EL ARTE CONCEPTUAL

También conocido como idea art, es un movimiento artístico en el que las ideas dentro de una obra son un elemento más importante que el sentido por el que la obra se creó. La idea de la obra prevalece sobre sus aspectos formales, y en muchos casos la idea es la obra en sí misma, quedando la resolución final de la obra como mero soporte. El arte conceptual como movimiento emergió a la mitad de los años sesenta, en parte como una reacción en contra del formalismo. Este emplea habitualmente materiales como la fotografía, mapas y vídeos. En ocasiones se reduce a un conjunto de instrucciones documentando cómo crear una obra, pero sin llegar a crearla realmente; la idea tras el arte es más importante que el artefacto en sí.

PERFORMANCE

Término que describe una práctica artística que consiste en “representar” ante un público y en directo una obra de arte, o en considerar simplemente el evento que constituye esta representación como una obra de arte en sí misma. Es, por lo tanto, la realización de una acción en el transcurso de la cual el artista asocia generalmente diferentes formas de expresión, tales como la danza, la música, el teatro o el cine, para realizar una puesta en escena en la que a menudo se incluye una parte de improvisación. las antropometrías de Yves Klein, el Body Art y, sobre todo, los happenings de John Cage establecieron las premisas determinantes del arte de la performance.

YVES KLEIN En 1958 presentó El vacío, que consistía en una enorme galería

completamente vacía y pintada de blanco por la que circulaban espectadores a los que se les ofrecía un cóctel azul. En 1960 patentó un color azul (IKB: International Klein Blue), cuya extensión en la tela, según él, traducía el infinito cósmico. Sus cosmogonías y más tarde sus pinturas de fuego sugieren la acción de los elementos naturales, y sus antropometrías recuerdan a su vez el cuerpo humano cubierto de pintura. Su sueño de una obra inmaterial le condujo a diferentes concepciones artísticas que anticiparon lo que sería el arte conceptual

HAPPENING

Forma de arte de acción posterior a la II Guerra Mundial que requiere de la participación activa del público. El desarrollo de un happening está planificado por el artista en sus líneas básicas, pero todo lo demás está condicionado por la propia situación y se halla a merced tanto del comportamiento espontáneo de los actores como del azar. Por el contrario, durante una performance el desarrollo está más o menos prefijado; el artista actúa ante un público no participativo. En cualquier caso, los conceptos happening y performance no siempre están nítidamente diferenciados.

HERMANN NISTCH

Conocido principalmente por su original (y polémica) forma de combinar la pintura, el teatro, la música y la esencia de los rituales religiosos y paganos. A finales de los años 50, desarrolló el concepto de la Orgen Mysterien Theater (Teatro de Orgías y Misterios), una especie de proyecto en el que las ideas de Nitsch se fundían para dar lugar a “acciones” colectivas donde se exploraban de manera profunda y fiel las raíces y la fuerza del ritualismo antiguo, lo que ocasionaba que a veces se llevasen a cabo sacrificios a animales. Desarrolló 100 actuaciones entre los años 1962 y 1998. Especialmente excepcional es la acción número 100 (1998), llevada a cabo durante seis días (sin pausas) y realizada en un antiguo castillo barroco situado al noroeste de Austria.

LAND ART

Manifestación artística realizada en exteriores, normalmente en lugares no explotados y relativamente apartados, que suele utilizar elementos de la naturaleza, como piedras, troncos, hojas o flores, para crear formas por lo general de inspiración minimalista. Expresa el deseo de escapar de la civilización y de la opresión de la vida urbana, y en parte como deseo de alejar el arte del vínculo comercial de galerías y galeristas.

MALECON ESPIRAL

Los trabajos de Smithson se aprecian mejor, en fotografías, puesto que se trata de obras de enormes dimensiones levantadas en espacios naturales remotos cuyo mensaje es, de cierto modo, la grandeza de la naturaleza y el daño que los seres humanos le hacemos. El registro de las obras de los artistas de la corriente Land Art se ejerce y verifica artísticamente a través de fotografías.

CRISTINA IGLESIAS Trabaja con materiales industriales como el hormigón, el

hierro y el cristal, combinados con motivos vegetales como el bambú y la hojarasca. A menudo cubre las superficies de sus obras con patrones de follaje. Por ejemplo en Sin título (Bosque de bambú),

BODY ART

Arte en el que el cuerpo humano, ya sea el del propio artista o el de otras personas, constituye la obra en sí misma o el medio de expresión. Surgió en el arte vanguardista occidental de finales de la década de 1960 como reflejo de una nueva conciencia cultural del cuerpo humano que se manifestaba en una mayor libertad sexual, en la formación de grupos de encuentro, en la moda del desnudo en el teatro y en el estudio científico del lenguaje corporal. La mayor parte del Body Art se caracteriza por recurrir a los happenings o acontecimientos teatrales, que normalmente se registran mediante fotografías o grabaciones.

ARNULF RAINER

Fue quien "descubrió" el denominado automatismo de la mano y evolucionó hasta producir obras gestuales aparentemente carentes de voluntad. Como consecuencia de la pintura gestual, Rainer fue encontrando el lenguaje corporal como medio de expresión artística y autoconocimiento que representó el móvil fundamental de su obra. A modo de estímulo y para desencadenar la reelaboración utiliza fotos de posturas corporales extremas, muecas y retorcimientos estáticos realizados por él mismo.

DRIPPING

Técnica pictórica que consiste en derramar pintura sobre una tela colocada en el suelo mediante un movimiento semiautomático sometido casi únicamente a las reglas del azar. Para ello, generalmente se utiliza un bote agujereado en cuyo interior se vierte la pintura. Debido a las grandes dimensiones del soporte, la intervención de todo el cuerpo es indispensable para la ejecución de la obra de forma que, el movimiento físico en sí mismo, se convierte en una forma de expresión transmisora de las pulsiones internas del artista. Surgió de la necesidad de buscar soluciones plásticas más adecuadas a las nuevas necesidades artísticas que la tradicional pintura de caballete.

HELEN FRANKETJALER

Frankenthaler utilizó pintura muy diluida para empapar o manchar lienzos sin preparar, con la que creaba lagos diáfanos de colores suaves, como los delicados rosas y azules de Montañas y mar (1952). Tanto ésta como otras obras posteriores, aunque son absolutamente abstractas, contienen manifiestas evocaciones de paisaje.

MARK TOBEY

En un intento por negar las formas y diseños tradicionales, adoptó las técnicas de la caligrafía oriental para crear lo que él mismo denominó escritura blanca, confusa trama de líneas filiformes de tinta blanca sobre fondo oscuro. La sensación de profundidad se sugiere en estos trabajos por la superposición de líneas más que por el uso de la perspectiva tradicional.

ARTE CINÉTICO

Tendencia de la pintura y escultura contemporáneas que hace referencia a aquellas obras creadas para producir la impresión o ilusión de movimiento, introduciendo el

valor espacio-tiempo en el arte. El término tiene su origen en la rama de la mecánica que investiga la

relación entre el movimiento de los cuerpos y las fuerzas que actúan sobre ellos

JULIO LEPARC

La obra se convierte así, no en un hecho exterior al espectador, sino en un ambiente en el que este último participa (Formas en contorsión, 1966). En 1966 ganó el Premio de Pintura de la Bienal de Venecia y al año siguiente participó en la exposición que, con el nombre de Luz y Movimiento, se realizó en el Museo de Arte Moderno de París. Allí presentó algunas de sus máquinas, como un gran tambor metálico que refleja y descompone un rayo de luz blanca. En 1987 ganó también el Primer Premio de la Bienal de Cuenca (Ecuador). LeParc fue en su época un vanguardista óptico y cinético.

Jesús Rafael Soto

• Uno de los grandes logros de Soto fue convertir al espectador de la obra en sujeto activo, debido a la movilidad de la imagen envuelta en la materia creada por el artista. La visualización del movimiento y la luz constituyeron las principales motivaciones de su obra. En 1973 el gobierno de Venezuela construyó el Museo de Arte Moderno de la Fundación Jesús Soto

HIPERREALISMO

Tendencia surgida en Estados Unidos a finales de la década de 1960 que propone reproducir la realidad con la misma fidelidad y objetividad que la fotografía, a la que toma como modelo y cuyos códigos aplica. El Pop Art sigue es el precursor inmediato del hiperrealismo, tomando la iconografía de lo cotidiano, manteniéndose fiel a la distancia de su enfoque y produciendo las mismas imágenes neutras y estáticas.

DAVID PARRISH

• La fotografía constituye casi siempre el punto de partida del hiperrealismo, lo que a veces le ha valido ser denominado fotorrealismo o superrealismo. Así David Parrish, por ejemplo, pintaba directamente sobre una diapositiva proyectada sobre un fondo.

Op Art

Corriente artística que surgió a finales de la década de 1950 cuya finalidad es producir la ilusión de vibración o relieve sobre la superficie plana del cuadro en virtud de las leyes de la óptica. Su principal diferencia con el arte cinético es la total ausencia de movimiento real. El término, que procede de la expresión inglesa Optical Art (‘arte óptico’), hace referencia en tono irónico al Pop Art. Entre sus iniciadores se encuentran Josef Albers, Victor Vasarely y ciertas obras incluidas dentro de la llamada abstracción geométrica.

COLORRITMO 66-A

• A finales de la década de 1950, el pintor y escultor venezolano Alejandro Otero ideó los llamados 'colorritmos'. En este ejemplo titulado Colorritmo 66-A, la sucesión de bandas verticales de color, realizadas con pistola sobre madera, dispuestas sobre un fondo blanco o negro provocan en el espectador la ilusión de movimiento.

VICTOR VASARELY

Entre las obras más representativas del Op Art están los cuadros que pintó Victor Vasarely durante las décadas de 1960 y 1970. En Vonal-Stri (1975) la mirada se precipita hacia el cuadrado negro situado en el centro del lienzo. La sensación de movimiento se incrementa por la ilusión de curvatura del plano de la izquierda.

OMAR RAYO

Pintor, caricaturista, grabador y dibujante colombiano inscrito al movimiento Op Art. En sus obras crea trazos y ángulos que forman grandes abismos. poseedor hoy día de una de las mejores colecciones de artistas latinoamericanos, y de lo mejor de su obra. A lo largo de su carrera ha realizado caricaturas, grabados y ha cultivado la abstracción geométrica pura.