diario sanfic10 - 22 de octubre de 2014

MIÉRCOLES 22 DE OCTUBRE 2014

1

ORGANIZA

DIARIO SANFIC MIÉRCOLES 22 DE OCTUBRE

#2

AVENTURA Y DESAFÍO EN SANFIC EXTREMO

DESTACADOS:RECORDANDO SANFIC 2ENTREVISTAS A DIRECTORES EN COMPETENCIA


3

04 RECUERDOS DE SANFIC

contenidos / 22 OCTUBRE

06 SANFIC EXTREMO

17 ENTREVISTAS

2006, la segunda edición

Aventura y desafío

Directores Competencia Talento Nacional

Presidenta Directorio SANFIC María Catalina Saieh

Directora Ejecutiva SANFIC Jacqueline Plass W.

Fundadores SANFIC Carlos NúñezGabriela Sandoval

Co-Fundadores SANFIC Jorge TaclaFundación CorpArtes

Director Artístico Carlos Núñez

Directora de Producción Artística Gabriela Sandoval

08 ENTREVISTASDirectores de competencia de largometrajes

Directora deProducción Ejecutiva Viviana Bendeck

Productor de Contenidos y editor diario digital Joel Poblete

Diseño y diagramaciónSofía Benavides

Periodistas y redactoresArturo BaezaJoel Poblete Sebastián Vivero

FotografíasArchivo SANFIC

4

RECUERDOS DE SANFIC La segunda ediciónEntre el 8 y el 14 de agosto de 2006, con una atractiva campaña publicitaria que hasta hoy es recordada, centrada en ajíes -en alusión al “chile”- y ligada a conocidos actores chilenos y al nombre de prestigiosos cineastas internacionales, se desarrolló la segunda versión de SANFIC. Encabezada por su directora ejecutiva, Soledad Saieh, Fundación CorpArtes se unió a la productora Storyboard Media en la organización y producción del evento, y a Carlos Núñez y Gabriela Sandoval se unieron el reconocido artista Jorge Tacla como director artístico adjunto, así como Sergio Gándara y Macarena López como productores ejecutivos. La sede principal volvió a ser Cine Hoyts, pero se agregaron otras salas, como las de San Agustín y la Cineteca Nacional, y el jurado de la Competencia Internacional, en la cual ganó el documental mexicano En el hoyo, estuvo integrado por el director del Festival de Tribeca, Peter Scarlet, el secretario general de Fipresci, Klaus Eder y la cineasta Alicia Scherson.

Por su parte, curado por Gonzalo Justiniano, Carlos Flores y José Luis Torres Leiva, en este año nació Talento Nacional, el espacio para los cortometrajes chilenos que actualmente es competencia pero en esa ocasión sólo fue una muestra, presentando trabajos de directores que posteriormente destacarían aún más en el largometraje, como Elisa Eliash, Alejandro Fernández Almendras, Cristián Jiménez y Maite Alberdi, entre otros. Ahí mismo mostró uno de sus trabajos Sebastián Campos, hoy oficialmente Sebastián Lelio; el realizador además fue el principal curador de una retrospectiva denominada “Como les dio la gana”, que reunió trabajos de emblemáticos cineastas locales como Agüero, Flores, Caiozzi, Perelman, Sánchez, Justiniano y Bustamante, además de una interesante mesa redonda con algunos de ellos en la Cineteca.

La selección de películas fue contundente y por la calidad de títulos y realizadores, muchos la recuerdan como una de las mejores ediciones. Se dieron a conocer cineastas como Claudia Llosa (Madeinusa), Rodrigo Moreno (El custodio) y Miranda July (Me and You and Everyone We Know) y el canadiense Denis Coté, quien nos visitó para presentar en competencia Les états nordiques, de quien seguiríamos mostrando nuevos trabajos en años posteriores, y después sería premiado en festivales como Locarno. Por Chile compitió Padre nuestro, de Rodrigo Sepúlveda, y tuvimos nuevos trabajos de Alonso (Fantasma), Ripstein (Los héroes y el tiempo), Suwa (Una pareja perfecta), Akin (Crossing the Bridge), Von Trier (Manderlay), Schlöndorff (El noveno día), Haneke

(Caché), los hermanos Dardenne (El hijo). Y los cinéfilos estuvieron de fiesta, tanto con lo nuevo de los veteranos Godard (Notre musique), Rohmer (Triple agente) y Garrel (Les amants reguliers), como al conocer a dos realizadores que aportaron mucho al cine independiente estadounidense de la última década, Kelly Reichardt con Old Joy y Andrew Bujalski, de quien exhibimos dos películas, Funny Ha Ha y Mutual appreciation, esta última presentada en persona por su protagonista, el divertido Justin Rice.

En la conferencia de prensa de lanzamiento de SANFIC 2: Viviana Bendeck, Gabriela Sandoval, Carlos Núñez, Soledad Saieh, Sergio Gándara y Macarena López.

Sergio Gándara, Sebastián Lelio y Carlos Núñez junto a los panelistas en la mesa redonda de la Cineteca: Flores, Sánchez, Gaviola, López, De Aguirre y Agüero.


5

6

SANFIC EXTREMO Aventura y desafío

Este miércoles, con la exhibición de la película Maidentrip y los cortometrajes del Concurso Latinoamericano de Cine de Montaña, se inician las funciones de esta sección, producto de una alianza entre SANFIC y Mountain Films Festival, y que también incluirá el largometraje Valley Uprising.

¿Quién no ha soñado con dar la vuelta al mundo? Pues bien, buscando el sueño de convertirse en la persona más joven en navegar alrededor del mundo, Laura Dekker, joven holandesa de sólo 14 años, emprendió un viaje de dos años acompañada de su cámara. El registro de esta odisea se titula Maidentrip, largometraje incluido en nuestra selección de SANFIC Extremo y que se exhibirá este miércoles a las 18:00 hrs. en Cine Hoyts Parque Arauco.

Lejos de su familia y tras un gran revuelo mediático, la joven explora el mundo en busca de libertad, aventura y los distantes sueños de su juventud. La cinta, ópera prima de Jillian Schlesinger, mezcla grabaciones de audio y video, del recorrido de Laura por lugares que incluyen Islas Galápagos, la Polinesia Francesa, Australia y Sudáfrica.

Dentro de esta misma sección de SANFIC 10, también este miércoles en Hoyts Parque Arauco, a las 20:00 hrs., se desarrollará el Concurso Latinoamericano de Cine de Montaña, donde se incluyen 13 cortometrajes provenientes de Chile, Argentina, Brasil y Perú, de temáticas tan diversas

como la aventura y los deportes extremos. Además, mañana a las 19:00 hrs., también en Hoyts Parque Arauco, parte la muestra de lo mejor del BANFF, presentando una selección de los más destacados cortometrajes y largometrajes de montaña de todo el mundo.

De esta forma, SANFIC se une con Mountain Films Festival para dar origen a su sección SANFIC Extremo, una muestra atractiva y variada de más de 30 producciones documentales sobre deportes extremos y aventuras en los parajes más alucinantes del planeta. Además de las funciones en Hoyts, SANFIC Extremo también tendrá exhibiciones en U. Católica, Duoc UC- L90, U. De Chile- ICEI, U. del Desarrollo, U. de los Andes, Instituto ARCOS y Casas de lo Matta, donde tendrá una única función el largometraje Valley Uprising.


7

SANFIC EXTREMO Aventura y desafío

8

ENTREVISTA Jorge Yacoman, director de “La comodidad en la distancia”

-Después de dirigir anteriormente cortometrajes, ¿cómo fue el proceso de dirigir al fin tu primer largometraje? ¿Hace mucho que querías filmarlo, desde cuándo se remonta este proyecto y cómo surgió?“Este primer largometraje fue un desafío por muchos lados y por varias cosas que me fueron pasando simultáneamente. Tenía ya varios guiones escritos, pero ninguno hablaba de lo que me estaba pasando en ese momento de mi vida en que después de terminar mi carrera sentí que tenía que replantearme otra vez por qué quería hacer cine a pesar de haber siempre sido algo muy espontáneo. Se podría decir que quizás sentí una cierta responsabilidad artística, pero lo que más me movía era la necesidad de volver a lo más esencial de esta pasión. En un principio fue algo muy orgánico; ideas, diálogos e imágenes que tenía en la cabeza y que pensé juntar en un cortometraje que duraría unos 20 minutos, pero después me di cuenta que la historia y el personaje exigían una cierta aventura más grande, más riesgos. Eso fue en enero del 2012 y ya para marzo de ese mismo año tenía una primera versión del guión, pero aún no podía decir bien de qué se trataba todo, y en ese sentido era un proyecto muy ambicioso; había muchos temas que quería hablar y casi todos eran muy personales también. Por un lado quería que fuera algo muy honesto y para que lo fuera tenía yo que haber vivido por lo menos cosas similares. Obviamente hay mucha ficción igual y por esa parte ésta tenía el objetivo de hacer todo

un poco más humilde, que, por ejemplo, en estos encuentros que tiene el protagonista, fueran más las otras personas las que hablan y no él. Y una vez que empecé a trabajar con Eusebio, el actor que interpreta al protagonista homónimo, el proyecto tomó vida muy rápido y nació una ansiedad muy fuerte por grabar. Ahí fui buscando productores y gente que me pudiera ayudar de alguna forma y fue muy frustrante, pero a la vez alentador encontrarme con muchas personas a las que gustaba el guión, pero que nadie se quiso arriesgar. Entonces me di cuenta que tenía que producirlo yo mismo y logré armar un equipo de cuatro-cinco personas con sólo dos conocidos entre ellos, puse mis ahorros y con la ayuda de mi familia pude llegar al rodaje, que fueron 17 días durante casi un mes entre octubre y noviembre. Y todo ese proceso fue un aprendizaje muy rico”.

-El protagonista tiene dos años menos que tú. ¿Te sientes representado en él en algún aspecto, hay conexiones o lazos entre ustedes dos, o al menos elementos generacionales comunes que te llamen particularmente la atención en tu propia vida?“Cuando grabamos la película, con Eusebio teníamos la misma edad y el personaje lo había escrito para él después de que lo conocí en el Teatro La Memoria. Cuando escribí el guión no sabía mucho de Eusebio, pero cuando empezamos a trabajar nos fuimos dando cuenta que a pesar de que teníamos historias muy distintas —sobre todo familiares—, sí


9

nos conectábamos a un nivel emocional e intelectual que a él le permitía asimilar de forma más honesta la historia del protagonista y todas sus incoherencias y formas de pensar. Incluso este proceso me ayudó mucho a ver más objetivamente la película y poder decir en palabras más simples de qué se trataba, porque el trabajo con Eusebio tenía como objetivo no reflejar mi ego o ambición, sino al revés, desarmar estas máscaras para darle vida propia al personaje”.

-¿Cómo fue el proceso de casting, el proceso para escoger a los actores que mejor te parecieran para los personajes?“Conocía a pocos actores y actrices en ese tiempo y me apoyé mucho en esos pocos, porque varios de los personajes fueron escritos para los actores que los interpretan. A algunos los elegí sin verlos actuar en nada y a otros sólo porque me los recomendaron e incluso a unos cuantos los conocí el mismo día que grabamos. Fue algo bien instintivo, pero me era muy importante que existiera una gran diversidad de personajes con distintas historias y la primera impresión que me causó cada actor me sirvió para crear personajes menos estereotipados”.

-¿Cómo fue la experiencia de participar en el Festival de San Sebastián? Cuéntanos tu percepción de haber estado ahí con la película.“La experiencia en San Sebastián fue muy linda. Nos acogieron muy bien. Muchas personas nos decían que íbamos como la gran sorpresa, porque nadie sabía de dónde habíamos salido; la película no contaba con fondos privados ni públicos, ni residencias, talleres, co-producciones o auspicios. Y el público reaccionó muy bien, muchos se acercaron a nosotros a darnos sus comentarios y casi todos apuntaban a la energía muy potente que tiene la película y que es muy cruda, pero linda también, con diálogos frescos e interesantes y buenas actuaciones. Creo que me sirvió bastante para reafirmar todo lo que en un momento quise plasmar en la película y que después pensé que se había perdido. También por otro lado todo esto nos permitió estar en el mapa de la industria, generar varios vínculos importantes y conocer gente muy linda”.

“La comodidad en la distancia” se exhibe este miércoles 22 a las 18:20, y el jueves 23 a las 20:30, en ambas ocasiones en Hoyts Parque Arauco.

Jorge YacomanDirector “La comodidad en la distancia”

10

ENTREVISTA Rodrigo Susarte, director de “Ventana”

-¿Cómo surgió la idea para esta historia, mezclando el suicidio y la convivencia de un grupo de personajes y ambiéntandola en un lugar tan específico y un contexto tan determinante como el de Ventanas? “La idea nace de una fijación por esa imagen, por ese espacio, me parece un contraste que determina, una contradicción propia de un país en que los resquicios legales abundan, propio de un mundo explotado pensado para el lucro y no para el bienestar del individuo. También algo que cautiva, una bella monstruosidad que nos habla de que la vida cada día muere. Una playa perfecta en su forma y de la que nace una edificación de metal imponente. No me deja de llamar la atención”.

-En lo personal, ¿cuáles son tus primeros recuerdos de Ventanas, cuándo fuiste por primera vez?¿Qué te atraía de filmar en ese lugar?“Siempre le pedía a mi viejo ir a Ventanas, íbamos a Concón por unas empanadas en Las Deliciosas y de ahí nos sentábamos a mirar el mar y aquella refinería. Me gustaba el humo y el fuego que de ahí salía. ¡Prefería eso que ir al circo, jajaja!”

-Elegiste a un reparto muy interesante y atractivo. ¿Cómo fue el proceso de casting, para escoger a los actores que mejor te parecieran para los personajes?“El proceso para escoger a los actores fue la confianza y el instinto”.

-Ya tienes una importante experiencia en televisión y teatro, entre otros formatos en los que ha sido fundamental el trabajo con los actores, ¿cómo se desarrolló este aspecto en “Ventana”, fueron trabajando los personajes en conjunto con el elenco durante el rodaje o fue todo un trabajo previo de guión?“Así como importante, no sé, jajaja, pero sí, el fundamento del imaginario que quiero construir se basa en el cuerpo y la modificación de ese cuerpo. Junto con la imagen, el cuerpo debe llenar esa primera imagen que se instala en la narración.La palabra es algo aparte, más lenta y pesada, que siempre debe estar bien articulada. Con este mismo equipo antes hicimos una obra de teatro llamada American Jesus, y mi propuesta fue que hiciéramos un recorrido indagando en la actuación tanto por el formato teatral como por el cinematográfico. Y siento que se generó una confianza y una potencia creativa que nos permitirá seguir haciendo cosas”.

“Ventana” se exhibe este miércoles 22 a las 20:30, y el viernes 24 a las 18:00, en ambas ocasiones en Hoyts Parque Arauco.


11

ENTREVISTA Isidora Marras, directora de “No soy Lorena”

-¿Cuánto de real y cuánto de ficción hay en tu película? ¿te interesaba además de retratar y mostrar lo que le pasaba en particular a ella, también reflexionar sobre una realidad social en particular?“No soy Lorena está basada en una experiencia personal real. Durante dos años recibí llamadas a mi teléfono celular desde diferentes casas comerciales, oficinas de servicios y otras, preguntando por Lorena Ruiz y queriendo cobrarme sus deudas. Esto me llevó a interesarme en el tema de las cobranzas en Chile. Encontré insólito que no pudiera resolverlo por teléfono y que tuviera que ir a las empresas. Y tampoco así lo pude resolver. Hasta el día de hoy me siguen llamando. Para mí, la conexión de este tema con el de la crisis de identidad fue natural. ¿Cómo una situación como ésa podía afectar a alguien que no estuviera bien; alguien a quien su entorno de alguna manera le diera la sensación de que lo están dejando de reconocer? Así surge la conexión entre las cobranzas, el Alzheimer de la madre y la incapacidad de definir un personaje en su trabajo como actriz. De la misma manera aparece Rosetta, el vecino transformista de Olivia”. -¿Hubo algún referente cinematográfico (cineasta, película) que te interesara tener en cuenta para la historia que querías contar en tu primer largometraje?“Inevitablemente uno tiene en su formación referentes que lo acompañan. Hubo varios a los que me volví a acercar por

el tema de la película. Algunos son Martín Rejtman con su película Silvia Prieto y García Márquez con su cuento Sólo fui a hablar por teléfono. Me apoyo en los referentes”. -¿Cómo fue la recepción en el estreno en el Festival de Toronto, cómo calificas la experiencia?“En Toronto tuvimos buena recepción. Fue harta gente a las funciones y se quedaron a las preguntas y respuestas posteriores. Engancharon con los temas y los personajes. Es una instancia en la que uno está en contacto con directores de todo el mundo, es muy enriquecedora”. -Elegiste a un reparto muy interesante y atractivo. ¿Cómo fue el proceso de casting, para escoger a los actores que mejor te parecieran para los personajes?“Cuando comenzamos a buscar quién iba a encarnar a Olivia, Josefina Undurraga, productora de la película, sugirió a Loreto Aravena. Yo la había visto en la serie Los 80 y me gustó mucho su trabajo. Hizo un par de escenas como prueba y me di cuenta que ella ya conocía a Olivia. Dio con el personaje muy bien desde el inicio. Para Eleonora y Patricia siempre pensé en Pali García y Gabriela Aguilera. A Pali la conocía desde el teatro y a Gabriela por el largo Lucía. A Matías Oviedo lo conocía por su trabajo en televisión y también pensé en él desde un comienzo para Alonso. A Lautaro Delgado, que interpreta a Mauro, me lo presentó Gabriel Pastore, nuestro co-productor argentino.

12

Vi su trabajo, lo conocí y conectó de inmediato con el personaje”.

-El año pasado la película estuvo en nuestro Work in Progress Latinoamericano, ¿te parece valiosa la posibilidad de estar en ambas etapas del proyecto en SANFIC, un festival donde antes también estuviste con un cortometraje en la Competencia Talento Nacional?“Es muy valiosa la experiencia. En un Work in Progress tienes la oportunidad de exponer el trabajo a un público reducido y ver cómo está funcionando. Te permite avanzar en el proceso a la última etapa de cierre del montaje. Mi primer cortometraje estuvo en Competencia Talento Nacional en 2008, y hoy mi primer largo en la Competencia de Cine Chileno. Es un marco que me ha permitido ir creciendo como profesional”.

“No soy Lorena” se exhibe este miércoles 22 a las 20:20, y el viernes 24 a las 18:30, en ambas ocasiones en Hoyts Parque Arauco. Isidora Marras

Directora “No soy Lorena”


13

ENTREVISTA Pablo Fendrik, directora de “El ardor”

-Tú ya has contado con excelentes actores en tus películas anteriores, como el recientemente fallecido Arturo Goetz. ¿Fue muy distinto el trabajo con una figura tan reconocida internacionalmente como Gael García Bernal, siendo además él uno de los productores? Su personaje es muy enigmático, ¿lo desarrollaste con él durante el rodaje, recogiendo sus aportes o sugerencias, o te mantuviste muy fiel al guión original? “La verdad es que trabajar con Gael fue un placer. Un gustazo que me di, dentro de este enorme conglomerado de gustos que me fui dando a todo lo largo de la realización de El ardor. Tenerlo además como socio y compañero es un privilegio. Te soluciona muchas cosas. Respecto de su personaje, la composición se fue constituyendo a lo largo de los años que tuvimos para desarrollar la película. Infinitas charlas, almuerzos, cenas, desayunos, en los que íbamos retomando la conversación sobre Kaí, su pasado, cada una de las etapas que fue superando para llegar a donde está cuando el punto de ataque de la historia se encuentra con él. Mas que recibir sus sugerencias (o él las mías) fue una colaboración en el sentido más literal de la palabra. Una creación conjunta. Tal vez por eso pudimos permitirnos una presentación de personaje tan misteriosa; nosotros sabíamos absolutamente todo, pero decidimos ir dosificando esa información con cuentagotas. Nos gustaba mucho más la idea de sugerir que la de explicar didácticamente los establecimientos del personaje”.

-Ha sido bastante comentada la forma en la que haces guiños a diversos géneros cinematográficos en la película, sin por ello perder tu mirada más personal. ¿Hubo algún referente cinematográfico (cineastas, películas) que te interesara tener en cuenta para la historia que querías contar?“Por supuesto que lo hubo, pero me voy a tomar la licencia de no comentarlos aquí para darle la chance a los espectadores de SANFIC a que saquen sus propias conclusiones. Les digo más: pueden organizar un pequeño concurso entre los que puedan detectar el mayor número de guiños y referencias. El que más se acerque al total de influencias que hayan operado sobre la película se gana una remera (polera) con la leyenda “SANFIC Nº 1 CINEMA FREAK” (hágansela en inglés, así puede presumir en otros festivales internacionales)”.

-¿Cómo fue la recepción en el estreno en Cannes? Por mucho que ya hayas estado ahí con tus dos anteriores películas, de todos modos debe haber sido muy significativo mostrar “El ardor” ahí... “Lo fue. Significativo es la mejor manera de describirlo, y también, si no digo nada más, puedo dejarlo abierto a las múltiples interpretaciones que la definición de la palabra pueda sugerir. Pero para completar un poco mejor la respuesta, diré que nuestra presentación en Cannes fue un enorme aprendizaje. No tanto de lo que el propio festival nos haya rebotado en términos de recibimiento, pero sí en

14

lo que respecta a nuestras propias expectativas o ilusiones versus la pureza de la realidad. En mi experiencia personal hubo algo que cambió en relación a lo que solía significar llegar a presentarme en Cannes. Un cierto tedio por lo protocolar y ese enfoque tan relacionado con la efectividad que tiene el festival hoy en día. Hay una búsqueda de la espectacularidad que pareciera dejar cada vez menos espacio para un diálogo algo más reposado o reflexivo sobre las películas que hacemos, por qué las hacemos, qué queremos decir... En lugar de eso, los directores terminamos disfrazados de pingüinos con una copa de rosé en la mano a cualquier hora, hablando pavadas para llenar el casillero correspondiente al evento protocolar o promocional que propone la agenda que se te diseñó para ese día. Pero no es que el festival haya cambiado desde que fuimos con El asaltante en el 2007, obviamente. El que cambió, en todo caso, debo haber sido yo”.

-Hemos ido presentando tu cine al público chileno a través de SANFIC e incluso fuiste premiado como mejor director en la cuarta edición de nuestro festival, además de volver como jurado... ¿qué te parece que tu nuevo film también se presente acá? ¿crees que es valiosa la posibilidad de tener una continuidad en presentar tu filmografía al público chileno a través de SANFIC?“Lo que más lamento de no poder asistir este año al SANFIC es justamente eso: que me privo a mí mismo de intercambiar impresiones con el público de este festival en el que ya estuve y me sentí muy a gusto. Para mí SANFIC posee, por ser un festival joven y pujante, una cierta frescura, una avidez de aprendizaje, de interacción. El fomento de experiencias formativas para quienes acuden a las salas a encontrarse con un cine que de otra forma difícilmente encontrarían en la oferta cultural que les deja el circuito comercial se me hace de vital importancia para la construcción de audiencias mejor preparadas de cara a un presente cinematográfico mundialmente orientado a la repetición de fórmulas narrativas o estéticas. Y en ese sentido, SANFIC realiza un aporte fundamental”.

“El ardor” se exhibe este miércoles 22 a las 20:00 en Hoyts La Reina, y el viernes 24 a las 20:00 en Hoyts Parque Arauco.

Pablo FendrikDirector “El ardor”


15

ENTREVISTA Luciana Piantanida, directora de “Los ausentes”

-¿Qué te atraía de esta historia, hace cuánto que la estabas planificando?“La primera versión del guión tiene unos 7 años, y aunque sufrió muchas modificaciones y reescrituras, desde esa primera versión yo ya estaba planificando cómo hacer posible la película. Después pasaron varios años buscando financiación. En el año 2009 filmamos 2 semanas con la promesa de un productor de que tendríamos la financiación necesaria para completar el rodaje. La promesa no fue cierta, y el proceso se detuvo. Salimos a buscar otras alternativas y finalmente en el 2011 ganamos un concurso del INCAA y pudimos ahí, empezar a planificar un nuevo rodaje (descartando lo filmado anteriormente) que se llevó a cabo a inicios del 2013. Si bien la primera versión del guión es realmente muy distinta a la película terminada, desde el inicio mismo estaba la idea de indagar en un lenguaje que se sostuviera en el clima de la película más que en la trama narrativa. Nos interesaba hablar de la ausencia, pero no desde un lugar nostálgico, sino desde la sensación del duelo: esa sensación un poco onírica, un poco fragmentada y un poco irreal que tenemos cuando acabamos de sufrir una pérdida. Es decir, sabíamos desde el inicio que queríamos ver cómo los personajes podían vivir ese duelo dejando de lado la causa o las circunstancias concretas de cada pérdida en términos de trama”. -¿Qué puedes contarnos de las locaciones escogidas, te

interesaba mostrar la realidad de los personajes en el contexto de ese pueblo?“El guión planteaba un desafío grande al respecto, porque la historia debía transcurrir en un pueblo que fuera un personaje más. Por temas presupuestarios necesitábamos que ese pueblo quedara cerca de la Ciudad de Buenos Aires, pero que tuviera un ritmo, una arquitectura y un clima bien lejano al que se respira en Capital Federal. La búsqueda fue ardua, pero finalmente encontramos el lugar ideal, que es el pueblo donde filmamos, Carlos Beguerie, de 300 habitantes. Fue arriesgado filmar ahí porque tiene un acceso de 40 km de tierra y en caso de lluvia, el camino queda inhabilitado para transitar y no se puede ni entrar ni salir del lugar por varios días. Estas condiciones para llevar adelante el rodaje son muy arriesgadas. Para tomar la decisión de correr esos riesgos fue fundamental el modo en que fuimos recibidos ahí. Desde un primer momento los habitantes del pueblo tuvieron una gran predisposición hacia la película, nos ayudaron mucho y fueron parte fundamental del rodaje. Ahora, al ver la película terminada, creemos que todo eso se siente: Los ausentes no podría haber sido filmada en ningún otro lugar. La historia de la película está muy lejos de querer contar la realidad de las personas que ahí viven. Los personajes de la película son completamente ficcionales y muy distintos a los habitantes de Beguerie. Sin embargo, algo de lo que se respira en el pueblo, se siente en la película también: las noches desiertas, los perros vagabundos, algunos rostros

16

(todos los extras de la película son habitantes de Beguerie) y, fundamentalmente, los sonidos. El sonido de la película está armado enteramente con sonido ambiente proveniente de ahí y, al escucharla, quien conoce Beguerie, reconoce enseguida el viento, los ladridos, los graznidos de las palomas, los gallos”. -¿Hubo referentes de películas o directores que te inspiraron para lo que querías mostrar y contar en el film?“No hubo referencias explícitas a ningún director o película en particular. El cine que a uno le gusta siempre es inspirador por más que no tenga mucho en común con lo que uno se propone hacer. En ese sentido sí vimos con el equipo y los actores muchas películas o secuencias de películas que nos gustan mucho, pero no las vimos en un sentido estricto de referencia. También todos fuimos conscientes de que la película tenía mucha influencia de la literatura latinoamericana, sobre todo en la construcción de los climas. Sin intentar trasladar la literatura al cine, había algo del clima de Pedro Páramo o de algunas novelas de Onetti que sabíamos que tenían que ver con la película”.

-¿Cómo fue el proceso de casting, para escoger a los actores que mejor te parecieron para interpretar a los personajes?“El proceso de casting fue largo y paulatino, y no fue un casting en el sentido estricto de la palabra. Los seis actores de la película son actores de una amplia trayectoria en Argentina, sobre todo en el teatro off. Por lo tanto yo ya los conocía a todos por su trabajo. La primera en ser elegida fue Jimena Anganuzzi, en una etapa muy embrionaria de la película. Yo tenía escrita una segunda versión del guión y estaba trabajando como ayudante de dirección en el largometraje El cielo elegido, de Kino González, donde Jimena interpretaba un papel. Yo no estaba buscando actriz todavía pero mientras filmábamos una escena de esa otra película y por algún detalle o gesto o emoción que vi en ella y que ya no puedo recordar cuál es, enseguida pensé que sería una muy buena Gringa. Hablé con ella tiempo después y mucho antes de conseguir la financiación para la película, y aceptó gustosa. A partir de ahí, fue testigo y partícipe de cada reescritura y de cada avance de la película y, sobre todo, fue una aliada enorme para elegir al resto del elenco. Todas las decisiones posteriores fueron consensuadas con ella.Con Alberto Suárez (el actor que interpreta a Jafa) me pasó algo similar. Yo estaba trabajando como directora de casting de la película Vaquero, de Juan Minujín. Alberto fue a hacer una prueba de cámara y en algún momento y por alguna razón que tampoco puedo recordar pensé: sería un gran Jafa. A Jorge Prado (Tania) y Agustín Rittano

(Moré) los conocía por trabajos suyos anteriores, pero no los había visto personalmente así que a ellos les pedí que hiciéramos una prueba de una o dos escenas. Jimena participó de ambas pruebas interpretando el personaje de Gringa. No hizo falta mucho. En ambos casos fue igual: sabíamos a los cinco minutos que debían ser ellos los que interpreten esos personajes. A Claudia Cantero (la mujer de Tania) y Elvira Onetto (la mujer de Jafa) también las conocía por trabajos anteriores y siempre quise que fueran ellas quienes interpreten esos personajes. Son dos actrices enormes. En ambos casos, más que casting lo que tuve que hacer fue tomar coraje para ofrecerles esos personajes que, si bien tienen un gran peso en la historia, tienen muy poco tiempo en pantalla. Por suerte ambas aceptaron con una generosidad increíble. Las hermanas amigas de Jafa fueron más difíciles de encontrar. Queríamos que fueran hermanas mellizas o que tengan un gran parecido físico. En este caso sí hicimos una búsqueda y un casting más tradicionales y nos llevó mucho tiempo encontrarlas. Curiosamente, estaban más cerca de lo que creímos y terminaron interpretando los personajes dos no actrices que son parte de mi familia. Se animaron al desafío de actuar, ensayamos mucho y finalmente en la película, nadie nota que es su debut actoral”.

-El año pasado la película estuvo en nuestro Work in Progress Latinoamericano, ¿te parece valiosa la posibilidad de estar en ambas etapas del proyecto en SANFIC?“El año pasado, mostramos en el Work in progress el primer armado de la película que habíamos terminado apenas unos días antes de presentarla. Por lo tanto, SANFIC nos dio la posibilidad de ver la película por primera vez en una pantalla de cine. Además de ese hecho simbólico, la experiencia fue muy valiosa y las devoluciones de los jurados fueron enriquecedoras para la película. Esta vez, se tratará del estreno de la película terminada. Será la primera vez que la película se enfrente al público. La coincidencia de ambas “primeras veces” es un hecho simbólico importante y por eso es justamente acá donde queríamos que ese estreno se lleve a cabo. Los ausentes es, de alguna manera, una película frágil, y sentir el apoyo del festival estos dos años consecutivos es muy valioso para nosotros. Nos sentimos muy acompañados por SANFIC y estamos muy agradecidos y orgullosos de ser parte de esta edición”.

“Los ausentes” se exhibe este miércoles 22 a las 22:15, y el viernes 24 a las 18:10, en ambas ocasiones en Hoyts Parque Arauco.


17

ENTREVISTA Directores de Competencia Talento Nacional

Ramiro Zamorano, director de “Los trapos al sol”

-¿Cómo surgió la idea de filmar este cortometraje?“Un día llegó a mis oídos la historia personal de alguien cercano a mi familia, esas que te dejan pensando un buen rato. Esta me conmovió principalmente por el coraje de su protagonista, la cual se embarcó en un viaje lleno de dudas para encontrar a un ser totalmente desconocido, su padre. Este fue el germen para escribir las primeras lineas de “Los trapos al sol”. Fue algo muy explosivo, había que grabar de inmediato, de la idea al rodaje pasaron 30 días y ya estábamos instalados en el sur con un pequeño equipo conformado por amigos apañando la idea y con muchas ganas de hacer cine. Hace tiempo ya que tenía ganas de filmar en las cercanías de Puerto Montt, lugar donde me crié. Creo que esta decisión fue un acierto, ya que la particular geografía y el clima del lugar se convierten en elementos dramáticos que apoyan la narración y el estado emocional de la protagonista, Silvana”.

-¿Qué te interesaba contar o mostrar con tu corto?“El corto sin tener un guión rígido, siempre fue pensado como un viaje emocional de la protagonista hacia el encuentro. Durante este trayecto queríamos meternos en el mundo interior de Silvana, retratando sus fantasías, sus temores, sus aparentes convicciones, ante un encuentro que se acerca y pone tensión a la situación. A veces uno por mucho que prepare las cosas debe entregarse a los acontecimientos, ya que no podemos tener el control de todo en la vida. Las cosas pasan, y a veces no como quisiéramos. De todas formas, creo que es malo vivir con dudas, en este caso hay una férrea decisión de la protagonista por aclararlas. Por otra parte, siempre tuvimos el deseo de involucrar a la gente del lugar en el proceso, fue así como introdujimos a la actriz Rocío Monasterio en un mundo de personajes reales de carne y hueso, habitantes de la caleta donde fue grabado el cortometraje, los que aportan gran autenticidad al relato”.

-Películas que te gusten mucho y/o sean tus favoritas, de cualquier nacionalidad y época: “Luz silenciosa” (Carlos Reygadas)“Flandres” (Bruno Dumont)“La promesse” (Jean Pierre & Luc Dardenne)“Trilogía Tres colores” (Krzysztof Kielowski)“A través de los olivos” (Abbas Kiarostami)“Sueños” (Akira Kurosawa)

Ramiro ZamoranoDirector “Los trapos al sol”

“La guerra del fuego” (Jean-Jacques Annaud)“La rodilla de Clara” (Eric Rohmer)“Blow Up” (Michelangelo Antonioni)“La strada” (Federico Fellini)

-Cinco cineastas a los que admires:Carlos Reygadas, Jean Pierre y Luc Dardenne, Bruno Dumont, Krzysztof Kieslowski y Paul Thomas Anderson.

18

Javier Zoro y Claudia Carreño, directores de “Una cama”


-¿Cómo surgió la idea de filmar este cortometraje?“Los orígenes tienden a ser difusos, pero si tuviéramos que establecer algunos hitos fundacionales, tendríamos que decir que primero está la idea y el guión original de Javier Izquierdo, un amigo ecuatoriano, que en sus tiempos de inmigrante en Barcelona conoció a Claudia Carreño, entonces otra inmigrante. A su regreso a Chile le propuso a Javier Zoro –con quien ya había trabajado antes en un largo documental (Mapamundi, 2013)- adaptar este guión a la realidad santiaguina”. -¿Qué les interesaba contar o mostrar con su corto?“Nos interesaba contar una pequeña historia a partir de ciertos modos de habitar el espacio en las grandes capitales modernas, en este caso, Santiago de Chile. Nos interesaba llevar un poco al límite la contradicción que se genera entre cercanía y distancia, personas que viven muy cerca y a la vez muy lejos y, de este modo, dar con ciertos tonos afectivos que se deslizan silenciosamente en el ritmo de la urbe”.

-Películas que les gusten mucho y/o sean sus favoritas, de cualquier nacionalidad y época: Javier Zoro:Une femme est une femme (Jean-Luc Godard)La eternidad y un día (Theo Angelopoulos)Mamma Roma (Pier Paolo Pasolini)Mundo grúa (Pablo Trapero)The Passenger (Michelangelo Antonioni)Stranger than Paradise (Jim Jarmusch)La Ciénaga (Lucrecia Martel)Historias extraordinarias (Mariano Llinás)M el Vampiro de Düsseldorf (Fritz Lang)Viaggio in Italia (Roberto Rossellini) Claudia Carreño:El miedo corroe el alma (Rainer Werner Fassbinder)Ensayo de un crimen (Luis Buñuel)Mundo grúa (Pablo Trapero)Deep end (Jerzy Skolimowski)Banda aparte (Jean-Luc Godard)Uzak (Nuri Bilge Ceylan)Down by Law (Jim Jarmusch)Mi verano con Mónica (Ingman Bergman)Jacquout de Nantes (Agnès Varda)Notorious (Alfred Hitchcock)

-Cinco cineastas a los que admiren:

Javier Zoro:Jean-Luc Godard, Michelangelo Antonioni, Pier Paolo Pasolini, Alfred Hitchcock y Eric Rohmer Claudia Carreño:Rainer Werner Fassbinder, Aki Kaurismäki, Pedro Almódovar, Joel y Ethan Coen y Federico Fellini.

Javier ZoroDirector “Una cama”

Claudia CarreñoDirectora “Una cama”


19


José Parra Zeltzer, director de “La ñecla y el chonchón”

-¿Cómo surgió la idea de filmar este cortometraje?“La idea nace de una fascinación muy personal que tengo por los volantines, su tradición y su potencia visual, por cómo dan colorido a un paisaje a ratos un tanto gris con el que convivimos a diario. Luego, nos propusimos adecuar ese atractivo estético a una historia familiar que también tuviera componentes propios de nuestra sociedad, intentando establecer a los volantines como objetos que a la vez conectaran y separaran a los personajes, dentro de la complejidad de sus relaciones interpersonales”. -¿Qué te interesaba contar o mostrar con tu corto?“Nos interesaba retratar una historia de carácter filial, en algún sentido universal, pero enmarcada en un contexto nacional y con particularidades que podemos reconocer en muchas familias chilenas, esto es, el tabú y el secreto como elementos que estructuran la calidad de los vínculos afectivos. En este sentido, nos propusimos construir un mundo definido a partir de la mirada de un niño y por cómo él enfrenta las dificultades de su cotidianidad. Desde ahí, establecimos que las premisas dramáticas de la narración estuvieran marcadas por la lógica de la duda y el silencio y que tales preceptos se transmitieran a la puesta en escena y al uso de los recursos cinematográficos”. -Cinco cineastas a los que admires, de cualquier nacionalidad y época:“Qué difícil acotar solamente a cinco, pero destaco quienes ya sea por los temas que tratan, la visualidad de sus filmografías o el modo en que han conducido sus carreras, me parecen admirables Andrei Tarkovski, Víctor Erice, Abbas Kiarostami, Ingmar Bergman y Chistopher Nolan”.

-Películas que te gusten mucho y/o sean tus favoritas, de cualquier nacionalidad y época:“Quizás más difícil todavía de resumir, pero aquí un intento por marcar películas que de algún modo me han impulsado a querer perseguir esta profesión. En ese sentido, son mis favoritas, ordenadas biográficamente:El señor de los anillos (Peter JacksonHéroe (Zhang Yimou)Memento (Christopher Nolan)Amadeus (Milos Forman)Blade Runner (Ridley Scott)

El séptimo sello (Ingmar Bergman)El año pasado en Marienbad (Alain Resnais)Nostalghia (Andrei Tarkovski)El espíritu de la colmena (Víctor Erice)La doble vida de Verónica (Krzystof Kiewslowski)

José ParraDirector “La ñecla y el chonchón”

20

Ignacio Ruiz, directores de “Manzanas amarillas”


-¿Cómo surgió la idea de filmar este cortometraje?“Por varios años me mantuve alejado de mi ciudad natal, en ese tiempo desarrollé proyectos de animación y relatos ligados a la fantasía, es entonces cuando comienzan a aflorar recuerdos y vivencias personales de mi niñez en Puerto Montt. Poco a poco esos recuerdos se fueron haciendo más concretos y se convirtieron en ideas para obras cinematográficas, una de esas ideas se remontaba al recuerdo de las compras del fin de semana en el mercado de Angelmó y las experiencias que escuchábamos de las mujeres que venden sus productos ahí. Esa imagen es el punto inicial y luego se entremezclan mi relación personal con mi madre y la experiencia de otros conocidos en relación a la ruralidad”.

-¿Qué te interesaba contar o mostrar con tu corto?“Me interesaba mostrar el esfuerzo de una madre, que a pesar de todos los malos ratos que sus hijos le hacen pasar, siempre estará dispuesta a darlo todo por ellos. Además de rescatar la visualidad y lugares de mi región nunca mostrados en una obra cinematográfica”.

-Películas que te gusten mucho y/o sean tus favoritas, de cualquier nacionalidad y época:“Primavera, verano, otoño, invierno y otra vez primavera” (Kim Ki-Duk)“El arco” (Kim Ki-Duk)“La noche de enfrente” (Raúl Ruiz)“Dolls” (Takeshi Kitano)“El verano de Kikujiro” (Takeshi Kitano)Alice (Jan Svankmajer)“El cielo, la tierra y la lluvia” (José Luis Torres Leiva)“Akira” (Katsuhiro Otomo)“Largo viaje” (Patricio Kaulen)“Tekkon Kinkreet” (Michael Arias)

-Cinco cineastas a los que admiras:Kim Ki-Duk, Takeshi Kitano, Raúl Ruiz, Jan Svankmajer y José Luis Torres Leiva.

Ignacio RuizDirector “Manzanas amarillas”


21

Michelle CassisDirectora “Astros son”


Michelle Cassis, directora de “Astro son”

-¿Cómo surgió la idea de filmar este cortometraje?“Me fui a complementar mis estudios de cine en la New York Film Academy. Uno llega a Nueva York y al segundo ya te están llamando la atención muchas cosas. Llegué a vivir a Williamsburg, un barrio en Brooklyn muy artista e interesante. Algo así como Bellavista, pero sin tanto escándalo. Una de las cosas que me llamo la atención inmediatamente fue la cantidad de basura en las calles. A todos les pasa. Era impresionante, pero al parecer a nadie le importaba. Es parte del paisaje y del encanto de la ciudad. Pero lo que más me sorprendía, es que no sólo eran papeles y basura, sino que muebles y cosas de la casa, que dejan los vecinos cuando no los usan más... Ahí veía todo tipo de cosas que se tiraban, desde sillones, comedor de 5 plazas, inodoros, etc. Un día apareció a media cuadra de mi casa una lavadora. Los días pasaban y seguía ahí, me llamaba mucho la atención, se veía muy interesante. Me pregunté qué pasará con ella. ¿Será que niños juegan ahí? Por otro lado, nada que ver con lo anterior, es la cantidad de mamás solas que tienen que criar a sus hijos. Algunos quizás las abandonaron, otros murieron en la guerra -Estados Unidos tiene guerras distintas todas las semanas-, u otras razones, pero nada quitaría el hecho de que están solas y tienen que criar a sus hijos en una ciudad dura. Debe ser triste.Hijos fantaseando donde están sus padres. Y una lavadora tirada en la calle donde juegan con sus fantasías. Y luego viene el desafío para mi como directora, en donde me propuse unir estas dos cosas y contarlas en un plano secuencia, en una sola toma”. -¿Qué te interesaba contar o mostrar con tu corto?“Lo que mencionaba. Cómo los niños usan su fantasía y lo que tienen a mano para llenar sus vacíos emocionales. Y cómo las madres les siguen el juego”. -Películas que te gusten mucho y/o sean tus favoritas, de cualquier nacionalidad y época:Eterno resplandor de una mente sin recuerdos (Michel Gondry)In the Mood for Love (Won Kar-Wai)Scott Pilgrim vs The World (Edgar Wright)Thelma & Louise (Ridley Scott)El Padrino (Francis Ford Coppola)Little Miss Sunshine (Jonathan Dayton y Valerie Faris)

Cisne negro (Darren Aronofsky)Seven (David Fincher) -Cinco cineastas a los que admires:Michel Gondry, Peter Weir, David Fincher y Steven Spielberg.

22

SOCIALES

INAUGURACIÓNSANFIC 10

La noche del martes 21 se desarrolló la inauguración de SANFIC 10 en el Centro de las Artes 660. En la ocasión, la actriz Francisca Gavilán, acompañada de los fundadores de SANFIC, Gabriela Sandoval y Carlos Núñez, y la Directora de Producción Ejecutiva, Viviana Bendeck, ofreció un discurso en homenaje a los 10 años que cumple nuestro festival. En la oportunidad se reunieron entidades de gobierno, como la Ministra de Cultura, Claudia Barattini; jurados de las competencias como Jaie Laplante, Cristián Leighton, Juan de Dios Larraín, entre otros; además de directores y actores de algunas de las principales cintas que participarán en el festival. Posteriormente se estrenó el último largometraje de Woody Allen, Magia a la luz de la luna, de la cual pudieron disfrutar todos los asistentes.

Ministra de Cultura, Claudia Barattini. Eyal Meyer, Igal Weitzman y Vesta Lugg de Blood Sugar Baby.

Viviana Bendeck, Carlos Núñez y Gabriela Sandoval.

Loreto Aravena, actriz de No soy Lorena.


23

SOCIALES

Mariana Loyola, actriz de Aurora.

Francisca Gavilán presentando SANFIC 10. Carlos Flores y Cristián Leighton

Carlos Núñez y Jaie Laplante Carolina Arredondo, Jorge Olguín y Carolina García

Francisca Gavilán presentando SANFIC 10.

24

Inaguración SANFIC 10.

Ingrid Isensee, directora de El Puente.

Rodrigo Sepúlveda, director Aurora; Tatiana Emden, Secretaria Ejecutiva del Fondo de Fomento Audiovisual, Consejo del Arte y la Industria Audiovisual; y el productor y miembro del Jurado Internacional, Juan de Dios Larraín.

CorpBanca. Infórmese sobre la garantía estatal de los depósitos en su banco o en www.sbif.clCorpBanca. Infórmese sobre la garantía estatal de los depósitos en su banco o en www.sbif.cl

SOCIALES


25


27

diario sanfic10 - 22 de octubre de 2014

Documents