Año 1-número 1-EDICIÓN 1 - 2012-buenos aires-argentina.- coleccionable.

“Menos es más”

CREA

TIVIDA

D, AR

TE Y

CULT

URA

# 1

Equipo EditorialDirección y producciónKenia Fxkeniafx@cracmagazine.comVice DirecciónMaría Luz Diezmaludiez@cracmagazine.comÁrea ComercialAlejandro FasoliDirectorareacomercial@cracmagazine.com

Jorge GarnicaNorma SotoÁlvaro MazzinoCarlos CaposioEmanuel PellegrinoCecilia BendingerConi LMNatividad Marón

Escritores en este número:Norma Soto, Leonardo Agustín, Emanuel Pellegrino, Alvaro Mazzino, Jorge Garnica, Cecilia Bendinger, María Luz Diez, Kenia Fx.

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4 El Movimiento Minimalista

Culminación y principio.

5 Argentina Minimal.

6 Ad Reinhardt

7 Crea tu espacio minimalista

8 Butó, la danza minimal.

9 Artista del Mes: Verne Rock

10 La personalidad Creativa.

11 Creatividad I

13 Arquitectura Minimal

14 Comer para ser más ligero

15 El Cronista del Arte

16 5 lecciones minimalistas de Gandhi.

17 Minimalismo en 10 pasos

28 Xul Solar

Entre la metafísica y el arte.

20 Historias de Vida: Norma Soto.

21 Poetas del asfalto

22 Próximo número...

Nuestra tapa

“El arte es sólo un sustituto mientras la

belleza de la vida siga siendo insuficiente.

Irá desapareciendo a pedazos a medida que la vida gane en equilibrio”

Piet Mondrian, 1937.

Dan Flavin -Neones.

“Menos es más” Mies Van Der Rohe.

Los editores no se hacen responsables de las opiniones vertidas en los artículos, de las fotos publicadas ni de la calidad de los ser-vicios o productos de las publicidades. Prohibida la reproducción total o parcial de artículos y/o pubilcidades sin autorización previa del Equipo Editorial.

L a s d i s t i n t a s t e n d e n c i a s y e s t i l o s f u e r o n m a r c a n d o l a s é p o c a s d e l a h u m a n i d a d , r e p r e s e n t á n d o s e e n e l A r t e . A c t u a l m e n t e e s t a m o s , e n t r e o t r o s , b a j o l a i n f l u e n c i a d e l o q u e s e c o n o c e c o m o M i n i m a l i s m o , p o r l o c u a l d e c i d i m o s q u e e n n u e s t r o p r i m e r n ú m e r o n o s v a m o s a m e t e r c o n é l .

E s s i m p l e , e s m í n i m o .

L a t e n d e n c i a d e e s t i l o p u e d e v e r s e e n t o d o s l o s á m b i t o s : d i s e ñ o , m o d a , m ú s i c a , a r q u i t e c t u r a , y t a m b i é n e n e l e s t i l o d e v i d a . L o m í n i m o , l a s i m p l i f i c a c i ó n e n l o s r e c u r s o s , n o s o l o e s u n a m o d a , t a m b i é n u n a n e c e s i d a d e n l o q u e p o d r í a d e n o m i n a r s e a h o r r o d e r e c u r s o s . A s í c o m o c a d a é p o c a m a r c ó s e g ú n s u e s t i l o u n e s t a d o p r e d o m i n a n t e d e l a s o c i e d a d , c a b r í a p e n s a r q u e e l e s t i l o a c t u a l s e ñ a l a e l c a m i n o h a c i a e l c u a l n o s m o v e m o s , c o m o h u m a n i d a d , e v o l u t i v a m e n t e .

Te n e m o s q u e t e r m i n a r c o n e l d e r r o c h e i n d i s c r i m i n a d o d e r e c u r s o s , d a r l e u n a e s p e r a n z a d e s u p e r v i v e n c i a a l p l a n e t a . U s a r s o l a m e n t e l o m í n i m o e i m p r e s c i n d i b l e p a r a p o d e r a s í a t e s o r a r l o b á s i c o e i n d i s p e n s a b l e . D e s p u é s d e t o d o , l a v e r d a d e r a r i q u e z a e s t á e n l a g r a n d e z a d e l E s p í r i t u . U n e s p í r i t u b i e n d e s a r r o l l a d o n o n e c e s i t a d e r r o c h a r e n r e c u r s o s . S ó l o n e c e s i t a o r d e n , e s p a c i o , p a z y a m o r p a r a p o d e r

S e r.

Kenia Fxkeniafx@cracmagazine.com.ar

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El minimalismo surge en los Estados Unidos en la década del ’60, teniendo su punto álgido sobretodo entre 1965 y 1968, y conviviendo en su desarrollo con diferentes movimientos a nivel mundial como son el Pop, el Póvera, el conceptualismo y el Nuevo Realismo. No se concibió como un grupo organizado al estilo vanguardista, sino que reflejó el trabajo paralelo de ciertos artistas que realizaron obras con búsquedas afines. De hecho el “minimal” es sólo uno de los términos que lo definen; también se lo conocía como arte reduccionista, “cool art”, “ABC art” o estructuras primarias. Este último deriva de la exposición que se realizó en 1966 en el Jewish Museum de Nueva York: Sculpture by Younger British and American Sculptors, más conocida como Estructuras Primarias, que fue un hito en la consolidación del movimiento. El principio que unía a estos creadores - entre los que destacamos a Donald Judd, Frank Stella, Carl Andre, Tony Smith, Larry Bell, John Mc. Cracken, Robert Morris, Sol Le Witt y Dan Flavin, entre otros - lo resume perfectamente el Arquitecto Mies Van der Rohe: “menos es más”. Son herederos de la tradición europea cubista, neoplasticista y sobre todo del constructivismo y suprematismo ruso. Buscan en sus obras un máximo orden con los mínimos elementos significativos. Robert Morris, artista y teólogo del movimiento, escribe en 1966: “La simplicidad de la forma no se equipara necesariamente con la simplicidad de la experiencia. Las formas unitarias no reducen las relaciones; las ordenan”.

Donald Judd llama a las obras minimal “objetos específicos” - título de su artículo escrito de 1965, uno de los textos más relevantes del movimiento – porque si bien en su origen parten principalmente de la escultura, al mismo tiempo rompen con las características clásicas de esta disciplina. Ya no es una escultura en pedestal, para recorrer en sus múltiples puntos de vista y atemporal, sino por el contrario es el presente del objeto y no va más allá de él. El minimalismo, por un lado, hace uso de formas primarias, principalmente el cubo, que con su

estructura simple no debilita el todo ni divide las partes de la obra. Por otro, también incorpora sistemas modulares. En sus procesos creativos se inspira en códigos matemáticos y en la psicología de la forma, haciendo uso de las teorías de percepción de la Gestald. Marchán Fitz define al minimalismo como el “estilo escultórico en el que las diferentes formas están reducidas a estados mínimos de orden y complejidad desde una perspectiva morfológica, perceptiva y significativa”. Siguiendo esta idea se puede considerar al movimiento como

la culminación y expresión última del formalismo, teoría sostenida fuertemente por el crítico Clement Greenberg, donde se cree que la forma y los valores puramente estéticos son la cumbre del arte. Pero fue el mismo Greenberg de los primeros en constatar que el minimalismo implicaba a su vez el nacimiento de lo procesual, del arte como concepto. Esto se debe a diferentes características de las obras minimalistas. Comenzando por el quiebre que se da en la relación creador y obra, y seguido por el quiebre de la relación obra,

espectador y espacio. Partiremos por desarrollar la primera de estas rupturas. Según algunos críticos como Barbara Rose, el minimalismo fue una respuesta al Expresionismo Abstracto. Los artistas minimal contraponen a la subjetividad, al gesto, la espontaneidad y la emoción que plantean artistas como Pollock o Willem de Kooning, un arte que por el contrario es racional, de manufactura industrial, donde el lirismo y la ilusión desaparecen en pos de la literalidad. Esta literalidad que a su vez retrotrae al dadaísmo, y más específicamente a Duchamp y sus Ready-mades, donde se rompe con la representación por la simple presentación de un objeto ya prefabricado, y marca el paso de lo artesanal a lo industrial, y por ende del gesto artístico al anonimato. Esta desvinculación del artista en la elaboración de la obra, lo que a su vez implica una necesidad del intelecto del espectador para terminar de dar sentido a la misma, son características propias del arte conceptual.

La segunda ruptura nombrada entre la obra. Su espacio, se da por la economía de formas y las dimensiones de las obras minimalistas. Estas provocan un efecto de

Dan Flavin (NY 1933-1996)

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presencia, de evidencia, que lleva al espectador a tener una experiencia corporal. Su espacio del espectador se introduce en la obra. Ejemplo claro de esto son las cajas cúbicas espejadas de Morris, realizadas en 1965. Donald Judd, en su artículo “Objetos Específicos” previamente citado, dice que “El espacio real es intrínsecamente más poderoso y específico que la pintura de lienzo”. La obra

deja de ser un sistema cerrado de relaciones internas para ser un elemento del sistema exterior relacional. Esto es sólo un paso previo a lo que después se va a desarrollar en el enviroment, obras pensadas y realizadas en función del espacio, las instalaciones o el land art.

Los formalistas critican este aspecto procesual del minimalismo. Especialmente Michael Fried en su libro Art and Objecthood de 1967, donde plantea que este movimiento transforma al arte visual en un arte teatral al incorporar el espacio y tiempo mundano en la obra, y, por lo tanto, corrompe la obra moderna que debe ser independiente de quien la contemple volviéndose enemigo del arte en sí Sin embargo, los artistas

minimal toman esta crítica de arte teatral como un aspecto positivo, porque ellos buscan un arte inmerso en lo contemporáneo.

Se puede entonces ver al minimalismo como expresión última del formalismo, pero también como uno de los detonantes de las manifestaciones antiformalistas. Es el origen del posminimalismo que finalmente desembocó en la desmaterialización de la obra de arte. El arte empieza a reflexionar sobre el propio arte, y el concepto comienza a suplantar al objeto.

Si bien el movimiento minimalista se desarrolla esencialmente en el mundo anglosajón, y principalmente en Estados Unidos, en nuestro país se destacó un grupo fuerte de artistas siguiendo esta línea. Esto se refleja en la exposición realizada en la Sociedad Hebraica Argentina en octubre de 1967: Estructuras Primarias II, en respuesta a la exposición paradigmática del minimalismo en Nueva York. Participaron de esta muestra numerosos artistas, entre ellos Oscar Bony, Norberto Puzzolo, David Lamelas y Margarita Paksa. Esta exposición se realizó con motivo de la “Semana de Arte Avanzado en la Argentina”, organizada por el Instituto Torcuato Di Tella, lo que reflejaba el vanguardismo del país y sus vínculos con

la movida internacional. En este mismo año las instancias consagratorias del arte de avanzada, como el Premio Braque y el Ver, también demostraron el interés en los planteos minimalistas. Hay que tener en consideración, sin embargo, que muchas de estas acciones se realizaron en función de la proyección de Argentina en el exterior y las intenciones de mostrar un país desarrollado. Tal es el caso de la “Semana del Arte…” que se llevó a cabo con motivo de la visita de la comitiva estadounidense a la inauguración del 5º Premio Internacional Di Tella. Y el nombre optado para la exposición Estructuras Primarias II, organizada por Jorge Glusberg, fue parte de la estrategia de internalización. Ciertos críticos actuales, como Ferrnando Davis, consideran que la producción minimalista provenía de la demanda de las instituciones del circuito modernizador, más que de una investigación sistemática sostenida por los artistas. La radicalidad crítica propia de los creadores argentinos de esta época los alejó de estas estructuras primarias para introducirse en planteos más conceptuales y políticos.

Autora: María Luz DiezLicenciada en Historia del Arte

OSCAR BONY. Relación cerrada, 60 m2, 1967. Obra presentada en Estructuras Primarias II (Sociedad Hebraica Argentina).

Donald Judd, Untitled, 1969

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A principio de los años 40, Ad Reinhardt se asocia a la AAA, el grupo de los Artistas Abstractos Americanos, informalmente conocido como “los irascibles”. Todos ellos vivían en Nueva York y se juntaban regularmente para discutir sobre los alcances del nuevo movimiento. A través de estas reuniones, Reinhardt traba amistad con personajes de la talla de Jackson Pollock, Mark Rothko o Willem de Kooning.

El grupo sostenía que la fuente de inspiración del artista debería ser su propio inconsciente. Y, por lo tanto, la pintura debía ser automática y espontánea. En su obra temprana, Reinhardt, en línea con el movimiento, también se abstrae de la realidad; y por ello, en este periodo, sus obras consisten solo de formas geométricas planas distribuidas en una composición repleta de colores brillantes. Pero había un problema: el artista no era tan expresivo como sus amigos y sus pinturas no terminaban de funcionar. Mientras que los otros artistas eran dramáticos e impulsivos, Reinhardt se acercaba a su obra de modo más filosófico e intelectual.

El artista, lejos de considerar su racionalidad y control como un defecto, se sentía orgulloso de estas características; pero necesitaba de un cambio, de otra posición frente a su obra. Tenía en claro su misión: era la de llegar a lo esencial de la abstracción. Como él mismo lo definió, a “una pintura pura, abstracta, no-objetiva, sin tiempo ni espacio, sin cambio, no relacional, desinteresada – a un objeto que sea consciente de sí mismo, ideal, trascendental, concentrado en nada, salvo en el arte por sí mismo”. Es decir, un arte sin emocionalidad o creencias, un arte del vacío: que no quisiese decir o expresar nada… y es por estos motivos que comienza a separarse de los expresionistas abstractos.

Reinhardt, entonces, no tuvo otra opción que comenzar a experimentar y tomó un rumbo completamente radical, que culminó simbólicamente en su serie de Pinturas negras, obras en las que trabajó desde el 1960 hasta el final de su vida, en 1967.

Reinhardt presenta por primera vez esta serie en el año 1963. La muestra armó mucho revuelo para la época e, incluso, varios socios del MoMA, donde fueron exhibidas, cancelaron su inscripción al museo. ¿El motivo? Eran solo lienzos pintados de negro. Uno y otro, muy parecidos. Es cierto que no podemos acusar a los espectadores:

pagar solo por ver cuadros negros parecería un poco… fraudulento. Pero también es cierto que el público tenía la sensibilidad artística de un pirata borracho. O sufría de miopía severa. Porque las pinturas no son solo negras y ya: Reinhardt mezclaba colores con el negro para obtener tonos que, aunque sutiles, eran diferentes. El mismo afirmará que “hay un negro viejo y un negro nuevo, un negro lustroso y un negro aburrido, un negro a la luz del sol y un negro a la sombra”. A partir de esta muestra, el filósofo británico Richard Wollheim utiliza por primera vez el término minimal para definirlas. Luego el concepto evolucionará y el minimalismo se convertirá en un movimiento artístico con derecho propio. Pintura abstracta #5, 1962, es una de las obras de esta serie. Por desgracia, debemos verla en vivo y en directo para apreciar sus sutilezas. Particularmente, este lienzo está dividido en 9 planos cuadrados, con 3 por ancho y 3 por alto; y, mientras que en los extremos se observan negros más rojizos; en los planos centrales, el tono del negro es más azulado. Sin embargo, lo importante aquí es que esta obra nos sirve de ejemplo para pensar en la evolución del artista y en la conclusión de sus investigaciones. Obras como Pintura abstracta #5, 1962 son objetos finales, versiones de un arte absoluto despojado de toda intención, que nos desafía a interpretarla hasta que llegamos a la conclusión de que no hay nada que interpretar, porque no tiene nada para decir… que es solo arte por el arte... y nada más.

Autor: Álvaro Mazzimowww.deplatayexacto.wordpress.com/

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Pintura abstracta #5, 1962 | Ad Reinhardt | 1962

Ad Reinhardt

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El Ankoku Butō, o en su acepción inglesa Butoh, es conocida como la Danza de la Oscuridad, y abarca diferentes técnicas creadas por los japoneses Kazuo Ohno y Tatsumi Hijikata. El momento en el que surge y los motivos que llevan a su creación son claves para entender el espíritu de esta danza y apreciar de lleno el sentimiento que provoca. El Butō nace en 1950, tras los bombardeos de Hiroshima y Nagasaki que llevan a la rendición de Japón en la II Guerra. A partir de ese momento el sufrimiento y las desgracias se vuelven parte de la realidad cotidiana. Las imágenes repulsivas de algunos s o b r e v i v i e n t e s de este holocausto, con sus cuerpos quemados y ojos reventados provocaron el horror de los japoneses.Los movimientos del Butō son lentos y expresivos, y la improvisación juega un rol fundamental en sus interpretaciones. Su temática es la misma existencia humana. A través de sus pasos busca encontrar un nuevo cuerpo, y transita en sus diferentes fases los distintos estados de ánimo y cambios físicos del ser humano. Es una reflexión desde el cuerpo sobre el mismo cuerpo. Por esto hace uso de escenografías minimalistas, donde ni el decorado ni el vestuario interfieren con la danza. En este camino de exploración el Butō generó revueltas y polémicas debido a sus particulares presentaciones y temáticas, escandalosas sin duda para la sociedad napona de la posguerra. La primera representación de 1959, Colores prohibidos, de Tatsumo Hijikata, indagaba sobre la homosexualidad y culminaba con la muerte de un pollo

en escena asfixiado por las piernas del actor. Lo grotesco, lo decadente y lo oscuro son elementos infaltables en sus puestas en escena. Sus obras se inspiraron no sólo en la propia historia de su país sino también en la obra autores

occidentales como Lautréamont, Artaud, Genet y el Marqués de Sade. La repercusión en Japón fue intrascendente, y recién por la década del 80 resurgió a nivel internacional. Es en este momento cuando el Butō, o neo-butō hace su ingreso en América Latina, teniendo como referentes a las coreógrafas Makiko Tominaga y Minako Seki. Lo que se denomina en danza contemporánea como danza minimalista es aquella que reduce los movimientos corporales a expresiones mínimas

con secuencias repetitivas que producen al espectador estático una experiencia dinámica similar a la que generan las esculturas minimalistas. El Butō por el contrario, es una danza totalmente expresiva y gutural, pero que a su vez se vale de un entorno minimalista para enfatizar en el cuerpo y su gestualidad. Para algunos críticos es un intermedio entre la danza y el teatro. En el predomina el sentimiento sobre la técnica. Es sobre todo una búsqueda por recuperar el cuerpo perdido, como explica Tatsumo Hijikata, “el cuerpo que nos ha sido robado”.

Autora: María Luz DiezLicenciada en Historia del Arte

Presentación de butoh. Se aprecia una escenografía minimalista, donde prima la iluminación.

BUTŌLa Danza de la Oscuridad

PABLO PEREGO: teclados

GONZALO ARES: guitarras, mandolina y coros

DANIEL FERNANDEZ: voz y coros

FAUSTO MANES: batería

MARCELO LANÇON: bajo y coros

Músicos invitados

Marysol Fernández de Ares: flauta traversa

Staff

Arte y collage Juan Manuel Tavella

Diseño MDX

Arte digital MDX

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Verne Rock es una banda de música emergente que estamos

presentando en este número. Le hicimos una entrevista a Daniel Fernández,

vocalista del grupo.

- Exactamente, ¿se trata de un grupo multifacético, algo asi?

- “No exactamente... hacemos muchas cosas, de la forma en podemos y

cuando disponemos de recursos. Básicamente somos un grupo de música,

pero...

¡Si, siempre hay peros!

“Marcelo el bajista, es primordialmente músico, escritor y también dibujante,

además de ávido lector y cinéfilo empedernido. Pablo, el tecladista, además

de ser abogado y tener varios hijos, es músico mas formal y escritor “serio”

en temas vinculados al derecho.

Fausto, el baterista, es escritor y el tipo con más cine encima que vi en mi vida.

Gonza, el guitarrista, es la rockola humana, una máquina de hacer música,

lector en varios idiomas y también cinéfilo y melómano... Pucha che, ¡tenemos

todos los vicios! :)

“Yo soy cantante, pero me acerqué a la música como vehículo de mis escritos,

adoro cantar y hacer música, pero me considero más escritor que otra cosa.

“Hay varias gentes orbitando el proyecto Verne, lo que nos vincula es la

música, pero también es lo que da espacio a lo que cada uno tenga como

inquietud. Marysol, la flautista, es ultra formal en su formación musical, toca

tango y clásico, pero con nosotros tiene un espacio para la composición que

le era desconocido. La puesta de nuestros shows siempre incluye videos,

que nosotros mismos realizamos, con arte digital mío, del Tano Tavella y

de Marcelo. MDX es un alter ego que se ocupa de que todo se junte y se

VEA además de que suene. Somos nuestros propios productores, desde lo

financiero a lo artistico, grabamos, editamos, mezclamos y masterizamos

todo entre nosotros. Somos muy abiertos a los aportes de los que se acercan,

inclusivos e integradores, ademas tratamos de ser generosos con nuestros

esfuerzos y colaboramos cada vez que podemos con otros músicos en sus

proyectos. Tratamos que la música sea vehículo de todo eso y no un fin en si

misma... sin embargo no llegamos a ser un colectivo como te decía, porque no

es nuestra intención hacer un todo más grande, sino más bien que tratamos

de estar a la altura de nuestras propias ideas, lo cual es difícil y trabajoso, pero

nos llena de satisfacciones..

“Obviamente Kenia, esto es MI discurso en relación a lo que es Verne, y parte

de la riqueza es que cada uno de los 5 tiene una diferente aproximacián,

diferentes intenciones y motivaciones, sin embargo, de alguna manera funciona

y desde hace bastante, tenemos una dinámica interesante y nos llena el alma

hacer lo que hacemos. Ahora estamos editanto y mezclando el show del 21/10,

para armar un DVD, ¡sería nuestro 4 DVD en vivo!”.

“Sin renegar de ninguno de nuestros orígenes musicales, Verne

encara con un criterio muy amplio el trabajo compositivo, dándole una

importancia superlativa al desarrollo armónico y al contenido literario de

los temas.

Fuerte carga poética, introspección, existencialismo, espiritualidad,

imágenes evocativas y compromiso humano desde la palabra.

Somos Verne”.

PABLO PEREGO: teclados

GONZALO ARES: guitarras, mandolina y coros

DANIEL FERNANDEZ: voz y coros

FAUSTO MANES: batería

MARCELO LANÇON: bajo y coros

Músicos invitados

Marysol Fernández de Ares: flauta traversa

Staff

Arte y collage Juan Manuel Tavella

Diseño MDX

Arte digital MDX

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Hoy en día la creatividad es una característica fundamental para la persona humana tanto desde lo personal como lo profesional. En un mundo donde está prácticamente todo inventado; donde la globalización, la masificación, las modas, la publicidad dejan pocos lugares para la unicidad, se está valorando por sobre todas las cosas la capacidad de diferenciarse. Para esto la creatividad se vuelve inapreciable, no sólo para la creación de nuevas ideas y conceptos sino también para generar nuevas miradas y usos de lo ya conocido.

Comencemos por preguntarnos algo tan simple como ¿qué es la creatividad?, ¿qué hace a una persona creativa? El ingenio, la producción de soluciones originales, la imaginación, e incluso, como dijimos anteriormente, la capacidad de generar nuevas asociaciones entre ideas y conceptos ya existentes y conocidos.

La ciencia por su parte se ha hecho estas mismas preguntas buscando comprender los tipos de personalidad creativa. Si bien no hay consenso a la hora de definir la creatividad, técnicamente se puede decir que es la generación de procesos de información, productos o conductas relevantes ante una situación de destreza o conocimiento insuficiente; o dicho de manera más simple, la generación de algo nuevo y apropiado. Aunque, si tenemos en cuenta las culturas hinduistas, confucianas, taoístas o budistas, la creatividad implicaría necesariamente un descubrimiento más que una invención.

En psicología, por otra parte, se considera a la creatividad como pensamiento divergente que está contenido dentro del intelecto humano como función de la imaginación. Las teorías psicoanalíticas, sobre todo la corriente jungiana, postulan que el proceso creativo implica, por sobre todo, procesos inconscientes o pre consciente, y sostienen que la creatividad se da cuando se establecen nuevos significados, y no en la búsqueda de respuestas concretas.

Se han realizado estudios comparativos sobre individuos creativos seleccionados a partir de sus logros – incluyendo entre ellos arquitectos, científicos, escritores, etc- con individuos relativamente menos creativos. Éstos probaron que la diferencia de creatividad no reside en la inteligencia, sino más bien en rasgos de la personalidad. En una generalidad -sin perder de vista la cantidad de excepciones que esto puede tener- la personalidad creativa se caracteriza por ser introvertida, solitaria y poco atada a las “trivialidades” de la vida

diaria y las relaciones sociales. Por lo tanto, suelen ser personas que prefieren evitar o tienen dificultades con las otras personas. Gente más bien intuitiva, que a su vez tiene una captación o percepción más abstracta que sensitiva de la realidad. Las personas creativas tienen visiones no tan ligadas a ideas preconcebidas o convencionales, y generalmente no tienen miedo al “qué dirán”. Son individuos confiados en sus propios juicios y, que por lo tanto, muchas veces tienen poco respeto a la autoridad. Se suelen distinguir dos tipos de personalidades creativas: el artístico y el científico.

Dejando estas generalidades o teorías a un lado, es importante reflexionar sobre los atributos que se pueden fortalecer para incrementar nuestra propia creatividad, y así aportar a enriquecer nuestra persona. Es fundamental para esto ganar confianza en uno mismo, y así poder incrementar el valor y la tenacidad para enfrentarnos a los prejuicios. También en este sentido es importante ser flexible, valorar la soltura y la libertad. No hay que dejar de lado el fomento a la imaginación y la curiosidad intelectual, que a su vez fortalecen la capacidad crítica y de asociación. Si bien la intuición es una capacidad más bien intrínsecas a cada persona, es fundamental el poner entusiasmo en las cosas, y el buscar un equilibro afectivo y emocional que nos ayude a sentirnos seguros de nosotros mismos, y de esta forma tener mayor fortaleza a la hora de apoyarnos en nuestras propias intuiciones. ¿Cómo logramos todo esto? Bueno, a ser creativos…

Lic. María Luz Diez

El genio creativo Charlie Chaplin uno de los fundadores de la United Artists, con Jackie Coogan en El chico.

la personalidad creativa

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Creatividad I

La creatividad es una Revolución en el pensamiento, obra y acción.

Todo ser creativo es un ser sensible,percept ivo, con una emot iv idad y

psicología diferente e individual. Todos somos individuos creativos, enmayor o menor medida, todo ser humano

ejerce la creatividad y es capaz de lograrla.

Hay quienes nacen con una mayorcreatividad y eligen un camino artístico, pero incluso una persona que se dedica

abarrer las calles puede ser creativa en

su modo de agarrar la escoba. Porque para

sercreativo solo se necesita hacer lo que

se hace todos los días de un modo

diferente, todos los días.

He ahí el secreto y el alimento necesario

para tal fin. La Creatividad se hereda y se entrena. Si de ser creativo no surge ante un papel en blanco ninguna idea, con solo trazar una línea y luego un círculo más un cubo… los elementos van conjugándosepoco a poco y en base a eso la mente va

hilando figuras, componiendo. Crear es componer, tomar de lo quehay para dar a luz a lo que todavía

no hay.

Autora: Kenia Fx.Basado en el libro “Creatividad”, de Osho.

La simplicidad es quitar lo obvio

y agregar lo significante.John Maeda.

Patriarcas del Minimalismo

Robert Mangold1937- Norteamericano

Carl André1935- Norteamericano

Dan Flavin1933-1996- Norteamericano.

Robert Morris1931- Norteamericano.

Sol Lewitt1928-2007- Norteamericano.

Donald Judd1928-1994- Norteamericano.

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ARQUITECTURA MINIMAL

Estrictamente no existe en arquitectura un movimiento minimalista paralelo al estilo artístico. No fue hasta años después en que se comenzó a utilizar este término en la arquitectura. Sin embargo, son numerosos los arquitectos modernos que dotaron a sus obras de una pureza y rigor en el diseño que pueden clasificarse perfectamente como minimalistas. Marcando esta sobriedad en el estilo destaca la obra de Mies van der Rohe, quien incluso resume como nadie el sentido del minimalismo al describir sus intenciones en los diseños: “menos es más”.

Mies van der Rohe pertenece estrictamente al movimiento moderno internacional o estilo internacional, el que dominó la arquitectura occidental en la primera mitad del siglo XX, principalmente desde los años veinte a los cincuenta. El uso de formas rectilíneas, techos lisos, espacios interiores abiertos, falta de ornamentación y uso de nuevos materiales y tecnologías caracterizaron este movimiento. Con este estilo se busca adecuar la arquitectura a la vida moderna, teniendo especial interés en los cambios sociales, en general movidos por la utopía socialista. Tiene influencia de diversas escuelas y movimientos: la escuela de Chicago, la escuela de Prairie y el movimiento Arts and Crafts, principalmente.

Además del propio van der Rohe, siguen este estilo moderno internacional los arquitectos Walter Gropius y Le Corbusier. Los tres coincidieron en el estudio de Peter Behrens quien los introdujo en las relaciones entre arte e industria. La pureza y sobriedad características de sus producciones corresponden con los atributos minimalistas. Cada uno de ellos estuvo a su vez afiliado a movimientos progresistas específicos que crearon en sus respectivos países: van der Rohe a De Stijl en Holanda, Le Courbusier al purismo en Francia, y Groupius a la Escuela de la Bauhaus en Alemania.

América no estuvo exenta de movimientos modernistas arquitectónicos. Un ejemplo de ellos es la obra del arquitecto mexicano Luis Barragán. En ellas destaca la pureza geométrica y el uso de colores intensos y atrevidos, características también atribuibles al minimalismo. Esto se ve claramente en su residencia en Tacubaya, Ciudad de México, que realizó en el año 1947, o en el proyecto de las Torres de Ciudad Satélite, que produjo junto con el escultor Mathias Goeritz, donde conjugan pintura, escultura y arquitectura. El nivel, alcance e influencia de su obra se reconoció en 1980 cuando le otorgaron el Premio Pritzker.

Por otra parte, en los años 80, una generación de arquitectos japoneses produjo obras dentro del estilo minimalista, aunque su influencia estuviese más marcada por el budismo zen que por el movimiento moderno occidental. Dentro de las obras de este grupo destacamos el Museo Nacional de Arte Moderno de Kioto, realizado en 1986 por el arquitecto Fumihiko Maki.

El minimalismo tiende a lo esencial, desde la geometría, la simpleza y la economía de medios. Sin embargo, los arquitectos han logrado desde sus diferentes estilos modernos dotar de calidez a los espacios. Al igual que el arte minimalista introduce al espectador y al espacio dentro de la propia obra, en la arquitectura que se denomina minimal el espacio se adapta a las necesidades del hombre y a la naturaleza, haciendo uso de la luz, las transparencias y el entorno en las estructuras.

Autora: María Luz DiezLicenciada en Historia del Arte

Luis Barragán y Mathias Goeritz, Torres Ciudad Satélite, 1957

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Ingredientes para 2 personas:

• 1 melón galla (el esférico y rugoso)• Helado de limónRealizaciónEste es un postre muy sencillo y realmente delicioso para el verano.• Partimos el melón por la mitad y vaciamos (quitamos las semillas)• Añadimos 2 cucharadas de helado de limón a cada una de las mitades.• Servimos en un bol grande.• Se puede poner un poco de miel o un chorrito de champagne.

Receta Minimalista: Melón con Limón

Mientras que puedes leer un montón de artículos acerca de la estética minimalista, así como sobre la posesión de menos cosas, de lo que no se habla en todos ellos es de la comida minimalista.

La mayoría de las personas come demasiado y desperdicia muchos alimentos. Como alguien que debería pesar alrededor de 70 kg. Tenía sobrepeso hace algunos años, me enfoque en que debía bajar de peso como cualquier otra persona. Yo sé lo que es comer pizzas, comida rápida, más papas extra, postres y demás, todo eso que nos sirven los res-taurantes hoy en día.

Es demasiado y es una epidemia alarmente las proporciones de los alimentos que se sirven hoy en día. Una gran parte de nuestra crisis de salud se debe a comer en exceso.

Una buena parte de la solución es simplemente co-mer menos.Un articulo aparte debe ser acerca de lo que co-memos -- organicos, alimentos reales, cultivados localmente, cocido en casa con un minimo de pro-cesamiento y envasado. Pero hoy, me gustaría ha-blar de comer menos.

Es algo en lo que me he centrado en mi propia vida, sobre todo recientemente, cuando veo no solo la calidad de los alimentos, sino la cantidad. Creo que hemos sido condicionados a comer sin pensar, y a comer demasiado. Lo cual por supuesto no es nada sano.

Mi atención se ha centrado en comer hasta que no me encuentre completo. Puedo comer hasta que me sienta como si quisiera comer un poco más, luego tomo una pausa. Respiro. En unos 10 mi-nutos, me doy cuenta que estoy satisfecho y no necesito comer más.

Aquí algunos consejos:

* Sólo toma una pequeña porción para empezar. No un montón de comida.* Come despacio y con atención.* Haz una pausa entre bocado y bocado. Saborea la comida.* Detente antes de que estes completo, y espera.* Bebe agua con la comida.* Come cada 2 ó 3 horas. Aguantáte el hambre y

espera un poco más.* Si te da hambre despues, comé solo un pequeño snack, o alguna fruta.* Reduce gradualmente. No trates de comer como un pájaro al principio. Solo ve empezando por co-mer menos, luego vas ajustando, después dismi-nuyes un poco más.

Con el tiempo, vas a cambiar, y serás capaz de co-mer menos. Serás mas saludable (asumiendo que estás comiendo menos que antes) y más ligero.

Autor: Hugo Gómez.

COMER MENOS PARA SER MAS LIGERO

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evento no podría haber sido posible si no fuesen por los organizadores como los artistas Jorge Gamarra, Raúl Albanece y Maria Celina Galera. Se finalizó con una muestra el día 15 a las cero horas, en la Casa del Bicentenario de Curuzú Cuatiá. Centenares de personas conmemoraron en el mismo evento el primer año de la Casa del Bicentenario, en el cual también enterraron una cápsula del tiempo celebrando los 201º aniversario de Curuzú Cuatiá.

Autor: Emanuel Pellegrino“El Cronista del Arte”

http://elcronistadelarte.blogspot.com/

Un banco para un artista en cada escuela

el cronista del arte

Del 13 al 16 de noviembre transcurrió la jornada del encuentro de artistas plásticos, donde hicieron intervención de pupitres, los artistas del interior y locales participantes. Intervinieron 20 bancos en la ciudad de Curuzú Cuatiá, Provincia de Corrientes, donde fueron distribuidos en diferentes escuelas de esa localidad. Artistas de renombre y emergentes pusieron muchísimo empeño y creatividad; en esas jornadas fueron visitados por chicos de las diferentes escuelas destinadas a recibir los pupitres. Algunos de los artistas hicieron que los chicos de guarderías, jardines de infantes y de primaria participen en sus intervenciones. Este

“La simplicidad es la clave de la brillantez.”

Bruce Lee

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La vida de Gandhi nos ofrece muchas lecciones claves -- él practicó la simplicidad y el minimalismo en todas las áreas de su vida y fue dejando un gran legado en cómo vivir la vida con simplicidad.

Gandhi en realidad fue al extremo del minimalismo -- un hombre que murió pobre pero que cambió la vida de muchos -- y continua inspirándonos con su mensaje aún ahora.

Cuando Gandhi murió, tenía menos de 10 cosas en su vida incluyendo un reloj, sus sandalias y su plato de comida. Él era un hombre sin posesiones y nunca tuvo una casa propia.

Gandhi nació dentro de una familia próspera y tuvo una privilegiada educación, que incluyó una prestigiada formación en leyes en Inglaterra en un momento en que el viaje hasta allí desde la India tomaba meses por el océano

Aunque nació en riqueza, él regaló todo para que su vida no dependiera de trampas materiales. Si-guió el camino de una vida simple.

1.- Acumula poco

Gandhi creía en poseer poco a excepción de lo que fuera realmente necesario. El donaba cada regalo que le daban.

Es muy poco posible en estos días para nosotros tener menos de diez posesiones tal como lo hizo Gandhi, pero empieza por identificar las cosas bá-sicas necesarias para vivir una vida simple.

2.- Come comida simple

Gandhi nunca tuvo ningún problema de sobrepe-so. Él seguía una estricta dieta vegetariana y fre-cuentemente cocinaba su propia comida, que era producida localmente.

3.- Viste simple

Gandhi vestía ropa simple que transmitía su men-saje.

Existe una anécdota histórica cuando Gandhi visitó al Rey de Gran Bretaña en Londres vestía solo un ropón simple alrededor de su cuerpo.

Un reportero preguntó a Gandhi, “Sr Gandhi, ¿se sintió desvestido cuando visito al rey?”.

Gandhi respondió, “¡El rey vestía suficiente ropa como para nosotros dos!”

4.- Sigue una vida simple y sin estrés.

Gandhi nunca se estresaba. Él meditaba a diario e invertía horas en reflexiones y oraciones.

Aunque él fue un líder del mundo e idolatrado por millones, él continuó con su vida simple con pocas distracciones y compromisos. Él incluso interrum-pía sus compromisos políticos para salir y jugar con un niño.

5.- Deja que tu vida sea tu mensaje

Aunque él fue un prolífico escritor y un poderoso orador, en privado Gandhi hablaba muy tranquilo y solo cuando era necesario cambiaba su estilo de habla. También era muy conciso en sus escritos.

Prefirió dejar que su vida hablara por él.

Autor: Hugo Gómez

5 lecciones que puedes aprender de gandhi

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Puedes convertirte en un minimalista de la noche a la mañana, no solo cambiando tu modo de pensar, pero si renunciando a todas tus posesiones.

Por supuesto, esto no es un enfoque realista para la mayoría de nosotros. Tenemos familias, trabajos, vidas, y si no estamos dispuestos a renunciar a esa vida, nuestro cambio no será tan drástico.

Frenar el cambio es mejor para la mayoría de la gente.

Por lo cual recomiendo que lo hagas en pasos. Estos son los pasos que puedes seguir:

1.- Deja de comprar cosas innecesarias. Este paso es muy importante, sobre todo si estas envuelto en una montaña de deudas. Compra solo lo necesario, y siempre pregúntante ¿es esto realmente necesario?.

2.- Regala, vende, tira las cosas innecesarias. Cosas que nunca utilizas. Te aseguro que puedes llenar cajas de inmediato.

3.- Elimina las cosas más obvias. Ahora que ya te deshiciste de las cosas innecesarias, echa otro vistazo alrededor y empieza a ver otras cosas que rara vez utilizas.

4.- Limpia el desorden en tu casa. Si los cuartos son apenas visibles debido a que tienen ropa, cajas y artículos diferentes por todo el lugar, deberías comenzar a limpiarlos.

5.- Limpia las superficies planas. Los estantes, mesas, mesas de mostrador. No tienen que quedar completamente vacíos, pero solo deberían tener objetos esenciales.

6.- Limpia armarios y cajones. Uno a la vez, al igual que los pasos anteriores elimina las cosas innecesarias.

7.- Disminuye a la tercera parte. En este punto ya debes haber simplificado drásticamente, pero puedes revisar lo que aún posees y verás más cosas que aún no utilizas muy a menudo.

8.- Los objetos emocionales. Por razones sentimentales, habrá cosas que simplemente no quieres deshacerte de ellas como ropa, zapatos, libros, recuerdos o regalos. Es difícil, pero con el tiempo, aprenderás qué accesorios de este tipo no son necesarios.

9.- Deshazte de otro tercio. En este punto ya eres bastante minimalista, pero se puede reducir aún más.

10. Etcétera, etcétera. El proceso nunca terminará, hasta que realmente renuncies a todo.

Estos pasos son sólo un esbozo de lo que pasé, pero es un proceso que te puede ayudar.

Autor: Hugo Gómez

Carl Andre Equivalent VIII, 1966

Minimalismo En 10 Pasos

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Ya sea que se trate de las descripciones de ángeles o demonios, montes o pampas, paisajes celestiales o infiernos, dragos o santos guardianes, de ecos cósmicos y planetas, de consonantes y vocales, de tableros de ajedrez o grafías: en las pinturas y escritos de Xul Solar cada concepto, cada signo, cada color adquiere su correspondencia en la apariencia de la realidad para despertar la conciencia.

La verdad, es que le interesaban todas las cosas, aún las mínimas; o mejor dicho para él como para la divinidad, no había cosas mínimas; todo era digno de estudio, y todo lo estudiaba, y todo lo renovaba. Si tuviéramos que encontrar algún hombre parecido a Xul, tendríamos que pensar en William Blake1.

Oscar Agustín Alejandro Schulz Solari, Xul Solar, el artista que nació en Buenos Aires en 1887, transcurrió su vida entre el arte pictórico, la literatura, el lenguaje, el ocultismo y su gran pasión: la creación de obras basadas en los principios divinos que gobiernan la naturaleza para producir el movimiento necesario para elevar la conciencia. A lo largo de su vida elaboró un complejo universo de correlaciones simbólicas donde sus pinturas son vibraciones energéticas en correspondencia con el universo.

I Ching -San Signos- Relatos de los Mundos Superiores2

Intuición inspiración y meditación se unen en sus pinturas, cuyo significado entero se revela a partir de la clarividencia objetiva de los hexagramas del I Ching así como del carácter narrativo de sus meditaciones, escritas en neo criollo, que guardan correspondencia temática con sus obras pictóricas. Borges, lo expresa así: “Pienso en Xul Solar y pienso en sus colores predilectos y también en las formas; en el hecho de que los cuadros correspondían a visiones3”. Los Relatos de los mundos superiores son la manifestación gráfica de esas “visiones” a las que Borges

se refiere. En ellos, Xul Solar expresa el plano mágico de los signos del I Ching e intenta encontrar el significado de la antigua palabra “sabiduría”:

Y muy ultra tele veo allí en luz oro y más viva, hasta que es un inmenso globo de oro fundido. Que es un sol divino, centro y corazón y cabeza de este san mundo de visiones que es plaza y cancha cósmica de abajo y de arriba de seres muertos y de seres pre vivos, donde pre nacen breves nuevos mundos en poemas y hay hades y xeol4 y cielos y fluidos mundos en prueba. Ese sol no

lo vi antes pues estaba humanamente débil. Ese sol que absorbe todo, eterna aurora de esta vida del alma. (Xul Solar, Hexagrama 1.)5

Borges, a través de su propia filosofía panteísta, explica las meditaciones de Xul; de esta forma lo inserta dentro de la tradición visionaria:

“Xul era un visionario. ..Xul me dijo que yo encontré después en las contemplaciones de Hugo: y es el hecho de que, en cuanto a las formas que el visionario ve, dependen de su tradición, de sus lecturas, y que cada uno las ve distintas. Por ejemplo, los visionarios budistas tienen ciertas visiones de acuerdo a su tradición religiosa, y los cristianos otras, y los del Islam otras, y así infinitamente. Pero esas visiones, esas fuerzas, son

esencialmente las mismas, salvo que cada uno les da una forma propia. Es decir, que cada uno crea su cielo o crea su infierno de algún modo6”.

Bessant y Leadbeater 7 coinciden con Borges cuando, explicando la producción de las vibraciones energéticas, apuntan su carácter general y multiforme:

“Esta radiante vibración lleva consigo el carácter del pensamiento que la anima, mas no el sujeto de este pensamiento. Un Indú, en su meditación de Krishna, la oleada de pensamiento que emanará de él despertará pensamientos de devoción en todos aquellos a quienes alcance; un mahometano adorará a Alá; un zoroastriano a Auramazda; un cristiano, a Jesús”.

El universo de los relatos xulsolarianos está formado por las descripciones de los hexagramas que son pensamientos y energías. Las representaciones tienen varias formas, colores, ritmos, que responden a las diferentes vibraciones: ángeles o demonios, montes o pampas, paisajes celestiales o infiernos, dragos o

Xul Solar- Entre Metafísica y Arte-

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santos guardianes, son el resultado de la conjunción de esos elementos. Las esferas jaldes, los prismas rosas, las serpientes verdes, las cintas naranjas tienden hilos entre la imagen y su obra lingüística, y dan lugar a las correspondencias.

Relatos de los mundos superiores despierta a la significación de las fuerzas arquetípicas que trabajan a través de las formas de pensamiento en cada visión que es relato del hexagrama. El método del yogui en asana es crear de viejos recuerdos y experiencias condensadas, sufrimientos nórdicos, añoranza, sensaciones densas, rabia, ira, pasión, goce amoroso, dicha celestial, bliss; que son edificios vivos de pensamientos, laberintos de redes, cámaras con ideas, columnas, divos torres, cúpulas con flor cráneo. Recupera la creación de los arquetipos de la nueva raza tipo, correspondencias, crisálidas, orbs, conciencia dual, doble, fantasía, insight, trajes del alma. La empresa es casi imposible: es crear la raza plenamente despierta, construir nuevos mundos, sacar de cada minuto oro y sangre y luz, encontrar el yo superior, enseñar a los hermanos a gozar del cielo.El mundo de las almas es el mundo de los pensamientos (una determinada forma de energía) cuya esencia es la memoria de las emociones que “el alma” ha grabado de antiguas experiencias. Cada pensamiento crea un sentimiento que es enviado al alma donde queda grabado. La cristalización del pensamiento se percibe por medio de la emoción que crea una identidad:

Cada hombre se mueve en un espacio, encerrado como en una caja construida por él mismo, rodeado por los

cúmulos de formas de pensamientos acostumbradas. Por lo tanto, sólo ve el mundo a través de este conjunto, y, naturalmente, matiza todas las cosas con su propio color dominante, y toda la gama de vibraciones que lo afectan son más o menos modificadas por su propio tinte personal. Así es que el hombre no ve nada con exactitud hasta que ha aprendido a dominar por completo los sentimientos y los pensamientos; hasta este momento, todas sus observaciones deben hacerse a través de su medio propio, el cual deforma y descolora todo cuanto lo afecta, a semejanza de un mal espejo8.

Autora: Arkurator Ma. Cecilia G. Bendingerceciliabendinger@hotmail.com

1 Recuerdos de mi amigo Xul Solar, conferencia pronunciada por Jorge Luis Borges en la Fundación San Telmo, 3 de septiembre de 1980.2 Xul Solar- Relatos de los Mundos Superiores; Ed. Jenik; traducción notada por Arkurator Ma. Cecilia G. Bendinger, 20103 Jorge Luis Borges, op.cit.4 Xeol:seol: vocablo en hebreo sche´óhl: sepultura común de la humanidad; Hades: griego:hái-dés: el lugar no visto.5 Xul Solar- Relatos de los mundos superiores, traducción notada del neocriollo:Ma. Cecilia G. Bendinger; Ed. Jenik; pág.136 Jorge Luis Borges, op.cit.7 Formas de pensamiento, Annie Bessant y W. Leadbeater.8 Formas de Pensamiento, op. Cit.

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POETAS

DEL

ASFA

LTO

EL CAMINO DE LA NO VIOLENCIA: UN CAMINO QUE SE FORJA CON TODA LA LIBERTAD… SIEMPRE QUE TU MENTE LO QUIERA ASÍ.

En este breve lapso de nuestra existencia, de nuestro paso por este mundo, optar por el camino de la No violencia no es una opción fácil, pero nos libera y la muy violentada mente humana, es la más poderosa en este camino.Hace unos años atrás, con la ayuda del tratamiento psicológico, fui dándome cuenta que debía optar por un camino diferente en mi vida…un camino que era todo un desafío para mí, pero que valía la pena recorrerlo. Sólo tenía que poner a mi mente a funcionar enfocándola en el ejercicio de la No violencia y me dije a mí misma: “Basta de violencias en mi vida”.Quienes realmente me conocen, que son unos poquísimos amigos, supieron valorar y respetar este giro de 180 grados en mi vida. Podemos estar en los peores momentos de nuestra vida, podemos no estar de acuerdo con tal o cual política, podemos diferir en torno a, puede todo el mundo no estar de acuerdo conmigo, pero algo es seguro: NO QUIERO MÁS VIOLENCIAS EN MI VIDA. Y es difícil, el mundo en que vivimos está lleno de violencias: visibles, invisibles, físicas, psicológicas, etc., etc. Un sin fin de violencias se provocan en cadenas, de manera casi inconsciente, pero se llevan a cabo, y lo lamentable de todo esto es que no genera más que otras violencias. Todos saben que elegí ser Trabajadora Social, y no es fácil tarea en el mundo institucional en que nos movemos, pero yo me dije “No quiero más violencias institucionales en mi vida”. Así, manifesté a mi inspectora de área, cuando decidí pedir un cambio de funciones en mi trabajo. Vivimos todos los días escuchando frases como estas: Esto no es verdad, esto es injusto, aquí hace falta Justicia... y bla, bla, bla. Pregunto y me pregunto:

¿Qué es la verdad? ¿Qué es la Justicia? Camino arduo esto de la No Violencia, pero nos hace Libres.

Quienes me conocen, saben que no creo en la Justicia, creo que no existe en este mundo, me di cuenta en este camino que poco se busca la verdad, sino que se violenta la vida del Otro, su Verdad…pero nadie sabe más que Uno mismo lo que ha vivido, lo que vive. Esa es la Verdad. NO MÁS VIOLENCIAS EN MI VIDA. ¡Ni hablar de las Violencias Institucionales, que se ejercen cada día y a toda hora y se vuelve Violencia Escalonada! Algo así como el rodar de un copo de nieve que se vuelve imposible de parar y que solo generan una sola cosa: MÁS VIOLENCIAS. También generan la destrucción de la persona, su desvalorización, violentan su dignidad humana sin dejar huellas ni rastros, y en nombre de la Justicia y de la verdad, se ejercen violencias de todo tipo. NO MÁS VIOLENCIAS EN MI VIDA.

Las violencias son vivencias que marcan, pero está en la mente de cada uno decidir el camino. Yo ya he decidido: NO MÁS VIOLENCIAS EN MI VIDA. Y EL QUE PUEDA ENTENDER QUE ENTIENDA. Y EL QUE PUEDA COMPRENDER, MEJOR TODAVIA. ¡Y ME SIENTO LIBRE!

Autora: Norma Soto Trabajadora Social.

historias de vida

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POETAS

DEL

ASFA

LTO

Ven cuéntame la verdad ¿ves el sol?

Ven cuéntame la verdad.No ves que si mientes, no solo lo haces con los otros”

¡Lo haces contigo misma!Porque no solo lo que dices con la boca.

La verdad que quieres mostrar.Si mientes negando la realidad.

Se ve en tus ojos se siente en tu piel. Es el arrepentimiento que acumulas en tu corazón.

Ven mira lo que muestras, con un sentimiento.No niego que haya una vida para todos…

Los que creen que es un juego y juegan con sus palabras.Y los que se juegan por lo que sienten, porque es real…

Si el sentimiento empuja uno solo se desnuda.Muestra su alma eleva su corazón.

¿Porqué no entiendes que solo vivo en la realidad?Que siento y lo que digo, por eso lo hago.

Veo lo que siento, por eso lo amo.No creo que haya un mundo unilateral...

Si tenemos los pies en la misma tierra.¿OH lo quieres negar?

El mundo no fue hecho para los que se creen poderosos.¡Si no por poderosos, que creen en los seres!!

Derrochando mentiras y forzando sin razones...Forzando lo que no tiene forma, a algo sin vida, algo sin alma.

¡Sosteniendo se por mentiras no se crece!La verdad fue hecha...

Por un todo poderoso, creador del amor en los seres.

¿OH acaso no crees?Que con simplezas y palabras simples y directas, sinceras.

Todos podemos hablar de amor.Y si no las entendemos.

Es como no creer...Que es dicha él abrir los ojos a la mañana y ver el sol.

Recuerda que si miras para arriba ahí está.Entiende que la verdad, no hay que defenderla.

Se sostiene por sí sola...¡Como el sol allá arriba!

Leonardo Agustín L.A.M 14/4/2010 www.facebook.com/dragoncitovaliente.lele

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en nuestro

prÓximo nÚmero:

SURREALISMO

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