av atao praaci 201718 - naves.mataderomadrid.org · cada artista nos propone un viaje: desde el...

NAVES MATADERO PROGRAMACIÓN 2017-182

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La dificultad de vivir va unida a lo inesperado, por eso resulta excitante. Excitante es una palabra que enloquece igual que la libertad; palabras destinadas a lo prohibido, cercanas a la pérdida, palabras concebidas para incitar, para perderse, palabras como refugios que perduran como los días y la lentitud.

Hemos iniciado un viaje lento, que como cualquier viaje implica romper con la rutina y eso nos hace entrar en conflicto. Me refiero al viaje como experiencia profunda, transformadora… Viajar también significa perder la inocencia, nuestro lugar de confort, nuestras referencias, emprender un camino hacia lo desconocido. Interrumpir la vida que estamos habituados a desarrollar adentrándonos en territorios difíciles de explicar racionalmente. Pero sólo viajando a través de este mar de propuestas, de miradas, de deseos… Podremos descubrir, descubrirnos a nosotros y el reflejo de nuestras vidas. Lo realmente importante es lo que se ve y cómo se ve, el proceso transformador que opera en nosotros.

Naves Matadero - Centro Internacional de Artes Vivas nace de la necesidad transformadora de la vida, de las etapas teñidas de silencio e interioridad, del sinsentido de la existencia siempre contradictoria de la creación: Primero el silencio, después el grito, el dolor y por fin la calma, el sosiego…

Al emprender un verdadero viaje a través del territorio del arte debemos dejarnos ir sin temer el destino geográfico o temporal. Nuestro viaje ha de ser una prueba de amor, aún sabiendo que en el amor es también uno mismo el que se pierde. Os propongo para esta próxima temporada un viaje sin límites, una voluntad de explorar desde la curiosidad para conocer otros lugares posibles, otras narrativas que nos permitan reflexionar sobre las transformaciones que operan en nuestra sociedad, en el orden político y social. Tal vez sea posible encontrar un lugar menos individualista y más comunitario.

Cada artista nos propone un viaje: desde el interior, desde lo invisible, desde la ausencia, desde el descubrimiento, desde la no existencia del tiempo cuando las identidades se desdibujan y la existencia se rompe. A partir de ahí empezamos a llenar el imaginario. Lo real nos despoja de lo imaginario.

Espectador y creador configuran un único paisaje. Hacen posible la transformación política, el cambio de mentalidades. La construcción de nuevos paradigmas depende del cambio interior y del aprendizaje que cada viaje nos propicia para poder abandonar la rutina, adentrarnos en el bosque, abrir el cofre desmesurado de los sueños, abandonar el límite de nuestros miedos y dejarnos devorar.

Mateo FeijóoDirector Artístico

“El arte no es una sumisión sino una conquista” Malraux

LOS OTROS 08Moisés Mahiques

10Y11 10 Ximena y Sergio

NINGÚN LUGAR 12Orquestina de Pigmeos

JOÃO SAMÕES 14 África FantasmaInstalación África Fantasma

FREE ADMISSION 16Úrsula Martínez

MATARILE TEATRO 18Taller - Un encuentro con Matarile antes de la metrallaAntes de la metrallaCirco de pulgas

ASINGELINE, AN ENACTED THOUGHT 22Mamaza

LE MONDE 23Mariona Aupí

EL DESENTERRADOR 24Societat Doctor Alonso

ACCIÓN!MAD17 25

CIRCO DE SASTRE 26

BLACK NOISE 30Vicente Colomar

ÍNDICE

TEATR ZAR 32Medeas. On getting acrossArmine, SisterMy eye is my country (instalación)

FIESTA/SIESTA/FIESTA 36Nerval

IN VOID II 37Kris Verdonck

O SUDÁRIO 38Cristina Rodrigues

DEADTOWN 39The Forman Brother’s Theatre

MYSTERY MAGNET 44Miet Warlop

EN UN TIEMPO OSCURO 45Compañía Daniel Teba

LARGO RECORRIDO: 47

CUERPOS EN EL ESPACIO DE ACCIÓN 48José Luis Raymond

DRAMATURGIA Y MEMORIA DE LA PALABRA 48

LA NAVE SONORA 49

EN RESIDENCIA 50

EQUIPO 52

INFORMACION PRÁCTICA 53

MAPA 54

NAVES MATADERO NAVES MATADEROPROGRAMACIÓN 2017-18 PROGRAMACIÓN 2017-188 9

LOS OTROSMoisés Mahiques

LUGAR: Vestíbulo Nave 11HORA: De martes a domingo de 10h a 1h Hasta fin de temporada

Desde 8 SEP Las propuestas del artista visual Moisés Mahiques son unas de las más interesantes del panorama expositivo nacional. Tras finalizar Bellas Artes en Valencia y estudiar en la Suzuka International University de Japón, el dibujo condiciona su trabajo y se convierte en su medio para hablar de todas aquellas cosas que le apasionan. Explorando las posibilidades expresivas de la línea, cuestiona los valores relativos a la identidad del individuo con sus conflictos, su contexto y su incapacidad para integrarse en un sistema que le resulta complejo o demasiado ajeno. Presente en ARCO desde 2005, Mahiques lleva más de una década exponiendo en muestras individuales y colectivas en España y ciudades como Berlín, Nueva York, Roma, Moscú, etc. Su obra ha recibido numerosos reconocimientos y está presente en colecciones de diversas instituciones tan relevantes como la Real Academia de España en Roma, la Colección Fundación General Universidad Complutense de Madrid, Caja Madrid, CAM de Artes Plásticas o Colección ABC, entre otras.

El concepto de trabajo de Moisés tiene algo de performativo. Parte de un material previo de documentación que pasa a desarrollar en el dibujo como una acción en sí misma. Una acción que evoluciona y le permite acercarse a la narración con una línea de tiempo distinta. Con sus características líneas negras, capa sobre capa, sus cuerpos dibujados se disuelven convirtiendo sus piezas en exhibiciones de lo personal. Lugares de incertidumbre donde la tensión narrativa nunca queda del todo resuelta. Líneas que nos provocan tirar del hilo de nuestras emociones para conquistar su esencia.

“En esta obra he tomado como punto de partida la representación y el concepto de alteridad Los otros: aquello que en principio se nos muestra distinto pero que nos sirve para percibir nuestro posicionamiento en un determinado contexto y asumir quiénes somos realmente, pues, cada uno de nosotros, de forma consciente, representamos un determinado rol respecto al grupo. Este site-specific busca funcionar como un muro que dialogue con el espectador para que se encuentre con Los otros, los diferentes, unos personajes que nos hacen muecas y guiños, que nos observan, que adoptan extrañas posturas o se cubren con las manos el rostro para no ser reconocidos. Personajes que irán evolucionando y mutando hacia un lugar por determinar y que nos cuestionen con su diferencia”, Moisés Mahiques.

Hecho en

NAVES

MATADERO


Los fotógrafos Ximena Garrigues y Sergio Moya se conocieron con una cámara en la mano. Cuatro ojos, un disparo y más de diez años después siguen trabajando juntos. Figuras imprescindibles en el universo editorial español, firman retratos en las publicaciones nacionales más relevantes. En marzo de 2017 se acercaron a Naves Matadero con el propósito de documentar el paso de los artistas que estaban protagonizando la primera temporada. “Y desde la primera sesión comprendimos la magia del escenario. Es un lugar hecho para iluminar, para que la luz nazca y muera en la misma foto. Ahí dentro la luz natural se mueve rápido. Hemos contemplado fotos sin hacer, fotos que se nos iban delante de nuestros ojos, pero hemos saboreado ese movimiento”, explican. Investigadores natos de la luz, la gestualidad y el retrato, a lo largo de su carrera han inmortalizado a pueblos enteros, familias, fiestas regionales, recodos callejeros, bodegones y todo aquello que encuentran impregnado de belleza. Pero en el retrato es donde realmente disfrutan. Descifrando las entrañas del ser humano con un objetivo de por medio.

“El diálogo no verbal que existe en un retrato es primario, recíproco y absoluto. Hay un enorme tránsito de información durante la sesión. Todo comienza con una mirada, la primera. Luego, siendo cautos, el resto del cuerpo. Poco más tarde, un beso o un apretón de manos. Y al final, el resto, la foto”, cuentan.

10y11 muestra todo esto y más, porque a veces el retrato se obtiene con el primer disparo y otras veces cuando se guarda la cámara. Pero, en este caso, como ladrones y testigos mudos del arte, la magia ha sucedido frente a ellos y el resultado atraviesa las paredes del vestíbulo hasta nuestra pupila.“Talento, conflictos, éxitos, sensibilidades, movimientos y luces rojas, niños, tragedias, pesadillas, sonido, locura, 100 rostros de un disparo, sexo, nefertitis, historia y una elegante señora judía. Si lo desean hagan el juego y unan estas palabras con las imágenes aquí expuestas”, dicen los fotógrafos.

10Y11 Ximena y Sergio

LUGAR: Vestíbulo Nave 10HORA: Viernes de 17h a 20h Sábados y domingos de 12h a 20h

Desde 8 SEP

Hecho en

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Sin fecha, 1950Camino por la calle. Sin ningún lugar adonde ir. Me paro a mirar

las carteleras, los escaparates. Miro las etiquetas con los precios en las alas de los sombreros. ¿Necesito un sombrero? Quizás deba comprar uno. No. Quizás la próxima vez. Me sobra el tiempo.

Cruzo la calle y vuelvo hacia Broadway. El Broadway de las salas de cine, los teatros, las tiendas de segunda mano, los tugurios.

No tengo absolutamente ningún lugar adonde ir, ningún lugar hacia dónde correr. Cuando uno ha recorrido una distancia tan larga, ya no importa si está aquí o allí, o durante cuántas horas ha caminado. En diez años podría encontrarme en un lugar completamente distinto, quién sabe, y no importaría lo más mínimo. Una vez que se abandona el hogar, ya no se vuelve a estar en casa. Jonas Mekas, Ningún lugar adonde ir

En el libro Ningún lugar adonde ir el cineasta de vanguardia lituano Jonas Mekas relata su exilio a través de la Europa en guerra hasta llegar a Nueva York, donde ha de volver a comenzar su vida. En ese momento, mientras Mekas recorre las calles en solitario, comienza Ningún lugar, una performance en la que sus textos y su obra se encuentran con un grupo de teatro amateur formado por mujeres rumanas, un músico colombiano que practica latinofuturismo y noise, una orquesta sinfónica experimental, vídeos domésticos y montones de chatarra, para construir una ópera de lo cotidiano que celebra la vida.

Orquestina de Pigmeos, colectivo formado por el músico Nilo Gallego y el creador audiovisual Chus Domínguez junto con diversos integrantes que colaboran en cada nueva presentación, ha sido invitada desde 2009 por festivales nacionales e internacionales de Bélgica, Reino Unido o Portugal para convertir situaciones cotidianas en extraordinarias vivencias artísticas desplegadas en el entorno: en el curso de un río, en el paseo de un pastor con el rebaño, sobre un volcán a la salida del sol o en un embarcadero mientras sube la marea.

En esta ocasión, Orquestina de Pigmeos se adentra en Naves Matadero para ejercer de médiums en una creación colectiva que reflexiona sobre el desplazamiento y el exilio, una experiencia que transforma a los creadores, a la gente con la que se cruzan y al lugar donde actúan, un diálogo entre sonidos, cuerpos y acciones, un paseo hacia ningún lugar.

NINGÚN LUGAR Orquestina de Pigmeos

LUGAR: Nave 11HORA: 20hPRECIO: 8 eurosIDIOMA: Español, rumano, inglés

FICHA

IDEA Y DIRECCIÓN: Nilo Gallego y Chus DomínguezCREACIÓN COLABORATIVA E INTERPRETACIÓN: Luminita Moissi, Mirela Ivan, Angelica Simona Enache, Mariana Enache, Julián Mayorga y Claudia Ramos.MUSICA Y ESPACIO SONORO: Julián MayorgaDISEÑO DE LUCES: Óscar VillegasCON LA COLABORACIÓN DE: Colectivo Las Raras, Grupo de Teatro Equivalentes (Tetuán)AGRADECIMIENTOS: Biblioteca Musical Víctor Espinós, Raquel Sánchez, Alberto Nanclares, Filmadrid y Sebastián Mekas AGRADECIMIENTO ESPECIAL A JONAS MEKAS

Textos adaptados libremente de los libros, películas y vídeo-diarios de Jonas MekasDURACIÓN: 70 minutos aprox.

ESTRENO ABSOLUTO

21, 22, 23 y 24 SEP

Hecho en

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26 SEP – 1 OCT

28 y 29 SEPLUGAR: Nave 10HORA: 20:30hPRECIO: 15 eurosIDIOMA: Portugués con subtítulos en españolRecomendado a partir de 16 años

FICHA

CREACIÓN, DRAMATURGIA, ESCENOGRAFÍA

Y PUESTA EN ESCENA: João SamõesTEXTO: João Samões a partir de Frantz Fanon, Aimé Césaire, Julião Quintinha, Louis-Ferdinand Céline y Langston HughesINTÉRPRETE: Paula Diogo (actriz), Ignacio Marín Bocanegra (pianista)MÚSICA: Sonata piano nº14 de Ludwig Van Beethoven, Paint it Black de los Rolling Stones DIRECCIÓN TÉCNICA E ILUMINACIÓN: Celestino Verdades DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN: João Samões y Mónica Mota PRODUCCIÓN: Debataberto COPRODUCCIÓN: Próximo Futuro / Fundación Calouste Gulbenkian AÑO: 2010-2013 DURACIÓN: 45 minutos

Instalación de vídeo creada a partir de la filmación de la presentación de la pieza de teatro África Fantasma, en Lisboa en julio de 2013.

LUGAR: Nave 10IDIOMA: Portugués con subtítulos en españolDURACIÓN: 15 minutos

FICHA INTÉRPRETES: Joana Bárcia (actriz) y Jan Wierzba (pianista) REGISTRO Y MONTAJE: João Dias PRODUCCIÓN: DebatabertoCOPRODUCCIÓN: Próximo Futuro / Fundación Calouste GulbenkianAÑO: 2013

ÁFRICA FANTASMA

INSTALACIÓN ÁFRICA FANTASMA

Un cocodrilo, “animal voraz y arcaico, metáfora perfecta de nuestra violencia y de todas las formas de depredación”, según Samões, desciende con el sonido de un helicóptero. Y sobre su dorso, la actriz Paula Diogo lanza textos poéticos combativos escritos por Frantz Fanon y Aimé Césaire. Así comienza esta pieza donde África se transforma en un lugar de representaciones imaginarias, un inmenso territorio sobre el que se proyectan todas las fantasías y los fantasmas. El espectador, poco a poco, va entrando en un juego en el que se manipulan realidades y turbulencias del reino de lo exótico y lo erótico, mezclando recuerdos y reflexiones sobre el colonialismo y el racismo.

“Tenía pocos meses de vida cuando mi madre me llevó a África. Creo que la fascinación que tengo por la forma de las artes tribales africanas se debe a haber pasado mis primeros años de vida en una excolonia portuguesa. Traigo el fantasma de todo un continente bajo la piel”, explica Samões teniendo en mente la frase del antropólogo Eduardo Viveiros de Castro: “Nuestra animalidad pasada permanece latiendo bajo capas de barniz civilizador”.

El director, dramaturgo, intérprete y pintor João Samões (Lisboa, 1970) es uno de los mejores representantes de la vanguardia de resistencia portuguesa. Comenzó su carrera en los años noventa con la compañía de teatro experimental Olho y el grupo de performance-instalación Canibalismo Cósmico. A finales de esa misma década fue invitado para el proyecto de improvisación Crash Landing Lisboa concebido por Meg Stuart, Christine De Smedt y David Hernández. Desde entonces, ha trabajado en proyectos escénicos generando un crítico contexto social y político en cada una de sus piezas, rompiendo fronteras y considerando el escenario “un lugar privilegiado para rehacer la condición humana”. Partiendo de la obra de autores como Joae Frantz Fanon, Louis-Ferdinand Céline o Albert Cossery, João Samões quiere que el espectador reflexione sobre quiénes somos como sociedad a través de un teatro muy desnudo, sin artificios. Entre sus obras más aplaudidas en Portugal, España, Francia, Italia, Bélgica, Austria o México, destacan la coreografía 18 minutos (2000), la performance Blackout (2008), las piezas de teatro África Fantasma (2010-2013), O Papagaio de Céline (2014) y su última obra Hotel Lousiana Quarto 58 (2016), un retrato de la filosofía de vida del escritor egipcio Albert Cossery. Samões tarda entre dos o tres años en pensar y escribir cada obra. Y cree que “el exceso de producción es un cáncer del mundo. Demasiados objetos que no sirven para nada, demasiados libros, demasiadas piezas... La autenticidad es una cosa rara. El llamamiento a la productividad en una sociedad capitalista es siempre un llamamiento a la esclavitud. Si no tienes nada que decir, debes permanecer callado. En mis piezas nunca nadie finge que es fulano o mengano sino que son personas reales, de carne y hueso, que van al escenario porque tienen cosas que decir”.

JOÃO SAMÕES

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En 2006 alguien subió a YouTube el vídeo del espectáculo Hanky Panky, de Úrsula Martínez y rápidamente se convirtió en viral. Lógico. Las obras de esta diva de culto en Londres transitan por los límites de la comedia, el género burlesco y la performance, y han conquistado escenarios como el del Barbican de Londres, la Sydney Opera House o la Fondation Cartier de Paris. Con la crítica internacional a sus pies: “Divertida, irónica, sincera y emocional”, según The Guardian; “adorablemente transgresora”, como dice The Times o “una demostración de honestidad, vulnerabilidad y poder”, según Time Out, desembarca en España para estrenar Free Admission.

De padre inglés y madre española, Úrsula comenzó trabajando en compañías de teatro experimental y a mediados de los 90 se lanzó a conquistar los cabarets de Londres en solitario. Como resultado de la fusión de sus dos trayectorias, teatro y cabaret, creó A Family Outing, un valiente desnudo familiar autobiográfico protagonizado por ella y sus padres. Posteriormente estrenó dos piezas, también autobiográficas, formando la aplaudida trilogía Me, Me, Me! presentada en el Barbican en 2006.Sus obras son una mezcla de diferentes conceptos escénicos, experiencia personal, formatos populares y provocación. Y el núcleo central de su trabajo es la exploración del humor y lo que significa ser humano. De este modo, tras el éxito virtual inesperado que obtuvo con Hanky Panky creó My Stories, Your Emails, un solo de teatro sobre la atención continua y sobrevenida que recibe de sus fans virtuales.

En Free Admission Úrsula construye, literalmente, un muro de ladrillos entre ella y el patio de butacas al tiempo que se sincera, revela esperanzas, explica sus miedos, frustraciones, alegrías y desencantos, tanto personales como universales.Con Free Admission celebra las inconsistencias y contradicciones que nos hacen humanos mientras profundiza en el caos de nuestras acciones. Úrsula Martínez desnuda su alma (y posiblemente más) en un intento por entender lo absurdo de la vida moderna entre carcajadas del público.

FREE ADMISSIONÚrsula Martínez

LUGAR: Nave 10HORA: 20:30hPRECIO: 15 eurosIDIOMA: Inglés y español con subtítulos en español

FICHA

ESCRITO E INTERPRETADO POR:

Úrsula MartínezDIRECTOR: Mark WhitelawDIRECTOR TÉCNICO: Chris CoplandPRODUCTION MANAGER: Anya TavkarSUBTÍTULOS: Tomás LorcaCOMISARIADO POR: Southbank Centre y Fierce FestivalCON EL APOYO DE: Arts Council EnglandDURACIÓN: 55 minutos

ESTRENO EN ESPAÑA

6 – 8 OCT

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Matarile lleva 30 años creando vanguardia sobre las tablas. Fundada en Santiago de Compostela por Ana Vallés y Baltasar Patiño ha puesto en escena más de 30 espectáculos en ciudades como París, Edimburgo, Boston o Leipzig, entre otras muchas, siendo galardonada con más de una veintena de premios y menciones en Europa. Pionera de un teatro innovador en España, referente indiscutible de la escena contemporánea, Matarile provoca el milagro por el que el espectador se siente partícipe de algo único e irrepetible. No busca espectadores sino interlocutores. En 1993 pone en marcha el Teatro Galán en Santiago de Compostela que, hasta 2005, se destina a la programación y difusión del teatro y la danza contemporáneos en Galicia, y durante 12 años impulsa el Festival Internacional de Danza en Pe de Pédra. En la actualidad, la compañía acaba de abrir, en la misma ciudad, las puertas de la Sala Montiel, un espacio in-permanente de exhibición, encuentro y creación contemporánea. Matarile crea un lenguaje sugerente, salvaje y poético que, cual cordón umbilical con el espectador, inyecta ironía, música, complicidad, humor y reflexión. Mario Moutinho lo explica así: “El teatro independiente, cuando efectivamente lo es, tiene la capacidad de crear piezas contemporáneas con fuerte intervención social, abordando dramas y conflictos, individuales y colectivos, de la sociedad actual, trabajando dramatúrgicamente estos temas o llevando a escena autores contemporáneos. Insistiendo. Pues como dice Slavoj Žižek, citado en la obra de Antes de la Metralla, “lo opuesto a la existencia no es la no existencia, sino la insistencia”.

MATARILE TEATRO

17 – 29 OCT

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LUGAR: Nave 10HORA: 20:30hPRECIO: 8 eurosIDIOMA: Español

FICHA:

DIRECCIÓN: Ana VallésTEXTOS: Equipo MetrallaILUMINACIÓN Y ESPACIO: Baltasar PatiñoCOREOGRAFÍAS: Equipo MetrallaVESTUARIO: Equipo MetrallaSELECCIÓN MUSICAL: Equipo MetrallaDOCUMENTACIONES: Jacobo Bugarín y Rubén VilanovaPRODUCCIÓN: Juancho GianzoCON EL APOYO DE Matarile Teatro, todos los participantes en la Metralla y los Festivales 32 MIT Mostra Internacional Teatro de Rivadavia 2016, FITO Festival Internacional de Teatro de Ourense 2016 y ALT de Vigo Festival Alternativo das Artes Escénicas de Vigo 2017AYUDA A GIRA DE INAEM Ministerio de Educación, Cultura y Deportes - Gobierno de EspañaDURACIÓN: Mínimo 90 minutos sin descanso (es un trabajo en proceso de cambio constante)


DIRECCIÓN: Ana VallésINTÉRPRETES: Mónica García, Nuria Sotelo, Celeste González, Ricardo Santana, Oscar Codesido y Ana VallésILUMINACIÓN Y ESPACIO ESCÉNICO: Baltasar PatiñoAYUDANTES DE DIRECCIÓN: Jacobo Bugarín y Alfonso MíguezVÍDEO: Rubén VilanovaDISEÑO RED: Baltasar PatiñoPRODUCCIÓN: Juancho GianzoPRODUCEN: Matarile Teatro, La Montiel, AGADIC - Xunta de Galicia, Consellería de Cultura, Educación e Ordenación UniversitariaDURACIÓN: Mínimo 90 minutos sin descanso

ANTES DE LA METRALLA

CIRCO DE PULGASEsto no es un espectáculo cerrado sino la muestra del resultado de unos encuentros previos: un acontecimiento para un marco específico. “Con el objetivo de exponer algunas orientaciones e interpretaciones de la escenacontemporánea desde distintos ángulos, perspectivas o implicaciones, Antes de la Metralla es un encuentro escénico con personas que, por un lado, aportan sus puntos de vista y, por otro, están dispuestas a exponerse en escena más allá del refugio de la palabra: todos somos espectadores”, dice Matarile. Por eso este proceso está abierto a espectadores dispuestos a tomar la palabra y a tomar posición, no necesariamente profesionales. En Antes de la Metralla participan la bailarina y coreógrafa Mónica García; el investigador teatral, crítico, profesor titular de la Universidad Carlos III de Madrid y doctor en Filología Hispánica, Eduardo Pérez-Rasilla; la profesora de dirección escénica en la RESAD, directora de escena, investigadora teatral y activista en defensa de la educación pública, Ana Contreras; la artista plástica, clown, actriz ayudante de escenografía y vestuario, Lara Contreras; el actor, bailarín, coreógrafo y docente para fundación FUESCYL y RESAD, Ricardo Santana; el iluminador, escenógrafo, fundador de la Red Estatal de Teatros Alternativos y codirector de Matarile, Baltasar Patiño; la performer, antes Mauricio González, de-formada en danza académica y Premio de la Crítica de Catalunya 2015 al Mejor Solo de Danza, Celeste González; la codirectora de Matarile, Ana Vallés y los participantes del taller.En palabras de Lola Correa, directora del Festival Alt: “Antes de la Metralla es una obra que sacude con fuerza las verdades absolutas para recrear la incertidumbre de las dudas necesarias. Si la firmara Peter Brook seguro estaría en los mejores teatros londinenses”.

Estreno en Madrid de la última creación de Matarile Teatro, presentada en el FITO Festival Internacional de Teatro Ourense el 7 y 8 de octubre.

“Creo que es el momento de regresar. Y como no se puede nunca volver a ningún sitio, voy a maquillar mi cadáver y a regresar con él a un paraíso o infierno particular. Con esto no pretendo situarme como víctima de ninguna situación o contingencia. Quiero decir que dejaré de ocultar, silenciar, o enmascarar los aspectos más sórdidos de lo que se conoce como realidad y algunos apuntan como fantasía. ¿Hace falta subrayar que todo será inventado y que aquí no se admite la presunta inocencia?Decía Deleuze: Si vous êtes pris dans le reve de l`autre, vous êtes foutu! (Si estás atrapado en los sueños de otro estás jodido!)”, Matarile.

21 – 22 OCT

26 – 29 OCT

LUGAR: Nave 10HORA: De 17 a 21h

CONDUCIDO por Ana VallésCOLABORAN: Mónica García, Ricardo Santana, Celeste González y Baltasar Patiño

TALLERUn encuentro con Matarile antes de la metralla: Forcejeos, humedades y estrategias sobre tácticas teatrales

17 – 20 OCT Invitación al diálogo con la compañía en el proceso previo a la edición de Antes de la Metralla que se presentará en Naves Matadero los días 21 y 22 de octubre.

Las personas interesadas deben enviar una breve biografía a [email protected] (antes del 25 de septiembre) y la compañía seleccionará 12 personas sin límite de edad, que tendrán la posibilidad de participar en las funciones. Previo al encuentro, Matarile creará un diálogo vía email entre los participantes habituales de la Metralla y los 12 seleccionados. Los materiales generados se desarrollarán y organizarán en torno a la escena durante los 4 días del encuentro.

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FICHA

MAMAZA: Fabrice Mazliah y Johanna MilzABRIDORA DE PUERTAS EN MADRID: Selina LosaCÁMARA Y DOCUMENTACIÓN: Jonathan Fuller RowellPRODUCCIÓN: BE FESTIVAL

LUGAR: Nave 12. CafeteríaHORA: 21hPRECIO: Entrada libre hasta completar aforoIDIOMA: Español

FICHA

VOZ Y GUITARRA ELÉCTRICA:

Mariona AupíGUITARRA ELÉCTRICA, ACÚSTICA

Y PIANO: Guillermo Martorell

ASINGELINE, an enacted thought llega a Naves Matadero dentro del programa del Best of BE FESTIVAL, que cada año selecciona artistas del BE FESTIVAL de Birmingham y realiza con ellos una gira por Reino Unido y España.

ASINGELINE, AN ENACTED THOUGHTMamaza

Las líneas rojas evocan imágenes de fronteras, de tabúes sociales que no deben cruzarse, de lugares prohibidos e inseguros. Abren debates políticos, dividen clases sociales, señalizan un punto imaginario de no retorno y alimentan la imaginación.

MAMAZA, un colectivo de performance y danza con sede en Frankfurt, conectará dos puntos de Madrid, y todo lo que haya a su paso, extendiendo una línea de cinta roja que atravesará la ciudad cruzando espacios públicos -calles, plazas, parques, etc.- y privados -hogares, restaurantes, comercios, bares, etc.- finalizando en la Cafetería de la Nave 12. En este caso la línea no es una performance ni una instalación sino un trazado poético que llama a la reflexión. Un pensamiento puesto en acción por este colectivo con la ayuda de todas las personas con las que se crucen. Realizada en varias ciudades del mundo como Venecia, Amberes, Johannesburgo, Lagos o Birmingham, ASINGELINE, an enacted thought re-imagina la metáfora de la “línea roja” en un contexto comunitario que une en vez de dividir a la gente. Ioannis Mandafounis, Fabrice Mazliah y May Zarhy se concieron en The Forsythe Company en 2005 y cuatro años más tarde fundaron MAMAZA. Desde entonces han creado muchos trabajos escénicos y lo que ellos denominan “pensamientos escritos”: obras coreográficas que tienen lugar fuera del espacio teatral y reposicionan la coreografía en el ámbito de los espacios sociales y públicos. En la actualidad MAMAZA tiene su sede en Frankfurt y está dirigido por Fabrice Mazliah y May Zarhy.

20 – 25 OCT

2 NOVIEMBRE

LE MONDEMariona Aupí

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Mariona pone entre las cuerdas a la emoción y la libera con su voz. A los 17 años creó el grupo Fang junto a Jaime Ferrer y rápidamente se convirtieron en una formación de culto en España. Desde 1997 hasta 2004 editaron cuatro discos y la voz de Mariona comenzó a calar hondo. El director de cine Jaume Balagueró decidió incluir su tema My Black Dress en su primer gran éxito, Los sin nombre, y dirigió el videoclip del mismo tema con imágenes de su película. En el 2006, Mariona comenzó el proyecto Santa N junto al músico Carlos Ann, que les llevó a una gira por México y España. Con Carlos se sumergió en un proceso creativo de cinco años, poniendo música a los versos de Juan Gelman (premio Cervantes 2007) colaborando con el poeta y publicando el disco a los pocos meses de la muerte de éste. Pero antes Mariona ya había empezado a trabajar en su primer disco en solitario, Criatura (2013). Una apuesta muy personal, con aires electrónicos y guitarras eléctricas. En 2015 empieza el camino de composición de su segundo álbum Le Monde, un proyecto cuidado y elegante, producido e instrumentado por Guillermo Martorell que aquí presentan. Las emociones expresadas en el disco están simbolizadas por el agua y viven en un ámbito metafórico donde el mar (agua en constante movimiento/regeneración) es el protagonista. Son cantos que emergen del océano.

“El mar aparece en la producción artística de las canciones y ha ayudado a crear un mundo particular sónico a todo el proyecto. Las canciones se visten de imágenes sonoras que representan este entorno: la utilización de grabaciones del mar realizadas en el Empordà, específicamente para el disco, un contrabajo convertido en sirena de barco, el grito de una guitarra a modo de canto de delfín son algunas de las metáforas sonoras del álbum que refuerzan su entorno marino”, explica Mariona.

Cantos sensuales y certeros que emergen con fuerza de un mar en calma. Como dice el poeta Alejandro Simón Partal: “Le Monde, a través de un diálogo de fronteras en forma de once canciones -con dos interludios reinventados del genial Charles Valentin Alkan- nos sumergen en la revelación de la que es una compositora fundamental que nos ha creado una tregua eterna a todo lo demás, a todo lo previsible”.

NAVES MATADEROPROGRAMACIÓN 2017-18 25NAVES MATADERO PROGRAMACIÓN 2017-1824

LUGAR: Nave 10HORA: 20:30hIDIOMA: EspañolEntrada libre

FICHA

DIRECCIÓN: Sofía AsencioPROCESO DE INVESTIGACIÓN: Tomàs Aragay, Silvia Zayas, Jaime Conde Salazar y Bárbara SánchezCON LA COLABORACIÓN DE: Jordi ClaramonteESCENOGRAFÍA E ILUMINACIÓN: CubePRODUCCIÓN: Imma Bové,producción de Societat Doctor Alonso COPRODUCCIÓN: Graner- Mercat de les Flors, Artium-Azala, Mes de Danza, Centro Rural de Arte, Festival Ingràvid, Agora de la DanseCON EL APOYO DE: Iberescena, Generalitat de Catalunya, Institut Ramon Llull, INAEMDURACIÓN: Mínimo 90 minutos sin descanso

LUGAR Y HORA: Por definirEntrada libre hasta completar aforo

ACCIÓN!MAD17

La Societat Doctor Alonso, dirigida por la bailarina y dramaturga Sofía Asencio y el director escénico Tomàs Aragay, está presente en los festivales y espacios comprometidos con la creación contemporánea de ciudades como Montreal, Nueva York o Barcelona, entre muchas. Asencio y Aragay mezclan géneros, formas escénicas y reúnen a diferentes artistas creando su propia manera de habitar el escenario. Plantean la escena como un lugar donde colocar lo menos espectacular allí donde debería haber espectacularidad y han construido un lenguaje basado en el concepto del desplazamiento. Desplazar para desvelar algo.

El desenterrador es un proyecto de creación e investigación escénica alrededor del cuerpo y las palabras, llevado a cabo por un equipo multidisciplinar a través de una serie de residencias-talleres realizadas en diferentes ciudades del mundo. Del 6 al 10 y del 13 al 17 de noviembre tendrá lugar el Taller de Excavación Permanente con diferentes colectivos de la ciudad de Madrid. Las excavaciones consisten en conversaciones pautadas con una serie de normas diseñadas para favorecer el trabajo en equipo, la escucha y la posibilidad de profundizar conjuntamente en torno a la palabra designada en cada sesión. Porque cada excavación se hace sobre una única palabra. Mediante el diálogo improvisado entre los participantes la palabra resuena de nuevo comprendiendo así su significado y potencialidad hoy en día. La intención del taller no es redefinir las palabras sino excavar el proceso, descubrir su musicalidad, encontrar cosas inesperadas de ellas y, finalmente, ser conscientes de nuestra relación con el lenguaje. “Desenterramos palabras en sentido real y figurado. Trabajamos con palabras en desuso, aquellas que el significado ha cambiado o palabras tabú. Y sobre todo con ‘valores’ de nuestro sistema ético que pensamos que es necesario revisitar. Queremos indagar en la estrecha y cambiante relación que se produce entre las palabras y su uso, y las acciones que de ellas se derivan. Una relación de ida y vuelta que da sentido y cuerpo a nuestra forma de habitar el mundo”, explica la Societat Doctor Alonso.

El desenterrador es la última práctica del taller y se abre al público para que las personas puedan participar y descubrir su vínculo con el lenguaje y consigo mismas.

Acción!MAD comienza en 2003 cuando no existía ningún festival dedicado específicamente al arte de acción y performance en Madrid. Surge de la necesidad de llenar este hueco en la programación cultural de la ciudad y se establece como una cita anual que ofrece al público una visión amplia y profunda de un género independiente, autónomo y gobernado por sus propias reglas espacio-temporales.

“A lo largo de estas 14 ediciones hemos procurado abarcar un espectro geográfico vasto, mostrar distintas generaciones de artistas y diferentes sensibilidades, prestando especial atención al trabajo de las mujeres cuya aportación al arte de acción y la performance ha sido, y es, extraordinariamente importante, original y fecunda”, explica su directora técnica y artística Nieves Correa. Por Acción!MAD han pasado artistas relevantes como Esther Ferrer (Premio Nacional de Artes Plásticas de España en 2008), Concha Jerez (Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes en 2011), Isidoro Valcárcel Medina (Premio Nacional de Artes Plásticas de España en 2007) o Nacho Criado (Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes en 2008 y el Premio Nacional de Artes Plásticas de España en 2009).

Además de la exhibición de acciones y performances, Acción!MAD organiza talleres, mesas redondas, presentaciones teóricas, charlas, conferencias, propuestas para el espacio público, etc. Y desde el año 2008

11 y 18 NOV

9 – 11 NOV

cuenta con la sección Espacio Frágil, dedicada a los jóvenes artistas que comienzan a trabajar en esta disciplina y con la que colaboran facultades y escuelas de Bellas Artes de toda España.

Este año el país invitado es Suiza y Naves Matadero se convierte en una de las sedes. Del 9 al 11 de noviembre los vestíbulos de la Nave 10 y 11 serán intervenidos por los artistas Saskia Edens, Jérôme Karsenti, Lilian Frei, Pascal Lampert, Marc Mouci, Ali Al Fatlawi, Wathiq Al Ameri, Gisela Hochuli, Klara Schilliger, Valerian Maly, Adela Picón y Maricruz Peñaloza. Y esta última, además, dará una charla sobre la performance y el arte de acción en Suiza.

EL DESENTERRADORSocietat Doctor Alonso

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QUEREMOS QUE NUESTRO PÚBLICO SE DIVIERTA SIN QUE SEPA PONER PALABRAS A LO QUE HA EXPERIMENTADO. QUE REGRESEN A LA INFANCIA. QUEREMOS QUE LA GENTE SE SIENTA LIBRE Y SALGA QUERIENDO VIVIR SU VIDA CON LIBERTAD”, Circo de Sastre

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CIRCO DE SASTRELa mente viaja de muchas maneras y existen guías facilitadores de estos trayectos. Artistas chamánicos como los japoneses de Circo de Sastre que, tras su éxito en Japón pisan, por primera vez, Europa. Portadores de un género inventado, presentan un concierto de música en directo, una pieza de danza, un espectáculo de un nuevo circo, una lección de sastrería, una performance, una obra teatral y todo en uno, contando una historia tejida con sonidos, tela y luz. El espectador se sentirá transportado a un lugar lejano de sentimientos conocidos.

Fundado en 2014 por Daiho Soga y Gandhi Nishigaki (músicos de CINEMA Dub MONKS), el sastre Suzuki Takayuki y Watanabe, artista de la iluminación, utilizan todos los recursos a su alcance para crear escenarios e historias mientras manejan las emociones de quienes les observan. Suzuki crea con telas la escenografía en directo con su máquina de coser o baila vistiendo el espacio. Daiho y Gandhi improvisan un paisaje musical con instrumentos fabricados por ellos y otros tradicionales al tiempo que Watanabe modifica las percepciones del ojo humano creando magia con la luz. Así lo explican ellos: “Utilizamos manualmente todo lo que existe a nuestro alcance: el espacio, la música, la luz, la sombra, la ropa, etc. para conquistar el instante que mueve el corazón de una persona. Buscamos las raíces de métodos expresivos universales (y novedosos) que puedan mantenerse durante siglos, incluso después de que desaparezcamos. Queremos que nuestro público se divierta sin que sepa poner palabras a lo que ha visto o experimentado. Que regresen a la infancia. Queremos hacer que la gente se sienta libre y salga queriendo vivir su vida con libertad”.

LUGAR: Nave 11HORA: Los días 10, 11, 17 y 18 a las 20h. Los días 12 y 19 a las 17h.PRECIO: 15 euros

FICHA

MULTI INSTRUMENTISTA: Daiho Soga (CINEMA Dub MONKS) WOOD BASS: Gandhi Nishigaki (CINEMA Dub MONKS) DISEÑADOR DE MODA Y SASTRE:

Takayuki Suzuki ILUMINACIÓN: Takashi Watanabe CIRCUS LEADER: Takashi OgamiCOPRODUCTOR: Kurando Shoji DURACIÓN: 120 minutos (con descanso)

ESTRENO EN EUROPA

10, 11, 12, 17, 18 y 19 NOV

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El coreógrafo, director, actor, bailarín, performer y dramaturgo Vicente Colomar ha presentado su trabajo en festivales como el Be Birmingham, Festival Camping (París) o el Festival Escena Contemporánea (Madrid). Su última creación, Black Noise, nace dentro del programa Research Studios en el Performance Art Research and Training Studios (P.A.R.T.S.), dirigido por Anne Teresa de Keersmaeker en Bélgica. Es una investigación coreográfica y musical entorno a la construcción de los objetos y sus conexiones. Un trabajo sobre la forma sirviéndose de sillas, mesas, mantas y bailarines. “Las sillas y las mesas, por sus líneas y volúmenes arquitectónicos. Y las mantas como difuminadoras, silenciadoras y borradoras de las formas. Como un eco de los objetos”, explica Colomar.

Black Noise funciona como instalación y pieza escénica. Es algo hipnótico donde lo performativo se produce a partir de lapsus. “Experimentamos sobre el tiempo: lo dilatamos en la instalación y lo compactamos en la pieza”, dice. Ambas creaciones se interesan por la zona de fricción que se sitúa en la última membrana que rodea al objeto. Ese último límite donde este se desvanece. Un lugar confuso y ruidoso. ¿En qué momento el objeto deja de serlo y empieza a ser otra cosa, a establecer otras relaciones y a construirse en otros objetos?

LUGAR: Nave 10HORA: Por determinarPRECIO: 8 euros

FICHA

PERFORMERS: Talia De Vrite, Ricardo Santana, Susanna Hood y Vicente Colomar ASESORAMIENTO SONORO Y

MUSICAL: Erika Vega, Kaja Fradzky SEGUIMIENTO DENTRO DE RESEARCH

STUDIOS EN P.A.R.T.S.): Tom Pauwels, Gabriel Schenker JEFE TÉCNICO: Luis PerdigueroFOTO: Tina DeclerkIDEA Y COREOGRAFÍA: Vicente ColomarPRODUCCION: Este proyecto se desarrolla dentro del proyecto de investigación escénica

23 – 30 NOV: Instalación 1 y 2 DIC: Pieza escénica

BLACK NOISEVicente Colomar

Research Studios en colaboración con el master en música experimental MANANA, ICTUS en P.A.R.T.S. Con el apoyo de la “Beca Integral para la Ampliación de Estudios Internacionales de la Fundación SGAE 2016”, el programa IBERESCENA, Departures and Arrivals DNA (P.A.R.T.S.) y la colaboración de “Coreógrafos en Comunidad”, Centro Cultural Conde Duque, Madrid.La instalación y la pieza escénica Black Noise, es una producción creada en residencia en Naves Matadero.DURACIÓN: 80 minutos aproximadamente

ESTRENO ABSOLUTO

TODOS LOS OBJETOS TIENEN LA MISMA FORMA Y EL MISMO TAMAÑO.

TODOS TIENEN LA MISMA MATERIALIDAD.NO ES MENOS MATERIAL EL ODIO QUE UNA MANZANA. TODOS LOS OBJETOS ESTÁN FORMADOS DE OBJETOS.

ENTRE UN OBJETO Y OTRO SIEMPRE HAY OTRO OBJETO.

TODOS LOS OBJETOS SON EL MISMO OBJETO.

TODOS LOS OBJETOS SON LA NADA.SOMOS OBJETOS”, Vicente Colomar

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TEATR ZARTeatr ZAR se formó en el Instituto Jerzy Grotowski (Polonia) durante las expediciones de investigación a Georgia entre 1999 y 2003. En estos viajes recopilaron gran cantidad de material musical y cuentan que posiblemente encontraron las composiciones polifónicas más antiguas del mundo. (“Zar” es el nombre de las canciones funerarias cantadas por los esvanos, habitantes de las zonas altas de la región del Cáucaso, en el noreste de Georgia). Teatr ZAR intenta demostrar que el teatro no solo debe ser visto, sino que sobre todo ha de ser escuchado.

Sus actuaciones son parte de un largo proceso de investigación, viajes, exploraciones personales y transformación. Nos traen de nuevo el teatro como era antes de que el arte se fracturara en diferentes disciplinas y estilos, encargándose de temas que hoy en día parecen estar reservados solo a la religión, y apoyándose en la creencia, que proviene del pensamiento romántico polaco, de que el objetivo de esta forma artística no es solo ser complementaria al movimiento religioso, sino también ser capaz de llenar el vacío dinámico entre la vida cotidiana y la transcendencia. Juliusz Osterwa, uno de los pocos que intentó poner en práctica estas ideas y cuyo pensamiento fue una inspiración para J. Grotowski, dijo: “Dios creó el teatro para aquellos a los que no les basta la Iglesia”. El primer gran éxito de Teatr ZAR fue la trilogía Gospel of Childhood. Realizada entre 2003-2009, supuso la culminación de una investigación de más de diez años y del desarrollo de la propia compañía. La estrenaron en el Barbican Centre de Londres y giró por ciudades como Los Ángeles, San Francisco, Florencia, etc. Obtuvo el premio Best New Music Theatre de Los Angeles Times y se exhibió en el Fringe Festival de Edimburgo en 2012, obteniendo el Total Theatre en la categoría de teatro físico y Herald Angel. A partir del año 2011 el grupo se vuelca en el proyecto Armine, Sister, dedicado a la historia y cultura de la nación armenia que habita en Anatolia y a la exterminación de los armenios cometida a principios del siglo XX. El proyecto ha sido realizado a través de las expediciones e investigaciones de la historia y tradición armenia y una de las ideas básicas del mismo es abordar la cuestión del tabú y de la hipocresía de la historia confrontada con el deber de dar testimonio.

25 NOV – 03 DIC

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LUGAR: Nave 11 (aforo reducido)HORA: Por determinarPRECIO: 15 eurosIDIOMA: Canciones tradicionales de Turquia, Irán, Egipto, Córcega y CerdeñaRecomendado para mayores de 16 años

FICHA

CREADO POR: Simona Sala and Jarosław FretDRAMAURGIA MUSICAL: Jarosław FretINTÉRPRETE: Simona SalaCANTANTES: Fatma Emara, Marjan Vahdat, Selda ŐztűrkCORO: Aleksandra Kotecka, Tomasz Wierzbowski, Orest Sharak, Davit Baroyan y Jarosław FretTEXTO: Dimitris DimitriadisDURACIÓN: 50 minutosEstreno en Breslavia (Polonia) 2016.

ESTRENO EN ESPAÑA

LUGAR: Nave 11 (aforo reducido)HORA: Por determinarPRECIO: 15 eurosIDIOMA: La actuación está basada en canciones tradicionales de Turquía, Armenia, Irán, Córcega y CerdeñaRecomendado para mayores de 16 años

FICHA

EN ESCENA: Davit Baroyan, Ditte Berkeley, Przemysław Błaszczak, Alessandro Curti, Jarosław Fret, Murat İçlinalça, Dengbesz Kazo, Aram Kerovpyan, Vahan Kerovpyan, Kamila Klamut, Aleksandra Kotecka, Simona Sala, Orest Sharak, Mahsa Vahdat, Marjan Vahdat y Tomasz WierzbowskiESTUDIO MÚSICA MODAL: Aram KerovpyanTÉCNICA VOCAL: Virginia Pattie KerovpyanILUMINACIÓN: Maciej MądryDRAMATURGIA MUSICAL, INSTALACIÓN

Y DIRECCIÓN: Jarosław FretDURACIÓN: 80 minutosEstreno mundial en Breslavia (Polonia) 2016

ESTRENO EN ESPAÑA

LUGAR: Nave 11Entrada libreRecomendado para mayores de 16 años

MEDEAS. ON GETTING ACROSS

ARMINE, SISTER

MY EYE IS MY COUNTRY Instalación

El nuevo espectáculo de Teatr ZAR, Medeas. On getting across, dirigido por Jarosław Fret, se estrenó en octubre de 2016 en la última Olimpiada Internacional de Teatro, organizada por el Instituto Grotowski en Breslavia. Es una performance cuya dramaturgia musical está creada alrededor de canciones árabes, persas y kurdas, interpretadas por cantantes invitados de El Cairo, Teherán y Estambul, donde las palabras también pesan y representan el destino de los refugiados. Es una secuencia ininterrumpida de acciones e instalaciones que confluyen en una visión poética del rechazo. No es teatro político sino una exploración íntima de la experiencia de ser rechazado.

“Mostramos a Medea fuera del tiempo, del mito, explorando un problema que es tan universal como urgentemente contemporáneo: la migración. Hablamos sobre la imposibilidad de cruzar la frontera de nosotros mismos creada con la línea de nuestros cuerpos que se mueven entre tierra y mar, continentes y personas. Hoy en día Medea podría ser una refugiada a las puertas de Europa y cuando comenzamos este proceso no sabíamos que se convertiría en una especie de texto litúrgico para todos aquellos cuyos nombres nunca conoceremos y que se están muriendo en la travesía hacia Europa. Un lamento asociado con el luto y acompañamiento de los fallecidos. Una estructura polifónica que proviene del Cáucaso, del mismo lugar donde viene Medea, y que es la esencia del Teatr ZAR”, resume su director Fret.

El espacio donde se desarrolla Medeas. On getting across se transforma en un lugar de encuentro para la observación, la memoria, el lamento y la disponibilidad, con todos los riesgos que esto conlleva, para realizar una conexión vertical y espiritual y para sentir que lo que se está experimentando no forma parte solo de una creación estética sino de la vida misma.“Gracias a su composición multilingüe y multienergética Medeas se convierte en una liturgia silenciosa ajena a cualquier religión, desprovista de cualquier dogma y teología. Esta es la misma liturgia, aunque ocurra en el teatro, que la que acontece en el corazón de cada uno de nosotros cuando pisamos la orilla del mar Mediterráneo”, cuenta Fret.

1 y 3 DIC

25 – 30 NOV 1 – 2 DIC

2 y 3 DIC

My Eye is my Country es una instalación que presenta canciones, historias y voces de refugiados, dentro de la escenografía del espectáculo Medeas. On Getting Across. Los habitantes de los campos de refugiados, mujeres y niños, documentan sus vidas usando cámaras, teléfonos móviles, etc. e intentan dar una visión de sus vidas desde una perspectiva externa. La instalación se generó durante dos semanas de proceso, seguidas de talleres intensivos de selección y montaje de materiales. No se trata de películas sobre el viaje a Europa, sino de historias sobre lo que sucede en estos momentos. Para la mayoría de los visitantes, esta será la única manera de escuchar y ver lo que los migrantes de diferentes partes del mundo tienen que soportar y padecer.

El espectador no entra en una sala de teatro. Lo hace en la penumbra crepuscular de una iglesia, convirtiéndose en actor y testigo de algo que todavía vive un silencio formal en Turquía: la exterminación de los armenios cometida a principios del siglo XX. “Originariamente la pieza pretendía ser una reunión en la que no se invocara a los muertos sino que ellos se manifestaran para desenterrar y hacer visible su pasado”, dice su director. Y la intención se hace obvia desde el título, formado por las dos primeras palabras de una carta sin dirección, sentenciada a vagar por el tiempo y el espacio. El proyecto ha sido realizado a través de las expediciones e investigaciones de la historia y tradición armenia, y una de las ideas básicas del mismo, es abordar la cuestión del tabú y de la hipocresía de la historia confrontada con el deber de dar testimonio. Relacionando el futuro post-Auschwitz que Adorno predijo para la poesía, el arte y la educación, Teatr ZAR reflexiona sobre la posibilidad de que el s. XXI no se convierta en el siglo de la ignorancia y se pregunta sobre Europa como una cuestión de historia, identidad y dignidad.

“Cuando viajamos por Anatolia visitamos las ruinas de una iglesia destruida donde alguna vez sonaron las canciones que se interpretan en Armine, Sister. Tocamos el polvo del suelo con miedo a preguntar si teníamos derecho a perturbar su paz y entendimos que lo que no teníamos era el derecho a permanecer callados. Nuestro gesto musical asume una violación del silencio y la paz con el propósito de escuchar, una vez más, la voz del pasado. Esta no nos contará una historia en particular ni arrastrará traumas. Al contrario, será una voz vigorosa llena del sonido, dignidad e identidad de aquellos que partieron y cuyos nombres nadie ha vuelto a pronunciar.¿Era suficiente hablar de ellos con números, lugares y fechas o tal vez era mejor dejarles permanecer en silencio? El arte nos permite evocar este silencio para que pueda ser escuchado una vez más”, cuenta Fret.

El proyecto incluye músicos de diferentes tradiciones de Asia Menor, Anatolia e Irán a los que han ido conociendo durante sus expediciones. A través de sus cantos atávicos, el doloroso proceso de la memoria, constante en Armine, Sister, fascina, tranquiliza, engancha y traumatiza como un asalto a las emociones. Darle un sentido será la única manera de mantener la compostura.

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FICHA

IDEA Y PUESTA EN ESCENA: NervalMÚSICOS Y PERFORMERS: David Orrico (voz, guitarra acústica, ukelele, melódica y programaciones), Tagore González (clarinete, clarinete bajo, teclados y percusiones), Miguel Ángel Benito “PT” (batería y percusiones)DIRECCIÓN: Juan Ollero y Nerval

PROYECTO CREADO EN RESIDENCIA EN: Sala Hiroshima (Barcelona)CON LA COLABORACIÓN de Naves Matadero-Centro Internacional de Artes VivasDURACIÓN: 80 minutos

LUGAR: Nave 11HORA: Por determinarEntrada libre

¿Qué pasaría si le pidiéramos a Siri instrucciones para bailar desde el suelo? Nerval, dúo de post-pop-rock formado por David Orrico y Tagore González, lo muestran en esta pieza ampliando el significado de su propuesta musical más allá de los instrumentos, usando sus cuerpos, algunos objetos y el espacio alrededor de los mismos, para crear escenas híbridas con fuerte presencia de música en vivo.

Nerval son músicos y directores artísticos de Cre.Art Project, compañía transdisciplinar de artes escénicas. Su lenguaje transita entre lo conceptual y la experimentación, y en sus canciones lo cotidiano y lo épico se dan la mano. La cercanía de David y Tagore con otras disciplinas artísticas hace que conciban su proyecto como generador de un marco creativo que trasciende la esfera musical. Con el objetivo de abrir caminos, generar nuevos formatos y posibilidades, facilitan colaboraciones con otros artistas, defendiendo la improvisación como forma de creación automática o abordando lugares muy heterogéneos, como puede ser el Museo del Romanticismo de Madrid, la Sala Hiroshima de Barcelona o la Fábrica de Hielo de Valencia.

Nerval defiende la autoproducción, la autoedición y la libertad creativa. Con dos trabajos discográficos editados, se graba, produce, mezcla, masteriza, diseña, monta y enumera uno a uno todos sus discos, intentando encontrar el sentido y generar un discurso sólido en cada concierto o pieza que desarrolla. A principios de 2017 publicaron su último trabajo, Impás EP I,la primera parte de una trilogía en proceso a la que acompaña el concierto escénico Fiesta/Siesta/Fiesta que aquí presentan.

Fiesta/Siesta/Fiesta se origina como un proceso de investigación inacabado durante una residencia artística en la Sala Hiroshima de Barcelona, con el fin de establecer un cuestionamiento abierto sobre el concepto de concierto, performance u obra teatral. Nerval lo resume así: “Es un entreacto, un discurso inconcluso. Un concierto discursivo alojado en un laboratorio escénico. FIESTA como un cataclismo, un sin sentido incomprensible que nos desorganiza y hace temblar nuestros cimientos. Hemos de reconocernos después de la tormenta y hacer inventario. SIESTA. Aprender a organizarnos de nuevo y quizás, con un poco de suerte, encontrar nuevos órdenes y sistemas para celebrar el devenir de la vida hacia la muerte como una experiencia única. FIESTA”.

Los objetos y máquinas que Kris Verdonck pone en escena son tan performativos como un actor o un bailarín. La obra de este artista, asociado a la Université Paris-Sorbonne, se sitúa en una zona de tránsito entre las artes visuales y el teatro, entre la instalación y la acción, entre la danza y la arquitectura. Como director, performer y artista visual tiene en su haber una amplia variedad de proyectos que ha presentado, por ejemplo, en el Festival d’Avignon, el Kunstenfestivaldesarts de Bruselas o la Noche en Blanco de Roma.

En 2016, mismo año en el que se organizó un simposio sobre las prácticas artísticas de Verdonck en el Martin E. Segal Theatre Center (City University of New York), él estrenó IN VOID, donde objetos, máquinas y proyecciones poblaron el escenario del Kaaistudio de Bruselas en una reflexión crítica sobre la relación entre el hombre y la tecnología.“El hombre se ha convertido en algo superfluo por su impulso de crecimiento, progreso, conocimiento, control y por la tecnología que él mismo ha desarrollado. Según algunos filósofos (Kojève, Agamben, Fukuyama, Baudrillard, y otros), ya estamos en una especie de post-historia de saciedad, estancamiento, resignación y extinción lenta. En la sociedad occidental, los objetos están cada vez más vivos. Todavía nos aferramos a la división entre personas vivas y objetos muertos, mientras que los híbridos se encuentran dentro de nuestros bolsillos”, dice Verdonck, para quien el teatro es el lugar perfecto para reflexionar sobre la ausencia humana. En IN VOID II, regresa a esa misma obsesión constante en su carrera y creará nuevas instalaciones en colaboración con artesanos de la ciudad de Madrid. Con estas nuevas creaciones formará un ambiente teatral en el que desaparecerá el artista humano y nacerá una casa embrujada donde los objetos cobrarán vida.

15, 16 Y 17 DIC

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TAL VEZ LOS OBJETOS QUE NOS RODEAN ADQUIEREN SU INMOVILIDAD DE NUESTRA CERTEZA DE QUE SON LO QUE SON Y NO OTRA COSA, OBTIENEN SU INMOVILIDAD DE LA INFLEXIBILIDAD DEL PENSAMIENTO CON EL QUE RESPONDEMOS A ELLOS”, Robert Musil


O SUDÁRIOCristina Rodrigues

Cristina Rodrigues (Oporto, 1980) es una de las artistas plásticas portuguesas más importantes de su generación. El eclecticismo que emanan sus obras habla de sus pasiones y su formación académica. Tras graduarse en Arquitectura en Oporto y estudiar Historia Medieval y Renacentista se doctoró en la Manchester School of Art y recibió una beca en 2011 para desarrollar su proyecto de investigación “Diseño para la desertificación”. Entonces centró su trabajo en el estudio y registro de los territorios portugueses con baja densidad de población mientras comenzaba a crear algunas de sus obras textiles más conmovedoras. No es extraño que se trasladara a vivir a Manchester, la antigua capital textil de Europa, y en la Catedral de Manchester realizara su gran exposición Women for my country. O Sudário es una instalación textil estampada a mano creada específicamente para la Bienal de Arte de Colombo (Sri Lanka) del 2016. Para su realización, Rodrigues se sumergió en las tradiciones textiles de Viseu (Portugal), conocido por ser centro más importante del país de producción de lino artesanal. Allí buscó la colaboración de las tejedoras de Várzea de Calde, mujeres que perpetúan la historia artesanal de su zona utilizando las técnicas milenarias de elaboración del lino. Y con estos métodos tejieron los paneles de lino de O Sudário. Después los adornó con franjas de seda y cintas de raso, también producidas en Portugal, creando un diálogo entre la tradición y contemporaneidad, alzando un testimonio actual que conecta con antiguas narraciones. Toda la obra de Rodrigues se rige por una estética sencilla que flota entre la etnografía social, la antropología y la sostenibilidad. Elabora cada una de sus piezas con minuciosidad y como resultado obtiene reliquias escultóricas que muestran el recorrido de la propia obra y la identidad artística de objetos obsoletos. Mezcla magistralmente el virtuosismo con lo común y sus instalaciones son tan universales en su significado como locales en su inspiración.Además, todas sus intervenciones artísticas reivindican el papel de las mujeres como guardianas de la tradición cultural, conservadoras perseverantes de un patrimonio que tiende a desaparecer.

LUGAR: Nave 10HORA: Por determinar

FICHA

ARTISTA: Cristina Rodrigues.CON LA COLABORACIÓN de las tejedoras de Várzea de Calde (Portugal)PRODUCIDO POR: Municipality of Viseu

20 DIC – 14 ENE

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EN NUESTRA VIDA NÓMADA HEMOS SURCADO MARES, DEAMBULADO POR TEATROS DE ÓPERA, VIAJADO CON UNA TROUPE DE BOHEMIOS Y HEMOS PERSEGUIDO GALLINAS Y CERDOS ALREDEDOR DE UNA CABAÑA DE MADERA. NUESTRA NUEVA EXPEDICIÓN SE DIRIGE AL SALVAJE OESTE”,

The Forman Brother’s Theatre


DEADTOWN, The Forman Brothers’ Wild West ShowThe Forman Brother’s Theatre

Los hermanos Forman, hijos del famoso director de cine Milos Forman, son los creadores de los imaginarios fantásticos más impactantes y originales de la escena checa contemporánea. De vida errante y bohemia dirigen desde hace 25 años la compañía The Forman Brother’s Theatre. Sus giras por los teatros y festivales más prestigiosos de Europa, EE. UU. y México les han dado notoriedad mientras su filosofía de vida nómada, su metodología de trabajo y su poética nada convencional hacen que aún se mantengan apartados de multitudes. Eso sí, quienes los han visto anhelan que regresen con un nuevo montaje a su ciudad. The Forman Brother’s Theatre no tiene ni edificio propio ni un equipo permanente, sino que van incorporando nuevos integrantes según el espectáculo y montan su teatro allá donde van.Su última obra, Deadtown, es una sorprendente pieza teatral de cine mudo en tres dimensiones. Las imágenes que se proyectan no solo funcionan como una escenografía o ilustración sino como un set vivo que al conectarse con el actor crea una realidad mágica similar a las películas de Karel Zeman. En esta mezcla de animación (históricamente un punto fuerte de la industria del cine checo), potentes elementos visuales, música en vivo, efectos sonoros, su tradicional trabajo artesanal con marionetas y el trabajo de los actores, cruzan los límites de las ilusiones ópticas y encuentran un nuevo mundo. Como en otros espectáculos de los Forman, los espectadores no entran solo en una sala de teatro sino que se adentran en un universo original creado para cada show, que en esta ocasión será el Antiguo Oeste.

“En nuestra vida nómada hemos surcado mares, deambulado por teatros de ópera, viajado con una troupe de bohemios y hemos perseguido gallinas y cerdos alrededor de una cabaña de madera. Nuestra nueva expedición se dirige al Salvaje Oeste. Como niños naif de una pequeña ciudad checa, nuestra imagen del Salvaje Oeste se formó gracias a los westerns mudos. Creíamos que vivían en blanco y negro o con pequeñas sombras de color sepia. Y aunque con el tiempo hemos perdido esa inocencia, esa irrealidad sigue cercana a nuestra visión del teatro. Por eso esta nueva obra oscila entre el teatro y el cine mudo”, cuentan los Forman.

16, 18 – 24, 26 – 28 ENE

LUGAR: Nave 11HORA: 20:30hPRECIO: 15 eurosRecomendado a partir de 8 años.

FICHA

HISTORIA Y GUIÓN: Ivan Arsenjev, Petr FormanDIRECTOR: Petr FormanESCENOGRAFIA: Josef Sodomka, Matěj Forman DISEÑO INTERIOR DE LA CARPA: Matěj FormanCOREOGRAFIA: Veronika Švábová, Marek Zelinka y colectivoMÚSICA Y CANCIONES: Marko Ivanovič, Jarda Traband Svoboda, La Lettera di Lincoln (Ennio Morricone). ARREGLOS MUSICALES: Jan Hasenöhrl con la colaboración de la Czech National Symphony OrchestraVESTUARIO: Andrea SodomkováANIMACIÓN: Josef LepšaCÁMARA: Jaromír KačerEFECTOS DE SONIDO Y DE SALA: Michal Holubec, Marek Poledna (Studio Bystrouška)POSPRODUCCIÓN VISUAL: i/o postTECNICA DE PROYECCIÓN: Jan Hrdlička, Jiří Wild (3D)DISEÑO DE LUCES: Louise Gibaud, Petr FormanIDEA DE LUZ: Igor Schmidt, Petr ‘Goro’ Horký, Petr FormanIDEA DE SONIDO: Philippe Leforestier, Philippe TivilierCÓMICOS, ILUSIONISTAS, PISTOLEROS Y DAMAS: Petr Forman, Veronika Švábová, Marek Zelinka, Jacques Laganache, Daniela Voráčková / Simona Babčáková, Josefína Voverková, Vojta Švejda / Jiří Kniha, Michael Vodenka / Miroslav Kochánek, Ivan ”Zobák” Pelikán, Petr “Goro” Horký, Josef Sodomka / Ivan Arsenjev, Philippe Leforestier, Mitakuye Oyeasin, Jakub Tokoly Y Dizzy Gilagio (Didier Castelle, Francois Lezer, Michel Oger, Thierry Malard)PRODUCCIÓN:Forman Brothers TheatreCOPRODUCCIÓN: Théâtre-Sénart, Scène nationale - Lieusaint (Francia), Théâtre du Manège – Scène nationale – Maubeuge (Francia), Le Manège Mons – Centre Dramatique - Mons (Bélgica), Parc de la Villette – Paris (Francia), MCB° Bourges - Bourges (Francia), MC2 : Grenoble - Grenoble (Francia), Latitude 50, Pôle des arts du cirque et de la rue - Marchin (Bélgica), l’Avant Seine/Théâtre de Colombes - Colombes (Francia).CON EL APOYO DE: Théâtre de Cornouaille – Scène nationale de Quimper - Quimper (Francia), Silkeborg Dukketeaterfestival - Festival of Wonder - Silkeborg (Dinamarca), Festival Internazionale di Andria Castel dei Mondi - Andria (Italia), Città di Andria (Italia), La Ville de Rennes - Rennes (Francia), Théâtre National de Bretagne - Rennes (Francia)APOYO FINANCIERO: Ministerio de Cultura, República Checa Ciudad de Praga, República ChecaCOLABORADORES: C.S.Cargo, Panasonic, Messenger, CNSO DURACIÓN: 90 minutos©

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LUGAR: Nave 11HORA: 20.30 PRECIO: 15 euros

FICHA

CREADO Y REPRESENTADO POR:

Miet Warlop, Wietse Tanghe, Sofie Durnez, Christian Bakalov, Laura Vanborm, Ian Gyselinck, Kristof Coenen SUSTITUCIONES: Seppe Cosyns, Seppe Baeyens, Ondrej Vidlar, Artimis Stavridi, Gilad Zloto Ben Ari, Erik Nevin, Paola ZampieroloESCENOGRAFÍA: Miet WarlopMÚSICA: Stefaan Van Leuven and Stephan De Waele DIRECCION TÉCNICA: Hugh Roche Kelly ASISTENCIA TÉCNICA: Helmi Demeulemeester, Bennert VancottemOUTSIDE EYE: Nicolas Provost, Danai Anessiadou y Pol Heyvaert PRODUCCIÓN: Irene Wool vzw (Gante, Bélgica)PRODUCCIÓN ORIGINAL:

CAMPO (Gante, Bélgica)COPRODUCCIÓN: Kunstenfestivaldesarts (Bruselas), Göteborgs Dans & Teater Festival (proyecto coproducido con NXTSTP)CON EL APOYO DE: Cultural programme of European UnionY LA AYUDA DE: Vooruit (Gante, Bélgica) Estreno el 10 de mayo de 2012 en Kunstenfestivaldesarts (Bruselas)DURACIÓN: 55 minutos


FICHA

TEXTO Y DIRECCIÓN: Daniel Teba INTÉRPRETES: María Álvarez, Sandra Arpa, Héctor Carballo, Gerardo Quintana y Daniel Teba AYUDANTE DE DIRECCIÓN: Roberto Rojas

Las obras de la artista belga Miet Warlop son lienzos vivos con brochazos de un humor silencioso. Su trabajo, considerado como un referente de la nueva vanguardia europea, se mueve entre las artes visuales, la performance y el teatro. Master en Multimedial Arts de KASK (Gante), por su proyecto de graduación Huilend Hert, Aangeschoten Wild ganó el Premio del Jurado Franciscus Pycke y el Premio al Mejor Trabajo de Teatro Joven 2004. Desde entonces ha presentado sus obras alrededor del mundo rompiendo los moldes de todos los géneros. Con Mystery Magnet (2012) fue seleccionada por la directora de teatro británica Katie Mitchell para el Stuckemarkt, parte del reconocido festival alemán de teatro Theatertreffen (Berliner Festspiele, Berlín) donde los jóvenes creadores escénicos se dan a conocer. Mitchell alabó el control sobre la teatralidad, el humor y la inconfundible firma visual de Warlop.

Mystery Magnet es un espectáculo absurdo y mágico, en constante transformación donde nada es lo que parece. Representa el surrealismo contemporáneo, un terreno experimental donde la ternura estrafalaria, la crueldad desensibilizada, las promesas brillantes y una destrucción imparable comparten espacio común. Como espectador uno se mete dentro de la mente de Warlop, ¿y qué ve? Seres peludos, un coro de maniquíes, dardos gravitatorios, globos, mujeres caballo, personas que salen disparadas y un tiburón hinchable. Figuras aparentemente desconectadas y esculturas que reclaman su espacio como criaturas teatrales. “Mystery Magnet representa un mundo hechizado donde el humor nace de la tristeza y la magia de lo prosaico”, dice Warlop. Un universo inspirado en el cómic y en la acción pictórica para desarrollar una lucha incesante de materiales, formas y colores. El resultado es una sucesión de escenas que se hilvanan sin lógica aparente y que busca sorprender al espectador llevándolo, junto a los actores, a los límites de lo imaginable.

El actor, dramaturgo y director de escena Daniel Teba ha estado en residencia en Naves Matadero creando esta pieza que ahora presenta al público. Forjado como actor en la Compañía Nacional de Teatro Clásico, también ha trabajado en el Teatro de la Zarzuela y paralelamente se ha formado con figuras internacionales como Brigid Panet y Katya Benjamin de RADA, Owen Horsley, Will Keen de la Cheek by Jowl o Greg Hicks de la Royal Shakespeare Company.

En 2013 funda su propia compañía con la obra En el cielo de mi boca, del dramaturgo José Padilla, dirigida por Iñigo Rodríguez-Claro y que presenta en París. Y dos años más tarde, tras concluir el Master en Creación Teatral en la Universidad Carlos III de Madrid, firma su primer espectáculo como autor y director de escena con El espectro de Brocken. Desde esta pieza su trabajo se va centrando cada vez más en la búsqueda de un teatro contemporáneo apoyado en un estilo y lenguaje personal como creador escénico, concibiendo la actuación, la dramaturgia y la dirección como un mismo camino hacia la expresión dramática. Daniel Teba es una de las nuevas voces jóvenes a tener en cuenta.

En un tiempo oscuro nace de dos lugares distintos: del constante interés de Teba por el mundo de la tragedia griega y los mitos. Y de su necesidad de ser otro. “Esta pieza se alimenta del ansia de descubrir un camino desconocido que se encuentra entre la fascinación, el misterio y el miedo. Abandonados en una suerte de extrañamiento que oscila entre lo trágico y lo onírico, los personajes tendrán que hacer frente de manera individual a un rito de paso para salvarse a sí mismos en un mundo convulsionado por la violencia, la fe, la ética, el amor y la filosofía, dentro de unas reglas en las que no hay transformación posible sin sacrificio. Es un cara a cara con el abismo. Con su lado más puro y más oscuro. La última contienda que, quizá, desemboque en un nuevo renacer. En una sola noche experimentarán un viaje como el de Ulises o Hércules, lleno de pruebas e iluminaciones para testar su existencia, siendo ésta una incógnita a despejar”, cuenta Teba. Como escribió el poeta Theodore Roethke “en un tiempo oscuro, el ojo comienza a ver”, y en última instancia solo quedará vivir o hacer que se vive hasta los límites de lo imposible.

9 – 11 FEB

13 FEB – 1 MAR

EN UN TIEMPO OSCUROCompañía Daniel Teba

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MYSTERY MAGNETMiet Warlop

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LUGAR: Por definir PRECIO: 50 euros.

Los interesados han de enviar un currículum a [email protected]

LUGAR: Nave 11HORA: Por determinar

Raymond es profesor titular de Espacio Escénico en la R.E.S.A.D. desde 1990 y comisario Nacional de Escenografía en la Cuatrienal de Praga 2015.

Licenciado en Bellas Artes en el País Vasco, con estudios de postgrado sobre escultura y Espacio Escénico en Varsovia y Ámsterdam y Máster de Investigación y creación en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid.

Como investigador y creador plástico teatral, ha realizado exposiciones individuales y colectivas, y tiene obra en colecciones particulares y museos de Polonia, Holanda, Suiza y España. Además como escenógrafo ha trabajado para autores contemporáneos nacionales e internacionales, el Centro Dramático Nacional o la Compañía Nacional de Teatro Clásico, entre otros. Al mismo tiempo compagina su trabajo con la docencia e imparte cursos sobre Interpretación, cuerpo y objeto en el espacio y Dramaturgia visual en los Másters de Artes escénicas en la UPV y Bellas Artes de Bilbao, Bellas Artes de Granada, Máster de pedagogía en la Universidad Complutense de Madrid, en la Universidad Michael de Montaigne (Burdeos), en el Máster de la Academia de Bellas Artes de Shanghai y en centros de experimentación espacial como la Térmica de Málaga.

“El curso que se presenta está relacionado con el cuerpo, con su medida en el espacio y con los elementos escénicos que aparecen en éste. La sintaxis de la imagen es la generadora del movimiento y el pretexto para idear y componer en el espacio. El cuerpo como herramienta para la comprensión del espacio y el espacio como el inicio de la acción y de la identidad.

Con la complicidad y la colaboración del Goethe-Institut, Naves Matadero está creando un taller de investigación en torno a las transferencias de lenguajes y cómo esto afecta a la dramaturgia contemporánea. Dramaturgos representantes de la creación contemporánea alemana plantearán reflexiones sobre qué materiales utilizamos para abordar la escritura, qué criterios seguimos y qué especificidades exige la escritura frente a las nuevas propuestas, la creación multidisciplinar o la adaptación. Ahondarán en cuestiones como qué deseo escribir, qué me mueve a posicionarme desde mi “yo” en relación con la sociedad, cómo transformo en algo personal lo político, cómo llevo situaciones de un microcosmos al macrocosmos, etc. Paralelamente, el trabajo del autor alemán Holger Teschke nos colocará en el punto de vista del dramaturgo que acompaña al director de escena. Esa especie de “científico” que hace el trabajo entre la producción, la compañía, el director y el texto original y por ende, el trabajo con la palabra. El eje fundamental de este encuentro será la palabra, que se hará extensiva más allá de esta reunión específica con dramaturgos, a través de talleres de Slam Poetry en centros de enseñanza. Estos se llevarán a cabo con la colaboración de poetas y figuras internacionales de Spoken Word como el alemán Ken Yamamoto, el inglés Keith Jarrett y otros representantes (aún por confirmar). Con ello queremos prestar atención especial a las lenguas minoritarias que configuran nuestro entorno y profundizar en cómo estos colectivos preservan sus tradiciones y sabiduría a través de la lengua materna.

16 – 22 OCT2 – 18 OCT

CUERPOS EN EL ESPACIO DE ACCIÓN Curso impartido por José Luis Raymond

DRAMATURGIA Y MEMORIA DE LA PALABRA

Se trabajará con la indumentaria como elemento plástico que conforma espacios y produce volúmenes a expandir. La luz y la sombra organizarán narraciones con las que dar valor a sus identidades. Un espacio sonoro individual que participará de lo colectivo, donde la palabra conformará la banda sonora de la memoria. Un espacio que siempre será diferente y que formará parte de la búsqueda de otros nuevos lugares.

Cada sesión se convertirá en un acto performativo único donde mi relación con los creativos hace que se conjuguen la comunicación más directa con la investigación artística más intensa. Así mismo, con cada sesión se puede realizar un trabajo complejo y completo, puesto que dependiendo de las premisas del día, con las posibles combinaciones de los elementos escenográficos: luz, voz, movimiento, acciones, vestuario, espacio sonoro, harán que la idea del momento se combine con la del aprendizaje y su identidad expresiva”, J.L.Raymond.

LUGAR: Nave 12. Cafetería

Fechas por determinar

Un domingo al mes celebramos la música invitando a diferentes agrupaciones de Escuelas Municipales de Música y Danza del Ayuntamiento de Madrid a hacer suyo el escenario de la cafetería:

De octubre a mayo pasarán:

Grupo de acordeones de la Escuela Municipal de Música Villa de Vallecas

Coro de la Red de Escuelas Municipales de Música y Danza del Ayuntamiento de Madrid

Banda de la Escuela Municipal de Música Federico Chueaca (Hortaleza)

Banda de la Escuela Municipal de Música Manuel Vázquez Montalbán (Tetuán)

Orquesta de las Escuelas Municipales de Música Antonio Machado (San Blas-Canillejas), Almudena Cano (Arganzuela) y Plácido Domingo (Retiro)

Banda de la Escuela Municipal de Música Almudena Cano (Arganzuela)

Orquesta de la Red de Escuelas Municipales de Música y Danza del Ayuntamiento de Madrid

Pop Band y Rock Band de la Escuela Municipal de Música Isaac Albéniz (Carabanchel).

OCT – MAY

LA NAVE SONORA

RESIDENCIAS DE PRODUCCIÓN MUSICAL

Programa piloto de residencias musicales de Matadero Madrid dirigido a bandas musicales emergentes que quieran producir un EP o LP. Este programa buscar generar vínculos con agentes del tejido local (productores musicales, estudios de grabación, gestores musicales, etc.) e instituciones públicas afines como Radio Nacional de España a través de Radio 3.Para el disfrute de las creaciones de estos artistas por parte de la ciudadanía, además de participar en las jornadas de apertura de los estudios de trabajo para público general, las bandas podrán mostrar su trabajo en la Cafetería de la Nave 12 (fecha por determinar).

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Black Noise es la continuación de la investigación coreográfica y musical del director, actor, bailarín, performer, coreógrafo y dramaturgo Vicente Colomar entorno a la construcción de los objetos y sus conexiones, comenzada en el programa Research Studios en el Performance Art Research and Training Studios (P.A.R.T.S.). Presentará su instalación y pieza escénica en noviembre y diciembre.

Los artistas María Jerez y Phil Hayes ya han colaborado juntos en un encargo de CAMPO llamado Five People y en Legends & Rumors, junto a Thomas Kassebacher. En esta ocasión se reúnen para investigar qué es lo que encuentran interesante en la falsedad del teatro y la actuación. “¿Qué y por qué estamos fingiendo? ¿Cómo se sienten los actores contemporáneos en la actuación? ¿Qué es eso de encarnar algo? ¿Convertirse en algo más? ¿O estar poseído por otras voces? ¿Qué pasa con el cuerpo, la voz, el otro?”, se preguntan.

Tras el taller de creación Los trabajos del amor, que impartió en 2015 bajo el auspicio del CDN y el Teatro Pradillo, la bailarina, coreógrafa, actriz, directora, docente y autora independiente Claudia Faci trabajará en Estoy pensando en tortugas a partir de ese fenómeno relacional biológico que llamamos amor. “Siempre he sospechado que amar tiene que ver con mirar, con escuchar, con estar presente. Y lo mismo pienso de nuestro trabajo, que empieza con alguien mirando a alguien entregando su cuerpo atravesado por intensidades. Al fin y al cabo ¿no es cierto que todo proyecto estético pasa por poner en contacto las zonas sensibles de unos y otros?”, dice Faci.

Mónica Valenciano (Premio Nacional de Danza, 2012) ha convocado a creadores de muy diferentes disciplinas en unos bailaderos que se han producido en Naves Matadero. Encuentros donde artistas comparten lenguajes y búsquedas; investigan desde distintos puntos de vista con posibles diálogos con ella y aportan materiales cuyas esqueléticas van creando cuerpos y lugares de trabajo que desembocarán en IMPRENTA ACÚSTICA en (14 borrones de una) APARICIÓN.

La residencia SOME THINGS, FROM SOMEWHERE (Algunas cosas de algún lugar) del coreógrafo, artista y psicoterapeuta de Artes Integradas de Reino Unido Cai Tomos comenzó a principios de 2017 con los artistas de Debajo del Sombrero, con la vocación de abordar los interrogantes que rodean el modo en que nos relacionamos y las relaciones en sí mismas, y cómo el arte se convierte en una lente a través de la que se ve y se siente la realidad. “El resultado de estos diálogos es incierto y, precisamente esta incertidumbre, es la base de la filosofía que rige el proyecto”, explica Tomos.

EN RESIDENCIAFomentar la creación interdisciplinar es un pilar importante dentro del proyecto Naves Matadero, por eso surge la necesidad de crear residencias para artistas. Los objetivos son: generar un pensamiento crítico; potenciar la experiencia y la experimentación; promover la investigación; contactar a creadores, artistas y sociedad para buscar nuevos discursos, metodologías y miradas; descubrir artistas y darles la posibilidad de desarrollar su potencial creativo; cruzar conocimientos e ideas, pensamientos y discursos que fomenten la conexión y creación de nuevos proyectos; poder transcender las redes y disciplinas centradas en el rendimiento y reposar la mirada. Decía Nietzche en El Ocaso de los Dioses que “aprender a mirar significa acostumbrar el ojo a mirar con calma y con paciencia, a dejar que las cosas se acerquen al ojo”.

Hecho en

NAVES

MATADERO

ECLIPSE: MUNDO es un proyecto concebido por la coreógrafa, bailarina e investigadora Paz Rojo dentro del marco del doctorado que está realizando en la Stockholm University of the Arts. Su actividad se desarrolla en el encuentro entre las prácticas artísticas, la coreografía y la filosofía. Y su investigación, realizada entre Madrid, Barcelona, São Paulo, Viena, Amsterdam, Estambul, Moscú, Estocolmo y Ciudad de México incluye laboratorios, comisariados y contextos de investigación colectivos.

El director escénico, intérprete y dramaturgo Julián Fuentes encabeza un proyecto de investigación de base escénica donde reúne a varios artistas (australianos y españoles) que dialogarán sobre un tema común: “La noción de lo profano en el mundo contemporáneo. Usaremos como eje de guía la obra pictórica y plástica del concepto de la nave de los locos, condensada por primera vez en el s. XV y de gran desarrollo posterior en la historia de la literatura y las artes visuales”.

El Instituto Stocos, fundado y dirigido por Muriel Romero y Pablo Palacio, está centrado en el análisis y el desarrollo de la interacción entre el gesto corporal, el sonido y la imaginería visual. En The Marriage of Heaven and Hell (El Matrimonio del Cielo y el Infierno), realizarán un trabajo coreográfico basado en la obra homónima de William Blake, que combina danza, composición electroacústica, tecnología interactiva y ciencias cognitivas.

En un tiempo oscuro, que se presentará en febrero de 2017 en Naves Matadero, nace de dos lugares distintos: del constante interés del joven dramaturgo Daniel Teba por el mundo de la tragedia griega y los mitos. Y de su necesidad de ser otro.

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EQUIPODIRECTOR ARTÍSTICOMateo Feijóo

COORDINACIÓN ARTÍSTICAMaría José Manzaneque

COORDINACIÓN DE DIFUSIÓN Y DOCUMENTACIÓNAlmudena Ávalos

RESPONSABLE DE PRODUCCIÓN Y GESTIÓNNatalia Feijóo

DIRECTOR TÉCNICOFrancisco Ruiz Ariza

ADJUNTO A LA DIRECCIÓN TÉCNICAAdrián Valiente

PRODUCCIÓNMamen Adeva

PRENSA Y PUBLICIDADMaría Peláez

WEB Y REDES SOCIALESMarta Lorenzo

COORDINACIÓN DE ESPACIOS, SALA Y TAQUILLA Mariana Gutiérrez

SUBJEFE DE SALA Santiago Ruiz

COORDINADORES TÉCNICOS Alfonso Gómez Paniagua, Isabel Pérez

EQUIPO TÉCNICO TEATROS

DISEÑO Y MAQUETACIÓN Identidad gráfica y Audiovisual de Madrid Destino

INFORMACIÓN PRÁCTICAINFORMACIÓN AL ESPECTADOR

Tf. 91 318 47 00

TAQUILLA

Tf. 91 318 45 28

VENTA DE LOCALIDADES PARA EL MISMO DÍA

HORARIOS:

Mañanas: De 11:30h a 13:30hTardes: De 17h hasta el comienzo de la función.Lunes cerrado.

VENTA ANTICIPADA

En la taquilla de Naves Matadero: de martes a domingo de 11:30h a 13:30h y de 17h a 20:30h. (Lunes cerrado)En el Centro de información turística de Plaza Mayor: de lunes a domingo de 9:30 a 21:30h Venta de entradas por Internet en el siguiente enlace: https://navesmatadero.shop.secutix.com

INSCRIPCIONES TALLERES Y CURSOS

En la taquilla de Naves Matadero: de martes a domingo de 11:30h a 13:30h y de 17:00h a 20:30hInscripción por Internet en el siguiente enlace: https://navesmatadero-talleres.shop.secutix.com

Una vez comenzada la representación no se permite el acceso a la sala Recordamos a los espectadores que los asientos están instalados sobre gradas. Rogamos a las personas con movilidad reducida, lo comuniquen al adquirir sus localidades.Por favor, conserve su entrada hasta el final del espectáculo. Es necesario mostrarla si sale de las Naves.

UBICACIÓN - CÓMO LLEGAR

Naves Matadero - Centro Internacional de Artes Vivas Paseo de la Chopera, 14. 28045 - Madrid, EspañaMetro: Legazpi, Líneas 3 y 6Cercanías: Embajadores Autobuses: 6, 8, 18, 19, 45, 78, 148Transportes nocturnos desde Matadero de vuelta a casa:Líneas nocturnas autobús (EMT): N12, N13, N14Búho Metro Línea 3 (viernes y sábados)Más información en http://www.emtmadrid.es/ Estación de bicicletas BiciMad en la entrada (Paseo de la Chopera, 14)

DESCUENTOS GENERALES

· Mayores de 65 años, menores de 30 años, personas en situación de desempleo, personas con diversidad funcional, familias numerosas y familias monoparentales 25% Dto.

· Grupos a partir de 20 personas 25% Dto. Consultar en taquilla.

· Socios de bibliotecas y hemerotecas 15% Dto Estos descuentos no son acumulables.

OTRAS INFORMACIONES DE INTERÉS

Una vez adquirida la entrada no se aceptan cambios ni devoluciones excepto en el caso de suspensión del espectáculo programado.

PROGRAMA SUJETO A CAMBIOS. Información actualizada en nuestras redes y web:naves.mataderomadrid.org @navesmatadero

NAVES MATADERO PROGRAMACIÓN 2017-1854

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NAVES MATADERO Centro Internacional de Artes Vivas

Cafetería

NAVE 10 NAVE 11 NAVE 12

BICI MAD

Residencias | centro de apoyo a la creación

Factoría

NAVES MATADEROPROGRAMACIÓN 2017-18 63

Con la colaboración de:

Depósito legal: M-24103-2017

av atao praaci 201718 - naves.mataderomadrid.org · cada artista nos propone un viaje: desde el...

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