xxv festival ibÉrico badajoz demÚsica del 21 al 31 de mayo · mamÉ khan, armonium y voz amin...

XXV FESTIVAL IBÉRICO

MÚSICADE

Badajozdel 21 al 31 de mayode 2008

LIBRETO PROGRAMA 08 XP 8/5/08 08:03 Página 1

Programación

SOCIEDAD FILARMÓNICA DE BADAJOZwww.sfi larmonicaba.net

Diseño cartel y programa

LUIS COSTILLO

Imprime

INDUGRAFIC, ARTES GRÁFICAS, S. L.

BADAJOZ, 2008


X X V F E ST IVAL I B É R I C O D E M Ú S I CA

Música y danzas tradicionalesde la India

RANGEELA 1001 MAMÉ KHAN, armonium y vozAMIN KHAN, khartalDARE KHAN, kamaychaMANJOOR KHAN, tablasMAITREYEE MAHATMA, baile

MIÉRCOLES, 21 DE MAYO - 21:00 HORASPALACIO DE CONGRESOS «MANUEL ROJAS» DE BADAJOZ -SALA AZUL


MAITREYEE MAHATMA



Las mil y una Noches con RangeelaVOCES Y DANZAS DE LA INDIA Y DEL RADJASTHAN

El grupo está liderado por el cantante Mamé KhanManghaniyar. Mamé proviene de una familia de cantan-tes que lleva quince generaciones sin cambiar de profe-sión. Cantaban para los Maharajaes y en todas las oca-siones oficiales, hoy en día siguen cantando también enlas celebraciones indias (el nacimiento de un niño,encuentros familiares, bodas tradicionales, el cambio deestación, canciones sufis de puro amor a Dios…), ensalas de música, festivales en la India o teatros. Hoy endía aunque residente en Radjasthan, casi a la fronteracon Pakistan, viene para hacer giras en Europa con sugrupo Rangueela. Conoce más de cien canciones sólodedicadas al nacimiento de un niño, que ha aprendidode su padre (ochenta y cuatro años y sigue cantando). Elpueblo indio no canta para ocasiones dolorosas, sólocelebran la alegría.

Mamé Khan se acompaña cantando de un organetto(tipo mini armonium) cuyo fuelle activa con una mano,mientras toca con la otra. Mamé Khan está acompaña-do de otros tres músicos y una bailarina.

Juntos interpretan canciones de los siglos XIII y XIV,poemas tradicionales indios (Molana Rumi, Mirabaisetc.). Cantan en rajasthani, punjabi. La actuacióntiene muchísimo colorido y ritmos totalmente novedosos.Tocan sentados en el suelo, por lo tanto necesitan tari-mas. Colocan grandes telas indias de mucho colorido

que, bajo las luces, dan un aspecto alegre y de granbelleza. Han actuado en Francia (en París, en julio de2007, dieron ocho bises después de un concierto), hanvenido por primera vez a España para las noches delMuseo Pedrilla de Cáceres en el mes de agosto de 2007ante una sala llena y 200 personas más de pie sin mover-se durante todo el concierto. Su segundo concierto fue enTenerife con igual éxito justo antes de acudir al Womex,donde habían sido seleccionados.

Han actuado entre otros, en los siguientes escena-rios: Theatre de la Ville de Paris, Queen Elisabeth Hallde Londres, Royal Albert Hall de Londres, ChicagoWorld Music Festival, World Music Festival en Lahore(Pakistán), Edinburgh World Music Festival (Escocia),Bélgica, Alemania, Emiratos Árabes…


Músicos manganiyar del RajasthanLas músicas de la India, tanto la Hindú como la

Musulmana tienen su origen en el concepto de “NadaBrama”, es decir en la creencia del universo creado apartir de la energía sonora. Según la teoría del NadaBrama, al principio sólo existió el sonido, por ello lasmúsicas hindúes y sufíes exploran los misterios de lanaturaleza y su interpretación es espiritual.

La música de la India fue transmitida en un primerlugar por las gharanas, escuelas en las que se enseñabamúsica, pintura e idioma sánscrito y, sobre todo, por elboca a boca y de padre a hijo. Mucha música ha des-aparecido en el agujero del tiempo. Pero en todo casolo que resalta es la alegría de esa música que sólo seinterpreta en ocasiones felices, tales como bodas, naci-mientos o celebraciones alegres. Los temas son el amor,la esperanza y la fe en Dios.

La danza es igualmente esencial en la tradición india.Es la unión del cuerpo y de la mente, la expresión delespíritu, siendo éste el objetivo final, la “superaciónespiritual” a través del arte.

Las danzas indias, la Bharata Natyam, el Odissi, seinterpretaban en los templos, y eran dedicadas a Dios.Todo en esas danzas cuenta. Se trata de un arte comple-to, donde no sólo el cuerpo, los pies, los brazos y lamanos se mueven, sino que también la cara y los ojos tie-nen expresividad.

Aparte de un intenso trabajo de brazos, hay que des-tacar la importancia del trabajo rítmico que realizan lospies descalzos al golpear el suelo. En el trabajo de pies seutilizan la planta, el talón y la media punta, y la finali-dad es lograr “claridad y precisión rítmica”.

Todo en la música y danza india, tiende a comunicarcon lo divino. Es un puente entre el cielo y la tierra.

Programa

Las mil y una Noches

PRIMERA PARTE

Allap KamaychaMorchang

DholukKhartal

SEGUNDA PARTE

Krishan BhajanJugalbandhi competition

LoleeThe maths of percussion

Tere IshqTalkacheri

Mast QalandarNimburaah



ARMONIUM - Mamé Khan. Un armonio es un instru-mento de teclado libre musical similar al órgano de tuboo al armonio. El sonido es producido por el aire, que enel caso del armonio usado en la música india es maneja-do con la mano.

El armonium fue introducido en la India por los bri-tánicos durante el periodo colonial.

KHARTAL - Amin Khan. El khartal es un instrumentoantiguo, se encontraba entre los favoritos de santos yvidentes, aún hoy en día podemos encontrar que es uti-lizado en templos y gharanas.

A pesar de ser utilizado tradicionalmente para lamúsica piadosa, con el tiempo se fue introduciendo en lamúsica folklórica.

KAMA YCHA - Dare Khan. El kamaycha es un instru-mento de cuerda usado por los músicos Manganiyar. Elkamaycha es conocido por su sonido profundo. Tienetres cuerdas que son las utilizadas para dar la melodía ydos cuerdas de bronce que son las que producen el zum-bido, además, tiene quince cuerdas hechas de acero.

El kamaycha se toca en vertical.

TABLAS - Manjoor Khan. Instrumento compuesto pordos tambores, uno está construido generalmente enmadera llamado tabla o dayan, considerado de caráctermasculino y tocado con la mano derecha; el otro estáconstruido con diversos metales y es llamado bayan odugi. De carácter femenino, es el de más grave afinacióny se toca con la mano izquierda. Es tocado con los dedosy palmas de ambas manos sentado en el suelo con laspiernas entrecruzadas.



BAILE - Maitreyee Mahatma. El baile de kathak es ori-ginario del norte de la India y significa “el que cuenta”,recibió influencias hindúes y mongoles. Tiene semejanzacon el flamenco.

Maitreyee es una de las más prestigiosas bailarinasde Kathak, ha realizado clases magistrales en numerosasembajadas europeas y es una de las más solicitadas eneste estilo.




PAGAGNINI

ARA MALIKIAN, violínPRODUCCIONES YLLANA

JUEVES, 22 DE MAYO - 21:00 HORASTEATRO LÓPEZ DE AYALA


ARA MALIKIAN, violín

PRODUCCIONES YLLANA



En esta ocasión Yllana y Ara Malikian se unen parapresentar PAGAGNINI, un espectáculo que reúne en unmismo plano el humor y la locura de Yllana y la música.A través el virtuosismo de cuatro grandes músicos, capi-taneados por el maestro Ara Malikian, PAGAGNINIrepasa algunos momentos cumbre de la música clásicafusionados con otros estilos musicales, consiguiendo undivertido y sorprendente Des-Concierto, con el que pre-tendemos reinventar la manera de concebir un recital,llegando al gran público que descubrirá en los pasajesmusicales una mirada diferente.

PRODUCCIONES YLLANA se forma en 1991.Desde entonces, su trabajo ha ido dirigido hacia elhumor sin palabras. Su idioma escapa del cuerpo conuna energía desenfrenada, un estilo directo que combi-na ingenio y riesgo. Callados pero siempre ruidosos,Yllana acelera el lenguaje de la onomatopeya creando unmundo surrealista y delirante donde todo puede ocurrir.

Su trabajo bebe de las mejores fuentes del humorcinematográfico y televisivo, de la ironía visual, delmimo y del cómic.

La universalidad del humor de Yllana les ha permiti-do presentar sus espectáculos por todo el mundo. Hanparticipado en Festivales de gran prestigio como elFringe Festival de Edimburgo, Festival Internacional deTeatro de Estambul (Turquía), Festival Juste Pour Rirede Montreal (Canadá), Festival de Eté de Quebec(Canadá), Festival de las Artes de Singapur, Festival deManizales (Colombia), Festival de Teatro Europeo deGrenoble (Francia), Festival de Mimos de Perigeux(Francia), y con su espectáculo 666 han hecho tempora-da en Madrid (tres años), Barcelona, Valencia, Bilbao,Paris, Londres, Buenos Aires y Roma.

Desde su formación YLLANA ha creado once mon-

tajes teatrales: ¡MUU!, GLUB GLUB, 666, HIPO,ROCK & CLOWN, SPINGO, SPLASH!, STAR TRIP,LOS MEJORES SKETCHES DE MONTY PYTHON(coproducción) OLIMPLAFF LA CANTANTE CALVA yBUU!

En julio de 1996 YLLANA comienza a gestionar elTeatro Alfil de Madrid, pasando a convertir este teatroen un centro de producción y coproducción de montajesteatrales y especializar la programación en teatro cómi-co en todas sus variantes. El éxito de esta nueva apuestales lleva a dirigir simultáneamente, durante dos tempo-radas, el Teatro Arlequín de Madrid.

Aparte de la actividad teatral PRODUCCIONESYLLANA ha creado numerosos sketches que se han emi-tido en diversos programas de televisión en varios paísesy spots publicitarios para televisión en España. Sussiguientes pasos en el audiovisual les ha llevado a reali-zar el cortometraje BROKERS, han creado diversosformatos televisivos y en la actualidad trabajan en lo queserá su primer largometraje.

Asimismo, desde 1995 YLLANA organiza el FestivalInternacional de Humor de Madrid con el apoyo de laConsejería de las Artes de la Comunidad de Madrid, yjunto al NIC ha puesto en marcha el IGI (InternacionalGag Institute), una escuela orientada a la formación deactores y escritores de comedia.

Ara MalikianAra Malikian es sin duda uno de los más brillantes

y expresivos violinistas de su generación. Poseedor deun estilo propio, forjado a partir de sus orígenes yricas vivencias musicales, su violín se alza como una delas voces más originales e innovadoras del panoramamusical.



Nacido en Líbano en el seno de una familia armenia,Ara Malikian se inició en el violín a muy temprana edadde la mano de su padre. Dio su primer concierto condoce años y a los quince recibió una beca del Gobiernoalemán (DAAD) para cursar estudios en la “Hochschulefür Musik und Theater Hannover”. Posteriormenteamplió sus estudios en la “Guildhall School of Music &Drama” de Londres, además de recibir lecciones dealgunos de los más prestigiosos profesores del mundocomo Franco Gulli, Ruggiero Ricci, Ivri Gitlis, HermanKrebbers o miembros del Alban Berg Quartett.

Una inagotable inquietud musical y humana han lle-vado a Ara Malikian a profundizar en sus propias raícesarmenias y asimilar la música de otras culturas delMedio Oriente (árabe y judía), Centro Europa (gitana ykletzmer), Argentina (tango) y España (flamenco), todoello dentro de un lenguaje muy personal en el que se danla mano la fuerza rítmica y emocional de estas músicascon el virtuosismo y la expresividad de la gran tradiciónclásica europea.

Su calidad y nivel como violinista ha sido reconocidaen numerosos concursos de prestigio mundial, entre losque cabe destacar los Premios obtenidos en losConcursos Internacionales “Felix Mendelssohn” (1987,Berlín, Alemania) y “Pablo Sarasate” (1995, Pamplona,España) “Niccolo Paganini” (Génova, Italia), “ZinoFrancescatti” (Marsella,

Francia), “Rodolfo Lipizer” (Gorizia Italia),“Juventudes Musicales” (Belgrado, Yugoslavia),“Rameau” (Le Mans, Francia), “International ArtistGuild” (Nueva York, USA), y en la “International MusicCompetition of Japan”. En 1993 recibió el “Premio a laDedicación y el Cumplimiento Artístico” del Ministeriode Cultura de Alemania.

Como solista ha sido invitado en más de cuarentapaíses: New York (Carnegie Hall), París (Salle Pleyel),Viena (Musikverein), Toronto (Ford Center), Madrid(Auditorio Nacional y Teatro Real), Zürich (Tonhalle),Londres (Barbican Center), Tokio, Estambul, Berlín,Atenas, Venecia, Los Ángeles, Taipei, Hong Kong, KualaLumpur, Cuba, Bogotá, Munich, Praga, Sevilla,Bangkok, Barcelona y Bilbao entre otros. Y ha colabo-rado en conciertos de violín y orquesta, bajo la batuta dedirectores de la talla de Mariss Janssons, Peter Maag,Jesús López Cobos, Miguel Ángel Gómez-Martínez, LuisAntonio García Navarro, Peter Schneider, VassiliSinaisky, Edmond de Stoutz, Gudni Emilson Juan JoséMena, Jo Ann Falletta, Pedro Halffter, AlejandroPosada, Cristóbal Halffter, o Salvator Brotons.

Ara Malikian es artista exclusivo de Warner Music,tiene una amplia discografía que incluye obras deAntonio Vivaldi “Cuatro Estaciones” –más de 80.000copias vendidas para UNICEF–, J. S. Bach “Sonatas ypartitas, Niccolo Paganini “24 Caprichos”, Eugeneysaÿe “6 sonatas”, Robert Schumann “3 sonatas”,Pablo Sarasate, Enrique Arbós, Astor Piazzola, músicaarmenia y música flamenca junto al guitarrista José LuisMontón. Recientemente ha iniciado un proyecto juntocon la Orquesta de Castilla y León para grabar y recu-perar conciertos para violín y orquesta de compositoresespañoles, el primer disco con obras de XavierMontsalvatje y Luis Cobos.



Música barrocaDomenico Scarlatti

FORMA ANTIQVAMARÍA ESPADA, sopranoDANIEL ZAPICO, tiorbaPABLO ZAPICO, archilaúdAARÓN ZAPICO, clave y dirección

VIERNES, 23 DE MAYO - 21:00 HORASSALÓN DE PLENOS - DIPUTACIÓN DE BADAJOZ


FORMA ANTIQVA

MARÍA ESPADA, soprano



Forma AntiqvaCentrado alrededor de los hermanos Aarón, Pablo y

Daniel Zapico, Forma Antiqva es un ensemble de músi-ca barroca de formación variable integrado por jóvenesintérpretes formados en prestigiosos conservatorioseuropeos y que atesoran una dilatada experiencia con-certística en diversos ensembles y orquestas barrocas.Dependiendo del programa, se confía en la participaciónde músicos de reconocido prestigio.

Tras su exitosa presentación en el Fringe del XVIIIFestival de Música Antigua de Barcelona, realizan unafulgurante carrera de conciertos en prestigiosos festiva-les y ciclos de toda España, logrando siempre el recono-cimiento unánime de público y crítica.

En septiembre de 2005 realizan su primera girainternacional: nueve conciertos en Bolivia (Santa Cruz,El Alto, Cochabamba y La Paz) y Brasil (Río deJaneiro). El éxito de esta serie de conciertos, propiciaque sean invitados al VI Festival Internacional deMúsica Barroca de Chiquitos.

En diciembre de 2005 participaron en formación deorquesta y coro en el II Ciclo de Música en las Iglesias deMadrid, organizado por el Ayuntamiento de esta ciudad,que emprende así la gran empresa de interpretar la inte-gral de las Cantatas de J. S. Bach.

Ya está a la venta su primer CD, titulado BIZA-RRO!!, con música italiana del seicento y que está aca-parando los elogios de la crítica.

Recientemente han finalizado la grabación, con elsello discográfico ARSIS, del que será su segundo disco:INSÓLITO ESTUPOR. Villancicos, saynetes, canta-das… y una batalla en la España y América Latina deprincipios del siglo XVIII, conforman el programa de esteproyecto, cuyo lanzamiento tuvo lugar en abril de 2007.

Entre sus actuaciones más recientes destaca su pre-sencia en la Quincena Musical de San Sebastián, sudebut en concierto en el Teatro Real de Madrid y unagira por Australia y Nueva Zelanda, todo ello durante elpasado año 2007.

María EspadaNace en Mérida (Badajoz). Estudia canto con

Mariana You Chi Yu y con Alfredo Kraus.Ha asistido a cursos con Charles Brett, Thomas

Quasthoff, Hilde Zadek, Helena Lazarska, MontserratCaballé, Manuel Cid, etc. Obtiene el PremioExtraordinario Fin de Carrera y Premio “LucreciaArana”, ambos otorgados por el Conservatorio Superiorde Madrid. Ha sido premiada en el Concursos interna-cionales de canto “Alfredo Kraus” y “Francisco Viñas”.Desde 1996, año en que comenzó su carrera como solis-ta, se presenta en salas como el Teatro Real de Madrid,Concertgebow de Amsterdam, Vredenburg de Utrecht,Santa Cecilia de Roma, Auditorio Nacional de Madrid,Funkhaus de Viena, Palau de la Música Catalana deBarcelona, L’Auditori de Barcelona, Teatro de laZarzuela de Madrid, Maestranza de Sevilla, Auditoriode Zaragoza, etc.

Ha cantado con directores como F. Brüggen, J.López Cobos, A. Ros Marbá, J. Casas, A. Zedda, E.López Banzo, E. Martínez Izquierdo, J. Pons, G. Mega,A. Rahbari, S. Mas, etc

Sus intervenciones en el ámbito de la música decámara le han llevado a interpretar obras desde elbarroco hasta el siglo XX, tanto en recitales con pianocomo con pequeñas formaciones camerísticas. Entre susgrabaciones discográficas destacan las realizadas recien-temente para el sello Harmonia Mundi.



Aarón Zapico, clave y direcciónNace en Langreo, Asturias, en 1978. Titulado

Superior de Piano con excelentes calificaciones en el C.S. M. de Oviedo. Estudia clave y música de cámarabarroca en el C.S.M. de Salamanca y en el RealConservatorio de La Haya (Holanda) bajo la direcciónde Jacques Ogg, becado por diferentes instituciones.Finaliza su diploma superior en este centro con la felici-tación unánime del tribunal y una invitación a realizarun Máster. Ha recibido clases de importantes profeso-res, como P. Hantaï, T. Koopman, W. Hazelzet, E.Moreno, I. Wjuniski o Y. Rechsteiner.

En 1999 funda el ensemble barroco Forma Antiqva,declarado por la prensa especializada como “un ensem-ble de referencia y una de las grandes sorpresas en lainterpretación de la música antigua en España por sufrescura, pasión y rigor interpretativo”. Dirigiendo aesta formación desde el clave, actúa en los festivales yciclos más importantes de España, y recientemente hagrabado el disco titulado BIZARRO!! que está obtenien-do las mejores críticas de la prensa especializada (p. e. 4estrellas en Goldberg). Próximamente verá la luz susegundo trabajo discográfico, en Arsis, tituladoINSÓLITO ESTUPOR y con música española del s.XVIII.

Es integrante del dúo de claves Il Saltarello, seleccio-nado en el XXVIII Fringe del Festival de Música Antiguade Barcelona y con quien actúa en los Festivales deGijón, Albacete o Vilafamés.

Además de sus conciertos a solo, colabora como solis-ta o continuista en diferentes orquestas sinfónicas,barrocas y grupos de cámara. Junto a Lluís Coll (corne-ta) y el ensemble La Caravaggia resulta vencedor en lasmodalidades de Solo y Ensemble, del Concours

International de Cuivres Anciens en Toulouse, Francia.Ha grabado para Arsis, Radio Nacional de España,Catalunya Música, France Musique y TelevisiónEspañola. Es requerido como profesor colaborador porlos cursos de música antigua de más prestigio (Aracena,Gijón, Universidad de Salamanca, Universidad deExtremadura o Daroca), donde trabaja con músicoscomo J. Feldman, M. Chance, C. Miatello, J. A. Carril,José Hernández Pastor o L. Climent. Durante tres añosha sido profesor de Interpretación Histórica de laMúsica Antigua en el C.S.M. de Oviedo. Actualmente esprofesor de clave en el C.P.M. de Murcia y de continuoen el C.S.M. de la misma ciudad. Es director artísticodel Festival de Música Antigua “Eloy Zapico” deLangreo, Asturias, en memoria de su padre.



Programa

GOTTLIEB MUFFAT (1690 - 1770)Ciacona (Aria y 38 variaciones)

DOMENICO SCARLATTI (1685 - 1757)Tu mi chiedi o mio ben

Recitativo - Adagio - Recitativo - Allegro

DOMENICO SCARLATTISonata K1, trascripción para guitarra

DOMENICO SCARLATTINo, non fuggiere o Nice

Recitativo - Andante Cantabile - Recitativo - Allegro

GEORG FRIDERIC HÄNDEL (1685 - 1759)Passacaille

DOMENICO SCARLATTIDi fille vendicarmi vorrei

Andante Commodo - Recitativo - Aria

GEORG FRIDERIC HÄNDELSarabande

DOMENICO SCARLATTIFille, già più non parlo

Recitativo - Cantabile - Recitativo Allegro



Notas al programa

Vivi Felice“The most original and wonderful performer…as well as composer…”

CHARLES BURNEY

En el año 2007 se celebraron numerosos conciertosen homenaje a la figura del compositor DomenicoScarlatti, ocasionados por el 250 aniversario de su falle-cimiento en Madrid en 1757. Este programa que aquípresentamos, primero en nuestra breve historia enhonor de un determinado compositor, pretende humil-demente recordar su aportación a la música occidental através de algunas de sus obras menos conocidas e inter-pretadas: las cantatas à voce sola di soprano con bajocontinuo.

Hoy en día, Domenico Scarlatti es conocido princi-palmente por su ingente y majestuosa colección de sona-tas para tecla. Así, pervive (y pervivirá) en nuestros con-servatorios y salas de conciertos in secula seculorum.Pero no hay que olvidar, y para ello hemos diseñado esteprograma, que la cantata de cámara fue un género queeste compositor, virtuoso del órgano y del clave, cultivócon gran éxito, siguiendo la estela de excelencia en estecampo que le legó su padre, Alessandro. En cierto senti-do, puede parecer complicado establecer un paralelismoentre el estilo tan vívido, personal y pleno de recursosdramáticos empleado en las sonatas para clave y las can-tatas para voz sola. Nada más lejos de la realidad, dadala naturaleza de los textos italianos del siglo XVIII, consu devoción a los tormentos del amor no correspondidoy los pérfidos amantes. El desasosiego más virtuoso(Fille, già più non parlo), el sacrificio de la propia felici-dad en el altar del amor no correspondido (No, non fug-

gire o Nice), la oración en forma de cromatismo (Di fillevendicarmi vorrei) y los dardos afilados de Cupido (Tumi chiedi o mio ben), son los principales ingredientes deeste festín scarlattiano, condimentado ligeramente porbreves interludios instrumentales a modo de descansopara el alma del oyente. No es casualidad que la únicarepresentación de Scarlatti en la música instrumentalsea una trascripción para guitarra de la Sonata paraclave K1 (a cargo del propio intérprete, Enrike Solinís).Tampoco es caprichosa la presencia de la Sarabande yel Passacaille (pertenecientes a la VII Suite, 1720) de suadversario en Roma y posterior amigo Georg FridericHändel. Ni la gran Ciacona para clave sólo del composi-tor austriaco Gottlieb Muffat que abre el concierto y queestá publicada en la colección Componimenti Musicaliper il Cembalo (1739) y que Händel copió sin compasiónpara su Theodora, la Oda para el día de Santa Ceciliao alguno de sus conciertos de órgano. Como hemos escri-to algunos párrafos más arriba, éste no pretende ser unconcierto - homenaje típico y tópico. Sino un recordato-rio fiel de la figura irrepetible de Domenico Scarlatti através de alguna de su producción menos conocida y desu círculo más íntimo.

Permítanme que me despida tal y como hiciera en elprefacio de sus Essercizi per clavicémbalo: Vivi Felice.

AARÓN ZAPICO



Andakibebé

COMPANHIA DE MÚSICA TEATRALPAULO MARÍA RODRÍGUESdirector artísticoHELENA RODRÍGUESdirectoraJORGE LEALISABEL GONÇALVESANA PAULA ALMEIDACARLOS GOMES

SÁBADO, 24 DE MAYO - 12: 45 HORASTEATRO LÓPEZ DE AYALA


Companhia de Música Teatral

Os membros-fundadores da Companhia de MúsicaTeatral (CMT) constituíram-se como cooperativa comfins recreativos e culturais em 1999. A Companhia deMúsica Teatral dedica-se à criação de espectáculos cujanatureza estética se enquadra dentro da designação de“música cénica” e do “teatro - musical”. Estabelecendopontes de ligação entre várias linguagens, a CMT visadinamizar a produção de iniciativas de carácter inter-disciplinar, e privilegia a Música como ponto de partidapara a interacção entre várias técnicas e possibilidadesde comunicação artística. Desde a sua fundação, a CMTtem criado e apresentado espectáculos em Portugal eEspanha. As criações da CMT incluem os espectáculosAs Cidades e a Serra, Uma Prenda para Eugénio deAndrade (em co-produção com o Coro de Câmara deLisboa) O Gato das Notas, BebéBabá, Andakibébé, Nós

COMPANHIADE MÚSICA TEATRAL



e Vozes e as instalações interactivas BébéCúcú, Tribunalda Ralação (em co-produção com a Artshare). O pro-jecto mais recente é MNF/ Morte e Nascimento de UmaFlor que apresenta três formas diferentes de contar umahistória: um livro (publicado pela Editora O Bichinho deConto), um CD e o espectáculo MNF.

No âmbito da música com bébés, a CMT tem desen-volvido um trabalho pioneiro de articulação entre ainvestigação académica, a produção artística, o envolvi-mento da comunidade e a divulgação para o público deideias recentes sobre a importância da experiência musi-cal nas idades mais precoces. BebéBabá, um projectoapresentado no Teatro Viriato em 2001, direccionadopara Pais com bebés até aos dois anos de idade, iniciouum percurso de criação que alia a vertente educativa e apesquisa no âmbito do desenvolvimento musical infantila uma vertente artística e de performance.

Na sequência desse trabalho surgiu Andakibebé -CD-livro-guia para os Pais publicado pela editora Campodas Letras e que deu origem ao espectáculo com o mesmonome. A CMT tem promovido a difusão das obras apre-sentadas a público através da edição em vários suportes,com fins educativos e de divulgação (O Gato das Notasestá editado em vídeo, BebéBabá em vídeo/livro emPortugal e nos EUA, Andakibebé - em CD/livro.

Paulo María Rodrigues, director artísticoTem engravidado e ajudado ao parto de muitos e

variados projectos, entre os quais o da Companhia deMúsica Teatral. Durante bastante tempo, repartiu osseus interesses profissionais entre a Ciência, o Canto e aComposição. Foi membro do Coro de Câmara deLisboa, do Coro Gulbenkian e premiado no Concurso de

Jovens Compositores da Juventude Musical Portuguesa.Após ter realizado a licenciatura e o mestrado noInstituto Superior de Agronomia, e ter concluído oDoutoramento em Bioquímica e Genética naUniversidade de East Anglia, optou por se dedicar atempo inteiro à Música. Obteve então o diploma doCurso de Pós-Graduação em Ópera na Royal Academyof Musíc onde estudou com uma bolsa desta instituição.Tem-se apresentado em Portugal e Inglaterra emrecitais, concertos e óperas. Ainda em Londres, retomoucom mais intensidade a sua actividade como compositor,seguindo orientações do compositor Rolf Gehlhaar.Nesta cidade realizou serviço cívico como objector deconsciência, trabalhando com crianças imigrantes e demeios sociais desfavorecidos, de que resultaria a criaçãoe apresentação de Spidaranha. Entre outros trabalhoscom e para crianças é de destacar O Gigante Adamastor.De outras composições originais já apresentadaspublicamente contam-se O Gato das Notas (teatro-musical), e as obras musicais que integram os projectosde música cénica Uma Prenda para Eugénio deAndrade e As Cidades e a Serra. Criou e dirigiumusicalmente Bebé Babá e Andakibebé.

É professor-auxiliar da Universidade de Aveiro,onde criou e dirige o projecto transdisciplinarBach2Cage. Colabora como consultor musical noprojecto de investigação “Desenvolvimento Musical naPrimeira Infância”. É o director artístico da Companhiade Música Teatral.



Música en la calle /Música na rúa

SÁBADO, 24 DE MAYODE 12 A 15 HORAS - DIVERSOS PUNTOS DEL CENTRODE LA CIUDAD

ENSEMBLE DE SAXOFONESDEL CONSERVATORIO DE BADAJOZCECILIA GARCÍA, profesoraAVENIDA DE HUELVAA PARTIR DE LAS 12,00 HORAS

BANDA FILARMÓNICA DE BORBAJOSÉ FRANCISCO POMBEIRO, directorKIOSCO DE SAN FRANCISCOA PARTIR DE LAS 12,30 HORAS

ORQUESTA DEL CONSERVATORIODE MÉRIDAALFONSO RAMOS, profesorCALLE FELIPE CHECA (JUNTO CORTE INGLÉS)A PARTIR DE LAS 13,00 HORAS

CONJUNTO VOCAL - INSTRUMENTALLOLA NAVARRO, profesoraSOPORTALES JUAN CARLOS I (JUNTO A ESCALERAS)A PARTIR DE LAS 13,00 HORAS

ENSEMBLE DE SAXOFONESDEL CONSERVATORIO DE CÁCERESDAVID ALONSO y LORENZO ALCÁNTARA, profesoresSOPORTALES BBVA/PLAZA SAN ATÓNA PARTIR DE LAS 13,15 HORAS

CONJUNTO DE CUERDADE LA ACADEMIA DE MÚSICA DE ELVASDAVID MONTES, profesorSALA DE EXPOSICIONES DE LA DIPUTACIÓNA PARTIR DE LAS 13,15 HORAS

Música por un tuboAULA DE LENGUAJE MUSICALDE LAS ESCUELAS MUNICIPALESDE MÚSICA DE BADAJOZMARÍA QUINTANILLA, profesoraPLAZA DE ESPAÑA (JUNTO A LA CATEDRAL)A PARTIR DE LAS 14,00 HORAS


Banda Filarmónica de BorbaO Centro Cultural de Borba foi fundado a 1 de Julho

de 1978, tendo como objectivos promover e incentivar, portodos os meios ao seu alcance, actividades culturais, sociaise desportivas, no sentido de possibilitar a todos os interes-sados experiências culturais e comunitárias que contri-buam para a melhoria das condições de vida, criar novoshábitos que permitam uma compreensão e integração narealidade portuguesa.

Em 1 de dezembro de 1981 foi reestruturada a BandaFilarmónica com alguns elementos da Banda 1.º Dezem-bro, fundada em 1950 e que findou em 1957, sob a regên-cia do Maestro Fonte Santa, por falta de meios de subsis-tência.

Foi a partir de 1997, com o entusiasmo de um dosmúsicos da Filarmónica ter assumido a posição de regente,e com o empenho e dedicação de todos: músicos - maestro- direcção, que a Banda do Centro Cultural de Borba setornou hoje um símbolo da cultura musical no nosso País.

É de salientar na actual Banda Filarmónica, a suaEscola de Música onde já passaram ao longo destes últimosanos, algumas centenas de jovens da vila de Borba.

Actualmente a Escola de Música está a funcionar empleno, o que tem permitido aumentar o número de músicosinstrumentistas da Banda, a qual é composta por 55 ele-mentos, sendo 90 % jovens com idades compreendidasentre os 8 e os 34 anos de idade, incluindo o seu actualmaestro, José Francisco Pombeiro Andrade, professor daEscola de Música.

Ao longo destes anos participou em vários festivais,conjuntamente com algumas Bandas de grande prestígiomusical, percorreu também várias cidades, vilas e aldeiasde Portugal, fazendo muitas actuações e levando a conhe-cer o nome da vila de Borba.

Em 2003 gravou o CD “Lembranças”, resultado doentusiasmo e da dedicação dos seus músicos e apoiantes.Foi, por outro lado, o reconhecimento do esforço de quemdá e recebe formação. Foi, ainda, uma prenda a todosaqueles que têm prazer em ouvir boa música!

Em 2005 participou em directo no programa televisivoSIC - 10 HORAS.

Em 2007 participou no programa televisivo “PORTU-GAL À VISTA” da RTPN.



José Francisco Pombeiro, maestroJosé Francisco Pombeiro Andrade é natural de Borba,

onde nasceu em 12 de abril de 1971. Iniciou os estudosmusicais aos 10 anos de idade na Banda Filarmónica doCentro Cultural de Borba como executante deBombardino, mostrando logo as suas aptidões pela músicacomeçou a colaborar com algumas bandas da região. Aos19 anos ingressou voluntariamente no exército comomúsico militar na Banda da Região Militar Sul,frequentando o Curso de Cabo Músico. Após a suaretirada das fileiras militares tomou posse na Escola deMúsica da Banda onde iniciou os seus estudos musicais e naqual tem desenvolvido uma intensa actividade em prol daMúsica e da Cultura.

Em 1994 frequentou o “XXIII Curso de Aperfeiçoa-mento de Regentes de Bandas de Música” do Inatel e o“Curso de Regentes de Coros Vocais”. Em 2002 frequentouo “Curso Breve de Música Romântica”, organizado pelaFundação Calouste Gulbenkian, regido pelo Dr. FilipeMesquita de Oliveira. Em 2003 gravou o CD“Lembranças” com a actual Banda do Centro Cultural deBorba. Em 2004 frequentou o “Curso Regional deRegentes de Bandas Filarmónicas” do Inatel. Em 2005actuou em directo no programa televisivo SIC - 10HORAS.

Actualmente é professor de música do 1.º Ciclo noAgrupamento de Escolas de Borba, na Escola de Música doC.C.B., maestro da Banda Filarmónica do Centro Culturalde Borba e colaborador em diversas Bandas.

Programa

Jardim da GraçaMarcha de Concerto

Álvaro Reis

Cartoon SymphonyMedley

arr. Larry Clark

Se os teus olhos falassemFado Canção

arr. Afonso Alves

SupertrampSelecção Pop Classic

arr. André Waignein



ORQUESTA DE EXTREMADURA

C. M. PRIETO, director invitadoASIER POLO, violonchelo

PALACIO DE CONGRESOS «MANUEL ROJAS»SÁBADO, 24 DE MAYO - 21:00 HORAS


C. M. PRIETO, director invitado ORQUESTA DE EXTREMADURA

ASIER POLO, violonchelo



Programa

EDUARDO SOUTULLOAll the echoes listen

R. SCHUMANNConcierto para violonchelo y orquesta

L. v. BEETHOVENSinfonía n.º 3

Concierto de abono.Información detallada en el programa de mano de la OEX



Recital de piano

ALBERTO ROSADO, piano

LUNES, 26 DE MAYO - 21:00 HORASTEATRO LÓPEZ DE AYALA


ALBERTO ROSADO



Alberto Rosado

“Lo de Alberto Rosado es un fenómeno que pide a gritosel reconocimiento universal. Hay muy pocos como éldotados para el repertorio de hoy”

Luis SUÑÉN. El País

“Alberto Rosado es un fantástico pianista. Conservasiempre, incluso en los pasajes más difíciles, el mando delfraseo y el gusto por definir minuciosamente el perfil decada gesto”

Álvaro GUIVERT. La Razón

“En las interpretaciones del pianista Alberto Rosadoencontramos rigor y sensibilidad en cantidades que no seencuentran fácilmente y, menos aún, sumadas en unmismo artista.

José Luis GARCÍA DEL BUSTO.“El Cultural” de ABC

Con estas palabras acoge la crítica a Alberto Rosado(Salamanca, 1970), uno de los intérpretes de músicacontemporánea más relevantes del panorama actual,hecho que avalan sus conciertos en España, EstadosUnidos, Hungría, Suiza, Chile, México, Portugal, Italia,Alemania, Austria, Holanda, Inglaterra, Francia,Bélgica, Irlanda y Japón. Ha actuado como solista conlos directores Josep Pons, Rafael Frübeck de Burgos,Pedro Halffter, Arturo Tamayo, Alejandro Posadas,José Luis Temes, Philip Greenberg, Dorel Murgu ySantiago Serrate y se ha formado como pianista y músi-co de cámara con Josep Colom, Peter Nagy, FerencRados, Jan Wijn, Luca Chiantote, Juan José PérezTorrecillas y Jacobo Ponce.

Forma parte del Plural Ensemble y colabora con elProyecto Guerrero con los que se ha presentado en los

Festivales “Aspekte” de Salzburgo, “Presences” deParís, “Ars Musica” de Bruselas, “A Tempo” deCaracas, “Musica” de Estrasburgo, “QuincenaDonostiarra”, “Música Contemporánea” de Alicante yen ciudades como Nueva York, París, Londres, Berlín,Venecia, Lisboa, Utrecht, Bremen, Lyon y Roma, bajola dirección de Fabián Panisello, José Ramón Encinar,Josep Pons, Zsolt Nagy, Jean Paul Dessy, Peter Rundely Mark Foster. Ha estrenado numerosas obras de com-positores españoles y europeos con los que ha trabajadoen estrecha colaboración.

Su CD con obras de Ligeti, Messiaen, Takemitsu yCage, para el sello discográfico Verso, ha tenido unaexcelente acogida por parte de la crítica europea. Con elmismo sello acaba de grabar la obra completa parapiano de Cristóbal Halffter y la de José Manuel LópezLópez (en DVD con imágenes de Broto). También hagrabado tres monográficos, con Plural Ensemble, deDavid del Puerto (Col Legno), Fabián Panisello (ColLegno) y César Camarero (Verso) y un disco con laOrquesta de Castilla y León para el sello NAXOS.Además tiene numerosas grabaciones con RTVE, RNE.y la mayoría de las emisoras de radio europeas.

Compagina su actividad concertística con la docente,ocupando la Cátedra de Música de Cámara delConservatorio Superior de Música de Salamanca, dondeademás imparte piano contemporáneo y dirige el Tallerde Música Contemporánea. Durante los años 2003 y2004 ha sido profesor invitado de la UniversidadCatólica de Santiago de Chile.



Programa

PRIMERA PARTE

W. A. MOZART (1756-1791)Variaciones en Sol Mayor KV 455 (1784)

L. v. BEETHOVEN (1770-1827)Sonata op.31 nº3 en Mib Mayor (1802)

AllegroScherzo. Allegretto vivace

Menuetto. Moderato e GraciosoPresto con fuoco

SEGUNDA PARTE

OLIVIER MESSIAEN (1908 - 1992)Vingt regards sur l’Enfant Jesús (1944)

(Selección)II Regard de l’etoile

IV Regard de la ViergeVIII Regard des hauteurs

VII Regard de la CroixXI PremièreCommunion de la Vierge

XIII NöelXVI Regard des Prophètes, des Berges et des Mages



Recital de violín y piano

XUAN DU, violínLUCJAN LUC, piano

MARTES, 27 DE MAYO - 21: 00 HORASTEATRO LÓPEZ DE AYALA


LUCJAN LUC, piano

XUAN DU, violín



Xuan Du, violínXuan Du nació en una familia de músicos el 15 de

noviembre de 1976 en Nanjing (China). Comenzó a estu-diar violín en 1987. Dieciocho meses más tarde participóy quedó finalista en el Concurso “Junior ViolínCompetition of Jiang Su”, lo que le permitió ofrecer suprimera actuación en público.

Desde 1989 a 1996 Xuan estudió en el “NanjingInstituto of Arts”. Durante estos años actuó frecuente-mente en recitales y programas de radio. En 1993, des-pués de seis años de estudio, fue finalista en el “5.º con-curso de jóvenes violinistas de China” en Shangai. Aquelmismo año, y tras una audición, el profesor YfrahNeaman le propuso estudiar en la Guildhall School deLondres.

En 1996 Xuan Du obtuvo una plaza en el prestigiosoConservatorio Central de Pekín, donde estudió con elprofesor Yaoji Lin, formó parte de la Joven Orquesta deChina y formó un cuarteto con el que realizó numerosasactuaciones en las ciudades más importantes de su país.

En 1998, Xuan Du y su cuarteto fueron invitados porla Fundación Oriente y la Universidad de Évora paratrabajar como grupo de cámara y dar conciertos enPortugal. Un año más tarde, en 1999, Xuan Du obtuvola plaza de asistente de concertino en la OrquestaMetropolitana de Lisboa, comenzó a dar clases en laAcademia Nacional Superior de Orquesta y dio numero-sos recitales como solista en Lisboa y otras ciudades por-tuguesas.

Entre 1999 y 2005 tuvo la oportunidad de aceptar lainvitación del profesor Yfrah Neaman para perfeccionarsus estudios de violín en Londres. En su carta de reco-mendación escribe el profesor: “Xuan tiene una técnicabrillante, profunda musicalidad y comunicación de sen-

timientos”. En esos años Xuan también actuó en Suizapara Tibor Varga.

Desde julio de 2006 Xuan Dú trabaja como concerti-no de la Orquesta Sinfónica de Lisboa. Ha sido invitadocomo concertino por importantes orquestas españolas,entre ellas, la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla y laOrquesta de Extremadura.

Lucjan Luc, pianoNace en 1967 en Jaroslaw (Polonia), donde comien-

za sus estudios musicales. Posteriormente estudia pianocon el profesor Andrzej Jasinski y en 1991 acaba susestudios en la Academia Superior de Música “KarolSzymanowski” de Katowice, recibiendo el Diploma depiano con Premio de Honor, en la clase del compositor ypianista Eugeniusz Kanapik.

En 1990 obtiene el Primer Premio para jóvenes pia-nistas en el Festival de Piano de Slupsk (Polonia).

En su experiencia como pianista solista y miembro deagrupaciones de cámara destacan colaboraciones conorquestas como la Filarmónica de Katowice, OrquestaClásica de Oporto y la Orquesta Metropolitana deLisboa, en la que, además de las actuaciones como solis-ta, trabajó como pianista de cámara desde 1992 a 1996,ofreciendo más de doscientos recitales.Fue asistente del Maestro Ivo Cruz en el FestivalInternacional de Música de Macao (China) y ha partici-pado en varias ocasiones en los Encuentros de MúsicaContemporánea con la Orquesta de la FundaciónCalouste Gulbenkian. En 1998 fue invitado por el vio-lonchelista Jian Wang para una actuación en el Palau dela Música de Valencia.

Ha colaborado en calidad de Director Asistente conel Teatro de la Ópera de Bytom (Polonia). Asimismo ha



desarrollado una amplia actividad como pianista acom-pañante en Portugal, en el Teatro São Carlos, en laEscuela Superior de Música de Lisboa y en laUniversidad de Évora, entre otros.

En cuanto a su actividad musical en España, cabedestacar su colaboración con la Orquesta deExtremadura y el Coro de la Universidad deExtremadura, conciertos para la Sociedad Filarmónicade Badajoz y giras con diversos solistas porExtremadura y Andalucía. En el marco del FestivalIbérico de Música destacan sus actuaciones en las edi-ciones 2001 con el Cuarteto Atlas, en 2004 con la sopra-no portuguesa Manuela Moniz y en 2007 con CarmenSolís.

Desde hace unos años forma dúo con el saxofonista,profesor del Conservatorio de Cáceres, David Alonso,con el que ha ofrecido recitales en diversas salas deEspaña; muy recientemente, el 4 de abril de 2008, hanactuado en el Palau de la Música de Valencia. Con DavidAlonso y Manuela Moniz presentó un programa mono-gráfico dedicado a composiciones de Juan Pérez Ribesen el Festival Ibérico de Música 2005.

Actualmente es pianista acompañante del Conser-vatorio Superior de Música de Badajoz.



Programa

PRIMERA PARTE

E. BLOCH (1880 - 1959)Baal Shem

(Three Pictures of Chassidic Life)Vidui (Contrition)

Ningun (Improvisation)Simchas Torah (Rejoincing)

M. RAVEL (1875 - 1937)Sonata póstuma

K. SZYMANOWSKI (1882 - 1937)Mitos.Tres poemas para violín y piano. Op. 30

Fuente de AretusaNarciso

Driades y Pan

SEGUNDA PARTE

I. STRAVINSKY (1882 - 1971)Suite italiana (selección)

IntroduzioneSerenata

Minuetto e Finale

R. STRAUSS (1864 - 1949)Sonata en Mi bemol mayor, op. 18

Allegro ma non troppoAndante Cantabile

Finale



Notas al programaEl violín ocupaba un lugar muy particular en la vida

y creación artística de ERNEST BLOCH (1880-1959).Con diecisiete años llegó a estudiar con el ilustre violi-nista belga Eugène Ysaÿe. Pero lo que cambió el rumbode su vida fue el entusiasmo y apoyo del destacado críti-co Romain Rolland, quien viajó expresamente aGinebra (Suiza) para persuadir al joven Bloch (queentonces trabajaba en la tienda de relojería de su padre)para dedicarse exclusivamente a la composición.

Nada mejor que las palabras del propio Bloch paradescribir el contenido de sus obras para violín:“…Compleja, resplandeciente y agitada alma que sientovibrando a través de la Biblia… La frescura e inocenciade los Patriarcas, la violencia de los libros proféticos, elamor de los judíos a la justicia, la desesperación delEclesiastés, el sufrimiento y la inmensidad del Libro deJob, la sensualidad del Cantar de los Cantares…, todolo escucho en mí y quieron trasladarlo a mi música”.

Bal Shem (1923), subtitulado “En memoria de mimadre” aunque dedicado a su amigo, el violinista suizoAndré Ribaupierre, se refiere al fundador del“Chaidismo”, Rabí Israel Ben Eliécer quien, como sucontemporáneo J. S. Bach, entendía la música como ser-vicio a Dios.

Vidui es una oración judía, recitada en el lecho demuerte, con un texto tradicional en el que Dios repre-senta el perdón y la salvación, y nos asegura la vida eter-na en el jardín del Edén. Vidui constituye también laparte central de las oraciones del Jom Kippur, el día mássagrado del calendario judío.

Ningun significa “la melodía”. De acuerdo con laCábala, místicismo judío, el alma puede elevarse hastallegar a un estado transcendental, alcanzando así las

esferas ocultas del conocimiento. La música, especial-mente en las canciones para el Sabbath, ha tenido siem-pre un lugar preferente en los ritos religiosos delChaidismo.

Simchat Torah es la celebración del final de Sukkot,la semana judía de fiestas y acción de gracias. Las pro-cesiones alrededor de las sinagogas rebosan alegría mez-clándose con danzas y cantos. Se recitan los últimos ver-sículos del Deuteronomio seguidos de los primeros delGénesis, marcando de este modo el ciclo perpetuo deestudio y lectura de la Toráh.

MAURICE RAVEL (1875-1937) compuso su primerasonata para violín y piano en 1879, con apenas veintisie-te años. Ese mismo año se estrenó en en el Conservatoriode París con Georges Enesco al violín y el compositor alpiano. Desde entonces, por alguna razón desconocida,permaneció oculta o extrañamente olvidada hasta sureestreno en 1975 en New York, con motivo de la cele-bración del nacimiento del compositor.

Aunque a la sombra de la célebre Sonata para violíny piano n.º 2, estrenada también por Enesco y Ravel, laobra contiene ya los principales rasgos de la estética yrigor compositivo que caracteriza toda la obra de Ravel.Formada por un solo movimiento, de estructura muyclásica -exposición, desarrollo y reexposición-, al estilode la época, contiene influencias del lirismo de G. Fauré,maestro de Ravel, con rasgos del lenguaje armónico deCésar Franck.

El tema principal de la sonata ha sido comparadomuchas veces con el inicio del Trío op. 52. Y si, en efec-to, el “color vasco” (según el propio compositor) puedeaplicarse al comienzo de la sonata, la obra en su con-junto tiene su propia personalidad, un ejemplo más de



que Ravel nunca abordaba un problema dos veces delmismo modo.

A. Rubinstein y P. Kochinski fueron especialmentedeterminantes en la presentación y proyección mundialde la obra de KAROL SZYMANOWSKI (1882-1937)pues a lo largo de toda su vida interpretaron las obrasdel compositor polaco en las salas de conciertos másimportantes.

En la formación artística de Szymanowski influye-ron diversos factores: la educación recibida en un entor-no familiar interesado por la pintura, la poesía y la músi-ca; los numerosos viajes y largas estancias en Viena,Berlín, Roma, París, Londres, EE.UU. y, de maneraespecial, Sicilia y el Norte de África, que fueron fuentesde inspiración de sus obras; el estudio de las obras de M.Reger, R. Strauss y R. Wagner marcó su primera etapapostromántica como es evidente la influencia de F.Chopin, A. Scriabin, C. Debussy y M. Ravel en susegundo período creativo, impresionista. La música fol-clórica de la región de las montañas Tatra marca su ter-cera etapa nacionalista. En su compleja personalidadartística confluyen influencias culturales muy diversasprocedentes del estudio de la literatura clásica griega, dela historia del cristianismo primitivo, de la cultura delIslam y de los poetas místicos persas del siglo XIII.

Mitos, op. 30 (1915-1916), junto con su primer con-cierto para violín op. 35, la tercera sinfonía (“El cantode la noche”), op. 27, Metopes op. 29 y Masques op. 34,son el espléndido ejemplo de la extraordinaria riqueza yoriginalidad sonora alcanza en el segundo período crea-tivo, tal vez el más suyo, cercano y adecuado a la dialéc-tica y al contenido emocional. Con la estrecha colabora-ción del violinista P. Kochanski, Szymanowsky consi-guió un auténtico despliegue de efectos especiales, nece-

sarios para la evocación de la atmósfera exótica deMitos: armónicos, trinos con dobles cuerdas, cuartos detono, pizzicatto en la mano izquierda, glissandos, tre-molandos, sul ponticello, col legno, etc., sirven parapotenciar un fuerte sabor exótico y etéreo, una exquisi-ta sensualidad que parece venir de otro mundo.

La Fontaine d’Aréthuse retrata la persecución deArethusa por el Dios del río Alpheus, que concluye conel hechizo y transformación de la ninfa en una fuente.Narcisse se apasiona por su propia imagen reflejada enel agua hasta convertirse en una flor. Dryades y Pan esuna pantomima, una pequeña escena dramática, con lasDryades perseguidas por el dios Pan.

En 1932 IGOR STRAVINSKY (1882-1971), entoncesya con cuarenta años, se había visto embarcado en todauna nueva carrera como pianista y director de orquesta.Conocido en todo el mundo y afamado por el escándaloque años atrás había provocado el estreno de laConsagración de la Primavera, Stravinsky se encontra-ba con constantes dificultades económicas y materialesresultantes de las condiciones de vida en un mundosituado entre las dos guerras mundiales.

Gran parte de las obras compuestas durante aque-lla época, período central de su trayectoria conocidocomo “neoclásico”, habían sido concebidas para su usoinmediato y personal, y muchas de ellas fueron subvalo-radas. También Stravinsky (como les había ocurrido aBloch, Ravel y Szymanowsky), contó con la colabora-ción de un intérprete virtuoso: el violinista SamuelDushkin. Afamado en Estados Unidos y Europa, y espe-cialmente interesado en la música contemporánea, sucolaboración fue importante en el Concierto para violín,el Dúo Concertante y en numerosos arreglos de frag-



mentos de otras de sus obras como Danse russe, Lechant de Rossignol y Marche chinoise. En esta mismalínea, seis de los movimientos de su ballet Pulcinella(1913) pasaron a formar parte de la Suite italienne paraviolín y piano.

Su extraordinario temperamento y vigor mezcladoscon humor, imaginación y cierta dosis de ironía, formanuna curiosa y fascinante fusión de elementos barrocos yde estética pergolesiana, en la que resaltan al mismotiempo la extraordinaria facilidad creativa deStravinsky y las numerosas dificultades con que seencuentra el intérprete de la obra.

El violín y RICHARD STRAUSS (1864 - 1943) hantenido una relación muy particular. Strauss recibió lasprimeras clases de este instrumento a los ocho años pero,en palabras de su hermana “le ponían nervioso y le ago-biaban profundamente”. Estos problemas iniciales seresolvieron con el tiempo y Strauss esbozó su conciertopara violín op. 8 en un cuaderno de matemáticas en unaépoca en la que compuso también un cuarteto de cuer-das y tocaba en la orquesta de aficionados de su padre.

Cuando Strauss compuso la Sonata para violín ypiano op. 18 -en 1887, con sólo veintitrés años- ya eramuy conocido en los medios musicales. En aquella épocaya había abordado con éxito las principales formasmusicales: el concierto, la sinfonía y la música de cáma-ra. Curiosamente, elaborada al mismo tiempo que DonJuan, su primer poema sinfónico, y la fantasía sinfónicaAus Italien, la sonata constituye al mismo tiempo la últi-ma incursión del compositor en el género de la músicaabsoluta, antes de su dedicación definitiva a la músicaprogramática, la llamada musique de l’avenir.

La sonata está estructurada en tres movimientos,

dos rápidos y un adagio central. Presenta un tono gene-ral de entusiasmo heroico, expresión exaltada e incon-fundible de la pasión juvenil del compositor. La Sonataes, sin embargo, un ejemplo de lenguaje musical madu-ro y definido.

El tema principal con su carácter de fanfarria pare-ce anticipar el inicio de Don Juan. Los refinados enlacesarmónicos, la tendencia a la plenitud orquestal y el des-arrollo en el que se revelan inesperados aspectos deltemas, son las principales características del primermovimiento.

Improvisation, segundo movimiento, nos muestraotra faceta del compositor, su gran talento lírico, su afi-ción por las grandes y expansivas líneas melódicas acom-pañadas por estructuras complejas y elaboradas en laparte de piano; su gran riqueza tímbrica y el carácterorquestal anuncian al futuro maestro de las grandespartituras sinfónicas. Muy al fondo encontramos unareminiscencia de El rey de los Elfos de Schubert y es elúnico momento de la sonata que puede ejecutarse sepa-radamente; el propio Strauss lo publicó por separado.

Una lenta y sombría introducción abre el final. Conuna concepción parecida al primer movimiento, seapoya en una brillante dinámica desarrollada entre losdos instrumentos. De los dos temas principales, el pri-mero es heroico y el segundo lírico, formado por unaextensa y cálida melodía del violín. El desarrollo y lareexposición, algo modestos en sus dimensiones, nosconducen a un climax típicamente straussiano, caracte-rístico de muchos Finales de sus óperas.

LUCJAN LUC



Axivil goyescoCANCIONES Y DANZAS DEL DOS DE MAYO

AXIVILISABEL ÁLVAREZ, sopranoCÉSAR CARAZO, tenorMARCELINO GARCÍA, violínELENA BORDERÍAS, violínJAVIER AGUIRRE, violoncheloMANOLO RODRÍGUEZ, flautaMARÍA JOSÉ MARTÍN, danzaALFONSO GONZÁLEZ, danzaFELIPE SÁNCHEZ MASCUÑANO,guitarra, arreglos y dirección

MIÉRCOLES, 28 DE MAYO - 21:00 HORASTEATRO LÓPEZ DE AYALA


AXIVIL



AxivilEn agosto de 1352 JUCEFF AXIVIL, judío de Borja,

fue contratado para acompañar al Infante Juan deAragón en un viaje entre Huesca y Zaragoza. Su misiónera tocar la vihuela de péñola para entretener la jorna-da del pequeño infante.

El grupo AXIVIL nace en 1997 con la intención derecrear momentos y veladas musicales concretas delpasado hispánico. Por eso somos muy rigurosos en algu-nos aspectos como el uso de instrumentos, siempreestrictamente contemporáneos de los repertorios queinterpretamos, o la consulta de tratados de ornamenta-ción y de interpretación.

Pero por fuerza tenemos que ser imaginativos tra-tándose de música antigua española. La escasez de docu-mentos y partituras de música profana nos obliga a recu-rrir a todo tipo de referencias escritas para intentardilucidar cómo era la interpretación en el pasado. Poreso todos los repertorios de AXIVIL llevan un serio tra-bajo de re-construcción, re-instrumentación y re-crea-ción musical.

También hay un trabajo de investigación y recons-trucción coreográfica ya que bastantes de nuestrosrepertorios están íntimamente ligados a la danza que hasido una de las manifestaciones más intensas de nuestropasado cultural.

En general elegimos repertorios en los que, dentrodel devenir musical europeo, sobresale de manera indis-cutible el aire genuinamente hispánico:

AXIVIL CRIOLLO - En una salón de La Habana(Habaneras y contradanzas, 1830-1855).

AXIVIL CASTIZO - Sarao Barroco (Tonos del sigloXVII).

AXIVIL GOYESCO - Caprichos - Música en tiemposde Goya.

La Seguidilla Galante.AXIVIL SIGLO XV - Música en la Corte de Isabel la

Católica.Música en la Casa Real de Aragón.AXIVIL ALJAMÍA con el cantaor flamenco Pedro

Sanz. Mudéjar: Perfume de Tres Culturas.



Programa

PRIMERA PARTE

FEDERICO MORETTI ( 1765 - 1838). Seguidillas

ANÓNIMO. Seguidillas de Fernando el VII

ANÓNIMO. Bolera y caña

FERNANDO SOR (1778 - 1839). Seguidillas del réquiem aeternam

FERNANDO SOR. Seguidillas manchegas

ANÓNIMO. El requiebro

FRANCISCO BALTAR. Seguidillas aragonesas

SEGUNDA PARTE

FERNANDO SOR. Cesa de atormentarme

FEDERICO MORETTI. Boleras de la Bola

FERNANDO SOR. Las mujeres y cuerdas

BLAS DE LASERNA (1751 - 1816). Trípili, trápala



Notas al programaEl adjetivo goyesco parece una calificación estética o

estilística… ¡y lo es! pero no ha habido en la historia deEspaña un momento en el que la estética o el estilo en elhablar, el vestir, el gesticular, el bailar y el cantar estétan entrelazado con el sentir político, el pensar y el vivircotidiano.

De Francia habían llegado las “modas” y no se trata-ba simplemente de un estilo en el vestir sino de todo unsistema de cómo relacionarse, cómo comportarse y hastade cómo educar a los jóvenes o cómo debían ser las fies-tas y diversiones. Además, la nueva clase en ascenso, laburguesía, iba extendiendo los nuevos usos y costumbresde la envidiada aristocracia de manera que una ciertafrivolidad y galantería se fue instalando en la sociedadespañola… hasta que llegó la reacción: el majismo.

Realmente creo que la sensación de un viajero euro-peo al llegar a nuestro país a principios del XIX debíaser algo más que chocante. Había duquesas -Cayetana-con amantes toreros y también condesas-duquesas -la deBenavente- que contrataban a Haydn como compositor.Italianos tan arraigados en España que tuvieron impor-tantes responsabilidades militares en la Guerra de laIndepencia contra los franceses al mismo tiempo quecomponían música española como Federico Moretti;españoles que lo contrario; vizcaínos antifranceses (DonPreciso) que acabaron en Francia por afrancesados (?)o extremeños agabachados que gobernaban (Godoy).También había catalanes de fuerte carácter (PabloEsteve) puestos en los tribunales por su más predilectacantante (“la Caramba”) y navarros empeñados en uncanto nacional (Laserna) junto a sevillanos maestros delbel canto adorados por Rossini (Manuel García) y can-ciones españolísimas que acabaron siendo publicadas en

París porque sus autores (F. Sor, N. Paz y muchos más)estaban exiliados… y curas… y monjas… y bandolerosde Sierra Morena… y notarios… y Goya… ¡todo eso erala España Goyesca! además de una geografía abruptacon dificiles comunicaciones y un país con ganas de ale-gría pero con atraso.

¿Qué cantaban y bailaban los majos? ¿Qué se canta-ba a principios del XIX en España, en vida de Goya,durante la invasión de los franceses, durante la guerrade la Independencia? ¿Y después, cuando los guerrille-ros fueron bandoleros, cuando el país renacía tras labarbarie? Pues sobre todo seguidillas. Seguidillas en susmúltiples modalidades: manchegas, murcianas, boleras,boleros, etc. Incluso se usaba la forma poética de segui-dilla aplicada a otra forma musical. Generalmente eltema era el amor con sus curiosas y variadas incidenciaspero, cómo no, la guerra, el deseo de vuelta de FernandoVII, la presencia de José Bonaparte, etc., produjeroncoplas (una vez más seguidillas) que encauzaban el sen-timiento patriótico y, a veces, revolucionario.

Además de las seguidillas, fandangos y tiranas,sobrepasaban el ámbito estrictamente popular y fueronel camino por donde interesantísimos compositores delmomento derrocharon una gran fantasía en la que seunieron ritmos populares, un clasicismo camerísticoimpecable y la tradición de la tonadilla escénica.

Todo es muy serio y muy resalao a la vez. Por eso losviajeros europeos que vinieron a visitar España en aque-llos años acabaron por configurar el “pintoresquismo” yellos mismos llegaron a ser un aderezo tópico de laEspaña goyesca.

FELIPE SÁNCHEZ MASCUÑANO



Monográfico J. Brahms

ALFONSO PINEDA, clarinetePABLO DE NAVERÁN, violoncheloALEXANDER KANDELAKI, piano

JUEVES, 29 DE MAYO - 21: 00 HORASTEATRO LÓPEZ DE AYALA


ALEXANDER KANDELAKI, pianoALFONSO PINEDA, clarinetePABLO DE NAVERÁN, violonchelo



Alfonso Pineda, clarineteNacido en Villanueva de la Serena (Badajoz), realizó

sus estudios superiores de música en el ConservatorioSuperior de Música de Badajoz, donde obtuvo PremioExtraordinario Fin de Carrera en las especialidades deClarinete y Música de Cámara. Amplió estudios de cla-rinete asistiendo a diferentes cursos en España,Alemania, Italia, Reino Unido y Portugal con reconoci-dos profesores como J. L. Estellés, Anthony Pay,Yehuda Gilad, Joan Enric Lluna, Johannes Peitz oEsther Georgie. Dentro de los Cursos de EspecializaciónMusical organizados por el Aula de Música de laUniversidad de Alcalá de Henares ha recibido clases declarinete y música de cámara por parte del mencionadoJosé Luis Estellés y de Ferenc Rados e Imre Rohmann.

Forma parte del Dúo Op. 120 junto a la pianistaGuadalupe Rey. Dicho dúo ganó el 2.º y 3.º premios enlas dos primeras ediciones del “Concurso de JóvenesIntérpretes Pedro Bote”.

En el 1999 formó parte de la Orquesta del FestivalSchleswig-Holstein en Alemania, trabajando bajo ladirección de directores como Cristoph Eschenbach oMtislav Rostropovich, y ofreciendo conciertos enAlemania y Holanda. También ha colaborado con dife-rentes orquestas, como la Orquesta Ciudad de Granada,la Orquesta de Extremadura, la de Córdoba, así comocon el “Taller para la Interpretación de la MúsicaActual” TAiMA-Granada, bajo la batuta de Josep Pons,Salvador Mas, Víctor Pablo Pérez y J. L. Estellés, entreotros. En la actualidad colabora con regularidad con laOrquesta Sinfónica de Castilla y León en calidad de cla-rinete solista.

Ha impartido distintos cursos tanto de clarinetecomo de música de cámara, como los de Lucena

(Córdoba), Sepúlveda (Segovia), Llerena y Alburquer-que (Badajoz). También ha colaborado como profesorde la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid en suencuentro de enero de 2007.

Desde 1997 es profesor de clarinete en el Conser-vatorio Superior de Música de Badajoz.

Alexander Kandelaki, pianoNacido en Thilisi (Georgia) ingresa con cinco años en

la Escuela de Música de Jóvenes Talentos Z. Paliashvili,en la que recibe su primer contacto como pianista y con-certista actuando a los seis años como solista con laOrquesta Sinfónica Nacional de Georgia.

Becado de honor por el Ministerio de Cultura de laantigua URSS. Durante tres años ha sido becado paraparticipar en los Cursos de perfeccionamiento S.Rachmaninov del Conservatorio Tchaikovski de Moscú,donde toma contacto con los famosos pianistas A.Alexandrov, V. Merjanov, Verdrnikov.

Actúa como solista en el Festival Internacional deMúsica de Telavi (Georgia) a la vez que recibe clasesmagistrales de la pianista Eliso Virsaladze.

Entre los años 1995 y 1998 estudia en la EscuelaSuperior de Música Reina Sofía (Madrid), becado por laFundación Isaac Albéniz, siendo alumno de DimitriBashkirov, Galina Eguiazarova y Marta Gulyas, junto aestos maestros recibe clases magistrales de VitalyMargulys y Menahem Pressler.

Ha ofrecido recitales como solista y de música decámara en Georgia, Rusia, Alemania, Francia y Bélgica.También ha realizado grabaciones para RNE.

Actualmente, establecido en España, es profesor depiano en el Conservatorio Superior de Badajoz. Impartetambién clases de postgrado en la “Enseñanza Musical



Katerine Gurska” (Madrid) y en clases magistrales en loscursos “Nueva Generación Musical” (Burgos), Escuelade Verano Ciudad de Lucena, Master de piano en laUniversidad de A Coruña, etc.

En España ha actuado en la Fundación JuanMarch, en la Sala Villanueva del Museo del Prado,Palacio de Festivales de Santander, Teatro Filarmónicode Oviedo y Teatro López de Ayala de Badajoz.Participó con un recital de piano en el XXI FestivalIbérico de Música de Badajoz (2004).

Pablo de Naverán, violoncheloA los diecisiete años, Pablo de Naverán ingresó en la

Academia Internacional de Música Menuhin, de Gstaad,para estudiar con Yehudi Menuhin, Alberto Lysy yRadu Aldulescu. Previamente se formó con MihaiBesedovschi, obteniendo a lo largo de su carreraPremios y Matrículas de Honor en los Conservatorios deGetxo y de Bilbao. A partir de los veinte años prosiguesu perfeccionamiento en el Conservatorio NacionalSuperior de Música de París bajo la tutoría del profesorPhilippe Muller. Ha recibido asimismo la influencia devioloncellistas como Steven Isserlis, János Starker eIvan Monighetti.

A lo largo de su carrera, Pablo de Naverán ha ofre-cido conciertos en países como España, Alemania,Argentina, Bélgica, Francia, Italia, Japón, Ucrania,actuando en el Teatro Colón de Buenos Aires, VictoriaHall de Ginebra, Tokyo Symphony Hall o el TeatroArriaga de Bilbao. Solista con orquestas como laOrquesta Sinfónica de Bilbao, la Camerata Lysy-Gstaado la “Orchestre International de la Cité” de París, se hapresentado en prestigiosos festivales como el FestivalMenuhin de Suiza, el Festival de Salzburgo, Prussia

Cove (Inglaterra), el Festival do Estoril, los IncontriMusicali de Siena o el Festival Schubert de Austria.

Entre los numerosos premios que ha recibido cabemencionar el Concurso Nacional de Música de Cámarade Juventudes Musicales, donde a los dieciséis años fuefinalista, becado y nominado como joven promesa vio-lonchelística por un jurado presidido por D. XavierMontsalvatge. En septiembre de 1998 es laureado en el“Concurso Internacional de Violoncello GasparCassadó”. En Junio del 2000 obtiene el Primer Premiodel Conservatorio Superior Nacional de París con la másalta distinción. En marzo del 2001 le es otorgado el pre-mio de interpretación musical del Colegio de España enParís y en 2000 el primer premio en el concurso ‘PedroBote’ de Villafranca de los Barros.

A los veintisiete años fue nombrado Profesor deVioloncello y de Música de Cámara en la AcademiaInternacional Menuhin de Suiza, así como primer vio-loncellista en la “Camerata Lysy-Gstaad”. En la actuali-dad y desde abril de 2007 es profesor en elConservatorio Superior de Música de Badajoz.

Su primera grabación comercial es un disco que contie-ne obras para violoncello y piano de autores como Kreisler,Cassadó, Dvorák o Falla. Realizado junto al pianistaAlexander Kandelaki para el sello “Hilargi”, fue recibidocon entusiasmo por la prensa y el público, dando lugar aapariciones en la televisión y en la radio, y recibiendo elpremio del público de Radio Nacional de España.

“Stil Productions” lanzó en París su segundo disco,enteramente dedicado a la música para violoncello ypiano de Gaspar Cassadó, y que ha tenido repercusióntanto en la prensa y radio españolas como en revistasespecializadas del resto de Europa, como Le Monde dela Musique o The Strad Magazine.



“Stil Productions” ha publicado asimismo la graba-ción del concierto, con obras de Beethoven, Fauré yFalla, ofrecido por Pablo de Naverán dentro del ciclo«Jóvenes Talentos Europeos» en Bruselas. Recien-temente ha hecho su aparición un disco grabado junto ala Camerata-Lysy-Gstaad para la compañía Suiza‘Dinemec’.

Alexander Kandelaki, Jeremy Menuhin, PhilippeGraffin y Krysia Osostowicz son algunos de los músicosjunto a los que recientemente ha ofrecido conciertos enEspaña, en Suecia y en Inglaterra. Próximos compromi-sos le llevarán este año a países como Taiwan,Inglaterra, Suiza o Serbia.



Programa

JOHANNES BRAHMS1833 - 1897

PRIMERA PARTE

Sonata nº 2 en Mi bemol mayor para clarinete y piano, op. 120Allegro amabile

Allegro appassionatoAndante con moto - Allegro

Sonata nº 1 en Mi menor para piano y violonchelo, op. 38Allegro non troppo

Menuetto - TríoAllegro

SEGUNDA PARTE

Obras para piano

Chr. W. GLUCK - J. BRAHMS: Gavotte

J. BRAHMSIntermezzo n.º 7 en La menor, op. 76

Trio en La menor para clarinete, violonchelo y piano. Op. 114AllegroAdagio

Andantino graciosoAllegro



Notas al programaEn verano de 1890, Johannes Brahms terminó su

Quinteto Op. 111 para cuerdas con el convencimiento deque había plasmado sobre el papel su última obra. Contan sólo cincuenta y siete años, informó a su editorSimrock sobre su intención de abandonar para siemprela composición y «dejar lugar a los más jóvenes».Afortunadamente, durante la primavera de 1891, suencuentro con Richard Mühlfeld, clarinetista queimpresionó e inspiró a Brahms muy intensamente, diovida a algunas de las obras más importantes y más admi-radas de todo su repertorio. En una época en la que elinterés principal era captado por obras de grandesdimensiones y por formas musicales destinadas a lasmasas, las últimas obras de Brahms nacieron en un pro-ceso de profunda introspección, y son hoy en día prota-gonistas indispensables en la Historia de la Música.

Las dos sonatas que forman hoy la primera parte deeste concierto están compuestas cada una por tres movi-mientos, en contraste con los cuatro habituales.Representan el primero (Op. 38) y el último (Op. 120) detodos los dúos compuestos por Brahms.

La Sonata Op. 120 n. 2 fue compuesta en 1894. Suprimer movimiento respira amabilidad, transparencia,lirismo, aunque concluye, tras el desarrollo de sus tresmotivos, con una coda de espíritu elegíaco. El AllegroAppassionato que le sigue sorprende por su fuerza ypoderío, manifestadas en Mi bemol menor, en contrastemás tarde con el Do bemol de la segunda sección en laque se presenta tan sólo un motivo, amplio y de caráctervocal. La Sonata y, simbólicamente, toda la produccióncamerística de Brahms, concluye con este último movi-miento, un Tema con Variazioni en 6/8. Obra de carác-ter siempre amable, aunque se vea interrumpido en la

quinta variación por un Vivace en Mi bemol menor, alque sigue una coda reposada antes de conluir toda laobra de forma exultante.

Gestada en 1862 cuando el maestro aún no contabatreinta años, la Sonata Op. 38 para piano y violoncellofue dedicada al violoncellista amateur JosefGänsbacher, quien intervino en la nominación deBrahms al frente de la Singakademie. El movimiento ini-cial, lírico y soñador, y que concluye en una gloriosacoda crepuscular en Mi Mayor, encuentra un hilo deunión con los dos restantes en la preponderancia de laexpresiva sexta menor, que aparece por primera vez enel segundo compás y atraviesa toda la obra. El Menuettocentral, en la tonalidad de La menor, movimiento detalante arcaico y elegante, contrasta con un inesperadofa sostenido menor destinado al Trio, de temperamentonostálgico y abandonado. El último movimiento, derobusto equilibrio entre fuga y forma sonata, fue termi-nado en 1865, tres años después de los dos primeros.Toma su tema principal del Contrapunctus 13 del ‘Artede la Fuga’ de Johann Sebastian Bach, por quienBrahms siempre manifestó la mayor admiración.

La Gavotte sobre un tema de Gluck es una obra deli-cada y estilizada, y a pesar de provenir de ‘Paris yHelena’ del mencionado compositor, no deja de respirarcon el hálito propio de Brahms. Fue escrita en 1871 ydedicada a Clara Schumann, quien con frecuencia lointerpretó a modo de bis. En el Intermezzo Op. 76 n. 7aparecen la grandeza misteriosa de su primer motivo yla empañada delicadeza en la segunda idea, interrumpi-da por continuos suspiros.

El 24 de noviembre de 1891 se estrenó, en la Corte deMeiningen, y con los manuscritos originales sobre elatril, el Trío Op. 114 para clarinete, violoncello y piano,


obra maestra de expresión austera y en gran parte inti-mista. El Allegro que encabeza el Trío es un movimientoabierto, sin una estructura particularmente perfilada, yde un carácter general interiorizado. Un delicioso con-traste en Re Mayor nos sitúa en el Adagio, en el que losinstrumentos dialogan bañados en melodías de gran dul-zura y nostalgia, teñidas por momentos suspendidos queBrahms desarrolla con gran maestría. El Minuetto, quecombina principalmente La Mayor, fa sostenido menor yRe Mayor, exhala perfume popular con el espíritu suge-rente de un Ländler. Retorno a la tonalidad de La menoren el movimiento conclusivo, expuesto en un tema vigo-roso en 6/8 en juego contrapuntístico entre el violoncelloy el piano. Surgen más tarde ideas secundarias que, enla reexposición, toman el papel protagonista. La impe-tuosa coda recupera el tema principal con renovadoespíritu.

PABLO DE NAVERÁN




Poesía portuguesa cantada

MANUELA MONIZ, sopranoALBERTO PIMENTA, declamaciónJOÂO VASCO, piano

VIERNES, 30 DE MAYO - 21:00 HORASPATIO DEL MUSEO ARQUEOLÓGICO

En colaboración conel Museo Arqueológico de Badajoz


MANUELA MONIZ, sopranoALBERTO PIMENTA, declamaciónJOÃO VASCO, piano



Manuela Moniz, sopranoNascida em Leiria, terminou o Curso Geral de Canto

no Conservatório Nacional, licenciou-se em Canto naEscola Superior de Música de Lisboa e concluiu omestrado em Artes Musicais na Universidade Nova deLisboa.

Entre 1992 e 1998 foi membro do Coro Gulbenkian,realizando com o Coro Sinfónico e Coro de Câmaraconcertos na Europa, América Latina e Japão. Em1997, em digressão pela Europa (gravada paraGLOSSA) cantou o soprano solo de Midsummer Night’sDream de Mendelssohn, com a Orquestra do SéculoXVIII, dirigida por Franz Brügen.

Formou duo com vários pianistas, realizando recitaisde música de câmara em Portugal e Espanha, aquisobretudo com o pianista Lucjan Luc.

Foi solista, entre outras, nas obras Stabat Mater dePergolesi, Cantata BWV 147 de Bach, Missa daCoroação de Mozart, Magnificat de Vivaldi e Missa n.º 5de Schubert.

Antes de partir para Amsterdão (como bolseira daFundação C. Gulbenkian), a efectuar uma pós-graduação de Canto Clássico no ConservatórioSweelink, onde frequentou os cursos de Margreet Honig,desempenhou o papel de Princesa Tafú na estreia doteatro musical O Gato das Notas de Paulo MariaRodrigues, gravado em vídeo em 2001. Voltou váriasvezes a Portugal para desempenhar este papel.

Em Amsterdão participou em recitais e concertos emque interpretou, entre outros, Brahms, Strauss, Duparce Chausson.

Na temporada 2000-2001 fez no S. Carlos o papel dePrimeiro Escudeiro do Parsifal.

Participou na estreia e gravação de obras sinfónicas

e concertantes de Jorge Salgueiro, entre as quais a óperaO Achamento do Brasil, na qual desempenhou o papelde Jovem Índia; em 2005, na Sinfonia nº 4 ( MareNostrum) do mesmo autor foi soprano solista.

Tem participado e participa em numerosos FestivaisIbéricos de música.

João Vasco, pianoNasceu na vila de Sintra em 1976.Professor de piano no Conservatório Nacional e no

Conservatório Metropolitano de Música de Lisboa,divide-se entre o ensino e os palcos. Actuou em Espanha(Valladolid), França (Rouen e Lyon) e Irlanda (Cork).Apresentou-se também, a solo ou em agrupamentos decâmara, em salas como CCB, Gulbenkian, Culturgest,Teatro D. Maria II ou Teatro Rivoli. Desenvolve umtrabalho regular com cantores, tendo-se já apresentadoneste âmbito no Festival de Música de Guimarães(Festival da Primavera), Festival de Almada, FestivalTemps d´Images, Fundação Gulbenkian e em salas portodo o país.

Dedica especial atenção à música contemporâneaportuguesa tendo estreado obras de João Madureira,Vasco Mendonça ou Jorge Salgueiro - Culturgest, TeatroRivoli, Teatro S. Luiz, “Orquestra Utópica e convi-dados” - CCB, C C Lagos- FaroCNC.

É licenciado pela Escola Superior de Música deLisboa e Mestre em Artes Musicais pela UniversidadeNova de Lisboa.

Alberto Pimenta, poesiaA encerrar a antologia Obra quase Incompleta

(1990) figura um mapa de actividades por géneros edatas: poesia, prosa, teoria, edições críticas, actos deintervenção poética (vulgo happenings), espectáculos



poéticos e de rádio e televisão “Arte de ser Português”(1978-79), “6 Árias para Cesário” (1986) e o programaradiofónico “Crónicas de Escárnio”.

Em toda esta variada produção (que inclui traduçõ-es de Thomas Bernhard e Botho Strauss) avulta umexpresso conhecimento e a presença constante da tradi-ção (v. por exemplo a mistura Camões/Pessoa em Readand Mad, 1984), sempre porém com o olho no dito deTh.W.Adorno «Hoje o único modo de honrar os clássi-cos é ironizá-los».

Muitas das obras de Alberto Pimenta estão traduzi-das em vários idiomas, ou neles algumas foram publica-das (Il Silenzio dei Poeti, 1977, Milano, Feltrinelli, ouVerdichtungen, 1997, Viena, Splitter), e algumas foramrepresentadas em Portugal e no estrangeiro. Nenhumaterá tido tanta divulgação como Discurso sobre o Filho-da-Puta (Lisboa, 1977), um tratado que avança ironica-mente segundo o mais estrito método científico. A ediçãoespanhola e catalã são de 1990 (Valencia, VictorOrenga); nessa ocasião, Pimenta realizou a performan-ce “Rituais de Poluição” no espaço Continental.

Performance inesquecível, entre as dezenas que fez,foi “The Pig Brother”, na discoteca Lux, bem como oshappenings “Homo Sapiens” (1977, jaula do JardimZoológico de Lisboa) e “Homo Venalis” (1991, portal deigreja no centro da cidade).

A sua convivência humana e estética tem importan-tes referências em Eugen Gomringer, Emmett Williams,Haroldo de Campos e Julián Ríos. Mas a sua mais exac-ta biografia continua a ser (a que sempre usa): «A.P.nasceu em 1937 e ainda não morreu».

Sem esquecer que foi professor de Língua eLiteratura nas Universidades de Heidelberg eUniversidade Nova de Lisboa.



Programa

Abertura

Texto de D. DuarteCantiga de João Roiz Castelo-BrancoFRANCISCO LACERDA (1869-1934)

Tenho tantas saudades

VIANNA DA MOTTA (1868-1948)PastoralA estrela

Olhos negrosCanção perdida

Cantar dos búzios

CRONER DE VASCONCELLOS (1910-1974)Três redondilhas de Camões

Descalça vai para a fontePus meus olhos numa funda

Na fonte está Leonor

Leitura de dois sonetos de CamõesIVO CRUZ (1901-1985)O sol é grandeFERNANDEZ GIL (1917/25? - 1978)Amor é fogoIVO CRUZMágoas de AntoCRONER DE VASCONCELLOSNo Turbilhão

Breve leitura de poemas portuguesesLOPES GRAÇA (1906-1994)Só as tuas mãos trazem os frutosTerra: se um dia lhe tocares

Leitura de um poema de Camilo PessanhaDAVID DE SOUSA (1880-1918)SerenataVIANNA DA MOTTA Amores, amoresLavadeira e Caçador



Notas al programaEste recital de poesia portuguesa cantada compre-

ende igualmente poesia portuguesa lida. Uma dasrazões disso é o reconhecimento de que um poema temele mesmo normalmente o seu próprio ritmo e musica-lidade.

A musicalidade que lhe é conferida pelo compositorprivilegia razões da sua própria estética musical, asquais nem sempre acompanham os acentos temáticos ouformais do texto. Sendo assim, pareceu-nos que, emidiomas tão próximos, a leitura de textos de poetas emparte aqui também cantados (além doutros) poderá con-tribuir para enriquecer o leque de recepção dos ritmos.

A sequência do recital cria diversos grupos, dosquais o primeiro (dedicado em três momentos ao toposda “saudade”), se pode considerar um prelúdio. A esseprelúdio segue-se um grupo dedicado por inteiro aVianna da Motta, porventura o mais límpido dos com-positores aqui representados. Com ele também encerraeste recital que, pelo que traz de risonho, se opõe semân-tica e musicalmente à toada do início.

Segue-se um grupo composto por três redondilhas deCamões musicadas por Croner de Vasconcellos. Doissonetos de Camões lidos, cuja temática não é indiferenteà das redondilhas anteriormente cantadas, antecedem

sonetos clássicos e românticos musicados por FernandezGil e Ivo Cruz, do qual se apresenta também uma can-ção com texto de António Nobre.

O ritmo musical é interrompido por uma série depoemas lidos, onde se apresentam autores anteriormen-te cantados, bem como outros, em parte pouco amadose, no entanto, marcantes na literatura portuguesa: alémde Fernando Pessoa, António Botto, José Régio ouAugusto Gil.

Eugénio de Andrade (que tantas relações estéticas ehumanas teve com poetas espanhóis da Geração de 27),além de lido, merece o destaque da música de LopesGraça; e, finalmente, um poema lido de CamiloPessanha, verlainiano e musical, introduz um mágicovioloncelo que aponta para a serenata do grande violon-celista David de Sousa, isto antes de Vianna da Mottareaparecer, para o seu final lúdico e risonho.



Momentos de Zarzuela

AGRUPACIÓN LÍRICA“MARÍA CORONADA HERRERA”

CELIA SÁNCHEZ DEL RÍO, dirección

SÁBADO, 31 DE MAYO - 12:30 HORASTEATRO “LÓPEZ DE AYALA”


AGRUPACIÓN LÍRICA“MARÍA CORONADA HERRERA”



Agrupación Lírica“María Coronada Herrera”

En junio de 2004, por iniciativa de su actual directo-ra, Celia Sánchez del Río, y de diversas personas rela-cionadas con la Ermita de la Soledad de Badajoz, surgeel Coro de Nuestra Señora de la Soledad. Integrado poraficionados y profesionales interesados en el canto coral,su repertorio abarca obras desde el Renacimiento hastael Siglo XX, con especial predilección por la polifoníareligiosa y la música popular extremeña. Formada en sumayor parte por componentes del Coro de NuestraSeñora de la Soledad, la Agrupación Lírica “MaríaCoronada Herrera” nace en el verano de 2007 como res-puesta al interés de los mismos por abordar repertorioescénico. Su nombre es un homenaje a la profesora decanto del Conservatorio Superior de Música de BadajozMaría Coronada Herrera, de quien reciben consejo yasesoramiento desinteresado.

COMPONENTES: ANA BELÉN GONZÁLEZ MACÍAS, RAYMARTÍN MARTÍN, GUADALUPE MUÑOZ CABANILLAS,ISABEL RAYA NAHARRO, CELIA SÁNCHEZ DEL RÍO, LARAVELASCO BUENO, ANABEL ANTÚNEZ MEDINA, BELÉNCORCHO SÁNCHEZ, JOSEFA DÍAZ CARILLO, GUADALUPEOLMO BERROCAL, NURIA LUENGO MORALES, LOURDESRIVERA LÓPEZ, AURELIO CACEREÑO MARÍN, FRANCISCOJAVIER CASTILLO DÍAZ, ANDRÉS PARRA LEYTÓN, ELOYTALAVERA DÍAZ, JESÚS MARÍA CLEMENTE SANTOS,MIGUEL CHAMORRO ÁVILA, FERNANDO RODRÍGUEZPEREIRA, NICOMEDES SÁNCHEZ CAMACHO.

Celia Sánchez del Río, directoraTitulada Superior en la especialidad de Canto, ha

cursado sus estudios con la profesora M.ª CoronadaHerrera en el Conservatorio Superior de Música deBadajoz, ciudad donde actualmente es profesora de

canto y coro en sus Escuelas Municipales de España yMúsica. Como solista ha intervenido en numerosos con-ciertos en diversas localidades de Portugal.

Ha pertenecido a agrupaciones como Escolanía yCoro del Conservatorio de Badajoz, Grupo Vocal MaterSaule (Madrid), Coro Barroco de Andalucía (Sevilla) yen calidad de directora vocal en Lux Contemporánea.Actualmente es miembro del Conjunto Vocal Quodlibety del Grupo Lírico Lorca. Fundadora y directora delCoro de Nuestra Señora de la Soledad desde el año 2004,ha compaginado sus estudios musicales con los universi-tarios siendo Diplomada en Biblioteconomía yLicenciada en Documentación y, trabajando hoy en díacomo Coordinadora de las Escuelas Municipales deMúsica de Badajoz.

Vicente Antúnez Medina, pianoLicenciado en Musicología y Profesor de Piano y Solfeo.Como pianista, ha colaborado con diversos solistas yagrupaciones, entre los que destacan la soprano CeliaSánchez del Río y el Grupo Lírico “Lorca”, especializa-do en canción española y zarzuela. Realiza asiduamentenotas al programa para la Orquesta de Extremadura yla Sociedad Filarmónica de Badajoz, así como paraotros intérpretes. En el campo coral, ha pertenecido alCoro del Conservatorio de Badajoz y al grupo LuxContemporánea, colaborando también con otras agru-paciones. Actualmente forma parte del Conjunto Vocal‘Quodlibet’ y del Grupo Vocal Mater Saule, con sede enMadrid. Desde 1997 es profesor de Historia de la Músicaen el Conservatorio “Esteban Sánchez” de Mérida.



ProgramaF. CHUECA (1846 - 1908)

(De Agua, azucarillos y aguardiente)Preludio

F. MORENO TORROBA (1891 - 1982)(De La Chulapona)

Creí que no venía. Como soy chulapona. Chotis

F. CHUECA(De Agua, azucarillos y aguardiente)

Doña Simona y Atanasia

F. MORENO TORROBA(De Luisa Fernanda)

Mazurca

T. BRETÓN (1850 - 1923)(De La Verbena de la Paloma)

Nocturno

M. FERNÁNDEZ CABALLERO (1835 - 1906)(De Gigantes y Cabezudos)

Escena de las vendedoras. Anda vé y dile al alcalde. Coro de repatriados

F. ASENJO BARBIERI (1823 - 1894)(De El Barberillo de Lavapiés)

Interludio instrumental. Dicen que en el Pardo. Jota de los estudiantes

F. CHUECA(De Agua, azucarillos y aguardiente)

Pepa y Manuela

T. BRETÓN (1850 - 1923)(De La Verbena de la Paloma)

Seguidillas



Notas al programaEn 1856 tuvo lugar en Madrid la inauguración del

Teatro de la Zarzuela. Tal acontecimiento no hizo sinoconfirmar el éxito y vigor que desde pocos años atráshabía demostrado la nueva zarzuela de manos de ungrupo de compositores que decidieron asociarse, en unalarde de visión artística y empresarial, para construirun teatro dedicado exclusivamente al género.

Los orígenes de la popular zarzuela son sin embargoantiguos y de índole cortesana. En el siglo XVII, la cortede Felipe III asistía en el Palacio de la Zarzuela a repre-sentaciones teatrales en las que la música tenía una espe-cial presencia. Estas “fiestas de La Zarzuela” pasaron alos teatros públicos, y el género acabó denominándosesencillamente zarzuela. A diferencia de la ópera italiana,la zarzuela mantuvo siempre la peculiaridad de alternarpartes habladas y cantadas.

La historia de la zarzuela continuó su curso, y en elXVIII abandonó los temas mitológicos y clásicos, pro-pios de su origen cortesano, en favor de argumentos coti-dianos y costumbristas. Sin embargo, el empuje de laópera italiana, la aparición de nuevos géneros y el afánde teóricos y compositores por crear una ópera nacionalespañola acabaron por relegarla al olvido.

Será a mediados del XIX cuando la zarzuela moder-na se erija en una alternativa a la ópera, y en pocos añosalcanzará una relevancia inimaginable. El núcleo inicialde autores, compuesto por Cristóbal Oudrid, RafaelHernando, Joaquín Gaztambide, José Inzenga yFrancisco Asenjo Barbieri se agrupó en la llamadaSociedad Artística en 1851. Poco después, y con la incor-poración de Emilio Arrieta, que poco antes había estadocomprometido con la causa de la ópera nacional, se ini-ciaron los trámites para la construcción del Teatro de la

Zarzuela. En esta etapa inicial se incluye también aManuel Fernández Caballero, que desarrollará unacarrera excepcionalmente extensa.

En los años 70, con la crisis económica de laRestauración, la zarzuela entrará en una nueva etapadominada por el llamado género chico, solución empre-sarial consistente en obras breves, normalmente en unsolo acto, que permitían varias funciones en una solatarde. El cambio político, por otra parte, permitió ade-más el tratamiento frecuente de temas de actualidad yalusiones de tipo político o satírico. La práctica se des-arrolló especialmente en el Teatro Apolo, y el género sealimentará de abundantes obras maestras a cargo delpropio Fernández Caballero, pero sobre todo de unanueva generación formada por Ruperto Chapí, FedericoChueca, Jerónimo Giménez o Tomás Bretón.

Ya en el siglo XX, asistiremos de nuevo a la recupera-ción de la zarzuela grande, que experimentará su Edad deOro en las décadas previas a la Guerra Civil con nombrescomo Pablo Luna, Jacinto Serrano, Pablo Sorozábal oFederico Moreno Torroba. Los años 40 y 50, sin embargo,contemplarán un paulatino descenso en la producciónhasta la práctica desaparición del género como opcióncompositiva. Sin embargo, en los años 60 la zarzuela expe-rimentará un nuevo resurgir gracias a la grabación disco-gráfica de buena parte del repertorio a cargo no sólo degrandes profesionales, sino de voces consagradas de la líri-ca internacional, tales como Alfredo Kraus, PlácidoDomingo o Teresa Berganza. Denostado y menospreciadocon frecuencia por críticos e intelectuales, la zarzuela se hasituado hoy definitivamente en la categoría de clásico ydebe ser saludado como, probablemente, el género líricoespañol por excelencia, al cual queremos rendir tributocon estos Momentos de Zarzuela.



De la taberna a la CorteMúsica medieval

ARTEFACTUM

SARA ROSIQUEcanto

IGNACIO GILflautas de pico, chirimía, axabeba, cornamusa

JOSÉ MANUEL VAQUEROzanfoña, organeto

JUAN MANUEL RUBIOzanfoña, viola, arpa, ud

ÁLVARO GARRIDOpercusiones

SÁBADO, 31 DE MAYO - 22:00 HORASPATIO DE LA BIBLIOTECA DE EXTREMADURA - ALCAZABA

En colaboración conla Biblioteca de Extremadura


ARTEFACTUM



ArtefactumSabedor de que ni el aburrimiento ni la solemnidad

cuasi litúrgica que envuelven los conciertos son caracte-rísticas de la música antigua, y de que ningún juglar niministril usó jamás chaqué, Artefactum se proponedevolver al repertorio medieval la frescura y la espon-taneidad de las composiciones que interpreta, sin renun-ciar por ello al rigor ni a las conquistas de la modernainvestigación musicológica.

A través de una concepción abiertamente plástica dela puesta en escena que se suma al atractivo visual ysonoro de los instrumentos, siempre fieles copias de ori-ginales de la época, la propuesta de Artefactum es, endefinitiva, un viaje a través de la Edad Media: por susbulliciosas tabernas y por el recogimiento de sus monas-terios, por fétidas y heladas calles y por cocinas cálidasy aromáticas… desde luego, sin los riesgos de contraer lapeste negra o sufrir un proceso inquisitorial por herejía.

Creado en 1994 para la recuperación y difusión delrepertorio musical de la Edad Media, Artefactum se haconvertido en uno de los grupos más representativosdentro del panorama de la Música Medieval en España,como lo muestra su participación en los más prestigiososfestivales de Música Antigua de nuestro país.

Artefactum es miembro fundador de AEGIVE(Asociación Española de Grupos Instrumentales yVocales Especializados).


De la taberna a la CorteCuando los músicos de la Corte acababan su larga y

agotadora actuación, retirábanse a reponer sus mengua-das fuerzas a las cocinas del castillo, palacio o caserón.En estas humeantes y olorosas dependencias eran aten-didos, no siempre cortésmente, por cocineros y picar-dos, por lacayos y fregonas, los cuales, a cambio dealgún que otro bocado y jarra de buen vino, les exigíanque tocaran las piezas más divertidas y populares.

En “De la taberna a la Corte”, el grupo ARTEFAC-TUM, gracias a un elaborado trabajo documental, lograsumergirnos de lleno en este ambiente donde estampidasy Saltarellos, Cantigas y Carminas poblaban dichasestancias.

Comentarios de prensaABCDe la taberna a la Corte …con un estilo interpretativo de extrema corrección

que busca la naturalidad en la recreación de un ambien-te idealizado… El total tiene el atractivo propio de algodeleitoso y no exige otra actitud que la de la entrega…

Correo de Andalucia / Discófilo De la taberna a la Corte Se sorprenderá el auditor, ante todo, de la esponta-

neidad y los planteamientos, que chocan con las encor-setadas lecturas de los grandes grupos; en parte porqueel repertorio lo exige, y también porque se nota un acer-camiento más natural, así como la buena sintonía inter-na de los miembros… Importante representación, pues,de la música trovadoresca medieval, cantada con unalozanía contagiosa, regado de esencias de néctares deuva, sobre una grabación que sorprende desde el primermomento por su limpieza prístina.



Programa

De la taberna a la Corte

Danza inglesa

Non e gran cousaCSM 26, siglo XIII

Muit é mayorCSM 125, siglo XIII

De Santa María SinalCSM 123, siglo XIII

Virgen Santa MaríaCSM 47

La V estampida Realanónimo siglo XIV

Saltarello IIIanónimo siglo XIV


VE I N T I C I N C OF E ST IVAL I B É R I C O D E M Ú S I CA

SE ACABÓ DE IMPRIMIREL DÍA 15 DE MAYO DE 2008


xxv festival ibÉrico badajoz demÚsica del 21 al 31 de mayo · mamÉ khan, armonium y voz amin...

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