre el arte, heredada de Morris, se oponía a toda ley, estandarización o normalización.El conflicto se quedó sin dirimir debido al estallido de la primera guerra mundial.La Werkbund fue un antecedente muy directo de la Bauhaus. Peter Behrens es considerado como el primer profesional del diseño industrial. Es uno de los defensores de la estética de los materiales y de los primeros en plantear el concepto de sachlichkeit, base del funcionalismo.

De Stijl y el Neoplasticismo:

De Stijl, se plasma en Holanda en la segunda mitad de la década de 1910. El nombre del movimiento surge de una publicación periódica que en 1917 fundaron Theo Van Doesburg y Piet Mondrian. Mondrian afirmaba que la vida del hombre culto contemporáneo se aleja gradualmente de la naturaleza y se convierte en una vida abstracta.La estética De Stijl celebra la máquina y el control racional del proceso creativo, usa formas puras, nacidas de un drástico reduccionismo, un número limitado de figuras, (cuadros, rectángulos) de cuerpos (solo paralelepípedos) y de colores, solo los fundamentales.

Los pintores debían rechazar la naturaleza de la pintura realista y concentrase en los caracteres absolutos y permanentes de la geometría.

Neoplasticismo: lo desarrolla MondrianTeoría de un sistema de formas geométrico - constructivas que reduce la lineatura a verticales y horizontales y el cromatismo a los tres colores primarios, blanco, negro y gris. Elimina la línea curva, para ellos genera confusión en el espíritu. Evita la pincelada emotiva. El neoplasticismo fue el germen inspirador del racionalismo que se desarrolló en los años siguientes.1926 se plantean los siguientes puntos:La superficie de la materia será lisa y brillanteEl color natural de la materia debe desaparecer bajo un color puroLa composición arquitectónica también será desnaturalizada.Sillón Red / Blue de Rietveld (1917). Da la impresión de un cuadro de Mondrian pero en tres dimensiones. Rietveld priorizo los aspectos estético formales por sobre los funcionales y técnico productivos.

La Bauhaus (casa de construcción)

Creada por Walter Gropius en 1919 y cerrada por el nacionalismo alemán en 1933.Enmarcada en un rígido racionalismo buscó la simplificación de la forma de los objetos y la reducción a sus elementos geométricos, revalorizando la función.Recibió influencia de De Stijl y los constructivistas rusos.1919 -1925 Weimar / 1925 – 1932 Dessau / 1932 – 1933 BerlínWeimarTerminada la primera guerra Gropius pasa a ser director de la escuela granducal sajona de artes plásticas y la escuela granducal sajona de artes y oficios y las unifica, fundando la Bauhaus estatal de Weimar. En sus orígenes tenía el espíritu y los principios del movimiento arts and crafts, planteando la recuperación de la artesanía medieval. Este planteo llego gracias a las condiciones políticas, económicas y sociales de la posguerra. Gropius consideraba que la artesanía era la forma principal de trabajo práctico y aprendizaje profesional. Se daba enseñanza de herrero, ceramista, tornero, pintor sobre cristal, grabador de madera y similares.Busca formar en esos talleres un tipo nuevo de colaborador para la industria y la artesanía, que dominen la tecnología en igual manera. Aquí comienza el paso de la forma artesanal de producción, a la realización de prototipos. Johannes Itten: Vorkurs = Curso de ingreso. Tenía seis meses de duración. El creador fue Johannes Itten. El alumno no debía adquirir el conocimiento del maestro, sino descubrirlo el mismo. Planteaba la incompatibilidad del arte y el diseño. Gropius planteaba una producción comercializable, Itten frenaba el desarrollo productivo. Surgieron desacuerdos y en 1923 renuncio Itten luego de la exposición para dar a conocer al público sus producciones.A la estética dominante en la Bauhaus, que exalta el artesanado y expresionismo irracional, Van Doersburg contrapone la estética de De Stijl, celebrando la máquina y el control racional del proceso creativo. De aquí en adelante la Bauhaus debe apoyarse en la simplicidad, la forma simple adaptada a su uso y sólida. Lazlo Moholy-Nagy Sucesor de Itten, era constructivista húngaro, que era maestro de la forma en el taller de metal. La incorporación de Wassilly Kandinsky y Moholy-Nagy son la presencia del constructivismo ruso.

Encausa a los alumnos al conocimiento de los principios científicos elementales, los obliga a reflexionar sobre las relaciones entre peso, volumen y forma. En el taller de metal Moholy Nagy se dedica a diseñar aparatos de iluminación de hierro niquelado o cromado, prototipos para la industria. La influencia de De Stijl y constructivistas rusos ayudan al cambio de orientación de la bauhaus, y en el proceso evolutivo que llevo a lo que hoy se conoce como estilo bauhaus.En 1924 por presiones políticas y económicas se disuelve al finalizar el ciclo lectivo.

DessauSe re abre nuevamente en 1925 en Dessau, pero no como una institución estatal.La Bauhaus pasó a ser una Escuela superior de Proyectacion. Se disuelve la noción del artesanado, se concreta completamente la noción de prototipos. La Bauhaus se organizó más racionalmente, con una orientación más técnico científica garantizando vínculos entre teoría y práctica. Debido a ataques de la prensa, Gropius propone como director a Hannes Meyer (enseñanza de la arquitectura). También se produce el alejamiento de Moholy Nagy del Vorkurs, y Josef Albers se hace cargo.Albers: Descarta del Vorkurs todo lo que está vinculado a la idea de trabajo en taller, no mas banco de trabajo ni herramientas, los útiles de trabajo se reducen a la tijera, el papel y la cola. El objetivo era obtener lo máximo con lo mínimo y generarlo a partir de disciplina, rigor y método racional.Meyer: Clara oposición a su predecesor, repudio al llamado estilo bauhaus, según él no era otra cosa que formalismo. La racionalidad que caracterizo a la Bauhaus llego a extremos radicales, insistiéndose en aspectos tecnológicos, económicos y funcionales y menospreciándose problemas de estética, ya que consideraba que construir no es un proceso estético y todo arte es composición, por lo tanto anti funcional. Durante los años 1928 -1930 la bauhaus trabajo con eficiencia sin igual en los ampos de la producción y la economía. Su accionar se inclinó hacia la satisfacción de necesidades sociales y se centró en mobiliario, decoración de interiores y objetos económicos y estándares. 1930, Meyer es acusado de politizar la escuela y es dado de baja, se hace cargo Mies van de Rohe.Van de Rohe: Relega a segundo plano la problemática político ideológica y abre nuevamente la Bauhaus al arte. Acentuó nuevamente la idea de la calidad de la forma y el material. Se redujo de forma decisiva el trabajo productivo en beneficio del programa de enseñanza. En 1932 como consecuencia de la derrota de los socialdemócratas en las elecciones municipales de Dessau, la fracción nazi exige la clausura, y la clausuran.Berlín: Mies van de Rohe trata de continuar con la Bauhaus como establecimiento privado en Berlín. Los únicos docentes de la época de Gropius eran Kandinsky y Albers.En 1933 con la llegada del nacionalismo al poder, se clausura la Bauhaus.

Los principales protagonistas abandonan Alemania: Gropius, Albers, Moholy Nagy, Breuer, etc., emigraron a EEUU. La Bauhaus queda identificada exclusivamente con la era de Gropius, el estilo Bauhaus, el periodo vitalista expresionista de Itten es presentado entre las brumas, y el funcionalismo productivista de Meyer es suprimido totalmente.Durante la corta vida de la Bauhaus se había consolidado una nueva forma de encarar el diseño, el Diseño Industrial. El estilo bauhaus Incluía:

Búsqueda de funcionalidad extrema Simplicidad formal Prescindencia de la ornamentación

Reducción a los componentes esenciales Reducción en la gama de materiales empleados Fuerte relación entre forma, función y tecnología Expresión de ligereza en sus formas Predominio de la línea sobre el volumen.

El Vchutemas / Vchutein

Es una institución creada en Moscú, en 1920, con el objetivo de formar artistas plásticos altamente cualificados, cimentar artísticamente la formación de los arquitectos y fomentar la artesanía y la producción para bien de la economía nacional. 1927 Vchutemas fue rebautizado Vchutein. Funciono hasta 1930 donde fue disuelto y reemplazado por una serie de institutos especializados.

El nacimiento del Vchutemas fue gracias a las reformas de educación artística que tuvieron lugar en Rusia como consecuencia de la revolución de octubre de 1917. Nació y se desarrolló como resultado del fermento revolucionario propio de la etapa que se estaba viviendo y de un cierto romanticismo característico de los movimientos artísticos de la Rusia de principios de siglo que buscaban nuevos horizontes. En la Rusia prerrevolucionaria el cubismo y la abstracción geométrica tenían un fuerte desarrollo.

1913 Michel larionov plantea el manifiesto del rayonismo, en el cual descomponen los objetos en abstractos diagramas de haces de rayos, liberan a los objetos de la realidad física y los transforma en radiación pura. Este estaba inspirado en el futurismo que había planteado Filippo Marintti en 1909, en el que planteaba la necesidad de un arte orientado al futuro, glorificaba la época actual configurada por la técnica y la embriaguez de la velocidad.

1915 Casimir Malevich publica el manifiesto del suprematismo, la primera teorización del abstractismo, entendido como supremacía de la sensibilidad pura en el arte. Búsqueda de formas puras y absolutas, limita su registro al rectángulo, el círculo y el triángulo y la cruz, un empleo mínimo de colores, básicamente negro y blanco, buscaba liberar el arte del peso inútil del objeto. Cuadro perfecto, cuadrado negro sobre fondo blanco.

Por la misma época Vladimir Tatlin plantea el constructivismo y Alexander Rodchenco el no-objetivismo, que tienen el deseo común de abandonar todo referente objetivo.

El constructivismo, así como en el suprematismo y también en De Stijl está planteada una estética abstracta y dinámica basada en el espíritu de la era de la máquina, estética que se buscaba llevar a los objetos corrientes de la vida cotidiana.

Una de las metas del método pedagógico del Vchutemas, fue fundamentar sobre bases científicas la formación artística. Se buscaba establecer un nexo entre el arte y la técnica, conciliar la intuición con el pensamiento científico riguroso, la formación debía ser tanto técnica como humanística. Surgieron controversias, por un lado estaban los puristas, que rechazaban en forma categórica todo encargo de diseño para la artesanía o la industria, por otro lado los aplicados que buscaban revalorizar las artes decorativas y finalmente los constructivistas y productivistas que se oponían al arte de caballete y las artes decorativas y

buscaban el arte en la producción y vida cotidiana (Rodchenko, popova, Tatlin y Lissitzki, primeros diseñadores industriales soviéticos.)

El Vchutemas y la Bauhaus nacieron con poca diferencia en el tiempo, plantearon objetivos similares: fusión del arte con la artesanía, participación de los artistas en los trabajos de diseño, creación de talleres de producción. Hubo transferencia de ideas en una y otra dirección. En los años 20 El Lissitzki, visito varias veces la Bauhaus. En 1927-1928 tuvo lugar un intercambio de grupos de estudiantes. Malevich Visito la bauhaus y expuso sus cuadros y público en la serie de la bauhaus un libro.

1930 Resolución del gobierno se disuelve el Vchutemas y es reemplazado por una serie de institutos especializados. 1932 Stalin prohibió el arte y el diseño abstracto y planteo como única forma artística aceptada el realismo socialista.

Raymond Loewy, protagonista del diseño industrial estadounidense

En EEUU el diseño industrial comienza en la década del treinta y entre las figuras esta Raymond Loewy, arquetipo del diseñador del american way of life, y planteo y el mejoramiento del aspecto visual de los productos como argumento de venta. Con la mecanización la presentación o forma exterior de los objetos no respondían a requerimientos estéticos.

La gran depresión de los años 1929 – 1930 que conmociono a EEUU, produjo un decline económico generalizado y redujo notablemente este mercado. El problema era complejo y una de las soluciones era crear una demanda consumista.

Loewy nació en París, en 1919 terminada la guerra, emigra a EEUU y en NY encuentra trabajo como diseñador. Y decía que entre dos productos del mismo precio, función y calidad se venderá mejor el más bonito. Nace the american way of life en cuya consolidación Loewy tuvo un rol destacado. El hogar estado unidense, plagado de artefactos. Trabajo desde el gobierno, hasta con Coca Cola, Lucky Strike, Greyhound Bus, Shell, United Airlines, Quaker, Singer. Luego de la Segunda Guerra trabajo como asesor de la industria japonesa y del gobierno ruso.

Consideraba que la simplicidad del diseño es esencial, el principal objetivo debe ser no complicar la ya complicada vida del consumidor.

Fue duramente criticado por quienes adherían a la visión racionalista de la “gute form” alemana, pero no puede dejar de considerarse su planteo de que el buen diseño no solo debe ser integral y vendible por sus aspectos epidérmicos. De este modo se aleja de los que impulsaron los recursos el Styling.

La escuela de Ulm o HFG

La escuela superior de proyectacion (o diseño), fue una institución universitaria privada creada en Ulm (Alemania) en 1955 por Inge y Grete Sholl en memoria de sus hermanos Hans y Sophie, ejecutados por el régimen nazi. La idea de una institución dedicada a vincular la actividad creadora con la vida cotidiana se remontaba a 1946 cuando Inge Scholl pensaba la posibilidad de fundar un instituto de enseñanza e investigación que tuviera como objetivo colaborar en la reconstrucción cultural de una sociedad moralmente destruida por el nazismo y la guerra. En la posguerra, EEUU controlaba Alemania occidental, en ese contexto, Inge Scholl solicito a

EEUU una ayuda para la creación de una escuela que quería coordinar las diferentes áreas de la creatividad en una perspectiva de trabajo única y coherente. EEUU apoyo la propuesta de reconstrucción de una Alemania occidental fuerte, ligada al mundo capitalista y muro de contención de la expansión soviética.

Max Bill estuvo a cargo de la construcción del edificio que se terminó en 1955. El discurso inaugural lo pronuncio Gropius y la llamo Universidad de la Forma. Se extinguió a fines del 1968. Su primer rector fue Max Bill, ex alumno de la Bauhaus. Busco una orientación estético formal, más que productivista funcionalista, consideraba a la escuela de Ulm como una continuación de la Bauhaus. Aunque si bien puede considerarse una heredera de la Bauhaus, de la escuela no se entendió como una re-edición de la Bauhaus.

Desde un comienzo hubo divergencias que llevaron a Max Bill a renunciar como rector en 1956, y abandonar la escuela en 1957. Tomas Maldonado toma su lugar.

Max Bill: Planteaba una enseñanza basada en el ejemplo de la Bauhaus, en el cual el artista-diseñador desempeña un papel predominante en el desarrollo del producto.

Por otro lado: estaban los que buscaban hacer énfasis en la tecnología de los materiales, en la teoría y los métodos de producción, en la ergonomía.

Tomás Maldonado: Consideraba al diseño como un proceso sistematizable de manera científica y no intuitiva. Bajo su conducción, la escuela fue abandonando las directrices de Bill.

Se le amerita a la HFG haber puesto sobre el tapete a la problemática de la relación entre diseño y ciencia.

El Modelo Ulm: en las décadas del 60 y 70 tuvo una influencia decisiva en los planes de estudio de todas las escuelas de diseño del mundo. Hace hincapié en el papel de los métodos racionales fuertemente apoyados por conocimientos científicos y técnicos. Por otra busca por todos los medios hacer conscientes a los estudiantes de las implicaciones culturales y sociales de su futura profesión. Había voluntad de ligar la didáctica con la producción.

El estilo Braun: A mediados de la década del cincuenta se inicia una exitosa colaboración entre la HFG y la empresa Braun. Los trabajos de Otl Aicher, de Hans Gugelot y de sus alumnos pasa a ser la nueva serie de productos que desplazan totalmente los tradicionales de la empresa, nace así la famosa y exitosa línea Braun, con su estética Funcionalista. El estilo Braun es un ejemplo de búsqueda de la unidad en la unidad. El estilo Braun constituye un formidable banco de prueba para la concepción dela gute form, como alternativa al styling, es evidente que la gute form, acto de disenso según Bill, se hace de acto consenso, transformándose en estilo Braun.

Síntesis:

La escuela Ulm fundamento su accionar en la integración de la ciencia en el diseño. Fue el centro rector de la pedagogía científica del diseño. Su modelo pedagógico se basó en:

Reflexión sobre problemas, métodos de análisis y de síntesis. Elección y fundamentación de alternativas proyectuales. Disciplinas científicas y técnicas

Una estrecha relación con la industria. Se propuso redefinir el rol del diseño en la cultura moderna comprometiendo la

creatividad con su finalidad social.

El diseño industrial y su evolución

Styling, manipulación estético formal llevada a cabo en el diseño de objetos, sin que ello suponga un mejoramiento de su función técnica o de su utilidad.

El art nouveau marco un paso muy interesante, al hacer de la decoración algo intrínseco del objeto y no un agregado. Pero no contemplaba la producción en serie y a bajo costo. La solución, dentro de la vertiente europea llego a través del Werkbund, la Bauhaus y el Vchutemas. La relación entre las obras de arte y las formas utilitarias era estrecha, y fue entonces cuando se verificaron conocidos casos de analogías estilísticas.

En la Bauhaus y el Vchutemas se planteó en forma clara y neta la ruptura con los viejos esquemas vinculados a la producción artesanal, y bajo el lema del funcionalismo y racionalidad se gestó además de los factores estéticos y funcionales, los vinculados a la producción industrial.

Pero además de respetar los valores formales y cumplir la específica función para la cual han sido concebidos, tienen que satisfacer otros requerimientos, más próximos a la sensación de prestigio, de importancia social, de poder, de progreso y por otra parte llamar la atención del consumidor.

El Styling:

El styling fue establecido por la industria estadounidense para incentivar una actitud consumista en los usuarios. La grave situación económica de la crisis de 1929, obligo a empresas a apelar a todos los recursos para revertir la caída de las ventas. Los fabricantes advirtieron que el embellecimiento del aspecto exterior de un producto es una forma de estimular su compra. Hacerlo deseable para el consumidor, teniendo en cuenta la moda del momento, es lo que se llama styling, abarca el rediseño o modificación de un objeto en forma tal quede la impresión de un objeto nuevo.

El styling metodológicamente parte de la superficie del objeto y se queda allí mismo. Su principal objetivo es aumentar el valor de cambio del producto. El origen del styling está vinculado a la industria automotriz. Es una estrategia comercial que planteo la General Motors para arrebatarle a la empresa Ford el dominio del mercado automotriz.

Primeros diseñadores industriales americanos: Norman Bel Geddes, Walter Dorwin Teaue, Henry Dreyfuss, Raymond Loewy.

El surgimiento del styling en EEUU coincidió con el desmembramiento de la Bauhaus. Moholy Nagy paso a dirigir el Institute of Design de Chicago, Gropius se instala en el Illinois Institute of Technology. Los maestros de la Bauhaus fueron absorbidos por una sociedad capitalista y sus realizaciones no pasaron a ser reproducciones de las formas originales del movimiento alemán.

En 1938 tuvo lugar en el MOMA de Nueva York una exposición de la Bauhaus, esto produjo un enorme impacto en la cultura americana que en los años treinta está buscando una alternativa al styling. Y comienza a abrirse camino la idea de que ciertos objetos producidos por la industria pueden ser considerados de good design, objetos que por sus particularidades formales merecen ser considerados como ejemplares. Y surge un Concious design, en oposición al styling.

El estilo Aerodinámico (Streamlining)

Bajo la influencia del futurismo, que glorificaba la velocidad, y basado en investigaciones técnico-científicas orientadas a lograr superficies que ofrecieran la menor resistencia al avance para aplicarlas a realizaciones ingenieriles apareció el aerodinamismo o estilo aerodinámico que plantea la forma de Lágrima o de gota como la que más se adaptaba al concepto de velocidad.

Cuando este no está vinculado a una función, es una variante del styling. Las formas curvas características del estilo aerodinámico eran las más adecuadas para los objetos hechos de metal estampado o prensado, o de plástico moldeado. El uso del metal y el plástico estaba muy difundido entre las nuevas industrias de bienes de consumo en la década de los 30, a menudo se incluían trazos de acabado en cromo por motivos estratégicos o decorativos. Unos de los principales diseñadores que utilizaban esto fueron Norman Bel Geddes y Raymond Loewy.

Good Design

El good design y el estilo Bauhaus tienen la misma matriz. En los años cuarenta se desarrolla la concepción de la gute form, que es el equivalente europeo del good design americano. La gute form se presenta después de la segunda guerra mundial, como la única actitud de disenso frente al domino casi absoluto del styling.

El diseño escandinavo

Escandinavia, zona al norte de Europa que integran Dinamarca, Finlandia, Islandia, Noruega y Suecia. El amor a la naturaleza de sus habitantes, y su sentido de la igualdad social, las largas noches del invierno y los largos días del verano marcan no solo su visión del tiempo, sino también sus concepciones estéticas.

Los diseñadores buscan inspiración tanto en las delicias del mundo natural como en la idea de un hogar cálido y acogedor. 1919 sale la primera publicación sobre el modernismo y estética de la máquina, aunque ya desde 1880 ya se habían planteado la producción industrial.

Su expresión creativa se basa en criterios de simplicidad y belleza, y los productos industriales debían estar al servicio del pueblo en general y no solo de una elite. Planteaba como objetivo crear objetos utilitarios de bajo costo, para una sociedad fundada en la igualdad, la seguridad y el equilibrio. La estandarización de los productos industriales debía basarse en principios estéticos.

Existe la tendencia entre los diseñadores escandinavos a buscar en su obra un equilibrio ideal entre lo natural y lo artificial.

Surgió muy vinculado a los objetos cotidianos. El teléfono Ericsson de 1892. En 1933 sale el teléfono diseñado por Jean Heiber y fabricado por Ericsson que fue revolucionario, tenía una caja de Bakelita negra obtenida con un solo molde, que integraba los distintos elementos facilitando sensiblemente el montaje.

La tendencia a emanciparse de los estilos preindustriales, y la voluntad de buscar un lenguaje formal acorde con el nuevo estilo de vida y sobre todo con las nuevas tecnologías caracterizaron al diseño escandinavo.

En los años treinta Suecia incursiono en el campo de la industria automotriz y náutica, primero fue la fábrica volvo y luego Saab, fabricante de aviones y automóviles. Sus productos se caracterizan por su seguridad y elegancia de sus diseños.

Son característicos del diseño escandinavo los muebles de madera, material muy abundante n esos países, su utilización curvada y contrachapada permite formas orgánicas y flexibles y resistentes. Cabe señalar la lucha en contra del aprovechamiento incontrolado de los recursos y la gran importancia que se le da a la responsabilidad social del diseñador.

Alvar Aalto: Paimio Alvar Aalto

Arquitecto y diseñador más famoso de Finlandia, y uno de los principales pioneros del modernismo orgánico. Rechazaba la estética mecanicista de perfiles duros de la bauhaus y combinaba la suavidad de los materiales y las formas orgánicas con un enfoque industrial

La década del sesenta

La clave de esta década radica en las búsquedas de una ruptura del orden mundial establecido a través de una larga historia. Para que las nuevas generaciones comenzaran a construir el mundo del futuro.

Estados unidos consolido su hegemonía como país central luego de la segunda guerra mundial, quedando lejos del deterioro económico y moral. Comienza the american way of life, donde toda familia era propietaria de un auto aerodinámico y una casa muy confortable plagada de electrodomésticos.

La cultura de masas, de hábitos fuertemente consumistas, paso a ser un denominador común.

Dentro de este panorama la juventud comenzó a reaccionar contra las realidades del mundo industrializado. Se oponían a injusticias sociales y políticas belicistas, luchaban contra el modo de vida industrializado. Esto se debió al proceso revolucionario cubano, la resistencia del pueblo vietnamita, y las luchas de liberación del tercer mundo, ya que se convirtieron en fuerzas comprometedoras para que los jóvenes abandonen su postura conformista. Las figuras de los rebeldes jóvenes eran el che Guevara, Mao, Marx y Trotsky.

Desde las universidades, los estudiantes protagonizaron sus luchas por la transformación con movimientos y el Mayo Francés (1968).

La canción fue una herramienta para que los jóvenes buscasen realizar la revolución de otra manera, Los Beatles son una muestra de la capacidad de renovación y creatividad que tuvo la juventud. Joan Baéz y Bob Dylan impusieron canciones pacifistas en Woodstock.

Pop art

Las artes plásticas se convirtieron en un medio de denuncia o de evasión ante la pérdida de la humanización generada por el modo de vivir de una sociedad cada vez más materialista. Surge el POP ART, tiene su nacimiento en Gran Bretaña, y asume el rol crítico de la sociedad de masas, de los comportamientos individuales estereotipados y lo haces a través de obras que exaltan irónicamente lo consumido y admirado popularmente. El exponente principal de EEUU fue Andy Warhol.

Radical design o Anti diseñoEn el campo del diseño industrial los años sesenta también marcaron un periodo de cuestionamientos. En Italia los diseñadores comenzaron a reclamar la necesidad de redefinir el rol que les competía a los diseñadores en el vínculo con la industria. Reclamaba la necesidad de priorizar la creatividad, enfatizando los aspectos comunicativos de los productos por sobre los funcionales, técnico productivos y económicos. Sostenían que el diseño debía ir más allá de los requerimientos e intereses empresariales. Debían promover cabios en los comportamientos de los individuos, superando la concepción dogmática del diseño racionalista.

Silla Sacco, de Gatti, Paolini y Teodoro. Sillón Blow de De Pas, d’ Urbino y Lomazzi. Estos objetos informales, de colores estridentes y formas no tradicionales se emparentan con las propuestas artísticas del Pop Art. Uso industrial de materiales plásticos, renovación total de las tipografías y el mueble se continuó alejándose de la ebanistería.

En esta época se establecieron las bases para un nuevo modo de entender y proponer la relación producto / usuario y se realizaron importantes investigaciones que demostraron las ventajas de la aplicación de los nuevos materiales y las nuevas técnicas de producción. Se utilizaron tecno polímeros y se comenzaron a alejar los prejuicios sobre la imagen de los plásticos como materiales destinado a objetos baratos y descartables.

El diseño industrial en la posmodernidad

1972, en el MOMA se expuso el diseño italiano, donde impactaron con productos que relegan a un papel secundario su valor utilitario y los procesos de producción industrializados para priorizar los aspectos estético formales y simbólicos. Así se fue consolidando el Anti diseño, que buscaba superar las limitaciones impuestas por la doctrina funcionalista y el concepto de good design, y se construyó una férrea oposición hacia quienes consideraban que el diseño debía ser un medio para identificar una posición social.

Surgió como una alternativa de diseño influenciada por el Pop Art. Comenzaron propuestas que incursionan en el plano lúdico, relegando los condicionantes de fabricación y ergonómicos, convirtiéndose en muchos casos en la antítesis de lo que debe proponer un diseñador industrial.

LA POSMODERNIDAD es la consecuencia de la decadencia de la sociedad industrial y de transformaciones sociales, económicas y políticas.

Los grandes avances científico técnicos han promovido cambios sustanciales: en los procesos de producción, en los procesos de conocimiento, en las comunicaciones, en la noción de espacio y tiempo, incluso desde la bioingeniería se ha llegado a incursionar en un plano tan

discutible como lo es la generación de vida humana con métodos cada vez más alejados a la propia naturaleza del hombre.

Industria y diseño en Argentina

En Argentina, la industrialización comienza a fines del siglo XIX, en pleno apogeo del modelo económico agroexportador que tuvo gran vigencia hasta 1930, en la que se consolida el proceso de industrialización gracias a:

La corriente inmigratoria europea entre 1870 y 1910. El aumento del mercado interno. Las inversiones inglesas, red ferroviaria. El requerimiento de procesos de transformación industrial de materias prima para su

exportación. Las demandas de infraestructura y equipamiento para el labor agrícola.

El año 1930 señala el surgimiento de un nuevo modelo económico, el de la Industrialización Sustitutiva de Importaciones (ISI) debido a:

La depresión mundial de 1929 perjudico las relaciones económicas internacionales EEUU principal inversionista en Latinoamérica, desplazando a Gran Bretaña, Francia y

Alemania y perjudico la exportación de carnes y granos. Aumento en los aranceles para la importación que disminuyó notablemente las

posibilidades de Argentina para importar productos industriales.

De este modo comienza un acelerado desarrollo de la Industrialización. En la primer parte de este proceso (1930 a 1945) el desarrollo se concentró en bienes de consumo, electrodomésticos, metalurgia y elementos afines a la industria de la construcción. Desde 1945 hasta fines de la década del cincuenta por la Segunda guerra mundial la economía paso a ser cerrada, y comenzó el desarrollo de empresas estatales y de origen militar. A fines de la década del 50 debido al deterioro de la maquinaria y la imposibilidad de importar insumos para su reparación y la falta de infraestructura y medios económicos, se genera la apertura político económica que culmina con la instalación de empresas internacionales en el área de las industrias metalmecánica y petroquímica, dirigidas a la producción para el mercado interno.

En este período se destaca la Fábrica Militar de Aviones (FMA) y en 1931 construye el Ae.C.1, el primer avión de diseño y fabricación argentina, del cual se fabricaron 6 ejemplares. Esta empresa desempeño un rol importante en el crecimiento de la industria nacional.

Frente a la imposibilidad de importar materia prima, debido a la guerra, se decidió recurrir al empleo de maderas nacionales para las aeronaves. Se aumentaba su resistencia mecánica mediante el desarrollo de compensados con una nueva gama de adhesivos y procesos de prensado en caliente, se desarrollaron adhesivos que no se producían en el país. En 1945 se fabricó íntegramente de madera, el planeador de asalto Mañque, un monoplano de ala alta con capacidad para 15 hombres y armas.

De regreso a las construcciones mecánicas al término de la guerra, en 1947, se lanza el Pulqui I, el primer avión de propulsión a reacción de diseño y producción nacional.

En 1952 el Brigadier Juan Ignacio de San Martin transformo este centro de investigación, diseño y producción en un complejo industrial cuya producción estaba destinada a la población en general. Surge el complejo de Industrias Aeronáuticas y Mecánicas del Estado (I.A.M.E). En 1957 pasa a ser la Dirección de Fabricaciones e Investigaciones Aeronáuticas (D.I.N.F.I.A). Sus principales productos:

Los tractores pampa Motocicletas Puma Los vehículos utilitarios Rastrojero Automóviles Graciela

En 1954 se instala FIAT Concord y en 1955 Industrias Káiser Argentina (IKA) en Córdoba. En 1956 IKA lanza su primer automotor, un JEEP produciéndose durante este año 2400 vehículos.

Pioneros del Diseño industrial en Argentina fueron, Ignacio Pirovano, Cesar Janello y Antonio Bonet. Pirovano fue el primero que se preocupó por instaura la problemática del diseño como parte del accionar político. Janello realizo aportes en el campo de diseño de muebles, con un diseño funcionalmente práctico, de gran simplicidad formal y reducción de los componentes y los materiales empleados.

En 1939, el sillón BKF, Antonio Bonet, Juan Kurchan y Jorge Ferrari Hardoy. El departamento de Diseño de la Universidad de Illinois lo incluye entre los cien mejores diseños del mundo en 1958 y pasa a la colección del MOMA.

Maldonado planteo la transformación de la enseñanza del diseño a partir de una visión integradora donde el urbanismo, la arquitectura y el diseño industrial convergen como disciplinas del diseño ambiental, con un fuerte acento entre investigación y proyectacion.

Basilio Uribe crea en 1962 el centro de investigación de diseño industrial dependiente del INTI, con el objetivo de emprender acciones para la difusión y desarrollo del diseño industrial nacional.

Ricardo blanco, conocido internacionalmente como uno de los principales referentes del diseño argentino. En 1963 inicio su labor como diseñador especializado en mobiliario y grafica empresaria. En 1979 funda la oficina de diseño y realiza sistemas de equipamiento para diversos usos, escolar, hospitalario, bancos. En 1985 trabaja para la empresa MATERFER en el diseño del interior del coche motor liviano y en 1991 diseña el equipamiento del nuevo edificio de la Biblioteca Nacional. Crea la carrera de Diseño Industrial en Mar del Plata y en la Facultad de Arquitectura y urbanismo de la Universidad Nacional de Córdoba.

Kogan es el profesional que más aportes ha realizado en el campo del diseño con productos de bienes de consumo durables, electrodomésticos, iluminación, equipamiento, magiclick. En 1994 diseña una incubadora para terapia intensiva.

En los años 60 podemos destacar a Roberto Napoli, Hugo kogan, Ricardo Blanco y Mario Mariño.

En los 80 comienzan a surgir nombres como Eduardo Nasso, Alberto Arias, Van lierde, y Aróstegui entre otros.

Pero este panorama de desarrollo de las búsquedas de un diseño argentino no encontró un marco favorable en la economía argentina. Hacia fines de los setenta el país experimento un fuerte deterioro de su equilibrio externo debido a:

Debido a la dilución del modelo sustitutivo de importación por: Agotamiento de la demanda. Rápida expansión de la frontera tecnológica internacional debido

al descubrimiento de procesos y tecnologías de base microelectrónica.

Obsolescencia de parte del capital tecnológico. De carácter coyuntural:

Alza de las tasas internacionales de interés Caída de los términos del intercambio Racionamiento y franca disminución del financiamiento externo

1991 ley de convertibilidad que estableció el tipo de cambio nominal. Puso de manifiesto entre 1992 y 1993 signos de revitalización del aparato productivo. Pero a fines de los noventa, fuerte recesión con un alto índice de desocupación. Se perjudico la producción nacional y aumento la deuda externa.