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Composición de la imagen:
formatos
bloque 3
Pero, ¿qué es la Composición?
Es ordenamiento y estructura, es la organización de los elementos plásticos (punto, línea, plano, forma, textura, volumen, espacio, ritmo), en un:-Espacio-Soporte-Formato
Has pensado, ¿cuántas formas puede tener una
pintura?
En este bloque aprenderemos cómo influye el formato sobre la composición de una imagen.
Pero,¿qué es el formato?
Formato = la forma del
espacio en que está plasmada una imagen;
Formato = al tamaño absoluto o real de la imagen.
¿Qué funciones tiene el
formato?• Separa a la imagen de lo
que le rodea, es decir, la “encuadra”.
• Permite controlar la composición.
Las primeras imágenes fueron pintadas en cuevas,
o sobre muros de palacios,
tumbas, templos, etc.
Así, la forma de estas imágenes se adaptaba al lugar
donde eran pintadas.
Más tarde, las pinturas formaron
parte de retablos y altares
Y, finalmente, se hicieron en soportes independientes a fin de transportarlas y
poder colocarlas en cualquier sitio.
Tipos de Formatos
Regulares: - Rectángulos horizontales o forma apaisado- Rectángulos verticales o forma acartelado- Cuadrado- Circular- Ovalado
Irregulares.
casi siempre son rectangulares
James Abbott Mac Neill Whistler, Composición en gris y negro (Retrato de la madre del pintor), 1871, óleo sobre tela, Museo d’Orsay,París.
Cuando se realiza una imagen de formato rectangular hay que tener en cuenta dos aspectos:
• Su orientación• Sus proporciones
Por orientación se entiende si el lado más largo del rectángulo está colocado en el sentido
horizontal o vertical.
rectángulo horizontal
rectángulos horizontale
s
DEGAS fue un admirador de las jóvenes bailarinas del Ballet de la Ópera de París, a quienes pintó en cientos de obras, ya fuera mientras ensayaban o bien arriba del escenario. En la clase de danza capta tres momentos de la actividad que se vive al interior del salón. A la izquierda, en primer plano, una joven reposa extenuada sobre el piso, al centro, dos bailarinas conversan, y al fondo, el resto de la compañía ensaya algunos movimientos.
Edgar Degas (francés), La clase de danza, hacia 1879, óleo sobre tela, Galería Nacional de Arte, Washington.
La clase de danza
NICHOLSON desarrolló en su madurez artística un estilo caracterizado por el uso de formas geométricas puras, pocos colores aplicados en una gama amplia de tonalidades y por cierto lirismo, expresado a través de composiciones equilibradas y armónicas.
El artista decía que “cada movimiento de la vida humana se ve afectado por la forma y el color; (...) de manera que cuando un artista puede utilizar estos elementos libre y creativamente, puede convertirse en una influencia tremendamente potente en nuestras vidas”.
Ben Nicholson (inglés), Sirius March, 1964, óleo sobre tela, 109.5 x 221 cm, Museo de Arte Moderno, Teherán.
Sirius March
rectángulo
vertical
rectángulos
verticales
CORREGGIO representó en esta pintura el momento en que Ganímedes es sorprendido por Zeus en forma de águila, mientras su perro ladra la partida del amo. El formato estrecho y alargado fue bien aprovechado por el artista para transmitirnos una sensación de amplitud y espacialidad extraordinaria.
El ángulo en contrapicada nos permite divisar desde arriba el escarpado horizonte, mientras que en la parte superior del lienzo, el escorzo genera la ilusión de movimiento y ligereza.
Antonio Allegri, Correggio, (italiano), El rapto de Ganímedes, 1530, óleo sobre tela, 163.5 x 74 cm, Museo de Historia del Arte, Viena.
En la mitología griega, Ganímedes era un joven de la estirpe real de Troya, a quien algunos consideraban el más hermoso de los mortales. Un día, mientras cuidaba los rebaños de su padre, apareció Zeus en la forma de una enorme águila que lo atrapó para llevarlo al Olimpo, hogar de los dioses.
El rapto de Ganímedes
Caspar David Friederich (alemán), Viajero mirando por encima de la niebla, 1818, óleo sobre tela, 94.8 x 74.8 cm, Kunsthalle, Hamburgo.
FRIEDRICH intentó simbolizar en esta pintura el anhelo del hombre por alcanzar la vida eterna y la semejanza con Dios.
Ello explica que el pintor le haya dado una fuerza visual inusitada, basada en una composición depurada. En el centro de la pintura vemos a un hombre de espaldas que ha alcanzado la cima de una montaña, desde la que domina el paisaje matinal, con sus espesos bancos de niebla.
En su figura convergen todas las líneas diagonales de la obra, resaltando al hombre que ha logrado llegar a la meta última de su vida. Frente a él se levanta la gran figura cónica de otra montaña, a la cual observa.
Viajero mirando por encima de la niebla
aunque también las
hay cuadradas,
André Derain, Arlequín y Pierrot, c. 1924, óleo sobre tela, Museo de l’Orangerie, París
El cuadrado es una figura estable,
debido a que la longitud de su base y
altura son idénticas.
cuadrado
cuadrados
METSYS retrató en esta obra a un prestamista de la ciudad de Amberes, que en ese momento era la más rica de Europa, pesando cuidadosamente su oro y joyas. Junto a él está su esposa, quien voltea la mirada a la vez que se distrae de la lectura de un libro de oraciones.
El soporte, formado por dos tablas unidas, sirvió al artista para realizar un composición simétrica, a la que le imprimió cierto dinamismo al inscribir a los personajes dentro de un triángulo.
La balanza, las perlas, el espejo y la fruta, son tan sólo algunos de los varios símbolos de esta pintura.
Quentin Metsys (flamenco), El prestamista y su mujer, 1514, óleo sobre tabla, 71 x 68 cm, Museo del Louvre, París.
El prestamista y su mujer
TAMAYO era aún un pintor joven cuando realizó, entre los 20 y 30 del siglo pasado, varias naturalezas muertas caracterizadas por una paleta de colores sobria.
En esta obra reúne una serie de objetos: una cabeza de maniquí, una bocina, dos huevos y una tela, y los acomoda muy juntos y en distintas direcciones, de tal manera que formen un conjunto compacto y estático, que sigue el perímetro del formato
Blanco, grises y ocres aplicados con una pincelada gruesa acentúan la solidez de los objetos, lo que da gran plasticidad al conjunto.
Rufino Tamayo (mexicano), Naturaleza muerta, 1930, óleo sobre tela, 125,7 x 123,2 cm, Galería Enrique Guerrero, México D.F.
Naturaleza muerta
redondas...Circulares u Ovaladas
Sandro Botticelli, Virgen del Magnificat, c. 1485, témpera sobre madera, Galería de los Oficios, Florencia.
círculo
Si el centro es importante para el cuadrado, lo es aún más para el círculo, ya que todos los puntos de la imagen son equidistantes al mismo.
En diversas culturas, el círculo se ha asociado
con la idea de perfección y la
infinitud
círculos
OROZCO se inspiró en el mito de Prometeo para crear el mural de la cúpula del Hospicio Cabañas, punto culminante de su obra maestra.
Enmarcado por los brazos de varios hombres, aparece la figura del héroe que se eleva hacia las llamas, como símbolo de su conquista.
Los planos concénctricos y el escorzo de la figura dan una majestuosa sensación de profundidad y dimensión a esta composición circular, cuyo cierre abrupto, distorsiona y fragmenta el primer plano.
José Clemente Orozco (mexicano), El hombre en llamas, 1936-39, fresco, Hospicio Cabañas, Guadalajara.
El hombre en llamas
Robert Delaunay (francés), Contraste simultáneo: Sol y Luna, 1913, óleo sobre tela, 134.5 cm, Museo de Arte Moderno, Nueva York.
DELAUNAY realizó cerca de 22 pinturas en las que exploró las posibilidades de combinación simultánea del contraste de colores. Esta fue la primera de dicha serie, en la que ya no aparecen elementos figurativos sino únicamente manchas de colores moduladas.
Esta obra fue improvisada directamente sobre el lienzo y en ella predomina una estructura circular, generada por la yuxtaposición de colores complementarios que dan la sensación de movimiento.
Contrastes simultáneos: Sol y Luna
óvalo
El formato oval permite hacer composiciones más libres, ya que sus extremos se estrechan en los márgenes.
óvalos
BOUCHER recreó en esta elegante escena a una pareja de campesinos jóvenes que, absortos el uno en el otro, entrelazan sus brazos para beber vino.
El género pastoril al que pertenece esta obra llegó a ser muy popular, debido a que se inspiraba en el ideal de una vida sencilla, de feliz contacto con la naturaleza, en contraposición a la artificialidad de la vida cortesana. Este cuadro tuvo una finalidad decorativa, lo que le permitió al artista jugar libremente con la forma y la composición de la misma.
Este tipo de formato ovalado, también llamado tondo ovato, se obtiene trazando dos círculos entrelazados a partir de su centro.
François Boucher (francés), Escena pastoral, principios de 1730, óleo sobre tela,61 x 75 cm, Museo del Hermitage, San Petesburgo.
Escena pastoril
PICASSO sugiere en esta naturaleza muerta las formas de un violín, una guitarra, una mandolina, un metrónomo, así como unas partituras y un papel tapiz.
En apariencia, las formas semejan estar pegadas unas sobre otras, algo que no es casual dado que en ese entonces el artista también realizó varias obras utilizando la técnica del collage.
Pablo Picasso (español), Instrumentos musicales, 1912, óleo, yeso y aserrín sobre lienzo, 90 x 80 cm, Museo del Hermitage, San Petesburgo.
Instrumentos musicales
Picasso comenzó a experimentar con una nueva vertiente del cubismo a partir de 1912, en la cual los objetos ya no eran representados con volumen, sino sólo a través de líneas y planos de color superpuestos. A esta segunda fase se le conoce como cubismo sintético, que a diferencia del cubismo analítico es más decorativo y abstracto.
Hay incluso irregulares.
Formato irregular
Formatos
irregulares
“EL VERONÉS” fue el sobrenombre de Paolo Caliari, uno de los artistas venecianos más importantes del siglo XVI. En esta composición representó a la diosa romana de la agricultura, Ceres, haciendo un homenaje a la ciudad-estado de Venecia.
El formato respondió a un diseño previo del plafón y está constituido por un cuadrado y cuatro círculos; sin embargo, la imagen privilegia el centro, donde observamos a una mujer que personifica a Venecia, que está sentada sobre un estrado con un león a sus pies, símbolo de la ciudad. A su derecha se encuentra Heracles, y a su izquierda, Ceres rodeada de niños que portan espigas de trigo.
Paolo Caliari “el Veronés” (italiano), Ceres rinde homenaje a Venecia, 1575, óleo sobre tela, 309 x 328 cm,Galería de la Academia, Venecia.
Ceres rinde homenaje a Venecia
MONDRIAN buscaba la armonía entre forma y espíritu a través de la pintura. Su lenguaje pictórico se reducía a líneas rectas escrupulosamente dispuestas en el plano pictórico y a planos de colores primarios, siempre en equilibrio.En esta obra hace rotar el eje de un cuadrado para convertirlo en un rombo, más dinámico y abierto, que contiene en su interior los vestigios de otras figuras similares.
Piet Mondrian (holandés),Composición 1, 1925, óleo sobre tela,112 x 112 cm Kunsthaus, Zurich.
Composición 1
JEAN ARP participó en varios de los movimientos artísticos más importantes de principios del siglo XX.
Siendo un joven se unió al movimiento Dada, al interior del cual produjo varios relieves de madera pintada de diferentes colores y montados a manera de collage.
Las formas que utilizaba nos recuerdan a microorganismos. El extravagante título de la obra no guarda relación con su forma, tan solo pretende llamar la atención sobre la misma.
Jean Arp (francés), Zapato azul de dos talones volcado sobre una bóveda negra, c. 1925, madera intada, 75.3 x 104.6 x5 cm, Colección Peggy Guggenheim, Venecia.
Zapato azul con dos tacones dado la vuelta y puesto debajo de una bóveda negra
Dada fue un movimiento de espíritu anárquico que iba en contra de los valores tradicionales del arte. A los dadaístas les gustaba ser irracionales, absurdos y provocativos. Con el tiempo, dichas actitudes cambiaron para siempre la noción de arte.
¡Ahora ya sabes! ,¿cuántas formas puede tener una
pintura?