análisis antropológico de las expresiones artísticas indígenas
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En el arte prehispánico los artistas expresaron sus propias culturas, sus maneras de vivir, de humanizar su mundo, y crearon obras de arte que son expresión de sus conciencias, de su vida, de su visión del mundo, físico, humano y divino (Fernandez, Justino, Arte Mexi-cano, De sus orígenes a nuestros días. 1958:7). .
En este capítulo nos enfocaremos en la importancia de lo divino, de las creencias particulares de cada cultura o región en el México antes de la colonización, y cómo esta forma de vida, producía una forma muy interesante de artesanías. Se realizarán una serie de contrastes entre las culturas existentes en ese periodo, para después ser comparadas en el siguiente capítulo con el arte huichol.
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3.Análisis antropológico de las expresiones artísticas indígenas3.1 Arte en las sociedades prehispánicas en México
3.1.1 La cosmovisión en el arte en los objetos prehispánicos.
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En términos generales,
el arte indígena antiguo es
paralelo, cronológicamente,
a la Era Cristiana en Europa,
unos quince siglos de desarrollo
que se interrumpen con la
conquista española en el siglo
XVI (Fernandez 1958:7). Lo
que trajo varios cambios a las
tradiciones y a la forma de vida y
por lo tanto de creación de arte.
Al arte indígena antiguo
ha de vérsele como expresión
histórica y artística tan válida
como cualquier otra. Es un
arte simbólico por excelencia
(Fernandez 1958: 8). Esto se
ve desde las primeras imágenes
reconocidas, que hicieron su
aparición en el Paleolítico Tar-
dío, eran muy esquemáticas,
en lugar de tomar la forma
de escenas propiamente de
la vida, parecían requerir un
complemento de significados
verbal, como los símbolos y
los signos lo requieren (Tedlok
Barbara, Dennis Tedlok, Text
and Textile: Language and
Technology in the Arts of the
Quiché Maya. Jour-nal of
Anthropological Research 1985:
121).
Estas creencias en
la mayor parte del territorio
mexicano fueron muy parecidas,
por la interrelación entre
culturas a través de migración,
descendencia o mercado. Es de
esta manera como encontramos
el punto de semejanza más
importante, la creencia en el
cosmo.
Así vemos que las cuatro
esquinas son los cuatro puntos
del horizonte marcados por el
inicio del solsticio y el inicio del
equinoccio, los amaneceres y
atardeceres y los cuatro lados
entonces, que conectan estos
puntos; que juntos constituyen
un “cromotipo”, una expresión de
la inseparable unión del espacio
y el tiempo (Tedlok y Tedlok
1985: 127). Esta referencia se
ve en todo México, en la traza
urbana, en la ubicación de los
templos, en los códices, las
estelas, en el arte. Los cuatro
puntos cardinales siempre
existirán para el mundo prehis-
pánico y en ocasiones pueden
ser muy importantes en su
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o 3.1.1 La cosmovisión en el arte en los objetos prehispánicos.
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cosmogonía.
De esta manera señala Sahagún, evangelizador en la colonización de México; que a cada punto cardinal correspondía un color, el rojo al norte, el azul a oeste, el blanco al sur, el amarillo al este y el negro representando al quinto punto, el centro o el “ombligo del mundo”, la conexión entre tierra, hombre e inframundo (Citado en: Edwards, Emily. Painted Walls of Mexico. From Prehistoric Times until Today. 1966:37). Cabe señalar que el quinto punto fue de los más importantes en todas las culturas prehispánicas, porque siempre hubo una relación entre la vida terrenal y la vida en la muerte.
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o3.1.1 La cosmovisión en el arte en los objetos prehispánicos.
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Así la observación de los ritmos de la naturaleza, hicieron posible el desarrollo de la agricultura y la invención de los calendarios en Mesoamérica y en otras partes de México. (Edwards 1966: 9). Esa forma de ver al mundo es la que se dio con semejanza en muchas de las culturas en el México antiguo y que si segmentáramos se daría de la siguiente manera:
Región que se extiende
a lo largo de la costa del
océano Pacífico desde Nayarit,
Colima, Jalisco y Michoacán
hasta Guerrero. En general su
arte expresa ocupaciones y
actitudes de la vida cotidiana,
doméstica y guerrera. Es un
arte de proporciones pequeñas,
no existen obras monumentales,
casi todas las esculturas son
de cerámica,(Fernandez 1958:
8–10).
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De esta forma podemos
ver las diversas producciones,
en Nayarit y Jalisco a los grupos
de coras y huicholes, que
elaboraban una serie de objetos
textiles, cuadros de estambre y
figuras de chaquira, todas ellas
con un sentido de preservar
su cultura y sus creencias, y
ofrecer un tipo de tributo a sus
respectivos dioses, que en
general se relacionan con la
naturaleza (Marín, Isabel Historia
general del arte mexicano.
Etnoartesanías y arte popular.
1976: 77-78) lo cual será
analizado con más detenimiento
en el siguiente capítulo.
Arte d
el occid
ente.
El caso de Colima
donde en el primero hay una
producción muy escasa, una
producción de sillas y otros
objetos que parten de la
palma torcida y de carrizo. Y
en Michoacán la creación de
maderas talladas y labradas a
mano, así mismo tienen una
variedad grande de textiles
y cerámica con pinturas de
animales o figuras humanas,
representan un tipo de narración
de las actividades de la vida
cotidiana (Marín 1976: 76-77).
Guerrero que recibió
influencia zapoteca, mixteca,
y además teotihuacana o del
altiplano central. realiza trabajos
de cerámica y al parecer fue
un gran productor de jade.
Por su cercanía y contacto
con todas las culturas que ya
señalamos, es muy posible
que compartieran las mismas
creencias, los mismos dioses
y posiblemente las mismas
producciones artísticas (Marín
1976: 75).
Artesanía huichol
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Arte arcaico
de la M
esa central.
Tal vez la primer ciudad
en surgir en México fue
Cuiculco, ubicado en el ahora
Valle de México, destacó por
su arquitectura, en un sólo
basamento piramidal en forma
de círculo, en su interior se
pudieron encontrar restos
de murales dedicados a los
posibles dioses olmecas como el
dios de la lluvia Tlaloc, la primer
representación de Huehueteotl,
el dios del fuego, en forma de
cerámica (Edwards 1966:12).
Así mismo encontramos
a Tlatilco, y numerosas
figurillas de cerámica en las
que sorprende su expresión,
relacionados con la cultura de
Zacatenco y con la Olmeca,
otra vez encontrada debido a la
representación de Tlaloc (Marín
1976: 11-12).
Ambas presentan formas
rituales u organizacionales
muy parecidas a las de los
olmecas, pero con sus propias
creaciones, que repercutirían en
futuras culturas.
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o 3.1.1 La cosmovisión en el arte en los objetos prehispánicos.
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Arte d
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Comprende el Golfo de
México. La cultura Olmeca,
se considera la creadora de
cualquier otra cultura en México,
la cultura madre en el periodo
prehispánico, destacan las
cabezas monumentales, sus
estelas, y el culto al jaguar, y a
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Tlaloc, el que se dice primer dios
en México.
La huasteca, que abarca
parte de los estados de San
Luis Potosí, Hidalgo y Veracruz,
produjeron esculturas en
piedra y grandes centros
ceremoniales con muestras de
un conocimiento del arte muy
avanzado (Fernandez 1958:
12-16).
En San Luis Potosí se
dedicaban a la elaboración de
textiles, siendo hasta la fecha
de los más famosos en México
(Marín 1976:97). En Veracruz,
la misma naturaleza les
proporcionaba los instrumentos
para crear su arte, el carey,
las conchas y objetos del mar
(Marín 1976:99).
La cultura Maya antes de la conquista se divide en dos
grandes periodos:
El viejo imperio al sur
de Yucatán, desde el Itsmo
hasta Honduras, que abarca
el periodo del siglo IV al X
d.C. En éste se obtuvieron los
conocimientos astronómicos,
al igual que los calendarios
y monumentos, además de la
creación de ciudades como
Palenque y Bonampak, en donde
sobresalen los grandes murales
representando escenas de guerra
y ceremonias de diversas clases.
El nuevo imperio, que
comprendió de la península de
Yucatán en los siglos X- XVd.C.
Recibió influencias importantes
de la Mesa Central. En donde el
arte monumental florece como el
caso de Kukulkán y la pirámide
de Chichén-Itzá, que permitió
más observaciones en el cosmos
(Marín 1976: 16-20). El principal
dios de los mayas es Chac, que
representa también al dios de la
lluvia o fertilidad al igual que los
anteriores, o los dioses del maíz
y del cielo y la noche (Edwards
1966:57).
Arte M
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Cabeza olmeca
Mural de Bonampak.
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Teotihuacán está situada
en el Valle de México, cerca
del lago Texcoco, abarca el
periodo de 150 a.C al 900 d.C.
Ciudad con fines ceremoniales,
destacando la pirámide del sol y
de la luna (Edwards 1966: 15),
florecieron y se crearon más
dioses que los que existían en
los otros lugares, a todos ellos
se les rendió culto con pintura
mural, diversas ceremonias,
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arquitectura, y cerámica de
elegante diseño. La traza urbana
está dirigida según los puntos
cardinales (Fernandez 1958:
23-25).
También se vieron
representaciones a través de
murales de la vida cotidiana,
del mercado, de ceremonias, o
lugares. Aparece Quetzalcoatl,
dios del sol y vida, (Edwards
1966:16-30).
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Los toltecas gozan de
fama en el campo del arte,
reconocido por sus esculturas
monumentales, denominadas
atlantes , que parecen ser
representaciones de guerreros
toltecas, así como también la
iniciación de los Chacmol, que
servirían después a los aztecas.
Los toltecas retoman la mayoría
de los dioses de Teotihuacán,
pero tienen nuevamente un
afán por representar animales
u objetos de la naturaleza y no
necesariamente a los dioses
(Fernandez 1958:27-28).
Monte Albán, en Oaxaca,
ocupa del siglo V a.C. al 900 d.C
aproximadamente, donde ocurre
la invasión Mixteca. Se retoma-
ron algunos de los dioses de la
mesa central, y se incorporaron
ceremonias y un observatorio
(Fernandez 1958:30-33). Se ve
la creación de nuevos dioses
como Xipe-Totec, divinidad de la
primavera y patrón de los joye-
ros (Edwards 1966:41).
Mitla, ciudad que
pertenece a la última época
Zapoteca 850 d.C a 900
d.C aproximadamente, es
famosa por sus edi-ficios con
muros cubiertos de franjas de
grecas con variados diseños
(Fernandez 1958:30-33).
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Chac-Mol Tolteca
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Mitla, Oaxaca
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o3.1.1 La cosmovisión en el arte en los objetos prehispánicos.
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Practicaron el absorber
lo que les convenía de las
culturas anteriores. El trazado
de la ciudad Tenochtitlán
va acorde con los cuatro
puntos cardinales y el centro
ceremonial se encuentra en el
centro de sus puntos. Destaca
la representación de algunos
dioses, de sus leyendas,
como la Coatlicue diosa de
la tierra, la vida y a su vez
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exica.
de la muerte; o de Xochipilli,
dios de las flores; o la leyenda
de Coyolxauhqui, la cual fue
decapitada por Huitzilopochtli.
Así mismo destaca el Calendario
Azteca o Piedra del Sol en
donde el orden y armonía
de elementos simbólicos es
admirable (Fernandez 1958:
34-42). También encontramos
los códices donde narraron la
llegada de su cultura al valle de
México y sus costumbres.
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Ahi surgieron varias
culturas, todos ellos de
escasa producción artesanal,
posiblemente debido a su
ubicación geográfica y su
organización social no tuvieron
gran desempeño en las artes,
a excepción de la arquitectura,
y la creación de vasijas
impermeables para transportar
su agua, la principal cultura fue
la de los Tarahuma-ras (Marín
1976:79-80).
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Arte d
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rte.
A grandes rasgos se entendió que la cosmogonía fue compartida, que muchos de los dioses, aunque con diferentes nombres fueron transmitidos de cultura a cultura, con sus posibles diferencias en cuanto a representación, pero siempre honorando a los fenómenos de la naturaleza, donde ellos vivían.
En el arte prehispánico hay como primer plano una concepción cósmica, que se convierte en una serie de mitos con sus correspondientes deidades los que conforman el segundo plano, el tercero es el del arte pues a todo lo anterior se le dio la forma simbólica dentro de un orden armónico y por último el plano estético, porque aquel orden artístico y simbólico tiene una belleza, extraña si se quiere, pero sensible (Fernandez 1958:45) todo aquello siempre da como resultado un magnífico arte en cuanto a representación y técnica.
Mural del norte de México
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o3.1.1 La cosmovisión en el arte en los objetos prehispánicos.
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Cada área, sino es
que cada región y cada sitio,
expresan una auténtica voluntad
de estilo.
Hay casos en los cuales
el estilo llega a individualizarse;
y en el área Maya contamos
con ciertos nombres de
pintores-escribas, como el
que se muestra en la cámara
de Bonampak. Y hay otros
en donde se ve claramente
la creación de objetos de arte
por un grupo de personas
como en el arte Teotihuacano.
(De la Fuente, B. La pintura
mural prehispánica en México.
Arqueología Mexicana 1996:15).
En la zona Maya, se
han encontrado pinturas que
reflejan a alguien con una pluma
o pincel y una charola en forma
de caracol pintando sobre un
muro. Se reconoce entonces a
un pintor. Con su lirio acuático
que representaba su pincel
y sus distintivas varitas en la
parte alta de su tocado, posibles
delineadores de las figuras que
pintaban.
Además, al parecer, las
casas de los grandes pintores,
en su fachada tenían grandes
murales con sus propias
representaciones o retratos
(Pérez, T. Pintores y escultores
del mundo maya. Arqueología
Mexicana. 2000:61-63). Todo
ello se diferencía por completo
de otras culturas prehispánicas
en donde no se han encontrado
signos de algun artista
individual, lo que da a entender
que el artista maya tuvo un
valor en la sociedad muy
importante y fundamental para
la preservación de la cultura.
En cambio en otras
culturas como la teotihuacana,
de gran auge artístico, se sabe
que existían grupos de artistas
que vivían en el mismo barrio,
como el barrio del artista,
en donde se encontraron
instrumentos con los que
pintaban o esculpían las piezas.
(Magaloni, D. Técnicas de la
pintura Mural en Mesoamérica.
Arqueología Mexicana 1996:17).
El artista, entonces
era parte de una sociedad,
esperando por el trabajo que
le fuera encomendado por las
clases altas de la ciudad. Así
la pintura mural prehispánica,
estuvo en las construcciones
dedicadas a las operaciones
civiles y religiosas de las clases
pudientes mas no del pueblo o
estructuras domésticas. (De la
Fuente 1996:9).
No se cuentan con
datos de la participación de la
mujer en la pintura mural mas
que en la cultura Maya, en
donde se encontraron firmas y
representaciones de mujeres
(Pérez 2000: 67). En cambio
para otras culturas en México la
mujer sólo desempeña un papel
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o 3.1.2 La función del artista y el arte.
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en el teñido de los textiles, en la
creación de los pigmentos, y en
algunos textiles de uso propio
(Stephen, Lynn Export Markets
and their Effects on de Inde-
genous Craft Production: The
Case of the Weavers of Teotitlán
del Valle, Mexico. 1991:387).
Fuera del trabajo realizado en
palacios o templos que tenían
grupos de tejedores residentes,
no se ha encontrado evidencia
alguna que indique la existencia
de grupos de tejedores
organizados (Anawalt, Patricia
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o3.1.2 La función del artista y el arte.
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En la mayoría del arte prehispánico se puede ver la realización en conjunto de los objetos, ya sea por diferentes trazos, o por el hecho de que alguien debía de encargarse a producir los materiales con los que se fuera a construir el objeto, o bien porque alguien debía de organizar a todos los trabajadores, al igual que muchos otros oficios, el del artista o el del artesano tenía una organización y una obligación con su sociedad.
Indian Clothing Before Cortés:
Meso-american Costumes From
the Codices. 1981:11). También
se sabe que los artistas no se
dedi-caban a una sola forma
de representación sino que la
práctica de más de un arte por
la misma persona es la regla en
vez de la excepción (Tedlok y
Tedlok 1985: 123).
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De esta manera llegamos a uno de los puntos más importantes de todo esto, el cómo se hacía el arte o la artesanía en el periodo prehispánico. Para ello describiremos tres de las formas artísticas más usadas en ese tiempo, la cerámica, los textiles y los murales y así mismo cómo se llevó acabo la obtención de los colores y los materiales que se usaron para su respectiva
realización.La cerámica fue realizada
en todo México, obviamente
tenía sus variantes según la
región, y cada una de ellas les
trajo identidad propia según sus
necesidades o sus alcances.
La mayoría de la cerámica
fue realizada con barro o arcilla,
para ello existían diversos mé-
todos de tratarlo y entonces
realizar la cerámica.
El más sencillo de los
métodos es el de modelado a
mano, que consistía en que se
modelaba la base de la futura
vasija con los dedos y dándole la
forma con los dedos, es la forma
más antigua y generalmente
usada en las culturas más
antiguas como la Olmeca.
El método de enrollado, es
en donde un largo rollo de barro
se va enrollando para formar
las paredes de la vasija, se va
comprimiendo entre las manos
hasta conseguirse un rollo de
1-20 cms de diámetro y en forma
de espiral va haciendo la vasija,
se pegan entre ellos con los
dedos o con algún instrumento.
El de molde, que es
frecuente en las culturas más
avanzadas, chinos, egipcios y
los pueblos del Post-Clásico de
México, como los aztecas, en
donde existe menos originalidad
y mayor estandarización,
corresponden al gremio de los
artesanos, se busca cumplir una
necesidad.
Giratorio o torno, se
colocaban vasijas sobre piedras,
planchas de madera o fondos
de canasta y con los pies o una
mano se hacía girar mientras se
presionaba y modelaba la figura.
(Noguera, Eduardo. La cerámica
arqueológica de Mesoamérica
1965: 21-22).
Diversas vasijas con posible método de modelado a mano con pulido.
Cerámica
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o 3.1.3 Técnicas de arte.
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A ello le sigue el proceso
de pulido o acabado, que
también fue desempeñado de
diversas maneras. El alfarero
se dedica a suavizar y pulir la
vasija con algún instrumento
que bien puede ser un pedazo
de calabaza en las ciudades del
centro de México, una piedra en
forma especial, trozos de cuero,
olotes o conchas de mar, según
la región en la que se encuentren
y los materiales que les puedan
ayudar.
Para terminar viene el
engobe o baño, para lograr que
las vasijas tengan el color que
se ha deseado y consiste en
una solución cremosa de agua
y barro muy fino. No hay que
confundir con el baño de pintura
(Noguera 1965:23).
A continuación viene
la decoración, lo que hace
más evidente la individualidad
del objeto y la identidad de
la cultura. Noguera enuncia
los diferentes métodos de
decoración que pudieron existir
en el México prehispánico.
El método más primitivo o
más sencillo es por la impresión
de los dedos, lo mismo que
el raspado intencional de la
superficie, que muchas veces
ha dado origen a cierto tipo de
ornamentación, pero puede
considerarse como un rasgo
general de la decoración
pintada, corresponde a pueblos
de cultura Maya avanzada.
La decoración grabada
en donde el barro sigue fresco,
suave y plástico, se le realizan
rayados con granos de cuarzo,
peldespato, concha, u otros
objetos. La decoración incisa o
raspada, que sucede cuando el
barro está duro, antes o después
del cocimiento, una vez que ha
perdido plasticidad y suavidad.
Entonces se consiguen
surcos irregulares y de poca
profundidad.
La decoración en
relieve, es parecida a la incisa
pero se rasca más formándose
bajo relieves, como la cerámica
de Teotihuacán.
Modelada o de pastillaje,
practicada a mano o con un
instrumento, consiste en grandes
porciones de barro que se
adhieren a la vasija en estado
Vasijas de barro,
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o3.1.3 Técnicas de arte.
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plástico formando figuras.
Decoración sellada,
aplicar en sello con un
determinado motivo cuando el
barro está plástico.
Decoración cloidonné,
que es cuando se pone una
capa de barro después del
cocimiento. Después parte de
esta capa era excavada con
un instrumento agudo para
hacer figuras y rellenarlos con
pigmentos, tal es el caso de
la cerámica en Teotihuacán,
Xalapazco, Cholula, Jalisco, La
Quemada y otros.
Diversas vasijas, mostrando las diferentes técnicas de realización
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Decoración incrustada, se trata de agregar incrustados en la superficie de la vasija, pedazos de concha, huesos de pedernal, chaquira, es muy parecida a la cerámica que se realiza en la zona huichol o del golfo.
Decoración al fresco,
análoga de la anterior. Se ex-
tiende una capa de barro fino
después del cocimiento a la
que se agregan pigmentos de
dis-tintos colores para formar
las figuras, pero no se hace una
excarvación.
Decoración negativa o
de color perdido. Aplican cera
sobre el color ya dado a la
vasija, la parte sin cera se pinta,
se hornea y la cera se derrite
dejando el primer color en su
lugar.
Decoración pintada,
se pintan por lo general, antes
de la cocción, muchas veces
después de una primera
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cocción son quemadas otra
vez. La decoración se aplica
con los dedos o por medio de
brochazos.
Decoración policroma,
procede de los pueblos del
centro de México, se distingue
porque su pintura es una
verdadera laca aplicada sobre
las paredes de la vasija ya
cuando estaba quemada y
perfectamente pulida.
Pintura fugitiva, que
consiste en ejecutar motivos
decorativos sobre las paredes
de la vasija cuando ésta ya ha
sido cocida y sin someterla a
nuevo cocimiento, dando como
resultado que se desprenda con
suma facilidad (Noguera 1965:
26-31).
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Esa es la diversidad
de las técnicas de cerámica,
que por lo general fue trabajo
de las mujeres, los hombres
sacaban el barro de los bancos
o yacimientos, cortaban y
acarreaban los leños para
hornear, y pudrían y preparaban
las mezclas de arcilla hasta que
estuvieran listas para amasarse
y ser convertidas por las
mujeres (Marín 1976: 37).
Textiles
El arte del tejido en México
encuentra sus orígenes en los
actuales estados de Puebla
y Tamaulipas, donde se han
encontrado fragmentos de
cordeles, redes, cestas y petates
de diversos materiales, cuya
antigüedad se ubica entre 5000
y 2500 a.C. Sin embargo, el
proceso de tejido y manufactura
es más reciente y data de el
primer milenio a.C y de diversos
puntos del país.
Las fibras más
frecuentes fueron el algodón
blanco y café y diversas fibras
duras como el ixtle obtenidos
de plantas de agave. También
se utilizaron fibras extraídas
del tallo de varias plantas,
denominadas liber y las cuales
fueron utilizadas en el norte de
la república ya que el algodón
era escaso o nulo. (Mastache,
Guadalupe El tejido en el México
antiguo. Arqueología Mexicana
1996: 18-19). Los textiles
posiblemente eran realizados
en el exterior, ya que el interior
era obscuro y el espacio era
limitado. Al parecer, también
influía el clima, y realizaban más
trabajos en tiempo de lluvia ya
que los hilos eran más flexibles
(Anawalt 1981:12).
Mujer hilando, códice Vindobonensis
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Anawalt dice que
pueden clasificarse los textiles
de la siguiente manera:
-Vestimentas sin cortes,
tejido o ajustes requeridos,se
coloca sobre las caderas, los
hombros.
-Vestimenta con hoyo en
la cabeza, recargada en los
hombros.
-Vestimenta de frente
abierto. Ocasionalmente se une
el frente con listones.
-Vestimenta cerrada.
Costura continua, pero son
utilizados por cinturones o
similares que los aseguran al
cuerpo.
-Vestimenta pegada al
cuerpo. Que involucra el cortado
y el tejido para seguir las líneas
o contornos del cuerpo para
ajustar los materiales. (1981:9).
Ejemplos de vestimenta indígena en la época de la conquista
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Para el teñido y la pintura de los textiles se utilizaron diversas sustancias, la mayor parte se extraía de semillas, flores, hojas, raíces cortezas o frutos.
Entre las fuentes de colo-
rante rojo estaban los árboles
llamados “palo de tinte”, o
“palo de campeche” y “palo de
brasil”. De la semilla del achiote
se obtenía otro colorante rojo.
Una gama del rojo al amarillo
se podía obtener del óxido de
hierro (Mastache 1996:20).
Al parecer el rojo más
apreciado era el de la grana
cochinilla, nocheztli, es un
parásito o plaga que ataca el
nopal y que a su vez es atacada
por otros insectos. Las hembras
son las únicas en aportar el
tinte (Turok, Martha Xiuhquilitl,
nocheztli y tixinda. Arqueología
Mexicana 1996:31).
Entre las múltiples
fuentes donde se podía obtener
el azul estan las plantas del
género indigofera, cuyas hojas
producen el índigo. El proceso
de teñido incluye la recolección
del colorante y su remojo en
agua. Después de poner las
hojas en agua caliente, se
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pasaba luego el agua teñida a
unos recipientes hasta que se
precipitaban al fondo, formando
el pigmento, se ponía al sol,
colocándose después al fuego
para que se endureciera. Al
parecer también se usaba la
planta sacatinta o Hierba de
Santa Inés, cuyas hojas en
agua caliente sueltan color azul
(Mastache 1996: 21).
Los moluscos como
el Purpura patula pansa se
utilizaron hasta hace poco
produciendo con su secreción
al contacto con el aire un color
azul purpureo. Descubrieron
que el tinte podía extraerse de
él por medio de la ordeña, sin
necesidad de matarlo, y que la
acción combinada del aire y el
sol bastaban para fijar (Turok
1996:32-33).
Así mismo existió
el xiuh-quilitl, planta de
añil, produciendo el azul
característico de las culturas
mesoamericanas.Ahora ya sólo
queda una especie en Oaxaca
y es preservada para seguir
con la costumbre prehispánica
(Turok 1996: 30).
Se pueden obtener
pig-mentos verdes y azules
de la malaquita y la azurita,
carbonatos básicos del cobre.
De la planta Cuscuta
tinctoria se obtenía el color
amarillo. El color negro podía
obtenerse de plantas que que-
maban y molían como el palo
de guayabo o raspas de maíz.
También lo conseguían con una
tierra negra llamada palli.
Como fijador se usaba
el alumbre, y el nitro o salitre,
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Tierra con pigmentación roja, de donde extraen algunos colores minerales
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que además de fijar el color
lo modi-ficaba, purificándolo o
haciéndolo más intenso.
Así se concluye
cualquiera de los métodos
de preparación para realizar
un textil, a continuación se
explicará el proceso de creación
de un tejido.
La elaboración de un
tejido consta de tres etapas
básicas: el hilado, urdido
y tejido. Se inicia con la
preparación de la fibra para hilar.
El algodón, las fibras deben
limpiarse y acomodarse para
formar una mecha que permita
alimentar ininterrumpidamente
el huso. El bulto se golpea con
uno o dos varas hasta hacerlo
esponjoso y suave.
Las fibras duras como
la del agave, se pasan en el
fuego hasta que quedan suaves;
se remojan en agua durante
varios días hasta que se pudren;
después se raspan para separar
la pulpa de la fibra, se secan al
sol y se lavan.
El hilado se iniciaba
torciendo las fibras en las
palmas de las manos o entre la
mano y el muslo.
La operación del urdido
es la etapa previa al tejido y
consiste en un arreglo de los
hilos en la posición exacta que
tendrán en el telar. El método
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más simple utiliza dos estacas
clavadas al suelo en donde
el hilo se coloca pasándolo
entre las estacas, formando un
ocho. El espacio entre estacas
determina el largo del tejido
y el ancho es determinado
por el número de vueltas
(Mastache1996:22-23).
La operación del tejido
consiste en la inserción de los
hilos de la trama a través de
la urdimbre. Se utilizan varios
instrumentos; el telar, el cual
sirve para mantener tensa la
urdimbre, que se puede dar
en dos posiciones vertical y
horizontal. El mesoamericano
es horizontal y se le llama “telar
de cintura”, “telar de otate” o
“telar de dos barras”. El más
común es el de cintura, consiste
en que uno de sus extremos se
coloca en la cintura del tejedor,
lo que permite sostener el telar
y tensión en la urdumbre. El otro
extremo se amarra en un punto
fijo.
Otra de las herramientas
es el lizo, una tira de madera o
carrizo, del cual cuelgan hilos
en forma de presilla, cada uno
de los cuales rodea un hilo de
urdimbre, formando un espacio
que se conoce como “paso” o
“calada” a través de la cual se
inserta la trama.
Con el fin de apretar
cada hilo de trama se emplea
un trozo de madera ancha y
pesada que se llama espada o
machete. La trama y la urdimbre
no siempre se entrelazan de
la misma manera, la variación
de estas da paso a distintos
diseños, se han encontrado por
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lo menos 15 distintas técnicas
(Mastache 1996:25).
Un tejido puede incluir
descripciones de los ancestros,
los santos patronos, leyendas, y
animales de sus creencias. Con
los tejidos representaron algunas
veces su visión del mundo y
del cosmos, y de los seres que
trajeron vida al mundo (Morris,
Walter The Marketing of Maya
Textiles in Highland Chiapas,
Mexico 1991:404). Por lo tanto
el tejido es una representación
fundamental para la época
prehispánica, no sólo sigue una
necesidad, sino que imprime su
manera de ver el mundo en ella,
imprime siempre su cultura.
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La pintura mural se define
como la representación de
imágenes en una superficie
arquitectónica bidimensional.
Los muros exteriores de
los edificios a menudo iban
pintados de color uniforme,
hay excepciones en Tulum y
Rancho Ina, pero en general
las imágenes se reservan para
interiores (De la Fuente 1996:
6-7).
Las pinturas murales
comienzan en el Pre-Clásico, en
donde muy pocos ejemplos son
conocidos , la pirámide de Cui-
cuilco y la de Cholula.
En el perido Clásico se
datan los murales de la ciudad
de Teotihuacán, los de Monte Al-
bán en Oaxaca y los de Bonam-
pak en zona Maya (Edwards
1966:7-8).
La temática se
hallaba acorde con el destino
de la edificación en que se
pintaban; su caracter podía ser
conceptual, narrativo, histórico,
ritual y religioso, bélico o
cosmogónico.
43
Murales
A grandes rasgos,
existe una temática funeraria
en Oaxaca, conceptual en
Teotihuacán, narrativa en el
área maya; escénico ilustrativa
en la Costa del Golfo, y
mítico histórica en el altiplano
mexicano. Los murales de
Teotihuacán destacan por
sus seres imaginarios, y sus
fantasías, a diferencia del arte
mural de Bonampak y Cacaxtla
que impresionan por su realismo
(De la Fuente 1996:10).
Rasgo común en murales
de Mesoamérica es el uso
de colores planos, líneas
de contorno, ausencia de
perspectiva con punto de fuga.
Planos que se traslapan para
dar impresión de superposición
y profundidad. La sensación
de lejanía se consigue por el
abatimiento de los planos: el
inferior es lo más cercano y el
superior, lo más distante. Por ser
pintura bidimensional, favorece
las representaciones escénicas;
pueden sugerir movimiento
de acuerdo con la técnica con
que se aplique el color (De la
Fuente 1996:9). Por ello mismo
se hablará de la técnicas de la
pintura mural prehispánica.
Los artistas de
Teotihua-cán, conocían muy
bien cómo trabajar la cal, y lo
que los distingue es el uso de
minerales como el tezontle,
el cuarzo volcánico y las
arcillas combinadas con la cal,
mejorando la calidad de las Detalle mural Teotihuacán, representación de Tlaloc
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pinturas y creando una manera
particular de pintar al fresco.
Los pigmentos se
aplican suspendidos en
agua sobre la última capa o
estrato de cal que se aplica al
muro que esté húmedo. Los
colores quedan fijos porque
el líquido permanece dentro
de la capa sobreviviendo al
tiempo rodeadas por cristales
de carbonato de calcio. Estos
mismos artistas de Teotihuacán,
en el año 200 d.C. presentan
una tecnología muy simple.
Presentan trozos de cal con
arenas duras. A partir del 350
d.C. emplean cuarzo volcánico.
En 500 d. C. llegan a su punto
más alto de calidad, viendo que
el cuarzo volcánico entreteje
una estructuta, otorgando
resistencia y dureza a las
capas; y además es un mineral
traslúcido y semicristalino
que refleja la luz, lo que da la
luminosidad tan especial a los
frescos teotihuacanos.
Antes de pintar, a las
capas húmedas les aplicaban
una fina capa de arcilla blanca,
generalmente mezclada con
mica y haloisa. Lo que daba una
textura lisa y ayudan a prolongar
el tiempo de ejecución del pintor,
manteniendo la humedad
requerida.Sobre ello se
realizaba un dibujo preparatorio
en el que se delineaban con
rojo todas las imágenes. Así
para dar más intensidad al color,
se aplicaban más capas y se
volvían a pintar, se comenzaba
con el rojo, luego la sucesión de
colores amarillo, ocre y naranja;
para terminar con el azul y
verde. Los colores eran pulidos
hasta quedar completamente
homogéneos (Margaloni 1996:
17-19).
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Mural de los bebedores en Cholula, Puebla
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Los pintores teotihuacanos contaban con colores extraidos de minerales principalmente, a continuación se verá el origen de cada uno de ellos:
El arte Maya realiza representaciones comparables con las
formas del mundo natural. Los
personajes poseen atributos
que los distinguen y les otorgan
individualidad. A diferencia de
la pintura teotihuacana, utilizan
una capa o enlucido de cal
delgado, con huellas de una
aplicación irregular. El color no
muestra saturación homogénea,
sino que dependiendo lo que se
desee representar, los pintores
producen efectos realistas que
transmiten sensaciones de
movimiento, volumen, peso
o ligereza, lisura o rugosidad
por medio de transparencia,
opacidad y textura en las capas
pictóricas.
Utilizan un temple
diferente “temple de gomas
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ColorVerde claroVerde brillanteVerde seco
Verde azulRojo naranjaRojo teotihuacanoRojo oscuroRosa medioRosa claroOcreAmarilloNegroNegro azuladoAzul marinoAzul Tetitla (mar Caribe)Azul claro Pigmentos
Malaquita y yesoMalaquitaMalaquita (verde), lepidocrocita (ocre) y óxidos de fierro y manganeso (rojo y café)Malaquita, hematita (rojo), azurita (azul) y pirolusita (negro)Óxido de fierroHematitaHematitaHematita, óxido de fierro (naranja) y lepidocrocita (ocre)Hematita y cal (blanco)Lepidocrocita (ocre)Lepidocrocita y calNegro de carbónPirolusitaPirolusita y yeso con substancia orgánicaSulfato básico de cobre
Pirolusita, yeso y cal con sustancia orgánica
vegetales y agua de cal”, es
decir, que utilizan una sustancia
natural como aglutinante de los
pigmentos. Esto se debió a que
el clima del lugar no permitió
el uso del mismo temple que
los teotihuacanos usaban.
Otro problema que tuvieron los
mayas fue la obtención de los
colores, por lo que se vieron
en la necesidad de realizar
sus mezclas para obtener los
colores artificialmente, utilizando
el proceso de calentamiento
y mezclas de minerales con
productos orgánicos (Magaloni
1996: 22-23).
La pintura mural tuvo
sus manifestaciones en casi
todos los sitios arqueológicos en
Cuadro colores con pigmentos en pintura teotihuacana (Margaloni 1996:21).
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México, cada uno con diferentes
temáticas pero básicamente
todos siguen alguna de las
técnicas implementadas por
los teotihuacanos o los mayas,
aunque con posibles variaciones
en los aglutinantes o la mezcla
de la capa de cal junto con sus
materiales específicos.
En Cuicuilco, se encontró
dentro de uno de los altares de
su singular pirámide un mural
realizado de piedra y arcilla,
lo que se consideraría como
la primer pintura mural en
Mesoamérica.
En Puebla, en
Cholula, encontramos varios
murales, uno de ellos, con una
representación de mariposas,
es decir, relacionado con el
dios de las mariposas. En las
paredes del templo también se
encontró un jaguar pintado al
temple, y finalmente el mural de
los bebedores de pulque, posible
representación de una festividad
del lugar. (Edwards 1966:12-14).
Posteriormente
encontramos a Teotihuacán,
en donde la mayoría de sus
edificios tenían un mural. Los
principales son el mural del
Templo de la Agricultura, los
murales de el Palacio de
Quetzalpapalotl, Atetelco y el
más complejo el de Tepantitla
que representa al Tlalocan
el cielo de Tlaloc, el paraíso
(Edwards 1966:15-31).
En Tizatlan, Tlaxcala,
se encontraron también algunos
murales, con otra técnica,
pintaban cuando la capa
ya estaba seca, en ellos se
identificó a Tezcatlipoca, dios
traicionero y obscuro, junto
con Hutzilopochtli y Xiucoatl, la
serpiente del fuego, además de
algunas escenas de sacrificio
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humano (Edwards 1966: 32-36).
En Oaxaca, basados
en colores de origen mineral,
predominando el delineado
rojo o negro y el uso de la
técnica de negativo, es decir se
pintaba el fondo en vez de la
figura, aprovechando la capa de
estuco que se había colocado
anteriormente (Edwards 1966:
40-45).
La zona Maya, es en
donde destacan los murales de
Es de esta forma como vemos que la influencia entre culturas repercute directamente en el arte, que las técnicas se transmiten, mas no se copian, sólo se toma la mejor parte de cada uno y se acopla a su propias necesidades.
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o3.1.3 Técnicas de arte.
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Bonampak, narrando guerra, y
ceremonias, y Palenque con la
vida ceremonial del lugar, pero
donde también hay diferencias,
ya que Tulum en Quintana Roo,
tenía escenas más imaginarias
y más cosmogónicas, además
de utilizar una técnica diferente,
donde los fondos son blancos,
y el único color que se aprecia
es el azul maya (Edwards 1966:
46-58).
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3.Análisis antropológico de las expresiones artísticas indígenas3.2 Arte en los grupos indígenas actuales
Con la conquista española, diversos cambios se reflejaron en el arte en México. Después de las guerras, destrucciones y la labor que desempeñaran los colonizadores para evangelizar, el arte comenzó a cambiar.
España durante la
dominación, importa nuevos
temas y modos de realizarlos
con materiales desconocidos
de los nativos; el algodón, el
hierro forjado, los adornos de
chaquira de vidrio, y pedrerías,
los bordados de los textiles, las
maderas chapeadas, y otras
técnicas de arte (Marín 1976:
35-36). Es de esta manera que
se divide la creación artística, se
empieza a perder la narración
de las creencias de los nativos y
se censuran aquellos que sigan
representándola tan fielmente.
La entrada de los
españoles a México también
creó mestizos, quienes eran más
privilegiados que los nativos,
comenzaron a hacer arte que fue
diferente a la creada en la época
prehispánica y diferente a la de
los europeos.
Así se empezaron a
jerarquizar los puestos artísticos,
tal es el caso del mercado actual
de los textiles en Chiapas, que
se divide en varias formas de
mercado.
Mercado local, se da
dentro del lugar, los artesanos
de gran prestigio venden a otros
sus productos.
Mercado No-indio. Se ve
en lugares como San Cristobal
de las Casas, Chiapas, donde la
ropa o tejidos es vendido por los
mercaderes.
Mercado de turistas,
ubicada en la calle Real de
Guadalupe en San Cristobal
está llena de locales o tiendas
en donde mestizos venden
tejidos y artesanías Mayas
(Morris 1991:405-407).
Pero esto no sólo
ocurre en Chiapas, sino en todo
México, mientras pueden existir
grupos de artistas o artesanos
que todavía preservan sus
tradiciones, también hay un gran
mercado que no siempre respeta
el trabajo de estas personas.
Los productores de
artesanía indígenas no están
corrompidos por influencias
extranjeras, sino que toman
y escogen diseños, colores y
elementos que simultáneamente
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s3.2.1. Influencia del discurso hispano.
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los plazcan y tengan un
resultado económico positivo.
Los Zapotecos de Teo-
titlán han seguido esa conducta,
continuan produciendo su
forma particular de tejido pero
alternando su contenido y diseño
en respuesta de las demandas
del consumidor. Es así como
Stephen realiza un estudio de
los mercados en Teotitlán.
Hay cuatro tipos de
mercado, el primero a partir de
productos originales, creados
por los más aptos tejedores
y que son expuestos en los
museos mundiales.
El segundo, donde los
productores tienen una noción
de la técnica, pero sus diseños
son más sencillos, venden a
Estados Unidos de Norteamé-
rica.
Mujer vistiendo textil Mazateca
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s3.2.1.Influencia del discurso hispano.
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El tercer mercado es el de
la producción masiva, diseños
populares, pero repetidos. El
cuarto es el de la producción
de pequeños objetos como
morrales, bolsas, camisas,
realizados en su mayoría con
materiales de mala calidad
(Stephen 1991:383-384).
Así mismo existen formas
de trabajo:
-Los trabajadores
independientes en el hogar,
se proveen de sus propios
materiales, producen textiles en
sus casas que luego venden
a turistas, importadores o
mercaderes locales.
-Los mercaderes con sus
propios empleados, a los cuales
les pagan por pieza realizada.
-Trabajadores por pieza,
que no se tienen que proveer de
los materiales para realizarlo,
porque generalmente lo
compran y lo distribuyen.
-Trabajadores por pieza
en el hogar, utilizan sus
propios productos, los hilos y
teñidores son proporcionados
por mercaderes y les pagan por
pieza los comerciantes (Stephen
1991:389).
Vemos entonces el cambio que trajo consigo la conquista, la globalización y el turismo; ahora una segmentación, una competencia, un mercado, que da como resultado una nueva forma de representación artística, ahora a la medida del comprador y no con la misma idea de transmitir el conocimiento o plasmar una ceremonia como en la época prehispánica, esos son algunos de los cambios que se pueden ver en las artesanías y el arte de México.
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Ya se mostraron algunos de los cambios que se dieron con la conquista, ahora veremos lo que sucede desde la independencia hasta nuestros tiempos. La influencia europea que trajeron consigo los españoles, se fusionó con los conocimientos que ya existían y lograron prevalecer en México. Es entonces cuando se forma un arte mestizo, la mezcla de dos culturas. Veamos por secciones nuevamente el cambio en la representación del arte.
En donde encontramos a
Tabasco, Campeche, Yucatán,
Quintana Roo, Chiapas, donde
antes floreció la cultura Maya.
Ofrecen variedad de diseños,
estilos y técnicas, entre los que
los mestizos crean entonces
una producción artesanal como
la joyeria en oro y con carey.
El huipil destaca como textil
junto con los morrales, bolsas
y zapatos bordados con hilazas
(Marín 1976:69-72).
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3.2.2. Procesos históricos desde la Independencia.A
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Abarca a los estados de
Sonora, Chihuahua, Coahuila,
en donde se destaca el trabajo
de cestería, el trabajo del cuero
y otras pocas artesanías ya
que el desierto no da muchos
materiales con qué trabajar
(Marín 1976: 79-80).
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Barro negro de Oaxaca
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coIncluye a los estados de
Oaxaca, Guerrero, Michoacán,
Colima, Jalisco, en donde
se ve la producción mestiza
de hojalata, joyería donde
se reproducen los antiguos
trabajos prehispá-nicos, platería,
muebles, lapidaria, máscaras,
huaraches, prendas para vestir
en la playa, juguetería de plomo
policro-mado, sombreros, vasijas
de chaquira, sarapes, jorongos
y cristal soplado (Marín 1976:
74-78).
En los estados de Morelos,
Puebla, Tlaxcala, D. F., Estado
de México. Hay manufactura de
huaraches, y una producción
semi industrializada de
muebles, prendas de vestir,
cobre y plata; talavera, alfarería
vidriada, madera tallada, hierros
forjados, dulces, jorongos de
lana, miniaturismo, mosaicos,
bordados de chaquira, cobijas,
vidrio soplado, cerámica
chorreada, cestería (Marín 1976:
80- 85).
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Talavera Poblana
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Artesanía de Querétaro
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Abarca Querétaro,
Guana-juato, Aguascalientes,
Zacatecas, Hidalgo, San Luis
Potosí. En donde destacan la
joyeria con piedras preciosas,
las enaguas de lana, hierro
forjado, cestería, juguetería,
dulcería, bordados en blanco,
deshilados y muebles de madera
(Marín 1976:86-99).
Es así como los productos que existían antes poco a poco son desplazados y dan paso a los productos de los mestizos que son más artesanías que arte y no tienen el contexto que los antiguos.
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Arte es “expresión”, libre
para lograr sus fines, así puede
acercarse al modelo natural
o puede alejarse de él según
sus intenciones y necesidades
(Fernandez 1958:7).
El continuo discurso
de cuándo el arte deja de ser
arte, o la artesanía se convierte
en arte, sigue causando
revuelta en todos los estudios
de los procesos artísticos de
cualquier cultura. En cuanto al
enfoque del arte en la época
prehispánica, surgirán menos
dudas que el arte mestizo, los
que desempeñaban el papel de
artistas en la antigüedad eran
necesarios para expresar de
alguna manera el conocimiento
de la cultura, las tradiciones, los
pensamientos, la cosmogonía,
todo debía ser representado de
alguna manera, y qué mejor que
con la ayuda de un artista, que
podría y sería capaz de sintetizar
en imágenes lo que se le pedía,
que era capaz de producir
un entendimiento simbólico a
través de la abstracción, y que
además implicaba cumplir con
una estética, entonces el arte se
veía plasmada en los diversos
objetos que se realizaban.
El arte prehispánico, es vigoroso, sintético, directo, por eso es el que lleva la expresión a los más altos planos, es un arte natural en cuanto a sus funciones formales y simbólicas, pero no es naturalista (Fernandez 1958:39), qué quiere decir esto, que el arte toma su propio ritmo, que el arte representa el sentimiento de todo un pueblo y no sólo surge como necesidad, sino que surge como forma de vivir.
3.2.3. ¿Artistas o artesanos?
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Artesanía de Querétaro.
Según Marín (1976: 53-
59), en la actualidad se podría
segmentar el arte en varias
formas:
-Arte popular, que tiene su
origen en la necesidad creadora
de hombre, en la necesidad
de producir objetos útiles y
bellos, es una manifestación
humana correspondiente a todo
un pueblo, según un concepto
individualista y su motivación
pertenece al orden decorativo
y recreativo. El objeto pasa
como un recuerdo de familia
y se hereda de generación
en generación. Con lo que el
objeto se vuelve único y de valor
estimativo.
Otro tipo de objetos son los
realizados por toda una familia,
reproduciendo objetos idénticos,
formando una artesanía debido
a la demanda que tiene, lo
que entonces nos aclara un
poco el punto de que el arte se
podría convertir en artesanía
en el momento de multiplicarse
varias veces para satisfacer una
demanda.
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-Etno-artesanías. Forman
parte de las actividades
cotidianas de la comunidad
rural indígena o mestiza,
actividades que alternan con las
labores agrícolas o quehaceres
domésticos. Cada hogar es un
taller familiar, en el que el jefe es
el maestro artesano, la esposa
su colaboradora inmediata
y los hijos los aprendices. El
medio ecológico determina la
característica artesanal de una
región. Es hereditaria y procuran
preservar sus tradiciones.
-Artesanías semiindustria-
lizadas. Son las de más reciente
aparición, producción netamente
urbana. Generalmente
desarrolladas por personas en
una posición económica media,
que aprenden en escuelas
especializadas en artes y oficios.
Dependen económicamente de
su producción.
-Mexican-curious. Producto
sin historia, híbrido, por
caracter de alimento básico,
indispensable, objetos vendidos
sin ninguna utilidad ni caracter
estético.
Es así como se podría clasificar y entender de una mejor manera hasta que punto el arte es arte y no artesanía o algún otro producto de la mercadotecnia. Es importante señalar que este pequeño paréntesis es importante también para desarrollar con mayor soltura los siguientes capítulos en donde será más específico el enfoque.
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3.2.3. ¿Artistas o artesanos? An
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