Megafaun

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Texto Cari González / Fotografía Sara Padgett

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MegafaundAhora que Megafaun se han hecho grandes, hay cada

vez menos espacio que ocupar en el escenario que antes sólo parecía habitar Bon Iver. Y es que los de Carolina del Norte han conseguido destilar un álbum homónimo que supera todas las expectativas de los amantes del

folk, precisamente porque va mucho más allá.

Megafaun es una mezcla perfecta no sólo de lo que nos gusta de su música, si no de lo que en un futuro podría facturar, ya que la experi-mentación, el deseo de evolución y las acuciantes ganas de sorprender a sus fans son una constante en sus temas y en su forma de presentarlos en directo.

Debéis de estar un poco cansados de que os pregunten sobre el hecho de que vuestro disco se llame igual que vosotros, “Megafaun”… Pero si no es así, ¿puedes hablarme sobre ello una vez más?

En realidad, no estamos cansados de esta pregunta. Nos damos cuenta de que un disco homónimo es algo sobre lo que preguntar. Verdaderamente intentamos responder a esta cuestión muchas veces y también esperamos observar una evolución en nuestras respuestas, por lo que aún es una pre-gunta interesante. Megafaun es una banda que está ligada a otros muchos proyectos y cosas (por ejemplo Gayngs, Sounds of the South, Bon Iver, etc.) y que continúa expandiendo su participación en nuestra comunidad musical. Lo que sentimos fue que este disco tenía el potencial de llegar a más gente de lo que otros discos nuestros hicieron en el pasado. Queríamos dar una valiente bienvenida a los nuevos fans con este título homónimo y, también, a los viejos, diciéndoles algo así como: “Todas estas indicaciones, o algunas de ellas, os darán una buena idea de lo qué se puede esperar de nosotros en el futuro”.

¿Qué se siente cuando os llaman cosas como “trío freak del folk” o “héroes del folk”? ¿Necesitaba el género folk a bandas como Megafaun para volver a estar vivo en estos tiempos que corren?

Respecto a si es lo que el folk necesita, no sé qué responder. En ese sentido, no estoy seguro de cuánto nos identificamos con una banda de folk. Yo ten-go formación de baterista de jazz. Phil toca todo instrumento conocido por el ser humano. Brad escribe bellas letras inspirándose en la música country. Que te llamen “freak del folk” es realmente limitador, como lo es ser de-nominado “experimental” o “psicodélico”, como si sólo contase una parte de nuestros intereses y repertorio. Hay una influencia folk en todo lo que hacemos, que es una influencia presente en casi todos los estilos musicales. La música folk conforma, la mayoría de las veces, el bloque fundamental en la estructura de cualquier canción.

Cada tema de este nuevo álbum suena delicado, sólido y maravillosa-mente mezclado, como si hubiese sido montado pieza por pieza en un pequeño taller. ¿Puedes contarme algo sobre el proceso de composi-ción del disco?

¡Claro! ¡Esa es una muy buena forma de verlo! Hemos tratado a cada canción según sus propios méritos, sin preocuparnos en exceso de cómo funciona-rían todas juntas. Pensamos que si era para nosotros interesante, debíamos seguir adelante con cualquier sonido o estilo que nos encontráramos. Para este trabajo pasamos más tiempo escribiendo en el estudio de lo que nunca lo habíamos hecho. Literalmente, la mayoría de las partes de batería, bajo y guitarra (las tomas básicas) se compusieron por la mañana y se grabaron esa misma noche. Hacíamos una canción o dos al día, durante dos semanas y media. Nuestro ingeniero B.J. Burton estaba allí todo el tiempo, ayudando con la producción, supervisando el proceso de composición y grabación. BJ es rápido trabajando y él además, nos dio mucha energía e inspiración extras para conseguir que estas canciones se convirtieran en lo que son.

“These Words” consiguió atraparme. ¿Podemos decir que esta canción es un claro ejemplo de que el género folk puede ser todo lo experimen-tal que quiera?

¡Guay! ¡Encantado de que te guste! Esta canción es una de mis criaturitas. El tema “These Words” incorpora sonidos encontrados, organizados de un modo que la hace compleja en comparación con la mayoría de la música pop. He estado trabajando con este tipo de sonidos durante los cuatro últimos discos y, hasta el momento, “These Words” es la mejor muestra de equilibrio que he encontrado para expresar una idea musical que no se deje llevar por la dirección que puede tomar un tema por sí mismo.

“State/Mean” o “Kill The Horns” son un gran ejercicio a nivel de pro-ducción. ¿Puedes contarme algo sobre vuestra experiencia con B.J. Burton como coproductor de este disco?

BJ es como un faro que ilumina nuestro mundo oscuro de escasos conoci-mientos técnicos sobre el sonido. Bueno, quizá estoy siendo un poco duro con nosotros mismos. Somos gente que presta atención al detalle en los dis-cos. Nos encantan algunos de ellos por el modo en que suenan y criticamos otros porque no nos gusta cómo lo hacen. BJ es capaz de sacar partido de la individualidad de cada canción sin rechistar. Mientras a nosotros nos lleva mucho tiempo darnos cuenta de cuál es el sonido más apropiado para que encaje con el feeling de la canción en directo, BJ trabaja con nosotros, para asegurar que cada uno de esos sonidos se traduzca correctamente. Las cosas que pensábamos que no nos gustaban de nuestra música, como un montón de reverb, el delay de las voces, BJ las ha cogido y trabajado para sacar lo mejor de ello según su criterio y experiencia.

Además de la evolución musical presente en este tercer álbum, ¿cómo crees que ha evolucionado la banda como tal, ha cambiado “Megafaun” la forma de como erais desde “Gather, Form & Fly” (2009)?

¡Por supuesto! Nos esforzamos por cambiar y progresar en nuestra música, pero los valores que nos mueven como grupo a realizar directos enérgicos y el reto de expandirnos en el estudio no van a cambiar nunca. Hemos apren-dido con el tiempo la clase de cosas que funcionan y las que no, además del por qué. Creo que “Gather” está lleno de grandes temas que nos permiten llegar a un montón de salas diferentes. Y tiene sentido porque de estar tocando a duras penas en una sala una noche pasamos a abrir la actuación de Bon Iver en un gran teatro, creo que podríamos adaptarnos a tocar en recintos donde la gente está sentada, como teatros, pero por ahora, la sala de un club pequeño donde la gente está de pie es en lo que visualizamos cuando componemos.

¿Os sentís como si estuvierais perpetuamente “atados” al proyecto de DeYarmond Edison, Bon Iver?

Nuestros sentimientos sobre ello, desde un punto de vista profesional, va-rían. La asociación ha traído algo de atención sobre nosotros, además de hacernos sombra de vez en cuando. Justin es un amigo muy cercano. Cre-cimos juntos. Está haciendo un gran trabajo sin nosotros. Y nosotros sin él, también. La ruptura fue saludable para ambos. Estoy orgulloso de las co-sas que hicimos juntos en DYE. Fueron el fundamento de lo que Bon Iver y nosotros somos ahora.

Y finalmente, algo que siempre he querido saber acerca de rollo de la barba: ¿qué escondéis dentro o detrás de esas pobladas barbas?

Brad y Phil, sintiéndolo mucho (o no, depende de tu opinión) ya no llevan barba. Yo tengo una barba que es poblada por naturaleza, pero la cuido re-gularmente, así que no me caben muchas cosas ahí dentro, a lo mejor un boli o dos. Cuando estoy en casa, me pasa que de repente veo a mi mujer limpián-dome restos de salsa o migas de pan de mi barbilla. Seguro que tengo ahí más cosas de las que creo. Voy a ir a lavarme la cara ahora mismo.

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Texto Jaime Suárez / Fotografías Dan Burn

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The Old MagicSi hablamos de Nick Lowe nos estamos refiriendo a uno de los máximos exponentes de la new wave

de los años 70, un artista imprescindible dentro de la escena británica e influencia para muchos

de los grupos de aquella década.

Pop puro para la gente de ahora, así rezaba uno de sus títulos que se hizo bandera del movimiento. La elegancia es el deno-minador común en todos sus trabajos, melodías cuidadas sin grandes adornos que le aproximan cada vez más a la escena pop. Ahora acaba de editar “The Old Magic” (Yep Rock, 2011) un listado de canciones que poseen un carácter añejo, un disco lleno de serenidad y reflexión.

Han pasado cuatro años desde su anterior disco “At My Age”, ahora aparece de nuevo en escena con “The Old Magic” el de-cimotercer álbum de una prolífica carrera en la industria de la música. Parece como si nada le afectará a su capacidad creativa y encontrará la inspiración fácilmente, ¿es realmente así?

Pues aunque así lo parezca he de confesar que me resulta bastante difícil crear nuevo material, no soy tan prolífico como pueda aparentar. Creo que con la edad me he vuelto más crítico y exigente, la idea de hacer canciones con la única intención de completar un disco no la puedo asociar a mi persona hoy en día. Cuando era más joven y trabajaba para grandes sellos a menudo debía hacerlo para entregar los discos a tiempo, esos discos po-drían contener dos o tres buenas canciones pero el resto de te-mas que incluían se escribían en poco tiempo, entraba al estudio únicamente con un boceto mental de lo que quería que fuera esa canción y era un poco frustrante. Ahora mismo yo decido lo que hago y cuando lo hago, puedo tomarme el tiempo que necesite para escribir nuevas canciones y asegurarme de que el disco que esté haciendo es el álbum que a mí me gustaría escuchar y com-prar, conseguir todo esto requiere mucho tiempo y esfuerzo, no es nada sencillo.

“The Old Magic” el título de su último disco, es muy sugerente y puede tener varias interpretaciones. ¿Cuál es realmente el significado del mismo? ¿Es algo que echa especialmente de menos o por otro lado es lo que le ha ayudado a componer las canciones de este trabajo?

En realidad en el título del disco no hay un significado que vaya más allá de lo que verdaderamente se pueda entender. “The Old Magic” es por decirlo de alguna manera un cliché inglés que se utiliza en el deporte y en el amor básicamente en relación a algo inmaterial que siempre ha estado presente y que brillaba con más fuerza en tiempos pasados pero que se puede recuperar.

Después de más de treinta años de carrera musical en los cua-les ha colaborado con una larga lista de artistas. ¿Hay alguna persona con la que le hubiera gustado trabajar y no haya tenido la oportunidad de hacerlo?

Considero que podría haber sido interesante colaborar con Arthur Alexander, un talentoso cantante y compositor de rythm and blues, nunca llegó a ser una gran estrella pero yo era un gran fan, lamentablemente ya ha fallecido. Si pienso en alguien más actual no podría decirte a nadie realmente, lo que sí puedo con-firmar es que he trabajado con casi todos los artistas con los que he querido trabajar.

Llegados a este punto, inevitablemente pienso en la figura de Dave Edmunds, músico junto con el cual formó una gran pare-ja bautizada con el nombre de Rockpile, una banda con mucho talento pero con una vida muy corta. ¿Qué ocurrió para que la banda no permaneciese más tiempo unida?¿Cómo es su rela-ción con Edmunds?

Cuando Dave y yo nos juntamos para tocar en Rockpile, el único motivo por el que lo hicimos fue por divertirnos y pasár-noslo bien, así de sencillo. Esto fue un arma de doble filo, era nuestra debilidad y nuestra fortaleza al mismo tiempo. Rockpile tuvo éxito porque disfrutábamos cuando nos reuníamos para ac-tuar, casi siempre hacíamos el papel de teloneros de otras bandas para abrir conciertos y esto es como una segunda división, no te-níamos tanta presión y nos divertíamos de esta forma, sin embar-go llegó un momento en el que la burbuja explotó y comenzamos a darnos cuenta de que ya no nos divertíamos como antes por lo que decidimos dejarlo. Ahora Dave y yo no tenemos una rela-ción demasiado fluida de hecho hace tiempo que no hablo con él, es una persona peculiar y considero que es una lástima porque la vida es muy corta como para no poder compartir aspectos de la misma con personas con las que has pasado tan buenos momentos.

Fue una de las grandes figuras del pub rock y una persona im-portante dentro el punk produciendo discos para grupos como The Damned, a menudo se dice que el punk acabó con el pub rock. ¿Está de acuerdo con esta afirmación? ¿Qué recuerdos guarda de aquella época?

En realidad no creo que fuera el punk el que acabó con el pub rock. Este era un movimiento que verdaderamente sólo triunfó

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en Londres, se intentó trasladar a otras ciudades dentro del Rei-no Unido pero no llegó a cuajar de la misma manera que lo hizo en Londres, nunca supe muy bien cuál fue el motivo, pero esa es la verdad. Fue una etapa apasionante, era la gente, a través del boca a boca, la que consiguió que aquella escena tuviera tanto éxito. Dr. Feelgood era una banda fantástica de blues pero mu-chas formaciones intentaban imitarles y lo hacían realmente mal, en mi opinión hay pocas cosas peores que una mala banda de blues. Esto influyó negativamente en la reputación del pub rock lo cual me lleva a pensar que el pub rock acabo consigo mismo. De la misma manera considero que el pub rock es la raíz del punk, los grupos de este movimiento comenzaron tocando en pubs cuando el pub rock comenzó a decaer, era una escena bastante

“underground” pero más atractiva para los jóvenes.

A lo largo de su carrera has evolucionado y modificado tus re-gistros, del new wave y el punk a una música pop con destellos de soul y country. ¿Eres de los que piensa que no importa la edad para tocar un determinado estilo de música o que por el contrario hay un tiempo para cada uno?

Creo que los tiempos han cambiado, en la época en la que vivimos no existe ningún problema en tocar rock & roll a los cin-cuenta, cuando yo empecé no había cantantes de pop mayores de treinta años. A los jóvenes de hoy les gusta la misma música que les gustaba a sus padres en contraste con mis coetáneos, nosotros no queríamos escuchar nada que escucharan nuestros padres, éramos más snob en este sentido. He estado con Wilco haciendo shows en América recientemente, el público era bastante joven y cuando me encontraba sobre el escenario notaba que estaban disfrutando de mi música. Hasta donde yo entiendo, la clase de música que yo pretendo hacer suena mejor cuando tienes una edad como la mía, le da un toque diferente, hacerse mayor tiene algunas ventajas (Risas).

El hecho de que haya escrito canciones para otros artistas, tra-bajado como productor musical para grupos y que en ambos casos cosechara altos niveles de éxito no le hace plantearse que probablemente si se hubiera centrado más en su carrera como cantante, esta podría haber alcanzado mayor reconocimiento entre el gran público de lo que ha logrado.

Probablemente sí, pero lo he hecho porque era mi voluntad. Siempre he tratado de evitar ser fácilmente reconocible para la gente porque esto te puede crear muchos problemas. Mi idea siempre ha sido labrarme una larga carrera en la música, si eres demasiado conocido más gente opina y esas críticas, comentarios, etc. pueden acabar contigo. Es muy satisfactorio que la gente te conozca y conozca lo que hagas pero hasta ciertos niveles. Me gusta salir a la calle y pasar desapercibido sin que nadie me per-siga ni me moleste en un restaurante cenando con mis amigos, ¿a quién le gusta eso?, desde luego a mí no.

Hace poco ha sido reeditado tu álbum “Jesus Of Cool” (1978) en el que se incluye “I Love The Sound Of A Breaking Glass” uno de sus mayores éxitos. En su última visita a España reco-noció que no es una de sus canciones favoritas y que no la suele incluir en sus actuaciones, ¿a qué se debe?

Bajo mi punto de vista es una canción fantástica, me encan-ta pero es el claro ejemplo de lo que comentaba anteriormen-te. Cuando voy al estudio tengo una idea clara de lo que quiero hacer con mis canciones y las grabo. “I Love The Sound Of A Breaking Glass” se encuentra entre esas canciones que llevas al estudio sin saber exactamente como va quedar finalizada, allí los músicos la arreglan, la adaptan y en este caso concreto consegui-mos una canción formidable, pero en un concierto interpretada con una guitarra acústica la canción pierde fuerza y no encuen-tro el sentido de tocarla.

En este nuevo disco podemos encontrar una versión de “The Poisoned Rose” de Elvis Costello, artista junto con el cual ha trabajado. ¿Sabe si él ha escuchado la canción y lo que le ha parecido?

Hace bien poco me dejó un mensaje en el contestador pero honestamente he de decir que no recuerdo lo que dijo. Él me ha escuchado cantar este tema en un concierto en San Francisco que hicimos juntos, no fue precisamente una versión como la que incluye “The Old Magic” pero normalmente a Elvis le gusta el modo en el que interpreto sus canciones, honestamente pienso que esta versión es incluso mejor que la que grabó él.

Para terminar, en diciembre viene a España a presentar este último disco, tiene tres fechas en Valencia, Madrid y Bilbao dentro del Heineken Music Selector. ¿Qué va a poder encon-trar el público en estos conciertos?

Voy a intentar hacer tantas canciones como pueda, la mayoría de mis temas son bastante cortos por lo que la setlist será larga. Me gusta que sea así ya que si a alguien no le gusta una canción tan sólo tiene que esperar dos minutos para escuchar otra que le guste. Voy a intentar hacer un concierto por el que haya mereci-do la pena haber pagado. Me presentaré con una fantástica banda, han grabado conmigo, son unos músicos geniales e intentaremos ofrecer un buen espectáculo. Tocaremos parte de mi viejo reper-torio y por supuesto canciones del nuevo disco, espero y deseo que la gente que se dé cita salga contenta de haber acudido.

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StephenMalkmus & The Jicks

Texto Leslie Hoffman y Juanjo GasparFotografía Leah Nash

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Mirror TrafficPuede que su carrera en solitario haya pasado algo más desapercibida, pero no es exagerado

decir que Stephen Malkmus, con su grupo seminal Pavement, cambió la historia de la música,

creando un género singular y propio.

Tras más de veinte años subido a un escenario, y diez acompañado por su banda actual, The Jicks, presenta el que puede ser su mejor trabajo hasta la fecha,

“Mirror Traffic”. Aquí abandona la parte más experi-mental y progresiva con la que había venido jugue-teando, y nos devuelve un disco más maduro y disfru-table, que cuenta con una producción de lujo a cargo del solicitado gurú musical de toda banda indie que se precie, Beck.

¿Cómo están yendo las cosas en el Primavera Club? Ayer tocasteis en Barcelona…

Sí, ha sido genial. La sala, la gente… también el hecho de poder ver a artistas nuevos con propuestas interesantes, como St. Vincent. Lástima tocar sólo dos días…

Los festivales son un evento eminentemente social para los fans, la gente se relaciona aquí con los de su misma especie… ¿Ocurre algo parecido en el back-stage? ¿Surgen nuevas colaboraciones de este tipo de eventos?

Sin duda. El backstage es también una fiesta. Todo está or-ganizado para que los grupos compartamos la misma zona, y te da la oportunidad de conocer a multitud de artistas con los que puedes quejarte de lo mucho que viajas y de lo que te gusta esto (risas). Respecto a las colaboraciones, quién sabe. El último disco lo hemos hecho con Beck Hanson, y casualmente nos habíamos conocido en el backstage de Lollapallooza o el KROCK Weenie Roast, no recuerdo… Mi problema es que muchas veces soy muy tímido. Una vez vi a Gavin Rosdale de Bush, que me saludó de forma muy amable, y yo reaccioné de forma rara con él porque no lle-vaba puestas mis gafas y no le reconocí.

Eres el compositor principal con The Jicks, pero leí que querías publicar el disco como The Jicks, sin tu nombre, y fue la discográfica, Matador, quien te sugi-rió que lo mantuvieses…

Eso fue un disco anterior, pero sí. Ya estamos acostumbra-dos. A todos los efectos somos un grupo. Mi nombre tenía más relevancia histórica que The Jicks, cuando empezamos. El razonamiento era: si estás pensando en ir a ver a ese gru-po, toca el tío de Pavement, que a lo mejor te gustaba, y si te gustaba Pavement, lo más seguro es que te gustará también esto. Es una cosa típica del Rock n’ Roll.

Al menos ayudará a vender más discos…Lo considero un forma antigua de hacer las cosas, algo de los años cincuenta. Es raro ver tu nombre ahí… Pero luego lo piensas, y ahí están Neil Young And The Crazy Horse o Nick Cave And The Bad Seeds, y todos estamos de acuer-do en que ellos son muy cool, (risas).

Para alguien que lleva tanto tiempo dentro de la es-cena musical, ¿qué ha cambiado en la escena actual respecto a los noventa?

Si ves lo que hace la gente del Primavera, Pitchfork o ATP, ves enseguida las conexiones. Todo está conectado con algo que se hizo anteriormente. Así es la música, la verdad, nada viene de la nada. Pero creo que esto ahora ha crecido mucho. Las cosas son cada vez más eficientes, es como funciona el capitalismo: cada año sale al mercado una cámara mejor que la anterior, aunque la anterior ya nos parecía genial… Y la música es así también de alguna manera. Durante las giras también ocurre lo mismo; el sonido y las actuaciones tienen una mayor calidad. Antes quizás era más nebuloso, y menos definido.

Dices que todo viene de algo, y en el nuevo disco hay muchas canciones que recuerdan irremediablemente a Pavement, o incluso a Bob Dylan… La primera vez que lo escuché no sa-bia! qué disco estaba sonando y noté algunas similitudes con The Grateful Dead. Sé que no son la banda más de moda…

No, The Grateful Dead son guays! Todos esos grupos son gru-pos que me gustan. A algunos los invoco directamente, y otras referencias son más casuales… Al final lo importante es hacer de todo ello algo tuyo, que defina quién eres. Pero me encantan esas percepciones y miro mucho en mi interior para identificarlas y hacerlas nuestras cuando tocamos.

Tus letras suelen ser abiertas y abstractas, pero muy bien escritas. ¿Es algo que haces porque son demasiado persona-les, o porque te parecen más universales así, y cualquiera se podría identificar con ellas?

Es una buena pregunta… Creo que a veces mantengo la letra abierta y críptica porque me da miedo decir algo de forma di-recta. Pero también me parecen más bellas y más efectivas así. Como táctica de escritura, las hace más perdurables, mas cho-cantes. También a veces puede ser simplemente pereza. O una cuestión fonética, de modo que las puedo cantar con más fuerza y proveerlas de un sonido más convincente. Otras, es lo mejor que puedo hacer y lo tengo que dejar ahí. Creo que en ocasiones debería de trabajarlas más, (risas).

¿Y cuánto te influye la política a la hora de componer?No mucho, la verdad. No hago lo suficiente caso a la política como para considerarme una autoridad. De todos modos, siem-pre es lo mismo. Hasta que llegue la próxima gran noticia… No sé. La política en EEUU es siempre lo mismo, no cambia, por muchas esperanzas que tuviéramos depositadas en Obama.

¿Eso está relacionado con trasladarte a Berlín?Es eso, y también ser padre. O cuestión de prioridades, supon-go. Lo de Berlín ha sido más un cambio por el hecho de hacer algo diferente.

Reunión y disco de Pavement en 2010. En 2011 has sacado disco con The Jicks. ¿Cuáles son los planes para 2012?

No tengo planes con Pavement. Eso fue algo hecho por nostalgia, pero una sola vez. Nosotros, The Jicks, tenemos nuevas cosas que enseñar. Empezamos a grabar “Mirror Traffic” hace un año y me-dio, así que estamos preparados ya para hacer nuevas cosas. Y eso es lo mejor, el misterio de lo que está por venir.

FanfarloTexto Jesús María Velázquez

Fotografía Deirdre O’Callaghan

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Rooms Filled with LightLunes por la tarde, lluvia acosadora, atascos escandalosos en el centro de Madrid y una

habitación de hotel preparada para desnudar el nuevo disco de Fanfarlo.

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Tras un día entero de promoción, la banda sueco-británica nos acoge con toda la amabilidad y disponibilidad a la sacar todos los detalles de “Rooms Filled with Light” (Warner 2012), un álbum que verá la luz a finales de febrero del 2012.

Tras escuchar vuestro nuevo trabajo me encuentro con la sensación de estar ante unos nuevos Fanfarlo, libres y sin ataduras o complejos sonoros, unos Fanfarlo capaces de fac-turar un lenguaje propio basado en un conjunto de matices indescifrables e insignificantes que hacen del “todo” algo distinto, discrepante, antagónico entre si pero a la vez tam-bién sugerente y lógico. “Rooms Filled with Light” es un paso más, una evolución en su trayectoria que se enrique-ce con múltiples detalles y puntualizaciones a partir de la base del sonido que propusisteis anteriormente en “Reser-voir” (Atlantic / Warner, 2009) y donde el single “Replica-te” (dosis justa e insuficiente de lo que nos depara “Rooms Filled with Light”) se alza como el tema con más carácter e identidad propia, el más diferente del disco, de hecho tengo la sensación de que parte con el sambenito de “can-ción anti-héroe”…

“Replicate” es la canción que hemos elegido para el single por-que realmente pensamos que representa el alma de nuestro próximo disco. Sí que es diferente, y que tiene una intensidad extra que otras canciones del disco no tienen. Como has dicho, posiblemente no es el tema ideal para describir el camino o lí-nea del sonido del álbum, pero si la atmósfera, el ambiente en el que discurre este nuevo trabajo y lo que hemos obtenido de esta atmósfera sónica.

Lo primero que destaca en una primera escucha en “Rooms Filled with Light” es la infinidad de cambios y contrastes que podemos encontrarnos tanto entre las canciones que componen este álbum como así mismo entre las partes que conforman los propios temas. Da la sensación de que hay tres o más canciones en una sola, dejándote la extraña sen-sación de que se ha podido desaprovechar todo ese trabajo. Ritmos muy elaborados de los que apenas podemos disfru-tar un minuto y que podrían ser clave en la melodía de una sola canción…

Sí, es cierto que hemos jugado con los cambios de ritmo en los temas que componen este trabajo, cada tema contiene números giros que nos permiten acelerar o frenar el ritmo del tema en particular y del disco en general. Pero no podemos dar rienda suelta a todas las ideas y melodías que hay en “Rooms Filled With Light”, esto nos llevaría a sacar un disco de cien canciones y no es nuestro estilo. (Risas). “Rooms Filled With Light” son doce canciones, algo más de cuarenta minutos donde podemos encon-trar una intensidad emocional y sonora extraordinaria.

Me dio la impresión de que el disco es comparable a una montaña rusa con un nutrido numero de cambios continuos de intensidad, de dirección y sobre todo velocidades y rit-mos que mutan de forma espontánea continuamente…

(Risas). No lo habíamos pensado así, pero es un símil bastante apropiado. Las montañas rusas son divertidas y este disco es di-vertido, existen todos los cambios y efectos que has comentado anteriormente y es lo que lo hace muy dinámico y fresco, alejado del sonido de nuestro anterior “Reservoir” (2009).

“Rooms Filled ith Light” supone un crisol de ritmos y me-lodías vibrantes, un collage sonoro donde podemos encon-trar reflejo en múltiples vertientes sonoras y donde la pre-gunta nace de la incertidumbre que genera el desconocer

que camino o ventana no es capaz de explorar las notas de Fanfarlo en sus composiciones….

Todo depende del momento, de la necesidad compositiva de cada instante y de cómo nos sintamos con ese sonido, hemos to-cado estilos indies, pop e incluso hay alguna influencia oriental en ciertas canciones y aunque en principio no tengamos ninguna prejuicio, creo que nunca podríamos trabajar con una base hip-hop o con algo que se aleje radicalmente de lo experimental.

Profundizando en el nuevo trabajo, “Shiny Things” es sin duda el tema que más me ha llamado la atención, la que más me gustó y la que personalmente me parece que tiene un toque más ochentero, más alegre, capaz de destilar un pop atrevido y desenfadado…

“Shiny Things” nos encanta porque es el tema más abierto y sin prejuicios de “Rooms Filled With Light”, en directo tiene un punto que hará bailar a todo el mundo. Sin duda podríamos de-cir que es la cara opuesta del single, el temazo de lujo que pasa desapercibido en la cara B del single, pero que esta ahí y acabara por sonar mas veces en tu cabeza. Esos contrastes son los que dan vida álbum.

“Tunguska” es otro ítem en el camino de este nuevo traba-jo, un tema que destaca y llama la atención desde el propio nombre a las notas que lo inundan envolviéndolo todo en un paisaje sonoro imposible, capaz de trasmitir una paz y un sosiego gélido, fantasmagórico, solo reanimado por la ex-quisita combinación entré la sección de viento que recorre todo el tema y el teclado final de la canción.

“Tunguska” es sin duda un tema muy especial, la atmósfera que transmite encuentra su inspiración en una zona de Siberia en la que hubo una extraña explosión hace más de cien años y que esta sin determinar aun hoy en día sus causas, sólo existen hipótesis. Esta explosión provocó un destrozo tan brutal entre los árboles de la zona que fue capaz de generar una imagen espectacular, es-calofriante, capaz de perdurar en la memoria de los que fueron testigos del insólito hecho cien años después.

“Rooms Filled ith Light” no saldrá hasta dentro de unos me-ses, a principios del 2012, algo sorprendente ya que normal-mente no suele demorarse tanto la salida de un disco y más aún cuando estáis inmersos en plena gira de presentación por España y Estados Unidos…

Estamos muy contentos con el resultado final de este “Rooms Filled ith Light”, de hecho estábamos tan impacientes por hacer llegar los nuevos temas a nuestro público que decidimos cerrar unas cuantas fechas para rodar los temas y recibir las impresio-nes y feedback del publico pero a la vez queríamos que el disco estuviera a la venta después de navidades, por eso decidimos pos-poner un poco la salida al mercado de “Rooms Filled ith Light”. Queremos huir del proceso consumista que hay implícito en el mes de diciembre y con la discográfica decidimos sacarlo a fina-les de febrero o principios de marzo.

Fanfarlo con “Rooms Filled ith Light” dispara su segunda bala cargada de una luminosidad que impregna cada una de los doce temas que lo conforma. La banda londinense se desnuda de prejuicios en su próximo trabajo para seguir explotando la máquina de crear, presos del ansia terrible por ejercer como dueños de su sonido el control sobre cada nota, sobre cada acorde, de no dejar un solo detalle al des-cuidado o la azar y dejándonos con la continua tensión de no saber cuándo y cómo Fanfarlo hará un giro de 180 grados que nos cambie la perspectiva inicial.

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Still CornersTexto José Ugidos

Traducción e interpretación Patrizia LoruFotografía Cat Stevens

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Creatures Of An HourStill Corners suspiran definiendo lo etéreo, soñador, tenue e inaccesible de su pop posmoderno, sigiloso, cargado de misterios alimentados por los teclados

sostenidos, casi perpetuos, que hacen de cada exhalación su último compás.

“Creatures Of An Hour” (Sub Pop 2011) nos arropa y pro-tege del frío con unas armonías sobredimensionadas que resuenan a órganos envolventes de vital sustancia, por mo-mentos eclesiástica y que nos acuna entre nieblas brumosas de ligera psicodelia setentera, de nanas melancólicas con aroma al dream pop ochentero y donde los ecos de las guita-rras resuenan desde lo más profundo de nuestro ser…

Still Corners se alimenta de la creatividad que conforma el dúo Greg Hughes y Tessa Murray, corazón y voz de un dúo que un día rozaron sus almas por casualidad para encontrar-se entre las nebulosas sombras que habitan entre sus densos y oníricos temas que componen “Creatures Of An Hour”.

Después de “Remember Peper?” (2008) llevaba un tiempo com-poniendo varios temas y había acumulado un buen puñado de canciones que me gustaban, pero sabía que les faltaban algo, un matiz, de alguna forma estos temas estaban incompletos…. Tesa llegó en el momento justo, si de forma totalmente casual, fue en una tarde oscura y lluviosa de enero, en una estación de tren de-sierta, si aquel tren donde nos encontramos no hubiera llegado a Kidbrooke, entonces no existiría la banda; es así de curioso. Su voz era el ingrediente faltante a nuestra música, así sin más se convirtió en el alma de los temas.

Greg Hughes y Tessa Murray dos almas gemelas, dos mi-tades de un todo que es Still Cornes, donde Greg Hughes compone los temas y escribe las letras y Tessa perfila unas melodías vocales brumosas, casi espectrales…

Nuestro sonido es un sonido que nos sale de dentro, es algo irra-cional y totalmente compulsivo, en ningún caso tengo la sensa-ción de que haya una obsesión por el detalle, aunque sí que me parece un sonido emocionante. Sale así porque es la manera de cantar de Tessa, que es muy aterciopelada y a la vez experimental.

“Creatures Of An Hour” (2011) es un trabajo que encuen-tra inspiración y locura no sólo en la música, sino también en las imágenes como agente estimulador y removedor de sentimientos, como ardiente cinéfilo que admites ser, en-cuentras en el impacto emocional de las películas que ves un punto de partida para tu propio material…

Alfred Hitchcock y David Lynch me gustan mucho, los estados de ánimo y las atmósferas que crean son misteriosos y hermosos a la vez. Las películas de Dario Argento también son maravillosa-mente extrañas, filmes como “Suspiria”, “Pheonemena”, y “Te-nebre” son excelentes. Otro pilar importante para este trabajo fue “Don´t Look Now” que se refleja en el disco como una gran inspiración… Debo haberla visto cientos de veces. Amo todo so-bre esa película, las escenas del lado inglés del país y de Venecia son encantadoras, es una película que da mucho miedo.

La imagen y la música en Still Cornes no es algo aleatorio, la fusión entre video y sonido se hace patente y efectiva en los directos, donde Still Corner suele utilizar proyecciones, para así obtener la formula completa para deleitarse y dis-frutar de vuestros temas al cien por cien.

Las proyecciones comenzaron como una forma de crear una at-mósfera en los escenarios en los que tocábamos. Me gusta bajar las luces, casi hasta el negro y utilizar tan sólo la luz de las pro-yecciones para iluminarnos. Esto crea un estado de ánimo y un sentimiento maravillosos para tocar. Además, no nos movemos mucho en el escenario, no somos el tipo de banda que se pasa saltando todo el directo, ni tenemos solos de guitarra para poner en los monitores. Por eso pensé que esta podía ser una buena ma-nera de dar a la audiencia algo hermoso e interesante para mirar… Además, si, creo que las proyecciones realzan las canciones.

Normalmente las definiciones no son fáciles, pero y etique-tar algo bello y emocional es limitar y obstaculizar su dis-frute, así Pop fantasmagórico, dream pop, post pop, son sin duda claves escuetas y escasas, muletillas perezosas.

¡Oh!, no no, ¡me gusta mucho pop fantasmagórico! Estas eti-quetas pueden ser a menudo un poco perezosas como dices tú, la vida sería mucho más fácil si cada banda fuera exactamente la etiqueta pegada a ella. Se podrían clasificar rápidamente como a latas de sopa. Pero las etiquetas tienen significado también…, quiero decir, no somos heavy metal, está claro. Pero entonces, ¿Still Corners es “dreamy pop”? Sí, pero también es otras cosas, como folk y electrónica, aquí y allá. Las etiquetas no me moles-tan mucho, ellas tienen su lugar desde un punto de vista amplio.

“Creatures Of An Hour” (2011) es un trabajo lleno de me-lancolía, tintado de una amargura esperanzadora, donde la tristeza nos regala una brizna de luz y esperanza que recae sobre la pesada carga que arrastran nuestras almas maltre-chas, fatigas de dar respuesta a la continua lucha que aflige este universo. Almas que encuentra su cobijo oscuro, oculto en la voz de Tessa Murray.

La voz de Tessa es magnífica, poco a poco va cogiendo presencia y cuerpo y hasta llegar a un punto en “The White Season” en el que a modo de nana, se muestra en todo su esplendor, dejándose ver más desnuda y expuesta.

Su voz, sin duda a estas alturas de “Creatures Of An Hour” se alza como algo único, exquisito y personal, alejándose de cualquier referencia o recuerdo. Así cuando suena la genial

“I Wrote In Blood”, las emociones se agolpan en nuestra garganta esperando el momento preciso para poder respirar, tragar saliva y hacernos tomar consciencia de lo minúsculo de nuestra relevancia y del dolor….

Este tema nos quiere hacer recordar, lo insignificante que pode-mos ser, nos recuerda en cada nota que aunque vivamos intentan-do olvidar la parte oscura de nuestro ser, hay siempre una nube oscura sobre todos nosotros, un posible drama en ciernes que nos persigue allá donde haya vida y esperanza, pues al final de toda la vida lo único fijo es que sólo hay muerte al final de cada cami-no. Es cierto que en “I Wrote In Blood” se palpa el dolor, pero también de alguna forma esta presente la fortaleza y la nobleza de los seres humanos.

MikaelOlsson

A day in the life of…Cuando, allá por el año 2000, su amiga Catharina le envió un email diciéndole que estaba pensando en comprarse una casa bastante

original y que si le apetecía ir a hacer unas fotos, Mikael nunca pensó que eso sería el principio de un bonito romance fotográfico.

Hasta entonces, confiesa que sí se había sentido atraído por la arquitectura pero nunca antes había fotografiado nada al respecto.

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Texto Ana HimesFotografías Mikael Olsson

El trabajo de este sueco es impresionante. Retratos, paisaje, arquitectura… sus fotografías transmiten esa especie de premeditada y lograda serenidad que hace que uno siempre quiera ver más y más imáge-nes. Además, ha sabido rodearse de gente igualmen-te profesional y cada libro que saca o proyecto en el que participa termina convirtiéndose en una auténtica joya editorial.

En un artículo leí que Olsson crea una sensación de recuerdos congelados, estoy al cien por cien de acuer-do; pero él, con su humildad y templanza nórdica, se limita a decirme un “bueno, digamos que lo que hago es coleccionar ideas y recuerdos”. Sea lo que sea, Mikael Olsson es un grande, sin duda.

Empecemos por el principio para situar a nuestros lec-tores. ¿De dónde eres y adónde vas?

Yo soy de Lerum, una pequeña ciudad al suroeste de Suecia.

¿Qué estudiaste y cuál ha sido la evolución de tu trabajo en la fotografía?

Estudié en la Escuela de Fotografía en la Universidad de Göte-borg y también Teoría e Historia en el Departamento de Arqui-tectura de la Universidad Tecnológica de Chalmers en Göteborg. Para mí la fotografía es un medio perfecto para investigar dis-tintas ideas y una disciplina en la que ponerme pequeños retos y sorprenderme a mí mismo.

Centrándonos en tu trabajo editorial, tu trayectoria parte del magnífico trabajo que realizaste en Sö-drakull Frösakull donde exploras el patrimonio de Bru-no Mathsson, uno de los diseñadores del modernismo sueco, a través de dos de sus obras arquitectónicas. ¿Nos puedes explicar quién editó el maravilloso libro “Södrakull Frösakull” y por qué decidiste trabajar con esa persona y la prestigiosa editorial Steil? ¿Pudiste involucrarte en el proceso de la edición? Cuéntanos.

Por aquel entonces yo ya llevaba trabajando en mi libro bastante tiempo, de hecho la primera foto de este proyecto la tomé en el 2001, y comencé a pensar en Jonas Jansson y Daniel Carlsten, no sé, presentía que podrían configurar y tejer las distintas ideas para materializar el libro que tenía en la cabeza. La colaboración que tuvimos durante todo el proceso fue muy abierta y muy cer-cana al mismo tiempo; y siempre tratamos de encontrar el enfo-que adecuado para este trabajo ya que trabajar con el Sr. Steidl es un auténtico privilegio. Tiene muchísima experiencia como editor, y la verdad es que nos apoyó y aceptó todas nuestras ideas, así que genial.

Pero tu trabajo no sólo se centra en la arquitectura más pragmática, también se acerca a esta a través de la moda, así recientemente has hecho las fotos de las

nuevas oficinas de Cheap Monday, ¿no? Un espacio que cuenta con más de novecientos metros cuadrados. ¿Cómo haces para escoger lo que vas a fotografiar?

Mi amigo y artista Uglycute diseñó el interiorismo de las oficinas. Me gusta lo que suele hacer así que decidí ayudarle a hacer las fotografías del espacio. ¿Viste? Metimos en alguna foto al perro de Ann-Sofi Backs, tan majo…

Seña de tu trabajo es sin duda la naturalidad y es-pontaneidad de las imágenes que captas, máxime en las imágenes centradas en el retrato, tan sensibles y especiales, es como si lograses captar la esencia de las personas retratadas, ¿cómo haces para que se sientan cómodas?

Por lo general lo único que trato es estar bien preparado y rela-jado. Creo que es importante que sientan que estás relajado para que todo fluya del mejor modo posible. Así de simple, quizás o de complejo, según tu estado anímico.

Los elementos naturales son un factor constante en tu trabajo. ¿Qué te aporta la naturaleza?

Para mí los árboles y los bosques son una verdadera fuente de energía.

Desde un punto de vista técnico. ¿Qué cámaras utili-zas, Mikael?

Normalmente uso la Arca Swiss 4x5 4x5, pero también Hassel-blad, Mamyia, Nikon y alguna otra.

Me parecen muy interesante las fotografías donde in-tentas soñar o imaginar la vida de unas personas que ya no habitan el lugar fotografiado, a través de dimi-nutos puntos de vista como una rendija o un ángulo imposible, es como una mirada voyeur, algo entre lo público y privado… Cuéntanos un poco acerca de ella.

Esta imagen es una de las incluidas en el libro “Södrakull Frösa-kull “, cuando actuaba como un auténtico curioso, espiando, mi-rando por la ventana y entre las cortinas en la casa privada del diseñador Bruno Mathsson. La casa estuvo intacta por un largo tiempo después de la muerte de la pareja y pensé que sería inte-resante fotografiar las memorias que estaban allí, tal cual, antes de que alguien más fuese y añadiera sus ideas o cualquier otra cosa. Este trabajo me llevó mucho tiempo y fui unas treinta veces a visitar y fotografiar la casa.

En tu proceso de trabajo, ¿existen algunas reglas a seguir para obtener la foto que quieres?

Creo que no, solamente saber sobre lo que se está trabajando y tener mucha curiosidad, esta es sin duda nuestra mejor arma, al igual que un periodista su mejor entrevista es la propia cu-riosidad sobre el personaje admirado, detestado, ansiado, que tiene delante de si para conseguir exprimir el máximo de infor-mación posible.

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En tus imágenes la naturalidad de la vida se refle-ja de forma pasmosa, hiriente, casi irreal o cuando menos simulada. ¿Cuando estás haciendo fotos, cam-bias o mueves los elementos de lo que vas a fotogra-fiar o no?

Sí, hago imágenes, no documentos. En el trabajo de la serie de “Frösakull” utilicé el edificio como una especie de escultura en movimiento. Por ejemplo, la sala principal aparece en veinticin-co versiones diferentes. Siempre trato de crear nuevos puntos de vista, para ello lo organizo y coloco intentando encontrar y materializar cómo fue y cómo podría haber sido al mismo tiem-po, cuestionando y haciendo hincapié en lo que puede ser des-cuidado o borrado a través de la ocupación en el futuro.

En la serie “Día A en la vida de…” donde la editorial sueca Libraryman cada mes invita a un fotógrafo di-ferente para mostrar los al final del día los resultados en la recreación de la historia de un día cualquiera, ya sea bajo el paraguas de la ficción como no de la no ficción.

Fotógrafo Stockholm basado Mikael Olsson había rodado las imá-genes en blanco y negro aireado, soñador en esta publicación en la isla de Capri. Su tema es la lisis de Villa, una mansión que fue construida por el poeta francés y escritor Jacques d’Adelswärd-Fersen. Tras huir de Francia en 1903 tras ser acusado de “indee-cency” con chicos jóvenes, conde d’Adelswärd-Fersen vivía en el edificio con su amante Nino Cesarini hasta su suicidio en 1923 relacionados con las drogas. El edificio fue diseñado por el ar-quitecto Edouard Chimot en una versión italianizados del Art Noveau. La entrada lleva la inscripción latina “Amori et dolori Sacro” – un lugar santo de amor y dolor.

Otra de las series que ha llamado mas mi atención es “A Day in the Life of Mikael” donde la editorial sueca Libraryman cada mes invita a un fotógrafo diferente para mostrar al final del día los resultados en la re-creación de la historia de un día cualquiera, ya sea bajo el paraguas de la ficción como no de la no fic-ción. Para ti, ¿cómo fue este día en tu vida?¿Qué pasa con esta serie “A Day in the Life of Mikael”?

El tema es la Villa Lysis, en Capri, una mansión que fue cons-truida por el poeta y escritor francés Jacques d’Adelswärd-Fersen. Después de huir de Francia en 1903 tras ser acusado de “indecen-cia” con chavales, el conde de Fersen Adelswärd vivió en el edifi-cio con su amante Nino Cesarini, hasta que se drogó y suicidó en 1923. En la entrada de la casa hay un letrero firmado por él donde puede leerse “un lugar sagrado para el amor y la tristeza”.

Como fotógrafo, amante y creador de imágenes. ¿A qué artistas admiras?

Jens Fange, Dan Graham, Beatriz Colomina, Karin Mamma An-dersson… son muchos, imposible quedarme con unos pocos (Risas).

Para acercarnos más a ti y poder conocerte un poco más, ¿qué estás escuchando en este momento?

El viento de las hojas de los árboles y mi té, que está listo.

Y ahora, cuéntame, ¿cómo es un día real en la vida Mikael Olsson?

Pues…, básicamente lo paso leyendo, corriendo, haciendo fotos, charlando ¡y divirtiéndome mucho! (Risas).

Si pudieses trabajar en un proyecto con cualquier fotó-grafo vivo o muerto, ¿con quién sería y por qué?

Me encantaría hacer algún proyecto en España, con Dan Gra-ham, creo que es una persona muy inspiradora. Quién sabe…

Terminemos con los planes de futuro. ¿Qué proyecto te gustaría hacer en el futuro cercano?

En este momento estoy trabajando en varios proyectos nuevos y en alguna exposición… pero bueno, quizás lo más importante es que estoy preparando un libro que sacaré dentro de no mucho, ¡espero que el año que viene! Hasta aquí puedo contar.

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1. Dum Dum Girls, Only in Dreams

Sub Pop 2011

El cuarteto de féminas californiano vuelven a regalarnos los oídos con sonidos bailables, riffs de guitarras y ritmos shoegaze. Como resultado tenemos un álbum en el que podemos encontrar temas que nos recuerdan que sus influencias van desde Ramones hasta The Ronettes, pasando por Siouxsie & The Banshees. Canciones como “Always Looking”, la excelente

“Bedroom Eyes”, o de un sonido vintage como “In Your Heart” son señas de entidad que dan paso sin prejuicios a temas lentos, sentidos por el fallecimiento de la madre de Dee Dee como en

“Hold My Hand” donde su voz explora paisajes más melancólicos.Un disco muy notable, y que promete más escuchas por mi parte. Carla Linares

2. Jonathan Wilson, Gentle Spirit

Bella Union / Music As Usual 2011

Es en la época de los sonidos analógicos donde empieza esta historia, en aquellos tiempos en los que la creatividad y la innovación eran una constante. Aquellos dulces setenta marcaron el corazón de J. Wilson, un soñador que a sus cuarenta años quiere aportar ese hueco que quedó libre en el tiempo. Una apuesta de Jeff Tweedy sin riesgo porque el presente debut tiene infinidad de motivos y de sensaciones, de rock con libertad total de movimiento para convertirse en un auténtico clásico. Un trabajo magistralmente autoproducido en el que la trascendencia de sonidos puros, de melodías sinceras, de desinhibición es sentida en su ambiente. Abel Molina

3. Kill it Kid, Feet Fall Heavy

One Little Indian Records 2011

Los de Bath vuelven para recordarnos que no es necesario vivir en la tierra de las barras y estrellas para hacer blues-rock. Y es que, en este segundo disco, han conseguido superar unas cuentas fronteras hurgando en las raíces más profundas del soul y el gospel para transportarnos a paisajes polvorientos de la mano de sus co-vocalistas Chris Turpin y Stephanie Ward. Los diez cortes de este álbum y muy especialmente “You’re In My Blood” y “Pray On Me” caen brutalmente sobre nuestras desdichadas almas, haciéndonos desear que el cielo esté habitado por poderosos riffs de guitarra y samplers del documentalista Alan Lomax. Que así sea. Caridad González

4. Other lives, Tamer Animals

TBO Records / Pias 2011

Mientras a este lado del Atlántico se dan palos de ciego en busca de un nuevo estilo en el que apoyar las más elevadas pretensiones musicales, en Norteamérica, al abrigo de una sólida tradición folk, se vive una época dorada al amparo de bandas dispares como Grizzly Bear, Fleet Foxes o Bon Iver. Más cercanos a estos últimos en cuanto al estilo y sobre una base que delata los orígenes de esta banda de Oklahoma, cuenta con algunos de los mejores arreglos orquestales que se han producido en los últimos tiempos y unas composiciones corales, sonrojarán a aquellos aficionados a superponer voces sin ton ni son. Destacan el guiño a Lee Hazlewood de “Old Statues” y el cierre, tan exagerado como brillante. Ignacio Simón

5. Superxiu, Idealism

Ampersand Records 2011

Parece extraño que para describir un álbum tan musical, con tantos efectos, arreglos y producción destaque por encima la voz

“britanizada” del polaco Damian Boriczyk, el cual es capaz de transmitir el sentido más preciso de la canción y las sensaciones escondidas tras las letras. El single elegido para dejar patente cuales son las intenciones de la banda es la relajante “Odyssey”, que contrasta y encaja a la perfección con temas como “False Lover” y la mística “Linne”. Superxiu rejuvenecedor descubrimiento del norte de Europa. Jesús María Velázquez

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9. Dear Reader, Idealistic Animals

City Slang 2011

Las once canciones que componen el segundo disco de este grupo liderado por Cheri MacNeil son una muestra de que el continente negro también alberga interesantes sonidos indies pop. Desde su inicio, comprendemos que la cantante nos hará gozar con su preciosa y dulce voz, acompañada siempre de complejos arreglos que hilvanan una variedad de instrumentos, algunos poco usuales en el pop: banjos, trompetas, acordeones y arpas. El disco arranca con la hermosa

“Fox (Take your chances)”, poseedora de un clima que se diría ‘post-folk’, con una sutil y delicada utilización de tecnología. Otra para destacar es “Monkey (You Can Go Home)”, con unos beats épicos que provocan bailar. Patrizia Loru

10. Cashier No.9, To the Death of Fun

Bella Union 2011

El penúltimo hype del año llega desde Belfast y suena a todo lo que ha triunfado en las últimas temporadas del indie: psicodelia amable, aires folkies, harmonías vocales, influencias reconocibles, la lista de clásicos podría empezar con The Beach Boys y terminar en The Hollies y el público de unos Stone Roses sin funk o unos The Shins descafeinados. El contrapunto lo da la producción de “To The Death Of Fun”, a cargo David Holmes jugando a intentar ser el nuevo Phil Spector, es tan buena, suena tan bien, que la duda ahora es si estos cinco chicos podrán llevar este sonido al directo. Supongo que tendrán su público y lo podrán comprobar. Roberto Carlos A. G

11. Stephen Malkmus & The Jicks, Mirror Traffic

Matador Records 2011

En este su quinto disco, el que fuera miembro de Pavement, retorna junto a el trío The Jicks, tras los conciertos de reunión protagonizados por la mítica banda californiana. Este es un disco que continua con la senda marcada en sus anteriores trabajos. Un disco de catorce canciones con unas melodías muy al estilo Malkmus, con la voz pegada a los solos de guitarra, o tal vez al revés, y con grandes temas que colisionan en muchas ocasiones con la lentitud de otros. Pese a ello, es un disco muy divertido aunque puede que al final resulte un poco monocorde y lineal, y que echa en falta en muchas ocasiones el toque de agresividad que tenía Pavement. Navo R. Jiménez

12. Richmond Fontaine, The High Country

El Cortez / Popstock 2011

Las diecisiete canciones del disco forman un todo inseparable que narra la atmósfera claustrofóbica que dos chavales sufren en su pueblo de la América profunda y su lucha por huir. Compuesta como una song-opera nos ofrece una inquietante instrumentación bajo una voz femenina en la que la narradora nos introduce tema tras tema en la historia. “The High Country” supone un muy buen ejercicio de estilo con unos resultados excelentes que, por desgracia, no se puede aislar en forma de canciones sino que recomienda escucharse en conjunto. Santi Fernández

13. Eh!, La Fase Del Sueño Intratable

Bcore Disc 2011

Deslumbrante segundo disco de esta banda surgida de selectos colectivos de Madrid y Sevilla que supera las expectativas despertadas por su anterior LP “36 de 48”. Una más que interesante producción compuesta de diez desconcertantes temas netamente instrumentales, sueños o pesadillas, con multitud de matices, de ideas, de tensión, de imágenes que son o pueden ser parte de una historia personal. La imaginación despierta, recorre nuestra inconsciencia acercando y alejando una tormenta crimsoniana de sonidos deudores también del maestro Zorn, eléctricos, desgarrados, jazzísticos. Abel Molina

6. Jon Allen, Sweet defeat

Mologue 2011

Jon Allen es un personaje de esos que ya no abundan. Salido de la escuela de talentos de Paul McCartney cita sin pestañear a Dylan, Rod Stewart y John Lennon como su santísima trinidad particular. Y no es difícil rastrear esas influencias en su nuevo disco, aunque claro, no esperen encontrar las partes más arriegadas de los autores de canciones como “Visions of Johanna”, “Stay with me” o “Mother”. Ya desde su manido título, la voz cálida y rasgada de Jon Allen se pasea por un catálogo de medios tiempos blandos, melodías sin gancho y arreglos obvios, sin más sobresaltos. Clasicisismo como sinónimo de falta de riesgos. Manuel González Molinier

7. Royal Bangs, Flux Outside

Glassnote Records 2011

Royal Bangs consiguen hacer del cambio su mejor virtud en este arrebato sónico que consigue elevar el espíritu pasando por una variedad de sonidos y referencias con las que conforman una extraña unidad. El trío de Knoxville consigue en la fusión de noise pop, psicodelia y rock garajero, un álbum estudiadamente caótico y el mejor de sus tres publicados hasta la fecha. Un sonido propio que huye de etiquetas y que convierte, lo que podría ser un hándicap, en su mejor seña de identidad. En definitiva, un LP que mejora con cada escucha, y que destacan temas como “Fireball”, “Triccs” o “Silver Steps”, grupo humilde sin miedo a experimentar, luminoso y extrañamente adictivo. Miguel Gabaldón

8. Justice, Audio, Video, Disco

Ed Bangers Recods 2011

Tras el sentimiento generalizado de sorpresa y satisfacción que nos dejo su álbum de debut, el dúo francés regresa después de un largo paréntesis con un trabajo en el cual dan un giro en sus aspiraciones que parecen orientarse decididamente hacia el rock añadiendo un estilo futurista que se acerca a la cara oculta de Daft Punk. El sonido no es tan digital y eso se debe a la irrupción de guitarras electrónicas que se presentan como una constante poniendo de manifiesto sus pretensiones de ser algo más que un grupo de discoteca apostando por un disco menos bailable. Hace falta más de una escucha para paladear la verdadera esencia que destila esta propuesta. Jaime Suárez

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14. Twilite, Quite Giant

Ampersand Records 2011

Al escuchar este “Quite Giant” te quedas con una sensación de tranquilidad absoluta, de haber sobrevivido a algo intenso y fuerte, pero donde al final el sabor de boca es bueno, que ha merecido la pena el calvario. La mezcla entre dar y aflojar, meter potencia y cambiar a la paz más absoluta es la carta de presentación de Twilite. Como ejemplo más claro está “Saving Time” en el que una hipérbole de efectos derivan en un guitarreo constante y fino. “Out of Control” destaca por su letra milimétrica y los coros exquisitos. “Quite Giant” sigiloso pero enorme paso a su internacionalización. Jesús María Velázquez

15. Loch Lomond, Little Me Will Start a Storm

Tender Loving Empire / Chemikal Underground 2011

Después de la tormenta siempre llega la calma. Y también en este caso, la elegancia y el virtuosismo de los muchos miembros que conforman la banda de Portland. En su séptimo álbum de estudio consiguen atraparnos entre finos encajes sonoros tejidos con theremines, armonías vocales y arpegios. Aunque, más allá de la impecable técnica y del dominio del medio, canciones como “I Love Me”, “Earth Has Moved Again” o “Alice Left With Stockings and Earrings” son capaces de tocar la fibra, emocionar y entristecer, hecho que justifica la inexorable perfección de sus temas y la sensación familiarmente desconocida que, tras su escucha, nos dejan. Caridad González

16. Emika, Emika

Ninja Tune 2011

Bristol vs Berlín. Emika delimita un universo siniestro y tremendamente hermoso construido a partes iguales con influencias de donde nació y donde ahora vive. Emika es un tratado de bass music pura y exquisita, que nace de las bajas frecuencias bristolianas y se alimenta del techno hecho en Berghain. Bajos monstruosos y violentos, envuelven su delicada voz tratándola como una capa más. Urbana y melancólica, oscura y cruda, música tremendamente física e intensa, el debut de Emika es un trabajo apasionante en la escucha, en la percepción de detalles propios sólo, de quién sufre de obsesión con la precisión de los sonidos. Fran Suárez

17. The Noises, Bellavista

BMG / Hook Ediciones Musicales 2011

Primer LP de una banda que conjuga los ritmos de la música pop-rock anglosajona con letras repletas de frescura, directas e interpretadas por una voz que emerge sobre la melodía y que en ocasiones se mezcla con los coros. Guitarras eléctricas bien acentuadas, acompañadas por enérgicas líneas de bajo y una batería muy potente configurando así el esqueleto de un disco nutrido por diez canciones donde destaca “1984” que se muestra como el claro exponente de lo que nos pueden ofrecer. Un proyecto dirigido mayoritariamente a un público joven y que posee un gran potencial para desarrollar directos dinámicos y cargados de fuerza. Jaime Suárez

18. Southern Arts Society, Another life

Clifford records / Colectivo Karma 2011

Los andaluces Southern Arts Society comandados por Andy Jarman, presentan su tercer disco de estudio donde nos regala un puñado de elegantes temas de pop rock a medio camino entre el “Bridges Of Babylon” de los Stones y los últimos coletazos de Marc Bolan. La voz de Andy se eleva majestuosa sobre una cuidada base rítmica, en la que destaca un piano eléctrico omnipresente que rememora los buenos momentos de este instrumento, cada vez más en desuso. Quizá el principal defecto de este álbum sea su gran virtud y es que a falta de una amplia variedad en la paleta sonora pongamos la canción que pongamos, siempre nos vamos a encontrar con una buena manera de alegrarnos la tarde. Ignacio Simón

19. Los Guajes, La vida es como un carrusel

Fonográfica Peñarrubia 2011

Vintage. Ese es el ubicuo término que resume hoy el encanto vigente de las estéticas pasadas. Desde fuera, esa estiqueta podríamos colgarle a los asturianos, que entre su larga lista de referencias, cuentan con pocas cercanas a nuestro presente. Y es que, ciertamente suenan a otros tiempos. En eso ayuda la garajera producción de Jorge Explosion y la voz cavernosa de Kike Guaje, a veces al borde de la quiebra. El resultado es un disco musculoso, frenético y voluntariamente revivalista, que podría hacer bailar a fans de Lone Star o de The Sonics, puro revivalismo, más interesado en perpetuar otros tiempos que en aportar algo a estos. Manuel González Molinier

20. Susanne Sundfør, The Brothel

Gronland 2011

Ya desde el primer contacto con su tercer disco, la cantautora noruega atrapa con su voz la atención para pasearse cómodamente por múltiples registros, mostrando que no se ha alejado del todo de sus orígenes, cercanos al jazz y a la música clásica, utilizando sus herramientas calmada y bellamente para llegar al mundo en clave más bien pop. Mérito: aunque un oído más amigo del rock o la distorsión puede bostezar a los treinta segundos, la voz de la Sundfor nos coge de la mano, nos hace hermosas promesas y nos sumerge ya con pocos prejuicios en un disco que atraviesa sus mejores momentos en la progresión. Famosa en su país, hay quienes la comparan ya con Joni Mitchell o Carole King. Patrizia Loru

21. You’re In My Head, One Sixth Of Tommy

Helium Records 2011

Hay días en los que uno necesita aparcar el agobio de la crisis, el pesimismo y se tumbaría en un campo primaveral, bajo el sol, para pensar sólo en el amor y cosas así. ¿Ataque de ñoñeria? Pues también. Para momentos así el presente trabajo es ideal. Estas tres chicas tan monas y con esas sonrisas de no haber roto un plato en su vida han grabado una colección de canciones que podría odiar, pero han terminado por engancharme y entrar a fomar parte de mi “botiquín emocional”. Principalmente acústico, Chris Hughes (Tears For Fears) ha realizado una producción que resalta su lado camp-indie-folk pero alejándolas del exceso de azúcar y el sonrojo, consiguiendo así un puñado de buenas canciones. Roberto Carlos A. G.

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25. MellowHype, BlackenedWhite

Fat Possum Records 2011

MellowHype es uno de los proyectos que forman parte del apasionante colectivo Odd Future. Responsables desde hace más de un año de las más interesantes convulsiones de la escena hip hop de Los Angeles, y que trata de reinventar el género a base de dark hip hop crudo y turbio, muy turbio.

“BlackenedWhite” sigue la estela trazada por trabajos como Bastard o Goblin de su amigo Tyler The Creator. Rimas frescas y beats oscuros y ralentizados. Violencia, sexo y marihuana. Y como no, no podían faltar las colaboraciones con ilustres compañeros de crew como Frank Ocean y Tyler The Creator que dan resultado en las brutales “Rico” y “F666 the Police”. Fran Suárez

26. Noel Gallagher, High Flying Birds

Sour Mash Records 2011

Definitivamente este no es un trabajo en el que puedan encontrarse himnos generacionales que se perpetúen en nuestro subconsciente. El ex de Oasis poseedor de un marcado libro de estilo, menos rockero que el de su hermano, parece como si se hubiera liberado, ahora es él y nadie más que él quien decide que quiere hacer. Así en “High Flying Birds” nos presenta un sonido cuidado, limpio y bien orquestado que recuerda a la banda de sus inicios. No se puede afirmar que haya arriesgado, tiene claro cuál es la fórmula que funciona y es un experto aplicándola. Noel cuida mucho los arreglos para que las canciones no tengan ni un ápice de artificialidad hecho que repercute positivamente en las melodías. Jaime Suárez

27. Art Brut, Brilliant! Tragic!

Cooking Vinyl 2011

Las letras de Art Brut siguen siendo pilar fundamental para apreciar a esta banda que, superado el bache después de su celebrado disco de debut “Bang Bang Rock & Roll”, lanzan su cuarto y ácido disco a medio camino entre la actitud de Jarvis Cocker y los Pixies. Un trabajo tirando a oscuro en lo musical que ni siquiera se toma en serio a sí mismo. Base potente de guitarras para unas canciones en ocasiones más recitadas con gracia que cantadas por Eddie Argos, entre las que destacan

“Lost Weekend” o “Axl Rose”. Un trabajo no espectacular pero con algunas frases si no trágicas, sí brillantes. Miguel Gabaldón

28. Blitzen Trapper, American Goldwing

Sub Pop / Popstock! 2011

La banda de Porland se mueve entre esos clásicos americanos: barbas, botas texanas y la melena al viento a través de la ruta 66. Hubo un tiempo en que Blitzen trapper degustaba el folk rock, definiendo en cierta medida la línea entre lo campestre y lo sintético, entre lo moderno y lo anacrónico. Este séptimo álbum es una colección de temas de fácil escucha, que evita cualquier atisbo de innovación lo que se traduce en una tranquila degustación de ritmos y clichés musicales ya presentes en las ideas mostradas por The Jayhawks, Lynyrd Skynyrd o incluso en el espíritu de Jethro Tull. Abel Molina

29. Kitsuné Maison, The Indie – Dance Issue

Kitsuné Maison 2011

La marca francesa estrena nuevo recopilatorio y con “The Indie – Dance Issue” llegan al número 11, álbum en el que nos presentan a sus candidatos a éxitos de listas y de pistas, como siempre. Están Is Tropical y su “The Greeks”, “Twist” de Peter & The Magician, “Roman” de Housse de Racket, Polarsets, Cosmonauts, Beat Connection, Creep… así podríamos estar hasta hacer un total de 16 grupos con sus 16 respectivas canciones que volverán a hacernos mover el esqueleto, confirmando a Masaya Kuroki y a Gildas Loaec como excelentes visionarios y reafirman una vez más al sello francés como sinónimo de actualidad, modernidad y muy buen gusto. Carla Linares

22. Efrim Manuel Menuck, High Gospel

Constellation / Popstock! 2011

Reconozco que el nombre de Efrim M. Menuck me pilló de improviso. La primera escucha fue dura, ácida, pero sintiendo vibraciones cercanas, llenas de experimentación, ambientación, pausa. Efectivamente, GY!BE es el punto de partida. Y es que el de Montreal, uno de los fundadores de ese innovador proyecto, se embarca en solitario para transmitirnos sus más íntimas divagaciones en forma de pruebas acústicas, de pasajes extraños a veces abrumadores y otras tantas indicadores del potencial atrapado en esta primera muestra. Abel Molina

23. Handsome Furs, Sound Kapital

Sub Pop 2011

Tras tomarse un descanso indefinido con Wolf Parade, Dan Boeckner se centra en su mujer (Alexei Perry) y en el equipo que musicalmente forman juntos y revueltos. Tercer disco del matrimonio de Montreal, de marcado sonido industrial, mucho electro y guitarras (aunque estas pierden bastante protagonis-mo frente a los sintetizadores analógicos). Destacan canciones potentísimas como “Damage”, más rockeras y con una mayor presencia de las guitarras como en “Cheap Music” o “What About Us?”, que promete ser todo un éxito de pista. La pareja nos muestra durante nueve canciones que son un matrimonio muy bien avenido, y queremos que siga así durante muchos LP’s (perdón, años). Carla Linares

24. Forest Fire, Staring At The X

FatCat Records / Popstock!

Han pasado tres años desde que la banda neoyorkina debutara con “Survival”, un disco que consiguió críticas excelentes en Estado Unidos, pero que sin embargo no llego a cuajar en Europa. “Staring At The X” es el segundo pistoletazo que comienza de una forma natural, con “Born Into” con letras de desamor y una voz que recuerda a la de Devendra Banhart, pero que se aleja de su estilo. Sorprenden sobre una nube de pop y música experimental, el detalle de instrumentos de viento que dotan este proyecto de un estilo particular. A la segunda, va la vencida. Jesús María Velázquez

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30. Francis International Airport, In The Woods

Siluh Records / Green Ufos 2011

Gracias a su primer álbum en 2008 “We Are Jealous. We Are Glass”, Francis International Airport se ha convertido en el grupo bandera y representativo del indie austriaco, algo que a priori no parece muy complicado debido a la escasez de bandas en el país europeo, pero independientemente de geografía, estos cinco amigos de Viena, han dado con la tecla exacta para hacer un indie actual, con punteos mágicos en

“All Your Lines End In Me” y una progresión parametrizada en “Solaris”. El disco termina con “The Art Of Unlearning”, una pista casi “a capella” con guitarras regateándose y dando un punto más a favor de su vanguardismo. Jesús María Velázquez

31. Blanck Mass, Blanck Mass

Rock Action Records 2011

Es impresionante el revival que se ha desatado en torno al ambient pastoral de tintes cósmicos encabezado por proyectos como Emeralds, Solar Bears, Oneothirx Point Never… Blanck Mass es el proyecto paralelo de uno de los miembros de Fuck Buttons que con su disco de debut se sube a carro de la épica abrumadora y los viajes al más allá, al de las decenas y decenas de capas sonoras que evolucionan hasta el infinito, al del ruido envolvente deudor de Vangelis, Brian Eno o Jean Michel Jarre. Efectivamente, nada nuevo bajo el sol, pero aunque no estemos ante un proyecto único y original “Blanck Mass” es un trabajo completo y perfecto. Un notable muy alto. Fran Suárez

32. The Right Ons, Get Out

Monk 2011

Lo nuevo de este combo viene a reafirmar la personalidad de los miembros que lo componen y es que estos madrileños creen, disfrutan y aman lo que hacen. Han dejado de lado el soul y el funk y se han mudado a una escena más rock & roll siguiendo unas líneas bien marcadas que orbitan alrededor de guitarras sucias, ritmos veloces y serpenteantes, pero que invitan al movimiento al igual que lo hacían en anteriores entregas.

“Purple Neon Nights” o “Do What I Want” son cortes que denotan la fuerte influencia del rock setentero que caracteriza al grupo. Quizás sea este el punto de inflexión que acerque su música definitivamente al gran público, el tiempo nos lo dirá. Jaime Suárez

33. General Elektriks, Parker Street

Discograph 2011

Hervé RV Salters, nos presenta dos años después de “Good City For Dreamers” un disco en el que la mezcla de estilos y sonidos como el funk, el pop, hip hop, e incluso rock dan como resultado un trabajo heterogéneo que provoca en muchos pasajes el no saber muy bien en que frecuencia musical se encuentra uno. Pese a ello, este francés consigue con sus teclados y sintentizadores grandes composiciones como

“Summer Is Here” o “Bad Day”, donde se puede apreciar una gran cantidad de instrumentos que nos sumergen en el sonido más genuinio de la banda. Este su tercer disco habla de la familia, de la muerte, y de los amigos, aunque se echa en falta la energía de sus conciertos. Navo R. Jiménez

34. Gomez, Whatever’s On Your Mind

ATO, Eat Sleep, 2011

El séptimo disco de estudio de esta banda inglesa indie rock comienza arriba, muy arriba, con la carne de hit “Options”, muestra del camino más cercano a un pop atemporal que Gomez ha tomado en los últimos tiempos y cuyos miembros son capaces de ejecutar a la perfección. Claro queda en esta nueva entrega que Gomez vuelve a dejar su pasado experimental un poco de lado. Aunque tras una escucha completa de este energético disco el balance es positivo, hay en él algunas canciones que se acercan demasiado a lo main, como el propio tema que le da nombre, y que según esta cronista se habría podido evitar. Patrizia Loru

35. Sonio, De No Estar

Repetidor disc 2011

Sonio en “De No Estar” ha sabido perfilar una particular atmósfera que se podría definir como poesía cantada. Su impecable melodía transita libre mientras la voz encuentra su espacio en los momentos en los que la música reduce, intencionalmente, su presencia. Todo ello huyendo del handicap de desacople que sufren muchos grupos que sueñan con hacer algo parecido. “De No Estar” se conforma de un conjunto de temas en los que el papel del ritmo lo marca un piano para que las letras inspiradoras se conviertan en puntales insustituibles. “Ella Esta En Un Punto”, pero sobretodo “Vida” y “De No Estar”, tras un par de escuchas, elevaran a Sonio a la categoría de indispensable. Santi Fernández

36. Still Corners, Creatures Of An Hour

Sub Pop 2011

El cuarteto liderado por la mágica voz de Tessa Murray y la pasión cinematográfica compositiva de Greg Hughes, estrena su esperado álbum de debut; una puesta de largo en la que nos envuelven con su excelente y cuidado sonido dream pop. El disco se compone de diez canciones que se enlazan a la perfección, empezando el viaje con “Cuckoo” y “Circulars” (en esta última el sonido del órgano es espectacular), llegamos hasta “Into The Trees”, en la que las baterías y las guitarras consiguen una melodía más animada, algo menos nocturna y de “buenas noches”, pasando por “Velveteen”, se acerca el final con “Submarine”, tema que supone el cierre perfecto de este LP de sobresaliente. Carla Linares

37. The Middle East, I want that you are always happy

Spunk Records 2011

Hacedores de un folk ambiental y crudo en sentimientos cercano a eso que muchos llaman post rock, los australianos editan su primer álbum. Tras anunciar en varias oportunidades su disolución, esta banda de Queensland optó mejor por la continuidad y apostar más fuerte. Así sus etéreos arreglos de voces alejan al oyente de lo terrenal, y recuerdan un poco a la despojada estética sonora del casi clásico José González. En tanto, los arreglos de cuerdas la acercan más a un country melancólico que a otra cosa. En suma, catorce canciones portadoras de un sonido intemporal capaz de calmar a los espíritus más feroces. Patrizia Loru

38. Katalyst, Deep Impressions

Invada Records 2011

Ashley Anderson vuelve a la carga desde que empezó a producir a mediados de los noventa en Australia. “Deep Impressions” define perfectamente el corazón de este álbum de remezclas, donde parece que el disco entero es una descripción de una noche de sueño en toda regla. Empieza con “Day Into Night” y acaba con “Dreaming Of You”. Destaca ”Pot Or Pills”, como el tema más divertido y con más ritmo, posiblemente esté en las sesiones de los djs más atrevidos. Este disco podría considerarse la continuación de

“What’s Happening” (2007), con el que podemos ver que existe una evolución favorable en técnica y producción, pero el gusto permanece perenne. Jesús María Velázquez

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Scott Langer

Scott Langer es un joven diseñador residente en Los Angeles (California), su trabajo basa su peso en obtener una identidad mediante el diseño editorial como herramienta. En él la tipografía cuenta con un papel fundamental por su capacidad para contener un mensaje que se refuerza con la sencillez de la imagen y un lenguaje conciso y directo. En esta ocasión Scott Langer en “Drink, Drank, Drunk” juega con el lenguaje de una manera divertida con el que resumimos las relaciones sociales que se establecen cuando bebemos vino. Drink: En primer lugar, la propuesta de beber, con la que sugerimos el caldo a disfrutar incluso a cualquier desconocido. Drank: Una vez abierto el vino, necesita respirar para dejar fluir tanto sus propiedades como la carencia por ofrecerse, de dejarse compartir, invitando a beberse, a que forme parte de su vida. Drunk: Llega el final de nuestra noche y de la experiencia con la que

descubrimos el pilar que sustenta y alimenta nuestra amistad.

Artelados

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JorgeGerada

IdentidadesHace unos años el nombre de Jorge Rodríguez-Gerada saltaba a las páginas de los periódicos gracias a su serie Identidad. Carboncillo

en mano, Gerada plasmó el rostro de ciudadanos de a pie en muros desnudos de ciudades como Madrid, Barcelona, Granada, Buenos

Aires o Sao Paolo. Retratos efímeros a escala colosal que mostraban rostros llenos de vida y de verdad, retando los semblantes producto

de photoshop que inundan los carteles publicitarios.

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Texto Cristina AgüeroImágenes Jorge Gerada

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J O R G E G E R A D A

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A R T E

Con esta serie Gerada quiso “rendir homenaje al ser anónimo” mostrando que “su vida es importante y puede crear un impacto en su entorno”. Al mismo tiempo la obra funciona “como puente entre quienes están involucrados con el arte contemporáneo y quie-nes nunca han entrado a una galería”.

En cuanto a la técnica utilizada, Gerada afirma que recurrió al hiperrrealismo “porque vivimos en una era fotográfica en la que tantas caras de tantas personas nos venden de todo, desde ideas políticas hasta la felicidad dentro de una botella de perfume. Yo no ha-cía retratos hiperrealistas antes de empezar esta serie. Aprendí a hacerlos para que el mensaje se transmitie-ra: hay que deconstruir y revertir los métodos a los que nos han acostumbrado”.

No era la primera vez que Gerada actuaba en el es-pacio urbano para contestar el mensaje oficial. Junto a Artfux, el grupo que fundó en Nueva York en los años noventa, llevó a cabo lo que se denomina Cultu-re Jamming. Esta práctica consiste en la intervención sobre vallas publicitarias alterando su significado, de esta manera se crea un contraste que atrae la aten-ción e invita a la reflexión.

“Considero que la manera que tenemos para defendernos de cualquier tipo de propaganda es cuestionarla. Reconocer que como ciudadanos tenemos derecho a opinar sobre lo que nos es impuesto y ser conscientes que cada contribución que hacemos cuenta para que el discurso no sea unilateral. El marketing ha im-pregnado todas las facetas de nuestras vidas. Estamos constante-mente bombardeados con mensajes que dictan qué tenemos que ser, cómo tenemos que pensar y en qué debemos gastar nues-tro dinero. El sistema intenta constantemente chupar la fuerza del arte urbano para vender productos e ideas. Son muchas las ofertas que se nos hacen para aprovechar la atención que está recibiendo nuestra obra y utilizarla como recurso de marketing. Por suerte somos varios los que rechazamos sus propuestas”.

Gerada subraya así cómo los valores estéticos son uti-lizados para dotar de mayor alcance un mensaje, sea publicitario o artístico. Pero no hay que olvidar que en su obra el componente visual está unido al conceptual. Con la realización de piezas de grandes dimensiones utilizando materiales y superficies destinados a des-aparecer, logra “crear algo grande, complejo y efíme-ro para que la gente se cuestione el por qué, el para qué y el hasta cuándo”. Es el caso de Expectations, un trabajo a gran escala realizado en 2008 con motivo de las elecciones presidenciales de EEU. Gerada, con la ayuda del arquitecto Alex Giménez Imirizaldu, perfiló el icónico rostro de Obama sobre la playa de Barcelo-na utilizando tierras de diferentes tonalidades. Citan-do a McLuhan, en esta intervención el medio cons-tituyó el mensaje: si efímero fue el retrato de arena,

efímeras fueron las ilusiones que despertó el líder.“Obama parecía la única alternativa posible y sin embargo los sueños y las expectativas generadas podían deshacerse como una montaña de arena en el viento. Recurrí a esta metáfora para hacer un llamado de atención sobre las razones que nos llevan a depo-sitar la fe en un ser humano y elevarlo a la categoría de héroe”.

En la obra de Gerada el tiempo es un elemento más, “un (in)“material” más en conjunción con el carboncillo, la arena, o el medio que según los requerimientos del trabajo elija”. Creación y destrucción quedan así liga-das por el lapso de tiempo que transcurre entre ellas, que no siempre es tan prolongado como el artista de-searía: “Me gusta que la desaparición fuera paulatina pero acepto las circunstancias que se presentan como parte de la vida de la obra. En una ocasión demolie-ron el muro de un edificio en el que intervine la misma noche que terminé, porque la constructora no quería llamar la atención sobre el terreno en donde iban a construir y ya habían salido varias notas en prensa”.

Los muros de Gerada son muros vivos, muros que res-piran a través de los diversos estratos acumulados a lo largo de su existencia, incluído el dibujo en car-boncillo incorporado por el artista: “Visualmente siem-pre me han seducido las texturas, por eso no podía hacer graffiti y cubrir con pintura el muro, necesitaba utilizar algo que me dejara incorporar la historia intrín-seca de la pared. El carboncillo no cubre, se incorpora como si fuese una capa transparente que siempre per-mite ver la textura real. De las superficies me interesa la historia. Me gusta también que al incorporar grie-tas, fierros, pintura descascarada, etc., mi obra no se impone al lugar sino que se agrega. La fuerza de la obra reside en la intersección entre lo que está y lo que agrego. Lo mismo pasa con su desaparición. Al desaparecer no envejece mal, no deja basura o un rastro negativo sino que se vuelve etérea”.

Esta técnica y la filosofía que implica fueron traslada-das al pequeño formato en la serie Analogías urba-nas, presentada por Gerada en su última exposición individual celebrada en la galería N2 de Barcelo-na. En ella el artista deja a un lado el componente ideológico que preside su obra para profundizar en

“la idea de la belleza y la recuperación histórica”, plasmando miradas que en este caso tienen vocación de eternidad.

P R O F I L E

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Clara CollinsTexto Amparo Fuentes

Traducción e interpretación Carla Linares

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Definir el trabajo de Clara Collins nos avoca al uso de la simplicidad de tres conceptos constantes

en su trabajo; Tejidos, Diseño y Espíritu.

“Tejidos”: ya sean en colores lisos o estampados, siem-pre únicos, elegidos con exquisito mimo. “Diseño”: formas puras, sencillas, pero siempre resaltadas por detalles ocultos.“Espíritu”: base de la esencia de la mujer contenida en cada uno de sus trabajos y que es capaz de hacernos sentir diferentes, especiales, envueltos en algo sutil, pero inalterable en el tiempo.

Una de las principales cualidades de los trabajos de Clara Collins es la calidad y versatilidad de sus teji-dos; partiendo siempre de bases naturales, así como de los tradicionales procesos artesanales japoneses, Clara Collins consigue piezas únicas donde las geo-metrías resuelven figuras imposibles en su patronajes. ¿Cuál es el criterio que sigue Clara Collins a la hora de llevar a cabo la selección de los mismos?

El tejido correcto y un patrón con un buen corte que consiga el volumen y forma deseados son elementos claves sobre los que construyo mis colecciones. Trato de tomar en todo momento las decisiones correctas, madurar el proceso creativo e inducir vida y expresión a mis conceptos.

En un momento en que el sector textil parece haber perdido la cordura, haciendo que el consumidor en-tre en círculos vertiginosos y en dinámicas de “usar y tirar”, Clara Collins se desmarca apostando por la creación de prendas atemporales que llegan a formar parte de la vida de sus adictas usuarias. ¿Qué lleva a Clara Collins a seguir esta filosofía?

Me produce una gran satisfacción que una mujer elija una de mis creaciones y la mantenga como un tesoro, haciéndola propia y llevándola puesta en base a su propio estilo, pero nunca de manera ostentosa. Para mí es muy importante que una mujer se sienta bien llevando mis prendas porque mi trabajo es mi pasión.

¿Cuál cree usted que será la futura evolución del sec-tor textil en este aspecto? ¿Cree que llegará un punto en que la sociedad pasará a ser consciente de los grandes inconvenientes ocasionados por el actual consumo irracional?

Eso me gustaría pensar, de hecho me entristece ver cómo nuestro mundo se vuelve loco rápidamente. Personalmente soy muy hos-til al tipo de sistema de moda rápida. La sobreproducción del ne-gocio textil anima al mundo a derrochar, la sociedad no es cons-ciente de que la mercancía gastada lleva a una contaminación desastrosa y a graves consecuencias para la humanidad. Ojalá, en un futuro, se tome conciencia de la dirección errónea que se está adoptando en este aspecto, y se consiga apreciar los valores rea-les de la vida. Mientras este momento llega, permíteme invitarte a compartir mi lema: “compra menos, pero compra bien”.

¿Cómo describiría al tipo de mujer para el que diseña Clara Collins?Creo que se trata de una mujer inteligente, culta, independien-te y de mente abierta. Una persona que rechaza la conformidad, y constantemente inventa su propio “dress code”.

¿Cuál es su proceso de trabajo que sigue cuando se enfrenta al desarrollo de una nueva colección?

(Risas). Tengo un cuaderno mágico, en el que anoto todo lo que me viene a la mente en cada momento, relacionado con mi traba-jo o no y cuando se aproxima una nueva temporada, consulto mi cuaderno mágico. Ese es mi ritual habitual para comenzar con la investigación de una nueva colección.

Nacida en Hong-Kong actualmente reside en Paris. ¿Qué le ha aportado profesionalmente cada una de estas ciudades a Clara Collins?

He tenido el privilegio de poder aprender con diseñadores eu-ropeos y japoneses. La adopción de Yohji Yamamoto de la geo-metría japonesa tradicional y los cortes puros, en algo moderno y con estilo, es uno de mis conceptos básicos. En mis creaciones también estan presentes los últimos diseños de Kawai que apor-tan color y alegría a algunos de mis diseños. En Europa, la gran tradición de Chanel e Yves Saint Laurent me ha enseñado más sobre las proporciones de las prendas para acentuar la belleza.

En la presentación de tu anterior colección el arte a través de la fotografía encontraba en tus trabajos la muestra perfecta del binomio arte y moda. ¿La moda es arte para usted? ¿Por qué?

Siempre me siento un poco incómoda a la hora de considerar la moda como arte. La moda se creó por un propósito funcio-nal, está destinada a una democracia casual. La consideraría más como un arte en relación con lo artesanal, y al diseñador como el artesano. En cambio el artista es completamente libre de ejecutar una obra maestra antidemocrática; el fin del arte es entendido con un valor y una función diferente. Arte y moda pueden coope-rar y producir interpretaciones poco habituales. Juntos pueden crear acontecimientos increíbles e inolvidables.

Algunos cronistas de moda han definido su trabajo como el mejor ejemplo del “oximoronyc ó oximoron concept”, idea con el que a partir de la presentación de dos conceptos opuestos en una sola expresión, for-man así un tercer concepto propio, ¿qué representa para usted esta etiqueta? ¿Cree que la define?

Así es como siempre he trabajado, ¡no tenía ni idea de que había un término concreto para definir este concepto! Pero me parece perfecta la definición.

Objeto imprescindible en el estudio de Clara Collins.Un espejo. El reflejo de una pieza de mi trabajo en el espejo es clave para la decisión final.

¿Escucha música cuando trabaja?Escucho música sólo cuando trabajo sola. Me encanta la ópera, el rock, jazz… Y cuando necesito encontrar un poco de paz y sere-nidad, escucho el Quqin (instrumento musical chino).

Y para terminar, ¿Cuáles son los planes de futuro para Clara Collins?

Tan sólo continuar con mi pasión.

Texto Raul Requejo

Amaral9 2

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Hacia lo SalvajeLa nueva propuesta de Amaral se nutre de

los esquemas clásicos del rock y del pop, arriesga, sube la apuesta y la supera.

Amaral factura un conjunto de estribillos pegajosos res-paldados con unas letras llenas de lirismo y emoción, de producción impecable, convierte a este “Hacia lo Salvaje” (2011) en un trabajo de sonido único, capital de su marca de la casa muy por encima de etiquetas y corrientes musicales.

“Hacia lo Salvaje” es casi un título premonitorio de lo que contiene este nuevo disco, que de alguna forma a recrude-cido sus sonidos acercándonos a sonidos más puros y au-ténticos, quizás más próximos a los sonidos que escucháis habitualmente. ¿Hacia dónde se mueve este nuevo trabajo?

“Hacia lo Salvaje” para nosotros tiene una significación más per-sonal que musical, el título es una declaración de intenciones y está asociado con lo desconocido o lo misterioso. Para noso-tros no es un símbolo de la evolución del grupo, porque siempre hemos hecho los discos de la misma manera, hemos hecho en cada momento lo que nos ha salido y como hemos querido. Por nuestra parte no hay ninguna voluntad premeditada de ir hacia ningún sitio, en Amaral no somos analíticos o cerebrales, sino impulsivos y emocionales.

Ahora después de que han pasado un par de meses de la inauguración del nuevo trabajo y que en cierta forma se ha aposentado después de todo el revuelo mediático. ¿Qué nos podéis contar de este ‘Hacia Lo Salvaje”? Descríbenos como percibís este trabajo dentro en vuestra trayectoria…

Nosotros siempre nos hemos querido mantener al margen de los revuelos mediáticos porque no nos interesan demasiado. Estamos muy contentos con la acogida que ha tenido el disco, el resulta-do en directo a sido también sin duda magnífico, estamos muy agradecidos porque los conciertos están agotando las entradas con mucho tiempo de antelación. Nuestra idea inicial era la que hemos seguido siempre, sacar el disco y acto seguido comenzar la gira de conciertos, establecer el contacto directo con el público, todo sin promociones raras, sin “trampa ni cartón”. Realmente somos un grupo que hemos crecido en directo.

Pero de alguna manera el hecho de tener una masa de segui-dores cercanos al panorama mainstream también imagino que puede suponer cierta responsabilidad en cuanto a lo que se ofrece, ¿no?

No, para nosotros lo único importante es que las canciones que nos salen sean verdaderas, tienen que ser como pequeñas pelicu-litas, de hecho Eva y yo siempre decimos que hacemos canciones porque no sabemos hacer películas. Lo más importante es que nosotros estemos completamente convencidos de lo que tocamos, con eso nos vale. Sabemos que llegamos a gente diferente y nos encanta. De hecho creemos que las etiquetas están para destruir-las porque todo lo que sea limitar las cosas es malo.

Profundizando un poco en los temas que conforma el pre-sente trabajo, uno de los temas que más destaca es “Antár-tida” con un riff inicial que recuerda a los recientemente extinguidos REM y donde encontramos versos “como levi-tar sobre el dolor, como caminar sobre la Antártida sobre el hielo deslumbrante bajo el sol”…

“Antartida” surgió como búsqueda de la pureza, de algo real, la gestamos a partir del verso “es como caminar descalzos sobre la Antártica”. Es la canción menos narrativa que probablemente hayamos escrito, está basada en más imágenes, tiene un mantra que se repite entorno a un riff de guitarra. En ella están presentes diferentes grupos que nos influyeron en el pasado los Birds en los sesenta, los primeros discos de REM en los noventa, música folk tocada con electricidad. “Antártica” es sin duda una canción de la que nos sentimos muy orgullosos.

El contrapunto a unas guitarras ásperas y prioritarias lo marca un tema como “Montaña Rusa”, tema que arranca con un bajo contundente y que mantiene la pauta durante toda la canción.

Sí, en un principio fue un riff de guitarra que luego se transformo en un riff de bajo y puedo decirte que nunca la hubiéramos gra-bado si no hubiésemos escuchado a lo Pixes.

Referente a las letras destaca su fondo biográfico o al me-nos de situaciones cercanas y comunes. Hay versos como el citado de Antártida o… “Cuando Suba La Marea” o “Ha-cia lo Salvaje” tema que abre el disco… ¿Es la vida fuente inagotable de inspiración para Amaral o las letras son el mejor modo que tiene Amaral de liberar sus inquietudes y su temores?

Sí, nuestras letras están inspiradas en nuestras experiencias, las vivencias de nuestros amigos y lo que vemos en la calle. “Hacía lo Salvaje” tengo la sensación de que se va a convertir en un tema imprescindible en nuestros directos a partir de ahora. Hay gente que ha dicho de ella algo que me encanta: “es rara pero me gusta”.

Echamos la mirada atrás. Hace casi quince años de vuestro primer trabajo como Amaral. En el mejor de los casos, ¿os imaginasteis alguno de los dos, no ya el éxito conseguido, sino el estar dentro de la música, viviendo de ella casi du-rante 20 años, en vez de dar clases o dedicarse a la escultura?

Nunca hemos hecho planes para el futuro, simplemente nos sen-tíamos muy contentos tocando en salas pequeñas. Nosotros no teníamos más pretensiones, ha sido el público quien ha decidido que estemos hoy haciendo esta entrevista y que hayamos publica-do seis discos. Nosotros habríamos seguido tocando aunque nos dedicásemos a otras cosas, porque para nosotros la música es una necesidad de expresión. Además, probablemente si nosotros hu-biésemos planeado todo esto, no hubiese salido…

Para terminar destaca dos temas que resaltarías de este disco.“Cuando Sube La Marea” y “Antartida” me gustan mucho, pero mañana probablemente podría decirte otros dos temas.

Dinos un par de grupos que te gusten de siempre y otro par de grupos que has descubierto recientemente.

The Nacional van camino de convertirse en un clásico para mi, y a nivel nacional Lagartija Nick me parecen un clásico tienen una mezcla de energía y sensibilidad muy especial, además An-tonio tiene voz muy peculiar y una manera de frasear que me gusta mucho.

CastorinaCastora Fe Francisco

Tras la frágil y escueta imagen de Castorina se esconde la personalidad de una artista de gran fortaleza y creatividad.

Una sencilla artista a la que la vida le lleva a modelar su pasión, a expresar su inquietud, a través de la naturaleza de la piedra.

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Texto Javier MielgoFotografías Amando Casado

Su obra desarrollada a partir y para la piedra nos conduce a un concepto donde la plasticidad se desa-rrolla a través del volumen como concepto, como un bloque impenetrable sólo acariciado por las diferen-tes texturas que le imprimen las manos de Castora Fe Francisco para resaltar y hacer vigente el tratamiento purista de la idea que surge de su corazón.

Busquemos la definición y el origen del artista. ¿Quién es Castorina Fe Francisco dentro y fuera del mundo del arte?

Creo que sólo hay un recinto, no estoy ni fuera ni dentro, estoy en mí. Me resulta muy difícil hablar de mi misma, sin embar-go como definición o clave para conocer a Castorina te podría decir que el arte me apasiona y simplemente donde hay arte está Castorina.

La presente exposición en la Fundacion Cerezales An-tonino y Cinia se compone una serie de dibujos, textos, esculturas, vídeo y fotografía, ¿qué resaltarías de esta exposición? ¿Cuál es el hilo conductor de la exposi-ción y que de alguna forma conecta de forma invisible todas y cada una de las piezas que constituyen la muestra, a parte de ser la mujer como tema principal y objeto de expresión?

En primer lugar he de decir que he tenido un equipo técnico fabuloso amparándome, la Fundación se ha volcado conmigo, me he sentido muy feliz y querida, creo que el resultado de la exposición es perfecto. La sala ha quedado íntima, evoca a me-ditación, las piezas parecen vivir allí dentro su propio mundo. En la exposición está presente la mujer como tema principal pero también lo están “las ganas de crear”, el amor que se pone en los proyectos personales como eje esencial. Quizás este sería el hilo del que tu hablas aunque a mi me gusta más ver la expo-sición como una madeja, me encanta hacer bocetos para luego llevarlos a la piedra, aunque muchas veces sea la piedra quien me indica el camino a seguir…Hay una serie de nueve piezas dedicada a la mujer que sufre, hay también piezas dedicadas a la maternidad que para mi es muy importante, porque considero que en cada piedra que encuentro hay una maternidad. También hay en la exposición una pieza de pizarra de seis centímetros de grosos (material complicado a la hora de trabajar) a la que llamo “Protesta”, porque uno no es

manso todo el día también tiene sus momentos de rebeldía sobre-todo contra las injusticias sociales.

En palabras de la Fundación esta exposición supone “un autorretrato creativo, actualizado, que busca la cercanía y la complicidad, permitiéndonos un espacio íntimo y de proximidad, para ser disfrutado”… ¿Qué supone para ti esta exposición?

Sí, la exposición está compuesta de diferentes elementos, hay materia dura o piedra, cartas, poemas, bocetos y un video todo ello forma un conjunto creativo, en el que no hay nada postizo. Esta exposición me ha hecho sentir muy feliz.

En la difícil hora de la selección, ¿Qué obra destaca-ría o seleccionaría Castorina Fe Francisco del resto de obras y por qué?

Tal vez me quedaría con los bocetos, que para mi son una parte del proceso creativo muy importante, la creación del boceto es una fase inicial y para mi esencial, vital por que en el se contiene toda la pasión del artista, toda la fuerza de la idea. Los bocetos son un trazo limpio que genera una idea… La gente en general tiende a fijarse más en la obra acabada, pero a mi me encanta el proceso de creación, ese primer momento impregnado de lim-pieza y espontaneidad que luego genera una obra final, completa y concreta que ya habla por sí misma. También es cierto que la piedra es muy poderosa y ella misma te indica lo que debes de hacer, también la herramienta si la utilizas con energía te orienta. Por último, hay otra parte de la exposición que para mi también es muy bonita, me refiero al video donde a través de diferentes secuencias se recoge mi vida cotidiana y mi lugar de trabajo… En definitiva mi día a día y mi manera de vivir íntima y rústica.

¿Cómo es el proceso creativo para Castorina? Parte de una idea y busca y una piedra que le permita de-sarrollarla o es inverso, es decir a partir de una piedra va desarrollando la obra.

Hay un poco de todo, pero en cualquier caso para mi la piedra es esencial y es ella quien muchas veces me indica y me guía a la hora de crear la obra; es un proceso lento al que yo no cuen-to las horas, no pienso nunca en el valor material de las obras, simplemente cargo a las piezas de mi energía y así es como van funcionando… Yo vivo de esta manera, tal vez sean los años que le hacen a uno verlo todo de otra forma…

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En tus obras una constante recurrente es la mujer como tema central y como mencione anteriormente es el objeto de expresión… ¿Por qué esta necesidad de dibujar y perpetuar el cuerpo de la mujer, y sus virtu-des y sus sentimientos?

En primer lugar he de decir que no tengo nada en contra del sexo masculino, simplemente como yo soy mujer es lo que más co-nozco. Pero también aparece a lo largo de mi obra el cuerpo del hombre, lo he representado como ser fuerte en el que la mujer se apoya. Aunque, evidentemente últimamente la sociedad está cambiando mucho en este aspecto.

¿Qué supone la maternidad, como concepto, en el tra-bajo de Castorina?

Es un sentimiento de vida, la maternidad es la fuerza de todo…Otro punto recurrente en tu obra, quizás sea la talla y la piedra como lienzo, incluso cuando escapas de la escultura hay un re-cuerdo de ella en tus otras composiciones, como es el caso de la pintura “La Piedra De Las Nanas”. La piedra siempre está pre-sente en mi obra, es una constante en ella. “La Piedra De Las Nanas” es un cuadro a color con técnica mixta, que reúne varios ideas y conceptos en uno, por un lado el corte que tiene es idén-tico al de una piedra, por otra parte la piedra representa a una madre que abraza ha si hijo y le canta nanas para dormirlo.

Críticos han descrito tu obra como “… plena y rotunda, cerrada sobre si misma, de bulto redondo, para así el bloque alcanzar la máxima expresividad facilitándo-nos la plena comunicación expresiva y conceptual”… ¿Cómo definirías tu obra?

Estoy de acuerdo con esa definición. Valdés, el catedrático de Arte, en una ocasión dijo que mi obra era “pequeña pero mo-numental”. Mis obras son de pequeñas dimensiones porque no tengo posibilidad de trabajar en grandes dimensiones ya que mi técnica de trabajo es artesanal, sin utilizar ninguna herramien-ta eléctrica. Pero personalmente me gustaría ver mis pequeñas obras en tamaños mayores, y además creo que funcionarían muy bien por sus volúmenes… De hecho, mi obra “Maternidad” ha sido llevada en un tamaño de sesenta por ochenta centímetros, con las proporciones que ello requiere, por Tadanori Yamagu-chipor, por supuesto marcando yo los puntos de referencia, y el resultado es positivo, la obra funciona y al verla pienso que mi escultura sirve para estar en cualquier sitio y dice:”aquí estoy yo”.

Pero en tu obra también encontramos el material como camino o vía de expresión, recuperando un ma-terial tan humilde y difícil como es el canto rodado… ¿Por qué el uso de la piedra y en concreto de este material para tus obras?

Sí, para expresarse y crear sirve cualquier material, la cuestión es tener ganas de hacer. Tengo, por ejemplo, una escultura de un “abrazo amoroso”, realizada en un canto rodado que recogí en Riaño, trabajar con él fue complicado porque es una piedra anárquica y quebradiza a la que para conseguir un buen resul-tado tienes que respetarla y seguir sus “indicaciones”… Tengo otra obra realizada con un canto de Las Tercias, que me trajeron

unos amigos… Es una piedra rosada y muy bonita, que antigua-mente utilizaban para afilar herramientas, se trata también de una piedra complicadísima de trabajar, puedes emplear en ella mu-cho tiempo para no sacar nada, pero como yo so muy insistente y “cabezona” saqué de ella una obra que es una cabeza pensante…

Para ir finalizando, ¿ha sido la escultura y el arte en general una tabla de salvación de la vida o ha sido la mejor manera de interpretar la propia vida para ti?

Sin duda el Arte ha sido una tabla de salvación para mí, me ha ayudado a aguantar sufrimientos muy grandes en mi vida. Creo que sin el Arte hubiera muerto.

Por último, para una mujer tan activa como usted, ¿cuál es el próximo proyecto en el que esta trabajando?

Yo no pienso en eso, simplemente trabajo para mi y hago lo que me apetece…Y luego han ido surgiendo propuestas y oportunidades…

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C A S T O R I N A

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Brett AndersonTexto Carla Linares y Jesús María Velázquez

Fotografía Clare Shilland

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Black RainbowsA priori, parece inevitable el mantener una conversación

con Brett Anderson y no mencionar la palabra Suede, pero más allá de la mitificación de uno de los mejores

grupos de la historia, está la grandeza y actitud de una estrella que tiene el derecho a ser libre y anárquico

a la hora de crear y transmitir.

Casi cada año hemos tenido un nuevo disco de Brett Ander-son, algo que indica claramente que tu cabeza no para de pensar en música y componer… ¿Estás en una “etapa dora-da” en tu vida como músico?

Sí, y ahora tenemos otro disco, (risas) realmente me siento muy creativo, han sido cuatro álbumes en los últimos cinco años, y es que para mí el estar trabajando, componiendo, es muy excitante, pongo mucha energía en ello, y ver el resultado de todo el esfuer-zo que conlleva cada uno de los discos, en cada tema, es increíble.

Este es un trabajo muy poético, “Black Rainbows” (Pias 2011) es un título sencillo y directo, quizás no muy positi-vo, pero que entraña una extraña belleza. “Black Rainbows” sólo dos palabras, pero que pueden llegar a significar mu-cho. Para ti, ¿Qué significan estas dos palabras?

Bueno, es una especie de contradicción, una paradoja. Me gustan las paradojas, son interesantes y te hacen cuestionarte las cosas. Con ellas nunca puedes dar por hecho, creo que parte del tra-bajo del artista es profundizar en el misterio, y en cierto modo me atrae ese misterio, el misterio de lo contradictorio, oscuro pero hermoso…

Encontramos poesía en la letra de tus canciones; la por-tada del álbum (una bella imagen de Anderson tras unas flores) también resulta muy poética. ¿Qué es la poesía para ti? ¿Cuáles son las raíces de este álbum? ¿Es la poesía una de ellas?

Vaya, ¡gracias! La verdad es que sí, mientras escribía el álbum es-cribía a la vez poesía para prepararme, me empape de poesía, leí y releí constantemente a gente como Silvia Plath, a Robert Frost. Me gusta la poesía, es un arte hermoso e interesante dada su ma-leabilidad. El mínimo cambio que se haga en la mínima pieza del trabajo puede cambiar el sentido y el significado de la totalidad de la obra, y eso no suele pasar con la música. En realidad creo que la música es más simplista, aunque también es verdad que de alguna forma reside ahí parte de su belleza; por otro lado, existen ciertos elementos que encuentras en la música que en la poesía son más difíciles de encontrar. Puedes comparar el escribir can-ciones con escribir poemas, existe cierto parecido… En definitiva, me gusta la poesía, leer poesía, y sí, creo que ha dejado su im-pronta de algún modo en el álbum.

A lo largo de todo el álbum encontramos canciones muy luminosas, de románticas y amargas letras, como “Brittle Heart” o “Possession”, y también encontramos canciones poderosas, enérgicas, como “Actors” o “The Exiles”. ¿Es

“Black Rainbows” un disco optimista o pesimista?Uhm, no sabría qué decirte en realidad, (risas). Bueno, creo que es como el título del álbum, es ambas cosas a la vez. Es una pa-radoja como te decía antes, pero no sabría decirte si es más una cosa u otra. Lo que sí que creo es que cualquier arte, cualquier música, debe ser en parte un reflejo de la vida, y la vida en sí es una paradoja.

Hay una frase en las letras de “Unsung” que llama la atención, y que en realidad suena como una conclusión:

“Yes, life is your love song”, pero la palabra “unsung” cam-bia un poco el significado. ¿Qué puedes decirme sobre esta canción?

Es una canción que trata sobre la vida real, sobre las promesas que hacemos durante nuestra vida: promesas cumplidas, prome-sas sentidas, y que en cierta forma estas promesas también supo-nen una especie de recordatorio sobre quienes somos realmente y como somos. Es una canción que trata sobre arrepentimientos, y “Yes, life is your love song” podría ser sobre cómo la vida nor-mal, puede llegar a ser tan creativa, tan importante, como la de otro cualquiera. Un hombre corriente, una esposa, puede que no estén haciendo historia, pero su vida es un arte como otro.

Creo que “Thin Men Dancing” es la canción con más sabor británico de todo el álbum, gracias al sonido de las guita-rras y a la manera en que cantas, trasmitiendo más energía, con una actitud más cercana al rock. ¿Cuál es la idea tras esta canción?

Es algo puramente musical la verdad, es una canción con bas-tante “groove”, quizas la palabra sea “glam”, sus raíces, sin duda, pueden ser la música de los setenta, es una canción divertida, y la parte de la guitarra es muy sexual.

Haciendo balance “Black Rainbows” es quizás tu álbum más rock and roll de los últimos seis años, ¿Qué es lo que sienta mejor: el rock o el pop? ¿Con qué estilo te sientes más cómodo?

Bueno, la verdad es que me siento más cómodo con el rock, creo. La música pop es bastante peliaguda, difícil… ¡Misteriosamente peliaguda! Realmente no sé si sigo sabiendo lo que es la música pop. Sí, durante los noventa hicimos canciones muy pop, como el

“She’s In Fashion” o “Beautiful Ones”, pero definitivamente me quedo con la música rock.

El sonido del disco parece más trabajado que los anteriores… Parece que cada canción se ha pensado y se ha pensado con estrategias diferentes. ¿Has cambiado algo en la producción tras “Slow Attack” (2009)? A la hora del proceso de pro-ducción, ¿qué prefieres: la improvisación o el tenerlo todo más controlado, casi al detalle?

Bueno, este álbum nos llevó más o menos un año. La primera se-sión fueron tres días de trabajo intensivo, pero después me centré en trabajar cada canción mes tras mes, tras mes… Ha sido bastan-te duro, pero no me ha importado tener que trabajar así, creo que ha funcionado. También ha sido emocionante, y han salido bue-nas canciones, como por ejemplo “Unsung” que creo que es una de las canciones de las que más orgulloso me siento de toda mi carrera musical, y aunque solamente saliera una buena canción de todo este proceso, merecería la pena, ¡seguro!.

La última pregunta de esta entretenida charla es ¿“Black Rainbows” el primer paso de los nuevos sonidos menos pop y más rock en tu carrera como solista?

No sé qué haré después, la verdad, me encuentro muy bien ha-ciendo música más rock & roll, por lo que sí, puede que sea una buena idea. Tal vez, tal vez… (risas).

M Ú S I C A

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Cecilia del Val, afincada en Zaragoza, si bien se ha dado a conocer hace relativamen-te hace poco tiempo, ya ha conseguido ser algo más que una joven promesa.

En sus fotografías Cecilia construye un universo paralelo dibujando escenarios con un detalle y precisión que llega a rozar la obsesión, como si se tratasen de fotogramas de un sueño, Cecilia forma parte de ellos autorretratándose como una heroína moder-na para vivir a su antojo aventuras entre bosques encantados, decorados de pelícu-las de ciencia-ficción y arquitecturas periféricas. Paisajes a través de los cuales intenta buscar su propia identidad, desdoblándose para ello en múltiples personajes dentro de un mismo entorno, evocando así el dolor de la vida real a través de la fantasía de los sueños. El lenguaje de Cecilia del Val nos obliga a cuestionarnos la realidad

de nuestra identidad y su desdoblamiento en multiples personalidades.

La obsesión de Cecilia por el detalle en sus composiciones hace que no deje nada al azar, así cada una de sus obras es estudiada milimétricamente, llegando a realizar bocetos previos a la ejecución de las fotografías en los que ni las localizaciones ni el

atrezo se entrega a la improvisación o al descuido.

Cecilia Del Val

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P R O F I L E

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t r i b e

s t a t e

F o t o g r a f í a M a r k u s R i c o E s t i l i s m o C e s a r D a r i o

M a k e u p & H a i r I r i s M a i r a l , p a r a M a c

M o d e l o s U N O m o d e l s : C a r l o s G a r r i g o s , I v e t a S ,

M a r i a K o n i e c z n a , R a f a B o d g a r

A s i s t e n t e f o t o g r a f i a C a r o l i n a R o m a n o

A s i s t e n t e M a k e u p & H a i r A n a I r i n i a

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P a g . 1 0 5 P e n d i e n t e s L A U R A B P a g . 1 0 6 – 1 0 7 A b r i g o A M A Y A A R Z U A G A .

Z a p a t o s U N I T E D N U D E . P a n t a l o n A M A Y A A R Z U G A

P a g . 1 0 8 R A F A , A r m a d u r a M O R A N T E . p e n d i e n t e e s p i n a d o r s a l

I O N F I Z p a r a C I C L O N . p e n d i e n t e l a n z a d e l e s t i l i s t a .

M o d a

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a u t u m w i n t e r

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