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FEBRERO Jueves 25 y viernes 26. Sala Pereda. 20:30 h.
Danza “KEMP DANCES: INVENCIONES Y REENCARNACIONES”
Idea y puesta en escena, Lindsay Kemp Colaboración coreográfica, Daniela Maccari Iluminación y coordinación técnica, David Haughton
Programa:
A la Sombra del genio: Salieri & Mozart Música de W. A. Mozart Mi vida Coreografía de Luc Bouy Música de Gregorio Paniagua, Francisco Tárrega, Arvo Part Recuerdos de una Traviata Música de Giuseppe Verdi, cantada por María Callas La mujer de rojo Música de Maurice Jaubert y Augusto Baldi Fragmentos del diario de Vaslav Nijinsky Música de Carlos Miranda El Cisne Música de Camille Saint Saens El Ángel Música de Giuseppe Verdi (Réquiem) Duración: 80 min. sin descanso
¿Qué es Kemp Dances? Kemp Dances, es una serie de “invenciones y reencarnaciones”, es decir nuevas creaciones mezcladas con algunas piezas clásicas recreadas y revisadas hoy. Un mosaico espectacular y emocionante de personajes y cuentos fantásticos, realizados en escena junto a sus colaboradores –nuevos y de hace tiempo‐ con un potente mix ecléctico de música y narración, y como siempre ocurre en las creaciones de este saltimbanqui del alma, hay elementos fijos pero siempre una reinvención constante de cuentos y gestos.
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En los años 70 y 80 Lindsay Kemp junto a la Lindsay Kemp Company escandalizaron y maravillaron a la vez, a la escena mundial con un cruce extraordinariamente heterodoxo de estilos, que mezclaban teatro, mimo y danza, tradición y experimentación, sutil ironía y potentes sensaciones.
Entonces (como ahora) la magia de los espectáculos de Kemp, giraban fundamentalmente entorno a su personalísimo carisma de intérprete, igualmente en papeles de mujer, hombre, marioneta o cualquier otro.
Su presencia en escena transcendía siempre cualquier género o categoría, como lo sigue haciendo hoy, superados los setenta años.
Continua con la narración de cuentos a través de su danza atemporal, sin edad y puede hacerlo porque las únicas reglas que debe seguir son las suyas y la única técnica que debe mantener intacta es la de trasmitir emociones. “Una inmovilidad cargada de emociones vale más que cien gestos mecánicos” afirma siempre Kemp.
El espectáculo ofrece desde una onírica identificación con Violetta y la Callas en Recuerdo de una Traviata, hasta un viaje al interior de la locura mística de Nijinsky, el legendario bailarín de Los Ballets Rusos… para finalizar con El Ángel, un alma que trasciende cualquier identidad para convertirse en el símbolo de la esencia humana, del renacimiento y de la esperanza.
Hay también dos nuevas piezas: Mi vida, creada por el gran coreógrafo belga Luc Bouy y La mujer de rojo.
Este nuevo espectáculo ofrece, como siempre, el hechizo de Lindsay Kemp con un lenguaje impactante y siempre accesible para todos. Es sobre todo una rara oportunidad para ver a un “monstruo sagrado” del teatro del siglo XX que ama, incendia y vuela todavía sobre los escenarios del siglo XXI. D.H. MARZO Miércoles 2 19:30 h. y jueves 3 10:00 y 12:00 h. Sala Pereda.
Campaña escolar. Teatro en inglés con música en vivo ROYAL FLUSH. SHAKESPEARE VS CERVANTES
Espectáculo dirigido a alumnos de ESO y Bachiller Duración: 75 min., sin descanso
Sinopsis
Kate y Bianca son las dos hermanas de La Fierecilla Domada cuya personalidad es opuesta, cuyos sueños están enfrentados y contrastadas su manera de ver la vida, pero ambas comparten el mismo obje vo, tener un futuro exitoso. Con este propósito las hermanas luchan por sus deseos sin darse cuenta que las decisiones que van tomando no están encaminadas a lograr sus sueños sino a complacer los de los seres que las rodean.
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A punto de tomar decisiones que cambiarán su vida reflexionan sobre el camino que han tomado y ven si aún lo pueden modificar.
La Ilustre Fregona muestra a las jóvenes la carencia de disposición de las mujeres en el siglo XVII y analizan cuánto de esa novela ellas cambiarían para que se adaptara a la mujer del siglo XXI; sin embargo, nuestras jóvenes protagonistas no son capaces de modificar su día a día y ven cómo las decisiones que toman son semejantes a las que cri caban de la obra cervan na.
Fusiona teatro y música en lengua inglesa por actores na3vos en una moderna versión de dos clásicos de la literatura universal: La Fierecilla Domada de W.Shakespeare y La Ilustre Fregona de M.Cervantes.
En un estudio de música se centra la acción de este novedoso montaje que aborda la Igualdad de género y los trastornos alimen cios y que desea conmemorar el 400 aniversario de la muerte de ambos célebres dramaturgos.
Viernes 4 y sábado 5. Escenario Sala Argenta. 20:30 h.
Teatro “LA PIEDRA OSCURA”, de Alberto Conejero
Con Daniel Grao y Nacho Sánchez
Dirección, Pablo Messiez Escenografía y vestuario, Elisa Sanz Iluminación, Paloma Parra Espacio sonoro, Ana Villa
Coproducción Centro Dramático Nacional y LAZONA
Duración: 60 min. sin descanso Inspirada en la vida de Rafael Rodriguez Rapun ‐estudiante de Ingeniero de Minas, secretario de la Barraca y compañero de Federico Garcia Lorca en los últimos anos de sus vidas‐, La piedra oscura es una vibrante pieza sobre la memoria como espacio de justicia y también sobre la necesidad de redención. Un texto en el que se aúnan tensión dramática y pulso poético para levantar interrogantes sobre la naturalización de nuestro paso más reciente y el destino de los olvidados en las cunetas de la Historia. Una habitación de un hospital militar cerca de Santander; dos hombres que no se conocen y que están obligados a compartir las horas terribles de una cuenta atrás que quizá termine con la muerte de uno de ellos al amanecer.
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Un secreto envuelto en remordimientos y un nombre que resuena en las paredes de la habitación: Federico. Queda tan solo la custodia de unos documentos y manuscritos como último gesto de amor. Viernes 11. Sala Pereda. 22.00 h.
El Palacio Canalla EL CABARET DE LOS HOMBRES PERDIDOS
Con Cayetano Fernández, Ferran González, Armando Pita y Ignasi Vidal
Dirección, Víctor Conde Libreto, Christian Siméon Música, Patrick Laviosa Adaptación texto y canciones, Jorge Roelas y Alicia Serrat Coreografía, Amaya Galeote Dirección musical, Marc Álvarez Escenografía, Daniel Bianco Iluminación, Juanjo Llorens
Duración: 95 minutos, sin descanso
El Cabaret de hombres perdidos es un musical de culto y transgresor que se representó por primera vez en el París, en el Teatro du Rond‐Point, París, el 7 de septiembre de 2006. En 2007 recibió el premio a mejor musical original (Les Musicals 2007); en los Premios Molière de ese mismo año estuvo nominado a mejor puesta en escena, y ganó los premios a mejor espectáculo musical y mejor autor. La obra también se representó en Viena a partir del 11 de febrero de 2009 y en Varsovia en 2010. El cabaret de los hombres perdidos está a punto de cerrar. El ruido de una carrera alerta a los personajes que se hallan en el Tatoobar. Un muchacho es perseguido, alcanzado, golpeado. Aun así logra escabullirse y entrar en el cabaré.Todavía no sabe que esa persecución, le ha llevado a una nueva forma de vivir. Dentro le están esperando el Destino, un tatuador y Lullaby, que le curarán las heridas y escenificarán cómo puede ser su futuro. El muchacho quiere ser cantante, pero la oferta que recibe es diferente.
Cuando no sabes cómo continuar, cuál debe ser el siguiente paso. Cuando la vida te ha maltratado y crees que todo se ha terminado. Atención, lo único que no puedes perder es la esperanza. Queda un lugar al que puedes acudir: El Cabaret de los Hombres Perdidos. Allí te aguarda el destino, con uno o más caminos a elegir. El amor, lo sórdido, lo bello, lo divertido. La ilusión a corto plazo, los errores, el dinero fácil, la
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traición, los sueños hechos realidad y el ver cómo se desvanecen. La subida y la caída. La risa y el llanto. La música y el silencio. La vida y la muerte.
Ignasi Vidal (Javert en Los Miserables, Bestia en La bella y la bestia) como Destino: Armando Pita (Thenardier en Los Miserables, Lumiere en La bella y la bestia) como Tatuador; Ferran González (Mierda de artista, Pegados) como Lullaby, y Cayetano Fernández (Pluto) como Dicky, protagonizarán el musical, que será dirigido por Víctor Conde (Pegados, Los Miserables, The Hole 2).
El 30 de julio de 2012 la obra se estrenó en Argentina, en el Teatro Molière de Buenos Aires, permaneciendo en cartel hasta octubre de 2014. Éxito de crítica y público, entre otros recibió seis premios Hugo, incluido el Premio Hugo a lo mejor de la Temporada 2012‐2013. Sábado 12. Sala Argenta. 20.30 h.
Música Clásica LA CETRA BAROCKORCHESTRE BASEL Magdalena Kožená, Mezzo‐Soprano Andrea Marcon, Dirección Musical y clave Ondřej Havelka, Puesta en Escena
La Cetra Barockorchestre Basel
Violín
Eva Saladin Johannes Frisch Viola
Katya Polin Violoncello/Viola de Gamba
Daniel Rosin Amélie Chemin
Violone
Federico Abraham Laúd/Tiorba/Guitarra barroca Daniele Caminiti Josías Rodríguez Gandara Clave
Johannes Keller Andrea Marcon
Programa: “Con che soavi accenti”
Parte I
Marco Ucellini “Aria Quinta sopra la Bergamasca a tre” de Sonate, arie e correnti op. 3 (1642) (1603‐1680)
Claudio Monteverdi “Disprezzata Regina” (Ottavia ‐ Act I, Sc. 5) de L'Incoronazione di Poppea SV 308 (1642) (1567‐1643)
Tarquinio Merula “Sonata XXIV, Ballo detto Pollicio” de Canzoni overo sonate concertante per chiesa e camera op. 12 (1637) (1595‐1665)
Claudio Monteverdi “Addio Roma! addio Patria! Addio amici! “ (Ottavia ‐ Act III, Sc. 1) de L'Incoronazione di Poppea, SV 308 (1642)
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(1567/1643)
Dario Castello “Sonata XV a quattro” de Sonate concertate in stil moderno, libro segundo (1629) (1590/1658)
Luciano Berio Sequenza III para voz femenina (1925/2003)
Marko Ivanovic “Ariana has a problem” (1976‐ )
Parte II
Biagio Marini “Passacaglio a quattro” de Per ogni sorte di strumento musicale diversi generi di sonate, da chiesa, e da camera op. 22 (1629) (1594/1663)
Claudio Monteverdi “Il combattimento di Tancredi e Clorinda” de Madrigali guerrieri ed amorosi ... libro octavo (1638) (1567/1643)
Duración: Parte I (36 min.), descanso, Parte II (42 min.)
La voz aterciopelada y cálida de la gran mezzo Magdalena Kožená será la protagonista de esta sesión. En compañía de unos expertos en música italiana de los siglos XVII y XVIII como son La Cetra Barockorchester Basel y Andrea Marcon, se desgranarán las inflamadas pasiones descritas por los padres de la ópera moderna (Monteverdi y Cavalli). El público se verá seducido por la magia de esta voz imprescindible del firmamento operístico.
La Cetra Barockorchester Basel fue fundada en Basilea en 1999 y toma su nombre del título de la colección de Antonio Vivaldi de los conciertos para violín opus 9, que apareció por primera vez en 1727 en Amsterdam. " La Cetra " se refiere a la mítica lira de los antiguos cantantes, sobre todo de Orfeo y Apolo.
La Cetra se hizo un hueco rápidamente en los escenarios internacionales como uno de los principales conjuntos de la práctica interpretativa histórica. Los éxitos en importantes festivales internacionales y una amplia gama de retransmisiones y producciones de CD documentan el desarrollo dinámico de la orquesta. Los músicos son principalmente graduados de la Schola Cantorum Basiliensis, el "centro de entrenamiento de élite" suizo de la música antigua.
Más allá de esta relación personal, el conjunto también mantiene una intensa colaboración con el departamento de investigación de la Schola Cantorum Basiliensis, que permite que el proceso de creación musical vaya acompañado de los últimos avances de la investigación musicológica. Una serie de fascinantes descubrimientos musicales dan fe de este enfoque (Brescianello, Venturini, Paisiello). El repertorio abarca
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desde las óperas de Monteverdi de principios del siglo XVII hasta las grandes obras sinfónicas del siglo XIX. Dependiendo de los requisitos, el conjunto funciona con una serie de directores invitados de renombre (incluyendo, por ejemplo, Jordi Savall, René Jacobs y Gustav Leonhard) o con la interacción directa de música de cámara.
En 2009 Andrea Marcon fue nombrado director artístico de la orquesta. En última instancia, todos los esfuerzos sólo sirven para un solo propósito: dar vida a la música de antaño para la gente de hoy en día, en interpretaciones vitales, emocionantes y actualizadas
Magdalena Kožená nace en la ciudad checa de Brno, estudia canto y piano en el Conservatorio de la misma ciudad y más tarde con Eva Bláhová en la Academia de las Artes Escénicas de Bratislava. Ha sido galardonada con varios premios nacionales e internacionales. Su culminación la alcanza como laureada en el Sixth International Mozart Competition en Salzburgo en 1995.
Firma por Deutsche Grammophon en 1999 e inmediatamente su primer álbum de arias de Bach sale al mercado con el sello de Archiv. Graba el álbum de canciones
de Dvořák, Janáček y Martinů en 2001 que es galardonado con el Gramophone’s Solo Vocal Award. Es nombrada Artista del Año por Gramophone en 2004, ganando numerosos premios desde entonces, incluyendo el Echo Award, Record Academy Prize, Tokyo, y Diapason d’or. La mayoría de las versiones recientes de las grabaciones con la Deutsche Gramophon incluyen 'Prayer' para voz y órgano con Christian Schmidt (2014) y “Love and longing” con la Filarmónica de Berlín y Sir Simon Rattle (2012).
Kožená ha trabajado con muchos de los principales directores del mundo: Claudio Abbado, Pierre Boulez, Gustavo Dudamel, Sir John Eliot Gardiner, Bernard Haitink, Nikolaus Harnoncourt, Mariss Jansons, James Levine, Sir Charles Mackerras o Sir Roger Norrington. Ha sido acompañada en sus recitales por los más distinguidos pianistas: Daniel Barenboim, Yefim Bronfman, Malcolm Martineau, András Schiff y Mitsuko Uchida, con quien ha realizado conciertos en el Carnegie Hall, Wigmore Hall, Alice Tully Hall, Concertgebouw de Amsterdam, y en los festivales de Aldeburgh, Edimburgo y Salzburgo.
Kožená ha cultivado técnicas de interpretación historicista en colaboración con conjuntos como English Baroque Soloists, the Gabrieli Consort and Players, Il Giardino Armonico, Les Musiciens du Louvre, the Orchestra of the Age of Enlightenment, Venice Baroque Orchestra and La Cetra, Basel.
A su vez, es invitada regularmente por las Filarmónicas de Berlín, Viena y República Checa y las orquestas de Cleveland, Philadelfia y Royal Concergebouw. En abril 2014 cantó la Pasión según San Juan de Bach en el Baden‐Baden Festspielhaus con la Filarmónica de Berlín y durante el mismo año se unió a la orquesta para una gira con la Pasión según San Mateo de Bach, incluyendo actuaciones en el Festival de Lucerna, BBC Proms y Carnegie Hall.
Kožená debutó en el Festival de Salzburgo en 2002 como Zerlina en Don Giovanni y regresó en 2013 como Idamante, papel que también ha cantado para el Festival de Glyndebourne, Berlín y Lucerna. Kožená hizo su
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primera aparición en el Metropolitan Opera de Nueva York en 2003 como Cherubino de Mozart en Le nozze di Figaro y, desde entonces, ha sido invitada regularmente. Cantó Zerlina para la gira de la compañía del Metropólitan en Japón en 2006 y regresó a Nueva York para cantar el papel principal en la producción de Jonathan Miller, de Debussy Pelléas et Mélisande en 2010/11.
Viernes 18 y sábado 19. Sala Pereda. 20:30 h.
Teatro “El pequeño poni”, de Paco Bezerra Con María Adánez y Roberto Enríquez
Diseño Gráfico, B Art Fotografía, Luis Malibrán Ayudante de dirección, Hugo Nieto Vestuario, Almudena Rodríguez Música, Luis Miguel Cobo
Dirección, Luis Luque
Duración: 90 minutos, sin descanso
Este texto está inspirado en los hechos reales sucedidos en Carolina del Norte en el año 2014.
A Grayson, un niño de nueve años de edad, tras sufrir varios ataques físicos y verbales, le fue prohibida la entrada al centro escolar en donde estudiaba por llevar, colgada a sus espaldas, una mochila de Mi pequeño poni. La dirección del colegio consideró “detonante de acoso” el hecho de que Grayson acudiera a clase acompañado de la mochila de sus dibujos animados favoritos, acusándole de haber provocado “disrupción en el aula”. Esta obra está dedicada a Grayson y a todos los niños y niñas que, como él, han sufrido insultos y agresiones físicas en el ámbito escolar sin que absolutamente nadie a su alrededor haya hecho nada para evitarlo. A día de hoy, la escuela se defiende alegando que nunca tuvieron intención de agredir a Grayson, sino que fue una estrategia para detener el acoso. Un mes antes, en el mismo estado, un menor intentó suicidarse porque, al igual que a Grayson, sus compañeros de clase también lo acosaban por ser fan de Mi pequeño poni. Tras divulgarse la historia, los padres de Grayson consiguieron, además de numerosos apoyos a través de Internet, miles de firmas para solicitar que pudiese volver de nuevo a la
escuela con su mochila y sin que le acosasen. La página de Facebook Support For Grayson, en la que, a día de hoy, miles de personas mandan apoyo al chaval, y le dedican a diario imágenes de sus personajes de dibujos animados favoritos, es prueba de ello.
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Según varios estudios realizados entre menores de 11 a 15 años, el 11% de los niños encuestados admitieron haber realizado un intento de suicidio al menos una vez en su vida. De esta forma, el suicidio se convierte en la cuarta causa de mortalidad entre niños de 10 a 14 años, y la tercera en mayores de 15, habiéndose llegado, incluso, por esta misma causa, a reportarse suicidios entre niños de hasta 7 años de edad.
La que se ha convertido en protagonista inesperada de esta lucha contra el bullying, la famosa serie de animación My Little Poni, dedica paradójicamente en la actualidad sus capítulos a la magia de la amistad y los valores del compañerismo.
Paco Bezerra y Luis Luque
Sábado 19. Sala Argenta ½ formato. 17:00 h.
El Palacio con los niños ‐ Danza CÍA. ARACALADANZA “Vuelos”
Con Jimena Trueba Toca, Jonatan de Luis Mazagatos, Jorge Brea Salgueiro, Nadia Vigueras Moreno y Raquel de la Plaza Húmera Idea y dirección, Enrique Cabrera Coreografía, Aracaladanza Asistentes, Carolina Arija Gallardo Composición música original, Luis Miguel Cobo y Mariano Lozano P. Ramos
Espectáculo de danza para niños y niñas a partir de 5 años.Duración: 55 min., sin descanso
Después de inspirarse en Miró, Magritte y El Bosco, la compañía Aracaladanza, se adentra en la imaginación del genio visionario de Leonardo de Vinci. Las máquinas de Leonardo, sus diseños, sus planos así como su pintura y escultura son el punto de partida de la inspiración para un trabajo escénico en el que la prestigiosa compañía Aracaladanza, Premio Nacional de Teatro para la Infancia y la Juventud, explora el sueño universal del Hombre: poder volar.
La doble visión de la realidad experimentada por el artista del Renacimiento ‐ sabido es que Leonardo escribía de derecha a izquierda ‐ ofrece posibilidades escénicas que, mediante espejos, cobrará vida en ‘Vuelos’.
Los autómatas tendrán también cabida en el montaje escénico en el que el vídeo, proyección de la imaginación, será protagonista.
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Sorprendidos y admirados, Aracaladanza pretende con este nuevo espectáculo ‐ tras su trilogía basada en artistas plásticos, que ha girado por todo el mundo ‐ dar alas a la imaginación con el impulso creador que multiplicó, sin tregua, el hombre renacentista interesado por todos los campos del saber y la creación. Domingo 27. Sala Argenta. 19:00 h. ATENCIÓN AL HORARIO
Música Clásica
Elin Skorup, soprano Anna Zander Sand, mezzosoprano Mikael Stenbaek, tenor Joakim Schuster, bajo Solistas del coro Eric Ericson: CAMERATA CORAL DE LA UNIVERSIDAD DE CANTABRIA JOVEN ORQUESTA DE CANTABRIA DIEGO MARTIN ETXEBARRÍA, director
Parte I
W. A. Mozart :Sinfonía n. º 29 en la mayor, K. 201/186ª Parte II
W. A. Mozart : Gran Misa n. º 17 en do menor, K. 427/417ª Duración: Parte I (29 min), descanso, Parte II (59 min)
La Joven Orquesta de Cantabria: JOSCAN, nace en 2011 como proyecto artístico‐educativo patrocinado por la Consejería de Educación Cultura y Deporte de la Comunidad de Cantabria. En esta ocasión, junto con la Camerata Coral de la Universidad de Cantabria dirigidos por el maestro Diego Martin, nos ofrecerá un concierto con dos grande obras de Mozart, la Sinfonia 28 y la Gran Misa en do menor.
El creciente interés de muchos jóvenes en adquirir una formación musical que, paralelamente a sus estudios oficiales en los Conservatorios, les permita complementar la formación orquestal e instrumental a aquellos/as que aspiren a una actividad profesional en un conjunto sinfónico, ha tenido como consecuencia el nacimiento de este proyecto que cubre el vacío que existía
en esta Comunidad en un aspecto tan importante para cualquier futuro profesional de la música.
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Junto a la necesaria dimensión pedagógica del proyecto, la JOSCAN pretende, en la medida de lo posible, contribuir a enriquecer la vida musical de la Región.
La Orquesta, compuesta en su mayoría de alumnos/as de Enseñanzas Profesionales y Superiores de Cantabria, desarrolla su formación a través de Encuentros de carácter intensivo. En ellos, los/as estudiantes reciben clases y ensayos seccionales, orquestales y de cámara bajo la tutela de profesores/as de reconocido prestigio profesional, y que aportan una amplia experiencia orquestal.
Con un futuro ilusionante, la JOSCAN pretende consolidarse como uno de los proyectos educativo‐musicales más interesantes de la Comunidad, fruto de la colaboración entre la Consejería de Educación, Cultura y Deporte; el Festival Internacional de Santander, y los tres Conservatorios Profesionales de la Región. Camerata Coral De La Universidad De Cantabria Director: Raúl Suárez García Maestro repetidor: Javier Galende García
Camerata Coral de la Universidad de Cantabria lleva más 40 años interpretando música de los más diversos estilos.
Es obra suya el estreno en el siglo XX de obras de los maestros de capilla de varias catedrales: José de Nebra, Enrique de Villaverde, Jerónimo de Carrión, Miguel de Irízar, Juan Ezequiel Fernández, Manuel Ibeas, Miguel de Ambiela, Cristóbal de Medrano (Magister Cantabriensis) y, en especial, Juan Antonio García de Carrasquedo, primer maestro de capilla de la Catedral de Santander. También ha estrenado obras del s. XX como la grabación de la música incidental para Madre Prometeo del compositor Juanjo Mier, así como el estreno en España en 2006 de la Messe Solennelle de Jean Langlais.
En su haber están los programas dedicados a la música sacra de la familia Bach, al primer Clasicismo alemán, a la música coral del Romanticismo, a las Antífonas para la Coronación de Haendel y la Theresienmesse de Haydn, al madrigal Renacentista, a la música de San Marcos de Venecia, al Coral Protestante, a los Cancioneros del Barroco Español, a la música del Barroco virreinal, Misa Kv 192 de Mozart, Music for the funeral of Queen Mary de H. Purcell, Gloria de J. Rutter, Magnificat de J. Willcocks, Missa del Papae Marcelli de G.P. Palestrina, Misa O magnum mysterium de T.L. de Victoria...
Entre las agrupaciones que han colaborado con la Camerata están la Camerata Musicale de Basilea, The Baroque Orchestra of The Royal Collage of Music, Les Nations de Ámsterdam, Pro Mvsica Antiqva de
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Madrid, la Orchestre Baroque de Montauban, la Orquesta de Cámara Arriaga de Bilbao, la Orquesta Sinfónica de Asturias, la Orquesta Sinfónica de RTVE así como prestigiosos solistas.
Diego Martin Etxebarría, Director
Ganador del 1º Premio, el Premio Hideo Saito y el Premio Asahi en el 17º Concurso Internacional de Direcció nde Tokio, comenzó sus estudios musicales en los Conservatorios de Amurrio y Vitoria y se graduó en Dirección de orquesta en la Escola Superior de Música de Catalunya. Becado por la Fundación Humboldt, La Caixa‐DAAD y la AIE ha cursado estudios de postgrado en dirección de ópera en las Hochschulen de Weimar y Dresden así como en la Academia Chigiana de Siena. Otros maestros relevantes en su formación han
sido David Zinman, Gianluigi Gelmetti, Dima Slobodeniouk, Jesús López Cobos, Bruno Aprea o Lutz Köhler.
Ha trabajado como director asistente en la JONDE, la ópera de Bilbao (ABAO) con Riccardo Frizza y Donato Renzetti, en el Teatro Real de Madrid y en el Stadttheater Bern, en ambos casos con Titus Engel y en la Semperoper de Dresden, de nuevo con Riccardo Frizza. Director musical de la Euskadiko Ikasleen Orkestra del País Vasco en 2007 y 2008 y de la Akademisches Orchester Freiburg entre 2010 y 2012, ha sido invitado por numerosas orquestas como la Orquesta Sinfónica de Bilbao, la Orquesta Sinfónica de Euskadi, la Orquesta Sinfónica de Galicia, la Orquesta Sinfónica de Tenerife, la Orquesta Ciudad de Granada, la Erzgebirgische Philharmonie Aue, la Vogtland Philharmonie, el Ensemble der Sächsischen Gesellschaft für Neue Musik, la Camerata Variabile de Basilea, ABRIL Viernes 1 y sábado 2. Sala Pereda. 20:30 h. Teatro “César y Cleopatra”, de Pau Miró
Con Ángela Molina, Emilio Gutiérrez Caba, Ernesto Arias y Olivia Molina
Vestuario, Juan Sebastián Iluminación, José Manuel Guerra
Dirección y espacio escénico, Magüi Mira
Duración: 120 min., sin descanso
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César & Cleopatra, la erótica del poder, el poder de la erótica. En el limbo de la eternidad Cesar y Cleopatra, dos de los mayores hitos del poder y la seducción, de la erótica del poder y del poder de la erótica, se reencuentran en 2015. Dos amantes, dos cómplices, dos aliados, dos formas de ejercer el poder, como hombre y como mujer, se enfrentan o se suman.
Desde su perspectiva de hoy recuerdan, ironizan y debaten sobre lo que vivieron y lo que han visto suceder en el mundo desde aquel lejano día de su muerte. Unas veces rescatan lo que en sus bocas pusieron los poetas, y otras vuelan en libertad por
situaciones que la Historia ha relatado con mayor o menor verdad. En sus recuerdos se ven a sí mismos en su momento real vivido hace más de dos mil años.
Dos Cesares, el eterno y el real, y dos Cleopatras, la eterna y la real, se entregan a un apasionante juego, a un combate a cuatro, donde lo que fue, lo que pudo ser y no fue, lo que hubieran hecho de volver a vivir y lo que de ninguna manera quisieran repetir genera un conflicto lleno de humor y emoción. Los cuatro recorren desiertos, palacios, ríos y mares transportándonos mágicamente en sus divinas alas.
Una propuesta bella y salvaje, divertida y dramática. La música, la danza y la luz sirven de armas y de artes a cuatro grandes actores que van a hacer gozar y pensar al espectador con el más puro teatro… Magüi Mira
Miércoles 6 y jueves 7. Sala Pereda. 10:00 y 12:00 h.
Campaña escolar ‐ Danza CÍA. DANZA ALBERTO PINEDA “Aquí y ahora”
Dirección y coreografía, Alberto Pineda Asesoramiento artístico / creación actoral, Nacho Fernández
Bailarines, Pablo Venero, Bea Sales y Alberto Pineda
Colaboración especial, Rosa Nuñez Fotografía, Jorge Cembranos Música original, Laulhate Vestuario, Trinidad Castillo
Espectáculo dirigido a alumnos de secundaria y bachillerato.
Duración: 55 min. sin descanso
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Un segundo que con su movimiento construye un minuto, para llegar a la hora, iniciando un viaje hacia el pasado para atrapar el momento perdido. Es la historia del tiempo, de un segundo, un minuto, una hora, cruciales para el destino.
Encaminada la huida hacia el pasado, el regreso al estado placentero de lo vivido es un salto reparador de la conciencia por lo no logrado. Es el tiempo infinito hecho a medida para el futuro, para saltar al vacío de lo que ahora será conseguido. Antes de que den las doce, aquí y ahora, empieza a contar el tiempo, el momento, el movimiento.
El espectáculo está estructurado en tres partes. El tiempo transcurre hacia el pasado a partir de la llegada a un garaje cualquiera, se aparca el presente para ir en busca del tiempo perdido.
Viernes 8. Sala Pereda. 20:30 h. Recital ROSA GOITIA & JAVIER LABOREO, PIANO A CUATRO MANOS “De puerto a puerto”
Programa: Música argentina para piano a cuatro manos
Parte I
Astor PIAZZOLLA: “Milongas y Tangos” (1921 ‐ 1992)
Parte II
Saúl COSENTINO: “El Nuevo Tango” (1935 ‐ )
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…… “ajuste sin fallos y un programa acertado, claves del recital pianístico a cuatro manos … he aquí un dúo de sólida formación, con perfecto ajuste en el balance” así define a estos dos músicos cántabros el crítico Ricardo Hontañon. En este concierto nos ofrecerán un recorrido por la música latinoamericana como eje central
Rosa Goitia Nalda inició sus estudios musicales con Antonio Rubio y Alicia Alonso, en Santander, su ciudad natal. Posteriormente en Madrid con Jose Mª Colóm y en Bilbao con Javier Hernández y Pilar Suárez.
Llevada por su decisión de especializarse como pianista de repertorio, conoce en 1994 a Félix Lavilla quien cobra una importancia vital en la consolidación de su carrera.
A partir del año 1996 y hasta 1999 es la repertorista del Palacio de Festivales en la temporada lírica, trabajando con los
directores de orquesta Miguel Ortega, Kamal Khan, Renato Palumbo, Marco Armiliato, etc..Compagina su actividad concertística con la pedagogía, impartiendo cursos como repertorista en distintos certámenes y Festivales internacionales de música. Ha sido la repertorista de cursos impartidos por el bajo Roberto Scandiuzzi en Santander.
Ha actuado en importantes festivales y fundaciones entre las que destacan: Festival Internacional de Santander (F.I.S.), Fundación Botín, Palacio de Festivales de Santander, Universidad de Oviedo, Festival de Monsaraz (Portugal), Auditorio de Cuenca “Festival Martín Codax”, Fundación Pedro Barrrié (La Coruña), Fundación García Cabrera (Tenerife), Centro Cultural Caja Cantabria, Instituto Cervantes (Conservatorio de Atenas), Embajada Española en Berna (Suiza) etc......
Javier Laboreo Ballarín nació en Zaragoza, donde inició sus estudios musicales si bien amplió estudios de perfeccionamiento en el Aula de Música de la Universidad de Alcalá de Henares (Madrid) y en San Sebastián.
Paralelamente a su carrera como concertista de piano, centra especial atención al repertorio de la música de cámara, colaborando con diversos instrumentistas, coros, orquestas, etc. Interesado, también, por la vinculación de la música con otras artes, ha colaborado en espectáculos relacionados con la poesía, el teatro, la danza, el cine y las artes plásticas.
Su actividad docente le lleva a dedicarse al estudio de la pedagogía pianística en particular y al estudio de la pedagogía de la educación musical en su sentido más amplio. Ha ofrecido conciertos e impartido cursos de interpretación pianística en España, Francia y Holanda. Es socio fundador de la Asociación Aragonesa de Intérpretes de Música (A.A.I.M.) y entre 1995 y 2000 fue profesor de piano y director de la Escuela Municipal de Música y Danza de Zaragoza. Desde el año 2000 es
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profesor de piano y pianista acompañante en el Conservatorio Profesional de Música “Ataúlfo Argenta” de Santander, donde también es el responsable del Taller de Música Imaginaria. Sábado 9. Sala Pereda. 17:00 h.
El Palacio con los niños – Teatro CÍA. MARIE DE JONGH‐TARTEAN TEATRO “Amour”
Con Ana Meabe, Andurina Zurutuza, Ana Martinez, Javi Renobales y Pablo Ibarluzea
Director, Jokin Oregi Directora Artística, Elisa Sanz Iluminación, Xabier Lozano Espacio Sonoro, Pascal Gaigne
Espectáculo dirigido para público familiar
Duración: 50 minutos, sin descanso AMOUR, es un espectáculo teatral de gran formato dirigido a toda la familia que nos hace reflexionar sobre la delgada línea que existe entre la desafección y el amor incondicional. Un canto al encuentro entre diferentes, una llamada a liberarnos de los prejuicios.
El amor siempre nos da una oportunidad.
Unos niños juegan en el país donde todo empieza. Se afanan en descubrir el mundo transformando su universo. Imitan a los mayores, con audacia y desenfado. Se atreven a amar sin saber cuál es su verdadero significado. No dudan en enemistarse antes, incluso, de encontrar la palabra odio en sus bolsillos.
Saben de olores, piel, caricia, abandono, refugio, deseo. No saben del tiempo. Y de pronto, han transcurrido más de sesenta años. Ahora, envejecidos, sacan de los bolsillos multitud de palabras que caen como hojas marchitas. Saben de olores, piel, caricia, abandono, refugio, deseo. Y, paradójicamente, no dudan en enemistarse cuando ya conocen el verdadero significado de amar. Saben del tiempo. Lo que no saben es que el amor siempre nos da una oportunidad.
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Sábado 9. Sala Argenta. 20:30 h. +Palacio ‐ Humor DANI MATEO “Desencandenado”
Duración: 100 min., sin descanso 10 años dan para mucho. No es el caso… Lo único que este ARTISTA (en el sentido más popular del término… Ya saben: “Ay, ARTISTA! Qué bien te lo montas!” Ese tipo de ARTISTA…) ha hecho en la última década es EL IMBÉCIL.
Noche Sin Tregua, Nuevos Cómicos, Sé Lo Que Hicisteis, Anda Ya, El Intermedio, Yu No Te Pierdas Nada, El Club de la Comedia e infinidad de teatros (donde niegan conocerle.
Si es cierto que la vida nos reserva a todos un destino, el día que nació él la vida estaba de coña.
Y a eso se dedica el figura: a la coña, la risa, la guasa y el descojono. ¿Sobre qué asuntos? Pues de todo un poco: la vida, la muerte, el sexo, el porno (no confundir con el sexo), el amor (no confundir con el sexo), la vida en pareja (no confundir con el sexo ni con el amor), las mascotas, Dios o la madre que lo parió (la
primera sorprendida de su éxito).
Ésta es la crónica de un viaje a través del tiempo (perdido) y del espacio (vacío) que conforman la rutilante (ni siquiera sabe qué significa esto) carrera de un ARTISTA con mayúsculas.
Porque como dijo un sabio: “El que intenta vivir sin trabajar es un idiota, pero el que lo consigue es un genio”.
Y sí. Es lo que parece. El chiste más brillante de esta sinopsis ni siquiera es suyo. Lo que yo les decía: un ARTISTA. Vayan a verle! Daño no les va a hacer…
Dani Mateo por Dani Mateo
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Viernes 15 y sábado 16. Sala Pereda. 20:30 h. Teatro “Reina Juana”, de Ernesto Caballero
Con Concha Velasco
Gerardo Vera, director, Concha Velasco se ha metido en la piel de mujeres únicas, como Santa Teresa o Hécuba, y ahora volverá a encarnar a otra mujer fascinante, Juana la Loca, en un monólogo escrito por Ernesto Caballero, que dirigirá Gerardo Vera. El monólogo es un oratorio que Caballero presenta en el momento que la reina sabe que va a
morir y hace una confesión en la que repasa toda su vida.
“Tengo una ilusión tremenda, estoy segura que va a ser uno de los personajes más importantes de mi vida. Ahora no paro de estudiar, me levanto a las 6 de la mañana para leer y me doy cuenta de lo poco que sé de historia, Juana la Loca es la gran desconocida“, explica la actriz.
“A media que iba escribiendo el monólogo y viendo la cara y los gestos del personaje iba pensando en Concha, porque necesitaba que el personaje tuviera vitalidad y alegría, deseo de reinventarse y de dejar las mazmorras, y eso solo lo podía hacerlo una actriz inmensa como es Concha Velasco” argumenta Ernesto Caballero.
“Ahí aparece un personaje que va más allá de las etiquetas, como la de ser un icono de la locura por amor ‐precisa Ernesto Caballero‐. Fue una persona fascinante, muy sensible y culta con valores del Renacimiento, hablaba latín, francés, era música. Nació fuera de lugar y de su tiempo”.
Para el dramaturgo, Juana la Loca fue “objeto de linchamiento, como podría serlo hoy en las redes sociales. Se la condenó a una muerte civil a partir de la utilización interesada de sus brotes o arrebatos” dice.
“Estuvo manipulada por su padre Fernando el Católico, por su marido Felipe el Hermoso y después por su hijo Carlos V”, precisa Caballero, quien subraya que la ficción le ha permitido especular y crear una figura a partir de una peripecia vital compleja que hace ver a un personaje “valiente y único, a una reina sola, un personaje que no se ajustó a los parámetros sociales de lo que se esperaba de ella”.
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Miércoles 20, jueves 21 y viernes 22. Sala Pereda. 10:30 h.
Campaña escolar ‐ Musical ESCUELA ARTES ESCÉNICAS DEL PALACIO DE FESTIVALES DE CANTABRIA “Matilda. Nuestro musical” Espectáculo dirigido a alumnos de Infantil, primaria y secundaria.
Si aún no sabes quién es Matilda, te invitamos a conocer la increíble historia de una inteligente niña, a quien le encanta leer y aprender y a la que sus despreocupados y mezquinos padres no valoran. Más bien la desprecian por no ser el reflejo de su ordinarez y su desidia. Cansada de esta situación decide vengarse con ingeniosas y divertidas trastadas; pero ellos para deshacerse de su incómoda presencia la envían al colegio que dirige la perversa Srta. Trunchbull. Allí conocerá a una dulce profesora y… si quieres saber qué le sucede a nuestra protagonista ¡Ven a descubrirlo!
Con este musical completamos una trilogía de montajes que giran alrededor del mundo infantil. Annie, Oliver, Matilda son historias de tres niños que en tres épocas muy diferentes, logran sobrevivir en un mismo mundo hostil. Y esa conquista de un futuro propio es su identidad común. Si al talento de Roald Dahl (autor de maravillosas historias como Charlie y la fábrica de chocolate, El dedo mágico o El gran gigante bonachón), se le añade el genio del músico, compositor y actor australiano Tin Michin, obtendremos un musical elogiado por la crítica y premiado con numerosos galardones en Londres y
Broadway. Deseamos que disfrutéis con nuestra puesta en escena tanto como nosotros durante su producción.
Roberto Pérez Gallegos
Viernes 22. Sala Argenta. 20:30 h.
Recital SERGIO DALMA Gira ‐ Dalma‐
Dirección musical y pianos, Jorge Villaescusa
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Guitarras y voces, Jorge D’Amico y Oliver Martín Bajo, José Vera Batería, Cristian Constantini Percusiones y voces, Alicia Araque
Duración: 90 min., sin descanso Sergio Dalma presenta en directo su nuevo trabajo discográfico “Dalma” el álbum que hace el número 17 en una atareada y ejemplar carrera artística.
Una vez más Sergio Dalma vuelve a demostrar ser un tipo valiente, adentrándose en nuevos retos y aventuras, sumergiéndose en territorios a priori alejados de su registro para hacerlos suyos de forma y manera sorprendente en el mejor álbum de su carrera. Un álbum grabado íntegramente en España, producido por Pablo Cebrián, que recoge una colección de canciones heterogéneas pero conectadas por la reinvención mágica de la voz de Sergio Dalma, sin duda una de las más personales y reconocibles voces del panorama musical latino americano en los últimos 25 años. En este Dalma Tour el artista ofrecerá a su público en directo una selección de su nuevo álbum así como emblemáticos temas que le han acompañado durante estos 25 años en los
escenarios.
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Jueves 28. Sala Argenta. 20:30 h.
Danza ISRAEL GALVÁN “La edad de oro”, 10º Aniversario
Baile Israel Galván
Guitarra, Alfredo Lagos Cante, David Lagos Coreografía, Israel Galván Dirección artística, Pedro G. Romero (Máquina P.H.) Sonido, Pedro León
Duración: 75 min. sin descanso Israel Galván de los Reyes, Premio Nacional de Danza 2005 en la modalidad de Creación, concedido por el Ministerio de Cultura, “por su capacidad de generar en un arte como el flamenco una nueva creación sin olvidar las verdaderas raíces que lo han sustentado hasta nuestros días y que lo constituye como género universal”, En 2012 se le concedió el Bessie Award for an Outstanding Production, de New York, y la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes concedida por el Consejo de Ministros.
En el flamenco, como en todas las artes, historiadores, especialistas y críticos han ido definiendo progresivamente unos periodos de referencia a los que han llamado La Edad de Oro.
La Edad de Oro del flamenco corresponde al periodo que va del último tercio del siglo XIX al primer tercio del siglo XX. Esta Edad de Oro se refiere principalmente al cante y al baile, ya que la guitarra tardaría aún muchos años en desarrollar su auténtica valía.
Desde este punto de vista ningún cantaor o bailaor de hoy, salvo casos excepcionales, podría igualar en calidad, pureza y creatividad, a
aquellos que, llevando el flamenco a su apogeo, han firmado esta Edad de Oro. Habría, desde entonces, un declive de los cánones formales del arte flamenco tal y como quedó establecido en esa época dorada. Empobrecimiento, simplificación, mestizajes y fusiones, así como pérdida de contenidos, de sentido y del espíritu que animaba a este arte. Con David Lagos, cantaor que atesora con mimo los cantes de las épocas doradas, y Alfredo Lagos, joven guitarrista, hermanos y de Jerez, tierra natal del flamenco, Israel Galván se amarra a las referencias buscando la aproximación a los cánones, para tirar la edad en provecho del oro, el oro del tiempo presente que se muestra ante nuestros ojos, ante nuestros sentidos.
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Israel Galván de los Reyes, Premio Nacional de Danza 2005 en la modalidad de Creación, concedido por el Ministerio de Cultura, “por su capacidad de generar en un arte como el flamenco una nueva creación sin olvidar las verdaderas raíces que lo han sustentado hasta nuestros días y que lo constituye como género universal”, En 2012 se le concedió el Bessie Award for an Outstanding Production, de New York, y la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes concedida por el Consejo de Ministros.
Hijo de los bailaores sevillanos José Galván y Eugenia de Los Reyes, desde los cinco años vive de manera natural los ambientes de tablaos, fiestas y academias de baile a los que acompaña a su padre. Pero no es hasta 1990 que encuentra su vocación por el baile.
En 1994 entró a formar parte de la recién creada Compañía Andaluza de Danza dirigida por Mario Maya, comenzando una trayectoria imparable jalonada de importantes premios del flamenco y la danza.
Ha realizado numerosas colaboraciones en proyectos de muy distinta índole y con artistas muy dispares, entre los que destacan como referentes en su carrera Enrique Morente, Manuel Soler y Mario Maya, sin olvidar a Sol Picó, Pat Metheny, Vicente Amigo, Alfredo Lagos, Manuela Carrasco, Lagartija Nick, Fernando Terremoto, Miguel Poveda, Diego Carrasco, Gerardo Nuñez, Belen Maya, Chicuelo, Joan Albert Amargós, Diego Amador, Arcángel, Inés Bacán, Estrella Morente…
Sábado 30. Sala Pereda. 17:00 h.
El Palacio con los niños ‐ Teatro CÍA. LA BALDUFA TEATRO “Pinocchio”
Premio al Mejor Espectáculo, Feria de FETEN 2015 Premio a la Mejor Dirección, Feria de FETEN 2015
Autor, Carlo Collodi Adaptación, La Baldufa ‐ Enric Blasi, Emiliano Pardo y Carles Pijuan
Con Enric Blasi, Emiliano Pardo y Carles Pijuan
Técnico en escena, Miki Arbizu
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Dirección, Jokin Oregi y La Baldufa Música, Óscar Roig
Coproducción Théâtre du Cloître, Scène Conventionnée, Festival National de Bellac Colaboració ICEC ‐ Generalitat de Catalunya e INAEM ‐ Ministerio de Cultura
Edad recomendada para niñ@s a partir de 6 años
Duración: 55 min sin descanso Pinocchio es la historia de un niño libre, sin prejuicios ni complejos, desobediente y travieso, pero, a la vez, ingenuo, muy ingenuo. Geppetto, con el instinto protector de un padre, intenta velar por su educación. En cambio, Pinocchio, desobediente, se verá inmerso en diversas aventuras, que le harán crecer y madurar como persona hasta acabar extenuado y, prácticamente… con un final sorprendente. Ésta es una interpretación que La Baldufa hace del texto original de Carlo Collodi.
Papel y madera se ponen a disposición de la historia para conseguir una propuesta versátil y muy orgánica a partir de la que podremos sumergirnos en el imaginario de un niño‐títere. Un cuento que permite reflexionar sobre valores como la educación, el esfuerzo, la responsabilidad y la sinceridad.
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MAYO Sábado 7. Sala Argenta. 20:30 h.
Danza BALLET NICE MEDITERRANÉE Director Artístico Éric Vu‐An “Coppelia”
Ballet en dos Actos Musica, Léo Delibes Coreografía, Eric VU‐AN. D’aprés Saint Léon et Aveline Luces, Patrick Meeus con la participación de Éric Vu‐An Diseño y realización de vestuario, les ateliers de la Opéra Nice Côte d’Azur
Duración: 120 min., con descanso
El Ballet de la Ópera de Niza se creó en 1947 bajo la dirección de Pierre Pasquini, y desde entonces se ha convertido en una reconocida compañía europea. En esta ocasión presentan uno de los titulos clásicos del repertorio “Coppelia” bajo la dirección de Eric Vu‐An. Ballet Nice Mediterranee Dirección artistica, Eric Vu‐An
El Ballet de la Ópera de Niza se creó en 1947 bajo la dirección de Pierre Pasquini, teniente de alcalde de la época, y como primera maestra de ballet, Madame Françoise Adret. Hasta 1959, a petición de la Ópera, la dirección del ballet contrata coreógrafos así como estrellas invitadas incluyendo a Claire Motte, Youly Algaroff, Claire Sombert, Lyane Daydé, Josette Amiel, John Gilpin, etc.
La compañía se colocará sucesivamente bajo la dirección de Lycette Darsonval, Jean Pierre Ruffier, Tony Pardina Martine Parmain Marc Ribaud y Eleonora Gori. Después de un paréntesis de varios años, el municipio deseaba restaurar su reputación en la danza y optó por dar un nuevo
impulso a la compañía de la Ópera de Niza con la participación de Eric Vu‐ An como director artístico. Con su llegada el 1 de septiembre del 2009, la compañía toma un nuevo impulso y pasa a convertirse en el Ballet Niza Méditerranée. Para servir mejor al gran repertorio y a la nueva visión artística, se crean ocho plazas para bailarines solistas en la temporada 2009 /2010.
Colaboran con otras estructuras culturales y coreográficas, como el Departamento de la CNRR Danza y la Escuela Superior de Danza de Cannes Rosella Hightower, así como el Monaco Dance Forum.
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El nuevo Ballet Niza Méditerranée fue invitado a actuar en Mónaco en diciembre de 2009 como parte de la conmemoración del Centenario de Rusia, Sergei Diaghilev Ballets. En la ciudad de Niza destaca la temporada de danza en el inicio del verano, en el Théâtre de Verdure, donde jóvenes tienen la oportunidad de bailar en proyectos educativos creados para ellos. Los intercambios con otras compañías de danza y las giras nacionales e internacionales son los objetivos de Ballet para los próximos años.
Las primeras representaciones de esta nueva compañía se llevaron a cabo en 2010 en la Opéra de Nice Côte
d’Azur, frente a una gran audiencia con un programa homenaje a los ballets rusos. También en 2010, entraron en el repertorio de la compañía Cantate 51 de Bejart, La Campanella de Mancini y Viva Verdi y Marco Polo de Cannito. El Ballet Niza Méditerranée interpreta Don Quijote y Coppelia para la temporada navideña de 2010 y 2011, obteniendo un gran éxito. También actúa anualmente en el Teatro Nacional de Niza, y Cimiez Gardens Theatre. La recuperación de Pas de Dieux de Gene Kelly, que no había sido programado desde hacía 50 años en Francia y fue rescatado por Claude Bessy obtuvo una gran atención mediática; así como el estreno mundial de Oceana coreografiada por Lucinda
Childs.
Eric Vu‐An Director artístico del Ballet Nice Méditerranée
En 1974 comienza sus estudios en la Escuela de Ballet de la Ópera de París tras ser descubierto su inmenso potencial por Claude Bessy, director del ballet de la Ópera. También asistió a cursos de Rita Thalia, Yves Brieux, Robert Bertonso, Jacqueline Finaert. En 1979, con solo15 años de edad, forma parte del cuerpo de ballet de la Ópera de París.
Rápidamente, Éric Vu‐An es conocido por su interpretación poderosa y sensible de los grandes papeles clásicos (Don Quijote, Giselle, El lago de los cisnes, El corsario, Romeo y Julieta...) así como en obras de George Balanchine, Serge Lifar, Michel Fokine, Nijinsky,
Jerome Robbins y John Neumeier que le permiten expresar la diversidad de su talento.
Fue partenaire de grandes artistas como Rudolph Nureyev, Noella Pontois, Sylvie Guillem, Elisabeth Maurin, Carla Fracci, Yvette © Lagerfeld Chauviré, Marie‐Claude Pietragalla Monique Loudières, Manuel Legris, Vladimir Vassiliev, Dominique Kalfouni, Alessandra Ferri, Zizi Jeanmaire, o Heather Parisi. Carolyn Carlson, Alvin Ailey, William Forsythe y Spoerli, entre otros, crean grandes papeles para él, pero con Maurice Béjart la experiencia será crucial. Entre los muchos papeles que ha interpretado, Arepo marca un punto de inflexión en la vida y carrera de Éric Vu‐An. La controversia entre Nureyev y Béjart le privará en esta ocasión del título de primer bailarín de la Ópera de París. A partir de entonces la carrera de bailarín de Éric Vu‐An es la de un artista independiente. Fue invitado en varias grandes compañías y viajó por el mundo para participar en eventos de prestigio. Regresa a París en 1987 con una reputación de bailarín estrella, adquirida en importantes escenarios internacionales y junto a los principales coreógrafos.
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Éric Vu‐An es un artista múltiple: su trabajo como actor junto a Didier Sandre en El martirio de San Sebastián de Béjart tuvo una gran aceptación. Como cantante actúa en un dueto con Zizi Jeanmaire en Canciones de amor de San Valentín de Roland Petit.
Jueves 12 , 20:30 h, viernes 13 18:00 y 22:00 h., sábado 14 17:30 y 21:30 h. y domingo 15 16:30 y 20:30 h. Sala Argenta. Musical
MAMMA MIA!!!
Música, Benny Andersson & Björn Ulvaeus Libreto, Catherine Johnson Diseño de Producción, Mark Thompson Diseño de Iluminación, Howard Harrison Diseño de Sonido, Andrew Bruce & Bobby Aitken Supervisor Musical, Material Adicional y Arreglos, Martin Koch Diseño de Vestuario y Coreógrafo, Anthony Van Laast Directora, Phyllida Lloyd Traductor de canciones, Albert Mas Griera Traductor de libreto, Juan Martínez Moreno Diseñador de Escenografía Asociado, Jonathan Allen Diseñadora de Vestuario Asociada, Lucy Gaiger Diseñadora de Iluminación Asociada, Pia Virolainen Diseñador de Sonido Asociado, Poti Martin Supervisor Musical Asociado, Seann Alderking Director Musical, Arnau Vila Coreógrafa Asociada, Nichola Treherne Director Internacional Asociado, Paul Garrington Director Residente, Daniel Anglès Supervisión Técnica, Henk Van Gielpen & Moiséis Robles Productora Ejecutiva, Mariana Gómez Cora
Producido en España por Joop Van Den Ende & Julia Gómez Cora
Con Nina, Olga Hueso, Eva Diago, Albert Muntanyola, Nando González, Paul Berrondo, Clara Altarribia y Carlos Solano.
Duración: 2horas y 45 min., descanso incluido
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Una madre, una hija, tres posibles padres y una boda para el recuerdo… Es la sinopsis de Mamma Mia!, uno de los musicales más exitosos y divertidos que ha dado Broadway y que regresa al Palacio con Nina en el papel protagonista. La artista catalana vuelve a ponerse en la piel de Donna, convirtiéndose en la actriz que más veces ha interpretado el personaje principal de esta comedia en todo el mundo. Una historia sobre la familia, el amor y la amistad que transcurre en el paraíso de una isla griega y que tiene como hilo conductor las pegadizas e inolvidables canciones de ABBA, como Chiquitita, Dancing Queen, Knowing Me Knowing You, Mamma Mia o Money Money Money. Sin duda, es una buena oportunidad para ver de nuevo este gran musical que ha enamorado a más de
54 millones de espectadores en todo el mundo o para descubrirlo por primera vez; un buen plan para disfrutar entre amigos, madres e hijas, en pareja o en solitario. ¿Te vas a resistir? Jueves 19 de mayo. Sala Pereda. 22:00 hs El Palacio Canalla Celtic Music THE HIGHLANDERS – Cruce de caminos
El grupo Highlanders es fundado en el año 2014 por los músicos Borja Feal y Eduardo Andérez con el propósito de tocar música del arco atlántico, colaborando actualmente el músico Joansa Maravilla en la resolución de los temas en directo.
Entre Enero y Marzo de 2015 graban su primer disco de estudio ''Cruce de Caminos'' donde fusionan los sonidos celtas tradicionales y contemporáneos con instrumentos ajenos a la tradición celta como son la tabla india, percusiones orientales y mediterráneas, banjo, ukelele y nickelharpa.
El disco ha sido producido, grabado, mezclado y masterizado en los estudios Ibiosón de Santander por Angel Santiago y ha sido publicado
por el sello discográfco OCA RECORDS.
En Mayo de 2015, presentan el disco en el Palacio Euskalduna de Bilbao antes un aforo de 2000 personas donde comparten escenario en una gala con Chenoa y The Quarrymen (grupo primigenio de The Beatles).
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Viernes 20 y sábado 21. Sala Pereda. 20:30 h. Teatro “Páncreas”, de Patxo Telleria
Con Fernando Cayo, Alfonso Lara y José Pedro Carrión
Escenografía, José Luis Raymond Iluminación, José Manuel Guerra Vestuario, María Luisa Engel Música original, Miguel Linares
Dirección, Juan Carlos Rubio
Duración: 70 min “No falta de nada en esta disparatada historia de tres amigos, número impar también, como nuestro esquivo órgano segregador de insulina, glucagón y somatostina. Solo que aquí los segregados son Jose Pedro Carrion, Fernando Cayo y Alfonso Lara que a golpe de confesión nos irán sirviendo un fresco sobre la condición humana.
Páncreas es un título corto, críptico y anatómico. Busco en el diccionario y me entero de que es un órgano impar que ocupa una posición profunda en el abdomen y que, dado que es muy difícil de palpar, sus procesos tumorales tardan en ser diagnosticados. Vaya, el misterio acompaña a este proyecto. Pero he aquí que me tropiezo con el subtítulo: Tragicomedia de vida y muerte o como juega a veces la suerte. ¿Páncreas es tragedia, comedia, vida, muerte, juego y suerte? Sí. No falta de nada en esta disparatada historia de tres amigos, número impar también, como nuestro esquivo
órgano segregador de insulina, glucagón y somatostina. Solo que aquí los segregados son Santiago Ramos, Fernando Cayo y Alfonso Lara que a golpe de confesión nos irán sirviendo un fresco sobre la condición humana. ¿Qué somos capaces de hacer por alguien querido? ¿Hasta dónde llegaría nuestra generosidad? ¿Hasta el páncreas? Puede que en lo más profundo, ahí dónde no se puede palpar, se instalen ocultos sentimientos y deseos sin diagnosticar. Y todo esto en verso. Como lo leen. Patxo Tellería se lanza a las aguas de la rima. No se pierdan nuestro Páncreas. ¿Hay algo más íntimo que les podamos ofrecer?
Juan Carlos Rubio
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Sábado 28 20:30 h. y domingo 29 18:00 h. Sala Argenta.
+Palacio ‐ Magia VII FESTIVAL EUROPEO DE LA MAGIA Y LO VISUAL. SANTANDER CREATIVA Gala internacional. Los mejores magos del mundo. Dirección, Raúl Alegría La gala internacional del Festival Europeo de la Magia y lo Visual pone sobre el escenario una selección de algunos de los mejores magos del mundo.
Caracterizándose por una presentación diferente y teatral bajo la dirección de Raúl Alegría que hace de este espectáculo un show moderno del siglo XXI, por su variedad, por su puesta en escena y la diferenciación de los números de ilusionismo que la forman: Quick Change, grandes ilusiones, magia cómica y poética, en los diferentes actos venidos de diferentes partes del mundo, haciendo de ella el evento mágico del año. Un espectáculo para sorprender y divertir a toda la familia. JUNIO Viernes 3. Sala Argenta. 20.30 h.
Música clásica MIGUEL TRÁPAGA, guitarra ORQUESTA DE EUSKADI OLIVER DÍAZ, director
Programa En torno a la guitarra
Parte I: ‐Claude Debussy Prélude à l'après‐midi d'un faune ‐Leo Brouwer Concierto núm. 9 de Benicassim ‐Frank Martin Guitare Parte II: ‐Joaquín Rodrigo Concierto de Aranjuez
Duración: Parte I 43 minutos, descanso, Parte II 21 minutos Uno de los más reconocidos músicos de Cantabria Miguel Trápaga, acompañado por la Orquesta de Euskadi, nos ofrecen un concierto con obras de autores como Debussy, Brower para concluir con una de las grandes piezas para guitarra de la música española, El concierto de Aranjuez del maestro Rodrigo
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Orquesta de Euskadi
Euskadi es cultura, ancestral y contemporánea. Es música, tradicional y de vanguardia. En ese contexto, promovida y desarrollada desde el Departamento de Cultura del Gobierno Vasco, la Orquesta Sinfónica de Euskadi nace en
1982 [Decreto 62‐1982] en una sociedad en la que la música es un bien compartido, un rico patrimonio del que la Orquesta es depositaria y asume al mismo tiempo el compromiso de divulgarlo y fomentar su desarrollo. Así, la Orquesta de Euskadi es hoy una formación sinfónica de referencia a nivel estatal, tanto cualitativa como cuantitativamente, ya que se trata de una agrupación enormemente asentada en su comunidad, con 7.000 abonados y una media de 150.000 espectadores anuales; una orquesta de su tiempo, con un altísimo nivel de exigencia y firmemente comprometida con la difusión de la música sinfónica de todas las épocas, pero que atiende con especial énfasis a la creación y expansión de la música vasca, tanto dentro como fuera de nuestras fronteras.
Desde que Enrique Jordá asumiera como asesor artístico la batuta de una recién nacida formación y dirigiera sus primeros pasos, diversos directores han sido los responsables de hacer crecer en calidad y proyección a la Orquesta de Euskadi. En la actualidad Jun Märkl es Director Titular y Andrey Boreyko es Principal Director Invitado. Andrés Orozco‐Estrada, Gilbert Varga y Cristian Mandeal, Mario Venzago, Hans Graf, Miguel Ángel Gómez Martínez, Matthias Kuntzsch, Maximiano Valdés y el propio Jordá, quien fuera director honorífico, han regido el destino de la Orquesta en su trayectoria ascendente.
Miguel Trápaga nació en Cantabria (España) en 1967. Estudió en los conservatorios “Ataúlfo Argenta” de Santander y en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid con Javier Canduela y Demetrio Ballesteros respectivamente. Ha recibido clases de José Tomás, Miguel Ángel Girollet, Manuel Estévez, José Luis Rodrigo, David Russell, Leo Brouwer y, especialmente, de Gerardo Arriaga.
Fue becado por la Fundación Marcelino Botín de Santander, Juventudes Musicales de Madrid y por la Fundación La Caixa de Barcelona; obteniendo premios en los siguientes concursos: Concurso “Arturo Sanzano”, 1988; Premio Extraordinario Fin de Carrera en el Conservatorio Superior de Música de Madrid, 1990; Concurso Permanente de Juventudes Musicales de España, 1992; XVI Concurso Internacional de Guitarra “Andrés Segovia, Palma de Mallorca, 1993; III Great Lakes Guitar Competition, Oberlin ‐ Ohio (EEUU), 1994 y en el XII International Solo Guitar Competition (Guitar Foundation of America), Quebec, (Canadá), 1994.
Ha grabado, entre otras, para Radio Nacional de España, Canal Clásico de Televisión Española, Antena 2 de Portugal, ABC de Australia, BBC... Así como el CD "Antología de Compositores de Cantabria" editado por la Fundación Marcelino Botín de Santander. Ha participado en dos CDs dedicados a la música para guitarra de Federico Moreno‐Torroba, en otro con obras del compositor cubano Leo Brouwer, y en un disco junto al violinista Alexander Detisov con obras de Mauro Giuliani, publicados todos ellos por el sello Opera Tres. Su
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última grabación es un Homenaje a Andrés Segovia que contiene obras de Joaquín Turina, Castelnuovo Tedesco, Ponce, Tansman, Moreno‐Torroba y Albert Harris.
Actualmente es profesor de guitarra del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, y habitualmente imparte cursos de perfeccionamiento en España y en el extranjero (Festival Internacional de Guitarra de Canarias, Universidad de Panamá, Academia Frederic Chopin de Varsovia, Massey University en Wellington, Festival Internacional de Guitarra Kukulcán de México, Escuela Municipal de Música de Sao Paulo, Universidad Mahidol en Bangkok, Universidad de Melbourne...).
Oliver Díaz, director Director musical del Teatro de La Zarzuela de Madrid y titular de la Barbieri Symphony Orchestra, BSO.
Entre 1998 y 2001 se estableció en Baltimore, Estados Unidos, para cursar estudios en el Peabody Conservatory of the John Hopkins University, alternando su aprendizaje con el cometido de maestro correpetidor y asistente en la ópera de la universidad, así como del coro Peabody Singers.
En agosto de 2000 promueve el «New Millennium Internacional Piano Festival» en colaboración con Julian Martin, a quien dirige en concierto junto a otros solistas de prestigioso relieve como Boris Slutsky, Blanca Uribe, Stephen Prustman o Jenny Lin, y funda la Orquesta Sinfónica Millennium, embrión de la futura Orquesta
Sinfónica Ciudad de Gijón, de la que cogió las riendas en febrero de 2002.
Ese mismo año conseguiría ser el primer músico español –y único hasta la fecha– seleccionado, admitido y premiado con la beca «Bruno Walter» de dirección de orquesta para estudiar en la neoyorkina Juilliard School of Music con maestros de la talla de Otto Werner Mueller, Charles Dutoit o Yuri Temirkanov.
Dueño de un extenso repertorio que abarca desde el barroco hasta los tiempos contemporáneos, ha dirigido conciertos en España, Portugal, Francia, Alemania, Rumanía, Estados Unidos y Latinoamérica siendo invitado por la Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias, Orquesta Sinfónica de la Comunidad de Madrid, Oviedo Filarmonía, Real Filharmonía de Galicia, Orquesta Sinfónica de Bilbao, Orquesta Sinfónica de Córdoba, Orquesta Sinfónica Gradus ad Parnasum, Orquesta Sinfónica de Aproarte, New Ámsterdam Symphony, Targu Mures Philharmonic Orchestra, Cluj Philharmonic Orchestra, Sibiu Philharmonic Orchestra, Concert Artist de Baltimore y Orquesta Sinfónica Ciudad de Lima, entre otras muchas.
En el terreno operístico ha conducido con afianzada solvencia «Lucia di Lammermoor», «Aida», «La traviata», «Rigoletto», «La bohème», «Tosca», «Madama Butterfly», «Carmen» y «El barbero de Sevilla» en distintos auditorios y coliseos.
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Jueves 9. Sala Pereda. 22:00 h.
El Palacio Canalla CÍA. DANIEL ABREU “VENERE”
Dirección y creación, Daniel Abreu Ayudante de dirección e iluminación, Irene Cantero Intérpretes, Anuska Alonso, Max Sandford, Pilar Andrés, Dácil González, Janet Novas, Daniel Abreu Música, Collage Asistencia de producción, Dácil González
Duración: 60 minutos, sin descanso
“Venere” es una palabra italiana que significa “Venus”; Abreu juega con esa idea que va desde el símbolo a la materia. Por un lado, contempla la dureza y frialdad de un planeta visible y lejano, y al mismo tiempo la maleabilidad en el símbolo del amor. Cómo uno ama y se ama a través de los demás. Este trabajo coreográfico para cinco bailarines titulado VENERE (acento en la primera E), araña el tema del amor y sus desórdenes. La dureza en el ritmo, el ataque y su necesidad. “Venere” es una palabra italiana que significa “Venus”.
Daniel Abreu es Premio Nacional de Danza 2014 de Creación por “ser dueño de un lenguaje personal y por la creación de un universo propio sustentado en un código original, innovador y arriesgado”.
Formado en ballet clásico y danza contemporánea, se asentó Daniel Abreu en esta última para desarrollar su trayectoria creativa, hoy una de las más emergentes de la escena nacional. Comenzó en el año 2003 con el solo Espera, estrenado en el Teatro García Lorca de Getafe (Madrid), y desde entonces ha forjado un fértil
y provechoso recorrido coreográfico. Destacan A cal (2003), Cuerpo a tierra (2004), Perro (2006) y Los pies delcazos (2005), interpretado por Andrea Quintana. Junto a la también coreógrafa y bailarina Mónica García, firma Daniel Abreu dos obras. Y eso que no me dejaban ver Dallas (2004), premiado en el XVIII Certamen Coreográfico de Madrid, donde Abreu también recibió el premio al bailarín sobresaliente, y Mínimos (2005). Otras obras son Ojos de pez (2007), Negro (2008), coproducción del Centro Coreográfico Galego y el Auditorio de Tenerife, Nuevamente ante ti fascinado (2008), realizada junto al actor Roberto Leal, White (2009), Equilibrio (2010), Animal (2011), coproducida por el Mercat de les Flors y el Auditorio de Tenerife, con el apoyo de Modul Dance, y Otros rostros, otros rastros. Su trayectoria como intérprete antes de volar en solitario, se dibuja en algunas importantes agrupaciones del país. Gloria García Cía, Provisional Danza donde permaneció curante cuatro años, Larumbe Danza y Lanònima Imperial, algunas de ellas. Profesor en escuelas como Scaena, dirigida por Carmen Roche, la de Carmen Senra, en la compañía
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Provisional Danza y en la escuela de danza Marta de la Vega, Daniel Abreu, que desde septiembre de 2004 también es integrante de la compañía Matarile‐Teatro dirigida por Ana Vallés, se presenta como un destacado coreógrafo y bailarín de la escena nacional. Viernes 10 y sábado 11. Sala Pereda. 20:30 h.
Teatro “Pánico”, de Mika Myllyaho
Con Sergio Mur, Guillermo Ortega y Felipe Andrés
Versión, Fernando J. López Dirección, Quino Falero Dirección de producción, Rosa Fernandez Cruz Escenografía, Arturo Martín Burgos
Duración: 80 minutos, sin descanso “Pánico es una comedia que basa su reflexión en las dos emociones más potentes que existen, el amor y el miedo. Se trata de tres personajes masculinos que, por diversas circunstancias, se ven forzados a crecer interiormente. La vida les ha obligado a detenerse y reflexionar, a mirarse un poquito por dentro y a dar un paso renovador. El miedo surge de ese vértigo que produce cualquier situación de cambio o de ruptura. En la función ese miedo se va contagiando de un personaje a otro, por eso el miedo se transforma en pánico.
El detonante del conflicto es el amor, cada uno de los personajes se desenvuelve de un modo diferente en los asuntos amorosos, pero todos tienen en común una enorme crisis afectiva. Si a esta crisis le sumamos la crisis de la edad, la existencial, la de identidad, la económica, etc. tenemos una comedia que es como una olla a presión que va cogiendo ritmo, aliento, crítica y sustancia social a medida que la situación se va calentando y termina liberando su propio vapor a base de salpicar las desgracias de sus tres protagonistas.
En esta comedia el humor nace de la inestabilidad emocional de los personajes, que van exhibiendo sus neurosis a medida que se suceden las disparatadas situaciones que plantea la trama. Es una comedia que va adquiriendo tientes oscuros conforme va avanzando, de esas comedias que van de lo superficial a lo
profundo, de esas comedias con las que te ríes y reflexionas.”
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CALENDARIO VENTA DE ABONOS Y LOCALIDADES Venta Abonos Generales: jueves 21, viernes 22, sábado 23, martes 26 y miércoles 27 de enero 2016. Venta Abonos de Ciclo: jueves 28, viernes 29, sábado 30 de enero 2016 y martes 2 y miércoles 3 de febrero de 2016. Amigos del Palacio: jueves 4 y viernes 5 de febrero 2016. Acompañantes minusválidos: sábado 6 de febrero 2016. Público general: A partir del martes 9 de febrero 2016.