LITERATURA GRIEGA

Epopeya Griega GRECIA: Período Arcaico o Jónico (VIII - VI a.C.) ETAPAS: Jónico (Épica) Ático (Dramática) Alejandrino CONTEXTO HISTÓRICO (Formación): - Sociedades aristocráticas y cortesanas. - Economía agraria. - Inicio de la expansión y colonización. - Guerra Médicas

ETAPA JÓNICA: ÉPICA

HOMERO (IX O VIII A.C.) La existencia de Homero es un tema de discusión, por un lado Herodoto lo presenta como un aeda griego que recorría Grecia en el siglo IX cantando sus versos. Varias ciudades se disputan el ser su cuna: Rodas, Colofón, Argos, Itaca, Pilos, Atenas, aunque Esmirna y Quíos son las más probables.

Al morir Meón, Homero quedó huérfano y fue muy pobre, pasados los años estudió letras y música en la escuela de Femio, al morir éste, Homero tomó su puesto de maestro, luego el mercader Mentes lo llevó en sus viajes y así llegó a Itaca, donde recogió datos sobre Ulises. A continuación arribó a Quíos donde un mecenas le facilitó una academia en la que enseñó y pudo terminar “La Ilíada” , más tarde compuso “La Odisea” , finalmente llegó a la isla de Ios, en donde murió. La otra versión niega la autoría de Homero sobre los grandes poemas que otros le atribuyen, así en 1664, Francois Hedelin escribió “Las Conjeturas Académicas”, en las que sostiene que “La Ilíada” y “La Odisea” son obras de varios autores que narraron un hecho histórico, desde distintos puntos de vista y que los rapsodas sintetizaron, Wolf ratifica esto en “Los Prolegómenos de Homero” , en la que explica que en la época de Homero la escritura no era todavía de uso común, y por lo tanto era imposible que una sola persona hubiera compuesto obras tan extensas.

Otra versión es la que supone que en el año 560 a.C. se reunieron todos los re-latos y leyendas populares sobre los hechos antiguos por varios poetas, y así nacieron “La Ilíada” y “La Odisea”.

LA ILÍADA

(Poema de la guerra) Tema central: “La Cólera de Aquiles” Especie: Epopeya Género: Épica Escrita en verso Lengua: Jónica Personajes arquetipos:

Agamenón: El poder Néstor: La prudencia Aquiles: El valor

Personajes principales: Griegos: Aquiles, Agamenón, Menelao, Helena, Patroclo, Criseida, Crises, Ulises,

Calcas (adivino), Briseida Troyanos o Teucros: Rey Príamo, Reina Hécuba, Héctor, Andrómaca, Paris, Déifobo Dioses: Zeus, Hera, Atenea, Afrodita, Hefestos, Febo Apolo, Tetis

DESCRIPCIÓN Tiene 15 693 (O 15674) versos agrupados en 24 cantos, gracias a los aportes de Schlieman y Dörpfeld. Se presume que Troya fue fundada en 2 870 a.C. y destruida en 1 184 a.C. Estaba ubicada a unos 200 kilómetros del Estrecho de Dardanelos (actualmente Helesponto) y estaba entre los ríos Escamandro y Simois, en lo que hoy es Turquía (Asia Menor). Crises, sacerdote de Apolo, ruega a Agamenón que libere a su hija Criseida siendo expulsado e insultado; entonces implora a Apolo, quien causa males a los griegos durante nueve días.

Consultado el adivino Calcas, revela que Agamenón debe devolver a Criseida, éste irritado acepta, pidiendo a cambio a Briseida, esclava de Aquiles, que abandona la asamblea y decide retirarse de la lucha. Ausente Aquiles, Héctor arrincona a los aqueos; Patroclo adolorido convence a su amigo Aquiles, quien le presta su armadura y sus soldados. Los troyanos huyen y varios mueren a manos del griego hasta que Héctor lo mata y se apodera de la armadura. Enterado Aquiles, vuelve a la batalla con nuevas armas, hechas por Hefestos, mata a muchos troyanos y se enfrenta a Héctor en el duelo final, venciéndolo y encarnizándose con su cadáver, mientras celebra los ritos fúnebres de Patroclo. Sólo Príamo, rogando, puede obtener el cadáver de su hijo. Finaliza el poema con las ceremonias por la muerte de Héctor. LA ODISEA (Poema de la paz) Temas centrales:

“Regreso de Ulises a Itaca” “La búsqueda que hace Telémaco de su padre” “La fidelidad de Penélope”

Especie : Epopeya Género : Épica Escrita en verso Lengua: Jónica Personajes arquetipos:

Penélope, Eumeo y Argos : la fidelidad Ulises : la astucia

Personajes principales : Mortales : Ulises, Penélope, Telémaco, Néstor, Menelao, Helena, Alcinoo, Nausicaa,

Eumeo, Argos. Dioses y seres mitologicos : Zeus, Atenea, Hermes, Calipso, Poseidón, Polifemo

(cíclope)

DESCRIPCIÓN Tiene 12 110 versos, agrupados en 24 cantos. De los griegos sobrevivientes de Troya, sólo Ulises no podía regresar a Itaca, porque la ninfa Calipso lo retuvo en la Isla Ogigia. Han pasado 20 años desde que salió de su patria, donde quedaron su esposa Penélope y su hijo Telémaco. Éste visita a Néstor y Menelao, indagando por su padre. Le informan que Calipso lo retiene, pero Minerva le aconseja regresar a Itaca, pues Calipso -obedeciendo a Zeus- no ha tenido más remedio que dejar a Ulises con quien pasó 7 años facilitándole una nave.

Neptuno, que lo odia por haber cegado a su hijo Polifemo, lo hace naufragar en la isla de los Feacios. El rey Alcinoo y su hija Nausicaa le hospedan. Allí un Aeda la relata el final de la guerra de Troya y el suceso con el caballo de madera emocionándose Ulises al escucharlo. Luego Ulises les cuenta sus peripecias, la llegada a la isla de los Cicones (aliados de los Troyanos), su huída por el país de los Lotófagos, en donde el que comía la flor de loto padecía amnesia. Su enfrentamiento con el cíclope Polifemo a quien deja ciego. Su encuentro con Circe, que convirtió en cerdos a sus compañeros. Su paso por Escila y Caribdis a los que esquiva. Su resistencia a los cantos de las sirenas. Su llegada al mundo de los muertos. Alcinoo embarca a Ulises, quien ya en Itaca es convertido en mendigo por Minerva para desenvolverse mejor. Se reúne con su hijo Telémaco y planean deshacerse de los pretendientes de Penélope, que acosada por ellos convoca a un concurso de arco y flecha. Ninguno logra triunfar y Ulises que sí puede cargar el arco, los elimina, finalizando la historia con el reencuentro con la fiel Penélope. ORDEN SECUENCIA DE SUCESOS Atenea solicita a Zeus la liberación de Ulises de Ogigia. Telémaco guiado por Atenea busca a su padre. Penélope es descubierta. Ulises llega a Feacios. Relato de las aventuras: Lotófagos, Isla de los Cíclopes, Isla de Eolo, Lestrigones, Circe,

Mundo de los Muertos (Hades), Sirenas, Escila y Ca ribdis, Isla de las Vacas del SoI, Isla de Ogigia, Isla de Egusa.

Llegada de Ulises a Ítaca. Es convertido en un mendigo. Encuentro con Eumeo y prueba de su fidelidad. Llegada de Telémaco y revelación de Ulises. Euriclea, su nodriza, descubre a Ulises. Penélope propone la competencia de arco y flecha. Muerte de los pretendientes. Reencuentro con Penélope. CARACTERÍSTICAS DE LOS POEMAS HOMÉRICOS. Representan hechos sucedidos en el siglo XII El mundo de Homero es divino y humano al mismo tiempo, ya que partici-pan dioses y

hombres Tiene gran detallismo y realismo Abundancia de “Epítetos” Se basa en los diversos Mitos sobre la Guerra de Troya (Ciclo Troyano) No fue escrita, sino creada en para ser cantados, relatados o recitados por aedos o

rapsodas. VERSIÓN HISTÓRICA DE LA GUERRA DE TROYA. Los reyes asiáticos cometían actos de piratería con los barcos griegos, por lo que éstos se unieron y emprendieron una expedición para escarmentar a los bandidos, atacando Troya. Además necesitaban extender su poderío marítimo, por lo que el rapto de Helena fue el pretexto que tomaron para declarar la guerra a los troyanos que competían con tanto éxito en la navegación con ellos.

PERÍODO ÁTICO o CLÁSICO (Siglo V al 323 a.C.)

CONTEXTO HISTÓRICO (Esplendor): Expansión industrial y comercial Ciudades estado (Polis) Siglo de Pericles (V a.C.) Expansión militar y política (Alejandro Guerras del Peloponeso

Magno) En esta época se cultiva principalmente el GÉNERO DRAMÁTICO (Tragedia y comedia) TRAGEDIA GRIEGA Fue la especie teatral más en boga y apareció en los ritos religiosos. Tespis inició el

teatro, pero se considera a Esquilo, el padre de la tragedia. La palabra “Tragedia” proviene de Trasgos, que significa Macho Cabrío. Según Aristóteles, el primero que estudió este género, la tragedia provocaba en el público

asistente una profunda emoción denominada CATARSIS (o purificación espiritual)

REPRESENTANTES: ESQUILO SÓFOCLES EURÍPIDES ESQUILO (Padre de la Tragedia Griega) (525-456 a.C.) Escribió más de 70 obras y nos han quedado 7 . En “LAS SUPLICANTES” se cuenta la leyenda de las hijas de Danao, que huyeron para

no casarse con los hijos de Egipto. “LOS PERSAS”, habla de la victoria de los griegos en Salamina. “LOS SIETE CONTRA TEBAS”; se dio una guerra en Tebas por la rivalidad de los

hermanos Eteocles y Polinice que se mataron mutuamente. “PROMETEO ENCADENADO”; por robar el fuego para dárselo a los hombres. Zeus lo

castiga encadenándolo a un monte. “LA ORESTIADA” es una trilogía que agrupa a : “AGAMENÓN”, “LAS COÉFORAS”, “LAS

EUMÉNIDES” y que trata la tragedia de Orestes, hijo de Agamenón y Clitemnestra. Ella, junto a su amante Egisto, matan al héroe, y Orestes elimina a los asesinos, por lo que lo persiguen las furias. Se refugia en el templo de Apolo y Atenea transforma a las Furias en bienhechoras, es decir, en Euménides, siendo Orestes perdonado.

LA ORESTIADA

Género: Dramático Especie: Tragedia Partes: 3 partes (Agamenón – Coéforas – Euménides) Escenario: Palacio de Micenas Tema: La venganza de Orestes

AGAMENÓN La acción se desarrolla en Argos. En el fondo se ve el Palacio de Agamenón. Tiene por argumento el asesinato del rey de Micenas (hijo de Atreo y Aérope), valeroso atrida vencedor de troya, por su esposa Clitemnestra, con la complicidad de su aman-te Egisto, primo hermano de Agamenón.

Mientras Agamenón regresa de la Guerra de Troya. Egisto trata de ocupar su puesto. Se inicia con la escena en que el vigía, en lo alto del palacio, espera la fogata que ha de anunciar la caída de Troya; diez años han pasado en su acecho y cuando al fin descubre a los lejos la

luminaria, su alegría sólo dura un instante, porque conoce los abominables secretos de la casa y sabe del culpable amor entre Clitemnestra y Egisto. Llega Agamenón y Clitemnestra lo hace pisar tapetes de púrpura a pesar de la moderación recomendable a los victoriosos Aqueos. Al entrar en su palacio Agamenón. Casandra (la cautiva troyana) predice su muerte en una escena de desbordado patetismo. Después se oyen gritos del rey moribundo y Clitemnestra aparece y cuenta lo que acaba de hacer. La esposa lo había matada después de haberle preparado el baño. A su lado yace también el cadáver de Casandra. Clitemnestra responde que el motivo del crimen ha sido la venganza porque Agamenón sacrifico a su hija Ifigenia, también porque ante los muros de Troya deseó a Criseida y porque en la nave, no tuvo reparos en compartir su lecho con la profetista troyana Casandra.

LAS COÉFORAS Representa la venganza de Orestes, hijo de Agamenón instigado por Apolo y por su hermana Electra. Oreste mata a Egisto y a la propia Clitemnestra. A causa de su crimen es perseguido por la erinnias (divinidades vengativas nacidas de la tierra regada por la sangre de Urano, cuando éste fue mutilado por Crono). Sus nombres era Alecto, Tisífone y Mégera. Ellas causaron la desgracia de Agamenón que sacrificó a su hija Ifigenia, alenta-ron a Clitemnestra para que mate a su marido y persiguieron a Orestes después que asesinó a su madre. Por antifrasis llamadas las Euménides divinidades propicias.

Comienza con el encuentro y reconocimiento de Orestes y su hermana Electra, Orestes había sido desterrado desde su infancia y se encontraba confiado a Estrofio de Fócida, rey de Crisa. Orestes y su primo Pílades se encuentran ante la tumba de Agamenón.

Aparece el coro de doncellas, las Coéforas o portadoras de libaciones entre las cuales se encuentran Electra. El coro manifiesta que una orden de palacio los ha enviado a hacer las libaciones sobre la tumba de Atrida, Orestes y Electra invocan al espectro del padre y el piden ánimo para la venganza. Apolo presiona también a Orestes para que mate a los asesinos. Así Oretes disfrazado de focense se presenta en la casa real diciendo que tiene noticias del fallecimiento de Orestes. Esto no era más que una estratagema. La ab-negada nodriza Cilisa que le salvó la vida a Orestes cuando era un pequeño, aún de su propio hijo y en circunstancias que Egisto pensaba matar al pequeño vástago de Agamenón, se puso triste. Ella llama a Egisto para que oíga en los labios del extranjero focense la noticia. Egisto por su parte estaba confundido, pues, él con sus propias manos había dado muerte al hijo de Agamenón cuando era niño pero no se percató que la abnegada Cilisa había puesto a su propio hijo en la cama en reemplazo del pequeño Orestes.

Orestes mata a Egisto en dicha circunstancia y luego se dirige donde Clitemnestra. Ésta, le suplica y le enseña el pecho que lo amamantó. Orestes duda pero Pílades le re-cuerda el mandato de Apolo y Clitemnestra morirá en el mismo lugar donde Orestes había matado a Egisto. El esfuerzo ha sido excesivo para el protagonista y a punto de perder la razón, sólo tiene tiempo de declarar que a obrado según la estricta justicia. Cuando se dispone salir ve a unas mujeres vestidas de negro y con muchas serpientes enrolladas en la cabeza. Son las Erinnias, las furias, que han llegado en su busca. Sólo él, Orestes, las puede ver, por lo cual huye rápidamente, estas se alimentan de sangre humana.

LAS EUMÉNIDES Orestes protegido por Apolo huye del Delfos a Atenas, en donde será juzgado por el Areópago (significa colina de Ares) que Atenea establece especialmente para la circunstancia. La diosa Atenea buscará los jueces para el tribunal escogiendo entre los ciudades más dignos de Atenas, Las Euménides (coro de erinnias) amenazan a Orestes diciéndole que ni Apolo ni la fuerza de Atenea lograrán salvarlo. Orestes había llegado al Aerópago y se había abrazado a la estatua de Atenea en busca de ayuda. En tanto, instalado el tribunal, Apolo manifiesta que participará como testigo ya que Orestes cometió el crimen por instigación cuya. Las acusadoras Ernnias (que están

representadas por el coro) hace uso de la palabra pero señala que Clitemnestra había cometido un doble crimen:

Asesinó a su esposo. Asesinó al padre de Orestes.

CARACTERÍSTICAS Lenguaje conciso y exaltado, lleno de imágenes Gran extensión de los coros, que es donde expone sus ideas Fatalismo, creyendo en el poder del destino Religiosidad, los dioses lo deciden todo, más aun Zeus Personajes poco humanos Padre de la tragedia Incorpora al segundo actor

SÓFOCLES (495-406 a.C.) Recibió el epíteto de “LA ABEJA ÁTICA”, por la dulzura de sus obras. Escribió más de 100 tragedias y sólo han sobrevivido 7. “AYAX” : Atenea vuelve loco a Ayax , que se suicida. “FILÓCTETES”: héroe griego abandonado por sus compañeros al ser herido y al que

luego buscan para llevarse sus armas sin las que no se podía tomar Troya. “ELECTRA”: hermana de Orestes , mujer vengativa. “TRAQUÍNEAS”: se habla de la muerte y los celos de Deyanira, esposa de Hércules . “ANTÍGONA”: es ejecutada por querer sepultar a su hermano . “EDIPO REY”: mata a su padre y se casa con su madre . “EDIPO EN COLONO”: viejo y abatido , desterrado de su patria, es acogido en Colono,

donde los dioses piadosos hacen que la tierra se lo lleve misteriosamente. Otras obras : “TRIPTOLEMO”, “TELEFEA”, “LA ASAMBLEA DE LOS AQUEOS”.

CARACTERÍSTICAS Es el equilibrio de la tragedia griega Gozó de gran fama y popularidad Lo llamaron la “Abeja Ática” Se debate entre el poder de los dioses y la voluntad de los hombres Aumenta el número de personajes Disminuye el uso del coro Lenguaje elegante Incorpora al tercer actor Su obra más importante es Edipo rey

EDIPO REY

Tema central: “Nadie puede escapar de su destino” Género: Dramático Especie: Tragedia Escenario: Tebas Etapa: Ática Actos: No está dividido en actos Personajes:

Edipo : Rey de Tebas Yocasta : madre y esposa de Edipo Creonte : hermano de Yocasta Tiresias : vidente Mensajero de Corinto Pastor

DESCRIPCIÓN: Esta tragedia se basa en una leyenda de origen tebano enlazada con la vida de Layo; ambas fuentes han pasado por muchas variantes hasta llegar a la que en la obra acoge Sófocles. La idea que encarna es que nadie escapa de su destino. Da comienzo presentándonos al pueblo tebano (a Tebas Edipo la llama en muchas ocasiones “CIUDAD DE CADMO”, aludiendo al mítico fundador) que víctima de la peste se congrega en el ágora, entre el palacio del rey para solicitar a éste, a quien tiene gran veneración, que encuentre un remedio a sus males. La contestación que trae Creonte, cuñado de Edipo, del oráculo de Delfos, da a conocer al rey y al pueblo que el azote que sufren es un castigo impuesto por los dioses, porque un crimen de sangre, concretamente la muerte de su anterior rey Layo ha quedado impune, Se hace pues, necesario, encontrar al culpable y que expíe su crimen. (A lo largo de la obra se reconstruye la génesis de Edipo: hijo de Layo y de Yocasta y abandonado por su padre, a quien un oráculo había revelado que su hijo le daría muerte, Edipo fue recogido por unos pastores y llevado al rey de Corinto, Pólibo, quien lo educó como príncipe, Ya hombre, Edipo se entera de la revelación del oráculo y para evitar su cumplimiento, se aleja de Pólibo. De paso por Tebas encontró a su padre en el camino y lo mató en una disputa, sin conocerlo. Habiendo adivinado el enigma de la esfinge, recibió como premio la mano de Yocasta, con quien se casó sin saber que era su madre). Edipo, hombre honrado, ordena que se abra una investigación, ésta revela que hubo un testigo de la muerte de Layo pero él ha dado una pista falsa. Los autores fueron varios, ha dicho, lo cual justifica en parte su cobardía. De todos modos, se ordena que comparezca. Entre tanto, se han producido otras circunstancias : llega un mensajero de Corinto para anunciar a Edipo la muerte de Pólibo, rey de la ciudad y supuesto padre de Edipo; pe-ro entre otras revelaciones que hace en el curso de la conversación, el mensajero revela a Edipo que no fue hijo de Pólibo, sino que él mismo le entregó un niño, que a su vez, él había recibido de otro pastor, que al parecer estaba al servicio de Layo. El coro sugiere que quizás el pastor que se busca sea el mismo que entregó al niño. Del diálogo de ambos se aclara que aquel niño es el propio Edipo, que es por tanto también el matador de Layo, con cuya viuda se ha casado, claro que sin saberlo, y ésta es a su vez madre y abuela de los hijos de Edipo. Yocasta, al saberlo, se suicida. Edipo, ante el cadáver de su madre y esposa, se revienta los ojos con los broches que cerraban la túnica de Yocasta y Edipo explica que ha querido huir de la vista intolerable para él, de los hijos nacidos de aquel matrimonio, y que hubiera querido asimismo quedarse sordo para librarse del contacto del mundo exterior. Los personajes que intervienen en la obra son : Edipo, rey de Tebas; Yocasta, su esposa y viuda del rey Layo; Creonte, hermano de Yocasta; Tiresías, vidente oficial de la ciudad, anciano y ciego cuidado por un lazarillo, sacerdote de Zeus; un mensajero; un pastor, que fue siervo de Layo, un paje del palacio; Antígona e Ismene, hijas de Edipo y Yocasta, aún niñas, coro de ancianos; grupo de suplicantes, pajes, criados, pueblo.

EURÍPIDES ( 480 - 406 a.C.)

OBRAS: “Medea”, “Ifigenia en Aulis”, “Ifigenia en Tauris”, “Hipólito”, “Las Troyanas”, “Electra”, “Bacantes”, “Andrómaca”, “Hécuba”, “El Cíclope”, “Alcestes”

CARACTERÍSTICAS Según Aristóteles, era “el más trágico de los trágicos” Predominio de la subjetividad Inició los melodramas románticos Las pasiones imperan sobre la

moral Pocos Coros Lenguaje sencillo Personajes totalmente humanos

MEDEA Género: Dramático Especie: Tragedia Escenario: Corinto Autor: Eurípides Etapa: Ática Tema: La venganza de Medea Personajes:

Jason Medea Creusa Hijos de Jasón y Medea

RESUMEN Es una tragedia de poca extensión pero que impresiona por su poder de expresión, la crueldad de la protagonista Medea y el fatalismo en el destino de Jasón y su novia, la princesa, hija del rey de Corintio, Creonte. Medea fue raptada por Jasón para vivir en Grecia, se casaron, tuvieron dos hijos varones, que representaban el futuro de la pareja. Sin embargo, Jasón por su afán de poder transgrede su matrimonio y genera la terrible venganza de Medea. Medea como hechicera es capaz de ocasionar el mayor daño posible, pre-para filtros en el peplo y diadema de la nueva desposada para que muera quemada y su padre al tratar de salvarla. Además no sin dolor, mata a sus hijos por espada para que Jasón quede sin descendencia y sufra de por vida. Un carro del dios Sol Helio se lleva a Medea con los cuerpos de sus hijos, para que los entierre en el campo de Hera Acrea y les instituya un ritual en la tierra de Sísifo, su huída ocurre mientras se maldicen ella y su esposo.

COMEDIA GRIEGA COMEDIA

Apareció en las fiestas de Baco, en las cuales unos comensales bromeaban y se burlaban de las personas que asistían a estos ritos (en los que ellos participaban) y luego se marchaban ebrios a burlarse de la gente que veían en la calle. Fue una especie dramática que alcanzó su máximo desarrollo con Aristófanes y era eminentemente jocosa y satírica. REPRESENTANTES: ARISTÓFANES ARISTÓFANES (450-585 a.C.) Escribió 40 comedias, pero sólo han quedado 11. “LAS NUBES” : ataca a Sócrates y a los filósofos de la época. “LOS ACARNANIOS”: ataca a Eurípides a quien considera corruptor de la mo-ralidad

griega. “LOS CABALLEROS” : ataca al demagogo Cleonte. “LAS AVES” : muestra la incredulidad

que siente por los dioses. “LAS RANAS” : ataca a los trágicos Eurípides y Esquilo. Otras obras son: “LAS AVISPAS” , “LISÍSTRATA”, “LA ASAMBLEA DE LAS MUJERES”,

“LA PAZ” , “LAS FIESTAS DE CERES”, “PROSERPINA” y “PLAUTO”

CARACTERÍSTICAS Estilo satírico, dentro de lo social y político. Sus obras contienen abundante información sobre la vida política y la men-talidad

ateniense. Padre de la comedia antigua incorpora al cuarto actor

LITERATURA LATINA

VIRGILIO Publio Virgilio Marón, en latín Publius Vergilius Maro; Andes, hoy Pietole, actual Italia, 70 a.C.-Brindisi, id., 19 a.C. Poeta latino. Aunque hijo de padres modestos, Virgilio estudió retórica y lengua y filosofía griegas en Cremona, Milán, Roma y Nápoles. Si bien no intervino de modo directo en la vida política, desde muy pronto Virgilio disfrutó del apoyo de mecenas y amigos, como Cayo Mecenas, el poeta Hora-cio e incluso Octavio, el futuro emperador Augusto, en parte propiciado por el éxito de su primera obra mayor, las Bucólicas, en las que desarrolla muchos temas de la tradición pastoril, tomados sobre todo de los Idilios de Teócrito, aunque introdujo numerosas alusiones a personajes y situaciones de su época. Incitado por sus protectores, escribió las Geórgicas, en apoyo de la política imperial de relanzar la agricultura en Italia, en las cuales recrea la belleza de la vida campesina y sus distintos aspectos: labranza, ganadería y apicultura. La vertiente pública de la poesía de Virgilio llegó a su cima cuando afrontó la tarea de escribir un ambicioso poema patriótico a imagen de las grandes epopeyas homéricas, la Eneida, que debía cantar las virtudes del pueblo romano y cimentar una mitología propia para la nación. Para ello escogió la conocida figura legendaria del héroe troyano Eneas. Durante otros doce años trabajó en la composición de esta su obra maestra, poema épico que incluye doce cantos. Al principio, Eneas logra huir del desastre de Troya llevando sobre los hombros a su anciano padre, Anguises, y a su hijo Ascanio de la mano; reúne una flota y zarpa con los supervivientes troyanos rumbo a Tracia, Creta, Epiro y Sicilia, antes de abordar las costas de África. Luego relata los amores de la reina de Cartago, Dido, con Eneas, y el suicidio de ella tras la partida del héroe. Tras un interludio, la última parte narra la llegada de Eneas a Italia, y la guerra que sostiene con Turno, rey de los rútulos; la victoria le otorga la mano de Lavinia, princesa del Lacio. Según Virgilio, el linaje romano procede del hijo de Eneas, Ascanio, que habría fundado la ciudad de Roma. El modelo homérico está presente tanto a nivel formal como temático, aunque es visible también la influencia de poetas romanos como Ennio, Lucrecio y Apolonio de Rodas. El verso de Virgilio en la Eneida fue considerado en su propia época, y a partir de entonces, como modelo de perfección literaria tanto por su equilibrio métrico como por su musicalidad. Sin embargo, el poeta no pudo terminar su obra, pues en el 19 a.C. emprendió un viaje por Grecia y Asia con la intención de corroborar sobre el terreno las referencias paisajísticas y geográficas de su obra maestra, práticamente finalizada para entonces, y para profundizar en el estudio de la filosofía. Durante el viaje enfermó gravemente, y en su lecho de muerte pidió

a sus amigos Vario y Plocio que destruyeran la Eneida, por considerarla imperfecta, ruego que no fue atendido por orden de Augusto. Se atribuye asimismo a Virgilio la composición de un conjunto de obras menores de carácter épico, elegíaco y didáctico, conocido como el Appendix vergiliana, que quizás podrían ser obras de juventud, aunque no está bien dilucidada su autoría. El renombre de que gozó fue enorme no sólo en su época, sino a lo largo de toda la Edad Media, que le consideró como un cristiano anticipado, e incluso se llegó a ver en una de sus Bucólicas una profecía de la llegada del Mesías. En su Divina Comedia, Dante lo convirtió en su guía a través del Infierno y el Purgatorio, y le consideró su maestro.

LA ENEIDA Eneas, huyó de Troya tras haber sido quemada por los aqueos. Se llevó a su padre y a su hijo a rastras, y su mujer le seguía a pocos pasos. Pero ella pereció en la oscuridad. Eneas, desesperado, embarcó con otros supervivientes en busca de una nueva tierra. Su enemistad con Juno (Esposa de Júpiter, Diosa reina del olimpo y madre de muchos dioses) le llevó a navegar errante durante mucho tiempo. En su viaje llega a las costas del norte de África, en Cartago. Allí habitaba la reina Dido, que se enamoró de él por obra de Cupido (el regordete angelito del arco y la flecha hijo de Venus), para que olvidara a su difunto marido; entonces lo retuvo por largo tiempo. El reino era hospitalario y todos los troyanos querían quedarse en Cartago, pero Eneas sabía que era en Italia donde debía fundar su imperio. Tras su marcha, Dido hostigada e instigada por las malvadas arpías (Criaturas horrendas con cabeza de mujer, cuerpo de pájaro, excelentes cantoras pero sumamente malvadas) se suicidó en una pira con la espada de Eneas maldiciendo por siempre a su amado, haciéndole jurar venganza a su pueblo para que destruyera a los hijos de su padre, los futuros romanos. (De esta forma se crea el cuadro que justifica la eterna enemistad entre dos pueblos hermanos, el de Cartago y el de Roma, que se sacaron mutuamente la mugre en las guerras púnicas). Igual que muchos héroes griegos (Orfeo, Hércules, Odiseo y últimamente Xena) nuestro héroe Eneas, en su camino debe descender a los infiernos, allí se encuentra con su padre, ya muerto, quien le revela que fundará un imperio floreciente, (Roma). Eneas llega al Lacio, donde gobernaba el rey Latino (así se llamaba, no es que haya nacido por estas tierras). Este rey tenía una hija que se llamaba Lavinia quien tenía que casarse con Turno, que era líder de una banda de revoltosos llamados “Rútulos”. No obstante al Rey Latino al consultar el oráculo, se le había profetizado que un hombre llegado del mar (Eneas, lógicamente) se casaría con su hija y crearía un gran imperio. Entonces Turno y Eneas se declararon la guerra por causa de la bella princesa (Que naturalmente prefería a Eneas) y empezaron a batallar durante un buen tiempo. A Eneas lo ayudaba Venus (Diosa del Amor) pero Turno era ayudado por Juno. Júpiter (Dios del rayo, Padre y Rey de todos los Dioses) no se animaba a otorgar la victoria a ningún bando, por tanto la guerra se extiende y se extiende. Al final, Eneas mata a Turno en un combate y consigue la mano de Lavinia. Final feliz y de paso fundan un reino que algún día se convertirá en Roma.

OVIDIO Publio Ovidio Nasón, en latín Publius Ovidius Naso; Sulmona, actual Italia, 43 a.C. Tomis, hoy Constanza, actual Rumania, 17 d.C. Poeta latino. Educado en las artes de la política, estudió en Roma y completó su formación en diversas ciudades del mundo griego, pero pronto abandonó la política para dedicarse por entero a la poesía, convertido en un hombre adinerado tras heredar la hacienda de su padre. Tuvo numerosas amantes, y se casó tres veces (con dos divorcios), y algunas de sus peripecias amorosas aportaron el material poético para sus Amores, una serie de poemas que narran los incidentes de sus relaciones con Corina, personaje en el que seguramente condensó diversas figuras femeninas. Ovidio perteneció a una serie de poetas que no conocieron las guerras civiles que asolaron Roma durante el siglo I a. C. Los antiguos poetas augusteos, como Virgilio y Horacio, con sus valores patrióticos y su estética clasicista, estaban ya muy lejos de la generación de Ovidio, heredero de la estética helenística que representa el gusto por la erudición y por la despreocupación política y social. En Roma, donde residió hasta los cincuenta años de edad, se relacionó con la más alta sociedad, incluido el emperador Augusto. Sin embargo, en el año 8 d. C. cayó en desgracia y fue desterrado hasta su muerte en Tomis, en el Ponto Euxino, cerca del Mar Negro, sin que se sepa cuál fue exactamente el motivo; el propio Ovidio supone que se debió al tono libertino de algunas de sus obras, que se habría interpretado como un ataque a la política de reforma moral y a la estética del emperador Augusto, quien llegó a castigar el adulterio como si fuese una ofensa contra el Estado o la religión, incluso más allá de la propia tradición romana. Sin embargo, estas obras circulaban desde hacía tiempo, por lo que se ha especulado también con la posibilidad de que el poeta conociera un escándalo en el que estaba implicada la hija del emperador. En su primera etapa, la poesía de Ovidio tiene un tono desenfadado y gira alrededor del tema del amor y el erotismo. Amores, Arte de amar, considerada por algunos su obra maestra, y Remedios de amor destacan por la maestría técnica en el manejo del dístico elegíaco y la facilidad brillante y a veces pintoresca del verso. El propósito didáctico, los consejos y ejemplos sobre cómo seducir a las mujeres y relacionarse con ellas, se mezcla en estas obras con la anécdota burlesca y un costumbrismo teñido de sátira; a los ojos modernos, más que de amor se trata de erotismo, o incluso de un simple repertorio de anécdotas picantes, aunque debe tenerse en cuenta que lo que en la Antigüedad se entendía por amor se acerca más a lo que hoy llamaríamos erotismo. Por ello, cuando estas obras influyan en el amor cortés trovadoresco (siglo XII), las diferencias serán también notorias. A la obra de madurez del poeta corresponden Las metamorfosis, extenso poema en hexámetros que recoge diversas historias y leyendas mitológicas sobre el tema de las metamorfosis o transformaciones. Se trata de un poema escrito con la voluntad de competir con Virgilio, aunque a la solemnidad de la Eneida opone Ovidio el guiño, la broma y el refinamiento, y a la épica armónica y ática del excelso Virgilio, la variedad pasional y helenística. Durante la Edad Media y el Renacimiento, la obra circuló casi como una enciclopedia sobre mitología clásica. Las obras compuestas durante el tiempo de exilio se caracterizan por la melancolía; destacan los Tristes, cinco libros de elegías que relatan su infeliz existencia en Tomis y apelan a la clemencia del emperador Augusto.

EL ARTE DE AMAR Arte de amar (en latín Ars Amandi o Ars amatoria) es un poema didáctico escrito por el poeta romano Ovidio. Escrito en latín y publicados entre los años 2 a. C. y 2 d. C. consta de tres libros o cantos en los que facilita una serie de consejos sobre las relaciones amorosas: dónde encontrar mujeres, cómo cortejarlas, cómo conquistarlas, cómo mantener el amor, cómo recuperarlo, cómo evitar que nos lo roben. Forma y contenido A pesar de tratarse de una obra de contenido didáctico el espíritu y la forma son las de la elegía. El metro elegido no es el hexámetro, habitual en los poemas didácticos, sino el dístico elegiaco, más propio de la elegía. Los dos primeros libros o cantos se dirigen a los hombres y sus temas son, respectivamente «Sobre cómo y dónde conseguir el amor de una mujer» y «Sobre cómo mantener el amor ya conseguido». Se publicaron conjuntamente no antes del año 2 a. C. ni después del 1 d. C. El éxito de los dos primeros libros le mueven a escribir el Libro III, dedicado esta vez a las mujeres bajo el epígrafe «Consejos para que las mujeres puedan seducir a un varón». Fue publicado probablemente el año 2 d. C. REPERCUSIONES El éxito de la obra fue inmenso. Sin embargo, sus enseñanzas eran contrarias a la moral oficial y levantó suspicacias entre el sector más conservador de la sociedad romana, entre ellos al emperador Augusto, protector de Ovidio. Ya sea por las presiones recibidas o por una mera cuestión literaria, a finales del mismo 2 a. C. o poco después publicó Remedia amoris (Remedios de amor), obra en la que nos enseña a protegernos de los amores desgraciados o perniciosos. LA METAMORFOSIS Las metamorfosis (Metamorphoseon, en latín), del poeta romano Ovidio, es un poema en quince libros que describe la creación e historia del mundo mitológico. Es una obra de difícil clasificación, que se encuentra entre la épica y la didáctica. Fue escrita en hexámetros y consta de más de 250 narraciones mitológicas que se suceden en el tiempo desde el origen del mundo hasta la transformación en estrella del alma de Julio César, describiendo los cambios físicos que hacen las distintas divinidades para conseguir fines distintos, griego y romano. Se considera uno de los trabajos sobre mitología más populares, una joya de la literatura ro-mana, llegando a ser la obra más conocida por los escritores medievales y por lo tanto teniendo una gran influencia en la poesía medieval.

LITERATURA MEDIEVAL

LOS CANTARES DE GESTA La épica medieval está formada por extensos poemas de carácter heroico donde se cantaban las gestas o hazañas de los héroes tradicionales. Su origen ha sido muy discutido. Para Pidal, es de origen tradicional juglaresco, no erudito, y de procedencia germánica, a la cual se superpone, en tiempos de Alfonso VI, la influencia francesa, manifiesta en la gran extensión de los cantares y sus fórmulas expresivas ("llorar de los ojos"). Características: Son anónimos y orales. Los temas son heroicos, sobre personajes gratos a los oyentes, y que pertenecen a la

leyenda castellana. La métrica es irregular, dominando los versos de catorce sílabas divididos en dos

hemistiquios por medio de una cesura. Se agrupan en tiradas monorrimas, de extensión muy variable y ligada al contenido. La rima es asonante, y la asonancia suele variar en

cada tirada. En la última época de composición de los cantares, o época de decadencia, se generaliza el verso de dieciséis sílabas, origen del romance.

En cuanto al uso de la lengua, ésta es sobria, sencilla y muy expresiva. Se repiten ciertos epítetos aplicados a personas.

Se percibe un gusto por la exactitud histórica, precisión geográfica, valor documental (costumbres y personas bien caracterizados según las épocas), carácter local e inmediatez temporal (nacen poco después del hecho narrado).

El cantar de los Nibelungos El héroe del poema es Sígfrido, un guerrero alemán que tras matar a dos jefes burgundios de la familia de los Nibelungos, se apodera de su espada mágica, un manto que permite hacerse invisible y sus reservas de oro. Pero él no sabe que estos objetos fueron maldecidos por los burgundios antes de morir. Sígfrido sigue su camino y llega a Worms, la capital de Burgundia, y allí conoce a Crimilda, hermana del rey Gunther. Nuestro héroe decide casarse con ella y el rey le de su visto bueno a cambio de su ayuda para derrotar a Brunilda, la invencible reina de Islandia, poseedora de poderes mágicos. A su vez, la reina Brunilda decidió en su momento que se casaría con quien lograra vencerla en combate. Sígfrido y el rey Gunther ponen rumbo a Islandia con el manto de invisibilidad y al llegar, gracias a su espada mágica, Sígfrido derrota a Brunilda en una lucha cuerpo a cuerpo. Pero esta, creyendo que el triunfador ha sido Gunther, se casa con él. A su vez, Sígfrido se casa con Crimilda. Pero Hagen, el malvado consejero del rey Gunther, convence a este de que Sígfrido es considerado por todos superior a él. A su vez, Brunilda entra en cólera cuando se entera de que su matrimonio es fruto de un en-gaño. Entonces el consejero Hagen asesina a Sígfrido durante una cacería real. Crimilda jura vengar la muerte de su esposo, pero Hagen le ha quitado el tesoro de los Nibelungos (el cual ella había heredado) así que no puede ejecutar su venganza. Hagen escondió el tesoro en un lugar secreto del río Rin. (Dice la leyenda que el tesoro de los Nibelungos continúa aún hoy enterrado en el fondo del Rin). Trece años más tarde, Crimilda se casa con Atila, rey de los Hunos. Unos años después, esta mata a Hagen, Gunther y a sus seguidores. Pero entonces Hildebrand, un héroe alemán que quiere vengar la muerte de los burgundios, asesina a Crimilda. Beowulf El poema nos muestra un mundo donde la violencia es norma común. Pero no sólo contra otras tribus o pueblos, sino también con monstruos sobrenaturales que una noche determinada salen de una laguna, atacan y devoran, sin que apenas se pueda hacer nada contra ellos. Claro que para eso estaban los héroes, siempre dispuestos a jugársela por aquello de que su estatus exigía el cumplimiento del deber. Y Beowulf está en la tradición de los héroes solares que luchan contra el poder de las tinieblas. Al principio del poema se hace un recuento de los ancestros del rey danés Hrothgar, comenzando por su bisabuelo Shild. El rey, ya viejo, ha sido un gran guerreo y tiene una gran fortuna, por lo que manda construir una lujosa mansión, a la que llama Heorot. Cuando está

terminada, ofrece un banquete suntuoso, al que invita a los grandes señores de la región. Cuando la fiesta acaba, todos se retiran excepto el cuerpo de guardia del rey, que va a tener allí su alojamiento. A la mañana siguiente, encuentran el salón manchado de sangre y ningún rastro de los hombres; sólo unas pisadas que se dirigen hacia una cercana laguna. Nada más oírlo, Hrothgar supo que se trataba de Grendel, un monstruo que fue expulsado hace tiempo por un mago; por algún terrible motivo ha regresado y continúa sus fechorías. Como él se siente ya muy viejo, promete una generosa recompensa para quien se ofrezca a librar a la región de aquel monstruo. Diez de sus hombres pernoctan en el salón y corren la misma suerte que sus compañeros. Un trovador huido al reino de los geates o jutos (que podríamos considerar pre-vikingos daneses), relata los hechos en la corte del rey Hygelic, que está acompañado por su sobrino Beowulf. Este, inmediatamente decide partir al reino de Hrothgar, acompañado de 14 de sus hombres.

Beowulf pasa la noche en el salón y no sólo consigue arrancarle un brazo a Grendel sino que al día siguiente, después de que la madre del monstruo haya atacado ella misma, la busca en su guarida, bajo las aguas de la laguna, y la mata. Tras introducirse en el “mundo subterráneo” y terminar con la fuente del mal, Beowulf regresa a su tierra. En la última parte del poema, ya es casi un viejo, ocupa el trono y debe enfrentarse nuevamente a otro monstruo. Esta vez se trata de un dragón al que, tras una ardua lucha, consigue vencer. “Esa fue la última victoria de Beowulf y su última obra en este mundo”, dice el poema. Así es, pues el héroe ha sido herido y el veneno corre por sus venas. Tras pronunciar sus últimas palabras, es incinerado en una enorme pira funeraria; sus cenizas se depositarán en un montículo erigido en su honor sobre una colina, que hasta sirve como baliza para los marineros. Sus hombres le ofrendan el tesoro, “tan inútil a los hombres como lo había sido antes”, que guardaba el dragón en su guarida. El poema está pasado por el tamiz de la cristiandad, ya que fue transcrito por monjes en algún monasterio inglés. Así, a Grendel y su madre (a ella nunca se le da nombre) se les hace pasar por descendientes de Caín, que, tras matar a Abel fue desterrado por Dios, dando origen a todo tipo de monstruos. Difícilmente los sajones podían dar aquella ascendencia a los se-res sobrenaturales que aparecen en sus leyendas.

EL CANTAR DEL MÍO CID La obra está compuesta por tres cantares sucesivos: Cantar del Destierro, en el que se relata cómo el Cid es desterrado (el destierro era la

mayor deshonra para un caballero) por el rey Alfonso VI debido a falsas acusaciones. Cantar de las Bodas, los codiciosos Condes de Carrión que, previa autorización real,

deciden casarse con las hijas del Cid. Se celebran las bodas y se advierte la actitud recelosa del Cid.

Cantar de la afrenta de Corpes, que narra la partida de los nuevos matrimonios y el dono de las desposadas en el robledal de Corpes.

CARACTERÍSTICAS Vigoroso realismo. Detallismo de lo cotidiano. Caracterización de los personajes (el Cid es heroico como guerrero, afectuoso en su vida

privada, fiel a su señor, digno, cordial, generoso). Todos los personajes poseen un rasgo dominante: Martín Antolínez, ingenioso; Alvar

Fáñez, valiente; Pedro Bermúdez, impulsivo.

Valor histórico sorprendente. Exactitud en las alusiones geográficas (descripción de la naturaleza y las ciudades). Técnica espontánea, sin artificio. Sencillez expresiva. Intensidad dramática, con variación de tono en la narración, propio de la transmisión oral. CANTAR PRIMERO: El Destierro del Cid El rey de Castilla Alfonso VI manda al Cid a Andalucía a cobrar las parias o tributos de los re-yes moros de Córdoba y Sevilla. Almutamiz, rey de Sevilla, estaba en guerra con Almudafar, rey de Granada, a quien ayudan el conde García Ordóñez y otros nobles castellanos. El Cid, Amparando a Almutamiz, vasallo del rey de afrentosamente, “mesándole la barba”, vuelto Rodrigo a castilla con las parias, los enemigos lo indisponen con el rey, y éste lo destierra. Estos hechos no aparecen en el poema, que empiezan con la despedida del Cid, de Vivar y su palacio, yermos y desheredados”. Luego se dirige, con los vasallos que lo siguen, a Burgos, donde nadie osa recibirlo, por haberlo prohibido el rey, según lo explica una niña. Se detiene por unos momentos en la catedral de dicha ciudad, y prosigue después su camino hacia el monasterio de San Pedro de Cerdaña, donde están su mujer, doña Jimena, y sus hijas, niñas aún, doña Elvira y doña sol. En Cerdaña se despide de éstas, que quedan confiadas al abad don Sancho. Y sigue en marcha forzada hasta la frontera de castilla, pues están por expirar los nueve días de plazo por el rey. Ya en tierra de moros, el Cid entra en guerra con ellos, a los que gana las ciudades de Castejón y Alcocer, y avanzando en sus conquistas hacia Teruel y Zaragoza, llega hasta el condado de Barcelona, donde vence y toma prisionero al conde de dicho lugar, don Ramón Berenguer, ocasión esta en que ganó la famosa espada Colada. Después de tenerlo tres días en su poder y ante la decisión de éste de dejarse morir de hambre, el Cid lo puso en libertad. CANTAR SEGUNDO: Bodas de las Hijas del Cid El Cid se dirige luego hacia el mediterráneo, tomando la costa entre Castellón y Murviedro, y ganando después la ciudad de Valencia. También vence al rey moro de Sevilla, que había ido en auxilio del de Valencia, y previo per-miso del rey, a quien había enviado varios presentes de caballos, lo que prueba su condición de buen vasallo, mas tarde vence al rey de Marruecos, Yuguf que había ido a recuperar a Valencia. Son tantos los triunfos del Cid, que sus enemigos sienten acrecentar su envidia, y dos parientes del conde García Ordóñez, los infantes de Carrión, don Diego y don Fernando, de-sean casarse con sus hijas, codiciosos de las riquezas del héroe. El Cid no ve con gustos estos casamientos, pero requerido por el rey, accede lleno de recelos, y se dirige con los suyos a Valencia, donde las bodas se realizan con grandes fiestas que duran quince días. CANTAR TERCERO: La Afrenta de Corpes Los infantes de Carrón han revelado su cobardía en varios episodios: el miedo de los infantes ante un león del Cid, escapado de su jaula, y la huída del infante don Fernando, al ser embestido por el moro Aladraf. El Cid, en cambio, va de triunfo en triunfo, y gana la espada tizona en un famoso encuentro con el rey Búcar de Marruecos, a quien vence después de un magnífico combate individual.

Los infantes de Carrión deciden vengarse del Cid, a quien envidian, y se llevan a sus esposas a tierras de Carrión, deteniéndose en el robledal de Corpes, donde las vejan y maltratan brutalmente. Enterado el Cid de esta afrenta pide justicia al rey. Éste, dolido por la mala acción de los infantes convoca a las cortes de Toledo. En ella son condenados los infantes quienes se ven obligados a devolver las espadas Colada y Tizona, obsequios del Cid, a reintegrar la dote, ya consumida en parte, y batirse en duelo con vasallos del Cid. El poema termina con llegada de emisarios de los infantes de Navarra y Aragón quienes solicitan para ambos las manos de doña Elvira y doña sol, a los que el Cid accede satisfecho por la honra que esto significa para las mismas. DANTE ALIGHIERI Y LA DIVINA COMEDIA (Florencia, 1265 - Rávena, 1321) Poeta italiano. Si bien sus padres, Alighiero de Bellincione y Gabriella (Bella), pertenecían a la burguesía güelfa florentina, Dante aseguró siempre que procedía de familia noble, y así lo hizo constar en el Paraíso (cantos XV y XVI), en donde trazó un vínculo familiar con su supuesto antepasado Cacciaguida, quien habría sido armado caballero por el emperador Conrado II de Suabia. Durante sus años de estudio Dante Alighieri coincidió con el poeta Guido Cavalcanti, representante del dolce stil nuovo, unos quince años mayor que él, con quien intimó y de quien se convirtió en discípulo. Según explica en su autobiografía más o menos recreada poética-mente Vida nueva, en 1274 vio por primera vez a Beatriz Portinari, cuando ella contaba ocho años y él tan sólo uno más; el apasionado y platónico enamoramiento de Dante tendría lugar al coincidir de nuevo con ella nueve años más tarde.

En 1285 Dante tomó parte en el asedio de Poggio di Santa Cecilia, defendido por los aretinos, y dos años más tarde se trasladó a Bolonia, quizás a estudiar, si bien se tienen dudas en lo referente a su paso por la universidad de dicha ciudad. Sí hay pruebas, en cambio, de su participación, en calidad de «feritore» de a caballo, en la batalla de Campaldino, en la cual se enfrentó a los gibelinos de Arezzo.

En 1290 murió Beatriz, y un año más tarde Dante contrajo matrimonio con Gemma di Manetto, con quien tuvo cuatro hijos. En 1295 se inscribió en el gremio de médicos y boticarios, y a partir del mes de noviembre empezó a interesarse por la política municipal florentina; entre mayo y septiembre del año siguiente fue miembro del Consejo de los Ciento, y en 1298 participó en la firma del tratado de paz con Arezzo. En 1300, y en calidad de embajador, se trasladó a San Gimignano para negociar la visita de representantes de la Liga Güelfa a Florencia, y entre el 15 de junio y el 14 de agosto ocupó el cargo de prior, máxima magistratura florentina.

En octubre de 1301, y tras oponerse al envío de tropas para ayudar al papa Bonifacio VIII, Dante fue designado embajador ante el pontífice, a quien ofreció un tratado de paz. El Papa, sin embargo, lo retuvo en Roma en contra de su voluntad, con la intención de ayudar en Florencia a la facción güelfa opuesta a la de Dante, sector que a la postre se hizo con el control de la ciudad y desterró a sus oponentes. Acusado de malversación de fondos, Dante fue condenado a multa, expropiación y exilio, y más tarde a muerte en caso de que regresara a Florencia. ARGUMENTO A partir de esta fecha Dante inició un largo exilio que iba a durar el resto de su vida: residió en Verona, Padua, Rímini, Lucca y, finalmente, Ravena, ciudad en la cual fue huésped de Guido Novello de Polenta y donde permaneció hasta su muerte.

Dante tituló a su poema Comedia, aunque una larga tradición iniciada por Boccaccio la ha adjetivado como Divina, tanto por su excelsitud a los ojos del primer biógrafo de Dante como por tratar de asuntos no terrenales. No se sabe con exactitud cuándo comenzó Dante la redacción de la Comedia. Las palabras del autor al final de la Vita Nuova hacen pensar en que la idea del triunfo de Beatriz más allá de la muerte le surgió antes de ser desterrado, pero nada indica que comenzara el trabajo de forma inmediata. Es posible que la composición tuviera su inicio hacia 1306-1307, desde poco después de iniciar su destierro, hasta poco antes de morir (1320), o sea, durante unos quince años. La Divina Comedia relata el viaje de Dante por el Infierno, el Purgatorio y el Paraíso, guiado por el poeta romano Virgilio. El poema comienza con el encuentro de Virgilio con Dante, que se ha perdido en una selva y tropieza con bestias salvajes. Virgilio le confiesa al poeta que ha venido en nombre de Beatriz, una dama virtuosa, y lo conduce por un largo viaje de redención que comienza en el Averno: aquí, van pasando por círculos infernales; en el primero, están "los infelices que nunca estuvieron vivos", los niños que no pudieron recibir el bautismo antes de morir y personas de grandeza espiritual como Virgilio, que intuyeron la revelación cristiana. En el segundo círculo ya el Infierno se muestra con toda propiedad: a la entrada de un pozo se halla Minos, una especie de juez. En los círculos superiores moran los que se dejaron guiar por la incontinencia; en los inferiores, los que respondieron a sus más bajos instintos. Luego se des-criben los perversos, que al final de sus vidas quedaron so-los; los lujuriosos, vencidos por el puro placer sexual; los avaros; los enfermos de ira, condenados a golpearse eterna-mente hundidos en el fango. La sección del Infierno es la más conocida de todas precisamente por la altura que cobran sus escenas monstruosas, como si asistiéramos al mal de una manera directamente visual: por ejemplo, los estafadores nadan en una masa hirviente de pez. El Purgatorio radica en una montaña rodeada de precipicios, y allí las almas deben consagrarse al Bien para expiar sus culpas y ser finalmente salvadas por Dios. Dante tiene oportunidad de ver el ascenso del alma del poeta Estacio hacia el cielo después de haber sido purificado. En la sección del Paraíso Dante logra la máxima perfección espiritual: ve las procesiones simbólicas, los misterios de la fe como la Encarnación Divina, y en una nube de flores dispuesta por los ángeles logra ver a Beatriz (su redentora), que sube al carro de la Iglesia. El tema central de la Comedia es el viaje que realiza Dante, a lo largo del cual encontrará su propia identidad. Pero, ya desde antiguo, el viaje representa la condición humana, de tal forma que no sólo se trataría de la adquisición de unas experiencias sino que además hay que buscar un simbolismo a cada una de las etapas, a cada uno de los pasos por los que transita el caminante: el Infierno comienza en la noche, equivalente de la desesperación; la llegada al Purgatorio se produce al alba, símbolo de la esperanza, mientras que la entrada en el Paraíso es a mediodía, como clara muestra de la salvación por la abundante luz que hay. Partiendo de unas coordenadas cronológicas reales (el viaje se iniciaría el año jubilar de 1300, posiblemente la noche del Jueves Santo y duraría ocho días), la obra se organiza sobre dos ejes esenciales, perfectamente atestiguados en la tradición literaria anterior: los libros de viajes (frecuentemente al Más Allá) y la literatura de visiones, aunque Dante modifica ambos géneros y los adapta a su peculiar planteamiento. En todo caso, Dante lleva a cabo una profunda y rica reelaboración de los textos que le han servido de base. LA DIVINA COMEDIA (ESTRUCTURA) La Comedia está dividida en tres partes (Infierno, Purgatorio y Paraíso), cada una de las cuales consta de 33 cantos, que con el canto que sirve de introducción suman un total de cien cantos. A su vez, el Infierno se divide en 9 círculos, el Purgatorio en 9 partes y el Paraíso en 9 cielos. Los condenados se agrupan en tres series (incontinentes, violentos y fraudulentos).

Los que purgan sus pecados también forman tres grupos (los que siguieron un amor que les llevó al mal, los que amaron poco el bien y los que manifestaron un amor desmesurado a los bienes terrenales) y en el Paraíso se encuentran los seglares, los activos y los contemplativos, según el grado y tipo de amor que hayan mostrado a Dios.

El número cien es simbólico y constituye una cantidad habitual en los textos medievales de carácter didáctico; del mismo modo, el número tres, base de la concepción estructural de la Comedia, también tiene un alto valor simbólico en la numerología medieval, como muestra de la perfección y de la unidad en la diversidad: en definitiva, sería la interpretación numérica del misterio de la Trinidad.

El Infierno se estructura según las culpas de quienes se encuentran allí; siguiendo los mismos principios organizadores, en el Purgatorio nos encontramos con una montaña con siete cornisas, en las que se agrupan los condenados según sus inclinaciones pecaminosas. Al llegar al Paraíso terrenal, Virgilio, que había guiado los pasos de Dante por el Más Allá, es sustituido por Estacio. El Paraíso aloja eternamente a los escogidos que se han salvado y que se agrupan, según sus virtudes, en las nueve esferas del sistema celestial descrito por Ptolomeo (siete de los planetas, el de las estrellas fijas y el del Primer Motor). El Empíreo se encuentra fuera del sistema celestial y, por tanto, resulta ajeno al paso del tiempo a la vez que encierra en sí mismo a todos los cielos.

Según ya se ha visto, la estructura general de la Comedia se basa sobre el número tres, al que se le da una sentido especial, además de conservar todas las connotaciones simbólicas sacras y pro-fanas. Pero la importancia de este número llega más lejos: la estrofa utilizada es el terceto endecasílabo, es decir, una estrofa de tres versos de once sílabas: cada estrofa consta de 33 sílabas. Por otra parte, unas estrofas se unen a otras con un juego de rimas en el que también se puede hablar de un indudable protagonismo del número tres: el segundo verso de una estrofa rima con el primero y el tercero de la siguiente, dando lugar al sistema métrico denominado terceto encadenado. De este modo se mantiene una línea melódica y rítmica a lo largo de todo el canto. Frecuentemente, el sentido se organiza apoyado en tres tercetos, lo que da a estos grupos un indudable aire de silogismo (en cierto modo, ocurre lo mismo con la estructura del soneto). SIGNIFICADO Y SIMBOLISMO DE LA DIVINA COMEDIA Son tres los ejes fundamentales de la Comedia desde el punto de vista filosófico: el cosmos, la razón y la fe, la predestinación y el libre albedrío. El primero se resuelve con la creación de un universo propio en el que el infierno y el paraíso se oponen simétricamente, y entre los que se sitúa el purgatorio. Sobre el eje de la razón y la fe se estructuran las ideas sobre filosofía y teología: la primera tropieza continuamente con unos límites estrechos, que son los del conocimiento humano. La teología, por el contrario, abre en todo momento unos horizontes inabarcables e ignotos; el paso de la una a la otra es el que convierte al poeta en poeta – teólogo, como se manifiesta explícitamente en Paraíso, XXV. El tercer eje es el formado por las cuestiones relativas a la predestinación y libre albedrío, que constituyen una de las preocupaciones más frecuentes para los pensadores medievales, incluidos teólogos y filósofos naturales: todos los seres, animados e inanimados, están señalados por el influjo de los astros, que les transmiten determinadas cualidades o virtudes, o que (según algunos) les marcan el futuro. Al plantearse estas cuestiones, Dante no es una excepción en el panorama medieval; y la distancia que separa esas creencias de unos planteamientos deterministas es mínima. En efecto, si los astros marcan el destino individual, la persona no es completamente libre en sus actuaciones y, por tanto, no debe ser castigada o premiada. Dante acepta el influjo de los astros en el hombre, pero a la vez considera que el alma intelectiva (que sólo depende de Dios) es ajena a ese influjo y, por tanto, es acreedora de la salvación o de la condena, pues decide libremente (Purgatorio, XVI).

Como viajero por una tierra desconocida, Dante es acompañado por sucesivos guías que son también sus maestros en el viaje poético (Virgilio y Estacio) y en el de la fe (Matelda, Beatriz y San Bernardo). Sólo ellos pueden llevar al hombre, al pecador, hacia la alta meta que sigue: el proceso de purificación espiritual exige una ayuda externa y es ése el papel que desempeñan estos acompañantes. Los cambios de guía indican las etapas más importantes del camino recorrido: por eso, se producen a la entrada en el Paraíso terrenal y al final del camino por el Paraíso, cuando ya sólo queda pasar al Empíreo para la contemplación divina. En la primera, se hace libre el albedrío del caminante y en la segunda su alma abandona la esclavitud. Es obvio el doble nivel de significados que hay, en el que también participa la figura del propio Dante como viajero y poeta. Así, los cinco guías (Virgilio, Estacio, Matelda, Beatriz y San Bernardo) representan otros tantos grados en el proceso de formación y perfeccionamiento de Dante, que le llevará hasta la contemplación divina.

LITERATURA MODERNA

RENACIMIENTO WILLIAM SHAKESPEARE) (Stratford on Avon, Reino Unido, 1564 – 1616. Dramaturgo y poeta inglés. Ter-cero de los ocho hijos de John Shakespeare, un acaudalado comerciante y político local, y Mary Arden, cuya familia había sufrido persecuciones religiosas derivadas de su confesión católica, poco o nada se sabe de la niñez y adolescencia de William Shakespeare. Parece probable que estudiara en la Grammar School de su localidad natal, si bien se desconoce cuántos años y en qué circunstancias. Según un coetáneo suyo, William Shakespeare aprendió «poco latín y menos griego», y en todo caso parece también probable que abandonara la escuela a temprana edad debido a las dificultades por que atravesaba su padre, ya fueran éstas económicas o derivadas de su carrera política. Sea como fuere, siempre se ha considerado a Shakespeare como una persona culta, pero no en exceso, y ello ha posibilitado el nacimiento de teorías según las cuales habría sido tan sólo el hombre de paja de alguien deseoso de permanecer en el anonimato literario. A ello ha contribuido también el hecho de que no se disponga en absoluto de escritos o cartas personales del autor, quien parece que sólo escribió, aparte de su producción poética, obras para la escena. La andadura de Shakespeare como dramaturgo empezó tras su traslado a Londres, donde rápidamente adquirió fama y popularidad en su trabajo para la compañía Chaberlain’s Men, más tarde conocida como King’s Men, propietaria de dos teatros, The Globe y Blackfriars. También representó, con éxito, en la corte. Sus inicios fueron, sin embargo, humildes, y según las fuentes trabajó en los más variados oficios, si bien parece razonable suponer que estuvo desde el principio relacionado con el teatro, puesto que antes de consagrarse como autor se le conocía ya como actor. Su estancia en la capital británica se fecha, aproximadamente, entre 1590 y 1613, año este último en que dejó de escribir y se retiró a su localidad natal, donde adquirió una casa conocida como New Place, mientras invertía en bienes inmuebles de Londres la fortuna que había conseguido amasar. La publicación, en 1593, de su poema Venus y Adonis, muy bien acogido en los ambientes literarios londinenses, fue uno de sus primeros éxitos. De su producción poética posterior cabe destacar La violación de Lucrecia (1594) y los Sonetos (1609), de temática amorosa y que por sí solos lo situarían entre los grandes de la poesía anglo-sajona. Con todo, fue su actividad como dramaturgo lo que dio fama a Shakespeare en la época. Su obra, en total catorce comedias, diez tragedias y diez dramas históricos, es un exquisito compendio de los sentimientos, el dolor y las ambiciones del alma humana. Tras unas primeras tentativas, en las que se transparenta la influencia de Marlowe, antes de 1600 aparecieron la mayoría de sus «comedias alegres» y algunos de sus dramas basados en la historia de Inglaterra. Destaca sobre todo la fantasía y el sentido poético de las comedias de este período, como en Sueño de una noche de verano; el prodigioso dominio del autor en la versificación le permitía distinguir a los personajes por el modo de hablar, amén de dotar a su lenguaje de una naturalidad casi coloquial. A partir de 1600, Shakespeare publica las grandes tragedias y las llamadas «comedias oscuras». Los grandes temas son tratados en las obras de este período con los acentos más ambiciosos, y sin embargo lo trágico surge siempre del detalle realista o del penetrante tratamiento psicológico del personaje, que induce al espectador a identificarse con él: así,

Hamlet refleja la incapacidad de actuar ante el dilema moral entre venganza y perdón; Otelo, la crueldad gratuita de los celos; y Macbeth, la cruel tentación del poder. En sus últimas obras, a partir de 1608, cambia de registro y entra en el género de la tragicomedia, a me-nudo con un final feliz en el que se entrevé la posibilidad de la reconciliación, como sucede en Pericles. Shakespeare publicó en vida tan sólo 16 de las obras que se le atribuyen; por ello, algunas de ellas posiblemente se hubieran perdido de no publicarse (pocos años después de la muerte del poeta) el Folio, volumen recopilatorio que serviría de base para todas las ediciones posteriores. Sus obras más importantes son: Romeo y Julieta Hamlet Macbeth Otelo Rey Lear Antonio y Cleopatra Enrique IV Enrique V Ricardo II Ricardo III El mercader de Venecia Sueño de una noche de verano

ROMEO Y JULIETA Los Montecchi (Montagues) y los Cappelletti (Capulets), las dos principales familias de Verona, son enemigas. Romeo, hijo del viejo Montecchi, asiste enmascarado a una fiesta en casa de los Capuletos y, si antes se creía enamorado de Rosalina, ahora descubre que su verdadera pasión es Julieta. Después de la fiesta, los jóvenes se encuentran inflamados en mutuo amor. Y, estando bajo la ventana de Julieta, Romeo la oye confesar a la noche su amor por él, y obtiene su consentimiento para un matrimonio secreto. Con la ayuda de fray Lorenzo se casan al día siguiente. Mercutio, amigo de Romeo, encuentra a Tebaldo, biznieto de la señora Capuleto, furioso por haber descubierto la presencia de Romeo en la fiesta; Mercurio y Tebaldo riñen. Romeo interviene, y al desafío de Tebaldo responde con palabras que ocultan el nuevo vínculo de parentesco, y rehúsa batirse. Mercutio se indigna ante tanta sumisión y saca la espada. Romeo trata en vano de separar a los contendientes, consiguiendo tan sólo dar ocasión a Tebaldo para herir de muerte a Mercutio. Entonces Romeo se ve arrastrado a luchar y mata a Tebaldo. Es condenado al destierro y, al día siguiente, después de haber pasado la noche con Julieta, deja Verona para ir a Mantua, siendo exhortado por fray Lorenzo, que entiende que aquél es el momento oportuno para hacer público su matrimonio. Julieta, forzada por su padre a casarse con el conde Paris y aconsejada a hacerlo incluso por su nodriza, que antes había favorecido su unión con Romeo, se deja convencer por fray Lorenzo de que consienta, pero bebiendo la víspera de la boda un narcótico que la hará parecer muerta durante cuarenta horas. El fraile mismo se ocupará de avisar a Romeo, que la sacará del sepulcro a su despertar y la conducirá a Mantua. Julieta pone en práctica el consejo. Pero el mensaje no llega a Romeo porque el fraile que debía entregarlo es detenido como sospechoso de contagio; en cambio le llega la noticia de la muerte de Julieta. Compra a un boticario un poderoso veneno y se dirige hacia el sepulcro para ver a su amada por última vez; en la entrada encuentra a Paris y lo mata en duelo.

Entonces, Romeo, después de haber besado a Julieta por última vez, bebe el veneno. Julieta vuelve en sí y encuentra a Romeo muerto, con la copa aún en la mano. Se da cuenta de lo sucedido y se apuñala. Este trágico fin es narrado por el fraile (que llegó demasiado tarde para impedirlo) y por el paje del conde Paris. Los jefes de las dos familias enemigas, conmovidos por la catástrofe provocada por su enemistad, se reconcilian.

HAMLET En la tragedia de Shakespeare, el rey de Dinamarca ha sido asesinado por su hermano Claudio, que ha usurpado el trono y se ha casado, sin respetar las costumbres, con la viuda del muerto, Gertrudis. El espectro del padre aparece a Hamlet en la muralla del castillo de Elsinore, refiere las circunstancias del delito y pide venganza. Hamlet promete obedecer, pero su naturaleza melancólica le hace irresoluto y le obliga a diferir la acción; mientras tanto se finge loco para evitar la sospecha de que amenace la vida del rey. Se cree que ha turbado su mente el amor de Ofelia, hija del chambelán Polonio, a la que, habiéndola cortejado anteriormente, trata ahora con cruel-dad.

Hamlet comprueba el relato del espectro, haciendo representar ante el rey un drama (el asesinato de Gonzago), que reproduce las circunstancias del delito, y el rey no sabe dominar su agitación. En una escena en que clama contra su madre, Hamlet supone que el rey está escuchando detrás de una cortina y saca la espada, pero mata en cambio a Polonio. El rey, decidido a hacer desaparecer a Hamlet, le envía a Inglaterra con Rosencrantz y Guildenstern, pero los piratas capturan a Hamlet y lo devuelven a Dinamarca.

A su llegada encuentra que Ofelia, loca de dolor, se ha ahogado. El hermano de la muchacha, Laertes, ha vuelto para vengar la muerte de su padre Polonio. El rey, aparentemente, quiere apaciguarlos e in-duce a Hamlet y a Laertes a rivalizar, no en un duelo, sino en una partida de armas que selle el perdón; pero a Laertes le dan una es-pada con punta y envenenada. Hamlet es traspasado, pero antes de morir hiere mortalmente a Laertes y mata al rey, mientras Gertrudis bebe la copa envenenada destinada al hijo. El drama concluye con la llegada del puro Fortinbrás, príncipe de Noruega, que se con-vierte en soberano del reino.

OTELO Otelo, general moro al servicio de la república de Venecia, enamora con los relatos de su vida y hazañas a la bella y casta Desdemona, hija del senador Brabancio, a la cual rapta y hace su esposa. Por exigencias del servicio del estado, Otelo y su mujer, separadamente, parten de Venecia para reunirse en Chipre.

El malvado y envidioso Yago, alférez del Moro, a quien aborrece por creer que galanteo anteriormente a su mujer, Emilia, y más aun por juzgarse menospreciado por el nombramiento de teniente recaído en el honrado Casio, se propone amargar la existencia a Otelo haciendo nacer y alentando en su alma el tormento de los ce-los, sin preocuparse por las víctimas inocentes que puedan sufrir las consecuencias de su odiosa intriga.

Con diabólica astucia logra Yago, primero, embriagar a Casio, que nunca bebía, llevando a provocar un escándalo preparado de antemano, que da por resultado que Otelo le prive de su cargo a aquel. Después incita al inocente destituido a que busque la protección de Desdémona, a quien su esposo no negaba nada, para obtener del Moro el perdón; y al mismo tiempo, por si y por mediación de Emilia, su mujer, dama de Desdémona, convencen a esta de que interceda con su marido para que levante el castigo al culpable. Por medio de malvadas y hábiles insinuaciones, hace surgir Yago en el pecho del enamorado y candoroso Otelo la sospecha de unos amores entre su virtuosa esposa y Casio, sirviendo de prueba decisiva de la supuesta pasión criminal un pañuelo que el moro regalo a Desdemona y que Yago consigue sea visto por el celoso Otelo en el poder de Casio, el cual ignoraba hasta de quien era la prenda.

Con tan frágiles cimientos se levanta el formidable edificio de unos celos realmente devastadores, que traen como consecuencia el decreto de asesinato de Casio, cuya ejecución se confía a Yago, y el estrangulamiento de la inocente Desdémona por su propio marido.

El malvado promotor de la tragedia acaba enredado en las mallas de la misma, pues ante el lecho de Desdemona se ve acusado y descubierta toda la intriga por su propia mujer, Emilia, y por Casio, que escapó con vida del atentado.

El conocer el horror de su situación, Otelo se da muerte ante todos, después de haber visto a Yago, el cual es entregado a la justicia del nuevo gobernador, Casio, con encargo de hacerle sufrir los mayores tormentos.

IMPORTANCIA DE SHAKESPEARE Shakespeare alzó el telón de las miserias y de las grandezas del ser humano. Retrató magistralmente lo bello y lo feo, lo bondadoso y lo malvado, lo grotesco y lo dulce. En suma, el “ser o no ser”.

Semejante destreza literaria no podía pasar inadvertida. El paso de los siglos llevó a la obra del poeta a las cimas más altas de la literatura. Shakespeare fue un gran precursor de la escena moderna. Superó el teatro medieval –lleno de misterios teológicos – y desnudó el alma verdadera del hombre para que los espectadores pudieran solazarse u horrorizarse con ella.

LA GRANDEZA DE UNA OBRA Elevado por la crítica a la condición de clásico literario, Shakespeare constituye una fuente constante de inspiración artística. Durante el siglo XIX sus obras fue-ron representadas una y otra vez.

Actualmente, “lo shakesperiano” constituye un banco de experiencia formidable para el teatro de vanguardia. Hamlet lleva la delantera. Ni siquiera con la muerte, en mayo de 2000, de sir John Gielgud –el autor británico que logro en 1930 llevar de forma pura y exitosa la soledad del príncipe danés al teatro comercial–, se acabo el legendario “ser o no ser”. En tanto, las adaptaciones de las obras del inglés al cine tampoco parecen tener fin. El pleno siglo XX, Orson Welles llevo al cine a Otelo (1952) y Franco Zefirelli, a Romeo y Julieta (1968). Por su parte, el actor y director británico Kenneth Bra-nagh –un shakesperiano confeso– realizo algunas versiones notables, entre las que no podían faltar Otelo (1995) y Hamlet (1996). Otro filme, Shakespeare apasionado (1998) –que trata sobre el estreno de Romeo y Julieta– fue premiado con siete Oscar de la Academia de Hollywood. Las piezas de Shakespeare siguen representándose en escenarios de todo el mundo.

SIGLO DE ORO ESPAÑOL

Por Siglo de Oro se entiende la época clásica o de apogeo de la cultura y la política española, esencialmente el Renacimiento del siglo XVI y el Barroco del siglo XVII. Ciñéndose a fechas concretas de acontecimientos clave, abarca desde la publicación de la Gramática castellana de Nebrija en 1492 hasta la muerte de Calderón en 1681. La novela alcanzaría su más alto nivel de universalidad y expresión con Don Quijote de Miguel de Cervantes y otros géneros claramente españoles como el de la novela picaresca (Lazarillo de Tormes y el Guzmán de Alfarache de Mateo Alemán).

Fue también una época do-rada para la poesía. En el siglo XVI, Boscán y Garcilaso de la Vega adaptaron la poesía lírica italiana al castellano alcanzándose la máxima expresión en la poesía mística de Fray Luis de León y San Juan de la Cruz y en la prosa de Santa Teresa. Dos grandes figuras de los siglos XVI y XVII fueron Luis de Góngora, cuyo estilo difícil y complejo derivaba originalmente de un movimiento latinizante ("culteranismo"), y Francisco de Quevedo, maestro del "conceptismo". El teatro es otro género que también alcanzó un gran nivel. Las obras dramáticas ya no se pusieron en escena en los alrededores de las iglesias después de la creación de los "corrales de comedias", algunos de los cuales todavía existen, como el de Almagro (Ciudad Real). Juan de Encina, Torres Navarro y Gil Vicente fueron los precursores de Lope de Vega, Tirso de Molina y Calderón de la Barca. OBSERVACIONES Por Siglo de Oro se entiende la época clásica o de apogeo de la cultura y la política

española, esencialmente el Renacimiento del siglo XVI y el Barroco del siglo XVII. Ciñéndose a fechas concretas de acontecimientos clave, el Siglo de Oro abarca desde la

publicación de la Gramática castellana de Nebrija en 1492 hasta la muerte de Calderón en 1681.

Durante el Siglo de Oro, la novela alcanzaría su más alto nivel de universalidad y expresión con Don Quijote de Miguel de Cervantes y otros géneros claramente españoles como el de la novela picaresca (Lazarillo de Tormes y el Guzmán de Alfarache de Mateo Alemán).

El Siglo de Oro fue una época dorada para la poesía. Figuras tan relevantes como Boscán, Garcilaso de la Vega, Fray Luis de León y San Juan de la Cruz, Luis de Góngora y Francisco de Quevedo, escribieron durante esa época.

Durante el Siglo de Oro, las obras dramáticas ya no se pusieron en escena en los alrededores de las iglesias después de la creación de los "corrales de comedias", algunos de los cuales todavía existen, como el de Almagro (Ciudad Real).

Todo movimiento poético posee relaciones con la realidad política en la que acontece: durante el Siglo de Oro, el Imperio español estaba en su apogeo, al comienzo, y, luego, cuando el Siglo de Oro se extinguía, el Imperio también perdía influencia.

AUTORES Garcilaso de la Vega (Égloga I) Fray Luis de León (Oda a la vida retirada) Luis de Góngora (Soledades) Francisco de Quevedo (Definición del amor) Miguel de Cervantes Saavedra (El ingenioso hidalgo don Qujijote) Lope de Vega (Fuenteovejuna) Calderón de la Barca (La vida es sueño) Tirso de Molina (El burlador de Sevilla) Anónimo (El Lazarillo de Tormes)

El Lazarillo de Tormes (Anónimo)

RESUMEN Capitulo 1

Lázaro y el ciego. La idea central es la evolución de Lázaro, que pasa de ser un niño ingenuo e inocente, sin conocimientos de la vida, a convertirse en el paradigma de "pícaro", muchacho joven que debe defenderse por sí mismo en la vida para poder comer cada día. Una referencia constante en este tratado será la del "hambre": Lázaro dedica

todos sus esfuerzos a engañar al ciego, un hombre de gran astucia, para conseguir algo de comida o de vino cada día. Al finalizar el tratado, Lázaro se venga de todas las palizas a las que lo sometió el ciego engañando a su amo y abandonándolo a su suerte.

Capitulo 2

Lázaro y el clérigo de Maqueda. El clérigo al que sirve Lázaro es un hombre mezquino y miserable, que se niega a alimentar adecuadamente a su sirviente, y que guarda los pocos alimentos que hay en su casa bajo llave en un arca. Lázaro, atenazado una vez más por el hambre y enflaquecido, debe agudizar su astucia al máximo para poder hacerse con algún mendrugo de pan que llevarse a la boca. Finalmente, enterado el clérigo de los engaños y robos del muchacho, decide prescindir de sus servicios.

Capitulo 3 Lázaro y un escudero. El escudero es un noble de bajo nivel venido a menos, que vive en la más absoluta miseria pero que, aún así, se empeña en mantener una falsa imagen de tranquilidad, respetabilidad y riqueza. Lázaro no comprende las ínfulas de grandeza de su amo, pero se compadece de él y lo alimenta muchas veces. Acosado por los acreedores, el escudero huye de la ciudad, por lo que, esta vez, es el amo el que abandona al criado.

Capitulo 4 Lázaro y un fraile de la Merced. Lázaro habla de su nuevo amo, un fraile de la Merced poco amigo de las obligaciones propias de un religioso y que se pasa el día de un lado para otro atendiendo "ciertos negocios" cuya naturaleza nunca se aclara. Además, el tratado finaliza diciendo: "por estas y otras cosillas que no cuento, dejé a mi amo". Este final deja todas las posibilidades abiertas: ¿qué serán esas "cosillas" por las que Lázaro decidió dejar al fraile?

Capitulo 5 Lázaro y un buldero. El buldero era un sacerdote que se dedicaba a recorrer las parroquias vendiendo bulas, indulgencias papales que permitían que quienes las compraran no tuvieran que cumplir con ciertos preceptos religiosos (como el ayuno, abstenerse de carne durante la Cuaresma, etc.). Lázaro describe las sucias artimañas utilizadas por el sacerdote para vender sus bulas, sin ningún tipo de sentimiento religioso verdadero y con el único objetivo de conseguir buenos beneficios.

Capitulo 6 Lázaro con un capellán. Una vez más, el amo de Lázaro será un religioso. En este caso, el capellán permite que Lázaro trabaje como aguador por la ciudad. Una vez que el muchacho ha conseguido beneficios y ha podido cambiar sus ropajes, Lázaro decide dejar el trabajo y buscarse un nuevo amo.

Capitulo 7 Lázaro cuenta el motivo de su carta. Tras trabajar con un alguacil (policía), empleo que le pareció demasiado peligroso, Lázaro se pone al servicio de un arcipreste, quien le sugiere que contraiga matrimonio con una de sus sirvientas. Cuentan las malas lenguas en la ciudad que, en realidad, el deseo del arcipreste era dar un aire de decencia a su relación con la mujer de Lázaro, que en realidad era su barragana (amante). Lázaro, que conoce los rumores, prefiere hacer oídos sordos: ha alcanzado la "felicidad" y cierto renombre en la ciudad, eso sí, a cambio de renunciar a su honor y de permitir las infidelidades de su esposa.

NEOCLASICISMO

En la segunda mitad del siglo XVII Francia se convirtió en defensora de un ponderado y sereno clasicismo, basado en principios radicalmente opuestos a los del barroquismo. A través de los programas políticos y artísticos del Antiguo Régimen, la literatura francesa se convirtió en dominante en las letras europeas del siglo XVII. Los reyes estimularon y protegieron la creación artística. La monarquía absoluta impone reglas precisas en literatura, siendo trascendental, a este respecto, la creación de la Academia Francesa para la Lengua y la Gramática, por Richelieu en 1635. Todos los escritores se sometían a unas mismas reglas, derivadas de Aristóteles y Horacio. El estilo evitaba excesos, aspirando a la naturalidad y sencillez. El tema preferido es el estudio del carácter del hombre. No se trata de una literatura popular, sino que el público era la corte y la aristocracia. Nicolás Boileau sistematizó las reglas literarias siguiendo precisa-mente la preceptiva aristotélica en su Arte poética. El clasicismo francés se destaca sobre todo por su teatro. Los géneros se separaban, debía respetarse la regla de las tres unidades y, además, cumplir una función moral. Por un lado, la tragedia clásica, creada por Pierre Corneille y llevada a su perfección por Jean Racine, en un estilo noble y elevado trataba temas de la antigüedad grecolatina o asuntos bíblicos. Corneille tiene un estilo más bien retórico, centrándose en los conflictos que se producen dentro del alma de los personajes, en obras como El Cid o Cinna. Racine descuella por su realismo psicológico, pudiendo mencionarse, como obra más destacada, Fedra. La comedia viene representada magistralmente por Moliere, escritor y actor, protegido por Luis XIV. En sus obras satiriza a la aristocracia y la alta burguesía de su tiempo, pero a través de personajes universales como el hipócrita (Tartufo), el vanidoso nuevo rico (El Burgués gentilhombre) o El avaro. AUTORES: Moliere Francia) Racine Francia) Corneille (Francia) Leandro Fernández de Moratín (España) MOLIERE Jean Baptiste Poquelin nació en París en 1622 y falleció el 17 de febrero de 1673. Fue un dramaturgo y actor francés. Su seudónimo lo tomó en recuerdo del escritor francés Francois de Moliere.

Nacido en el seno de una familia burguesa, hijo de un tapicero y camarista del rey, Moliere estudió en el colegio de Clermont y obtuvo el título de abogado, pero desde pequeño se sintió fascinado por el teatro.

En 1643 fundó la compañía del Illustre Theâtre, en la que actuó, produjo y dirigió obras que recorrieron toda Francia. Al regresar a París puso en es-cena sus primeras obras: Las preciosas ridículas y Sganarelle.

Sus sátiras acerca de la corrupción de la sociedad francesa despertaron gran conmoción y su obra fue prohibida en los teatros; Moliere fue tildado de “demonio en sangre humana”, por la iglesia católica. El estado francés le cerró sus puertas hasta que finalmente en el año 1669, el Rey Luis XVI le permitió presentar sus obras en público. Luis XIV le dio su apoyo y le permitió utilizar ocasionalmente el Petit – Bourbon e incluso, en 1661, el teatro del Palacio Real.

Duro crítico de las costumbres y los prejuicios de la época, emplea la comedia de caracteres y la farsa, para dar un tono popular a sus obras, las cuales soportan la acción del tiempo y divierten y entretienen hasta nuestros días, habiendo creado figuras que se elevan con valor de símbolos de la naturaleza humana. Representando su última obra (El enfermo imaginario) sufrió una hemoptisis y murió en escena. Debido a su oficio de comediante, se le negó la sepultura cristiana. Gracias a la intervención del rey, se le pudo enterrar más tarde en el cementerio de Saint-Joseph. Oras más importantes de Moliere: El avaro (1668) Las preciosas ridículas (1659) Sganarelle o El cornudo imaginario (1660) La escuela de los maridos (1661) La escuela de las mujeres (1662) Tartufo (primera versión, 1664; tercera y definitiva versión, 1669) El amor médico (1665) Don Juan o El convidado de piedra (1666) El misántropo (1666) El médico a palos (1666) TARTUFO Estrenada el 12 de mayo de 1664, cuenta con cinco actos escritos en versos alejandrinos. El argumento se centra en la relación entre Orgón, un burgués autoritario, despótico jefe familiar, y su protector, Tartufo, que ejerce sobre él una influencia tan considerable, que llega a que Orión le ceda sus posesiones, y que pretenda entregarle la mano de su hija, a pesar de que ella sienta amor por otra persona. Comedia de engaños, abuso de confianza, infidelidad, crítica a la hipocresía y a la excesiva influencia de ciertos directores espirituales. Esto último le valió la oposición de la iglesia y la prohibición de la obra. Orgón tiene dinero, pero sobre todo, demasiada ingenuidad. Esto le permite a un cazador de fortunas, disfrazado de un halo de santidad, engañarlo y dominarlo a su antojo. Todos se dan cuenta de la situación, que es sumamente notoria, sólo Orgón y su madre están negados a ver la realidad, pero no será para siempre. EL ENFERMO IMAGINARIO Es una obra llena de comicidad, sumamente entretenida y la última de este gran autor. Un hombre hipocondríaco, esclavo de supuestas enfermedades, y una medicina totalmente inoperante, son retratados de una manera grotesca, llegando hasta el absurdo. Ambientada en París, a fines del siglo XVII, comienza con la pretensión del enfermo imaginario, llamado Argón, de casar a su hija Angélica con el hijo de un médico, del que ella no está enamorada. Hay otra persona que ocupa su corazón, pero su padre se opone a esta relación, ya que el parentesco con los médicos le asegurará un tratamiento de por vida. No sólo la enfermedad ficticia corroe la vida de Argón, sino una esposa interesada y malvada a quien le conviene que su esposo enferme y muera, para poder heredarlo. Una treta va a desenmascarar los reales sentimientos de los personajes, que serán descubiertos en sus más viles pretensiones.

LAS PRECIOSAS RIDÍCULAS Se trata de una comedia en un acto, estrenada en París en 1659, donde en forma de sátira, muestra la realidad del mundo burgués. Esta sociedad construida en base a apariencias, y a la preeminencia de los bienes materiales sobre los espirituales, muestra a los espectadores un retrato de sus propias vidas. Dos mujeres pertenecientes a este mundo, supuestamente superior, son engañadas por dos impostores, de condición criados, de dos personas a quiénes ellas habían rechazado por no estar en su mismo nivel social. Se suceden situaciones ridículas, donde las preciosas, Madelón y Cathos, no resultarán muy favorecidas. EL MISÁNTROPO En 1966 se estrena El misántropo, una persona obsesionada por la moral, que condena duramente a la sociedad de su tiempo, despojada de los valores que él considera más elevados. Vive en un mundo que acepta, pero no comparte, y del que pretende ocultarse junto a su amada, sin comprender que ella pertenece a ese mundo que él rechaza. Es una crítica a las costumbres sociales de su época, y tal vez, de su propia y difícil vida conyugal.

LITERATURA CONTEMPORÁNEA

ROMANTICISMO I Sin ninguna duda, la verdadera cuna del romanticismo europeo fue Alemania. En opinión de muchos, fue también el lugar donde esta corriente alcanzó su espíritu más alto y donde más profundamente influyó en las generaciones siguientes. El romanticismo, como ya sabemos, significó la preferencia por el sentimiento, la libertad del espíritu y la irracionalidad por encima de la racionalidad y la técnica. El auge de este movimiento en Alemania, si bien se inició bastante pronto gracias al germen sembrado por algunos autores pre-románticos, tuvo en Goethe su causa fundamental. Goethe es, en efecto, el verdadero fundador del romanticismo alemán, tanto en lo literario como en lo filosófico. Paradójicamente sería también uno de los primeros en abandonar el ideal romántico; tras un viaje a Italia adoptó un estilo más clásico y mesurado. En cualquier caso, Goethe fue, junto a Novalis, Hoffman, Schiller y Hölderlin, el motor principal del movimiento romántico en Alemania. Iniciaron entre todos un movimiento filosófico basado en la oposición al clasicismo, en la libertad, el sentimiento y la espontaneidad, así como en la recuperación del espíritu original del pueblo germánico. Este inicial espíritu romántico se eternizó con la publicación de Werther de Goethe en 1774 y se considera el libro fundacional de este movimiento. Asimismo, lo romántico quedó concentrado en otra obra fundamental: el Fausto (también de Goethe). Considerado por muchos como la gran tragedia de la modernidad, Fausto cuenta la historia de un hombre que vende su alma al diablo a cambio de la sabiduría y de la juventud, y que luego debe luchar para lograr la salvación.

La segunda generación de escritores alemanes románticos dio un nuevo giro, abandonando o reduciendo la importancia de lo clásico y dirigiendo la mirada hacia el pasado popular alemán, así como su folklore. Así, los hermanos Grimm recuperan numerosas leyendas y le dan su forma moderna a historias como Blancanieves y los siete enanitos, Cenicienta o El lobo y los siete cabritllos. Clemens Brentano, Achim von Arnim, E.T.A. Hoffman y Adalbert de Boncourt continúan y perpetúan esta nueva tendencia a lo largo de los siglos XVIII y XIX, donde aún aparecerán nuevos poetas de espíritu romántico como Heinrich Heine y Georg Büchner. GOETHE (1749-1832) Johann Wolfgang Von Goethe nació el 28 de agosto de 1749 en Frankfort del Main (Alemania), hijo de un oficial del gobierno alemán. Tras residir en su niñez en su ciudad natal, se trasladó a Leipzig para estudiar Derecho. En su nueva ubicación conoció a una de las personas de mayor significación en su vida, el filósofo Johann Gottfried Von Herder, y se enamoró de Friederike Brion, a quien tomó como modelo para gran parte de sus personajes femeninos. Sus primeros textos literarios fueron las comedias "Antojos Del Enamorado" (1767) y "Los Cómplices" (1768). Con Herder, que le introdujo en la obra de William Shakespere, creó un nuevo movimiento literario de carácter rebelde con las apariencias tradicionales de la literatura de su país que se denominará "Sturm und Drang", el cual sienta las bases del romanticismo alemán y abre nuevas perspectivas a la escritura germana. "Las Pasiones o Desventuras Del Joven Werther" (1774), considerada como la primera novela moderna redactada en alemán, cosechó un triunfal éxito entre la juventud de la época, provocando tras su lectura un buen número de suicidios entre la población de su país. En el año 1775, invitado por el duque Carlos Augusto, Goethe se trasladó a Weimar, en donde permaneció hasta su fallecimiento. En Weimar dio inicio a su relación amorosa con Charlotte (Lotte) Von Stein, mujer casada con un militar. Un viaje por tierras italianas le empapó de cultura grecorromana, abandonando parte de los postulados del Sturm und Drang y adoptando una postura más clasicista con obras como "Ifigenia En Tauride" (1787), "Egmont" (1788) o "Torquato Tasso" (1790). Tras romper su relación con Charlotte, Goethe dio inicio a una convivencia sentimental con la joven Christiane Vulpius, con la que finalmente se casó en el año 1806. Schiller falleció en 1805. Herder lo había hecho en 1803, por lo que dos de sus mejores amigos fallecieron en un breve período de tiempo, hecho doloroso que no menoscabó la capacidad intelectual del genial Goethe, quien escribió en el año 1808 "Fausto", su obra más recordada. Johann Wofgang Von Goethe murió en Weimar el 22 de marzo de 1832. Tenía 82 años. RESUMEN DE WERTHER El legado del escritor alemán al mundo del conocimiento es sumamente importante, no sólo por su contribución a la literatura alemana y universal con su magisterio en todos los géneros que abordó y su anticipo de la corriente romántica, sino también en el campo científico, desarrollando una ingente tarea en áreas como la botánica, la anatomía, la química, geología y la mineralogía.

Werther, por medio de estas cartas destinadas a su mejor amigo Wilhelm, explica todos los hechos y experiencias que vive en su traslado a un tranquilo y apacible pueblo llamado Whalheim, y dedicarse como a él le gusta a la pintura y a la lectura. En este lugar, el joven protagonista se siente feliz rodeado de hermosa naturaleza y gente sencilla. Conoce a una mujer con sus pequeños y dulces hijos, un mozo enamorado de la viuda de la casa donde trabajaba, y al administrador del príncipe. Toda esta felicidad se incrementa cuando conoce Charlotte S., hija del administrador, en un baile organizado por los jóvenes de la localidad al que Werther es invitado como pareja de la prima de Lotte (Charlotte), de la cual queda profundamente enamorado, y aunque ella ya esté prometida con un joven llamado Albert, nunca perderá la fe en creer que ella siente lo mismo por él, y acudirá a menudo a visitarla y a pasear con ella, envuelto siempre entre escenas idílicas, hogareñas y campestres. El amor del protagonista irá incrementando de una forma extraordinaria, hasta el extremo de su fatal desenlace. Cuando el prometido de Lotte, regresa, Werther se da cuenta de que es un hombre honrado y amable, complicando así sus agitados sentimientos. La situación para el joven cada vez es peor, así que, guiado por los consejos de su confidente Wilhelm, decide alejarse de Lotte y abandona el pueblo para trabajar en la ciudad como secretario del embajador. Sin embargo, las malas relaciones con este, al que describe como insoportable y meticuloso conservador, unidas al odioso comportamiento de la alta sociedad, lo conducen a la renuncia de su cargo, regresando de nuevo a la aldea de Wahlheim. Pero en el pueblo han cambiado muchas cosas, la joven pareja se ha casado, la mujer que encontró al principio le cuenta la muerte de su hijo pequeño, y el mozo, que fue despedido es encarcelado por asesinar a su sustituto, convirtiendo el antes feliz paraje en un lugar insoportable. El carácter de Werther se va trastornando cada vez más. Lotte, profundamente entristecida por la situación de Werther, decide distanciar la relación que durante tanto tiempo los unió. Pero ya todo es inútil. El joven la visita por última vez, y antes de el rechazo, consigue abrazarla y besarla. Aquella misma noche, Werther se suicida de un tiro en la cabeza.

ROMANTICISMO II Romanticismo en EEUU El Romanticismo en EE. UU. acumula gran variedad de elementos culturales, religiosos, políticos y sociales. El desarrollo de la conciencia nacional y su confianza hacia el futuro desatan de un modo insospechado las energías literarias de este país. Es necesario admitir la falta de madurez cultural y el sentimentalismo dominante del periodo, fervorosamente inclinado hacia los ambientes, costumbres y leyendas locales; pero es evidente que, a pesar de estas condiciones, el Romanticismo estadounidense lanzó al mundo los primeros grandes nombres de su literatura. Las corrientes novelísticas que predominan en esta época son el sentimentalismo moral richardsoniano, de reconocida aceptación en la novela menor, el medievalismo y pintoresquismo internacionales de Washington Irving, la primera explotación directa del material autóctono realizada por J. F. Cooper y las narraciones de terror y misterio de E. A. Poe. Éste es también el primer poeta estadounidense de categoría, junto al cual, aunque no en su dirección efectista y visionaria, figuran los nombres de H. W. Longfellow, de estro y

musicalidad marcadamente tennysonianas; J. G. Whittier (1807 – 92), cantor del color local de Nueva Inglaterra, del amor al trabajo y la religión; J. R. Lowell (1819 – 91), el apóstol de lo bello y lo sagrado de la vida; y la musa posromántica, característicamente americana, libérrima, individualista, confiada, acogedora y universal de Walt Whitman.

Dos novelistas de verdadera profundidad y magnitud hay que incluir en el marco de esta época: N. Hawthorne y H. Melville. Ambos tienen una vertiente alegórica: el primero, interesado en la revelación del problema del mal y el pecado existente en la vida, y las relaciones sociales y morales de los hombres; el segundo, empeñado en resolver el misterio del hombre en su lucha con las fuerzas negativas que se enfrentan a su paso. Estos aspectos de la vida fueron a menudo olvidados por los escritores trascendentalistas que, amparados en el escudo de su mística de la verdad, la belleza y la bondad, descuidaron inocentemente la doctrina cristiana del pecado original. R. W. Emerson y M. D. Thoreau son los representantes más conspicuos del trascendentalismo estadounidense, los promotores de aquel movimiento espiritual liberador y optimista de tanta influencia en su época y que es aún el sueño de muchos estadounidenses de la actualidad, a pesar de la oleada posterior de pragmatismo. Uno de los componentes del grupo, Orestes Brownson (1803 – 76), fecundo escritor y reformador social, se convirtió al catolicismo, hecho que ocasionó en su tiempo una extraordinaria conmoción. EDGAR ALLAN POE (Boston, Estados Unidos, 19 de enero de 1809 – Baltimore, Estados Unidos, 7 de octubre de 1849). Fue un escritor, poeta, crítico y periodista romántico estadounidense, generalmente reconocido como uno de los maestros universales del relato corto, del cual fue uno de los primeros practicantes en su país.

Fue renovador de la novela gótica, recordado especialmente por sus cuentos de terror. Considerado el inventor del relato detectivesco, contribuyó asimismo con varias obras al género emergente de la ciencia – ficción. Por otra parte, fue el primer escritor estadounidense que intentó hacer de la escritura su modus vivendi, lo que tuvo para él consecuencias desastrosas.

Fue bautizado como Edgar Poe en Boston, Massachusetts, y sus padres murieron cuando era niño. Fue recogido por un matrimonio adinerado de Richmond, Virginia, Frances y John Allan, aunque nunca fue adoptado oficialmente. Pasó un curso académico en la Universidad de Virginia y posteriormente se enroló, también por breve tiempo, en el ejército. Sus relaciones con los Allan se rompieron en esa época, debido a las continuas desavenencias con su padrastro, quien a menudo desoyó sus peticiones de ayuda y acabó desheredándolo. Su carrera literaria se inició con un libro de poemas, Tamerlane and Other Poems (1827).

Por motivos económicos, pronto dirigió sus esfuerzos a la prosa, escribiendo relatos y crítica literaria para algunos periódicos de la época; llegó a adquirir cierta notoriedad por su estilo cáustico y elegante.

Debido a su trabajo, vivió en varias ciudades: Baltimore, Filadelfia y Nueva York. En Baltimore, en 1835.

Contrajo matrimonio con su prima Virginia Clemm, que contaba a la sazón 13 años de edad. En enero de 1845, publicó un poema que le haría célebre: "El cuervo". Su mujer murió de tuberculosis dos años más tarde. El gran sueño del escritor, editar su propio periódico (que iba a llamarse The Stylus), nunca se cumplió. Murió el 7 de octubre de 1849, en la ciudad de Baltimore, cuando contaba apenas 40 años de edad. La causa exacta de su muerte nunca fue aclarada. Se atribuyó al alcohol, a congestión cerebral, cólera, drogas, fallo cardíaco, rabia, suicidio, tuberculosis y otras causas.

La figura del escritor, tanto como su obra, marcó profundamente la literatura de su país y puede decirse que de todo el mundo. Ejerció gran influencia en la literatura simbolista francesa y, a través de ésta, en el surrealismo, pero su impronta llega mucho más lejos: son deudores suyos toda la literatura de fantasmas victoriana y, en mayor o menor medida, autores tan dispares e importantes como Charles Baudelaire, Fedor Dostoyevski, Franz Kafka,H. P. Lovecraft, Ambrose Bierce, Guy de Maupassant, Thomas Mann, Jorge Luis Borges, Clemente Palma, Julio Cortázar, etc. El poeta nicaragüense Rubén Darío le dedicó un ensayo en su libro Los raros. CUENTOS DE TERROR El gato negro El corazón delator El pozo y el péndulo El entierro prematuro La máscara de la muerte roja El retrato oval Ligeia La caída de la casa Usher CUENTOS POLICIALES Asesinatos en la calle Morgue El escarabajo de oro EL GATO NEGRO El cuento está en primera persona y se trata de una persona que tiene pasión por los animales, y su última adquisición después de casarse ha sido un gato. Un día que venía bebido cogió al gato y como no le gustaba la forma de mirarle le arranco un ojo. Inmediatamente se arrepintió pero el gato quedó tuerto y con un comportamiento irascible. Poco después decidió acabar con el sufrimiento del pobre gato y lo ahorco en un árbol. Por la noche su casa se incendió. Después del pavoroso incendio solo quedaron un par de tabiques en pie, todo lo demás fue totalmente calcinado, siniestro total pero sin vidas humanas de por medio. El hombre fue a ver lo que quedaba de su casa, entró y vio un tabique que le llamo la atención, era casi el que parecía intacto, se fijó, y pudo distinguir la silueta de la pared que era la imagen exacta del gato… Después de un tiempo, su situación se normalizó.… Un día yendo de copas en un bar encontró un gato y decidió adoptarlo, y se lo llevo a casa. Él notaba que el gato le miraba mal, que solo se fiaba de su mujer, que a él no le daba muestras de afecto, ni le seguía, ni le hacía caso. Un día que había bebido llego a casa ebrio y decidió matar al gato, cogió un hacha y se la echo a la espalda y sin querer mató a su mujer. La mató de un hachazo. Este viendo el panorama, decidió hacer un agujero en la pared, y metió al cadáver, lo tapo como si la pared estuviera intacta, siguió su propósito de matar al gato, no lo encontró. Poco tiempo después. La gente sospechaba de la extraña desaparición de su vecina y la policía lo incriminaba como principal sospechoso. Un día los agentes decidieron ir a su casa para hacer una inspección, no encontraron nada, pero se empezaron a escuchar maullidos desde el sótano los agentes se guiaron por ellos y resultaron estar detrás de la pared la tiraron y vieron que allí había un gato maullando y una mujer muerta. EL CORAZÓN DELATOR Es la historia de un hombre muy nervioso, del cual no se conoce su nombre, un hombre que se declara como un hombre cuerdo, aunque piensa que la gente lo cree loco, pero él dice que esta tan cuerdo que empieza a contar lo que le paso y porque se pesa de su locura.

Este hombre vivía con un anciano, que tenía un ojo, el cual fue el motivo de todo el asunto, este ojo era el que lo atormentaba cuando lo miraba, según este hombre era de color azul intenso, pero tenía una paño que lo nublaba, el hecho de que el viejo lo mirara con ese ojo lo atormentaba, el hombre lo describía como una mirada de buitre. Fue tanto el tormento, que empezó a levantarse por siete noches para observar al viejo, lo hacía con tanta cautela a la media noche, abría la puerta con mucho cuidado, tan despacio hasta que podía meter la cabeza y también introducía una linterna y allí se quedaba por un tiempo, luego dejaba que un pequeño rayo de luz saliera por su linterna y apuntaba al ojo del viejo, pero en esas siete noches siempre encontró el ojo cerrado. En la octava noche, ya estaba tan hábil para hacer estos movimientos, que sentía que cada vez más lo hacía con más perfección, hasta el mismo se sorprendía de como se había vuelto hábil para no hacer ruido, pero esta vez al abrir la puerta, la percha resbalo de su mano, y escucho el movimiento del cuerpo del viejo cuando se sentó en la cama, el hombre, sin embargo se quedo inmóvil y noto que el viejo no volvió a costarse, éste tampoco se movió de la puerta y después de un tiempo empezó a sentar el latido del corazón del viejo, el viejo estaba lleno de miedo, miedo que ya él había experimentado durante las noches anteriores, cuando se levantaba a observar al viejo y miedo que sentía cuando lo observaba el ojo del viejo, y pasada una hora, más o menos, y atormentado porque no dejaba e escuchar el latido del corazón del viejo, dejó salir un haz de luz de su linterna y la coloco directamente sobre el ojo de buitre, pero esta vez estaba abierto, este fue como una premonición de la muerte y lo que hizo que el hombre sin pensarlo dos veces se le echara encima al viejo, lo tirara al piso y le sobre él el colchón, allí se quedo hasta que dejó de escuchar el corazón del viejo, luego le quito el colchón de encima le puso la mano sobre el corazón del viejo y no latía más, así supo que estaba muerto, luego lo descuartizó, le quito la cabeza, los brazos, las piernas, levantó tres tablas del piso, hizo un hueco y hecho todo allí, después limpió todo que no quedo ni rastro de sangre y terminó a las cuatro de la mañana. Nadie podía sospechar que el viejo estaba muerto, ni las paredes podrían haber traspasado ruido alguno porque él había sido muy cauteloso, de pronto escucho el timbre y cuando abrió la puerta se encontró con tres policías que habían sido enviados porque algún vecino había escuchado un alarido y ellos querían saber sino habría algún ladrón por ahí, él los hizo seguir para que recorrieran la casa y luego los llevó al cuarto del viejo, incluso les puso sillas sobre las tablas donde estaba enterrado el viejo y se sentaron juntos a conversar, pero de pronto, el empezó a sentir nuevamente los latidos del corazón, inicialmente fue algo suave, que él pensó que era cosa de su oído, luego empezó a ser más fuerte, a lo cual él empezó a hablar más duro, pero él veía que los policías no se inmutaba y seguían tan tranquilos, el hombre aún se levantó de sus silla y se movía de un lado para otro, siempre hablando fuertemente como para alejar el sonido de los latidos, pero nada, aún pensó que los policías, también lo escuchaban pero disimulaban, porque seguían conversando como si no escucharan nada; el tormento fue tanto que terminó por confesarle a los policías que debajo de ellos estaba el cuerpo del viejo que él había matado.

ROMANTICISMO III ROMANTICISMO FRANCÉS En Francia, el romanticismo tuvo su pequeña etapa de apogeo durante la restauración. Y si bien en el caso inglés el romanticismo se erigió como la gran oposición del mundo industrial y burgués, en Francia, algo menos industrializada, el enemigo fue el clasicismo y el exacerbado racionalismo filosófico de la Ilustración. El romanticismo francés vivió durante muchos años en un discreto segundo plano. La tormentosa vida política del país desde la Revolución hasta la Restauración centró el esfuerzo de los grandes literatos del país en la filosofía y en la política, y casi nadie cuestionó el clasicismo promulgado por la Ilustración. Si bien en un pensador eminentemente ilustrado, como Jean Jacques Rousseu, se encuentran ya los

primeros gérmenes del romanticismo francés. Más adelante, François René de Chateaubriand escribió obras como Atala, o El genio del cristianismo, aportando novedades a la literatura francesa como el exotismo y cierto misticismo religioso. Un aporte de mayor importancia fue el de Madame de Staël, obligada por Napoleón a vivir en Alemania, y entusiasmada por la corriente romántica de aquel país. Resumió sus gustos por la literatura alemana en su obra De l’Allemagne, de 1810, que tendría una importante influencia posterior. El primer poeta francés puramente romántico fue Alphonse de Lamartine, que en sus Meditaciones poéticas evidencia ya un estilo de enorme influencia alemana. Atacado por la crítica y por la Academia, Francia vivió durante un tiempo una auténtica batalla entre el estilo clásico “oficial” y la nueva tendencia romántica. Víctor Hugo fue el siguiente autor en reivindicar el nuevo estilo, ya en sus tempranas Odas, que recibieron por primera vez una magnífica recepción crítica. El romanticismo ganó la batalla gracias al posicionamiento de muchos jóvenes autores, a veces gustosos de nuevo estilo, otras veces simplemente defensores de la independencia y la libertad de los artistas, como Sainte-Beuve, Théophile Gautier yAlfred de Musset. A la luz de estas ideas románticas se desarrolló también la novela, tanto de tipo histórica como de aventuras (Alejandro Dumas, Prosper Mérimée o Stendhal con La cartuja de Parma) y la novela social (nuevamente Stendhal, con Rojo y negro; o la fabulosa Los miserables, de Víctor Hugo). VÍCTOR HUGO La infancia de Victor Hugo transcurrió en Besançon, salvo dos años (1811-1812) en que residió con su familia en Madrid, donde su padre había sido nombrado comandante general. De temprana vocación literaria, ya en 1816 escribió en un cuaderno escolar: «Quiero ser Chateaubriand o nada». En 1819 destacó en los Juegos Florales de Toulouse y fundó el Conservateur littéraire, junto con sus hermanos Abel y Eugène, pero su verdadera introducción en el mundo literario se produjo en 1822, con su primera obra poética: Odas y poesías diversas. En el prefacio de su drama Cromwell (1827) proclamó el principio de la «libertad en el arte», y definió su tiempo a partir del conflicto entre la tendencia espiritual y el apresamiento en lo carnal del hombre. Pronto considerado como el jefe de filas del Romanticismo, el virtuosismo de Victor Hugo se puso de manifiesto en Las Orientales (1829), que satisfizo el gusto de sus contemporáneos por el exotismo oriental. La censura de Marion Delorme retrasó su aparición en la escena teatral hasta el estreno de Hernani (1830), obra maestra que triunfó en la Comédie Française. En 1830 inició una fase de singular fecundidad literaria, en la cual destacaron, además de distintos libros de poesía, su primera gran novela, Nuestra Señora de París, y el drama Ruy Blas. En 1841 ingresó en la Academia Francesa pero, desanimado por el rotundo fracaso de Los burgraves, abandonó el teatro en 1843. La muerte de su hija Léopoldine, acaecida mientras él estaba de viaje, sumada al desengaño por la traición de su esposa con su amigo Sainte-Beuve, lo sumieron en una honda crisis. Entregado a una actividad política cada vez más intensa, Victor Hugo fue nombrado par de Francia en 1845. Pese a presentarse a las elecciones de 1848 en apoyo de la candidatura de Luis Napoleón Bonaparte, sus discursos sobre la miseria, los asuntos de Roma y la ley Falloux anticiparon su ruptura con el Partido Conservador. El 17 de julio de 1851 denunció las ambiciones dictatoriales de Luis Napoleón y, tras el golpe de Estado, huyó a Bélgica. Si bien es cierto que no publicó ninguna obra entre 1843 y 1851, concibió su novela Los miserables y compuso numerosos poemas que aparecieron posteriormente.

De vuelta a París, tras la caída de Napoleón III (1870), Victor Hugo fue aclamado públicamente y elegido diputado. Fue derrotado en los comicios siguientes, pero en 1876 obtuvo el escaño de senador de París, posición desde la que defendió la amnistía de los partidarios de la Comuna. Sin embargo, desengañado por la política, regresó a Hauteville – House (1872 – 1873).

El ritmo de su producción disminuía, pero su prestigio se acrecentaba sin cesar: un banquete conmemoró el quincuagésimo aniversario de Hernani; en 1881, su cumpleaños fue celebrado oficialmente y los senadores, en la tribuna, se levantaron sin excepción en su honor. A su muerte, el gobierno francés decretó un día de luto nacional y sus restos fueron trasladados al Panteón. Considerado como uno de los mayores poetas franceses, su influencia posterior sobre Baudelaire, Rimbaud e incluso Mallarmé y los surrealistas es innegable. RESUMEN DE LOS MISERABLES El protagonista Jean Valjean se escapa de la cárcel, donde cumplía prisión injustamente. Valjean andaba desamparado, hasta que toca la puerta del Monseñor Charles Bienvenu Myriel, quien le da hospedaje en su casa por lo que Valjean no sospecha de quien se trata. A pesar del buen corazón de Myriel la hurta una media docena de cubiertos de plata, mientras el monseñor dormía. Valjean abandona el aposento llevándose consigo lo robado. Para su desgracia Valjean es apresado por la policía cuando huía. La policía lo lleva ante la presencia del noble monseñor Myriel y este declara habérselos obsequiado. Valjean quedo impactado emocionalmente por esta acción tan noble.

Myriel le aconseja al fugitivo Valjean que se regenere y que siga el camino del bien. Luego se marcha despidiéndose del Monseñor. El incorregible Valjean, al día siguiente le roba dos frascos a Gervasillo, hacen que Jean Valjean empiece a tomar conciencia de la necesidad de su regeneración.

Valjean se cambia de nombre por el de señor Magdalena, y tras el invento de un sucedáneo del azabache se enriquece, fortuna que le sirve para ayudar a los más necesitados. Admirado y querido por el pueblo, es obligado a aceptar el cargo de alcalde pero para su desgracia Valjean se encuentra con su perseguidor Javert, el inspector de policía y trata de recordar con sumo esfuerzo donde ha visto antes al respetado señor Magdalena.

Tiempo después, confunden a un campesino que se había robado una rama de manzana con Jean Valjean y luego de una lucha con su conciencia, decide confesar la verdad por lo que es detenido nuevamente. Por aquellos días una humilde y sacrificada madre soltera llamada cantina, deja a su querida hija Cosette al cuidado de los posaderos Thenardier, antes de morir, el protagonista Jean Valjean se proponía proteger a la niña Cosette antes de ser condenado nuevamente, por lo que escapa d la cárcel, rescata a la huerfanita Cosette de la casa de los malvados hermanos thenardier y se van a Paris donde educa a la niña con su gran fortuna. Luego se dan una serie de acciones:

- La permanente huida de Jean Valjean, que lo hacen refugiarse en el convento donde Cosette se educaba y trabajaba como jardinero durante 5 largos años; el amor entre Mario de Pontmercy y Cosette; el rescate de Mario que Valjean realiza por las alcantarillas de Paris, huyendo de una barricada donde Mario fue herido y perdiera el conocimiento.

- El nuevo encuentro con Javert al salir de la alcantarilla y como Valjean salva al policía Javert, a quien los revolucionarios habían sentenciado a muerte; el suicido de Javert cuando decide no hacerlo prisionero, faltando así a lo que el consideraba su deber, en pago al bondadoso proceder de Jean Valjean; el matrimonio entre Cosette y Mario Pontmeccy, y la equivocación que sufre este, que le hace alejar a su esposa de que para ella fue un verdadero padre.

Finaliza con la descripción literaria de los últimos instantes de la vida agitada del buen hombre Valjean, rodeado del amor de Mario y Cosette.

ROMANTICISMO IV ROMANTICISMO EN ESPAÑA LEYENDAS (de Gustavo Adolfo Bécquer) En cuanto a las leyendas en sí mismas, pasaremos a explicar un poco más las tres mencionadas anteriormente. En el caso de la Ajorca de oro, se presenta una historia de amor, entre Pedro Alfonso de Orellana y María. El primero amaba desesperadamente a la cortesana y un día la encuentra llorando y logra saber el motivo, deseaba poseer la ajorca de oro que ostentaba la Virgen del Sagrario en uno de sus brazos. El enamorado finalmente decide ir en busca de la joya, pero una vez obtenida, ocurren hechos sobrenaturales que lo mejor sería que ustedes mismos lo leyeran. Sobre el Rayo de Luna podemos decir que el eje central es nuevamente el amor, y en este caso se trata del poetaManrique que buscaba su mujer ideal, a quien cree ver vestida de blanco en la costa, pero al pretender alcanzarla, ella desaparece. Pasa el tiempo hasta que la vuelve a ver en el mismo lugar y allí descubre lo que sucedía. En realidad era un rayo de luna que ese filtraba a intervalos entre los árboles y allí concluye que el amor y la gloria son como un rayo de luna, mentiras y fantasmas. Finalmente en El Miserere se trata sobre un músico arrepentido de sus pecados juveniles, y con el fin de acceder al perdón divino, decide componer un himno de contrición, pero no puede encontrar inspiración. Es así como se encuentra con unos monjes que lo invitan a escuchar el Miserere de la Montaña, el cual se escucha los Jueves Santo aunque nadie sabe de dónde proviene, aunque se sospecha que de los feligreses allí muertos por unos bandoleros. La intensidad de lo que se escuchaba era demasiado para el músico, que pese a todo se dedica a escribir ese himno, intentándolo cientos de veces pero jamás pudo pasar la mitad. La locura se apodera de él hasta que muere, sin poder concluir su labor. OTRAS OBRAS DEL ROMANTICISMO Frankenstein (de Mary W. Shelley) La novela narra la historia de Victor Frankenstein, un joven suizo, estudiante de medicina en Ingolstadt, obsesionado por conocer "los secretos del cielo y la tierra". En su afán por desentrañar "la misteriosa alma del hombre", Victor crea un cuerpo a partir de la unión de distintas partes de cadáveres diseccionados. El experimento concluye con éxito cuando Frankenstein le da vida al monstruoso cuerpo. (Cabe señalar que el monstruo, llamado en la cultura popular "Monstruo de Frankenstein", realmente nunca tuvo un nombre; y este nombre como ya se menciona, es solo el nombre de su creador). Victor Frankenstein comprende en ese momento el horror que ha creado, rechaza con espanto el resultado de su experimento y huye de su laboratorio. Al volver a él, el monstruo ha desaparecido y él cree que todo ha concluido. Pero la sombra de su pecado le persigue: el monstruo tras huir del laboratorio, siente el rechazo de la humanidad y despiertan en él el odio y la sed de venganza. Tras un periodo de convalecencia debido al exceso de trabajo, y luego de enterarse del asesinato de su pequeño hermano, William, Victor regresa a su Ginebra natal con su familia y su prometida, solo para descubrir que detrás del crimen está el furor de la criatura que él ha traído a la vida. La culpa de Victor se hace mayor cuando permite que una criada sea condenada y ejecutada, acusada del crimen.

Decide ir a la montaña para recuperar su decaído ánimo. Cerca del Montblanc se encuentra de nuevo con el monstruo. Este le cuenta cómo aprendió a hablar espiando secretamente a una familia a la que ofrecía pequeños regalos en forma anónima, y cómo la familia le rechazó al descubrir su aspecto físico y metal, rechazo que se repitió ante cada encuentro con seres humanos. Ahora, la criatura promete no volver a entrar en la vida de Victor, pero le pide, como quien pide a su creador, que complete su obra y cree una compañera para él. Su discurso y sus motivos son tan elocuentes que Victor accede a la petición y promete crearle una compañera. En una isla de Escocia establece un nuevo laboratorio. Allí comienza de nuevo a experimentar. Pero sus remordimientos son fuertes y al final decide destruir la segunda creación antes de llegar a darle vida. Entonces el monstruo, que sigue de cerca los trabajos de Victor, jura vengarse. Esta venganza tendrá la forma del asesinato de su mejor amigo y, después, de Elisabeth, la prometida de Victor, la noche de bodas de ambos. Decidido finalmente a terminar con su creación, Víctor persigue a la criatura hasta el confín del mundo. Muere en un barco que le recoge entre los hielos del Ártico. Poco después de la muerte de Victor, el barco es abordado por la propia criatura que termina de relatar sus motivos y triste historia al capitán. La novela termina con la confesión de la criatura de que pondrá; fin a su miserable existencia: "No tema usted, no cometeré; más crímenes. Mi tarea ha terminado. Ni su vida ni la de ningún otro ser humano son necesarias ya para que se cumpla lo que debe cumplirse. Bastará con una sola existencia: la mía. Y no tardaré en efectuar esta inmolación. Dejaré su navío, tomaré el trineo que me ha conducido hasta aquí y me dirigiré al más alejado y septentrional lugar del hemisferio; allí recogeré todo cuanto pueda arder para construir una pira en la que pueda consumirse mi mísero cuerpo." LOS TRES MOSQUETEROS (de Alejandro Dumas) Escrita con la cooperación de Adrien Maquet, quien hizo el trazo inicial de esta obra, Los tres mosqueteros llega a manos del público en 1844. A esta publicación siguieron, veinte años después, y El vizconde de Bragelonne. Sus partes complementarias. Dumas (padre) fue uno de los precursores del trabajo de escritura en colaboración el cual agilizaba el adelanto de una historia , sobre todo si se estaba ante los apremios de la publicación por entregas . El reinado de Luís XIII enmarca la acción de los tres mosqueteros. Se introduce en escena D’ Artagnan, proveniente de una familia de la nobleza de provincia que va Paris en busca de mejores horizontes. En el camino, mientras buscaba refugio en una posada, el joven aventurero que cuenta con tan solo dieciocho años, reta a duelo con desafiante altanería a tres caballeros de un mal matrimonio: Athos, gentil hombre que ha perdido su fortuna; Porthos, de familia noble, gran tamaño y buen corazón, y Aramis, aspirante a monje que fuera arrancado de la senda de la iglesia por una aventura. El desafío en la posada culminara en Paris, donde retador y retados se reencuentran y conciertan duelos que son interrumpidos por los guardias del cardenal Richelieu, situación que obliga a los enemigos hacer un solo frente a los soldados del Rey. El triunfo sobre los esbirros del cardenal los convierte en amigos; de ese momento en adelante, las cuatro espadas de estos hombres lucharan siempre del mismo lado. Los tres mosqueteros; que como se ve son en realidad cuatro viven una serie de aventuras que les granjean una gran fama .esta las hace merecedores de ser presentados al Rey, quien los recibe en persona y concede a D’Artagnan el honor de ingresar a la compañía de guardias

reales. Poco tiempo después aparece en escena la ex esposa de Athos, espía del cardenal Richelieu, quien tienen la misión de impedir la llegada a Paris de los diamantes que la reina Ana le envía como regalo a su amado Buckingham. Después de muchas peripecias, fruto de las conjuras de Richelieu y sus cómplices, los diamantes llegan a su destino .Es precisamente D’Artagnan quien culmina la proeza porque sus compañeros quedan mal heridos por el camino. Todo el odio de Richelieu se dirige entonces hacia el joven héroe y para canalizarlo utiliza nuevamente a Milady, la ex mujer de Athos, quien intenta en vano envenenar a os cuatro aventureros, apuñala al mismo Buckingham y envenena Costanza, camarera de la reina y prometida de D’ Artagnan. Esta malévola mujer es apresada por los mosqueteros , ayudados en esta empresa por lord Winter, hermano de su segundo marido, muerto por las mismas ordenes que ella misma impartiera. La deliciosa trama de esta novela captura el interés del lector desde el primer momento, hecho que demuestra la capacidad imaginativa de Dumas (padre) quien sostiene el tono dramático y divertido del relato, ambientándolo con magistrales descripciones.

EL REALISMO I Este movimiento literario aparece en la segunda mitad del siglo XIX, como consecuencia de las circunstancias sociales de la época: la consolidación de la burguesía como clase dominante, la industrialización, el crecimiento urbano y la aparición del proletariado. Las características básicas del Realismo literario son: Eliminación de todo aspecto subjetivo, hechos fantásticos o sentimientos que se alejen de

lo real. Análisis riguroso de la realidad. El escritor nos ofrece un retrato riguroso de lo que

observa. Los problemas de la existencia humana, componen el tema fundamental de la novela

realista; ésa es la consecuencia del sumo interés por la descripción del carácter, temperamento y conducta de los personajes.

Surge un tipo de novela en la que se analizan minuciosamente las motivaciones de los personajes y las costumbres.

El novelista denuncia los defectos y males que afectan a la sociedad y ofrece al lector soluciones para detenerlos. Cada autor, según sus ideas, muestra lo que para él es un mal de la sociedad.

AUTORES Henri Beyle Stendhal (Francia) Honoré de Balzac (Francia) Gustave Flaubert (Francia) Guy de Maupassant (Francia) Charles Dickens (Inglaterra) León Tolstói (Rusia) Fiódor Dostoyevski. (Rusia) Mark Twain (EEUU). Benito Pérez Galdós (España) Leopoldo Alas Clarín (España) Emilia Pardo Bazán (España). Eça de Queiroz (Portugal).

EL REALISMO Y LA NARRATIVA. La especie narrativa por excelencia para los realistas fue la NOVELA. Debido a su extensión permitía una detallada y compleja presentación de los personajes. Presentaba la posibilidad de conocer todo lo que pasaba a través de un narrador que está

capacitado para abarcar todos los aspectos de la realidad. Es lo que llamamos OMNICIENTE.

NARRADOR OMNISCIENTE “Aquel que todo lo ve”. Conoce lo que pasa. Puede

penetrar en la mente y sentimientos de los personajes y conoce lo que ocurrirá a lo largo del relato.

Con la intención de reflejar fielmente la realidad utilizaron un estilo indirecto simple.

ESTILO INDIRECTO Introduce el pensamiento del personaje dentro del discurso del narrador: “un auto se acercaba lentamente, ¿lograría cruzar?, mejor sería esperar”.

GUSTAVE FLAUBERT (Ruán, 1821 – Croisset, 1880) Escritor francés. Hijo de un médico, la precoz pasión de Gustave Flaubert por la literatura queda patente en la pequeña revista literaria Colibrí, que redactaba íntegramente, y en la que de una manera un tanto difusa pero sorprendente se reconocen los temas que desarrollaría el escritor adulto. Estudió derecho en París, donde conoció a Maxime du Camp, cuya amistad conservó toda la vida, y junto al que realizó un viaje a pie por las regiones de Turena, Bretaña y Normandía. A este viaje siguió otro, más importante (1849-1851), a Egipto, Asia Menor, Turquía, Grecia e Italia, cuyos recuerdos le servirían más adelante para su novela Salambó. Excepto durante sus viajes, Gustave Flaubert pasó toda su vida en su propiedad de Croisset, entregado a su labor de escritor. Entre 1847 y 1856 mantuvo una relación inestable pero apasionada con la poetisa Louise Colet, aunque su gran amor fue sin duda Elisa Schlésinger, quien le inspiró el personaje de Marie Arnoux de La educación sentimental y que nunca llegó a ser su amante. Los viajes desempeñaron un papel importante en su aprendizaje como novelista, dado el valor que concedía a la observación de la realidad. Flaubert no dejaba nada en sus obras a merced de la pura inspiración, antes bien, trabajaba con empeño y precisión el estilo de su prosa, desterrando cualquier lirismo, y movilizaba una energía extraordinaria en la concepción de sus obras, en las que no deseaba nada que no fuera real; ahora bien, esa realidad debía tener la belleza de la irrealidad, de modo que tampoco le interesaba dejar traslucir en su escritura la experiencia personal que la alimentaba, ni se permitía verter opiniones propias. Su voluntad púdica y firme de permanecer oculto en el texto, estar («como Dios») en todas partes y en ninguna, explica el esfuerzo enorme de preparación que le supuso cada una de sus obras (no consideró publicable La tentación de san Antonio hasta haberla reescrito tres veces), en las que nada se enunciaba sin estar previamente controlado. Las profundas investigaciones eruditas que llevó a cabo para escribir su novela Salambó, por ejemplo, tuvieron que ser completadas con otro viaje al norte de África. Su primera gran novela publicada, y para muchos su obra maestra, es Madame Bovary (1856), cuya protagonista, una mujer mal casada que es víctima de sus propios sueños románticos, representa, a pesar de su propia mediocridad, toda la frustración que, según Flaubert, había producido el siglo XIX, siglo que él odiaba por identificarlo con la mezquindad y la estupidez que a su juicio caracterizaba a la burguesía. La publicación de Madame Bovary, que supuso su rápida consagración literaria, le creó también serios problemas. Atacado por los moralistas, que

condenaban el trato que daba al tema del adulterio, fue incluso sometido a juicio, lo cual lo decidió emprender a un proyecto fantasioso y barroco, lo más alejado posible de su realidad: Salambó, que relataba el amor imposible entre una princesa y un mercenario bárbaro en la antigua Cartago. Su siguiente gran obra, La educación sentimental (1869), fue, en cambio, la más cercana a su propia experiencia, pues se proponía describir las esperanzas y decepciones de la generación de la revolución de 1848. Su última gran obra, Bouvard y Pécuchet, que quedaría inconclusa a su muerte, es una sátira a la vez terrible y tierna del ideal de conocimiento de la Ilustración. La abundancia de los trabajos que posteriormente se han dedicado a Gustave Flaubert, y en particular a su estilo, confirma el papel central que desempeñó en la evolución del género novelístico hasta la mitad del siglo XX. MADAME BOVARY Charles Bovary, modesto médico de pueblo, se casa con Emma, de familia acomodada, educada como una señorita, pero con la cabeza llena de lecturas y sueños románticos. La estrechez de miras del marido y la placidez de una vida insulsa dejan insatisfecha a Emma, cuya ansiedad no consigue aplacar ni el nacimiento de una hija.

Tras el paso fugaz y templado de León por su vida, aparece Rodolphe, un elegante de provincias, que la seduce fácilmente y le induce a creer que ha encontrado la pasión verdadera que tanto deseaba. Pero Emma vivirá siempre desgarrada entre la prosaica realidad en la que vive y un ilusorio mundo de amores y riquezas.

Madame Bovary, subtitulada "Costumbres provincianas", define "esa desazón inaprensible", tan presente también en nuestros días: el inconformismo de la vida cotidiana, la atracción por el lujo, el consumismo, y la decepción en sucesivas relaciones amorosas, como búsqueda inagotable de un ideal que, por serlo, nunca se consigue.

En cuanto a la forma, Flaubert es un verdadero creador de estilo, un apasionado de las palabras. Presenta la belleza del lenguaje a través de la minuciosa descripción de las cosas, de los hechos, de los sentimientos; la precisión en las palabras que, casi como en la poesía, ocupan un lugar inamovible en el ritmo de la frase. El autor refleja con gran acierto la tragedia de este personaje, y Madame Bovary ha resultado ser una obra de referencia constante, hasta el punto de estar considerada como una obra maestra del realismo.

LA EDUCACIÓN SENTIMENTAL La educación sentimental es, junto a Madame Bovary, no sólo la obra maestra de Gustave Flaubert sino para muchos la obra cumbre de la novela realista del siglo XIX. Estilísticamente supone un verdadero tour de force para un virtuoso como Flaubert, que aquí lleva la prosa francesa a unas alturas que nunca antes se habían conquistado. La novela consigue además trazar un retrato del momento histórico que supuso el principio de la segunda mitad del siglo XIX, del paisaje moral, psicológico y político de la Europa de 1848, absolutamente memorable. El hilo principal de la trama gira en torno al enamoramiento del joven abogado Fréderic Moreau con una mujer mayor, Madame de Arnoux. Con la revolución de 1848 como trasfondo histórico, asistiremos a la evolución sentimental y moral de ese joven, reflejo de toda una generación y de un país y un tiempo que se encamina hacia la disolución de viejos valores.

SALAMBÓ Novela situada en Cartago, Salambó narra, en un escenario que recrea los esplendores y miserias de la Antigüedad con asombroso detalle, las peripecias de su heroína, hija del caudillo Amílcar, así como su historia de amor con el apuesto Matho. El fasto y la crueldad de ese mundo remoto, el fragor de las luchas, la angustia de los asedios, las tornas que se vuelven, el vigor de sus personajes, hacen sin duda de esta novela una de las diez mejores nunca escritas dentro del

género histórico. Gustave Flaubert (1821-1880) no fue sólo un magistral adelantado de la modernidad, sino también un gran contador de historias, prodigioso creador de ambientes y extraordinario creador de caracteres.

GUY DE MAUPASSANT Autor francés considerado como uno de los grandes maestros del relato breve de la literatura universal. Nació en el Château de Miromesnil, en Normandía, y estudió en Yvetot y Ruán. Durante su juventud fue miembro de un grupo literario surgido en torno al célebre novelista Gustave Flaubert, que era íntimo amigo de la familia. Fue el propio Flaubert quien formó a Maupassant en el arte de la creación literaria. La primera obra importante de Maupassant fue el relato breve Bola de sebo (1880), incluido en el volumen Las veladas de Médan y considerado su obra maestra en ese género. En los 13 años siguientes escribió más de doscientos relatos, entre los que destacan Mademoiselle Fifi (1882) y el famoso El miedo (1884). La obra de Maupassant se caracteriza por sus variaciones sobre el tema de la crueldad humana, su realismo y su estilo sencillo. Maupassant es también autor de tres colecciones de recuerdos de viajes y seis novelas: Una vida (1883), que narra la enternecedora historia de las desventuras de una mujer casada; Bel Ami (1885), basada en el personaje de un periodista sin escrúpulos; Los dos hermanos (1888), La mano izquierda (1889) y Nuestro corazón (1890).

TEXTOS Bola de sebo Claro de luna El Horla El miedo Mademoiselle Fifi Prefacio de Pedro y Juan

EL HORLA El Horla es un relato fantástico del autor francés Guy de Maupassant. Es uno de los relatos más conocidos de Maupassant. A través de un diario, el autor muestra las supuestas alucinaciones del protagonista, el cual siente la presencia de un ente que él llama El Horla. Existen tres versiones de El Horla, todas de Maupassant. La primera de ellas se publicó el 26 de octubre de 1886, en la revista Gil Blas, y la segunda en La vie populaire el 9 de diciembre del mismo año. La tercera versión, sensiblemente más extensa que las dos anteriores, que se publicó directamente en libro, y que es la que se suele publicar más a menudo hoy en día, data de 1887. Existen diferencias argumentales y estructurales entre versiones, la más fundamental, que las primeras no tienen el formato de diario que mantiene la tercera, además de que en la tercera se añaden situaciones inéditas en la primera, como la sesión de mesmerismo en París y el horrible final de la mansión y los sirvientes del protagonista entre otras, pero en esencia, la historia es prácticamente la misma.1 2 El autor hizo decir al personaje narrador que probablemente lo considerasen loco tras su lectura. H. P. Lovecraft se inspiró en este relato para realizar su obra La llamada de Cthulhu. La película Diary of a madman (1963) está basada libremente en el relato.

ARGUMENTO DE LA HORLA La historia comienza cuando, estando en su casa de campiña, el personaje principal ve un barco que navega por un río que se encuentra cerca de su casa. Se trata de un barco brasileño, al cual saluda a lo lejos. El protagonista nunca se esperaría que, al saludar aquel extraño barco, que viene literalmente "del Otro Mundo", estaría cediéndole el paso a el "Horla". A lo largo del relato, el protagonista muestra la angustia que se va apoderando de un hombre que ve cómo ese algo o alguien está introduciéndose en su vida de forma velada e intangible. Empieza teniendo pesadillas en las que alguien intenta estrangularlo o bebe su sangre, y además descubre que alguien se bebe el agua y la leche que él deja en su habitación. Por último, llegará a ser supuestamente poseído por la criatura, que gobierna todas sus acciones e incluso sus pensamientos, y de este modo llevándolo al suicidio.

EL REALISMO II STENDHAL (1783- 1824) Escritor francés cuyo verdadero nombre era Marie-Henri Beyle, si bien es conocido por su seudónimo literario. Nació en Grenoble y murió en Paris; provenía de una familia rica. Cuando tenía 7 años murió su madre, a la que quería muchísimo. A su padre lo detestaba por el conservadurismo que representaba a la clase a la que el pertenecía. Lo mandaron a estudiar a la Escuela Politécnica de París, abandonó los estudios para trabajar en el Ministerio de Guerra. Adoptó como segunda patria Italia, país que conocía tras su incorporación, en 1800, al ejército de Napoleón. Ocupó diversos cargos en el mundo militar. De 1806 a 1814 viajó por Italia, Austria, Alemania y Rusia con funciones civiles y militares. Cuando cayó Napoleón marchó a Italia donde conoció a su verdadero amor, Angiola Rietragua. Se estableció en Milán y se interesó por la música y la pintura. Lo acusaron de carbonario y tuvo que regresar a París en 1821. Se dedicó a escribir crítica de arte y música en diversos diarios, ya que no pudo encontrar trabajo en el gobierno. En 1830 le nombraron cónsul de Trieste pero dada su oposición al régimen austriaco le asignaron a otra ciudad. En 1841 solicitó su excedencia por razones de salud. Regresó a París donde falleció de un ataque de apoplejía. Viajes, música y Pintura

“Haydn, Mozart, Metastasio” “Historia de la Pintura de Italia” “Roma, Nápoles, Florencia” “Biografía de Rossini” “Paseos por Roma”

Novelas

“Armancia” “Vanina Vanini” “Rojo y Negro” “Recuerdos del Egoísmo” “Vida de Henry Brulard” “La Duquesa de Palliano” “La Cartuja de Parma”

Características de su Obra:

Fue materialista y ateo “Todo conocimiento proviene de los sentidos” Irónico, cruel, despectivo y cínico Frases netas, concretas y precisas Estilo frío, impersonal Prosa absoluta Conoce las pasiones y reacciones del hombre Hace agudos análisis Novela objetiva, personajes apasionados a los que Stendhal describe con gran detalle

y verosimilitud. No encontramos un lenguaje evasivo sino más bien concreto e irónico.

“ROJO Y NEGRO” Julián Sorel, joven seminarista de 19 años, mezcla de altanería y timidez, de ambición y oportunismo, admirador de Napoleón, ingresa a trabajar a la casa del Alcalde de Verrieres, como preceptor de sus hijos. Aunque de origen humilde, Julián es inteligente y atractivo, cualidades que le servirán para enamorar a la señora Renarl , esposa del alcalde, dama de 30 años, bella y virtuosa, y con ella mantiene relaciones durante dos años hasta que es

descubierto y huye para aparecer luego en el seminario. De ahí saldrá recomendado por el padre Pirard para trabajar como el secretario privado del Marqués de la Mole, quien rápido simpatiza con él. Lo mismo no ocurre con su hija Matilde, joven bella y altanera que humilla a Julián, pero pronto cambiará su conducta al verse atrapada por el amor y quedar embarazada. Cuando el marqués está a punto de aceptarlo como yerno, recibe una carta de la señora Renarl informándole sobre sus antecedentes, entonces su ascenso social se trunca: perderá los títulos nobiliarios y el grado militar que Matilde había solicitado. Casi al borde de la locura desea castigar a la informante; va a Verrieres y en la iglesia encuentra a la señora Renarl. Allí le dispara y creyéndola muerta se va. Es detenido, no desea defenderse, ni aceptará la ayuda de las mujeres que lo amaban, a pesar de que ellas lo visitan en prisión. Matilde mueve todas sus influencias pero no consigue evitar que Julián sea guillotinado. A los pocos días moriría la señora Renarl (a quien le confesó haberla amado sinceramente); Matilde roba la cabeza de Julián y la entierra en una cripta de mármol en fervoroso homenaje a un hombre que consideraba de destino superior. HONORÉ DE BALZAC (1799 – 1850) Nace en Tours y fallece en París. La familia de Balzac pertenecía a la pequeña burguesía francesa. Su padre fue secretario del consejero del rey durante el antiguo régimen y su madre provenía de una familia de comerciantes. Cuando se trasladó a París estudió leyes y trabajó como pasante de un abogado y de un notario. Pretendió dedicarse a la literatura y sus padres le concedieron un periodo de prueba alquilándole un pequeño estudio en La Bastilla. Sus primeras obras fueron un completo fracaso. Decepcionado buscó en el periodismo y en la topografía algún medio para conseguir independencia económica; estos intentos fallaron y se encontró en serios problemas. Hacia 1829 inició su verdadera carrera con la publicación de una novela histórica titulada “Los Chuanes”, a esta le siguió un ensayo titulado “Fisiología del Matrimonio” que provocó un gran escándalo que le sirvió para darse a conocer. De ahí en adelante comenzó con la publicación de novelas cortas. En 1833 comenzó a mantener correspondencia con quien sería su esposa, Eveline Hanska. En 1841 firmó un contrato para la edición de sus obras ilustradas por pintores de la talla de Gavarni y Daumier después de la publicación de un par más de obras. El ritmo de Balzac descendió poco a poco, su salud no era muy buena y su moral se fue derrumbando hasta llevarlo a la muerte. Características de Balzac

Don de observación: “ En mi, la observación había llegado a ser intuitiva, penetrando en el alma sin despreciar el cuerpo; o más bien, captada de tal modo que los detalles exteriores seguían inmediatamente hasta más adentro”

El realismo de Balzac: El hombre que presenta Balzac no era ni el puro individuo biológico ni el puro individuo psíquico, sino un ser social con deseos y aspiraciones, en conflicto constante, de relaciones concretas con otros.

La Denuncia Social: Valiente defensor de los que sufren los abusos de los poderosos. Mostró a la burguesía en ascenso: ambiciosa, egoísta y celosa para con los de arriba pero insensible con las clases populares.

Abundancia de técnicas: Recurre al relato en primera persona, a la forma epistolar, al relato indirecto así como el uso de narrador omnisciente. Moroso en la descripción y pintura de escenas cuyos diálogos recuerdan al lirismo teatral.

“LA COMEDIA HUMANA” Esta obra global de Balzac sería un serio testimonio de la Francia entre 1816 y 1848. Le permitió un enfoque múltiple, coherente y sintético de la sociedad. “La Comedia Humana” debió alcanzar 137 novelas pero nunca llegaron a publicarse todas.

FEDOR DOSTOIEVSKI Nace el 30 de octubre de 1821, en Moscú. Es hijo de una madre tierna y alegre, pero por el contrario, su padre es severo, cruel al punto que sus criados lo apodaron “la bestia”, finalmente es asesinado por sus siervos. Dostoievski tuvo que recorrer el camino de la desesperación y fue por culpa de su padre, tirano y alcohólico que le proporcionó una primera visión del mal. Agobiado por el rigor científico y la disciplina, concluye sus estudios de ingeniería, profesión que nunca ejerció por sentirse atraído por la literatura. En el año de 1840 sus relaciones políticas abarcan todo el campo de la izquierda, pero sus intereses eran más teóricos que prácticos. Junto con su grupo es condenado a muerte, acusado de conspirar contra el Zar, pero poco antes de ser fusilado le cambian la pena por cuatro años en Siberia. Destinado a duras tareas, vive entre hombres rudos, violentos, criminales, víctimas y verdugos, años de silencio que utiliza para indagar sobre la condición humana, que luego sería determinante en los perfiles psicológicos de sus personajes. Los temas de sus novelas serán el pobre hombre como objeto de esos tiranos internos. Sobre todo indaga la capacidad el hombre para el mal. Con la muerte de su hermano y de la mujer con la que había contraído matrimonio, comienza a endeudarse y a volverse jugador empedernido. Es así como conocerá la miseria absoluta. En medio de estos grandes apuros económico, escribe en pocas semanas una de las más grandes obras del siglo XIX “Crimen y Castigo” (1866). Para evitar ser encarcelado por deudas, viaja por toda Europa y vuelve en 1871 completamente arruinado. Muere el 21 de enero de 1881. Novela epistolar: “Pobres Gentes” Desdoblamiento Psíquico: “El Doble” Años en Siberia: “Recuerdos de la Casa de los Muertos” Recovecos del Alma Humana: “Humillados y Ofendidos” Redención de una prostituta: “Apuntes del Subsuelo” Conocimiento del Alma Humana: “Crimen y Castigo” Autobiografía: “El Jugador” Otras: “El Idiota”, “El Eterno Marido”, “Los Endemoniados”, “Los Hermanos Karamasov” ¿Por qué es considerado el padre del Realismo Psicológico? Indagación subjetiva y existencial Describe los abismos de la conciencia Agudos estudios psicológicos Obsesión por el mal, el sufrimiento y el sentimiento de culpabilidad Gusto por lo patológico Argumentos que van desde la piedad beata hasta las más crueles perversiones Uso del suspenso como recurso Simpatiza por cualquier forma de dolor Comprensión cristiana de las miserias del hombre Plantea la expiación y la purificación del dolor “CRIMEN Y CASTIGO” Sentado en un parque, el estudiante de Derecho Rodion Romanovich Raskolnikov planea un robo para así, con el dinero poder ayudar a Pulqueria, su madre, y a su hermana Dunia a la que entregarían en matrimonio forzado por interés. Hacha en mano se dirige a la casa de la usurera Aliona Ivanovna, ser despreciable, que como un piojo chupaba la sangre de los más necesitados. Ella abre la puerta y al darse cuenta de las verdaderas intenciones de Rodion, ya era tarde: Aliona sólo voltearía para que el hacha le partiera la cabeza. Inexperto, Rodion había olvidado cerrar la puerta con seguro e ingresó Isabel, la hermana de la usurera, quien no tuvo tiempo de pedir ayuda ya que recibió cuatro hachazos que acabaron con su vida.

Aprovechó luego para coger una bolsita que la anciana llevaba en el cuello y con las llaves abre el baúl sacando unas alhajas y después de unos momentos angustiosos huye sin ser visto y sin dejar huella alguna que lo delatara. Esconde luego lo robado debajo de una piedra y se encierra en su habitación. Allí, en medio de la soledad, sufrirá los embates de la conciencia. Describe el autor a un hombre que va desde la normalidad, pasando por el nerviosismo, inseguridad, lagunas mentales, paranoias, para luego recuperar la ecuanimidad.

Razumikin, su amigo, tampoco entiende su estado febril. Sólo confiará su secreto a Sonia, una jovencita que se había prostituido a instancias de su madrina, Catalina, pues su padre, el borracho Marmeladov, los había sumido en la miseria. Ella le aconseja que se entregue a la policía, a la postre le acompañará a los trabajos forzados en Siberia cuando es condenado al confirmarse las sospechas del juez instructor Porfirio Petrovich.

LEÓN TOLSTOI Escritor ruso nacido en Yásnaya Poliana el 9 de septiembre de 1828 y fallecido en Astapovo el 20 de noviembre de 1910. Su verdadero nombre fue Lev Nikoláyevich Tolstói. Es considerado como uno de los escritores más importantes de la historia de la literatura, y sus obras se cuentan entre las más importantes del Realismo. Nacido en una familia noble, se trasladó a Kazán tras la muerte de sus padres, estudiando en dicha ciudad y en la Universidad de San Petersburgo, en donde se licenció en Derecho. Pudo observar junto a uno de sus hermanos la guerra entre Rusia y Turquía, que le sirvió para hacerse una buena idea del ambiente marcial del ejército zarista.

Tuvo gran influencia en el anarquismo de Kropotkin y en la resistencia no violenta de Gandhi, con el que mantenía contacto epistolar, así como en el vegetarianismo, siendo también un gran defensor del esperanto y un pacifista convencido. Algunas de sus obras más importantes son Los cosacos (1863), Guerra y Paz(1865-1869), Anna Karénina (1875-1877), Confesión (1882), La muerte de Iván Ilich(1886) y Resurrección (1899). Sus obras han sido llevadas al cine y a la televisión en más de un centenar de ocasiones, siendo uno de los autores más adaptados de todos los tiempos.

FRANCIA RUSIA ESPAÑA ESTADOS UNIDOS

INGLATERRA

STENDHAL La Cartuja de

Parma Rojo y Negro GUSTAVO FLAUBERT

Madame Bovary Salambó La Educación

Sentimental HONORÉ DE BALZAC

La Comedia Humana

Eugenia Grandet La Piel de Zapa

NICOLÁI GOGOL

Taras Bulba Las Almas Muertas LEÓN TOLSTOI

Ana Karenina La Guerra y la Paz La Sonata de

Kreutzer FEDOR DOSTOIEVSKI Crimen y Castigo

BENITO PEREZ GALDÓS

Fortunata y Jacinta El Doctor Centeno Marianela Doña Perfecta

HERMAN MELVILLE

Moby Dick Billy Buadd MARK TWAIN (Samuel Clemens)

Aventuras de Tom Sawyer

Un yanqui en la corte del Rey Arturo

Aventuras de Hucklebe

CHARLES DICKENS

David Copperfield Pickwick Papers Oliver Twist Cuentos de Navidad

LITERATURA CONTEMPORÁNEA I

VANGUARDISMO

Viene a ser el nombre genérico de las nuevas tendencias que aparecieron al finalizar la Primera Guerra Mundial. Es la reacción frente a las corrientes literarias y artísticas del siglo XIX (Romanticismo, Realismo, Naturalismo) y que pretende la ruptura con el pasado inmediato y con las normas antiguas de la literatura. Es el repudio manifiesto a todo lo que indicaba la perspectiva literaria clásica. Estéticamente se orienta hacia un arte nuevo y libre. El vanguardismo se hace presente en casi todos los géneros literarios.

Novela del Siglo XX

(Nueva Narrativa)

Novela Social: Problemas de la época. Crueldad de la guerra, los horrores vividos, luchas políticas, los oprimidos.

Novela Subjetiva: Desterró todas las tendencias políticas, hasta se despegó del argumento. Lo que más le importó fue presentar el mundo interno de los personajes.

NUEVAS TÉCNICAS NARRATIVAS Desaparece aquí el narrador omnisciente, característico de la novela realista. Deja que los personajes presenten las acciones tal como las perciben desde su punto de vista. Para lograr esto, los novelistas se valen de:

Perspectiva Absoluta: Relato en primera persona, como si fuera una autobiografía. Perspectiva Múltiple: Distintos personajes cuentan los hechos desde diversos puntos de vista. Monólogo Interior: Reproducción directa del pensamiento de los personajes. Es como estar

dentro de la cabeza de cada uno de ellos.

LOS PERSONAJES Ya no existe un héroe, se trata más bien del hombre común, a veces anónimo que tiene varias facetas. También existen grupos humanos como centro de la historia.

EL TIEMPO Y EL ESPACIO Antes se narraba en orden cronológico. En la novela contemporánea se rompe con este esquema. La complejidad del tiempo ha hecho que se simplifique el espacio (un cuarto, una casa o un espacio interior como la mente del protagonista).

LENGUAJE Y ESTILO DE LA NOVELA Aquí todo es posible, no hay límites. Podemos encontrar un lenguaje coloquial o culto, inventar palabra o utilizar las de otro idioma. Juega con los tipos de letras y llega a suprimir los signos de puntuación.

FRAN KAFKA Nace en Praga en 1883, ciudad muy particular que envolvía una realidad anodina en lo cultural y conflictiva en lo político social. En Praga coexistían tres comunidades: la checa, la alemana y la judía. Herencia que es recibida por los jóvenes judíos que fueron educados en escuelas alemanas como sería el caso de Kafka. Él, particularmente, se siente extraño, cosa que se refleja en el internamiento que demuestra frente al intento de contacto que realizó su padre. Finalmente encontrará la escritura como justificación de su existencia pero, paralelamente, trabaja en labores administrativas, lo que le produce un gran conflicto ante la ausencia de tiempo para escribir.

Sus amores fueron vacilantes y casi siempre desgraciados. El primero de ellos tuvo como protagonista a Felice Bouer, con la que rompió su compromiso matrimonial en dos ocasiones. Más tarde, ya enfermo de tuberculosis, conoce a Julie Wohryzek, hija de un sacristán de sinagoga. El contacto con Julie acrecentará su interés por los problemas, pero el padre de Franz se opone a esta relación y tras la ruptura escribe sus famosas “Cartas al Padre”, una despiadada acusación a su incomprensión y autoritarismo.

En 1923, un año antes de morir, conocerá a Dora Dymant con la que mantendrá un amor feliz. Pero la tuberculosis se agrava cada vez más y le ataca la laringe. El 3 de Julio de 1924 moría junto a Dora, después de haber expresando en su testamento su deseo de que se destruyeran todos sus escritos.

Obras: Max Brond, amigo íntimo de Kafka, será el encargado de editar los diarios y demás

escritos: “La Metamorfosis”, “El Castillo”, “El Proceso”, “Cartas al Padre”.

LA METAMORFOSIS Es en esta novela corta donde su trauma se ubica como ejemplo del tormento humano en el que la esperanza y el desamparo se presentan sin fin. Transformado en un horrible insecto, Gregorio Samsa sigue viviendo al modo de la decadencia, se hunde en la soledad animal, se acerca a lo más próximo de lo absurdo y la imposibilidad de vivir. Pero, precisamente sigue viviendo; ni siquiera trata de salir de su infortunio, sino que pone en él su último recurso, una última esperanza, por sus breves viajes en lo fresco de las paredes, por la vida en medio de la suciedad y el polvo. Gregorio muere, muere insoportablemente en el abandono y la soledad, y sin embargo, muere casi feliz, por el sentimiento de liberación que presenta la nueva esperanza de un fin ahora definitivo. Con respecto al final de Gregorio, se puede concluir con una doble interpretación: La muerte espiritual: Motivado por el repudio de quien fuera la fiel y bondadosa

hermana Gretel. La muerte física: Que se materializa en ese cuerpo gastado y enfermo a causa de

la manzana que le lanza el padre. Tema: La deshumanización del hombre contemporáneo y el automatismo de su vida frente

a la realidad cotidiana material. JAMES JOYCE Estudió en un colegio de Jesuitas y en el colegio universitario de su ciudad, Dublín. Vivió un año en París. De regreso a la capital irlandesa, se dedicó a correr los bajos fondos de la ciudad entregado a una bohemia miserable. Casado posteriormente se trasladó a Italia. A partir de entonces anduvo por distintos lugares de Europa. Gracias a la protección que le dio Karol Mc Cormicj, hija única de Jhon Rockefeller, pudo, en Zurich, dedicarse a la redacción de su obra máxima “Ulises”. Murió en esa ciudad al realizársele una operación a la vista. Obras: “Retrato de un Artista Adolescentes” “Ulises” “El Despertar de Finnegan” “ULISES” Es aquí donde manifiesta un rechazo al cerrado ambiente del catolicismo irlandés en el que fue formado, a la vez que demuestra una completa inconformidad con los lineamientos artísticos que se mostraban en su país. Con el estilo del “flujo de la conciencia”, esta novela fue publicada en París en 1922. Los protagonistas. Leopoldo Bloom, Stephen Dedalus y Molly Bloom, caracterizan a Ulises, Telémaco y Penélope respectivamente. A lo largo de la obra irán ilustrando los diferentes episodios del poema griego. Joyce va paseando a los protagonistas masculinos por el Dublín de entonces mientras realizan sus actividades. Ya muy tarde, en la noche, aparece Molly en el primer plano de la novela con un largo monólogo interior. En ese monólogo, de cerca de cuarenta páginas sin puntuación alguna, Molly recuerda los hechos más importantes de su vida. Por otro lado también, Stephen quiere encontrarse a sí mismo, embriagado de alcohol y de ideas caóticas propias de su edad; para Stephen, el éxito de esta aventura interior y exterior sería el encuentro con su verdadero padre. Necesita un padre que le devuelva la seguridad y la confianza. Sin embrago, a pesar del encuentro de ambos al final de la novela y de la mágica atmósfera que los acerca tanto, Bloom y Stephen no se reconocen; la identificación no se produce y éste último abandona la casa con la misma inquietud, al igual que Bloom se queda con la misma soledad. La historia de Bloom, en el fondo, no es más que la historia de un hombre en busca de sí mismo a través de los peligros que lo extravían del éxito de esta búsqueda en medio de la ciudad contemporánea. En Bloom, estas ideas conllevan las ansias de un hijo que perpetúe su estirpe, que lo enaltezca y colme de sentido su vida. Tema: La soledad humana, principalmente la soledad del hombre contemporáneo.

LITERATURA CONTEMPORÁNEA II

ERNEST HEMINGWAY Este controvertido escritor y periodista norteamericano nació en un pequeño y apartado pueblo llamado Oak Park, en el estado de Illinois. Era el 21 de julio de 1899. Sus padres, un médico aficionado a la caza, la pesca y la vida en los bosques, y su madre, un ama de casa raramente culta para la época y amante de la música, le dieron al pequeño Ernest una niñez al parecer, extremadamente sobreprotegida que pudo influir, más tarde, en su personalidad controvertida que muchos encontraban vanidosa, egocéntrica, vulgar, exhibicionista entre otros adjetivos similares. Por otro lado, el mundo de rudeza, el crimen y la brutalidad que Hemingway narrará en sus posteriores cuentos, tiene sus raíces en las actividades de su adolescencia llena de aventuras estudiantiles como su afición por el boxeo, el baloncesto callejero, la natación en río, hecho que lo llevó a convivir con personajes de oscura reputación. En la escuela no fue estudioso, más bien sugería una personalidad todo lo anti intelectual que se pueda imaginar. Todo ello influyó en su vida como escritor y personaje de élite.

Heminway llegó a la literatura a través de una actividad afín, pero más acorde con su intranquilo carácter: el periodismo. Empezó tempranamente en el “Kansas City Star”, periódico de media llegada; luego trabajaría en el “Toronto Star”. Manejaba siempre un estilo cortante. Su escuela literaria se desarrolló entre los escritos de la crónica roja, artículos sobre homicidios, la vida de los bajos fondos de Chicago y Kansas. De allí su estilo al escribir, breve y cortante.

Amante de la aventura se enroló en la Cruz Roja y es herido durante un rescate, por ello es condecorado y recibido como héroe. Estuvo casado numerosas veces y decide residir en Cuba durante mucho tiempo. En 1954 es galardonado con el Premio Nóbel pero no puede ir a recibirlo en persona. Esto le genera una profunda pena. Con el ascenso al poder de Cuba de Fidel Castro, Hemingway decide volver a Idaho por considerar que la isla se volvía un lugar inestable. Agotado físicamente, profundamente sicótico se suicida el 02 de julio de 1961.

“EL VIEJO Y EL MAR” Es una obra relativamente corta en la que, de una manera sencilla y con una técnica narrativa tradicional, Hemingway nos presenta un pequeño hecho que se convierte en un símbolo de lucha por la vida.

El ambiente donde se desarrolla la historia es una aldea pesquera no muy lejos de La Habana, dentro de la Isla de Cuba. El protagonista es un viejo pescador que vive de lo que gana en el mar. Su nombre es Santiago.

Este viejo, bronceado por el sol del trópico, fue en su juventud un mozo de gran fuerza y el mejor pescador de la costa antillana. Conserva aún algo de su destreza y los únicos bienes que posee son: una vieja cabaña de palma y sus anticuados enseres para pescar.

En las últimas semanas, a pesar de su experiencia en el arte de la pesca, no ha conseguido obtener ni lo más indispensable para mantenerse. Hace cuarenta días que regresa con las redes vacías. El muchacho que lo acompaña se ve obligado a abandonarle. El viejo se hace a la mar y no consigue nada. Sin embrago el pescador alimenta la esperanza de cobrar un pez extraordinario.

Y así sucede. Cierto día, al amanecer, se hace a la mar, y después d pescar algunos atunes y dorados, un enorme pez pica el anzuelo. Pero la presa es muy fuerte y arrastra durante tres días la embarcación mar adentro. Al tercer día, el pez se doblega y emerge a la superficie. Es un pez espada de un tamaño que jamás había visto el viejo pescador.

El viejo clava el arpón y lo amarra a su barca, más pequeña que el pez, pero no lo puede subir y lo arrastra. Regresa a la aldea con las manos desolladas por el roce del sedal, casi desvanecido por los tres días de locas carreras tras la presa, maravillado de su suerte y de su increíble aventura. El viejo está orgulloso de su hazaña, a la que no le impulsó la ambición, es más, admira la belleza de su presa e incluso llega a sentir remordimiento de haber matado a tan raro ejemplar. Pero la carne y la sangre de tan grande pez atraen a los tiburones. Empieza de nuevo la lucha. Atando su cuchillo al extremo de su remo, improvisa una lanza y lucha desesperadamente contra sus nuevos enemigos y consigue matar a dos, pero llegada la noche, los tiburones son una manada de hambrientos carniceros que atacan al pescador. El viejo sigue peleando por su presa pero pierde el cuchillo y el arpón. Cuando amanece, del enorme pez espada solo quedaba la cabeza, el espinazo y la cola. El viejo llega a la playa, deja la barca y apenas llega a la cabaña se queda profundamente dormido. Al día siguiente aparece el muchacho aprendiz dispuesto a acompañar a tan extraordinario pescador. El viejo está dispuesto, como todos los días, a salir en la búsqueda del sustento diario, con la misma constancia y energía, consciente de haber sido vencido, pero a la vez también de haber sabido vencer.

EL VANGUARDISMO Y SUS ISMOS Dentro de la corriente vanguardista los ismos surgieron contra una corriente envejecida y propusieron innovaciones radicales de contenido, lenguaje y actitud vital. Entre ellos se encuentran: EXPRESIONISMO: Nació en Alemania en contra del naturalismo y fue encabezado por Georg Tialk en 1920. Entre sus principios se señalan: la reconstrucción de la realidad, la relación de la expresión literaria con las artes plásticas y la música y la expresión de la angustia del mundo y de la vida a través de novelas y dramas donde se habla de las limitantes sociales impuestas a la libertad del hombre. CUBISMO: Nació en Francia y fue encabezado por Guilaume de Apollinari. Sus principales rasgos consisten en: la asociación de elementos imposibles de concretar, desdoblamiento del autor, disposición gráfica de las palabras, sustitución de lo sentimental con el humor y la alegría y el retrato de la realidad a través de varios enfoques. FUTURISMO: Surge en Milán, Italia por parte de Filipo Tommaso Marinetti. Este movimiento rompía con la sintaxis, el ritmo y los signos convencionales de la puntuación. Consideraba como elementos principales de la poesía, el valor, la audacia y la revolución, ya que se pregonaba el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso gimnástico, el salto peligroso y la bofetada. Tenía como postulados: la exaltación de lo sensual, lo nacional y guerrero, la adoración de la maquínale retrato de la realidad en movimiento, lo objetivo de lo literario y la disposición especial de lo escrito, con el fin de darle una expresión plástica. DADAÍSMO: Apareció en Zurich, Suiza entre 1916 y 1922 con Tristán Izarra como su fundador. Fue una oposición al pasado violento de la guerra mundial. El poema dadaísta suele ser una sucesión de palabras y sonidos, lo que hace difícil encontrarle lógica. Se distingue por: la inclinación

hacia lo dudoso, terrorismo, muerte y nihilismo, lo fantasioso, busca renovar la expresión mediante el empleo de materiales inusuales o manejando planos de pensamientos antes no mezclables y tiene una tónica general de rebeldía o destrucción.

ULTRAÍSMO: Apareció en España entre 1919 y 1922 en reacción al modernismo. Fue uno de los movimientos que más se proyecto en Hispanoamérica contribuyendo al uso del verso libre, la prescripción de la anécdota y el desarrollo de la metáfora, que se convierte en el principal centro expresivo. Influenciado por poetas como Vicente Huidobro y Guillaume Apollinari.

CREACIONISMO: Surgió en 1917 y fue patrocinado por el poeta chileno Vicente Huidobro, quien concibe al poeta como un pequeño Dios para crear con la palabra. Según él, el poeta no deber de ser un hombre.

SURREALISMO: Surgió en Francia con André Bretón, quien siguiendo a Freud se interesó por descubrir los mecanismos del inconsciente y sobrepasar lo real por medio de lo imaginario y lo irracional. Se caracteriza por: pretender crear un hombre nuevo, recurrir a la crueldad y el humor negro con el fin de destruir todo matiz sentimentaloide y a pesar de ser constructivo, los aspectos de la conducta moral humana y las manifestaciones no son de su interés.

ESTRIDENTISMO: Surgió en México y nace de la mezcla de varios ismos, como aportación nacidos a la vanguardia europea. Se dio entre 1922 y 1927 y se caracterizó por la modernidad el cosmopolismo y lo urbano, así como por el inconformismo, el humor negro, el esnobismo, lo irreverente y el rechazo a todo el pasado. Su representante fue Manuel Maples Arce.

LITERATURA DE AVENTURAS

(Clásicos)

LA GUERRA DE LOS MUNDOS DE H. G. WELLS

“Nadie hubiera creído, en los últimos años del siglo XIX, que a nuestro mundo lo observaban minuciosamente inteligencias mayores que las del hombre, aunque mortales como él; que, mientras los hombres se ocupaban de sus diversos asuntos, alguien los vigilaba y los estudiaba, quizá tan detalladamente como un hombre con un microscopio podría vigilar a las pequeñas criaturas que medran y proliferan en una gota de agua. Con infinita complacencia, los hombres fueron de un lado a otro por el planeta ocupándose de sus pequeños asuntos, seguros de su dominio sobre la materia. Tal vez los microbios que vemos al microscopio hacen lo mismo. Nadie pensó que los mundos más antiguos del espacio pudieran ser fuente de peligro para la humanidad. Sólo pensamos en ellos para desechar la idea de que pudieran albergar vida. Es extraño recordar los hábitos mentales de aquellos días. Cuando mucho, los hombres se imaginaban que en Marte vivían otros hombres, quizá inferiores a ellos y dispuestos a recibir emisarios terrestres. Pero a través de las enormes distancias espaciales, unas mentes que son a las nuestras como las nuestras a las de las bestias, unos intelectos vastos, fríos y crueles, miraban a la Tierra con envidia, y, lenta pero inexorablemente, fraguaron planes contra nosotros. Entonces, a principios del siglo XX, se produjo la gran revelación”. La gran revelación a la que alude Herbert George Wells se produce cuando un ejército marciano hostil invade la Tierra en naves extrañas dotadas de armas que escupen rayos verdes de destrucción. ¿Te suena conocido? Es que los rasgos generales de La guerra de los mundos se han imitado muchas veces en programas de televisión y películas.

Wells escribió su obra por la época del furor de los canales de Marte y quizá contribuyó a la obsesión humana con el Planeta Rojo. También definió el tono de los relatos acerca de encuentros interplanetarios de los siguientes decenios: superiodidad tecnológica de los invasores, hostilidad y guerra. En 1938 el cineasta estadounidense Orson Welles tenía un popular programa de radio que consistía en adaptar obras de teatro y literatura a ese medio. El 30 de octubre de ese año Welles transmitió una adaptación de La guerra de los mundos . Al principio de la transmisión un locutor indicó que empezaba el programa y cedió la palabra a Welles. Entonces éste empezó sin más a recitar las primeras líneas de la novela (las que encabezan esta página) en tono dramático. Alguien que hubiera encendido la radio cuando hablaba Welles aún podría haber distinguido que se trataba de una ficción. Pero la adaptación que hizo Welles no era una simple lectura del texto de su casi homónimo Wells. La historia estaba disfrazada de programa musical interrumpido por informes noticiosos de que unos astrónomos acababan de ver unas extrañas explosiones en Marte. Luego un reportero entrevistaba a un astrónomo, que decía que no podía explicar qué estaba pasando. Al rato se veía caer del cielo un meteorito en Nueva Jersey. Después resultaba que era un objeto cilíndrico descomunal. Se reunía mucha gente para verlo hasta que el aparato se abría y del interior salían unas criaturas monstruosas. Se oían gritos, el reportero vociferaba. La atmósfera de la transmisión era de un realismo total. Los que no oyeron el principio del programa pensaron que un ejército marciano estaba invadiendo el mundo. El programa de Orson Welles produjo histeria en masa. Hubo quien se encerró en el sótano de la casa con pistolas. Otros se pusieron toallas mojadas en la cara para protegerse del gas venenoso de los marcianos. El programa fue motivo de escándalo e indignación cuando se reveló la realidad. También demostró el poder de una narración bien hecha. Fue uno de los momentos más gloriosos (y terribles) de la historia de la radio. En la novela original los marcianos acaban sucumbiendo, no a las armas de los terrestres, muy inferiores a las de aquellos, sino a simples infecciones bacterianas.

20000 LEGUAS DE VIAJE SUBMARINO DE JULIO VERNE

Julio Verne es el escritor francés más importante de la literatura de aventura. Como los grandes, comprendió muy pronto que la fantasía no es la invención de poderes extraños, tampoco historias de personajes que se extienden hasta el hastío; más bien, que es la simple exploración de nuestro mundo a través de una mirada renovada. Así, en Viaje al Centro de la Tierra, sondeó las profundidades de nuestro planeta, descubriendo toda clase de misterios; en La Vuelta al Mundo en Ochenta Días, se aventuró a través del aire para permitirnos una mirada vertical y; aquí, en 20.000 Leguas de Viaje Submarino, se sumergió en los mares para hacer un recuento de las más increíbles maravillas: animales, plantas, continentes desaparecidos, cementerios, embarcaciones. Como Stevenson, a Verne le ha bastado siempre una sola palabra para abocar a sus lectores hacia los más variopintos destinos. A bordo de un globo, de alguna máquina científica, o de un submarino, quien lo lee se convierte en co-protagonista de la historia, se introduce inevitablemente en su mundo, y no logra salir de él hasta el momento en el que se escriba la última palabra. Verne es un hombre que confía en el lenguaje para matizar lo que vivimos, para expresar más acertadamente su coloratura y, además, es un sabio de la ciencia, no propone una situación sin argumentarla, hecho que le confiere a su obra un carácter verosímil. Para el caso particular de 20.000 Leguas de Viaje Submarino, quisiera analizar dos aspectos: el de la tensión misantropía-filantropía, y la construcción del héroe como noción problemática.

RESUMEN: El prestigioso biólogo marino Pierre Aronnax es invitado por el gobierno de los Estados Unidos a unirse a un buque de guerra en una expedición exploratoria con el fin de encontrar a un monstruo marino que destroza a acorazados y navíos mercantes en aguas del Pacífico. Luego de varios meses de esfuerzos en vano, el USS Abraham Lincoln presencia el hundimiento de un barco cerca de su ruta y, al ir a su encuentro, descubre al monstruo con el cual traba combate. Pero el buque es hundido y Aronnax, su ayudante, y el experimentado arponero Ned Land flotan a la deriva en el océano. Cuando la suerte parece estar echada, descubren al cuerpo del monstruo, que resulta ser un buque submarino fuertemente acorazado llamado Nautilus y está al mando del Capitán Nemo, quien decide retenerlos. Nemo es un brillante inventor y estratega, que se ha planteado a sí mismo y a su tripulación la misión de destruir todo barco de guerra y buque que transporte materiales militares que encuentren en su camino. Pero con el paso del tiempo, Aronnax descubrirá el oscuro pasado de Nemo y que detrás de su deseo de justicia se esconde una insaciable sed de venganza.

EL CORSARIO NEGRO DE EMILIO SALGARI

Hoy he decidido sacar del baúl de los recuerdos a un libro y a un autor de los de toda la vida, y que ahora parecen injustamente olvidados. He preguntado a los niños de mi alrededor y ninguno conoce a este famoso filibustero, pirata, bucanero....El Corsario Negro. ¡¡Que puedo decir!! Lo leí con quince años, y aún hoy recuerdo los recorridos del Corsario por las calles de Maracaibo, sus incursiones por la selva, y como no al malvadísimo....Ah¡¡¡ y que decir tiene de las peleas de espadas, brillantemente descritas por su autor...mmmm, como me gustó. Este libro,está ambientado en el siglo XVII, época de grandes comunicaciones entre Europa y América, de traslado de grandes tesoros de oro, especias, esclavos, etc...en la que en los mares surcaban los famosos galeones, asaltados por piratas, bucaneros y demás estirpe...comandados por hombres de renombre como el famoso Henry Morgan y generalmente pagados por algún rey europeo con necesidad de oro para pagar deudas, o caprichos o lo que fuera..., tiempos en los que la vida de un hombre valía bien poco. En este libro el personaje principal es un caballero que por circunstancias de aquellos tiempos se ve inmerso en una serie de problemas que lo llevan a vivir al margen de la ley. Nos encontramos con valores como la fraternidad, la justicia, el honor, la importancia de la palabra, la fidelidad, etc...Hombres valerosos y fieros, de espadas rápidas y sobreros de pluma, hombres de mar...ah¡¡ ciudades amuralladas, atacadas por galeones y piratas, asediadas, incendiadas....recorridos por selvas salvajes y peligrosas, con arenas movedizas...con animales salvajes...y muchas, muchas aventuras. También nos encontraremos la historia de amor, como no...Con sentimientos profundos y arrebatadores, romances de aquella época, donde las damas se enamoraban de los hombres mirándoles solamente a los ojos....vamos como ahora¡¡, amores imposibles...

LITERATURA DE AVENTURAS

(Modernas)

JUEGO DE TRONOS DE R. R. MARTIN

Canción de hielo y fuego es una multipremiada serie de novelas y novelas cortas de fantasía épica escritas por el novelista y guionista estadounidense George R. R. Martin. Martin comenzó a escribir la serie en 1991 y el primer tomo se publicó en 1996. Originalmente

planeada como una trilogía, actualmente se espera que la serie sea una heptalogía, ya que tiene cinco tomos publicados y dos más planeados. También hay tres novelas cortas que actúan como precuelas de la serie; y una serie de novelas cortas que recopilan los capítulos dedicados a un personaje determinado, ya publicados en las novelas principales. Una de ellas ganó un Premio Hugo. La serie ha sido traducida a dieciocho idiomas y el cuarto tomo alcanzó el primer lugar en la lista de best sellers del New York Times tras su publicación. En total, la serie ha vendido 2,2 millones de copias en los Estados Unidos. La historia de Canción de hielo y fuego se sitúa en un mundo ficticio medieval, principalmente en un continente llamado Poniente pero también en un vasto continente oriental, conocido como Essos. Si bien la serie se sitúa en un mundo ficticio y Martin ha citado a J. R. R. Tolkien, Jack Vance y a Tad Williams, como sus influencias, la serie difiere de los trabajos de estos autores en el hecho de que se interesa y utiliza más los elementos realistas que los fantásticos. Mientras Tolkien se inspiraba en la mitología], Canción de hielo y fuego se inspira en la historia medieval, especialmente en la Guerra de las Dos Rosas. Asimismo, la serie se considera una de las obras más innovadoras del género, debido al gran número y la complejidad de sus personajes, lo intrincado de las tramas políticas, y su falta de censura en temas de violencia, sexo o incluso al abordar tabúes como el incesto. RESUMEN El rey Robert Baratheon visita a Lord Eddar Stark para encargarle la resolución del misterio de la muerte de su Mano. La investigación del suceso origina separaciones familiares, asesinatos y el comienzo de la guerra entre los Siete Reinos. La estructura de la novela es sencilla: los capítulos se dividen por los nombres de los personajes desde los cuales se “ve” el desarrollo de la acción. Estos son, en su mayoría, de la familia Stark, desde Lord Eddard que intenta resolver el asesinato de la anterior Mano del rey, hasta Catelyn, obligada por las circunstancias a dejar su hogar e hij@s para apoyar a la Casa Stark. Además están las hijas: Arya, una niña valiente que aspira a ser guerrera y la superficial Sansa, cuya mayor aspiración es casarse con Joffrey, heredero del rey. Los hijos: Bran, inválido y valiente, y Jon Nieve, el bastardo decidido a ser parte de la Guardia de la Noche, cuya nobleza se muestra en la importante escena del hallazgo de la camada de lobos, en que se desvincula de la familia para favorecer a sus hermanos. Aparte de la familia está Daenerys (Dany) Targaryen, la última descendiente del dragón y de su dinastía derrocada por el rey Robert Baratheon. Y, por último, Tyrion Lannister, enemigo, enano y casi bufón, apodado el Gnomo, dispuesto a lo que sea por sobrevivir recurriendo a su humor e ingenio. Los capítulos se distinguen, además de por tomar un punto de vista, por lo que eso implica de conocimiento de cada personaje, pues cada cual reflexiona sobre su vida, pasado, presente y futuro, sus sueños y realidades, lo que temen y lo que aman… en ocasiones comienzan con el personaje en una situación concreta que les lleva a recordar tanto la forma en que han llegado a ella como las emociones que esto despierta.

En un género como la fantasía es difícil sorprender o crear argumentos novedosos. En este caso, el autor crea su propio mundo, cuyas principales características son la extremada extensión de las estaciones (se acerca un invierno que promete ser duro), la existencia de un enorme muro defendido por la Guardia de la Noche de un exterior misterioso en que habitan los Otros, un bosque lleno de leyendas pasadas sobre tribus de niños o la desaparición de los dragones. Es una historia clásica, que retorna a los valores del honor, el valor, el sacrifico, personificados en Lord Eddard y su fidelidad al rey Robert, a cuyo servicio separa a su familia y los aboca a destinos trágicos. Quizá se echa en falta el protagonismo de un malvado, uno de los Lannister, a quienes, de momento, se conoce a través de los Stark y del hijo desfavorecido. Es precisamente en los villanos que Martín resulta más convencional. En el (indispensable y necesario) prólogo de Josep Burillo, este dice que “ni siquiera el incesto es un tema tabú para Martín”… aunque es cierto que se presenta como algo negativo, protagonizado por la reina Cersei Lannister y su gemelo Jaime,los malos malísimos de la historia. Por lo demás, el autor consigue interesar en cada capítulo y personaje, que se lamente abandonar a uno de ellos y que alegre reencontrarse a otro, mantiene con firmeza el tomo de expectativa y emoción y, lo más difícil, consigue que todas las escenas de las ochocientas páginas, tengan una razón de ser, que sean parte importante de la trama, aunque algunas cosas se perciban más tarde. Los pasajes de luchas, que en otras obras pueden resultar largos y monótonos, son relatados con emoción, sin exceso de páginas y con una preocupación fundada, ya que el autor no vacila en eliminar a los personajes que considere necesario para el avance de la trama, independientemente de su función en la novela. Esta obra trata los temas que mueven al mundo: guerra y paz, amor y odio, ambición, venganza, honor, deber y sacrificio, drama y humor… y todo muy bien escrito, y descrito, pese a lo tópico de algunas situaciones y personajes y la larga extensión, a veces repetitiva. El libro incluye mapas realizados por James Sinclair y Símbolos Heráldicos por Virginia Norey.

LITERATURA DE TERROR

H. P. LOVECRAFT El nombre de Lovecraft es sinónimo de ficción de horror; sus escritos, particularmente los Mitos de Cthulhu, han influido a los autores de ficción a lo largo y ancho del mundo, y podemos encontrar elementos lovecraftianos en novelas, películas, música, videojuegos, cómics y dibujos animados. Por ejemplo, los villanos de Gotham City en Batman son encarcelados en el Asilo Arkham, en Arkham, una invención de Lovecraft. Muchos escritores modernos de terror, como Stephen King, Bentley Little, Joe R. Lansdale, por nombrar a unos pocos, han citado a Lovecraft como una de sus más importantes influencias. Lovecraft fue un escritor relativamente desconocido en su propia época. Mientras que sus historias se habían hecho un lugar en publicaciones como Weird Tales, mucha gente no conocía su nombre. A pesar de ello, mantenía regularmente correspondencia con otros escritores contemporáneos, como Clark Ashton Smith y August Derleth, gente que se convirtió en buenos amigos suyos, incluso sin haberse nunca conocido en persona. Este nutrido grupo de escritores llegó a conocerse como el "Círculo de Lovecraft", ya que tomaban prestados elementos de las historias de Lovecraft - libros misteriosos con nombres

inquietantes, panteones de dioses extraterrestres, como Cthulhu y Azathoth, y lugares como Miskatonic y Arkham - para usarlos en sus propias historias (con la bendición y ánimo de Lovecraft). Se ha sugerido que fueron los esfuerzos del Círculo de Lovecraft - particularmente August Derleth - los que evitaron que el nombre y las historias de Lovecraft desaparecieran completamente en la oscuridad. Después de la muerte de Lovecraft, el Círculo de Lovecraft siguió contribuyendo a su leyenda. August Derleth fue, probablemente, el más prolífico de todos ellos, ya que amplió y extendió la visión de Lovecraft. Las contribuciones de Derleth han sido controvertidas, ya que mientras Lovecraft nunca consideró a su panteón de dioses extraterrestres más que como parte de la trama argumental, Derleth creó una cosmología completa, con una guerra entre Los Antiguos o Dioses arquetípicos, como Hypnos o Ulthar, y los Dioses Primigenios, como Cthulhu y Nyarlathotep. Además, asoció a los Dioses Primigenios a los cuatro elementos. Algunos fans de Lovecraft no han visto con buenos ojos dichas modificaciones, puesto que parecen contradecir la visión de Lovecraft de un universo desordenado y sin plan, donde los seres menos malevolentes simplemente no se interesaban en la humanidad. La pregunta que todo fan se hace es ¿Hubiera Lovecraft aprobado las extensiones de Derleth? Se dice que Lovecraft era muy comprensivo sobre esta clase de adiciones y modificaciones, por lo que probablemente hubiera dado el visto bueno a Derlerh, pero no lo hubiera adoptado para sus propias historias. Si había un Círculo de Lovecraft, entonces la versión de Derleth sería un añadido interesante, pero no formaría parte del Círculo. El trabajo de Lovecraft ha sido agrupado en tres categorías por algunos críticos: Historias macabras (c. 1905–1920) Historias del Ciclo del Sueño (c. 1920–1927) Los Mitos de Cthulhu / Lovecraft (c. 1925–1935)

LITERATURA DE ORIENTE

LAS MIL Y UNA NOCHES Las Mil y Una Noches es una célebre recopilación de cuentos árabes del Oriente Medio medieval que utiliza la técnica del relato enmarcado o mise en abyme. El núcleo de estas historias está formado por un antiguo libro persa llamado Hazâr Afsâna (los Mil Mitos). El compilador y traductor de estas historias al árabe es, supuestamente, el cuentista Abu abd-Allah Muhammed el-Gahshigar, que vivió en el siglo IX. La historia principal sobre Scheherezade, que sirve de marco a los demás relatos, parece haber sido agregada en el siglo XIV. La primera compilación arábiga moderna, elaborada con materiales egipcios, se publicó en El Cairo en 1835. Causó gran impacto en Occidente en el siglo XIX, una época en que las metrópolis impulsaban las expediciones e investigaciones geográficas y de culturas exóticas. Aunque Las mil y una noches se tradujeron por primera vez en 1704, esa primera versión al francés, de Antoine Galland, era una adaptación, un texto expurgado de los adulterios y hechos de sangre que abundan en el libro. Una de las traducciones que alcanzó popularidad fue la de Richard Francis Burton, diplomático, militar, explorador y erudito de la cultura africana. Compuesto por tres grupos de relatos, el libro describe de forma fantástica y algo distorsionada la India, Persia, Siria, China y Egipto. Hacia el año 899, los relatos, transmitidos oralmente, habían sido agrupados en ciclos. Se cree que muchas de las historias fueron recogidas originariamente de la tradición de Persia (hoy en día Irán), Irak, Afganistán, Tajikistán y Uzbekistán y compiladas más adelante, incluyendo historias de otros autores.

El libro ha sido adaptado muchas veces para uso de niños y adolescentes en todos los países de Occidente. Generalmente, se eligen para su difusión los relatos en los que prevalecen las aventuras y la fantasía. Por otra parte, narradores occidentales impactados por el libro imitaron su estructura de relatos engarzados. El escocés Robert Louis Stevenson es autor de Las nuevas noches árabes, que en realidad son una colección de relatos extraños ubicados en Londres. Son relatos que surgen uno del otro, es decir, al contarse uno de repente surge otro y ese otro crea otro cuento hasta que termina el primero, como cajas encerradas en otras cajas. En el primero, se cuenta que el sultán Shahriar descubre que su mujer lo traiciona y la mata. Creyendo que todas las mujeres son igual de infieles ordena a su visir conseguirle una esposa cada día, alguna hija de sus cortesanos, y después ordenaría matarla en la mañana. Este horrible designio es quebrado por Sherezade, hija del visir. Ella trama un plan y lo lleva a cabo: se ofrece como esposa del sultán y la primera noche logra sorprender al rey contándole un cuento. El sultán se entusiasma con el cuento, pero la muchacha interrumpe el relato antes del alba y promete el final para la noche siguiente. Así, durante mil noches. Al final, ella da a luz a tres hijos y después de mil noches y una, el sultán conmuta la pena y viven felices (con lo que se cierra la primera historia, la de la propia Sherezade). El sultán conmuta la pena de Scherezade. Las historias son muy diferentes, incluyen cuentos, historias de amor o tanto trágicas como cómicas, poemas, parodias y leyendas religiosas musulmanas. Algunas de las historias más famosas de Sherezade circulan en la cultura occidental traducidas como Aladino y la lámpara maravillosa, Simbad el marino y Alí Babá y los cuarenta ladrones; sin embargo, Aladino y Alí Babá fueron añadidos a la compilación en el siglo XVIII por Antoine Galland, quien las escuchó de forma oral de un cuentista de Alepo en Siria. En muchas historias se representa a genios, espíritus fantásticos, magos y lugares legendarios que son mezclados con personas y lugares reales; el histórico califa Harun al-Raschid es un protagonista usual. A veces algún personaje en los cuentos de Sherezade comienza a contarle a otros personajes una historia propia, y esa historia puede incluir otra historia dentro de ella, lo que resulta en una textura narrativa jerárquica.

LOS GÉNEROS LITERARIOS

El concepto de género se ha ido conformando históricamente; se entiende por género un conjunto de constantes retóricas y semióticas que identifican y permiten clasificar los textos literarios. Los géneros literarios son los distintos grupos o categorías en que podemos clasificar las obras literarias atendiendo a su contenido.

Puede resultar sorprendente que aún se utilice la primera clasificación de los géneros, debida a Aristóteles, quien los redujo a tres: épica, lírica y dramática. Hoy se mantiene esencialmente la misma clasificación con distintos nombres (narrativa, poesía y teatro), pero la evolución de los gustos y modas estéticas ha provocado que en muchos textos modernos resulte difícil fijar rígidamente los límites entre lo puramente lírico, lo narrativo o lo dramático.

GÉNEROS CLÁSICOS 1. GÉNERO LÍRICO: Los textos líricos expresan el mundo subjetivo del autor, sus emociones

y sentimientos, o una profunda reflexión. Suele escribirse en verso pero también se utiliza la prosa.

2. GÉNERO ÉPICO: Relata sucesos que le han ocurrido al prtagonista. Es de carácter

sumamente objetivo. Su forma de expresión fue siempre el verso, ahora se utiliza la prosa.

3. GÉNERO DRAMÁTICO: Obras escritas en forma de diálogo y destinadas a la representación. En ellas el autor plantea conflictos diversos. Pueden estar escrito en verso o en prosa.

ESPECIES LÍRICAS Oda: Composición lírica en verso, de cierta extensión y de tema noble y elevado. Himno: Composición solemne que expresa sentimientos patrióticos, religiosos, guerreros... Elegía: Composición lírica que expresa sentimientos de dolor ante desgracias individuales o

colectivas. Égloga: Composición poética de sentimientos amorosos y de exaltación de la Naturaleza,

puesta en boca de pastores. Canción: Expresa habitualmente emociones de tipo amoroso. Sátira: Composición lírica, en verso o en prosa, que censura vicios individuales o colectivos. Epigrama: Poema mordaz, agudo y conciso, generalmente escrito en verso. En Roma se

desarrolló el epigrama como una breve sátira en verso que acababa con alguna expresión punzante. Desde el Renacimiento italiano, el epigrama adopta en la poesía occidental la forma del soneto. Las greguerías de Gómez de la Serna y los proverbios de Machado, pueden ser considerados modernos ejemplos de epigramas.

ESPECIES ÉPICAS La epopeya: Narra una acción memorable y de gran importancia para la humanidad o para un

pueblo. Poema épico: Relata hazañas heroicas de un héroe nacional con el propósito de exaltar los

valores de la nación. Los creados en la Edad Media se conocen como Cantares de gesta; de tradición oral, se componían para ser cantados por juglares o por los propios trovadores.

El romance: Narración en versos octosílabos con rima asonante en los pares, que describe acciones guerreras, caballerescas, amorosas...

La fábula: Relato en prosa o en verso de una anécdota de la cual puede extraerse una consecuencia moral o moraleja; sus personajes suelen ser animales.

La epístola: también escrita en verso o en prosa, expone algún problema de carácter general. ESPECIES NARRATIVAS La novela: Su auge en los siglos XIX y XX ha sido tal, y sus variantes tan dispares, que resulta

difícil una definición rigurosa. Suele entenderse por novela una narración extensa en prosa, con personajes y situaciones reales o ficticios, que implica un conflicto y su desarrollo que se resuelve de una manera positiva o negativa. Es un relato largo, aunque de extensión variable, con un argumento mucho más desarrollado que el del cuento. Y, a diferencia de lo que sucede con el cuento, al lector le importa no sólo lo que ocurre a los personajes, sino también lo que piensan y sienten, cómo evolucionan espiritualmente y cómo influye en ellos la sociedad donde viven. Su estructura es muy variable. Existen varios tipos de novelas: realista, histórica, picaresca, intelectual, psicológica, policíaca, terror, ciencia-ficción, gótica, rosa, sentimental, pastoril, caballerías, picaresca...

El cuento: Narración breve de un suceso imaginario y con argumento muy sencillo. Aparecen en él un reducido número de personajes que participan en una sola acción con un solo foco temático. Aunque tradicionalmente poseía una intención moralizante, hoy su finalidad suele ser provocar en el lector una respuesta emocional.

Apólogo: Relato breve de finalidad didáctico-moral. La leyenda: Narración breve basada en un relato tradicional de carácter misterioso, sobrenatural

o terrorífico. ESPECIES LITERARIAS La tragedia: Es la representación de terribles conflictos entre personajes superiores y muy

vehementes, los cuales son víctimas de un destino ineludible; suele acabar con la muerte del protagonista.

La comedia: Es la representación, a través de un conflicto, del aspecto alegre y divertido de la vida, y

cuyo desenlace tiene que ser feliz. El drama: Es la representación de problemas graves, con intervención, a veces, de elementos cómicos, y

su final suele ser sombrío. Ópera: Composición dramática, en la que los personajes cantan íntegramente sus papeles, en lugar de

recitarlos. Zarzuela: Obra literario-musical, genuinamente española, en la que se combinan escenas habladas y

cantadas. Suele reflejar vivos cuadros de costumbres, preocupaciones populares, sátiras políticas. Paso, entremés y sainete: Piezas breve en un acto, en prosa o en verso, de tema ligero. El origen del

sainete se encuentra en la tradición popular y posee un humor festivo y picaresco. Solía representarse en los entreactos de obras mayores. El sainete deriva del entremés y del paso y acentúa lo humorístico y popular de este último.

Auto sacramental: Obra de carácter alegórico que trata sobre un dogma de la Iglesia católica y tiene

como fondo la exaltación del sacramento de la Eucaristía. Melodrama: Nombre que en el siglo XIX recibían determinadas obras dramáticas de tipo folletinesco,

convencional, caracterizadas por sus fáciles concesiones a un público sensiblero. Otros géneros literarios como son: La oratoria: De carácter oral, pretende convencer a un auditorio. La forma más habitual es la conferencia,

exposición personal de un tema cualquiera. La historia: Narración objetiva de hechos reales. Formas habituales son la biografía (narración de la vida

de una persona) y la autobiografía (relato de la propia vida). La didáctica: Tiene la finalidad de enseñar. Algunos subgéneros didácticos son: El ensayo: Es el subgénero didáctico más importante en la actualidad; escrito siempre en prosa, consiste

en la exposición aguda y original de un tema científico, filosófico, artístico, político, literario, religioso, etc.. con carácter general, es decir, sin que el lector precise conocimientos especiales para comprenderlo.

La crítica: Analiza y valora las obras o las acciones realizadas por otras personas.

LITERATURA PERUANA

CONCEPTO Denominamos LITERATURA PERUANA a las manifestaciones literarias (orales y escritas) que han sido creadas por quienes han sabido testimoniar los deseos, las alegrías, los sufrimientos, los ideales, etc., del hombre y/o de nuestro pueblo en cada uno de sus contextos socioculturales a través de la historia.

PROCESO HISTÓRICO DE LA LITERATURA PERUANA

ETAPAS

CARACTERES

PREHISPÁNICA DE LA CONQUISTA COLONIAL

Peri

od

os

Renacentista o Clásica Barroco o Gongoriano Neoclásico o Afrancesado

ASPECTO TEMPORAL

(aproximado) Antes de 1532 1532 – 1570 Siglo XVI hasta finales del siglo XVIII

CONTEXTO HISTÓRICO CULTURAL

Economía agraria y colectivista.

Gobierno autocrático

Politeísmo

Destrucción del Ta-huantinsuyo

Imposición del Cas-tellano

Guerra civil de es-pañoles conquistadores

Estabilización colonial Establecimiento del virreynato

Dependencia social, política y cultural de España

Crisis del orden colonial Luchas por la independencia

Prerromanticismo peruano

REPRESENTANTES MÁS

SIGNIFICATIVOS

Amautas

Haravicus

Guamán Poma de Ayala

Inca Garcilaso de la Vega

Cieza de León

Diego de Hojeda Amarilis Espinoza Medrano Caviedes

Carrió de la Vandera Pablo de Olávide M. Melgar José Joaquín Ol-

medo

REPUBLICANA

COSTUMBRISMO ROMANTICISMO REALISMO Y

MODERNISMO INDIGENISMO Y

DE VANGUARDIA ACTUALIDAD

AS

PE

CT

O

TE

MP

OR

AL

Mediados de 1820 hasta la primera mitad del siglo XIX

Primera mitad del siglo XIX hasta 1880 (aproxi-madamente)

Dos últimas décadas del siglo XIX hasta las dos primeras del siglo XX

Desde 1920 hasta 1960 Desde 1960 hasta el presente

CO

NT

EX

TO

HIS

TÓ

RIC

O

CU

LT

UR

AL

Modelo Neoclásico en versión costum-brista

Victoria en Ayacucho (1824)

Presentación de usos y personajes del mundo criollo.

Auge guanero Aparente prosperidad Movimiento inspirado

en modelos españoles y franceses

Crisis política, eco-nómica, moral, etc.

Surgimiento de ideas liberales y positivistas.

Crisis del viejo estado oligárquico

Exigencia de reivin-dicación indígena.

Fundación y manifes-tación de los principa-les movimientos políti-cos y sociales (APRA, PPC, etc.)

Movimientos migratorios del campo a la ciudad.

Surgimiento de una Nueva Literatura Hispa-noamericana.

Desarrollo acelerado de la tecnología y la

información.

RE

PR

ES

EN

TA

NT

ES

MA

S

SIG

NIF

ICA

TIV

OS

Felipe Pardo y Alia-ga

Manuel Asencio Se-gura

Carlos Augusto Sala-verry

Ricardo Palma Soria-no

Manuel González Pra-da

Clorinda Matto de Turner

José Santos Cho-cano

José María Eguren Abraham Valdelomar

Pinto

Enrique López Albú-jar

Ciro Alegría José Maria Argue-

das José Carlos Mariá-

tegui Víctor Raúl Haya de

la Torre César Vallejo Martín Adán

Julio Ramón Ribeyro Manuel Scorza Mario Vargas Llosa Alfredo Bryce Eche-

nique

LITERATURA PREHISPÁNICA I

DEFINICIÓN A esta época corresponde la LITERATURA PREHISPÁNICA, la cual comprende el conjunto de manifestaciones literarias desde la fundación del Imperio Incaico hasta la conquista española (1532) CONTEXTO HISTÓRICO CULTURAL Fundación y desarrollo de tres grandes civilizaciones en América Central y del Sur:

A) La cultura Inca B) La Cultura Maya C) La Cultura Azteca

Expansión del Imperio Incaico, con Pachacútec (1450 - 1480) Aspecto Político: Sistema monárquico de carácter teocrático Aspecto Social: Sociedad Clasista: Aspecto económico: Régimen esencialmente agrario. Aspecto Religioso: Politeísmo. Aspecto Lingüístico: Quechua como idioma oficial. CARACTERÍSTICAS Fue oral, anónima, agrarista, panteísta, cosmológica

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VERTIENTES DE LA LITERATURA PREHISPANICA

OFICIAL POPULAR

CULTORES

TEMAS

ESPACIOS

GÉNEROS Y ESPECIES

Géneros

Especies

ÉPICO LÍRICO DRAMÁTICO

Cuentos Fabulas

Mitos

Leyendas

Aymoray Haylli

Harawi Ayataqui Huacaylle

Huaccan taki

Comedias

Tragedias

LITERATURA PREHISPÁNICA II

La lengua del antiguo imperio fue el Runasimi, conocido ahora como Quechua o Quichua, es decir el quechua que se había oficializado con el poderío del imperio cusqueño. Este idioma en vías de expansión coexistió con algunos lenguas lugareñas y desplazó a otras, como es el caso del Aimará, en la región del Collao; a su vez el Aimará había desplazado al Puquina, de la antigua cultura Tiahuanaco. Bajo el gobierno de los últimos incas el Runasimi había llegado a un altísimo nivel de desarrollo. El ensanchamiento del imperio, el bienestar económico, el carácter nacional de las fiestas religiosas, la importancia que se le daba a la historia y la poesía, determinaron la prosperidad de esta lengua. LECTURA

LITERATURA PREHISPÁNICA PERUANA El hecho de que las culturas que habitaron el actual territorio peruano desconocieron la escritura hace difícil el conocimiento de esta etapa de nuestro proceso literario. Sin embargo, es indudable que los diversos pueblos del Antiguo Perú practicaron la creación verbal, mediante el uso de la oralidad. Disponemos, gracias a los datos aportados por los cronistas, de una información bastante amplia con respecto a la época incaica. Sabemos que los Incas, en su proceso de expansión imperial, respetaron la cultura de la mayoría de los pueblos vencidos. De este modo, han llegado hasta nosotros conjuntos de mitos correspondientes a diversas culturas como la Chimú, de la cual conocemos el mito que relata la llegada de su fundador, Naylamp. La recopilación más importante de mitos conservados en lengua quechua corresponde a la región de Huarochirí. A principios del siglo XVII, el extirpador de idolatrías Francisco de Ávila recogió allí de boca de los indígenas un conjuntos de relatos míticos que conocemos bajo el título de Dioses y hombres de Huarochirí. Allí se nos refiere la historia de las mayores divinidades y los más destacados héroes de esa región cercana a Lima. A pesar de haber sido recopilados en época tardía, estos mitos son considerados los más representativos de la mentalidad indígena prehispánica. I. CARACTERÍSTICAS DE LA LITERATURA QUECHUA INCAICA

Es oral, colectiva anónimo, agrarista, clasista, panteísta. II. LITERATURA OFICIAL Y POPULAR

OFICIAL POPULAR

Realizada por los amautas. Expresión del gobierno teocrático de

los incas. Dirigida por la corte imperial e

inspirada por los amautas. Expresaba la religión y los grandes

acontecimientos que giraban alrededor del Inca.

Realizada por los haravicus. Expresión de las comunidades o ayllus. Manifestaba los sentimientos colectivos

en la siembra, cosecha, fiestas familiares, etc.

El haravicu trasmitía estas expresiones acompañadas de música

III. GÉNERO ÉPICO EN LA LITERATURA INCA Forman parte de la épica quechua todos los mitos, leyendas y cantares que expresan las creencias colectivas, desde épocas remotas, cuando sólo existían las tinieblas, hasta la aparición de los fundadores de pueblos y dinastías. Estos relatos, al igual que la lírica, existieron en forma oficial y cortesana, dirigida a fijar y perpetuar las epopeyas del imperio y las hazañas de sus emperadores, y eran recitados en ocasiones solemnes. Existía también un relato épico popular que expresaba las creencias del pueblo, el origen de sus dioses o el resentimiento de los soldados ante la ley del Inca. MITOS, LEYENDAS Y CUENTOS La mayoría de los cronistas han utilizado estas fuentes para elaborar la historia, pero los mitos y leyendas son también concepciones literarias; las que han llegado hasta nosotros han sido interpretadas por escritores de distinta cultura y en un idioma ajeno al del pueblo que las creó. A pesar de ello conservan su sabor vernáculo.

A) MITOS

Son relatos de carácter sagrado que expresan las creencias acerca del origen de las cosas o de un aspecto de la realidad; son muy conocidos los mitos relativos al origen de los incas, como los de Manco Cápac y Mama Ocllo, o el de los hermanos Ayar.

EL MITO DEL KON - TIKI

Kon - Tiki personifica a un ser creador incorpóreo que andaba mucho y ligero; acortaba el camino bajando las sierras y alzando los valles con la voluntad y palabra solemnes, como que era el hijo del Sol. Hinchó la Tierra de hombres y mujeres que creó y les dio todo lo necesario; pero sus hijos no supieron corresponder a la bondad de su creador, provocando el enojo de Kon-Tiki, quien en castigo convierte esa zona en inmensos arenales en donde nunca llueve y dejó sólo estrechos ríos que volcaban sus aguas del mar. Surge luego Pachacámac, dios tutelar de la costa, hijo del Sol y de la Luna, el que forma nuevos hombres y les enseña el trabajo de regadío para cultivar las sementeras. Este es un mito costeño, que nos muestra la dualidad entre un dios creador ajeno a la realidad y un dios que da vida enseñando. Se encuentra una semejanza con la idea bíblica del pecado original y la expulsión del paraíso. Alrededor de Kon-Tiki se tejieron muchas otras leyendas, las que lamentablemente no han llegado hasta nosotros.

B) LA LEYENDA

Es una narración popular en la que predomina la presencia de un mundo fantástico o maravilloso. Son historia provenientes del pasado, basadas en lugares, personajes o acciones que realmente existieron, pero que han sufrido transformaciones al ser contadas y recontadas a través de la tradición oral.

LA LEYENDA DE NAYLAMP

Naylamp, obedeciendo al espíritu migratorio de su pueblo, sale de la región de los Mayas en compañía de su mujer llamada Caterni y un numeroso séquito, conformado por tejedores de túnicas, preparadores de cremas de colores para pintarse la piel, músicos cargadores y gente para su servicio personal. Recorren en balsa las costas de Centro y Sudamérica hasta llegar a Lambayeque, a la desembocadura del río Paquísllanga, en donde desembarca; es vestido con plumas

de aves tropicales, untado y coloreado según su rango y estirpe, y en trono y litera, él y su esposa Caterni son conducidos hasta el lugar escogido por Naymlpa para su futura ciudad. Se empezó la construcción del templo al ídolo llamado Llampallec y la población se inicia en labores agrícolas. Pasaron los años y Naylamp envejeció, cuando sintió cerca su muerte, llamó a sus más íntimos y les ordenó que cuando muriese, ocultasen su cuerpo y dijeran a la población que él mismo se había dado alas y voló al cielo. Sus hijos fueron a poblar la comarca vecina y su sucesor Cium quedó al cuidado del templo de Chot y del ídolo Llampallec. Esta es la leyenda de la migración de las culturas centroamericanas a América del Sur, recuerdo histórico enriquecido por la fantasía que trata de explicar el nacimiento y desarrollo de la cultura Chimú. Es el poema de la paz, de la fraternidad. El escenario descrito en la leyenda coincide con la del reino del Gran Chimú, y en la variedad del color y rasgos humanos tiene los perfiles de los Mochicas.

IV. GÉNERO LÍRICO EN LA LITERATURA INCA

4.1 ESPECIES LÍRICAS A) EL HAYLLI: Era un himno destinado al ensalzamiento de dioses y héroes y a la

dignificación del trabajo del la tierra.

B) EL HARAWI: Es poesía amorosa, el canto del amor, del sentimiento puro, delicado, con sus actitudes de alegría, dolor; en ningún momento admitía el Harawi expresiones fuera de lugar o malintencionadas. De acuerdo al sentimiento que inspiraba tomaba diferentes denominaciones: Jaray Araki era la canción del amor triste; Kusi Harawi, de las alegrías; Sumay Harawi, de la belleza, etc.

C) AYMORAY: Canto colectivo en época de siembra y cosecha.

D) HUACAN TAQUI: Canto pastoril entonado en fechas dedicas a la multiplicación

del ganado.

E) CACHARPARI: Canción de despedida.

F) AYA TAQUI: Canto fúnebre por la muerte de alguien. Era una alegría que se cantaba ante los hechos de dolor.

LOS MANUSCRITOS DE HUAROCHIRÍ PRIMERA VERSIÓN CASTELLANA El extirpador de idolatrías y acotador de los manuscritos de Huarochirí, Francisco de Ávila, redactó en ocho capítulos,en 1608, un tratado y relación de los errores, falsos dioses y otras supersticiones y ritos diabólicos en que vivían antiguamente los indios de las provincias de Huarochirí, Mama y Chaclla y hoy también viven engañados con gran perdición de sus almas. El mismo Ávila indica que este tratado fue redactado a partir de informes obtenidos de: “Personas fidedignas y que con particular diligencia procuraron la verdad de todo y aun antes de que dios las alumbrase vivieron en los dichos errores y ejercitaron sus ceremonias.

V. GÉNERO DRAMÁTICO EN LA LITERATURA INCA Todos los cronistas, estudiosos e investigadores coinciden en sus opiniones sobre la existencia del teatro en la época incaica. Garcilaso de la Vega, en sus Comentarios Reales, explica que los Amautas componían también comedias y tragedias, las cuales eran representadas en días de fiesta. No les faltó habilidad para componer comedias y tragedias que en día de fiesta representaban delante del Inca y del pueblo. Los argumentos trataban de victoria militares, hazañas de incas anteriores y escenas familiares o agrícolas. La tradición oral ha conservado el argumento de muchas de estas piezas. Un inicio de teatro fueron los Taquis, que eran bailes colectivos que se realizaban en las plazas durante las festividades religiosas y agrícolas. Bailarinas con máscaras y disfraces ejecutaban complicados pasos al compás de cánticos e himnos. De acuerdo a la ocasión, al contenido y al objetivo deseado, el teatro se clasificaba en:

5.1 TEMAS Y PERSONAJES DEL TEATRO INCA

Tanto la religión como las hazañas en combate y los acontecimientos agrícolas eran fuente de inspiración para el teatro. La siembra era una acción celebrada con canto y danza. Al plantarse el maíz o la papa iban grandes coros entonando canciones de júbilo en donde alababan a la lluvia, al alba, al Sol. Estos cantos eran acompañados con bailes y narraciones para perennizarlos en toda la comunidad.

OLLANTAY, ¿INCA O COLONIAL? No consideramos al Ollantay una obra prehispánica y su correspondiente estudio se realizará con las obras producidas en el siglo XVIII, dentro de la literatura colonial.

LITERATURA DE LA CONQUISTA

En el año 1532 un grupo heterogéneo de españoles, llegó por primera vez a los confines del Imperio más poderoso de América. Con 62 jinetes y 106 soldados de infantería al mando de Francisco Pizarro. En pocos meses se apoderaron de las tierras y, en menos de una década, el mundo andino quedó bajo control de los españoles. Los invasores, a pesar de ser pocos tuvieron de su parte, la superioridad tecnológica total y una visión estratégica incomparable. Los incas fueron despojados de su gloria y casi esclavizados. I. CONTEXTO HISTÓRICO CULTURAL:

Captura de Atahualpa en Cajamarca, 1 532. Destrucción del Imperio Incaico. Imposición violenta de nuevos elementos culturales: religión, idioma, etc. Guerra entre conquistadores españoles.

II. EN ESPAÑA, EL RENACIMIENTO

En la época de la conquista. España empezaba a vivir el esplendor del Renacimiento. El Renacimiento fue una verdadera revolución cultural que modificó completamente la

mentalidad de los hombres. Los renacentistas, y muy especialmente los humanistas, fijaron su atención en los logros del hombre. De hecho, el azaroso viaje de Cristóbal Colón no hubiera sido posible años antes, cuando los hombres todavía no creían que la Tierra era redonda y que giraba alrededor del Sol.

Los humanistas fueron grandes investigadores, personas abiertas a conocer la verdad de otros mundos y mentalidades diferentes a la propia.

Además, los renacentistas se preocuparon por recuperar las grandes obras del pasado clásico (de las antiguas Grecia y Roma).

III. REPRESENTACIONES Y OBRAS Las obras que se desarrollaron en esta época son mayoritariamente dos: Las crónicas Las coplas

3.1 LAS CRÓNICAS Tradicionalmente se dividen en tres:

A) Mestizos: Garcilaso de la Vega: Comentarios Reales de los Incas. Padre Blas Valera: Historia del Perú Antiguo. Cristóbal de Molina (El Cusqueño): Relación de las fábulas y mitos de los

Incas.

B) Indios: Felipe Guamán Poma de Ayala: Nueva crónica y buen gobierno de los

Incas. Juan Santa Cruz Pachacuti : Relaciones de antigüedades de los Incas.

C) Españoles: Pedro Cieza de León: El señorío de los Incas, Crónicas de las guerras

civiles. Pedro Betanzos: Suma y narración de los Incas. Miguel Cabello Balboa: Miscelánea Antártica. Pedro Sarmiento de Gamboa: Historia índica. Martín de Morúa: Genealogía de los Incas. Bernabé Cobo: Historia del Nuevo Mundo.

LIT

ER

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UR

A D

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A C

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A

CRÓNICAS

Forma parte de la tradición hispana. Plasma los sucesos de América. La finalidad era muy variada. Comprende cartas e informes administrativos.

La Literatura de la Conquista refleja el Mundo Andino bajo el control de los españoles

CRÓNICAS

CRÓNICAS DEL DESCUBRIMIENTO

CRÓNICAS DE LA CONQUISTA

CRÓNICAS DE LAS GUERRAS CIVILES

Escritas por los hombres que vinieron con Pizarro.

Narra las aventuras de los viajes e impresiones.

Escrita por soldados. No son de gran calidad poética.

Critican a los conquistadores y alaban al Imperio.

Describen las tierras Indias. Obras basada en testimonios.

Pre-Toledanos Toledanos Post-Toledanos

Buscan conocer a fondo el Imperio de los Incas.

Justifican la conquista presentando a los Incas como crueles.

Reaccionan para revalorar el Imperio Incaico.

En relación a la historia

INCA GARCILASO DE LA VEGA

( 1539 – 1616)

LA FLORIDA DEL INCA LOS COMENTARIOS REALES

Aventuras de Hernando de Soto. Obra de carácter moralizante. Posibilidad de cristianizar el norte del

continente. Volverla parte del Imperio Español.

Primera Parte Segunda Parte

Relacionado con las costum-bres de los Incas.

Cronología confusa.

Descubrimiento o insurrec-ción de los españoles.

Lucha entre los conquis-tadores.

INCA GARCILASO DE LA VEGA Nació en el Cuzco, el 12 de abril de 1539. Fue hijo del capitán español Sebastián Garcilaso de la Vega y la princesa inca Isabel Chimpu Ocllo, nieta de Tupac Yupanqui, sobrina de Huayna Capac y prima de Huáscar y Atahualpa. Su padre había llegado en 1534 y se quedó para reforzar a Francisco Pizarro y Diego de Almagro. El poeta descendía, entonces, de una noble familia inca y también de una prestigiosa rama española proveniente de Extremadura y de la cual formaba parte el poeta petrarquista Garcilaso de la Vega. Se le bautizó con el nombre de Gómez Suárez de Figueroa.

Luego cambiaría su nombre por el de Gómez Suárez de la Vega y finalmente por el de Garcilaso de la Vega. Es llamado “El Inca” para evitar confusión con el poeta español.

Recibió una esmerada educación de parte de las razas a las que pertenecía por lo que manejó el quechua y el latín a la perfección.

Ante la exigencia, por parte de la corona de que los españoles contrajeran matrimonio con mujeres europeas, Garcilaso fue testigo del abandono que sufrió su madre y del nuevo matrimonio de su padre con doña Luisa Martel de los Ríos y Lasso de Mendoza con quien tuvo dos hijas. En 1559 murió su padre dejando, por testamento, propiedades y dinero para que su hijo estudiara en España; pero, su condición de mestizo (hijo ilegítimo) así como la negativa actuación de su padre durante las Guerras Civiles en el Virreinato del Perú, hicieron que le fuera negada la herencia a pesar de haber viajado a España a solicitarla.

Decepcionado por la corte decidió volver, pero su tío, Alonso de Vargas lo convenció de quedarse. Así, comenzó su amplia formación cultural mientras ayudaba a su tío en la administración de sus bienes.

A la muerte de su benefactor, decidió dedicarse a la carrera de las armas. Combatió contra los moros rebeldes bajo las órdenes de Juan de Austria, donde alcanzó el cargo de capitán de su majestad. Más tarde inició amistad con jesuitas y humanistas que lo incentivaron a su carrera literaria. Con la muerte de su tía, pudo tomar posesión de riquezas de su difunto tío, quién lo había adoptado y se dedicó al campo.

¿Sabías que....? Se ha señalado a Garcilaso como el primer mestizo espiritual que aparece en el escenario intelectual americano. Pero el mestizaje de Garcilaso no es sólo producto de la unión sanguínea de conquistadores y aborígenes; sino que responde al espíritu sociopolítico de su época, recibiendo la doble influencia cultural de indios y españoles.

¿Quiénes fueron los maestros de Garcilaso? Fue muy importante para Garcilaso de la Vega, el Inca, las historias que escuchó en la casa de sus progenitores durante la visita de los amigos del soldado español y la princesa inca. Conoció el valor de los españoles y tradiciones del incanto. Su madre le enseñó el quechua, su tío Cusi Huallpa, la historia de sus antepasados, y sus tíos, Juan Pechuta y Chauca Rimachi las demás cosas del Tahuantinsuyo. Por su parte, el padre, que se encargó de que domine el castellano, confió la crianza de su hijo a Juan de Alcobaza, quien le enseñó gramáticamente y latín. El canónigo Juan de Cuellar se encargó de perfeccionar su latín y el capitán Juan Silvestre fue su maestro de historia española.

Pero cansado de esta vida, se trasladó a Córdoba, done pudo dedicarse a escribir sus obras más famosas. Desgraciadamente, no llegó a publicar sus textos ya que murió en Córdoba el 23 de abril de 1616.

Fue enterrado en una capilla que él mismo había mandado construir en la catedral de la ciudad.

ALCANCES DE SUS OBRAS Traducción española de los Diálogos de Amor (1589) escrita por León el Hebreo en

italiano. Se le considera la mejor traducción de los Diálogos. Trata sobre la filosofía neoplatónica, aplicándose a la naturaleza, tipos y orígenes del amor. Se reconoce su simpatía por estos temas, propios de un humanista del Renacimiento.

Genealogía de García Pérez de Vargas (1596), dirigida a sus descendientes, para establecer el parentesco que los unía al propio Garcilaso.

La Florida del Inca (1605), relación histórico–novelesca de la infortunada expedición que Hernando de Soto condujo a la península de la Florida. Se basa principalmente en el testimonio de Gonzalo Silvestre.

Comentarios Reales de los Incas, obra definitiva de su madurez. Consta de dos partes; la primera (1609), consagrada a la cultura e historia del pasado inca, y la segunda (1617), dedicada a la Conquista y a las guerras civiles entre españoles.

LOS COMENTARIOS REALES

PRIMERA PARTE Trata de la historia del Perú preincaico e incaico, hasta los tiempos de Atahualpa. Entrelaza libremente la historia inferna (la de la cultura y la civilización indígenas) con la historia externa (política y militar) pautada por la sucesión de los Incas. Agrupa y separa múltiples y variados asuntos de la historia interna del imperio, interrumpiendo ésta para narrar los acontecimientos políticos y militares de los sucesivos incas, el curso de sus conquistas, y la minuciosa y pintoresca relación de las circunstancias y caracteres personales de cada uno. En su exposición comprende cultura y civilización, religión y culto, instituciones sociales y políticas, costumbres, técnica, poesía, música, ideas generales básicas o filosofía, monumentos, construcciones materiales de uso privado o público, viviendas, caminos, puentes, flora, fauna, metales y piedras preciosas, ganados y plantas útiles, etc. Este contenido es de proporciones y caracteres enciclopédicos. Aunque tuvo presente a otros cronistas, en especial la obra perdida del padre Blas Valera, procuró informarse directamente de los supervivientes incas, cuya lengua aprendió en la niñez. Es importante reconocer el afán polémico de rectificar a otros cronistas y la proyección de su propia personalidad como autor competente debido a su insistente manifestación de dominio lingüístico del quechua y de su doble origen inca y español.

SEGUNDA PARTE Se publicó con el título de Historia General del Perú, y no con el de Comentarios Reales, reiterada e invariablemente empleado por el autor. Es una crónica de las guerras civiles entre los conquistadores, las que por sus terribles características y consecuencias se sobreponen históricamente a lo que en sí constituye el proceso de la Conquista. El relato de las crueldades de Atahualpa contra su hermano Huáscar, bárbaramente aniquilado con sus parientes, y las primeras referencias a la llegada de los españoles, sirve de transición entre los dos grandes núcleos históricos de los Comentarios de las sangrientas guerras civiles entre los últimos incas, se pasa a las no menos violentas en que se diezmaron los conquistadores españoles. En esta segunda parte, es importante la motivación sicológica del autor. Investiga, acumula, clasifica, valora y utiliza los materiales históricos en calidad de testigo interesado de los acontecimientos, o de pariente, amigo o enemigo de la Corona por adversarios surgidos en el curso de tales hechos. A lo específicamente histórico, se añaden elementos literarios; expresivos y bien perfilados e intencionados retratos; frecuentes citas históricas, corroborantes o defensivas, reflexiones filosóficas y morales.

GUAMÁN POMA DE AYALA NUEVA CRÓNICA Y BUEN GOBIERNO En el mes de agosto de 1908, el director de la biblioteca de Cottingen, doctor Richardo Pietschmann, halló en la Biblioteca Real de Copenhague los originales de un libro titulado Nueva Crónica y buen gobierno compuesto por don Felipe Guamán Poma de Ayala, Señor y Príncipe. CONTENIDO DE LA NUEVA CRÓNICA Y BUEN GOBIERNO Está crónica consta de dos grandes libros, divididos en capítulos o secciones. Guamán Poma llama a la primera parte “Nueva Crónica” o sea nuevas noticias sobre el Perú desde la era preincaica hasta la colonia; y “Buen Gobierno”, nombrando así a un proyecto de leyes u ordenanzas para el gobierno de los indios, pues en aquellos tiempos se llamaba “libro del bueno gobierno” a los que contenían las leyes más justas y sabias.

NUEVA CRÓNICA Y BUEN GOBIERNO Uno de los aspectos más interesantes de la obra de Guamán Poma de Ayala es la descripción del ciclo vital de los incas. Las personas, según su edad y capacidades, eran clasificados en “calles” que el cronista va “visitando” (describiendo). La versión que vas a leer está modernizada para facilitar su lectura. PRIMERA VISITA Esta primera calle se llamaba Auca Camayoc, que quiere decir “hombres valientes”. Eran hombres que tenían entre veinticinco y cincuenta años y que el Inca enviaba a la guerra; los Auca Camayoc también poblaban las provincias; para ello, el Inca les daba tierras, pastos y sementeras. Esto lo hacía para tener su reino seguro y bien cuidado. SEGUNDA VISITA En esta calle segunda llamada Puric Macho (que significa “viejo que camina”) encontramos a viejos de sesenta años. Ellos servían en las chacras; traían leña y paja y limpiaban las casas del Inca o de algún señor principal. También servían de camareros, despenseros, porteros y quipo camayoc (contadores). TERCERA VISITA En esta calle está el llamado “Rocto Macho” (que significa “viejo sordo”). Eran personas de ochenta, cien y hasta cientocincuenta años. Estos dichos Rocto Machos eran tan viejos, que sólo podían comer y dormir; los que podían, fabricaban sogas y frazadas; otros cuidaban las casas de los pobres y criaban conejos y patos. Estos viejos eran muy temidos, respetados y obedecidos por todos. Podían azotar a los niños y niñas que se portaban mal; a todos daban buenos consejos y doctrinas. Predicaban con el ejemplo. Los que podían cuidaban a las doncellas, a las vírgenes y a las señoras principales. CUARTA VISITA En esta cuarta calle los enfermos, lisiados, cojos, mancos, tullidos y mudos. Los que podían, trabajaban ayudando a los demás. Por ejemplo, los que tenían ojos servían para mirar, los que tenían pies andaban, los que tenían manos tejían y servían de despenseros y quipo camayoc (contadores). Cada uno se casaba con su igual para multiplicarse. Casaban al ciego con otra ciega, al cojo con otra coja, al mudo con otra muda, al enano con la enana, al corcovado con la corcovada, al nariz hendido con otra de nariz hendida, para el multiplico del mundo. Estas personas tenían sus sementeras, casas y heredades. Así no había necesidad de asilo, de hospitales ni de limosnas con esta orden santa.

QUINTA VISITA En esta quinta calle estaban los Sayapayac (mandaderos). Eran indios entre los dieciocho y los veinte años. Hacían de correo: llevaban mensajes de un pueblo a otro. Los Sayapayac no probaban sal, ají, miel ni vinagre. No comían dulces, carne ni nada que tuviera grasa. Tampoco bebían chicha. Como gran regalo, les invitaban un poco de mote (maíz cocido). Y para vestir, les bastaba una camiseta y manta gruesa. Y si eran hijos de personas nobles y principales, eran tratados con mayor exigencia. SEXTA VISITA En esta calle sexta estaban los muchachos de doce años a dieciocho años, a quienes llamaban “Mactacona”. Ellos ayudaban a guardar el ganado y las sementeras, cazaban aves y servían a los caciques principales. Eran educados en la humildad y en la obediencia y se les enseñaba a servir en todo este reino. SÉPTIMA VISITA En esta séptima calle estaban los llamados “Tocllacoc Uamracuna” (que significa “muchachos cazadores”). Tenían entre nueve y doce años. Se dedicaban a cazar pajaritos, utilizando lazos y ligas. Con la carne hacían charqui. Y con las plumas hacían finos tejidos y otras galanterías para el Inca y los señores principales. OCTAVA VISITA En esta calle se encontraban los niños que tenían entre cinco y nueve años. Se les llamaba “Pucllacoc Uamracona” (niños juguetones). Éstos servían a sus padres en lo que podían. Algunos se ganaban muchos azotes y coscorrones. Estos niños hacían jugar a sus hermanos más pequeños, los mecían en la cuna y los vigilaban. NOVENA VISITA En esta novena calle estaban los llamados “Llullo Llocac Uamracona”, que significa “niños de teta”: a esta calle pertenecían desde que comenzaban a gatear hasta que cumplían cinco años. No servían para nada; al contrario, los demás les debían servir y cuidar para que no se cayeran, ni se quemaran, ni les pasara nada malo. DÉCIMA VISITA En esta calle décima estaban los llamados “Uaua Quirapicac”, es decir, “niños de teta recién paridos que están en la cuna”. A estos niños debía cuidarlos su madre y no otra persona; sólo su madre debía darles la leche. En esta dicha calle de niños de cuna se acaba la visita general de los indios adonde es buena ley y obra de misericordia y buena visita general.

LITERATURA COLONIAL I

El sistema colonial, impuesto en América durante tres siglos a partir del Descubrimiento, dominó la vida económica, social, política y artística. Durante este período se consolidó una economía de dependencia basada en la extracción y explotación de metales como el oro y la plata, y en la importación de productos elaborados en la metrópoli. El trabajo se basó en una estructura opresiva, en la que se esclavizó a los negros traídos del África y se sometió a duros tratos a los nativos, para garantizar mano de obra barata. Las instituciones políticas y jurídicas fueron muy rígidas. Por otra parte, en Europa y España se vivía una época de cambios. Empezaban a surgir las grandes ciudades e imperaba la monarquía como ente político. También se vislumbraba un vuelco ideológico y religioso. Ese desarrollo exigía buscar nuevas rutas comerciales, lo cual motivó el inicio de expediciones y culminó en los sucesos del descubrimiento de América.

La LITERATURA DE LA COLONIA comprende desde fines del S. XVI hasta el S. XVIII, tiempo dentro del cual se establece y desarrolla el Virreynato, así como también la crisis de dicho sistema. CONTEXTO HISTÓRICO CULTURAL Establecimiento del Virreynato: Dependencia política y poderosa influencia cultural. Establecimiento del Tribunal del Santo Oficio y la Santa Inquisición. El poder político era manejado estrictamente por españoles. Criollos y mestizos fueron relegados. Creación de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos (1557). Llegada de la primera imprenta, 1584. Luchas por la independencia. CARACTERÍSTICAS GENERALES En el desarrollo de la literatura colonial podemos distinguir tres periodos: 1. PERÍODO RENACENTISTA O CLÁSICA:

Cubre el siglo XVI y la primera mitad del XVII. Es ostensible en él la influencia de los poetas hispanos Garcilaso de la Vega y Fray Luis de León. Sobresalen las figuras de don Diego Dávalos y Figueroa que escribió un poema épico titulado “Miscelánea austral”, del padre Diego de Hojeda que escribió un largo poema llamado “La Cristiada”, y una enigmática poetisa anónima conocida como “Amarilis” que compuso un hermoso poema dedicado a Lope de Vega titulado “Epístola a Belardo”.

2. PERÍODO BARROCO O GONGORIANO:

Alcanza la segunda mitad del siglo XVII y los comienzos del siglo XVIII. Se hace evidente la influencia del poeta español Luis de Góngora y Argote. sobresalen en este lapso Juan de Espinoza Medrano, “El Lunarejo”, un clérigo mestizo del Cuzco que escribió un estudio titulado “Apologético en favor de don Luis de Góngora”; Luis Antonio de Oviedo, Conde de la Granja, que compuso un poema denominado “Vida de Santa Rosa de Santa María”; y, el más importante, Juan del Valle Caviedes, poeta satírico que dio a conocer “El diente del parnaso”.

3. PERÍODO NEOCLÁSICO O DEL AFRANCESAMIENTO: Llamado también período de la influencia francesa, ocupa gran parte del siglo XVIII. Los representantes más característicos son Pedro Peralta Barnuevo, fecundo autor denominado “doctor océano” por la erudición y versatilidad de su ingenio. Dentro de su vasta obra se considera a “Lima fundada”. Sobresale, igualmente, Concolorcorvo, seudónimo que esconde a Antonio Carrió de la Vandera, quien escribió un libro de relatos sobre viajes titulado “El lazarillo de ciegos caminantes”.

Esta época -finales del siglo XVIII- es la etapa prerrevolucionaria y existe en nuestro medio inquietud por el pensamiento político y, asimismo, emerge dentro de un nuevo concepto ideológico, un sentimiento por la tierra. Representan esta tendencia don Pablo de Olavide, precursor de nuestra independencia, y algunos escritores agrupados en la “Sociedad Amantes del País” como José Baquijano y Carrillo e Hipólito Unanue que editaron la revista el “Mercurio Peruano”.

PERÍODO CLÁSICO La etapa clásica de la literatura de la Colonia en el Perú estuvo marcada por la preponderancia de la crónica en el siglo XVI, y la producción lírica y épica en el siglo XVII, consolidándose el poder español en el Perú y apareciendo una vida cultural relativamente autónoma, sobre todo en torno a la corte virreinal.

Esta nueva vida cultural del Virreinato se intensificó al aparecer grupos que se reunían para versificar o comentar los versos ajenos. Se caracterizan por la marcada influencia de la literatura renacentista española, las obras de Garcilaso y Fray Luis de León llegaban a América, donde encontraban muchos seguidores. AMARILIS PRINCIPALES HIPÓTESIS ACERCA DE LA PERSONALIDAD DE AMARILIS Mendiburo la trato bajo el nombre de Isabel de Figueroa. La Barrera, igual que Menéndez Pelayo, llega al acierto de que Amarilis fue doña María

Alvarado. Asenjo Barbien, sostuvo la tesis de que Amarilis era ficción de Lope, quien encubría bajo

ese nombre el de Martha de Nevares, última amante del poeta. Millé señala que el propio Lope es el autor de Amarilis y de la Epístola. De la Riva Agüero agrega la presunción que podría tratarse de María de la Serna, o

Tello de Sotomayor, o Arias Dávila; pues son apellidos que se corresponden a los fundadores y encomenderos de Huánuco, vencedores de Girón en Jauja.

Ricardo Palma, en el prólogo a Flor de academias, desliza cierta duda sobre su femineidad.

Luis Alberto Sánchez, señala que Amarilis fue mujer que representa en el estudio panorámico de nuestra literatura, el presente de la mujer.

RESEÑA LITERARIA La Epístola de Amarilis demuestra en sus líneas una sensibilidad muy femenina, gran dominio de los versos clásicos que demuestran erudición, una refinada educación y sublime sentimiento amatorio. El acento que utiliza es propio de un amor más divino que humano. Augusto Tamayo Vargas encuentra una rebelión entre Clarisa (Discurso en loor de la poesía) y Amarilis, ambas utilizan términos mitológicos renacentistas; la presencia de Ovidio también se encuentra en ambos poemas, luego el tono oculto propio de una clase especial que podría ser el de alguna religiosa y finalmente ambos poemas centralizan al amado, el poeta, a lquien se dirigen con expresiones de un lenguaje sublime, ideal, que va más allá de la vida. Luego de la aparición del Discurso en loor de la poesía (1608) viene una época de silencio, hasta que aparece Amarilis (1621), los dos parecen tener sus raíces en el convento, ya que la cultura que se advierte en sus líneas sólo podía ser de una monja, pues las mujeres en esa época no alcanzaban ese grado de instrucción. La posibilidad de que una sola poeta escribiese los dos poemas continúa, así como también se mantiene hasta ahora la duda sobre la identidad de Amarilis. La Epístola está escrita en 19 estrofas llamadas silvas; las primeras dieciocho estrofas están formadas por dieciocho versos heptasílabos y endecasílabos, y la última estrofa se compone de once versos. El contenido es autobiográfico, como si quisiera dejar entre líneas su identidad dando señales y nombres de su procedencia. Quiero, pues, comenzar a darte cuenta de mis padres y patria y de mi estado porque sepas quien te ama y quien te escribe. Sus abuelos, posiblemente conquistadores de América, figuran entre los fundadores de Huánuco. Ella vive en Lima desde su infancia con su hermana Belisa, ambas huérfanas. Belisa contraerá matrimonio mientras ella entrará al convento a vivir en limpio celibato.

De padres nobles dos hermanas fuimos, que nos dejaron en temprana muerte, aún no desnudas de pueriles paños.

El cielo y una tía, que tuvimos,Suplió la soledad de nuestra suerte.... El amor platónico que manifiesta por Belardo se ve coronado por la más bella expresión lírica del Virreinato, que por la delicadeza de la expresión se piensa que es producto de un alma femenina. BIOGRAFÍA Hasta hoy es un enigma la biografía de Amarilis, y se duda sobre si ha sido realmente mujer peruana, una dama española o el propio Lope de Vega, usando el seudónimo y personalidad de Amarilis. Muchos estudiosos han investigado sobre su personalidad, teniendo cada uno diferente opinión; así Asejo Barbieri, español, sostiene que Amarilis fue el seudónimo que usó doña Martha de Nevares, amiga de Lope de Vega. Menéndez Pelayo opina que Amarilis fue una dama huanuqueña de esmerada educación, de nombre María de Alvarado. Luis Alberto Sánchez y Riva Agüero piensan que pudo ser María Tello de Lara y Arévalo Espinoza. Don Ricardo Palma y Ventura García Calderón crearon el desconcierto cuando sostuvieron que Amarilis fue un varón y no una dama. Guillermo Lohman Villena, investigador de la cultura peruana, sostiene la hipótesis de que la verdadera identidad de Amarilis sería María de Rojas y Garay, dama huanuqueña que residió en la ciudad de Lima. En 1621, Lope de Vega publica en España su obra La Filomena, en donde inserta la Epístola de Amarilis a Belardo, carta poética en forma libre dirigida desde el Perú por Amarilis, poetisa que dice ser descendiente de los fundadores de Huánuco. Lo cierto es que quienquiera que fuera Amarilis es una de las más altas expresiones líricas de nuestra literatura colonial.

Sin lugar a dudas es la más esclarecida representante de la lírica en el clasicismo peruano, en la primera mitad del siglo XVII. Aún no se ha determinado la identidad de esta escritora que suscribió su poesía con el seudónimo de Amarilis: Luis Alberto Sánchez sostiene que se llamaba María Tello de Lara (hija de fundadores de Huánuco), Marcelino Menéndez y Pelayo indica que se llamaba María de Alvarado, aunque hay algunos indicios, no se puede afirmar que fuera religiosa. Lo que sabemos de ella, lo sabemos por su obra, que evidencia una sólida educación, una severa formación religiosa y una vasta cultura. En 1621, Lope de Vega en su obra. La Filomena recogió el poema de Amarilis y posteriormente la elogió con encendida fineza.

EPÍSTOLA A BELARDO

Género : Lírico Especie : Epístola Estructura : La Epístola a Belardo consta de 335 versos distribuidos en 19 estrofas, de las

cuales 18 son de 18 versos y la última de sólo once. Tema : Tomado en conjunto la Epístola de Amarilis a Belardo resulta una autobiografía de

Amarilis, quien declara a Lope de Vega su rendido amor (amor platónico, características de

la época), después de alabarlo diciendo que debían llamarlo “Milagro”. Manifiesta que, desde la muerte de su padre, vive con su menor hermana Belisa, a “dulces musas inclinada” y “en limpio celibato”. Se refiere también a las hazañas de sus antepasados, fundadores de la ciudad de Huánuco -su tierra natal-, a la que llama “Frontera de Bárbaros”. Pero advierte que envía sus “primicias” desde Lima.

Amarilis matiza sus galanterías amorosas con pinceladas del paisaje y la historia del Perú, y la salpica de mesurado eruditismo. Le pide a su “Belardo” que escriba unos versos a la Virgen Dorotea, a quien ella y su hermana veneran. Finalmente, después de rogarle que acepte la ofrenda de su alma y su amor, le dice:

“Pero si he parecídote atrevida, a lo menos parézcate rendida,

que fines desiguales Amor los hace con su fuerza iguales”.

FRAY DIEGO DE HOJEDA

(1570 - 1615)

La primera muestra poética que de él conocemos, data de 1595, y es una “canción” para el Arauco Domado de Oña. En enero de 1606, asistió y contribuyó a la fundación del convento de la Recoleta de Dominicos de Lima, en la que se recluyera para escribir su célebre poema La Cristiada, dedicado al virrey Marqués de Montesclaros, que vino al Perú en 1608.

LA CRISTIADA (1611) Dedica al virrey Marqués de Montesclaros está basada en el poema latino Arte poética del

humanista italiano Marcos Jerónimo Vida (1480 - 1556). Es uno de los más altos ejemplos de la poesía épica castellana y trata acerca de la pasión y muerte de Jesucristo.

Consta de 12 cantos, de versos endecasílabos, agrupados en octavas reales. Es una obra religiosa, un poema épico de religiosidad cristiana. La primera edición

apareció en 1611, en Sevilla. La cristiada es el poema que mejor identifica a los cristianos. Tiene un cierto toque de

oratoria y prosa religiosa; en los versos, una espontaneidad y sencillez lírica brota para describir pasos transitados por el Crucificado.

JUAN ESPINOZA MEDRANO

“EL LUNAREJO” (1629 - 1688)

RESEÑA LITERARIA Apologético en favor de Don Luis de Góngora, Príncipe de los poetas líricos de España,

contra Manuel de Faria y Sousa, Caballero Portugués. La novena maravilla. El hijo prodigo. Amar su propia muerte. APOLOGÉTICO EN FAVOR DE DON LUIS DE GÓNGORA, PRÍNCIPE DE LOS POETAS LÍRICOS DE ESPAÑA, CONTRA MANUEL DE FARIA Y SOUSA, CABALLERO PORTUGUÉS. El Apologético es editado por primera vez en Lima en 1662. La segunda edición se hace también en Lima en 1694, seis años después de la muerte de su autor, bajo el título Apologético en favor de D. Luis de Góngora, Príncipe de los Poetas Líricos de España, contra Manuel de Faria y Sousa, caballero portugués, obra que dedica al Exmo. S. Don Luis Méndez de Haro, Duque Conde de Olivares. Su autor fue el Dr. Juan Espinosa Medrano, cura rector

de la iglesia Catedral de la ciudad de Cusco. Con este largo título aparece una de las mejoras obras de su tiempo, lo que le vale el apelativo de “Fénix Criollo”, “Doctor Sublime”, “Arpón Indiano”, etc. Sobrecoge la riqueza de su lenguaje, la multitud de imágenes, las cualidades que caracterizan al Culteranismo y los rasgos que demuestran su valor. El Apologético en favor de Don Luis de Góngora está formado por una introducción y doce capítulos o secciones. Esta obra está escrita en una prosa al estilo culterano, en donde el autor muestra ser un gran conocedor de las culturas clásicas y un experto en el manejo de la gramática para explicar la poesía de Góngora, quien usa de manera reiterada el hipérbaton. Espinosa nos dice: “Las palabras son las que divinizan y prestan eficacia a la materia, lo que importa es advertir que esta colocación llamada Hipérbaton es genuina, esta transposición castellana demuestra la hermosura de ellas”. Espinosa Medrano emplea un lenguaje pulido, elegante, sin que la afectación llame al ridículo; va señalando las críticas de Farias y refutándolas en cuanto al uso de la metáfora, del hipérbaton, etc. La defensa es excelente, no sólo en lo que a ella se refiere sino a la expresión misma del autor, que corona con su exposición una de las mejores obras del siglo XVII. Mario Vargas Llosa, con motivo de recibir el premio Príncipe de Asturias, se refirió a Espinosa Medrano diciendo: “El Lunarejo llegó a ser uno de los intelectuales más cultos y refinados de su tiempo, un escritor cuya prosa robusta y mordaz, de amplia respiración y atrevidas imágenes, multicolor, laberíntico, fundó en América hispana esa tradición del Barroco”. LA NOVENA MARAVILLA Se publica en Madrid en 1695, siete años después de la muerte del autor. La realizó el Capellán Real Dr. Agustín Cortes de la Cruz. Es una colección de 30 sermones y panegíricos de El Lunarejo, pronunciados en diversas oportunidades desde los púlpitos de los diferentes templos del Cusco. El nombre de La novena maravilla es escogido por sus discípulos debido a la excepcional calidad tanto en fondo como en forma de los sermones vertidos a lo largo de veintinueve años en diversas instituciones católicas (Catedral del Cuzco, Colegio Seminario San Antonio de Abad, etc), catalogados como una maravilla del arte literario. Amar su propia muerte es una tragicomedia de carácter profano; fue hallado por el padre jesuita Rubén Vargas Ugarte. La fuente de inspiración está en la Biblia en el Libro de los Jueces. Trata sobre la invasión de los ejércitos del rey de Canaan, Jabín, a los territorios de Israel.

JUAN DEL VALLE CAVIEDES Aquejado de una grave dolencia, Juan del Valle Caviedes tuvo que estar en contacto frecuente con los médicos, a quienes responsabilizó de no recuperarse jamás totalmente. Debido a ello les tomó gran antipatía y recelo y los hizo víctimas de sus poemas más sarcásticos y crueles. RESEÑA LITERARIA La obra central de Caviedes es Diente del Parnaso. Circuló mucho en manos de asiduos lectores, amigos del poeta, pero nunca fue impresa durante su vida. En 1852 (160 años después de su muerte) el escritor Juan María Gutiérrez estudia la obra del “Poeta de la Ribera” e intenta publicar algunos poemas, continuando en esa empresa don Ricardo Palma, quien llega a hacer algunas publicaciones del Diente del Parnaso en la Revista de Lima. La

producción satírica de Caviedes viene a ser completada en Los documentos del coronel Odriozola, en 1873, gracias a la colección particular de manuscritos de José Manuel Valdez. Luis Alberto Sánchez encuentra en la obra de Caviedes algunos temas motivadores constantes como son: sus sentimientos, la calle y la alegría, los médicos y el rencor, el amor y la muerte, Dios y la melancolía. Los médicos y las mujeres tienen un lugar especial en su producción, unas para el alma y otros para el cuerpo, especialmente los médicos de fines del siglo XVIII, a quienes ha descrito con perfiles crueles. Parece que Caviedes sufrió alguna dolencia y la medicina erró en curársela, lo que motivó la iracunda protesta del poeta contra los médicos a quienes llama de distintas maneras: “Rayos en Calesa”, “Asesinos graduados”, “Veneno con guante”, etc. Se advierte en la producción de Caviedes la influencia de las lecturas de la obra de Quevedo e incluso de Góngora, con sus sonetos Polifemo y Soledades. OBRAS Sonetos: Catorce definiciones del amor. Definición de la muerte. Un abogado narigón. Remedio para ser rico.

Romances Respuesta a la muerte. El casamiento de Pedro de Utrilla. A Machuca, por su nombramiento de Médico de la Inquisición. A mi muerte próxima.

Odas Religiosas Lamentaciones sobre la vida en pecado. A Cristo Crucificado.

LITERATURA COLONIAL II

PERÍODO AFRANCESADO O NEOCLÁSICO

ALONSO CARRIÓ DE LA VANDERA “CONCOLORCORVO” (1715 - 1778)

Vino de España a muy temprana edad. En 1773, bajo el seudónimo de Concolorcorvo, publicó su obra satírica El Lazarillo de Ciegos Caminantes.

El Lazarillo de Ciegos Caminantes, es libro de viajes (desde Montevideo a Lima), publicado entre 1775 y 1776; compuesto de dos partes, un prólogo y un apéndice . Esta obra obedece a los lineamientos de la novela picaresca. Revela aspectos de toda índole, enfocada desde los puntos de vista lingüísticos; varían desde la retórica, la prosa de impresión, la chispa cotidiana y hasta los detalles de tradiciones y costumbres. El autor del Lazarillo refleja lecturas y predominios de autores como Cervantes, Gracián, Lope, Virgilio, Ovidio, Feijoo y sobre todo Quevedo. Todas estas fuentes y citas casi provienen de estas plumas.

PEDRO DE PERALTA BARNUEVO ROCHA Y BENAVIDES (1664 - 1743)

Su obra literaria y científica es amplia, pero por razones didácticas se puede agrupar en: Loas, panegíricos y poesías cortesanas. Composiciones literarias para festividades,

religiosas o sociales como matrimonios, duelos, llegada de virreyes, consagración de algún nuevo cardenal, consagraciones, autos de fe, etc.

Obras Dramáticas: Inspiradas en episodios históricos del mundo antiguo, muchas de

ellas al estilo del teatro francés. También escribe escenas satíricas y de costumbres. Entre ellas tenemos: Triunfos de Amor y Poder, Rodoguna, Afectos vencen Fuerzas.

Historia de Esaña Vindicada: Con esta obra quería exaltar las grandezas de España y

enmendar errores respecto a la historia. Se proyectó para editada en cuatro volúmenes, pero sólo se editó el primero, en donde se hace una descripción geográfica de la península.

Lima Fundada: Fue publicada en la imprenta de Francisco Sobrino, en 1732, dedicada al entonces virrey Marqués de Castelfuerte. Es un poema épico de diez cantos, 1138 octavas reales y un total del 9464 versos endecasílabos. Empieza con la narración de Pizarro en la Isla del Gallo y culmina con la fundación de Lima. Dentro del poema, el autor nombra a los personajes más importantes de la colonia, exaltando los valores hispanoamericanos.

EL NEOCLASICISMO

Fue un movimiento que surgió en Francia, hacia mediados del siglo XVII, extendiéndose desde allí a España y al resto de Europa. Como movimiento artístico tuvo una influencia mucho mayor que el Barroco en la vida cultura de su época y cronológicamente abarca, además, el siglo XVIII.

Políticamente está enmarcado en lo que se conoce como el Despotismo Ilustrado, que reemplazó en ciertos términos al absolutismo monárquico de los siglos anteriores. El final de la Guerra de los Treinta Años, abrió el paso a una efectiva hegemonía política de Francia sobre Europa, a costa de la decadencia española. Culturalmente, el Neoclasicismo se desarrolla dentro de dos movimientos globales: El Siglo de las Luces, nombre con que se conoce al siglo XVIII, por los grandes avances culturales que se hicieron en todos los campos del saber y el Enciclopedismo, un retorno a la búsqueda racional del conocimiento Racionalismo, consecuencia lógica del pensamiento neoclásico.

CARACTERÍSTICAS Propugnaba la vuelta radical a los clásicos y grecolatinos. Se pone énfasis en lo racional y académico. La literatura se torna crítica, didáctica - moral. Predominio de eruditos, filósofos, oradores y dramaturgos. Respecto al estilo y la técnica, con el fin de evitar todo artificio exageración barroca,

recurrió a una elegante simplicidad.

REPRESENTANTES LITERARIOS a) En Inglaterra: Daniel De Foe: Robinson Crusoe Jonathan Swift: Los Viajes de Gulliver.

b) En España: Historia y Novela: Enrique Flores, España Sagrada Ensayo: Fray Benito de Feijoo, Teatro crítico universal. Lírico: Manuel José Quintana, El Pelayo. Fábula: Tomás de Iriarte, “El Burro Flautista” Félix María de Samaniego: “La Lechera” Teatro: Leandro Fernández de Moratín, El Sí de las Niñas.

c) En Francia Pierre Corneille, La Ilusión Cómica Jean Racine, Andrómana Jean de la Fontaine, Cuentos y Fábulas Jean Baptiste Poquelín (Moliere), El Ávaro

d) En Perú Pedro Peralta Barnuevo, Lima fundada.

LITERATURA QUECHUA EN LA ÉPOCA COLONIAL

En la época colonial se siguió utilizando la lengua quechua en la creación verbal. Los sacerdotes españoles escribieron oraciones y obras teatrales en quechua para dar a conocer la doctrina católica a la población nativa. Por otra parte, los campesinos indígenas siguieron cultivando sus tradicionales formas de poesía oral y difundiendo sus relatos y mitos, incorporando en ellos algunos elementos de la nueva cultura dominante española. Pero el fenómeno más interesante es el teatro quechua colonial. TEATRO QUECHUA COLONIAL Durante un período de tiempo bastante prolongado, aproximadamente desde mediados del siglo XVII hasta la rebelión de Túpac Amaru II, diversos autores escribieron obras dramáticas en lengua quechua, pero siguiendo los modelos del teatro español del Siglo de Oro (la comedia, el auto sacramental). La identidad de la mayoría de estos autores se desconoce, salvo en cuando a las obras Rapto de Proserpina y sueño de Endimión y el hijo pródigo, cuyo autor es Juan Espinosa Medrano, conocido como “El Lunarejo”. Las obras del teatro quechua colonial que han llegado hasta nosotros son Rapto de Proserpina y sueño de Endimión. Al hijo pródigo, El pobre más rico (de Gabriel Centeno de Osma), Usca Páucar (estas cuatro de temática religiosa), Ollantay (la obra más destacada del teatro quechua colonial) y Tragedia del fin de Atahualpa.

OLLANTAY No se ha podido establecer con plena certeza la fecha en que fue escrita esta obra. En el pasado, muchos pensaron que se trataba de una obra procedente de la época prehispánica. En la actualidad los especialistas consideran que se trata de una obra colonial, aunque pudo haberse inspirado en leyendas prehispánicas. Es indudable que, aunque escrita en quechua, la obra sigue los modelos de la comedia española del Siglo de Oro. La mayoría de los especialistas se inclina a considerar que se trata de una obra del siglo XVIII. Se dice que la obra fue representada ante Túpac Amaru poco antes de su rebelión. La identidad del autor no ha sido establecida con certeza, aunque se ha mencionado en especial al Padre Antonio de Valdez. Al no haber todavía acuerdo entre los especialistas, puede considerarse obra anónima.

TEMAS El poder: en la obra se presentan dos formas de ejercicio del poder. La primera, autoritaria

e implacable, representada por Pachacútec, provoca una rebelión y el alejamiento de uno de los mejores servidores del imperio. La segunda, encarnada por Túpac Yupanqui, Inca magnánimo y generoso, sabe ser más flexible y usar el perdón para superar los conflictos internos y recuperar a un valioso servidor.

El amor, que mueve a Ollantay a transgredir las barreras sociales y enfrentarse al poder imperial.

ASPECTOS FORMALES Género: Dramático Especie: Drama Estructura: Consta de 3 actos La obra está escrita en verso, intentando imitar las características del lenguaje poético

español del Siglo de Oro (predominio del octosílabo y la rima asonante).

PERSONAJES Ollantay: Señor del Antisuyo, valeroso guerrero que ha logrado ascender socialmente gracias a sus victorias militares. Pachacútec: Inca inflexible y autoritario, que no puede permitir que se transgredan las barreras sociales. Cusy Coyllur: Hija del inca Pachacútec. Túpac Yupanqui: Hijo y heredero de Pachacútec. Inca misericordioso y justiciero. Coya: Madre de la princesa. Orcco Huaranca: General de Ollantay. Piqui Chaqui: Siervo gracioso, que acompaña al protagonista. Huilca Huma: Sumo sacerdote. Ima Súmac: Hija de Cusi Coyllur y Ollantay. Rumiñahui: General de Pachacútec. Astuto general que logra capturar a Ollantay. Pitusalla: Carcelera.

ARGUMENTO Ollantay es uno de los mejores generales del inca Pachacútec, quien en recompensa por sus triunfos lo ha nombrado gobernador del Antisuyo. Ollantay es un guerrero victorioso, pero no pertenece a la alta aristocracia incaica. Sin embargo, se ha enamorado de una hija del Inca, la princesa Cusi Coyllur, con la cual incluso se ha casado en secreto. Aconsejado por el sumo sacerdote Huillac Umo, en una entrevista a solas con pachacútec, le recuerda los grandes servicios que le ha prestado y pide en recompensa la mano de Cusi Coyllur. Pachacútec se muetra indignado por las pretensiones de un hombre de origen social inferior y rechaza airado el pedido. pachacútec decide castigar a los amantes y manda encerrar a Cusi Coyllur en un calabozo del Aclla Huasi. Ollantay consigue evitar el castigo huyendo hacia el Antisuyo, donde logra organizar una gran rebelión contra la autoridad del Inca. La lucha entre los rebeldes y las tropas incaicas se prolonga por largos años. Muere el inca Pachacútec y le sucede su hijo Túpac Yupanqui. Rumi Ñahui, general de las tropas del Inca, planea entonces capturar a Ollantay, y le hace creer que ha caído en desgracia y ha abandonado la causa del Inca. Se gana la confianza de Ollantay y, aprovechando la oportunidad de una fiesta, logra hacer entrar a sus tropas en la fortaleza de Ollantay y capturarlo junto con sus lugartenientes. Ollantay es conducido ante Túpac Yupanqui y cuando parece que va a ser ejecutado, el Inca le perdona la vida e incluso le confiere nuevos cargos. Aparece entonces en escena Ima Súmac, hija de Cusi Coyllur y Ollantay, nacida cuando su madre estaba en prisión y su padre luchaba en el Antisuyo,. Ima Súmac pide al Inca la libertad de su madre prisionera. En el Aclla Huasi, Ollantay reconoce a su mujer y Túpac Yupanqui a su hermana. La obra culmina con la feliz reunión de los esposos gracias a la generosidad de Túpac Yupanqui.

LA LITERATURA QUECHUA EN LA ÉPOCA REPUBLICANA

El pueblo indígena sigue hasta el presente creando literatura oral en idioma quechua (y también en aimara o en las distintas lenguas nativas de la amazonia). Se ha recogido diversidad de textos a lo largo del siglo XX. Mitos, como los de Inkarri; cuentos y poemas de las distintas regiones del Perú. Asimismo, en las festividades de muchos pueblos de nuestra serranía, se escenifican representaciones dramáticas vinculadas a la conquista española y en especial a la muerte de Atahualpa. También muchos autores (como, por ejemplo, José María Arguedas) han escrito y escriben poesía en quechua o en versiones bilingües quechua-español.

LITERATURA DE LA EMANCIPACIÓN

En la segunda mitad del siglo XVIII, con la penetración del Enciclopedismo, empieza un nuevo período para la humanidad, las ideas revolucionarias de Voltaire, Rousseau y Montesquieu se propagan en todas direcciones. En España, la Iglesia se debilita a raíz de la expulsión de los jesuitas, y las nuevas generaciones se rebelan ante el yugo de la opresión. Estos aires de libertad llegan a nuestra América, en la que se agrupaban tanto criollos como mestizos bien preparados, quienes no sólo podían ocupar altos puestos por el hecho de no ser españoles, sino que además eran testigos de las injusticias del sistema, razón, por la que demuestran su descontento en pequeñas y grandes rebeliones. En 1780 se subleva José Gabriel Condorcanqui y en 1871 José Baquijano y Carrillo pronunciará su Elogio (con doble intención) con motivo de la asunción al poder del Virrey Jáurequi. Estas primeras manifestaciones se vieron pronto apoyadas por una amplia publicación, mayormente anónima, de volantes llamando a la insurrección; muchas copias y páginas circulaban por Lima, Arequipa, Cuzco y otras muchas ciudades. Las nuevas generaciones de intelectuales y estudiosos ayudaban con su pluma a romper la opresión de España; se organizan los cenáculos clandestinos, se discute y se conspira. Se forma la Sociedad Amantes del País, y desde la cátedra universitaria hasta la plaza popular se propugna la ruptura del vasallaje, sintiéndose el fuerte apoyo de la Iglesia que no dudó en usar al púlpito sacerdotal para apoyar la causa del pueblo. La literatura peruana había nacido y se manifestó en sus poetas, periodistas, oradores. La literatura hegemónica es la neoclásica, presente por ejemplo en las páginas del Mercurio Peruano (1791 - 1795) y en el Evangelio en triunfo de Pablo de Olavide. CARACTERÍSTICAS Propaganda clandestina a través de la actividad de los criollos limeños. Surge el patriotismo peruano con sentido solidario y unificador de toda su historia. Se emplean como medio de expresión las odas, las canciones, panfletos y epigramas.

Reviven las coplas cargadas del nuevo espíritu. En el aspecto del estilo, de poética y preceptiva: la literatura de la Emancipación esta bajo

los cánones del Neoclasicismo (como remanente de la literatura colonial), sin embargo, se vislumbra también el primer Romanticismo.

En cuanto a la perspectiva de contenido: es una literatura en la que el americanismo se impone muy fácilmente. (Definición de los propio en términos más americanos que nacionales).

Los temas: la patria, la revolución, el indio, la libertad y el paisaje.

MARIANO MELGAR Mariano Melgar representa en la literatura de nuestro país al precursor del Romanticismo con acento mestizo; y marca el inicio de auténtica lírica peruana. En su obra literaria podemos apreciar dos momentos; en el primero, el espíritu neoclásico motiva sus producciones; escribe elogios utilizando los tercetos endecasílabos; se aprecia en ellos la influencia de las lecturas de Virgilio y Ovidio con un dulce y poético lamento.

Cerca del ancho mar, ya mi quebranto en lágrimas deshizo el triste pecho; ya pené, ya gemí, ya lloré tanto...

¿Para qué, pues, por verme satisfecho vine a hacer más agudos mis dolores.

y a herir de nuevo el corazón deshecho? Luego pasará de la elegía al yaraví, será el mismo aliento romántico angustiado, envuelto dentro de las formas quechuas con el lenguaje de antiguo harawi. Utiliza versos tetrasílabos de la poesía lírica quechua, combinando tetrasílabos con pentasílabos y trisílabos, resultando a veces yaravíes octosílabos y en otros heptasílabos.

Mi gloria fue en tiempo mi firmeza, y hoy su inconstancia vil me hace pensar

Amor, Amor no quiero que durará mi esmero

fuera, fuera bajeza no quiero más Amor.

En otros yaravíes intercala octasílabos (cuatro más cuatro) con trisílabos que rompen el ritmo con una fuerza melódica similar al lamento quechua.

Muerto, yo tú llorarás el error de haber perdido

un alma fina; y aun muerto sabrá vengarse

este mísero viviente que hoy tiranizas.

EL YARAVI Proviene del harawi, poesía o cantar en quechua que expresa el amor doliente; es decir, es el canto de la nostalgia, la congoja, el lamento del amor contrariado. El yaraví melgariano recoge esta temática para expresar el amor inconstante, el dolor por la ausencia de la amada, las tribulaciones del yo poético que con acento desgarrado manifiesta su angustia por el ser querido. Mariano Melgar recoge la emoción indígena pero la reviste de nuevas formas en razón de su formación humanística, porque él no es indio sino criollo americano; en él renueva el acento popular. Mariano Melgar es el asimilador y culminador de todo un proceso que dará forma definitiva al yaraví. Su poesía se enlaza con una tradición e inicia otra, la del yaraví mestizo, en el que confluyen formas aprendidas de la lírica popular y la lírica culta. Aproximadamente son diez los yaravíes que se conservan de Melgar, porque la mejor parte de su obra se ha perdido, pues su hermana Josefa la quemó a indicación del confesor, que la consideraba poco edificante, por sensual y escéptica. En la tradición popular existen muchos

de sus poemas y en todos los lugares se repiten algunos de sus versos, pues Melgar representa el nacionalismo en la poesía romántica, y su amor por la tierra, sus raíces populares, sus ideales de libertad hacen de él un claro representante de la lírica mestiza, fusionando el sentimiento grecolatino con el lamento quechua. A SILVIA Toda la poesía amorosa de Melgar se desarrolla en torno al amor de una mujer, Silvia o María Santos Corrales, aunque no se sabe si Silvia conocía de este amor; el poeta soñaba con su amada y ella constituye el foco de su poesía. A manera de anécdota se sabe que el militar que condenó a muerte a Melgar se llamaba Manuel de Amat y fue quien se casó con Silvia (María Santos Corrales), en 1819, cuatro años después de la muerte del poeta. Naturalmente, ellos ignoraban este hecho.

Bien puede el mundo entero conjurarse contra mi dulce amor y mi ternura,

y el odio infame y tiranía dura de todo su rigor contra mi amarse.

Melgar fue un auténtico romántico en su vida y en su obra, aún mucho antes de que llegara el Romanticismo a nuestra patria. José Carlos Mariátegui sostiene que Melgar es el precursor del Romanticismo. También es la voz emancipadora. ES el primer romántico indigenista de la literatura peruana de todos los tiempos. Poeta mártir o poeta de un solo tema, Melgar quebró su vida en aras de la patria. Tejió una leyenda amorosa, vital y desencadenante, enlazada por el desafecto de Silvia, su musa atormentada, quien, acaso, lo volvió un poeta malquerido. La obra poética de Melgar se puede clasificar en poesía filosófica, cívica, laudatoria (que reúne ondas, elegías, sonetos, octavas, rimas, décimas glosas), fábulas, epigramas y traducciones. OBRAS Elegías: Cinco dedicadas a su amor por Silvia. Odas: Al Conde de Vista Florida (composición a Baquíjano y Carrillo), Oda a la libertad,

Oda a la soledad, Oda al dios del mar, Oda al sueño. Sonetos: A Silvia, La mujer. Fábulas: El cantero y el asno, Las abejas, Las cotorras y el zorro, Las aves domésticas. El

asno cornudo. Yaravíes: Diez dedicados a Silvia Traducciones: Fragmentos de Las Geórgicas de Virgilio y, especialmente, Remedios de

amor de Ovidio, que en la versión de Melgar se titula El arte de olvidar, impresa en Arequipa en 1833 y considerado hasta ahora como la mejor traducción del texto de Ovidio, quién también es autor de El arte de amar.

EL COSTUMBRISMO

Se pone por Costumbrismo a la corriente que intenta reflejar las costumbres regionales tanto en la literatura como en las demás disciplinas artísticas. El Costumbrismo español aparece teniendo en cuenta el colorido local, lo pintoresco, como un predominio moral y educativo. Este Costumbrismo es el que pasa al Perú, continuándose con un “colonialismo literario” como lo llama José Carlos Mariátegui. El Costumbrismo nace con la República, en un período desordenado e inestable; nuestros escritores costumbristas presentan tanto las frustraciones de la ascendente clase media (Manuel Ascencio Segura) como de la declinante clase alta (Felipe Pardo y Aliaga). Las

guerras por la Independencia había expuesto al Perú a las ideologías del capitalismo industrial y las ideas liberales. El contraste entre estas ideas y las realidades sociales y económicas del Perú del siglo XIX crea un desequilibrio entre esperanzas y realidades.

La literatura costumbrista describe una sociedad de transición, pues subsistían aún moldes y usos coloniales en las clases alta; pero la independencia había hecho surgir conflictos producto de las desigualdades sociales

CARACTERÍSTICAS Apego a la realidad inmediata, percibe sus estratos epidérmicos. Capacidad descriptiva de tipos y costumbres. Tendencia satírica, ya como burla o como arma de lucha ideológica y política. Tono realista y panfletario. Obsesión enjuiciadora, desde una actitud moralizante. Se muestra costumbres preferentemente de la ciudad. Sus medios de expresión fueron el teatro, la poesía satírica y el periodismo. Dentro del

teatro, fundamentalmente, la comedia de tipo festivo.

REPRESENTANTES Manuel Ascencio Segura Felipe Pardo y Aliaga

FELIPE PARDO Y ALIAGA (1806 - 1868)

Don Felipe Pardo y Aliaga nace en Lima, el 11 de junio de 1806. Sus padre fueron don Manuel Pardo y doña Mariana de Aliaga. Su padre pertenecía al grupo de funcionarios virreinales, contrarios a la independencia del Perú; por dicho motivo, al declararse ésta, la familia Pardo y Aliaga se embarca rumbo a España. En 1828, terminada su educación, decide regresar al Perú; era el gobierno del mariscal Gamarra, que había derrocado a la Mar. Al llegar escribe su Oda de un peruano al regresar a su patria, poema en el que alaba la libertad. El 6 de agosto de 1829 estrena su obra Frutos de la educación, en la cual censura el baile de la zamacueca por licencioso y atenta contra la moral. Cuando Salaverry toma el poder lo nombra embajador en Bolivia. Ocupa también misiones diplomáticas en España y Chile. De regreso al Perú intenta restaurar el teatro nacional y continua su fructífera labor, publicando “El Espejo de mi Tierra”, insertando allí numerosos artículos y relatos como el del Niño Goyito. Su obra se toma copiosa y variada. Al final de sus días queda ciego y paralítico, pero continúa creando, dictándole sus apuntes a su hija Paca. Fallece el 24 de diciembre de 1868.

PRODUCCIÓN LITERARIA Comedias Frutos de la educación (1828). Es una crítica a las costumbres liberales. Arremete contra

el baile de la zamacueca por considerar sus movimientos como pecaminosos. (Un caballero inglés rompe su compromiso matrimonial porque descubre a su novia bailando zamacueca).

Don Leocadio y el aniversario de Ayacucho (1833). Critica las costumbres liberales de la joven república. Hace un balance con las costumbres aristocráticas coloniales.

Una huérfana en Chorrillos (1833). Sus personajes son típicos de la época. Pardo elogia los usos y costumbres aristocráticos.

Artículos Costumbristas Publicados en El espejo del mi tierra (1840 - 1859), periódico de costumbres que

promovió una aguda polémica. Su crítica es política y social contra instituciones y personajes de la época, pero lleno de chispa mordaz y satírica. Destaca: “Un Viaje”.

Letrillas y Poemas Satíricos La nariz (1834), La jefa (1835), Corrida de Toros, El Ministro y el aspirante. Qué guapo

chico.

Poesía Satírica La Constitución Política, El carnaval de Lima.

El estilo de Felipe Pardo es equilibrado y revela reflexión y medida en los conceptos. En 1840, Pardo publica un prospecto periodístico, El espejo de mi tierra, estudiado con solvencia por Alberto Tauro. Éste fue un periódico que trataba de corregir las costumbres y adoptar el buen gusto europeo. Allí almacena informativamente los cuadros de costumbres. Mosaicos de datos y de crítica graciosa que fustigan o cuestionan el comportamiento de los representantes de la esfera política de esos días. En el mismo número de El Espejo de Mi Tierra, se incluye el clásico y antológico cuento de costumbre: “Un Viaje”, cuyo protagonista es el Niño Goyito, un niño petimetre o un señor de baberos.

UN VIAJE

El niño Goyito está de viaje. El niño Goyito va cumplir cincuenta y dos años; cuando salió del vientre de su madre le llamaron niño Goyito, ahora le llaman niño Goyito. Hay mucha gente que va al panteón como salieron del vientre de su madre.

Este niño Goyito en cualquier parte, es un don Gregorio de buen tamaño, recibiendo por tres años cartas de Chile, en la que avisan de un vieja forzado a arreglar algunos asuntos de negocio que algún deudo de una interesante familia contestaría estas cartas. Para efectuar este viaje, pues, señor, asunto concluido. El niño Goyito se va a Chile. La noticia corre por toda la parentela, conversaciones y quehaceres a todos los criados, afanes y devociones a todos los conventos.

Busca costureras, sastres por aquí, por allá. La madre Transverberación del Espíritu Santo se encargo de algunos dulces; por María, en gracia, fabricó una porción de ellos, una monjita recoleta mandó de regalo un escapulario: El padre Florencio de San Pedro corrió con los sorbetes. Don Gregorio llamaba capingo a lo que llamamos capote, chaquetas, pantalones para las diferentes estaciones o clima. En suma, érase toda una expedición de Bonaparte a Egipto.

Seis meses se consumieron en los preparativos, las hermanitas de don Gregorio, la menor de las cuales era su madrina de bautismo, quienes atravesaban de dolor por este viaje tan forzado, tomaron todas providencias del santiamén. ¡Válgame Dios! ¡Qué conflicto! Será bueno o malo el buque decían las hermanitas; que bárbaro para embarcarse en un zapato; por fin, practica su reconocimiento y vuelve diciendo: el barco es bueno y, que don Goyito irá seguro en un navío de la real amada. La despedida trajina por todo Lima, ¿con qué se nos va Usted? Don Gregorio se ofrece a la disposición de todos, los ojos se bañan en lágrimas a cada brazo, encomiendan a Dios.

Llega el día de la partida; ¡Qué bulla! ¡Qué jarana! Baúles, cajones, colchones en el zaguán. Todo sale por fin. Don Gregorio marcha en numerosa caravana de la familia. Las infelices hermanitas no se quitan el pañuelo de sus ojos; lo mismo sucede al viajero, se agrava los soponcios, abrazos generales. ¡Adiós hermanitas mías! ¡Adiós Goyito de mi corazón!, el alma de mi mamá Chombita te lleve con bien. Este viaje ha sido de eterna recordación. Era como la era cristiana, como la Hégira, o como la fundación de Roma, de la era Nabonasar.

Así viajaban nuestros abuelos, muchos de la generación aún conservan el tipo de los tiempos del virrey Avilés. Pero las revoluciones hacen del hombre, y los infelices desde la infancia las ha tenido por atmósfera, el corto beneficio siquiera de una gran felicidad locomotora. La salud o cualquier otra circunstancia aconsejan un viaje, ¿pasaje? Cuatro letras por la imprenta diciendo adiós a los amigos, con esta ausencia. Mis dulces coloquios con el público, que corresponderéis a mi amistosa despedida, preparad vuestros viajes con toda la calma que queráis, hablar de la ópera, bailad zamacueca a taco tendido. En suma, aprovechad todos estos, y rogad a Dios me dé viento fresco, capitán amable, buena mesa y pronto entorno.

MANUEL ASCENSIO SEGURA (1805 - 1871)

La obra de Manuel Ascensio Segura tiene un temperamento cómico con tendencia colorista de cuadros nacionales, sin trascendencia, sin crítica, como una reproducción alegre de la sociedad en la que vivía. La clase media encuentra en él su mejor exponente. Los personajes que habitan sus obras son el empleado público, la vieja chismosa del barrio, la niña que busca novio, los pregones y todos los personajes de la vida diaria de un barrio criollo, con su lenguaje característico que mezcla la jerga con el refrán popular. En su obra pueden observarse la poesía festiva y la comedia. La poesía festiva, circunstancial y periodística se llena de giros populares en los que advierte una disimulada campaña contra la erudición poética, utilizando palabras y expresiones como “guasaquio”, “¡Dale zamba!” “¡Malaya!” etc. El género en el que más sobresale Segura es la comedia, siendo el representante máxima del teatro en su etapa costumbrista. PRINCIPALES OBRAS El sargento Canuto, donde recoge un sentimiento popular, presentándonos al militar

fanfarrón, el pretencioso militar que Jacobita retrata como majadero. Ña Catita es el personaje limeño que se pasa “arreglando” matrimonios. Las tres viudas, ostentación, intrigas domésticas, con un gracioso y fresco lenguaje

criollo, popular y sentimiento humano dulce y tierno. A mí nadie me la pega, es una comedia en tres actos, a manera de entremés; surge el

diálogo chispeante de Pepita que usa los giros de los muchachos limeños de entonces. La saya y el manto, estrenada en 1841, es la expresión de las situaciones del momento;

censura a los ministros y se ríe de la burocracia. Lleva ese nombre por el uso del vestido tradicional de las limeñas, las famosas “Tapadas” de saya y manto.

Lances de Amancaes, nos ofrece un cuadro típico criollo en la fiesta de San Juan. BIOGRAFÍA Nace en Lima el 23 de junio de 1805, hijo de un militar español. Ingresa al ejército realista como cadete en 1824, y continuó hasta 1841, cuando dejó el ejército con el grado del sargento mayor. Ese mismo año funda el diario La Bolsa, en donde publicó artículos costumbristas. Ocupó cargos públicos como la secretaría de la Prefectura de Piura en 1849 y una diputación por Loreto en 1860. Funda en Piura el semanario satírico El Moscón, en donde luce su lenguaje ameno, criollo, costumbrista, lleno de giros y voces populares, convirtiendose en maestro de las nuevas generaciones. Estuvo presente en las tertulias literarias de su tiempo pero huye del aplauso y de las manifestaciones admirativas. Por razones de salud deja la administración pública escribiendo en el retiro Ña Catita, Lances de Amancaes, La Saya y el Manto. Fallece el 17 de setiembre de 1871. PRODUCCIÓN LITERARIA Poesía A las muchachas, sextillas dirigidas a niñas pacatas. La Pelimuertada, de mucho carácter lírico adornado con giros y gracia criollo, Letrillas

sueltas publicadas en diarios.

Sainetes Lances de Amancaes El cacharpari Dos para uno Comedias El Sargento Canuto Blasco Núñez de Vela Amor y política La saya y el manto Ña Catita Panchita Artículos Periodísticos Los carnavales Las calles de Lima Un paseo al puente ÑA CATITA Los esposos don Jesús y doña Rufina tienen una hija llamada Juliana, todo candor y dulzura, que corresponde los amores de don Manuel, un joven pobre y sin porvenir. Doña Rufina pretende casa a su hija con don Alejo, señor de leyenda donjuanesca y mucho dinero, pero a quien Juliana detesta. Ante esta resistencia, la madre recurre a las artes casamenteras de Ña Catita, quien valiéndose de mil artimañas convence a Juliana de que acepte a don Alejo. Desoyendo las protestas de don Jesús y los lamentos de don Manuel se sella el compromiso, cuando aparece don Juan, un viejo amigo de la familia, quien trae del Cusco una carta para don Alejo enviada por su esposa. Rufina desfallece de espanto y llora de desgracia. Ña Catita es arrojada a la calle, Juliana y Manuel aseguran su matrimonio y don Jesús perdona a Rufina.

EL ROMANTICISMO

El Romanticismo fue un movimiento que revolucionó la cultura en el mundo occidental cuando el capitalismo alistó sus poderes en Europa. Nació como una necesidad histórica para esas sociedades, pero su influencia fue muy grande. Pronto, por modo o “actualización cultural”, en diferentes puntos del orbe, empezaron a imitar a los maestros del Romanticismo. Uno de esos puntos fue el Perú. Formas, expresiones, temas, decires, fue toda una nueva actitud de los poetas peruanos imitando a los románticos franceses, alemanes y españoles. El movimiento romántico del Perú nace a mediados del siglo XIX. Ricardo Palma señaló la fecha de 1848. Fue un movimiento de mucha actividad y desafío individual, lástima que estuviera lejano de nuestra realidad y sirviera a la claudicación de los criollos que, viviendo y gobernando en el Perú, tenían la mente y el sentimiento en el extranjero. CONTEXTO Surgimiento de la burguesía por la explotación guanera Gobierno de Ramón Castilla “Prosperidad Falaz” Combate del 2 de mayo de 1866

CARACTERÍSTICAS Desapego por lo nacional Hispafilo Limeñista Sin efervescencia del Romanticismo europeo Destaca principalmente un romanticismo sentimental (Salaverry) REPRESENTANTES Lírica

Carlos Augusto Salaverry “Cartas a un ángel” Manuel Nicolás Corpancho “Ensayos poéticos” José Arnaldo Márquez “Notas perdidas” Clemente Althaus “Poesías patrióticas y religiosas” Juan de Arona “Sonetos y chisparos”

Narrativa

Luis Benjamín Cisneros “Edgardo o un joven de mi gerencia” Abelardo Gamarra “Detrás de la cruz el diablo”

RICARDO PALMA SORIANO

(Lima 1833 - Lima 1919) Era de condición económica humilde, comienza su vida literaria escribiendo versos románticos: Pasionarias, Armonías, haciendo periodismo artístico en las páginas de “El Diablo” y estrenando piezas teatrales como: La hermana del verdugo, la muerte y la libertad (1815) y Rodil (1582). Siendo cónsul viajó por Europa y EE.UU. En 1866, partidario de José Gálvez, participa en el combate del Dos de Mayo; a su regreso entró en la revolución a favor de Balta como secretario privado y senador por Loreto. En la batalla de Miraflores los chilenos quemaron su casa y biblioteca personal muy valiosa, durante la ocupación vivió de las correspondencias a periódicos extranjeros, especialmente a la prensa de Buenos Aires. Iglesias y Lavalle le propusieron reconstruir la biblioteca, por su labor Palma obtuvo el apodo de El Bibliotecario Mendigo. Murió en 1919. OBRAS Palma cultivó diversos géneros literarios y emprendió trabajos de tipo histórico y filológico. Obras históricas: Criticadas por dejarse llevar por la fantasía: Anales de la Inquisición de

Lima, Monteagudo y Sánchez Carrión. Obras filológicas y lingüísticas: Defiende el habla y el léxico de Hispanoamérica:

Neologismos y americanismos (lexicografía) Obras dramáticas: En su juventud escribió numerosas obras dramáticas, de corte

romántico, se conserva Rodil. Obras líricas: Cultivó asiduamente la poesía, en especial de tipo burlesco y satírico. Gran

parte de su obra se reúne en poesías. Obras narrativas: La más importante es, sin duda, las Tradiciones peruanas.

TRADICIONES PERUANAS Género : Narrativo Especie : Tradicional

Alrededor de 43 relatos

Concepto de tradición: La tradición, como una especie del género narrativo, ha existido desde muy antiguo y consiste en comunicar en forma oral o escrita las costumbres - sociales, económicas, religiosas, educativas, culturales - de un grupo social o pueblo. Esta no es la tradición cultivada por Ricardo Palma, ni leyenda, ni cuento, ni novela, ni historia; es una creación verbal - literaria de nuestro gran escritor

La tradición es una forma expresiva del género narrativo que toma en pretexto anécdotas, personajes y temas históricos para crear en base de la ficción y el humor, realidades verbales de gran calidad artístico - literarias.

Al afirmar el carácter expresivo de la tradición se está induciendo en la forma consciente de hacer literatura. No se cuenta por contar, se narra sabiendo como se dice y para esto es bueno, indudablemente, la realidad lingüística peruana que en el sustrato quechua posee una intensidad humorística incalculable. A esto se une el habla del castellano limeño y se tiene un producto maravilloso que se llama tradición peruana.

Principales Tradiciones El alacrán de Fray Gómez (mejor relato americano) Los ratones de Fray Martín El padre pata La achirana del inca Orgullo del cacique Los tres motivos del oidor Los incas ajedrecistas Los mosquitos de Santa Rosa Historia de un cañoncito Don Dimas de la tijereta Al pie de la letra Al rincón quita calzón

CARLOS AUGUSTO SALAVERRY Piura 1830 - París 1891

“El Cantor de los Sepulcros” “El Ruiseñor del Chira”

Fue hijo del militar don Felipe Santiago de Salaverry y de doña Vicente Ramírez (concubina del general). Cuando su padre fue fusilado partió a Chile rumbo al destierro, junto con la viuda y un hermano; abrazó la carrera de las armas y se alistó para la batalla de Yungay. Fue diplomático en EE.UU., Inglaterra, Francia e Italia. Regresó al Perú en 1878. Muere en París en 1891. OBRAS TEATRO

Arturo Atahualpa El bello ideal El amor y el oro

LÍRICA

Albores y destellos Diamantes y perlas Misterios de una tumba Cartas a un ángel

CARTAS A UN ÁNGEL

(1871) “Acuerdate de mí”

CARACTERÍSTICAS Melancolía Nostalgia Dedicado a Ismena Torres Influencia de Bécquer, Leopardi, Heine, Espronceda TEMA El recuerdo nostálgico de un amor perdido TEMA SECUNDARIO La soledad El desamor ESTRUCTURA Utilización de endecasílabos y heptasílabos Estancia

VANGUARDISMO I

DEFINICIÓN Con el término Vanguardismo se ha denominado a un conjunto de tendencias artísticas que surgen en Europa en la primera década del siglo XX (Cubismo, 1906) como parte del espíritu de renovación y efervescencia con los que nace el nuevo siglo. A partir de la revolución industrial del siglo XIX y los cambios radicales que implicó con la modernización de la sociedad occidental, con los consiguientes fenómenos de deshumanización creciente y un espíritu utilitarista y material, surgen de hecho una serie de reacciones ideo-lógicas y estéticas al paso de dicho proceso y se manifiesta en el rechazo manifiesto del pasado y la búsqueda de nuevos cánones estéticos e intelectuales. El Vanguardismo comprende tendencias como: el Surrealismo, el Dadaísmo, el Expresionismo, el Ultraísmo, el Creacionismo, el Futurismo, el Cubismo, el Imaginismo entre otras tendencias, todas ellas diferentes entre sí, pero ligadas por elementos comunes como la negación del pasado, el re-chazo a las normativas y el afán de experimentación. Se pretende crear un "arte nuevo", existe un afán de innovación y una búsqueda de la originalidad. El Vanguardismo llega al Perú después de la Primera Guerra Mundial, pero como un reflejo mas no como una imitación del vanguardismo europeo. Se desarrolla en un ambiente muy convulsionado de profundas luchas sociales, es por ello que descuida el carácter puro del Vanguardismo Europeo y adquiere un matiz social. En último tér-mino tendríamos que señalar que el Vanguardismo en el Perú se inaugura con la publicación de "TRILCE" (1922) del gran poeta Cesar Vallejo.

CARACTERÍSTICAS 1. Reacciona contra todo lo tradicional y caduco. El vanguardismo rompe con los moldes

literarios tradicionales. 2. Significó un cuestionamiento del arte y de la sociedad y una revolución total en las formas

de la expresión artística. 3. Renovación total del lenguaje poético. Se abandona la métrica, la rima y el ritmo

(versolibrismo). 4. Afán de innovación y búsqueda de la originalidad. 5. Aprovechamiento del mundo onírico del autor y el mundo del inconsciente. 6. Utilización de una nueva terminología. 7. Preocupación por los problemas sociales de la época. EXPONENTES César Vallejo: "Los heraldos negros" (1918). "Trilce" (1922).

Carlos Oquendo de Amat: "Cinco metros de poemas" (1927).

Martín Adán (Rafael de la Fuente Benavides): "La casa de cartón" (1828). "La mano desasida" (1961).

Emilio Adolfo Westphalen: "Las ínsulas extrañas" (1933).

Alejandro Peralta: "Ande" (1926).

Arturo Peralta: "El pez de oro".

Xabier Abril: "Hollywood" (1931). "Difícil trabajo" (1935).

César Moro (Alfredo Quíspez Asín): "La tortuga ecuestre".

Juan Parra del Riego: "Carnaval". "Himnos del cielo y de los ferrocarriles". "Blanca Luz". “Tres polirritmos inéditos".

Alberto Hidalgo: "Panoplia lírica". "Química del espíritu". "Descripción del cielo" "Dimensión del hombre".

CÉSAR ABRAHAM VALLEJO MENDOZA (Santiago de Chuco, 1892 - París, 1938)

"El poeta del dolor humano" Breve Síntesis Biográfica: 1892: Nace en Santiago de Chuco, La Libertad. 1912: Viene a Lima a estudiar en San Marcos Medicina, luego se traslada a Letras. 1915: Se gradúa como Bachiller en Humanidades en la Universidad Nacional de Trujillo

con la tesis "El Romanticismo en la Poesía Castellana". Perteneció al Grupo Norte liderado por Antenor Orrego. Abrazó la carrera de jurisprudencia y ejerció la docencia.

1918: Publica Los heraldos negros en Lima, después de que sus versos han sido destructivamente criticados por don Clemente Palma.

1920: Regresa a Trujillo e implicado en un incidente (incendio y homicidio) cae preso. Será durante su encierro que comenzará a escribir su poemario Trilce.

1922: Publica Trilce en Lima. No tuvo buena acogida entre la crítica por su naturaleza abiertamente innovadora, sobre todo en el aspecto lingüístico.

1923: Abandona el Perú y viaja a Europa, radicando en París. 1929: Contrae matrimonio con la ciudadana francesa Georgette Phillipard. 1930: Viaja a España por primera vez. 1931: Es expulsado de Francia por su militancia política y viaja por algunos países

europeos. 1933: Regresa a Francia con la salud quebrantada y dificultades económicas. 1937: Viaja a España para asistir al Congreso Nacional de Escritores. 1938: Vuelve a París

y muere un viernes santo 15 de abril de una enfermedad desconocida. OBRA POESÍA: "Los heraldos negros" (1918), "Trilce" (1922), "Poemas humanos" (1939),

"España, aparta de mí esta cáliz" (1939), "Poemas en prosa" (1939).

NARRATIVA: "Fabla salvaje", "Tungsteno", "Escalas melografiadas", "Paco Yunque".

ENSAYO: * "El Arte y la Revolución". "Rusia en 1931", "Contra el secreto profesional".

TEATRO: "Colacho Hermanos", "Entre dos orillas corre el mismo río". "La piedra cansada", "Lockout".

CARACTERÍSTICAS DE SU OBRA: En poesía: 1. Expresa un profundo humanismo que se traduce en la solidaridad con el dolor universal. 2. Crea un nuevo lenguaje poético a través de la deslexicalización del mismo. Vallejo hace

decir a las palabras cosas que normalmente no pueden expresar. 3. Adopta un tono confesional y metafísico. 4. Poesía llena de esperanza y solidaridad humana. 5. Tiene temas y motivos recurrentes: el dolor, la solidaridad, el hambre, la soledad, el

sufrimiento. 6. Su poesía está llena de alusiones y referencias al Perú (paisajes, personajes y cotumbres),

todo ello insertado a nivel universal porque la poesía de Vallejo no es localista o regional sino más bien ecuménica.

En narrativa: 1. Se solidariza con el oprimido, el explotado, el débil y denuncia el maltrato de los

poderosos. 2. Tiene una finalidad política, que es la de desentrañar y mostrar los conflictos de clase, los

enfrentamientos sociales: el débil con el poderoso, el burgués frente al obrero. Con ello, logra demostrarnos la profunda injusticia social existente en nuestra sociedad.

PERIODOS DE LA POESÍA VALLEJIANA: A) Periodo Modernista:

En este periodo, está inserto su primer libro "Los heraldos negros" (1918), en el cual Vallejo recibe el legado de la poesía modernista, sobre todo la influencia de Rubén Darío y de Julio Herrera y Reissig. El poemario tiene como temática el hogar provinciano, la muerte del hermano, el dolor humano universal, las dudas sobre Dios.

B) Periodo Vanguardista:

En este periodo, está comprendido el poemario Trilce (1922), con el cual Vallejo inaugura el Vanguardismo Peruano e inicia un nuevo lenguaje poético de límites insospechables. Aparecen el tema de la cárcel, la soledad y la ausencia de la madre; pero revestidos todos ellos de una estructura lingüística compleja por lo experimental e innovadora.

C) Periodo de la Poesía Comprometida.

Abarca "Poemas Humanos" (1939) y "España, Aparta de mí este Cáliz" (1939), Vallejo utiliza las palabras que remiten al cuerpo humano y se compromete con la República Española. Estos dos poemarios destacan de manera especial la solidaridad humana, muestra de ello es el poema "Masa".

POEMAS HUMANOS

Reúne un conjunto de poemas publicados después de la muerte de Vallejo (1939). El título del poemario, al parecer fue dado por Raúl Porras Barrenechea, quien al observar el humanismo de Vallejo optó por el mencionado título.

La temática del poemario está referida a la pobreza y el hambre, la miseria humana, el cuerpo como espacio de dolor y de liberación, el trabajo como fuente de solidaridad y la esperanza en un futuro lleno de dicha colectiva.

Todo el poemario refleja la concepción de la solidaridad como eje fundamental para el desarrollo del hombre y la sociedad. Lo colectivo por encima de lo individual, tal como sucedió en el mundo prehispánico, el cual conocía mucho Vallejo.

Para establecer su concepción solidaria, Vallejo acumula imágenes corporales. Es, pues, el cuerpo del pobre el que sufre. El poeta habla de tobillos, de diafragmas, de pómulos, de fémures, entre otras figuras que remiten al cuerpo. Y a la par establece oposiciones: entre la vida y la muerte, entre el jefe y el subordinado, entre el presente lleno de sufrimiento y el futuro donde reinará la dicha colectiva.

VANGUARDISMO II

MARTÍN ADÁN

Seudónimo de Rafael de la Fuente, escritor peruano considerado una de las mayores figuras de la literatura peruana contemporánea, aunque su obra sea menos conocida fuera de su país debido a la difusión limitada de sus libros y la vida de soledad y abandono que tuvo. El hermetismo y la cualidad perturbadora de su visión contribuyeron a convertirlo en una leyenda en el medio intelectual limeño, pero, desgraciadamente, no a difundir su poesía. Sus primeros libros están influidos por el espíritu de las vanguardias y muestran un talento y cultura insólitos para los pocos años de su autor. Su breve novela de literatura infantil, La casa de cartón (1928), es una pequeña obra maestra de ironía, finura de observación e invención verbal.

Las dos siguientes fueron obras poéticas: La rosa de la espinela (1939) y Travesía de extramares (1953), esta última una brillantísima serie de sonetos a Chopin que lo muestran alejándose de su inicial vanguardismo y hallando lo más profundo de su voz en una insólita mezcla de elementos tradicionales (culteranismo barroco, mística, actitud arcaizante) y contemporáneos (disonancias rítmico-semánticas, influjos de Yeats y Pound, lecturas de los nuevos filósofos alemanes). Es la poesía de un alma sumida en profundo cuestionamiento de Dios, el hombre y la relación del mundo con ellos; llamarlo poeta metafísico sería tal vez adecuado al no encajar bien en ninguno de los membretes habituales en su tiempo. Nacido en el seno de una familia de aristocráticas raíces limeñas y de tradición católica, Martín Adán fue un temprano rebelde, lo que se refleja en la elección de ese seudónimo literario, que junta el nombre de un mono y el del primer hombre, Adán. Progresiva e irremediablemente, fue cayendo en el vértigo de una honda crisis intelectual y emocional, que lo llevó a una vida en pobres hoteles, hospicios, asilos mentales y a la autodestrucción por el alcohol. Escribía en servilletas o pedazos de papel con una caligrafía temblorosa; la protección de unos pocos amigos salvaron parte de ese material heterogéneo y a veces incoherente. Tras un periodo de silencio, publicó Escrito a ciegas (1961), La mano desasida (1964) y La piedra absoluta (1966), los dos últimos inspirados en las ruinas de Machu Picchu. Diario de poeta (1975) registra un doloroso y desgarrado monólogo ante la proximidad de la muerte. Su lírica ha sido recopilada en Obra poética (1980). De lo barroco en el Perú (1968), su tesis universitaria presentada en 1938, es un insólito ejemplo de prosa neogongorina. CARLOS OQUENDO DE AMAT Figura casi mítica de la literatura peruana contemporánea, es el autor de Cinco metros de poemas. Oquendo de Amat fue casi un mito por varias razones: desapareció sin dejar rastro por un buen tiempo, murió joven en la exaltación revolucionaria de la Guerra Civil española y escribió un sólo libro memorable: Cinco metros de poemas (Lima, 1927). Recientes investigaciones han echado luz sobre la misteriosa y brevísima vida del poeta, que puede considerarse la expresión más pura e intensa del vanguardismo peruano de la década de 1920. Entre los 17 y los 23 años de edad, el autor, nacido en la remota región andina de Puno, escribió un puñado de poemas que publicó en revistas, además de los 18 textos que recogió en el mencionado libro; eso es todo lo que nos queda de él. Cinco metros de poemas no tiene páginas; en realidad es un plegable, un acordeón que, extendido, alcanza los cinco metros de los que habla el título. Aunque con propósitos distintos, es un lejano antecedente de Blanco del mexicano Octavio Paz. Todos los signos de la primera vanguardia están presentes: completa libertad para crear un mundo imaginario, juegos tipográficos y visuales, dinamismo, humor, erotismo. Las notas ultraístas y creacionistas dominan, pero también ofrece tenues espejeos del onirismo surrealista y vagas sugerencias de cinetismo; incluso hay toques indigenistas, como en el poema Aldeana. La anécdota ha desaparecido por completo; el lenguaje es transparente y delicado; las imágenes aletean y vibran como cuerpos volátiles en un espacio encantado, a medias entre el sueño y la vigilia. La limpidez casi líquida de estos versos y su temblor emocional se han mantenido intactos hasta hoy.

INDIGENISMO I

EL INDIGENISMO El movimiento cultural e ideológico indigenista se manifestó en nuestra patria desde la década del veinte y alcanza su mayor difusión en la década del cuarenta, conjugando los caracteres del Realismo con las inquietudes de la reivindicación social exaltando al indio y sus valores, protestando por su situación postergada y marginal del Perú. EVOLUCIÓN DEL INDIGENISMO Los gérmenes del indigenismo literario datan del siglo XX. Están en los Yaravíes y Fábulas de Melgar, en la novela de Clorinda Matto y en los ensayos y poesías de González Prada. En el siglo XX, pensadores y ensayistas como José Carlos Mariátegui, Luis E. Valcárcel y Uriel García, influidos por la revolución de Occidente dieron forma al espíritu indianista.

ETAPAS DEL INDIGENISMO

INDIANISMO INDIGENISMO

EXÓTICO SENTIMENTAL Desarrolla concretamente el concepto indigenista. Toma al indio como personaje con variedad y vigor.

Enrique López Albújar

Ciro Alegría

José María Arguedas

El indio es visto como elemento decorativo.

Ventura García Calderón: La venganza del cóndor

Actitud paternalista y caritativa del indio.

Clorinda Matto de Turner: Aves sin nido

CARACTERÍSTICAS Sentimiento de reivindicación social del indio. Relación del indio con su tierra. REPRESENTANTES Enrique López Albújar: “Cuentos andinos” Ciro Alegría: “El mundo es ancho y ajeno”, “Los perros hambrientos”, “La serpiente de oro” José María Arguedas: “Agua”, “Los ríos profundos”, “Todas las sangres” NEOINDIGENISMO Carlos Eduardo Zavaleta: Los Ingar, El cristo Villenas, El cínico Eleodoro Vargas Vicuña: Nahuin, Taita Cristo Manuel Scorza: Redoble por rancas

ENRIQUE LÓPEZ ALBÚJAR (Chiclayo, 1872 - 1966)

“El iniciador del indigenismo literario” Escritor notable que estudió Jurisprudencia en San Marcos en donde apuró una juventud aventurera y tumultosa, pues se hizo eco de la prédica de González Prada. Para defender a su generación de algunas apreciaciones de Valdelomar, usó el seudónimo de “Sansón Carrasco”. Estando de juez en Piura, recrea el tema de la esclavitud en su novela “Matalaché”, luego, será juez de propiedad en Tumbes y, cuando es suspendido por el Juzgado de Primera Instancia de Huánuco, escribe sus “Cuentos andinos”. Más tarde es elevado a Vocal en la Corte de Lambayeque, y en la Corte Superior de Tacna. Por su labor en la narrativa peruana recibió el Premio Nacional de Literatura en 1950.

OBRAS “Cuentos andinos”: Inaugura un proceso que, en evolución sostenida, va a terminar en

las novelas de Alegría y Arguedas. En sus páginas aparecen, por primera vez, indios auténticos, con todo su drama vital, y nos presenta algunos escorzos del alma del indio. Destacan los cuentos: “Las tres jircas” y “Ushanan Jampi”

“Matalaché” (novela) “El hechizo de Tomayquichua” “Miniaturas” “Lámpara votiva”

CUENTOS ANDINOS Cuentos Andinos es una compilación de cuentos que intentan definir de una manera distinta al indio, ya que en anteriores novelas se dibujaba a éste como un ser de sentimientos buenos, un ser siempre sumiso que carece de autonomía. En las historias de Albújar, al indio se lo retrata como un ser que alberga sentimientos de muerte, de cólera, de odio, de egoísmo, de locura, de venganza, y otros que lo hacen ser –una bestia– brutal, un ser casi demoníaco. Es interesante ver aquí, que el indio no respeta o no se somete a las leyes de su pueblo. La única ley que el indio tiene es la que lo motiva a hacer hechos vejámenes: la ley de sus instintos. Si existe un sentimiento personal que estimule al personaje a hacer algo, este sentimiento valdrá más que la ley colectiva. Cuentos como “Los tres Jircas”, “Ushanan – Jampi”, “El hombre de la bandera” muestran a personajes que no tienen miedo de ir contra la norma. En algunos casos se verá al indio como un ser egoísta (el primero de los cuentos mencionados), o como un ser capaz de ennoblecer al lector. En “Ushanam – Jampi” el indio va contra la ley debido a que no soporta la idea de ser desterrado de su queridísima tierra, donde habitan su madre, su hogar). Prefiere el peligro o la muerte antes que ello. En “El hombre de la bandera” el personaje principal no tolera una ley extranjera, y recluta a un grupo de indios para revelarse contra el orden externo. Este último cuento nos muestra, además, un mensaje utópico para el Perú. Se nos muestra al indio como un ser capaz de revelarse, con autonomía, con un mensaje altruista que la historia se ha encargado de desmentir: ver al Perú de todas las razas conviviendo de la mejor manera. Ushan Jampi En la plaza todos se encontraban reunidos para ver el “juicio” de Conce Maille al cual se le debía aplicar el Ushanan Jampi pero un indio agrego que mejor se le aplicara el jitarishum y si volvía al pueblo se le aplicaría el Ushanan Jampi. Como todo Yaya era algo malo para su orgullo bajar de las montañas, pasando una semana volvió al pueblo a escondidas para ir a su choza y visitar a su madre y chacchar coca pero los vecinos se alertaron y trataron de capturarlo pero huyo , a medio camino quedo acorralado pero tenía una escopeta y amenazo con matarlos a todos. Los yayas astutos enviaron a José Facundo para convencerle de que se rindiera y así lo dejarían en libertad, pero este le engaño y los Yayas le aplicaron el Ushanan Jampi, es decir la pena de muerte, y parte de su columna vertebral lo dejaron a orillas del Chillan. A los seis meses aún quedaban algunos de sus restos en la puerta de su choza unos colgajos secos amarillentos grasosos que era sus intestinos de Conce Maille que mandaron a colocar los yayas.

El campeón de la muerte Liberato Tucto consulta a la coca respecto al destino que le espera a su hija Faustina que ha sido raptada hacía un mes atrás. Estaba chacchando junto a su puerta y estaba desconcertado pues la coca le daba respuestas confusas. Sabía el afligido padre que el raptor Hilario Crispín era un golfo perdido, era ocioso, amigo de malas juntas y seductor de mujeres. Su corazón estuvo a punto de salirse cuando de entre las sombras de la noche surgió la torva figura de un hombre, era nada menos que el raptor Hilario Crispín y se presento ante él y vaciando un costal lleno de fétidos restos humanos, le gritó, altanero, “viejo aquí te traigo a tu hija para que no la hagas buscar tanto, ni andes diciendo por el pueblo que un mostrenco se lo ha llevado”. Y sin esperar respuesta de Tucto tomó el costal y de un golpe vació el contenido horripilante y ahí estaba el cuerpo descuartizado de la hija de Tucto. Hilario Crispín le dijo: “no te dejo el costal porque puede ser para ti si te cruzas en mi camino”, y dándole la espalda se fue. Juan Jorge era el más respetado Illapaco (matador de hombres) y a él acudió Liberato Tucto para vengar a su hija, ofreció cuatro toros al mercenario y exigió que lo matara de diez tiros siendo el décimo el que lo eliminara. Y así sucedió la feroz cacería duró una hora y el horror desorbitó al asesino de la doncella. Finalmente termino la cacería con la muerte del mozuelo Hilario Crispín . El illapu Juan Jorge le sacó los ojos al muerto y lo cortó la lengua, guardando ambos órganos en su morral. El macabro ritual termina con el festín que realiza el sicario comiéndose el corazón de Hilario Crispín para aumentar su valor y su ferocidad.

INDIGENISMO II

CIRO ALEGRÍA BAZÁN

(Huamachuco, 1909 - 1967) En Trujillo, ingresa al colegio San Juan; durante este año (1917) tendrá como profesor a César Vallejo. Termina su primaria en Cajatamba. En la secundaria, funda el vocero “Tribuna Sanjuanista” que llama la atención de Antenor Orrego, y le invita a trabajar como reportero en “El Norte”. En 1930 ingresa a la Universidad de Trujillo y es convocado por el diario “La Industria”. A fines de ese año, participa en la fundación del Partido Aprista. El 7 de julio de 1932 estalla la revolución de Trujillo y, por la represión, Ciro Alegría fuga a Huamachuco, pero es capturado y encarcelado en Lima. Ya libre, en 1934, participa en el movimiento de “El Agustino”, es encarcelado y luego deportado a Chile. Después de muchas etapas difíciles en su vida, en 1963 es elegido diputado por Lima. Cumpliendo una activa labor parlamentaria, periodística y cultural, fallece en la madrugada del 17 de febrero.

OBRAS “La serpiente de oro”: Gana el Concurso Nascimento en 1935 “Los perros hambrientos”: Obtiene el segundo puesto en el concurso organizado por la

Editorial Zig – Zag en 1938 “El mundo es ancho y ajeno”: Obtiene el premio de 2,500 dólares y un viaje a EE.UU. de

la editorial neoyorquina Farrar and Rinehart en 1941 “Selva” “Lázaro” (novela inconclusa) “Siete cuentos quirománticos” La serpiente de oro Tiene como tema central la lucha de los balseros que viven en las márgenes del río Marañón; se trata de una novela regional, la variedad de problemas que enfrentan los indios, como los desbordes principalmente, recrea el conflicto o contradicción principal del hombre frente a la naturaleza. El mundo es ancho y ajeno. Los indios que integran la comunidad de Rumi, encabezados por el alcalde Rosendo Maqui, se defienden de un déspota hacendado, don Álvaro Amenábar, quien, amparado por jueces corruptos y testigos falsos, quiere arrebatarle sus tierras para expandir su ya inmensa propiedad. Pero lo que en realidad más apetecía el hacendado era convertir a los comuneros en peones para que laboraran en una mina de su propiedad cercana a Rumi. Las tierras de cultivo tenían para él un valor secundario. Debido a ello la comunidad de Rumi se encuentra permanentemente acechada por el despojo; cuando esto al fin sucede, los comuneros se trasladan a las alturas de Yanañahui, tierras pedregosas y de clima inhóspito, de escasa productividad, pero que al menos les permite mantener viva la comunidad. No obstante, muchos comuneros huyen en busca de un futuro mejor y se emplean en diversas partes del Perú, viviendo experiencias muy duras y hasta fatídicas. Varios capítulos de la obra se dedican a relatar las peripecias de algunos de estos comuneros, como Amadeo Illas, Calixto Páucar, Augusto Maqui, Demetrio Sumallacta y Juan Medrano. Pero las agresiones del hacendado continúan. Los comuneros, guiados por un abogado indigenista, apelan ante la Corte Superior para recuperar sus tierras, pero el expediente del juicio es robado por hombres contratados por Amenábar y termina en la hoguera. Algunos comuneros se unen a la banda del Fiero Vásquez, famoso ladrón, y se vengan a su manera de la gente de Amenábar. Rosendo Maqui es acusado de ladrón de ganado, de incitador de la violencia y de dar refugio a bandidos, entre ellos al Fiero Vásquez. El viejo alcalde es encarcelado y muere en su celda tras ser golpeado por los guardias. Los años transcurren y una nueva perspectiva para la comunidad se abre con la llegada de Benito Castro, un antiguo residente de Rumi, hijo adoptivo de Rosendo, que retornaba tras 16 años de ausencia. Benito, que ha recorrido el país viendo las injusticias, y que además ha aprendido a leer y escribir, trae las ideas de la modernidad a la comunidad, la cual según su punto de vista debía abandonar supersticiones e ideas anticuadas que constreñían su desarrollo, aunque conservando lo mejor de ella, como era la ayuda comunitaria. Es elegido Alcalde y bajo su dirección, la comunidad, con sede en Yanañahui, resurge y empieza a prosperar.

Sin embargo, ante un segundo juicio de linderos interpuesto por el ambicioso Amenábar, los comuneros, por instigación de Benito, se levantan en armas para evitar el despojo. La sublevación es brutalmente reprimida por la guardia civil, aliada con los caporales de Amenábar y utilizando una ametralladora. La comunidad termina siendo aniquilada. Los perros hambrientos. Los perros pastores Wanka, Zambo, Gueso y Pelle-jo defienden al ganado de los pumas y los abigeos. La pastorcita Antuca, una chiquilla de doce años, ama a su rebaño y a sus perros pastores. Ciro Alegría nos narra la desaparición del perro Gueso que fue robado por los celedonios y la muerte de otros dos perros: “tinto” a dentellada del feroz Raffles y “Mausser” que es volado con dinamita. Las peripecias van combinándose con las consecuencias de una sequía que, al malograr las cosechas, extiende el hambre. Estas terribles calamidades toman porciones catastróficas. A su vez, los hombres del ande se ven obligados a luchar tan brutalmente que las escenas de violencia se suceden. La situación se agudiza, de tal manera que el hambre de los perros les hace tan feroces que se comen a las reses, a quienes cuidaban. Todo cambia cuando cae la lluvia sobre la tierra devolviendo su equilibrio a la gente y los perros vuelven a ser los amigos del hombre. Una tarde la niña Antuca se hallo con Mañu. Estaba tirado sobre las piedras. Su colgante lengua tenía un color pálido. Se trataba de un pero que podía esperar la muerte en medio de la soledad. Antuca había crecido junto con los perros. Ella se olvido del cántaro y el agua. Cuando cayó la noche y escucho la voz de la Juana, que la llamaba, tenía aun las manos puestas cariñosamente entre las hirsutas lanas del cuello del Mañu.

INDIGENISMO III

JOSÉ MARÍA ARGUEDAS

(Andahuaylas, 1911 - Lima, 1969) A temprana edad queda huérfano de madre y su padre se casa nuevamente. Arguedas vive con la cruel madrasta que lo despreció y humilló. A los ocho años aprende castellano. Acompañará a su padre por Ayacucho, Ica, Cuzco y Apurímac. En 1931, cuando tenía 20 años, ingresa a la Universidad Nacional Mayor de San Marcos y termina sus estudios de Literatura. Desde 1937 hasta 1938, estuvo preso ocho meses en la cárcel “El Sexto” En 1963 opta el grado de Doctor en Etnología con la tesis “Las comunidades de España y del Perú”. En 1964 es nombrado Director del Museo Nacional de Historia. Con un balazo frente a un espejo, decidió acabar con su existencia: fue la tarde del 28 de noviembre de 1969. Murió días después, el 2 de noviembre.

OBRAS “Agua” (1935) “Yawar Fiesta” (1941) “Diamantes y pedernales” (1945) “Los ríos profundos” (1958) “El Sexto” (1961) “La agonía de Rasu-Ñiti” (1962) “Todas las sangres” (1967) “El zorro de arriba y el zorro de abajo” (obra póstuma) Los ríos profundos El tema de la obra expresa la identidad del hombre con su mundo andino, así como también la violencia racial y social , esto representado en la experiencia del niño Ernesto quien es protagonista de la obra. Al recorrer distintos lugares con el padre, que es un constan-te viajero; en uno de estos recorridos el padre deja al niño en un colegio internado en Abancay donde el niño conoce a diferentes compañeros que representan distintos perfiles del hombre andino. Lleras, el abusivo; Antero, el indómito indio; Chauca, el típico acomplejado y también La Opa Marcelina, mujer que se constituye en el símbolo sexual.

Todas las sangres Fermín es el propietario de la mina Apark’ora y está tratando de explorarla, sin compartir el provecho con una compañía internacional la Wisther. Fermín Aragón posibilita la entrada del capitalismo en la Villa San Pedro, y cambia los destinos de todos los habitantes de la zona. Bruno Aragón es el señor hacendado tradicional, que siente una gran responsabilidad por la conducta y la salvación de sus colonos indios. Se opone a la ambición y al deseo de lucro que dirigen las acciones de su hermano. Bruno está convencido de que la ambición convierte a los hombres en seres egoístas, le hace olvidarse de los demás y terminan perdiendo su alma. Por esa razón evita a toda costa que los colonos indios sientan tentación por el dinero.

Demetrio Rendón Willka simboliza la alternativa india para resolver los problemas de la sociedad. En Rendón Willka se halla imbuida la idea de Arguedas de que el indígena es un ser con dignidad, capaz de ser un elemento productivo en la transformación del país. Rendón Willka es el “ex indio”, ósea el nativo transculturado, que ha perdido parte de su herencia cultural, pero que ha conservado sus valores tradicionales más valiosos. Rendón Willka encarna la fraternidad entre todos los hombres, y la posibilidad de integración y liberación. La trama de la obra consiste en lo siguiente: Fermín explota la mina Apak’ora con la ayuda de 500 colonos indios enviados por su hermano Bruno. Asimismo trata de obligar a los señores antiguos de San Pedro a que le vendan sus tierras de “La Esmeralda”. Compra con sobornos a algunas personas dentro del grupo para que denuncien los planes de sus vecinos, los antiguos propietarios se traicionan entre sí, y para completar la situación caótica del pueblo, los indios de Lahuaymarca se niegan a trabajar sin sueldo, y abandonan el cabildo del pueblo ante la indignación de los señores.

Fermín descubre un manto de plata muy grande dentro de la mina, y el ingeniero trata de menoscabar la posición de su patrón. Cabrejos es un agente secreto de la compañía de Wisther, y su misión es de crear dificultades a Fermín, para que el trabajo en la venta de plata se retrase, y el dueño de los yacimientos se vea obligado a venderlos a la compañía. Utiliza la ayuda del mes-tizo Gregorio, quien planea una estrategia. Se sirve de las creencias indígenas sobre una serpiente gigantesca, el AMARU o espíritu de la montaña, y pretende ser esa serpiente que habita dentro de los socavones del depósito minero. Grita y asusta a los indios, creyendo que huirían de la mina, pero los colonos nativos les dan una sorpresa a Gregorio y al ingeniero Cabrejos, pues se quedan trabajando dentro de los túne-les mineros venciendo su “temor mítico”.

Cuando los nativos cuestionan los mitos porque estos estorban su desarrollo, ya están camino a un cambio cultural, selectivo. A pesar de este triunfo parcial de Fermín Aragón, la compañía internacional logra comprar a varios miembros del gobierno en Lima, y obliga a Fermín a vender la mina. La compañía consigue una orden judicial que obliga a los señores de San Pedro a vender sus tierras de la branza en “La Esmeralda”. Los vecinos se niegan a venderlas, y como protesta queman el pueblo de San Pedro y se marchan del lugar en derrota. Son acogidos temporalmente por una de las comunidades indígenas que les ayuda a ajustarse al cambio dignamente. Entre tanto Bruno ha tenido su momento de “iluminación” o Epifanía después de matar a su amante Felisa (quien había intentado atacar a su nueva pareja), y decide dejar de practicar el sexo pecaminoso, y se une definitivamente a una mestiza, Vicenta , que será el vehículo para su transformación. Ella espera un hijo suyo, que junto con el niño indio que le va a nacer a Rendón Willka, significan el futuro cambio para la localidad. Bruno, redimido por el amor, se empieza a acercar a sus colonos y termina ayudando a los comuneros de Paraybamba. Esto lo lleva a enfrentarse con el cholo Cisneros y don Lucas, hacendados abusivos. Cuando llega la compañía Wisther, Bruno se culpa por haber contribuido a la explotación de la mina, y decide purificar el mundo de los que han causado la contaminación. Mata al hacendado Lucas e intenta matar a su hermano Fermín, pero falla. Es llevado a la cárcel y allí espera saber los resultados de las acciones de Rendón Willka, la tercera opción en la encrucijada, viaja de in cógnito, (con el apoyo de don Bruno) y convence a los indios de las haciendas de que ellos son fuertes, y que deben levantarse y tomar tales propiedades. Los nativos se levantan y expulsan a sus antiguos patrones. Rendón Willka es buscado y fusilado por las fuerzas del ejército. Pero el ya ha cumplido su misión de despertar la conciencia de sus compañeros de cultura y a dejado abierto el camino para la liberación. El Sexto Es la novela política de Arguedas basada en su experiencia real, en la temporada que estuvo en dicho penal, Con esta obra marca la culminación de la narrativa carcelaria. El Sexto es una escuela del vicio, aquí se encuentra lo peor que la sociedad ha elaborado; pero también las esperanzas de los que, por cambiarla, lucharon a viva voz y en la acción, sin ahondar la hondura de su más profundo indigenismo. Los personajes principales, aparte del autor que también es personaje, son Alejandro Camac, Rosita, el japonés, Pate’ cabra, Maraví, etc. Yawar Fiesta Hay mucha expectativa en Puquio porque anualmente, en las Fiestas Patrias deberá repetirse el Turupukllay, especie de corrida de toros pero a la usanza indígena: sin torero y en la que el toro es sacrificado a dinamitazos. Entre los indios hay revuelo porque se lidiará al “Misitu” (un auqui), el toro que tiene la aureola mágica de ser un dios, y también, porque los indígenas consideran al Turupukllay como un rito en el que chocarán los dos mundos: el hispano representado por el toro y el indígena personificado en los capeadores. Por orden expresa del Gobierno Central, como si se tratase de una empresa civilizadora, el Subprefecto prohíbe esta fiesta que tantas víctimas ha cobrado. Tal prohibición cohesiona más el mundo indio, quienes asumen la realización del Turupukllay como un desafío a las autoridades. Y como la fiesta es la gloria de Puquio, ella también es defendida por los mestizos de la ciudad (aunque se opongan los mestizos afincados en Lima, como Escobar) y es aprobada por ciertos principales como Pancho Jiménez y Julián Aranguena. La voz discordante la tiene don Demetrio, el principal que desea que la fiesta se efectúe como en la Plaza de Acho, a la usanza hispana... sin embargo, todos los intentos de prohibir la fiesta fracasan... Los indios están empeñados en capturar en Koñami al Misitu, lidiarlo y matarlo después.

GENERACIÓN DEL 50 I LA NARRATIVA DEL 50: La narrativa del 50 está conformada por un conjunto de escritores que tuvieron el mérito de registrar personajes y problemas que en ese momento se estaban generando en la capital por efecto de la moderni-zación del país. Entre la problemática que registran estos autores, sobre todo en la narrativa, podemos mencionar la migración de las grandes masas de provincianos, la explosión demográfica de la capital y el surgimiento de las barriadas. CARACTERÍSTICAS 1. Temática fundamentalmente urbana, tanto temas como personajes están referidos al mundo urbano, al mundo de la ciudad. 2. Privilegian la visión de las barriadas. 3. La ciudad es vista, según estos autores, como algo horrendo: "El Monstruo del millón de cabezas" (Congrains), "Una gigantesca mandíbula" (Ribeyro). 4. El personaje principal es el migrante provinciano. EXPONENTES Julio Ramón Ribeyro: "Los Gallinazos sin plumas" (1955), "La Palabra del Mudo" (1955).

Enrique Congrais Martin: "Lima, Hora Cero" (1954), "Kikuyo" (1955), "No una, sino muchas muertes".

Carlos Eduardo Zavaleta: "La Batalla y otros Cuentos" (1954), "Los Ingar" (1955), "El Cristo Villenas" (1955)

Sebastián Salazar Bondy: "Náufragos y sobrevivientes" (1954), "Pobre gente de París" (1958).

Eleodoro Vargas Vicuña: "Ñahuin" (1953), "Taita Cristo" (1963)

Luis Loayza: "El avaro" (1955).

Manuel Mejía Valera: "La evasión" (1954).

JULIO RAMÓN RIBEYRO (1929 - 1994)

"El mejor cuentista peruano" Perteneció a una familia acomodada. Estudió en el colegio Champagnat y luego en la Universidad Católica. Viajó becado a Europa y allí, por voluntad propia, experimentó la condición de marginalidad, lo cual le permitió conocer cabalmente la visión del mundo de los seres desarraigados. Fijó su residencia en París por más de treinta años. Sólo volvió definitivamente al Perú pocos años antes de su fallecimiento. Su adicción al tabaco propició su muerte por cáncer pulmonar. Poco antes de fallecer en 1994 fue galardonado con "El premio Juan Rulfo" de México, uno de los más importantes premios en lengua castellana.

CARACTERÍSTICAS DE SU OBRA Temática urbana Presenta el mundo oficial y el mundo marginal. Linealidad en el relato. Nos acerca al universo de las ciudades. Frustración y angustia en sus personajes. Pesimismo NOVELAS “Crónica de San Gabriel" (1960), "Los geniecillos dominicales" (1965), “Cambio de guardia" (1976). CUENTOS "La palabra del mudo" (1955), (Agrupa todos sus cuentos en cuatro volúmenes) TEATRO "Santiago, el Pajarero", "Confusión en la prefectura". OTRAS OBRAS "Prosas apátridas", "Solo para fumadores". LA PALABRA DEL MUDO Obra compuesta por cuatro volúmenes que recoge todos los cuentos de Ribeyro publicados a partir de 1955. Comprende los siguientes libros:

1. "Los gallinazos sin plumas" (1955). 2. "Cuentos de circunstancias" (1958). 3. "Las botellas y los hombres" (1964). 4. "Tres historias sublevantes" (1964). 5. "Los cautivos" (1972). 6. "El Próximo mes me nivelo" (1972). 7. "Silvio en el rosedal" (1977).

¿Por qué La palabra del mudo? "Porque en la mayoría de mis cuentos se expresan aquellos que en la vida están privados de la palabra, los marginados, los olvidados, los condenados a una existencia sin sintonía y sin voz. Yo les he restituido este hábito negado y les he permitido modular sus anhelos, sus arrebatos y sus angustias". (De una carta del autor al editor, el 15 de febrero de 1973). PRESENTACIÓN DE "LA PALABRA DEL MUDO" Hace más de cuarenta años que publiqué mi primer cuento. Desde entonces debo haber escrito un centenar o más. Es poco para el tiempo y el esfuerzo invertidos, mucho si nos atenemos a los criterios de selección y rigor. Lo cierto es que mi actividad de escritor está ligada a este género, que nunca he abandonado, poco favorecido por el público y por ello difícil de colocar en el mercado de la edición. Pero no se trata de esto al escribir, sino de darle forma a los cientos de situaciones, ideas, experiencias, personajes que me habitaban y que me hubieran hecho la vida diferente o insípida o quizás insoportable si no los hubiera sacado de mí. La creación literaria es en su origen una terapia que adopta luego la forma de un hábito para terminar por convertirse en un vicio. A menudo me han preguntado qué cosa es para mí el cuento y cómo lo podría definir. A veces he dado respuestas ocasionales, pero a la postre no sé lo que es, aparte de un texto en

prosa de extensión relativamente corta. En este texto puede entrar lo que sea. Hay tanta diferencia entre un cuento de Bocaccio y uno de Voltaire, de Maupassant, de Joyce, de Buzzati, de Borges, de Poe o de Rulfo. En un cuento uno puede relatar un recuerdo de la infancia, comunicar un sueño, llevar una idea hasta el absurdo, transcribir un diálago escuchado en un café, proponerle al lector un acertijo o resumir en una alegoría su visión del mundo. Si escribir, como pienso, es una forma de conversar con el lector, en especial con el lector virtual de la mañana, ignoro si mañana encontraré interlocutores a quienes mis cuentos les digan algo y quieran dialogar conmigo, gracias al mecanismo –en tantos aspectos misteriosos– de la lectura. Una última observación, esta vez acerca del título general de mis cuentos. He mantenido el de "La Palabra del Mudo", si bien sé que ya no corresponde enteramente a mi propósito original, que era darle voz a los olvidados, los excluidos los marginales, los privados de la posibilidad de expresarse. Y si lo he mantenido es porque dicho título ha cobrado para mí un nuevo significado. Quienes me conocen saben que soy un hombre parco, de pocas palabras, que sigue creyendo, con el apoyo de viejos autores, en las virtudes del silencio. El mudo en consecuencia, además de los personajes marginales de mis cuentos, soy yo mismo. Y eso quizá porque, desde otra perspectiva, yo sea también un marginal.

"Los Gallinazos sin Plumas" Es un cuento publicado en 1955 y en el cual se plasma la miserable vida que le toca vivir al migrante provinciano. Tiene como tema central el desamparo de la niñez en el mundo urbano. Don Santos, es un anciano cojo y sus dos nietos Efraín y Enrique, habitan el mismo corralón, junto a un cerdo (Pas-cual), al cual Efraín y Enrique tienen que alimentar a como dé lugar. Todo el cariño de Don Santos está dirigido al cerdo, en quien ve su futura fortuna, es por ello que obliga a los niños a trabajar aún estando enfermos. Ante los constantes aullidos del cerdo don Santos lanza al perro (Pedro) al chiquero. Al regresar Enrique del muladar con los cubos llenos de comida se da cuenta que el perro está siendo devorado por el cerdo, indignado se acerca al abuelo y le golpea el rostro con una vara, el viejo retrocede y cae de espaldas en el chiquero. Poco después Enrique coge a su hermano Efraín y abandonan el lugar. "Desde el chiquero llegaba el rumor de una batalla".