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REPÚBLICA BOLIVARIANA DE VENEZUELA
UN IVERSIDAD CEN TROC C IDENTAL “L ISAND RO ALVARADO”
DECANATO EXPERIME NTAL DE HU M ANIDA DES Y ARTES
PROGRA MA L ICE NC IATU RA EN ARTE S PLÁSTICAS
ARTES PLÀSTICAS Y ARTE CULINARIO.
…FUNDAMENTOS PARA UNA SUSTENTACI ÓN
ARTÌSTICA…
Estudio presentado como requisito parcial para optar
al Grado de Licenciado en Artes Plásticas
Autor:
Br. Mariajosé Cañas
C.I: 19.417.918
Tutor:
Ph. Dr. Ángel Mujica
C.I: 7.305.064
Barquisimeto, 06 de octubre del 2010
DEDICATORIA
A mi querido padre, que es mi mayor motivación. Sin él nada de esto sería
posible. Por su apoyo incondicional aun cuando no entendía lo que quería
lograr. TE AMO PAPI.
A mi madre que me sumergió en el área de la creación artística, me facilitó
todo su conocimiento, ayudándome y acompañándome en los momentos
dulces y amargos de la carrera.
A mi hermana que trataba de entenderme plenamente en cada uno de los
nuevos procesos artísticos en los que incursionaba y me motivaba
consecuentemente a alcanzar esta meta. Te amo Churra.
A mi querido novio que fue compañero, soporte, asistente, conejillo de indias
y sobre todo amigo en esta escabrosa aventura. Tuami!
Y por ultimo con especial énfasis se los dedico a todas las personas que
pensaron que este Trabajo de Grado era una ¡LOCURA! o algo muy
complicado. Porque esto me hizo más fuerte y querer seguir adelante. Y
además porque soy joven es que me propuse este proyecto un tanto
ambicioso.
AGRADECIMIENTOS
A mi hermano Luís que pensaba que estaba loca cuando trabajaba en las
tendencias y temáticas que el desconocía.
A mi nena (Alexandra) y a mi pare (Mariale) por ser compañeras de clase,
caldero de ideas, amigas intimas, pañuelo de lagrimas, cómplices y aliadas
de nuevas aventuras.
A mi “tutor Principal” que encaminó y me dio ánimos para seguir con este
proyecto.
A mis tías Gisela y Miriam que permitieron que me hospedara en su casa y
se preocuparon por mí durante mi estadía en Caracas.
A Nanda, Clau, Alfred, Berny y Melanie del Departamento de Registro de
FMN-MAC por toda la ayuda que me brindaron en la búsqueda de
información. Los Quiero.
A Luis del Dpto. de Investigación de la FMN-MAC quien aporto información
preciada tanto suya como de Ary Roncaglia.
Al profesor Ángel que creyó en mí y guió mi proyecto aun cuando pocos
creían que era factible realizar este Trabajo de Grado.
Al profesor Benigno que fue mi asesor plástico y me apoyo en todas mis
ideas por muy descabelladas que fuesen.
A Malgalita que me tendió su mano y se ofreció a ser mi asesora en el área
metodología. Gracias.
A Jotica por compartir sus conocimientos conmigo y por las fructíferas
conversaciones entabladas.
A mon ami Humbertico! Que me brindo su ayuda y sus conocimientos en el
área de francés.
A donaaal, amigo incondicional que me ayudo en todo lo que estuvo a su
alcance. Te Quiero “pana”
Y a todos los que me dieron de una manera u otra su apoyo, que no
mencione, a lo largo de este trayecto, mil gracias.
ÍNDICE GENERAL
pp.
RESUMEN .................................................................................... .. viii
INTRODUCCIÓN ............................................................................. 1 CAPÍTULO I EL PROBLEMA ARTISTICO............................................................ ….
I.1. Planteamiento del Problema..................................... 3
I.2. Objetivos de la Investigación..................................... 5
I.3. Justificación e Importancia....................................... 6
II MARCO REFERENCIAL .................................................................
II.1.1. Antecedentes de la Investigación ......................... 8
II. 1.2. Antecedentes Históricos……………..……………… 10
II.2. Bases Teóricas. ………………………….……………….. 18
II.2.1. El cacao de este Chocolate.................................... 18
II.2.2. La Gastroestética daliniana…………………………. 23
II.2.3. Diversidad conceptual multisápida…..…………….. 28
II.2.4. La historia del elíxir de los dioses…...…………..…. 29
II.2.5 Psicología del color……………………………………. 34
II.3. Definición de Términos .............................................. 37
III MARCO METODOLOGÍCO .............................................................
III.1. Naturaleza de la Investigación .................................... 40
III.2. Teorías o Métodos Pertinente para la Investigación... 41
III.3. Nivel y diseño de la Investigación….…………………. 42
IV PROPUESTA PLASTICA ................................................
IV.1. Antecedentes Personales ...................................... 43
IV.2. Descripción de la Propuesta ........................................ 50
IV.3. Memoria...................................................................... 62
CONCLUSIONES ……………………………………………………. 90
REFERENCIAS ............................................................................. 91
ANEXOS…….…………………………………………………………….. 96
INDICE DE IMÁGENES
IMÁGENES pp.
Fig.1 Las Cuatro Estaciones”: título de la serie
conformado por 4 cuadros.
11
Fig.2 Continuación de la serie “Cuatro Estaciones”. A
la izquierda Verano y a la derecha Otoño. Obras
realizadas en el año 1573.
11
Fig.3 La obra Obelisco de Pan Dulce
realizada por Marta Minujin.
13
Fig.4 La Venus de Queso, otra obra de la
artista argentina Marta Minujin.
13
Fig.5 Busto de Chocolate y Busto de Jabón de la
obra Lick and Lather.
14
Fig.6 Vista de la obra completa de Janine Antoni. 14
Fig.7 Imagen de la Exposición Sabores y lenguas de
Antoni Miralda.
16
Fig.8 Cuadro 10. de Paisajes Domésticos,
realizado por el artista Carlos Poveda.
16
Fig.9 El artista Cesar Martinez invita y desafia, al
mismo tiempo, al espectador a comer su obra,
hecha en gelatina a escala natural.
18
Fig.10 Figura humana y naturaleza muerta. 44
Fig.11 Figura humana fusionada con una copa. 44
Fig.12 Mujer con tulipanes. Técnica tinta china 44
Fig.13 Plancha. 44
Fig.14 Composicion de semillas. 44
Fig.15 Acordeón de imágenes intervenidas digitalmente 45
Fig.16 Síntesis de una imagen orgánica. 45
Fig.17 Modulo hecho en Mdf. 45
Fig.18 Boceto en Mdf de pintura experimental. 46
Fig.19 Vista contrapicada de la instalación de taparas. 47
Fig.20 Acercamiento de taparas sobre aserrín 47
Fig.21 Fotografia del performance. 47
Fig.22 Vista lateral de escultura en yeso 48
Fig.23 Vista frontal de escultura en yeso 48
Fig.24 Obra hecha con coliflor. 48
Fig.25 Vista lateral de obra hecha en coliflor. 49
Fig.26 Terracota del Templo de Apolo en el Palatino
Romano.
55
Fig.27 Detalle de una catrera griega del s. V a.c. 56
Fig.28 Fragmento de la obra
Construcción Blanda con Judías Hervidas.
58
Fig.29 Fragmento de la obra Autorretrato blando con
tocino frito.
59
Fig.30 Modelo, mi padre con las bandas de yeso. 62
Fig.31 Fotografía cuerpo completo. 62
Fig.32 Preparando la mezcla de yeso para aplicar una
fina capa sobre las bandas de yeso.
63
Fig.33 Aplicando la mezcla de yeso semi-líquido. 63
Fig.34 Dando los últimos detalles al molde. 63
Fig.35 Vista lateral una vez terminado el molde. 64
Fig.36 En el proceso de secado. 64
Fig.37 Otro ángulo del molde ya casi listo para
desmoldar.
64
Fig.38 Cortando el chocolate. 65
Fig.39 Engrasando el molde. 65
Fig.40 Templando el chocolate. 65
Fig.41 Vaciando el chocolate en el molde. 66
Fig.42 Vertiendo el chocolate. 66
Fig.43 Eliminando el exceso.
66
Fig.44 Retocando los bordes. 67
Fig.45 Rostro en chocolate. 67
Fig.46 Producto Final. 68
Fig.47 El almíbar producto de agua y azúcar 69
Fig.48 Se le añadió colorante artificial al caramelo. 69
Fig.49 El colorante reaccionando en el azúcar. 69
Fig.50 Se logró colorear el caramelo. 70
Fig.51 La reacción del caramelo con el colorante lo
volvió turrón.
70
Fig.52 El azúcar cristalizado por completo. 70
Fig.53 Primera prueba de caramelo fallida. 71
Fig.54 El almíbar hirviendo. 71
Fig.55 Agarrando consistencia 72
Fig.56 El calor produce que el almíbar cambie de color. 72
Fig.57 Color caramelo 73
Fig.58 El color y consistencia deseada. 73
Fig.59 Primera prueba con el almíbar antes de tornarse color caramelo.
73
Fig.60 Hilos de Caramelo en forma de cesta. 74
Fig.61 Varias pruebas, combinaciones de color y de
grosor de los hilos de caramelo.
74
Fig.62 La cesta una vez desmoldada donde se puede
apreciar los cambios de tonos del caramelo.
74
Fig.63 La cesta vista de perfil. 75
Fig.64 Otra de las pruebas. Esta con menos hilos y por
ende más quebradiza
75
Fig.65 La tercera cesta, fuerte en el fondo pero débil en
los laterales.
76
Fig.66 Cortando el anime 77
Fig.67 Quitando el exceso. 77
Fig.68 Sacando la forma del rostro 77
Fig.69 Se puede apreciar la forma del cráneo. 78
Fig.70 Toma de Perfil sin terminar. 78
Fig.71 Rebajando el área del cuello. 78
Fig.72 Lijando. 79
Fig.73 Desbastando el rostro. 79
Fig.74 Vista de perfil. 79
Fig.75 Aplicando una capa de yeso. 80
Fig.76 Suavizando los rasgos toscos y fuertes. 80
Fig.77 Creando la superficie del cabello. 80
Fig.78 Terminando la primera capa. 81
Fig.79 Rebajando con la espátula. 81
Fig.80 Casi lista 81
Fig.81 Los últimos detalles de la segunda capa. 82
Fig.82 Rostro pintado para asemejar el chocolate 82
Fig.83 Rostro de perfil. 82
Fig.84 Primer boceto del volcán y el queso derretido (la
lava).
83
Fig.85 Boceto de la textura visual y táctil de cada
huevo.
83
Fig.86 Volcán de Huevos. 83
Fig.87
Vista aérea del vapor que emanan los huevos
hirviendo.
84
Fig.88 Los huevos hirviendo para así darles el color y
la textura visual deseada.
84
Fig.89 Los huevos reposando después que el líquido
se evaporo casi por completo.
84
Una vez fríos, listos para ser removida la
cáscara.
85
Fig.91
Aquí se puede notar la borra del te y la
coloración que adquirió la cáscara.
85
Fig.92 Acercamiento de un huevo donde se aprecia la
textura visual, la coloración y la mitad de la
cáscara.
85
Fig.93 Varios huevos después de haberle removido la cáscara.
86
Fig.94 Otro ángulo donde se ven otras texturas. 86
Fig.95 Prueba de la posición de los huevos para formar
el volcán.
86
Fig.96 Enfoque de cómo se vería uno de los laterales 87
Fig.97 . Acercamiento de unos huevos de codorniz. 87
Fig.98 Pirámide triangular con huevos de codorniz.
88
Fig.99 Pirámide triangular.
88
Fig.100 Composición con huevos de codorniz. 89
REPÚBLICA BOLIVARIANA DE VENEZUELA
UNI V E RS I DA D CE NT RO CCI DE NT A L “ L I S A NDRO A LV A RA DO ”
DE CA NA T O E XP E RI M E NT A L DE H UM A NI DA DE S Y A RT E S
P RO G RA M A L I CE NCI A T URA E N A RT E S P LÁ S T I CA S
Artes Plásticas y Arte Culinario
Fundamentos para una sustentación artística…
Autor: Mariajosé Cañas Madrid.
Tutor: Ángel Mújica
Fecha: Marzo 2011
RESUMEN
Actualmente gracias a la globalización y los avances tecnológicos se encuentran
disponibles una amplia variedad de medios y materiales de expresión plástica.
Brindando así diversidad al artista plástico, en el presente trabajo se optó por
recurrir al uso de alimentos para la creación de la propuesta plástica.Debido a que
la obra plástica se realizo con alimentos, cabe resaltar que dentro de este trabajo de
grado se propuso la inclusión de dos sentidos que antes no eran comúnmente
incorporados para la apreciación de las obras de arte como lo son el gusto y el
olfato. Se trata así que la experiencia plástica abarque todos los sentidos y no que
se enfoque sólo en el sentido de la vista y el oído como se había hecho a lo largo de
la historia. Debido a que el ser humano percibe su exterior y el medio que lo rodea a
través de los cinco sentidos entonces se planteo un tipo de arte el cual se percibe
de la misma manera. Esto surge de la vinculación de las artes plásticas y el arte
culinario, en la cual se fusionan técnicas y conocimientos propios de la cocina y el
arte culinario con las teorías, elementos plásticos y estéticos de las artes plásticas.
Para esto se recurrió a la revisión de fuentes bibliográficas y hemerogràficas y luego
se procedió al análisis documental. Generando como resultado la investigación
desarrollada a continuación y la creación de una propuesta plástica donde se
evidencian las bases teóricas aquí planteadas y desarrolladas.
Artes Plásticas, arte culinario, esculturas de alimentos, cocina, elementos
plásticos, los sentidos.
INTRODUCCIÒN
Actualmente en la sociedad venezolana, específicamente en el área de
las artes plásticas, podemos encontrar una gama variada de propuestas,
unas enmarcadas en lo tradicional, otras en lo moderno y otras dentro de lo
contemporáneo. Tomando en cuenta esta realidad se puede afirmar que lo
que se plantea en este trabajo está dentro de la tercera categoría. Pero el
arte contemporáneo es muy amplio por esto es necesario delimitar la
presente propuesta.
. Uno de los puntos a tratar en este trabajo es lo que concierne a la
escultura como manifestación plástica y a la instalación como nueva
tendencia del arte contemporáneo. Se propone aquí algo poco convencional
como lo es el uso de los alimentos como materiales a ser empleados en la
propuesta plástica.
Y es que los antecedentes más cercanos, para este tipo de arte se
encuentran dentro del Eat Art, y aunque pareciera mucho tiempo, hablar de
casi medio siglo recorrido dentro de los lineamientos de esta corriente no es
tanto comparado con decenas de siglos de Historia de la escultura en piedra
o mármol.
Se intenta así indagar en un tipo de arte que ha sido relegado a lo largo
de la Historia o que siempre se le ha vinculado netamente con la
gastronomía entendida ésta como el área encargada de estudiar todo lo
relacionado con los alimentos (su elaboración, presentación y conservación).
Es necesario diferenciar la gastronomía del arte culinario, la primera es
entendida como una ciencia y la segunda como un arte que se manifiesta a
través del dominio y manejo de una técnica. Hecha esta diferenciación se
debe plantear una segunda referida a los significados que puede tener el arte
culinario. La primera es la que se entiende como el dominio y la perfección
de técnicas y ciertos conocimientos dentro de la cocina y la segunda es un
arte basado en la creación de obras a través de los alimentos como
elementos expresivos, donde estos cumplen un rol sumamente importante ya
que dejan de ser solo material para adentrarse en el ser, literalmente, por
medio de todos los sentidos.
A los fines de organizar la presentación del trabajo, éste está estructurado
en cuatro capítulos coherentes y secuenciales, conforme a los objetivos
propuestos. Los cuatro capítulos se reseñan a continuación:
El primero está referido al planteamiento del problema, los objetivos de la
investigación, su justificación y alcance.
El segundo incluye el marco teórico conceptual y en él se desarrolla la
temática abordada en la investigación; se inicia con la identificación del
contexto histórico que dio origen a la relación de las artes plásticas y el arte
culinario. Luego se caracterizan los rasgos que comparten ambas áreas del
saber.
El tercer capítulo está integrado por el marco metodológico. Aquí se
define el tipo de investigación y las etapas por las cuales se desarrolló para
alcanzar los objetivos propuestos.
El cuarto capítulo lo constituyen los antecedentes personales, la
propuesta plástica y la memoria. Finalmente se presenta el cuerpo de
conclusiones, la bibliografía pertinente y los anexos.
CAPÍTULO I
EL PROBLEMA ARTÍSTICO
I.1. Planteamiento del Problema
Haciendo una revisión histórica del arte se encuentra que en ninguna
época o período se haya definido o caracterizado, ya sea por artistas o algún
crítico, el Arte Culinario. Esto, por supuesto, siendo analizado desde el punto
de vista occidental de las artes plásticas. Y la información que se puede
conseguir es escasa sobre todo textos en español, por esto se ve la
necesidad de realizar una investigación dentro de este área.
Actualmente la mayoría del colectivo parece estar familiarizado con los
términos Gastronomía y Arte Culinario. Siendo el primero, el conocimiento
especializado de los alimentos y los productos afines y su respectiva
elaboración. Mientras que el segundo, no tiene tan amplios linderos,
principalmente porque se trata de una mejor e innovadora forma de presentar
y combinar los alimentos tomando en cuenta tanto las reglas de la cocina, la
química y las artes plásticas, o al menos este es el concepto que se propone
en esta investigación.
El término arte es frecuentemente usado pero muchas veces
desconocido. En esta investigación se propone darle fundamento teórico al
arte culinario desde el punto de vista de las artes plásticas, nombrando y
explicando las características más representativas para ser catalogado como
tal. Y es que son varias las características que relacionan de manera directa
a las artes plásticas y el arte culinario empezando por los elementos plásticos
con los que ambos se pueden regir, basamentos estéticos, entre otros.
Y es que este no es un trabajo donde se ocupará el concepto de arte
culinario que comúnmente se conoce, como lo es el manejo de técnicas y
conocimientos de la cocina. Sino que se buscara y propondrá una nueva
concepción para este término ya existente.
En tal sentido, se plantean las siguientes interrogantes:
¿Existe alguna relación entre artes plásticas y arte culinario?
¿Cuáles son las características del arte culinario en cuanto a las artes
plásticas?
¿De qué manera está involucrado el arte culinario y las artes
plásticas?
¿Es posible crear una obra plástica vinculando el concepto de arte
culinario y artes plásticas?
I.2. OBJETIVOS
OBJETIVO GENERAL
Determinar la relación entre las artes plásticas y el arte culinario.
OBJETIVOS ESPECÍFICOS
Analizar las bases teóricas que plantean la fusión entre las artes plásticas y
el arte culinario.
Crear una propuesta plástica tridimensional con materiales comestibles que
sustente la concepción de arte culinario propuesta en esta investigación.
I.3 JUSTIFICACIÒN
Esta investigación se lleva a cabo por la búsqueda de nuevos medios de
expresión dentro del campo de artes plásticas, incursionando en el arte
culinario como medio de creación plástica. Se tomarán los elementos
plásticos, como el espacio, el volumen, la línea, la textura, herramientas
indispensables en las artes plásticas y los recursos gastronómicos usados en
el arte culinario, esto como una forma de reunir ambas ramas. No obstante
se seguirá experimentando las formas que se pueden vincular el uno con el
otro.
También se presenta la necesidad de ampliar las fuentes bibliográficas
dentro del campo de las artes plásticas relacionando el arte culinario debido
a que esta área presenta grandes vacíos dentro de la sociedad venezolana.
Aun cuando las bases se encuentran asentadas, hace falta compilarlas y
desarrollar esta información, para así generar uno de los resultados
esperados por esta investigación. Desde hace algunos años, diversos
teóricos artísticos y culinarios han incursionado en las ramas del arte y la
gastronomía. Siendo preciso investigar en ambas áreas para que una vez
hecho esto ambas se puedan fusionar.
Son heterogéneas las investigaciones a nivel internacional que han
vinculado de una manera u otra la gastronomía y las artes plásticas. Este
trabajo busca ser un aporte teórico para ambas ramas. Resaltando los
rasgos y características que comparten, tomando en cuenta que ambas han
estado desde el principio de la humanidad. Así como también las dos
representan una necesidad; la gastronomía enfocada hacia una necesidad
primaria y fisiológica mientras que las artes plásticas se tratan de una
necesidad espiritual, siendo esta usada como medio de expresión.
Esta investigación se desarrolla dentro de la temática contemporánea o
de nuevas tendencias permitiendo así reflejar que los estudiantes egresados
de la UCLA, específicamente en el Decanato de Humanidades y Artes están
no solo al tanto de lo que esta sucediendo en el mundo actual sino que
cuentan con la base tradicional; como lo son los conocimientos referentes a
la historia del arte, los precedentes del dibujo, esta base es necesaria y a su
vez también están enmarcados en la actualidad para desarrollar un lenguaje
propio.
A su vez esta investigación sería un aporte importante para la Ciencia en
general, como vía novedosa para conjugar nuevos caminos artísticos en el
acto creador. Entendiendo a la ciencia como el conjunto de conocimientos
obtenidos a través de un método, en este caso el Hermenéutico se puede
aseverar que con esta investigación se obtendrán conocimientos dentro del
área de las artes plásticas y para lograrlo se recurrirá a un método científico.
De esta manera se estaría realizando un aporte a la ciencia en general.
CAPÍTULO II
MARCO REFERENCIAL
II.1.2 Antecedentes
Con el fin de ampliar y sustentar la presente investigación se recurre a la
revisión de trabajos previos, donde se pudo constatar que el tema ha sido
muy poco investigado hasta el presente. En la búsqueda de algún
precedente a esta investigación se visitó la Biblioteca Virtual de la
Universidad Metropolitana de Caracas pero los resultados no fueron
satisfactorios, debido a que no se encontró material que pudiera ser utilizado
en antecedentes o en las bases teóricas.
También se tiene como objetivo afianzar las bases teóricas que
fundamentan este proceso investigativo donde se vinculan las artes plásticas
con el arte culinario. En el presente trabajo se entenderá el arte culinario
como un medio de expresión plástica que usa recursos gastronómicos, mas
adelante se explicará por que.
Encontrar investigaciones previas concernientes a este tema no fue cosa
fácil por cuanto el tema presente ha sido poco estudiado en las universidades
del país. A pesar de que los inicios del Eat Art, una de las corrientes que
sirve aquí de base teórica, datan de los años 60 del siglo pasado, son pocas
y escasas las investigaciones y teóricos que se dedicaron a categorizar esta
corriente sobre todo en el idioma español.
De hecho, el único trabajo conseguido en la búsqueda de antecedentes
fue el trabajo de Grado de Yarimir Rodríguez, quien en 2007 presento un
trabajo titulado Coroto para optar al título de Licenciada en Arte Mención
Escultura en el Instituto Universitario de Estudios Superiores de Artes
Plásticas Armando Reverón (IUESAPAR), actualmente conocido como
Universidad Experimental de las Artes (UNEARTES).
El trabajo de Grado Coroto no es un trabajo de grado tradicional en el
sentido de que no incluye objetivos, un marco metodológico y un marco
referencial. Se trata de un trabajo concebido como una propuesta que surge
en primera instancia como incertidumbre dentro de la materia de lenguaje
plástico que luego se convierte en una necesidad de investigación. En
Coroto se propone una realidad escultórica para lo comestible pero bajándolo
del pedestal de la Alta Cocina.
Para la autora hay muchas inquietudes con respecto a comprar, preparar,
cocinar, comer y que el alimento forme parte de su ser. Así como también el
poder compartir los alimentos con alguien más, como acto social. Propone no
llevar a la comida más allá de lo que es, de convertir esa comida de fin de
semana con su familia en algo especial. Rescatar esos momentos vinculados
al acto de sentarse a la mesa en familia o en compañía de seres queridos o
conocidos.
Como artista busca a través de la escultura hecha con alimentos, lograr
un dialogo con el espectador sin siquiera estar allí presente sino solo a través
de la escultura. Para ello hace varias referencias que ha tomado en cuenta
para el desarrollo de su propuesta como lo son la artista argentina Marta
Minujin, el artista brasilero Vik Muniz donde abarca una de las características
mas resaltantes respecto a este tema lo efímero. También menciona a Carlos
Poveda, con sus composiciones hechas en platos con los alimentos sin ser
transformados de alguna manera y así como también no pueden ser
consumibles solo están allí para ser apreciados.
II. 1.2. Antecedentes Históricos
En este apartado se hará referencia a dos grupos de artistas. El primero
de ellos el que ha utilizado la representación de la comida por medio del arte
y el segundo grupo el que ha utilizado la comida para hacer arte.
Dentro del primer grupo se encuentra Leonardo Da Vinci quien tenía una
fascinación por la gastronomía tal como lo evidenció en sus lienzos. Un
ejemplo notable fue su fresco de la escena bíblica la última cena. En dicho
fresco el artista le dio tanto énfasis a la representación de los alimentos que
hizo numerosos bocetos y experimentó con diversas composiciones y
manjares. Finalmente resolvió la escena de la comida con la sencillez del pan
y unos nabos. La textura de los alimentos y los colores abrumaron tanto al
pintor que en estudios de restauración hechos recientemente al lienzo se ha
podido descubrir la variedad cromática utilizada por el artista y poner de
manifiesto el realismo que le dio a esta pintura así como también la
multiplicidad de capas de color que empleó.
Otro artista que vinculó el arte con la gastronomía fue Archimboldo, quien
representaba figuras humanas y composiciones en general a través de la
construcción, unión y estructuración de diferentes vegetales, moluscos, frutas
y alimentos en general, usando el óleo sobre lienzo. Quizás éste puede ser
considerado uno de los antecedentes primigenios para lo que compete a esta
investigación. Dentro de sus más destacadas series se encuentran “Las
cuatro estaciones” y “Los cuatro elementos”. (Véase fig. 1)
Fig. 1. “Las Cuatro Estaciones”: título de la serie conformado por 4 cuadros. En el orden que se presentan: a la izquierda se encuentra la obra Invierno y a la derecha Primavera. Esta
serie fue realizada por Giuseppe Arcimboldo en el año de 1573.
Fig. 2. Continuación de la serie “Cuatro Estaciones”. A la izquierda Verano y a la derecha
Otoño. Obras realizadas en el año 1573.
Dalí fue otro artista que le dio suma relevancia al tema de la comida
dentro de sus lienzos, pero lo hizo desde un punto de vista simbólico. La
representación de un huevo frito como en el caso de “Huevo al plato sin el
plato” estaba íntimamente ligado a la concepción de Salvador con el vientre
materno, el cual lo describe de colores rojos, anaranjados, amarillos y azules,
blando, pegajoso, caliente e inmóvil. Y es que la gastronomía ha venido
haciendo presencia en el arte desde hace más de 400 años.
Luego se encuentra un segundo grupo que es el que utiliza la comida
dentro de su propuesta plástica es decir para hacer arte. Tales como:
A Leonardo Da Vinci hay que mencionarlo nuevamente ya que dentro de
las investigaciones realizadas en primera instancia y que se menciona en el
libro Apuntes de Cocina. Pensamientos, misceláneas y fábulas, se afirma
que quizá fue Da Vinci uno de los precursores dentro de lo que se conoce
dentro del arte actual como instalaciones. En el mencionado libro se indica
que Leonardo no sólo fue físico, arquitecto, científico, artista sino que
también fue un gran gastrónomo. Hacia el año 1482 el artista se convierte en
el Maestro de Banquetes de Ludovico Sforza. Da Vinci propuso que el lugar
donde se celebrara la boda de Ludovico fuese una réplica del Palacio Sforza.
De esta manera hizo los cálculos respectivos, experimentó con diversos
materiales y llevó a cabo la obra en bloques premodelados en masa de
pastel y mazapán de colores. Sólo que no se contó con la adecuada
conservación de la misma. La obra, ya finalizada, la noche anterior al evento
fue devorada por aves, roedores e insectos.
Mas recientemente, en el articulo “La comida dentro del arte” escrito por
Norberto Petrick y Sandra Rojas reseñan que en la década de los 70 se
presentó en Medellín, Colombia la obra “Banquete de Reconciliación” dentro
de la tendencia de Eat Art o Arte Comestible. Esta tendencia puede ser
catalogada como un precedente para lo que hoy podría conocerse como Arte
Culinario.
Petrick y Rojas también mencionan en su artículo a Marta Minujin quien
es una artista argentina que tiene una trayectoria de varios años trabajando
con obras comestibles, específicamente con pan y queso. Una de las obras
mas conocidas de Minujin es el “Obelisco de Pan Dulce” realizada en 1978.
Otra obra relevante es la “Venus de Queso”.
Fig. 3. La obra Obelisco de Pan Dulce realizada por Marta Minujin.
Fig. 4. La Venus de Queso, otra obra de la
artista argentina Marta Minujin.
La década de los setenta es representativa para este tipo de arte y en
este período destaca el artista catalán Antoni Miralda. Cuando entra en la
corriente del nouveau realisme incursiona coloreando alimentos para las
fiestas que organizó con los artistas Dorothee Seltz, Xifra y Rabascall.
Miralda le da un enfoque antropológico a su temática, al tratar la comida
como el medio más apropiado para representar las culturas. Es así como
dentro de sus propuestas se encontraran elementos como lo cotidiano y la
confrontación de culturas. Es cuando reside en Nueva York que realizó
instalaciones.
Fig. 5. Busto de Chocolate y Busto de Jabón de la obra Lick and Lather. Imagen extraída del libro Desde el cuerpo: alegorías a lo femenino.
Una Visión contemporánea. De Hernandez, Carmen. (2007)
En el libro Desde el cuerpo: alegorías de lo femenino. Una visión del arte
contemporáneo, se expone la obra Lick and Lather de la artista Janine
Antoni, la cual fue presentada en el Aperto de la Bienal de Venecia en 1993.
La misma consta de catorce (14) bustos (Ver Fig. 5 y 6), siete en chocolate y
siete en jabón. El molde fue hecho en base al rostro de la artista. Janine
confronta conceptos como el trabajo y el placer, al asociar el chocolate con
un gusto que
se puede dar
a sí mismo la
mujer y el jabón con la tarea domestica de la limpieza que debe realizar
como ama de casa.
Fig. 6 Vista de la obra completa de Janine Antoni. 7 Bustos de chocolate y 7 Bustos en jabón. Imagen extraída del libro Desde el cuerpo: alegorías a lo femenino.
Una Visión contemporánea. De Hernandez, Carmen. (2007).
A finales del milenio, específicamente en 1997, el artista Jesús Algovi
junto a Manuela Bascón reúnen a más de 50 artistas e intelectuales en su
estudio, funcionando éste como una especie de galería, en una convocatoria
de arte accional. En el evento, el artista Algovi lee lo que más tarde se
publicará en el periódico como Manifiesto de Arte Comestible. El manifiesto
era crítico, y hacia énfasis en la situación del mercado del arte
contemporáneo y la cultura en general. En la inauguración, muchas de las
obras participantes eran comestibles, por ende de carácter efímero. Este
acontecimiento tuvo cobertura mediática, causando bastante polémica. No
obstante, debido a la aceptación del evento, éste se repitió por tres años
consecutivos, en el año 1998 se llevo a cabo en la galería Arteteca. El año
siguiente se realizó en la Diputación de Sevilla con una congregación de dos
mil personas. Y por último, en 2000, Algovi lo organizaría en el Centro
Andaluz de Arte Contemporáneo; a su vez, en el transcurso de ese mismo
año oficiaría la Feria de Arte Contemporáneo Art' Ibiza 2000.
Retomando a Miralda, artista con una repercusión dentro del Eat Art
bastante notable a nivel iberoamericano, Venezuela tuvo el gusto de ser
representada a por este artista en el proyecto itinerante y colectivo titulado
“Sabores y Lenguas” en el año 1998, evento que se realizó en el Museo de
Bellas Artes de Caracas. Miralda se compenetraba con cada una de las trece
ciudades que incluyó en su propuesta, tomando en cuenta para ello su
dinámica, su cultura y por sobre todo su gastronomía y lo que la rodea. Es
así cómo dentro de su obra se encontrarán canciones típicas del país, o
expresiones cotidianas. Equivalencias literales o traducciones textuales del
español al inglés. Es una obra que se enfoca en lo conceptual de esta
corriente.
Fig. 7 Imagen de la Exposición Sabores y lenguas de Antoni Miralda. Museo de Bellas Artes, Caracas. (1998).
En 2002 se lleva a cabo en Sevilla, España una Sala Expositiva donde fueron
compiladas más de 4000 recetas clasificadas por períodos históricos.
Otra de las experiencias fue la
realizada por Poveda, quien en el
año 2005 propone “Paisajes Domésticos” composiciones realizadas en
platos con diversos alimentos mayormente vegetales y moluscos. Él ordena
los elementos tal cual lo hace un pintor en el lienzo. Hay un equilibrio de
color y armonía en la composición.
Fig. 8 Cuadro 10. de Paisajes Domésticos, realizado por el artista Carlos Poveda.
Ese mismo año, la artista venezolana Ary Roncaglia participa en el Salón
Internacional de Comida con su propuesta de Eat Art y es ella uno de los
precedentes más cercanos para esta investigación. Entre sus propuestas
iniciales la artista recreó en un salón de clase una especie de bosque, infló
muchos globos y a cada uno les introdujo un alimento con un color primario,
el piso estaba lleno de hojas secas así como también se encontraba un
violinista dentro de la sala a cada participante del evento se les entregaba
una aguja de modo que cuando los mismos entraran comenzara la
experiencia sensorial. Las explosiones de globos, los alimentos que caían al
piso, el ruido de las hojas al ser pisadas y la música que tocaba el violinista
fue la propuesta que hace que Roncaglia incursione más en el Eat Art.
En una entrevista hecha a la artista, ella comenta lo difícil que es la
aceptación del Eat Art en Venezuela, que incluso al momento de hacer su
tesis en la Cristóbal Rojas su tutor la motivó a “no enrollarse” con un tema de
esa envergadura, sugiriéndole que hiciese algo más fácil. Saber esto me
motivó más a seguir con mi proyecto, ya que el concepto existe y no es un
solo artista el que lo trabaja, son muchos, cada quien a su manera pero las
investigaciones y sustentos teóricos son pocos.
Luego, otro artista de amplia trayectoria es César Martínez el cual maneja
la antropofagia y el canibalismo dentro de la temática de su propuesta
plástica los materiales usados para sus esculturas comestibles son
chocolate, gelatina, colorante artificial, entre otros. En su “perforMANcena” en
2008, el artista realizó en diferentes países esculturas de hombres y mujeres
a escala natural, en chocolate y gelatina. Luego de su presentación, el artista
invitaba a los espectadores a comérsela. Cada país representó una reacción
particular pero la común en todos fue de asombro. Las fronteras del arte se
extienden cada vez más. Antes ni siquiera estaba permitido tocar la obra,
ahora las entrañas las digieren.
Fig. 9 El artista Cesar Martinez invita y desafia al mismo tiempo al espectador a comer su obra,
hecha en gelatina a escala natural.
II. 2. Bases Teóricas
II. 2.1. El cacao de este chocolate.
Una de las referencias más importantes dentro de esta investigación es el
aporte hecho por De Andrade (1928) con su Manifiesto Antropófago. Y es
que éste es el que le da gran sustento al arte culinario, ya que se plantea que
la obra plástica no sólo puede ser apreciada por la vista y el oído sino que
también puede ser comida, ingerida o “apreciada” a través del gusto y el
olfato. Es en este aspecto donde se sirve esta investigación del Manifiesto
Antropófago, ya que se entiende que en la sociedad actual lo que se vive es
la constante ingesta de culturas y su posterior asimilación. Se estaría
literalmente “comiendo cultura”.
Otro referente imprescindible para el desarrollo de esta investigación es la
concepción del Eat Art entendiéndose éste como un movimiento desarrollado
a partir de principios de la década 60 y se le atribuye su nombre a Daniel
Spoerri. El Eat Art es entendido como “comerse al arte” hecho con alimentos.
Según Armstrong et al. (1990) el “Eat Art asocia el disfrute y la destrucción
de los valores tradicionales del arte” ya que recurre al uso de alimentos para
la creación de la obra plástica. De acuerdo con estos autores, los inicios del
movimiento Eat Art se encuentran en el Dadaísmo:
El Eat Art, cuyo espíritu se remonta al Dadaísmo, hasta se pueden encontrar antecedentes en los artistas del Expresionismo Abstracto, no tiene nada que ver con la representación de la comida en el Arte Pop, en donde tiene una función metafórica. Dos
ideas dominan el Eat Art: La Comida juega con los conocimientos, los aspectos de la cultura como la gastronomía así como también con las fuerzas arcaicas presentes en los rituales iniciáticos y en el canibalismo, ellas hablan de la muerte. Su uso en el arte refuerza la idea de que la obra está incompleta, que debe ser acabada por la intervención del espectador o del azar. El carácter efímero – y para Spoerri aleatorio - de la obra contribuye a la desmitificación del artista demiurgo. (Amstrong et al., 1990 p. 65) Traducción Andrade, Humberto.
En la cita anterior se mencionan unas de las características que fueron
manejadas en esta investigación como lo son el carácter efímero de la obra y
la incorporación del gusto y el olfato para la apreciación de la misma.
Una de la característica de la apreciación de la obra en el arte culinario es
el gusto. En tal sentido Eiras, 2005, p. 5 señala: en torno a la obra de
Fisiología del Gusto que:
Brillat Savarin se referiría al estudio del gusto como una de las funciones del ser humano. Entendemos con esto, que más que considerarlo en cuanto es uno de los cinco sentidos que posee el hombre, su objetivo es desentrañar todo lo concerniente desde el punto de vista anatómico, los órganos que intervienen en el acto de alimentarse, más allá de la simple digestión, ya que en la degustación intervienen la vista, el olfato, el gusto propiamente dicho, el tacto, así como diversas funciones corporales que permiten la asimilación de las sustancias alimenticias y el desecho de las que no pueden ser aprovechadas por el organismo.
Y es que Savarin le daba una importancia incuestionable al gusto y lo
concebía más allá que un mero sentido. En este caso también se le da gran
importancia al Gusto, ya que viene a ser un debutante e igualmente podría
ser protagonista dentro de la obra plástica. El gusto a su vez no se
desempeña solo, debido a que los alimentos al cambiar de estado físico, es
decir el movimiento interno de las moléculas, como por ejemplo en un punto
de hervor o cocción determinado, liberan olores interviniendo de esta manera
el olfato. Hay que diferenciar el arte culinario como proceso y como
producto. Como proceso se entiende lo que se refiere a la elaboración de los
alimentos en la que interviene la manipulación deliberada de sabores, olores
y colores. Y como producto es entendido como un resultado donde quedan
plasmados colores, olores y sabores. Este trabajo presenta una propuesta de
arte culinario como producto.
Se pueden oler los alimentos al tenerlos en frente, cuando estos
desprenden sus aromas y también luego que entran a la boca, “…por la
llamada retronasal, una vía de acceso directa a nuestra mucosa nasal. Al
calor de la cavidad bucal, hay un desprendimiento de aromas que capta el
epitelio olfativo, produciéndose así lo que denominamos aromas de boca.”
(Viloria, 2008. p. 39.) Esto es un concepto que se maneja mucho en la cata
de vinos pero también es aplicable para este caso.
Continuando con el ensayo de la Fisiología del Gusto, cabe destacar que
con relación al gusto Brillat-Savarin (Eiras, 2005 p. 5) considera que “(…) es
el gusto por los alimentos uno de los placeres que más disfrutamos y que en
ausencia de los restantes, siempre nos consuela ya que “…es…entre todos
los sentidos, el que más deleites proporciona”. Tomando en cuenta esto,
cabe preguntarse ¿por qué entonces no se han incluido los alimentos en el
arte? Por el contrario, el arte y la gastronomía han sido mantenidos
separados. Es a partir del siglo pasado cuando artistas comenzaron a
introducir los alimentos dentro de la propuesta plástica.
El término gusto hay que diferenciarlo de la fisiología y del tratado estético, el
primero argumentado por Brillat-Savarin y el segundo por Kant. Según este
último autor el gusto es la facultad del ser humano de apreciar lo bello, de
una percepción estética, es decir, de una aceptación sensorial cualificada y
valorada en el más amplio sentido.
La memoria juega un papel fundamental en el comer y en la apreciación
del Arte Culinario, es por ello que este proceso cognitivo es importante para
la presente propuesta. Asociamos olores y/o sabores a momentos o
experiencias vividas. Es así como para una persona del oriente del país, el
olor de la sarrapia puede estar asociado con las curtiembres mientras que a
una persona del centro o la zona costera puede asociar el olor de dicha
semilla con un dulce, entre otros alimentos. Así como se expone este
ejemplo, podríamos encontrar muchos más, porque no son sólo las
experiencias personales sino que en la asociación olor-sabor intervienen
asimismo otros factores como el colectivo, la zona geográfica y el medio
ambiente que rodea a cada individuo.
La memoria olfativa y gustativa posee una mayor fuerza que la visual. Los
recuerdos de un olor permanecen más arraigados en la memoria que lo que
puede permanecer una imagen visual o sonora. Esta afirmación también se
puede aplicar para los sabores pero en menor proporción que la olfativa.
En una investigación neurocientífica, publicada en la revista Current
Biology explican que la memoria olfativa es verídica y se demuestra que los
primeros olores ocupan un lugar privilegiado en el cerebro. Esta
investigación, avalada por el Instituto Weizmann de Israel y realizada por la
doctora Yaara Yeshuru asegura que dentro de la memoria olfativa
intervienen la región del Hipocampo y las amígdalas, ambos a su vez pasan
la información al cerebro. La doctora también afirma que los primeros olores
crean una fuerte marca dentro del cerebro. Es así cómo las primeras
asociaciones olfativas, ya sean con un objeto, un lugar o una experiencia,
son más recordados que los siguientes.
Este hecho va a marcar de manera relevante la apreciación individual de
la obra plástica, ya que la memoria interviene al momento de la
contemplación. Si la persona posee un mal recuerdo con respecto a un olor
percibido puede que tienda a sentir desagrado por el objeto como también
puede que le agrade a pesar de ese recuerdo.
Es así como la obra va a dejar de poseer esa mistificación tan ligada al
autor; y el espectador viene a jugar un papel importantísimo debido a que la
obra por este carácter efímero que posee, se puede asumir que la obra y el
autor como ejecutor de la misma la mayoría, por no decir todas las veces, se
encontraran en el mismo sitio que el espectador para así poder saber el
juicio y la opinión emitida por el mismo.
Es un arte que no puede llegar a ser totalmente conocido a través de la
globalización y los mas-media ya que de él se podrá conocer los registros
fotográficos o audiovisuales, pero no se podrá almacenar en un medio los
olores y los sabores que emana y provoca la obra.
Esta misma cualidad lo convierte en un arte no coleccionable tanto para
los particulares como para los museos. Es efímero y sólo podrá ser
albergado en las instalaciones museísticas el tiempo en que los alimentos
sean comidos o que sean degradados por la acción del aire, el oxígeno y
todos los factores que lo llevan a su origen orgánico como proceso
irrevocable de la naturaleza.
Otro artista que crea precedentes dentro del Arte Comestible
en España fue Algovi, quien en su Manifiesto de 1998 plantea:
Un pan con tomate es más bello que la Victoria de Samotracia. Una escudella amb carn dŽolla contiene más carga conceptual que un Tàpies. La perfección de una tortilla de patatas es tan fascinante como el David de Miguel Angel. Un buen queso hace babear más que cualquier obra de Barceló. Para convertir en extraordinario lo cotidiano y lo extraordinario en cotidiano, necesitamos sublimar todo aquello que tocamos: lo que se mira, se toca, se lee, se tiene que transformar en belleza. Nos alimentamos de poesía, música, escultura, sexo, pintura, cine, fotografía. Pero no podemos olvidar sublimar y transformar en bello el instinto alimentario. Su potencial de belleza vendrá básicamente del gusto y del olfato, pero también, si queremos, del oído, la vista y el tacto. Aquello que comemos también se puede convertir por imaginación o tradición, por misterio creativo o alquímico, porque somos aquello que comemos, por placer gustativo o composición pictórica, en obra de arte. Pero ninguna otra obra permitirá una interacción tan estrecha entre el artista, la obra y el espectador: El espectador ingiere la obra. Cada molécula de la obra pasa a formar parte del espectador y quién sabe si generará otro acto creativo en su cerebro. Finalmente, cerrando el círculo de misterio creativo, el espectador cagará la obra, bello como el encuentro entre un ajo y un vaso de aceite sobre la mesa de la cocina. Es evidentemente un arte efímero. Pero hemos crecido y subsistimos ingeriendo pequeñas obras de arte: sólo nos falta decidir que lo son, en un gran "ready-made" diari.
II.2.2. La Gastroestética daliniana
Dalí se consideraba a sí mismo filósofo aparte de artista y es por eso que
en el libro Las Cenas de Gala expresa: “Del materialismo positivista de “La
Fisiología del Paladar de Brillat-Savarin” al Espiritualismo-Místico-
Monárquico, Católico, Apostólico Romano de la GASTRO-ESTETICA
DALINIANA”
La Gastro-estética Daliniana es un concepto abordado en las Cenas de
Gala que supone varios momentos. El nombre dado a este pensamiento
surge de una concepción netamente daliniana. Se debe saber que a Dalí le
gustaba aglomerar en un solo ente la confluencia de dos pares considerados
opuestos, incompatibles y discordantes para llegar así al tan anhelado punto
por la escolástica medieval que era la coincidencia de los opuestos.
También hay que tomar en cuenta que Dalí fue todo un personaje y que se
encontrarán varias peculiaridades dentro de su pensamiento y
comportamiento.
Un ejemplo de lo dicho anteriormente es la noción usada por Dalì de
“Monarquía-Anárquica”. Si es una Monarquía, no puede ser Anarquía es
decir no puede ser ambos a la vez al menos no para el común. O ¿cómo se
puede denotar un “erotismo casto”? Para el artista todo esto era posible
dentro de su concepción. La pintura tampoco la dejará a un lado y así él
mismo la designa como su estética “barroca clásica”. O también está el caso
de la religión, entorno a la que expresa su “predilección atea para con Dios”.
Es por esto que propone entonces el término de la “Gastro-estética”, el cual
hace referencia a la actividad gastrónomica en la que se ve envuelto Dalí
tomando en cuenta el existencialismo. La presencia de lo vulgar y material es
para el no iniciado, en cambio, para Dalí toda actividad o pensamiento se
encuentra ligado a lo profundo, lo transcendental y la sublimación.
Primer momento.
Para Dalí, sus vísceras y los impulsos que éstas conllevan están
asociadas a lo supremo y todas sus experiencias están firmemente ligadas a
estas.
Es así cómo cree que su inspiración parte de lo profundo de su ser y que se
extiende a través de su intestino. Siendo el punto de partida meramente
fisiológico para las actividades y acciones dalinianas.
Segundo momento
Qué mejor dicho que en sus propias palabras: “Todo lo que es comestible
me exalta”. Así como también decía “Todo empieza por la boca y, luego, se
expande por el cuerpo con los nervios” Dalí, 1974, p. 11.
Tercer momento
Denominado como “Una sorpresa delirante”. Dalí afirmaba serenamente
que así como ante la gastronomía, una obra de Veermer, ante una mujer
sugestivamente hermosa o en cualquiera otra índole, él no sentía nada.
En una conversación con Alain Básquet, amigo confidente, le comentaba
que ante las Meninas de Velásquez, por la cual tenía predilección especial,
no experimentaba sensación alguna. Dalí iba a menudo a contemplar la obra
pero esto no le cambiaba. Ni en su pecho ni en ninguna otra parte de su
cuerpo había alteración que le permitiera sentir sensación alguna.
Luego de haber dicho lo anterior, Dali como hombre espontáneo y abierto
resulta que logran descubrir en él otra faceta y este hecho aconteció en el
restaurante Saulieu.
Una noche Mr. Dumaine le dijo a Salvador Dalí: “fíjese usted en esa franja
de niebla que flota a media altura de los chopos. Por encima de los follajes,
el cielo es transparente y las estrellas brillan. Al pie de los árboles, se podrían
contar los tréboles que han brotado. Recójase usted, en el transcurso de
esas veladas, cuando la niebla flota exactamente a esa altura, es cuando
tengo todas las probabilidades de salir airoso en la preparación del pastel de
carne en brioche que le voy a ofrecer.” Dalí, 1974, p.11.
Dalí se sentó a la mesa, se quedó atónito observando el paisaje y fueron
estas palabras del chef lo que hizo que el goce de esa experiencia
gastrónomica no tuviese igual. Explica que de no haber sido por las palabras
de Dumaine, simplemente hubiese ingerido la carne sin mayor cuidado, a lo
que había allí o como estaba presentado el plato.
Dalí necesitaba que se le deleitara y abrieran las perspectivas a la hora
de comer. Que se le hiciera caer en cuenta que lo que iba a engullir
resultaba un manjar.
Aun cuando hay varias maneras de explicar esta sintomatología que es
típica y recurrente en numerosas psicosis, donde se puede incluir el grupo de
las psicosis esquizofrénicas. Pero este aspecto no corresponde a este
trabajo ya que es propio de la psiquiatría.
Cuarto momento: Conversión mística.
Tomando como punto de partida el sentido mismo de Dalí, se encuentra
de pronto un gran vacío, una carencia de ser, la nada, que es precisamente
la existencia. La presencia en sí de esta carencia enmarca las bases
fundamentales y no tan fundamentales de la Gastro-estética daliniana. El
ahondar en esa disociación, ensanchar esa brecha, vacío o nada mediante la
inteligencia y consecuentemente por un sistema de valores va a permitir la
elevación del espíritu. Sublimación y trascendencia.
Quinto Momento: Una monarquía de la inteligencia.
Para Dalí el comer estaba mas allá del raciocinio humano. Alguien más, una
deidad omnisciente, había conferido al ser humano las sensaciones. Es así
cómo entendía lo que pasaba con los alimentos antes de llegar a su vista y al
tenerlos en frente pero luego que entraban a su boca no sabía de qué se
trataba. Dalí lo expresa en su libro Las Cenas de Gala, 1974, p.12. “sé
perfectamente lo que como No sé lo que hago”. Otra cita que también cabe
mencionar es la siguiente: “de hecho, tan sólo me gusta comer aquello que
tiene una forma clara y comprensible para la inteligencia”. Para el artista
aquello que no satisfacía su nivel de entendimiento no era digno de ser
ingerido. Es así cómo se puede concluir que Dalí sabía precisamente y
fervorosamente lo que quería comer.
Sexto Momento: Una inquisición Gastrónomica
Es a partir de esa permanente atención y tensión intelectual, subyugada por
implacables constreñimientos, siempre premeditados, pendientes y opresivos
con respecto a la vida afectiva y a los sentidos, que se puede edificar,
desarrollarse y extenderse un Imperialismo espiritual y místico, propio de
todo pensamiento y experiencia daliniana. Este pensamiento daliniano
estaba regido por los principios de legitimidad y de jerarquía, que se
traducían a su vez por una obediencia y sumisión llenas de humildad cerca
de las celebridades o de personalidades importantes e influyentes tanto en lo
político, en lo religioso como en lo económico.
Cabe destacar que para la época en gastronomía, se encontraban entre los
más renombrados menús los de Maxim’s, La Tour d’Argent, Lasserre, Le
Buffet de la Gare de Lyon. Dalí los presentó ostentosamente y de manera
barroca para la realización del libro Las cenas de Gala. (Véase Anexos).
Dalí creía firmemente que las mandíbulas eran instrumento que permitían
filosofar y a partir de éstas se tomaba conciencia de la realidad. Y es así
cómo metafóricamente expresa que las mandíbulas de su mente las
mantenía en movimiento constante. Además atribuía no sólo valores
estéticos y morales a sus obras, sino que también a los alimentos les daba
esta valoración.
Según la Ética Gastrónomica de Dalí “Se puede no comer pero no se puede
comer mal” (Cenas de Gala, 1974, p.12). Era inconcebible que el comer
proporcionara un disgusto y lo contraponía con el hecho de no comer.
Una Estética Gastrónomica
Parte de su naturaleza profunda lo conformaba la cocina de categoría. Él
explica que no formaba parte de su naturaleza original, sino más bien que
provenía de esa naturaleza recóndita, necesaria para que el genio se
expanda en momentos de esteticismo puro. Dalí podía encontrar perfección
y proporciones dignas de Rafael no sólo en la pintura, sino también en los
alimentos.
Hacia una teología Gastrónomica
“Esa búsqueda ascética de los valores, esa ascensión al Carmelo
gastronómico es elevación del espíritu, de las que nos queda por descubrir el
florecimiento y la finalidad postrera en una auténtica teología Gastrónomica”
(Dalí, 1974, p.12)
Y es así cómo se concluye la concepción Gastroestética Daliniana en un
momento de elevación espiritual. Cabe destacar que éste es sólo un enfoque
que se consideró pertinente incluir debido a las peculiaridades que son
tomadas en cuenta. Pero no es así cómo reaccionan las personas en general
ante una experiencia gastrónomica.
II.2.3. Diversidad conceptual multisápida
Un concepto que también respalda este trabajo lo es el de Culturas
Híbridas, de García Canclini, el cual se halla en su ensayo La Globalización
¿productora de culturas híbridas?. En este texto, el autor sostiene que el
término hibridación no es una invención contemporánea ya que Plinio el Viejo
hablaba del mismo al referirse a los migrantes que llegaban a Roma.
También ha sido usado para identificar lo que sucedió en Europa cuando se
desplazó a América. Pero es a finales del s. XX donde alcanzó su clímax ya
que era ampliamente usado en diversos procesos culturales. Dejando en
claro que hay que precisar las contribuciones y dificultades que desde la
biología se aplican a las ciencias sociales.
El término encara muchos debates ya que el hecho de que pueda ser
aplicado a varias áreas no termina de satisfacer a los críticos y prefieren
quedarse con la terminología que venían usando en sus respectivas áreas.
Se entiende como Hibridación a los procesos socioculturales en los que
estructuras o prácticas discretas, que existían en forma separada, se
combinan para generar nuevas estructuras, objetos y prácticas.
A veces las prácticas y estructuras son imprevistas como sucede con los
procesos migratorios y también surge de la creatividad colectiva e individual
esto conlleva a la generación de nuevas estructuras. Es en este sentido
donde se encuentra la base teórica para este estudio y que sirve para
respaldar el concepto de arte culinario. De esta manera quedan fusionados
conceptos de dos ramas que han estado separadas o poco relacionadas a lo
largo de la historia, como lo son la cocina y la gastronomía por un lado y las
teorías y percepciones de las artes plásticas por otro.
Para los efectos de la investigación socio cultural el objeto de estudio no
es la hibridación sino los procesos de hibridación. Estos procesos variados
llevan a relativizar la noción de identidad. Estos más que llevarnos afirmar
identidades autosuficientes sirve es para situarse en medio de la
heterogeneidad y entender cómo se producen las hibridaciones.
Otra tesis que también sirve de apoyo para esta investigación es la
Botánica del arte. Según los románticos, el crecimiento de una obra de arte
era similar a la de un ser vivo: aquella crecía como lo hace una planta. Surgía
una idea en la mente del artista que era tan sólo una semilla, después ésta
germinaba al ser regada con el sudor de la frente del artista; más adelante,
con en el tiempo y la paciencia, la obra irá creciendo y adquiriendo cuerpo. Al
final, la obra adquirirá altura, fuerza, forma, hasta llegar a ser una obra de
arte ya madura y plenamente desarrollada. Éste es otro concepto donde se
ve con claridad que las ciencias no están separadas de las artes y que
ambas se pueden complementar mutuamente.
No sólo es un ser vivo que crece y madura sino que también los
elementos que forman parte de su crecimiento son vegetales, productos
orgánicos y hasta lo que en un principio fueron seres vivos pero que ahora
yacen muertos en la composición de la obra. Y es el chocolate como
elemento principal el que nos dará una gama amplia en la cual incursionar. El
mismo no es mero producto que servirá de hilo conductor y como medio, sino
que también conlleva una connotación vinculada al autor. Siendo éste el
resultado de un largo proceso: el cultivo de sus árboles, el cuidado de las
plantaciones, recoger las vainas de cacao, preparar el área de secado…
II.2.4. La historia del elíxir de los dioses.
El chocolate posee una historia rica, literalmente hablando. A pesar que
no se conoce su origen con exactitud. Se remonta al elíxir de los dioses y de
los héroes. Fueron los olmecas quienes cultivaron debajo de grandes árboles
los primeros árboles de cacao. Pero fueron las cálidas y húmedas selvas de
México las que borraron todo rastro arqueológico acerca del consumo de
cacao. Sólo se cuenta con la tradición oral, recogida y retransmitida por la
civilización maya, quienes fueron los herederos de las plantaciones una vez
sembradas por los olmecas.
Tomando como referencia el libro de Popol Vuh, que es el equivalente a la
Biblia católica, libro donde se encuentra el génesis maya aparece escrito que
el cacao hecho bebida era de origen divino. Y la primera bebida surge de la
unión de un héroe Hun Hunahpu y el de una virgen de Xibalbá; Los Señores
de Xibalbá eran asociados con el infierno en la cultura maya, y éstos
decapitaron al héroe y su cabeza fue a dar a un árbol seco. Luego del
contacto se dice que el árbol dio frutos y según algunas referencias fue una
mazorca de cacaos. La virgen intentó hablarle a la cabeza y está la escupió,
originándose así una fecundación prodigiosa.
Es por esto que la bebida de chocolate se usó dentro de la cultura maya
antes del casamiento de los novios. Se solían tomar en un principio dentro de
calabazas, a las cuales le habían removido todo rastro de la carne, brindaban
así los padres de los novios y los casamenteros con chokola’h. Aparte de
esta asociación la unión de la virgen y el héroe presidía también el inicio de
la estirpe humana maya.
Otro significado de gran importancia que los mayas le conferían al cacao
era el de purificación, ya que èste fue empleado en un rito similar al bautismo
católico donde se purificaban a los niños. Estos eran mojados con una rama
sumergida en agua pura mezclada con flores y cacao.
Como la unión de Hun Hunahpu y la virgen de Xibalbà tuvo lugar en el
mundo subterráneo, el caco acompañaba a los muertos en su viaje hasta
este sitio. Los reyes eran acompañados en sus urnas de vasijas marcadas
con el glifo del cacao.
Pasando hacia el 1300 d.C, los aztecas también gozaron de los privilegios
de los brebajes del chocolate y es que esto era un privilegio, el cual solo
disfrutaban los aztecas de casta. Debido a la ubicación geográfica donde se
asentaron, los aztecas no podían cosechar plantaciones de cacao, ya que
éstas no se climatizan al frío. Entonces el cacao era exportado de tierras
lejanas, donde era cultivado como lo hacían los mayas, a espaldas de
hombres que debían atravesar centenares de kilómetros. Las habas de
cacao eran utilizadas como moneda, teniendo el mismo rango que las
piedras preciosas y las plumas del Quetzal.
Fue el último emperador azteca quien compartirá sus lujos con Cortés,
iniciándolo en la bebida ceremonial. Era símbolo de refinamiento el hecho
que el chocolate poseyera espuma, ésta era sumamente preciada y obtenida
vertiendo el líquido desde cierta altura.
Es así cómo el cacao se convierte en la bebida de la época de la
Conquista, el cual fue a sustituir al vino en América. El chocolate fue llevado
al palacio del emperador Carlos V junto con el oro de Moctezuma en el siglo
XVI. Esta es la entrada galante del cacao dentro de la Corte española. Éste
seguirá siendo durante varios siglos gustos y privilegios a los cuales sólo
acceden reyes y personas pertenecientes a la Corte Real. Dentro de los
personajes que destacan en el rito del chocolate esta la esposa de Luis XV,
María Teresa de Austria quien trajo desde sus tierras la fiebre o la moda por
el consumo de chocolate.
Con respecto al concepto de la obra de arte, es necesario señalar que es
difícil delimitar las características que esta posee debido a la variedad de
medios, técnicas, tamaños, orígenes, etc. que existen. Es por eso que la
siguiente acepción sirve de apoyo para este trabajo “Las obras de arte no
nacen hechas ni existen con formatos y formas de su exclusiva propiedad.
Constituyen, propiamente, derivaciones sensitivas de los lenguajes sociales y
de las tecnologías” (Acha, 1992).
Y es que al tratar de incorporar técnicas propias de la cocina para la
concepción de una obra de arte no se está deformando el concepto de artes
plásticas sino más bien ampliando sus linderos debido a que cada artista se
conecta con una técnica y medio específico, para luego indagar y profundizar
a lo largo de toda su vida en ella. Porque para llegar al clímax o a la cúspide
no es cosa sencilla ni espontánea, requiere de tiempo y dedicación
constante. Es así como el chocolate junto con frutas, vegetales y otros
alimentos tal vez procesados como la harina y la leche pueden servir como
medios de expresión plástica. Y es que el pintor tiene que aprender a
conocer el acrílico y el óleo, o cualquiera que sea el caso, así como el
escultor conoce la arcilla, el yeso o el bronce, cada uno se especializa en el
área con la que mejor se identifica. Y no con esto se quiere decir que el autor
conoce a cabalidad el área donde esta investigando, sino que se sumerge en
ella para aprender lo mayor posible, es un punto de partida. Para tal fin, usa
los conocimientos impartidos a lo largo de la carrera como trampolín a ese
mar abierto de ideas y nociones como lo es el campo artístico.
En este arte, el culinario, se busca conectar el concepto de escultura y
ciertas nociones de la cocina. El primero se entiende como la rama de las
artes plásticas que se ocupa de la creación de formas artísticas
tridimensionales con muy diversos materiales y técnicas. Este concepto
según la Macropedia Hispánica, 1996, p. 26. Otra definición de escultura es
la dada por Read, (1994) p.p 230-231. Quien afirma que es “un mero aspecto
de la superficie, una acabada combinación de rectas y curvas que se ofrecen
ante nuestros ojos” tomando muy en cuenta que esta superficie se puede
palpar y asimismo se puede percibir los planos, alturas y profundidades.
Los materiales usados en la escultura son numerosos y de diversa
calidad. Entre los más frecuentes se encuentran los de origen geológico
como lo son la piedra, preferida por su abundancia; luego está el mármol, el
basalto, la caliza, el granito y el alabastro, estos son considerados materiales
preciosos y de tratamiento delicado. Luego se puede incluir los de origen
vegetal como la madera y el falso marfil. Dentro de los metales, el más usado
es el bronce debido a la libertad que da y a la durabilidad del mismo. Otro
material bastante usado es la arcilla, que permite una gran moldeabilidad.
Asimismo, es usada como modelo preliminar y no sólo como producto final.
También encontramos el yeso, que puede ser tallado o ser usado para la
elaboración del molde.
A pesar de toda esta variedad de materiales, en esta investigación se
trabajó con alimentos, poco usados dentro de las artes plásticas. Y es que
los mismos permiten una flexibilidad inigualable, ya que al alterar su estado
físico, moviendo sus moléculas, se consiguen variadas texturas,
consistencias y formas. Definirse o limitarse a una sola área no es lo que se
busca aquí se han trabajado diversas técnicas como horneado, vaciado,
modelado, esculpido. Estos términos son compartidos tanto en la cocina
como en la escultura.
Dentro de los términos exclusivos de la cocina se encuentran el punto de
hervor que es cuando se lleva a un líquido a grado de ebullición; el punto de
nieve que es cuando se airean las moléculas de la clara del huevo o en otras
palabras, batir la clara tanto que suben con respecto a su tamaño inicial.
Napar, pochar, blanquear, fundir o derretir, glasear, emulsionar y encamisar
son otros de los tantos métodos que se emplearon en la realización de este
proyecto.
El material y la técnica desempeñan una labor importantísima dentro de la
realización de una obra artística. Pero por más que una persona domine una
técnica y conozca cabalmente el material nunca podrá llegar mas allá de lo
que el material y sus propiedades físicas puedan brindar.
Así como se maneja el concepto de escultura también se trabajó con el de
instalación. Este último en un principio se conocía como el proceso de
colocación o ubicación de las obras dentro de las galerías. Aunque luego
llegó a tomar tanto protagonismo que se convirtió en un tipo diferenciado de
hacer arte. Este concepto, según el Abc del Arte del s. XX. es desde la
década de los 50 que se pone en boga con los artistas Pop junto con los
happenings. Una de las características más resaltantes, al menos en la
mayoría, es que son de carácter temporal y debido a esto casi siempre son
diseñadas para un lugar en específico.
Otra definición más simplificada es la de Riemschneider y Grosenick,
2002 quienes la definen como “una obra de arte que integra el espacio de
exposición como componente estético.” p.p 186. Este concepto es bastante
acertado para lo que concierne a esta investigación si se toma en cuenta que
la obra se tiene que apreciar en su totalidad y no fragmentada como se suele
analizar. Es en conjunto que posee un concepto, claro a su vez como
individualidad también lo hay pero no están desligadas la una de las otras.
II.2.5 Psicología del Color
Intrínsicamente para la propuesta plástica el color marrón es relevante
debido a que el chocolate será trabajado en su estado final, como lo son las
tabletas. De esta manera, se tomara en cuenta las connotaciones dadas al
color marrón y para ello se recurrirá a la psicología del color. Para empezar,
según Heller, (2008), la palabra marrón deriva de un galicismo que se ha
extendido tanto dentro del castellano actual que el castaño y el pardo han
sido desplazados a un segundo lugar.
El marrón esta catalogado como el color menos preciado tanto en
hombres como en mujeres y este porcentaje crece variablemente con el
transcurrir de los años. Pero a pesar de esto, el marrón se puede encontrar
en todas partes. De acuerdo a un estudio realizado por Heller, (2008), entre
dos mil personas examinadas fueron muy pocas las que expresaron su
preferencia o su predilección por el color marrón: casi el 1%.
Dentro de las acepciones para con este color se encuentra que es el color
de lo acogedor. Por excelencia el marrón es asociado con lo natural y por
consiguiente hace los espacios más habitables. Por ejemplo, hay quienes
prefieren tener decorados los ambientes sociales de la casa en su totalidad o
en gran parte en madera. Como el juego de recibo, la mesa de comer, el
techo inclusive hasta las paredes. A pesar de que es un color oscuro y esto a
su vez produce un efecto de encogimiento del espacio, es precisamente esta
cualidad la que invita al recogimiento. Este color se combina muy bien con
colores alegres.
Los colores artificiales (como los barnices) tratan de emular los colores de
la madera, o en las mismas telas, muebles y/o alfombras se utilizan
estampados que crean esta sensación visual pero tienden a ser monótonos.
Es el color de los sabores más fuertes. Los alimentos una vez dados una
cocción determinada, ya sea al grill, a la plancha o inmersos en aceite, todos
cambian su coloración y en general es al color marrón, lo rojo de la carne se
convierte en “dorado” que en realidad es un marrón brillante. Los alimentos
rosados (como el pollo) y blancos (como ciertos pescados) también
adquieren una tonalidad de marrón, cambiando así su color “original” o mejor
dicho cuando están crudos. Para los efectos de esta investigación, este
hecho se puede ejemplificar con el cambio de color de la azúcar blanca hacia
un color caramelo. Esto sucede nada más agregándole agua y colocando
esta mezcla a la exposición de un fuego moderado.
Otro color que será manejado dentro de la propuesta plástica es el blanco. El
blanco es, según el simbolismo, el color más perfecto. No se asocia ningún
concepto negativo con este color pero esta perfección impone distancia. Para
la mayoría de los pintores es el color más importante y casi siempre lo tienen
dentro de su paleta. Incluso los impresionistas que lo consideraban un no
color, trabajaban mucho con el blanco, inclusive hasta mucho más que en
cualquier otro período, debido a su fijación con la representación de la luz.
El comienzo del mundo es blanco ya que Dios dijo: “sea la luz”. Tomado de la
Biblia específicamente del Génesis. Esta connotación le confiere un carácter
espiritual al blanco. Es por esto que en consecuencia también se le asocia
con la pureza y la castidad.
En el simbolismo chino el blanco está asociado a lo femenino, el blanco
pertenece al femenino yin. Según la división medieval de los temperamentos
el color blanco era para los flemáticos.
Ciertas carnes como la de ternera, la de pollo y la de pescado, al ser más
claras que las carnes rojas son consideradas carnes blancas. Otra
característica de las carnes blancas es que poseen menos grasa. También
se encuentra el grupo de los alimentos que son considerados “blancos”, pero
estos son en su mayoría de manera artificial, para que su apariencia sea más
agradable al consumidor.
Como ejemplo de alimentos con blanco artificial, se encuentra el arroz, el
cual pasa por un proceso donde se descarilla, es decir, se le extrae la
corteza o capa que lo recubre, que posee un color marrón, para así
conseguir el producto final blanco. Otro producto es el azucar, que es
sometido a un proceso similar ya que al ser extraído de la caña es de color
moreno; y como consecuencia de procesos industriales se obtiene un
blanqueamiento. Esta azúcar blanca es la que se consigue directamente en
el supermercado. Estos alimentos que no son blancos por naturaleza al
poseer menos grasa y menos color su valor nutricional disminuyen
proporcionalmente.
II.3. Definición de términos básicos
Amasar: trabajar a mano una sustancia para ablandarla.
Aroma: sensación que se percibe en la nariz y en la garganta a través del
canal que une la boca y nariz. Los aromas de los granos de cacao
evolucionan a lo largo de la transformación del chocolate.
Baño María: cocción indirecta de un alimento delicado en un recipiente
colocado dentro de otro lleno de agua y que se mantiene en temperatura
próxima a la ebullición.
Batir: trabajar enérgicamente un ingrediente o una preparación para
modificar su consistencia, aspecto o color.
Blanquear: trabajar vigorosamente con un batidor una mezcla de yemas y
azúcar en polvo hasta que quede espumosa y clara.
Cacao: vocablo de origen precolombino que puede referirse a semillas
contenidas en el fruto del cacaotero.
Caramelizar: transformar azúcar en caramelo cuando se calienta a fuego
suave.
Caramelo: éste surge gracias al agua y el azúcar al someterlos al fuego, el
agua se evapora progresivamente y el jarabe se va tornando oscuro debido
a que los átomos de la azúcar se reordenan.
Chocolate: alimento hecho a base de pasta de cacao y azúcar, al que a
menudo se le añade lecitina y vainilla. El porcentaje de cacao contenido en el
chocolate varía según las denominaciones y los productos.
Curva de Cristalización: o también conocida como curva de temperatura.
Etapa que corresponde a los tres estadios por los cuales debe pasar el
chocolate para alcanzar una configuración estable de sus cristales que
confiera brillantez y consistencia al producto acabado.
Dar cuerpo: trabajar una preparación amasándola para conferirle una buena
calidad plástica.
Desmoldar: extraer una preparación de un molde.
Emulsionar: provocar la dispersión de un líquido en otro con el que no es
miscible.
Encamisar: forrar la pared de un molde o superficie de una figura con una
capa gruesa de una preparación para conferirle estética al acabado.
Fundir o Derretir: licuar por la acción del calor un cuerpo graso sólido.
Hervir: es cuando un líquido llega a su punto de ebullición. El agua hierve a
una temperatura de 100 ºC.
Lecitina: Lípido complejo que es utilizado como emulsionante en el
chocolate para estabilizar su estructura.
Napar: cubrir completamente la superficie de un pastel o un dulce con
chocolate o pasta de almendra.
Nata montada azucarada o Nata Chantilly: es una espuma que se prepara
a partir de nata líquida o de una mezcla de nata espesa.
Pochar: cocer frutas en un líquido dejando hervir ligeramente.
Punto de Nieve: es una espuma que se obtiene batiendo las claras de
huevo.
Sabor: impresión producida por un alimento en el sentido del gusto; las
papilas gustativas al unirse con las moléculas de los alimentos, por ejemplo,
mandan la información al cerebro de que han detectado algo y esto es lo que
se conoce como sabor.
Salcochar: cocción de los alimentos a través de agua y sal.
Tamizar: cernir la harina, levadura y/o azúcar para eliminar grumos.
Templar: hacer pasar el chocolate por la curva de cristalización.
Untar: incorporar una materia grasa a una preparación, un molde o bandeja
para que esta no se pegue durante la cocción.
Vaciar: remover la parte interna o la carne de una fruta sin afectar lo exterior.
O verter una preparación dentro del molde.
CAPITULO III
MARCO METODOLÓGICO
III.1. Naturaleza de la Investigación
El presente trabajo de grado se inscribe dentro de la modalidad de
proyecto especial debido a que posee un carácter innovador. El carácter
innovador se lo da el hecho de que aborda un tema poco estudiado y
abordado en las artes plásticas venezolanas como lo es el arte culinario
como una nueva forma de expresión plástica. Por este motivo se puede
afirmar que este trabajo constituye un aporte significativo al incorporar los
alimentos como material y recurso de expresión plástica.
Por otro lado esta propuesta es una creación tangible que puede ser
entendida como un aporte significativo a problemas e intereses artísticos
vinculados al perfil de la licenciatura en artes plásticas de la Universidad
Centroccidental Lisandro Alvarado.
El enfoque abordado en esta investigación es de carácter cualitativo por
cuanto se basa en una interpretación subjetiva de los datos y la información
recolectada. No se persigue la objetividad sino que se reconoce la presencia
de las ideas propias del autor. Las fuentes de información no estuvieron
basadas en cifras ni en procesamiento estadístico de datos sino en una
interpretación libre por parte de la creadora de la propuesta.
Para la realización del siguiente trabajo de grado se cumplieron una serie de
pasos. En primer lugar se identificó el fenómeno en el que esta basado el
trabajo y que consiste en la posibilidad de una relación entre las artes
plásticas y el arte culinario. Luego fueron formuladas una serie de preguntas
que consistieron en si es posible establecer una relación entre arte culinario y
artes plásticas. Posteriormente a ello se hizo un arqueo bibliográfico y se
recurrió a fuentes bibliográficas. Fueron leídas y revisadas teorías, autores y
conceptos que permitieron responder preguntas y a la vez formular nuevas
interrogantes respecto al tema planteado. Se realizó un análisis e
interpretación de la información documental obtenida en la búsqueda
bibliográfica. Se elaboró el trabajo escrito donde fue vaciada la información.
Finalmente en base a los fundamentos teóricos investigados se realizó la
propuesta plástica.
III.2. Teorías o Métodos Pertinente para la Investigación.
En cuanto al método abordado en la presente investigación se trabajó
con el hermenéutico, entendiéndose este como la interpretación de los
hechos basada en el conocimiento previo de la realidad que se trata de
comprender, aceptando así la subjetividad del investigador. Como es el caso
de los elementos plásticos utilizados en la propuesta, conocimiento previo a
esta investigación.
También cabe destacar desde el punto de vista Hermenéutico,
específicamente el de Hans-Georg Gadamer. En el año 1998 escribe su obra
La actualidad de lo bello, el arte como juego, símbolo y fiesta, donde se
ocupa de la problemática de la obra de arte. Gadamer propone que en la
obra se debe buscar una participación del espectador, siendo este concepto
manejado dentro de esta investigación.
III.3. Nivel y diseño de la Investigación
De acuerdo con su alcance, esta investigación es descriptiva ya que el
propósito es el describir la vinculación entre las artes plásticas y el arte
culinario como fenómeno. Según Sampieri, Collado y Lucio, (2003) “la
investigación descriptiva busca especificar propiedades, características y
rasgos importantes de cualquier fenómeno que se analice” Siendo esto lo
que se plantea lograr, específicamente en el ámbito de las artes plásticas.
Asimismo el diseño de investigación aplicado es documental
bibliográfico esto de acuerdo con Oswaldo Yanes, s.f. Ya que se manejaron
datos recogidos de fuentes secundarias y los mismos fueron analizados para
producir el resultado esperado. La técnica utilizada fue la de análisis
documental y los instrumentos aplicados fueron las fichas y el programa de
Word de Microsoft para registrar, ordenar y clasificar los datos.
CAPITULO IV
PROPUESTA PLÁSTICA
IV.1. Antecedentes Personales
Desde el segundo semestre la temática escogida ha estado vinculada a la
naturaleza, lo orgánico y por supuesto el hombre como parte de ella. En
principio esta temática fue abordada a través de la unidad curricular Dibujo
anatómico; el hombre y la naturaleza juntos en una misma escena, figura
humana y naturaleza muerta, técnica pastel y color. (Fig.10) Este fue el
primer intento y la primera técnica usada como medio de expresión plástica
dentro de la carrera Licenciatura en Artes Plásticas. También se represento
al hombre fusionado con una copa empleando la técnica de color. (Fig. 11).
Otra técnica usada fue la de tinta china y color, esta vez una mujer dentro de
la naturaleza literalmente. (Fig. 12) Luego se llevo a cabo a través de
Técnicas de Expresión, específicamente con la Colografia, en este caso se
usaron materiales orgánicos para dar origen a la plancha. (Fig. 13)
Fig. 10 Fig.11
Fig. 12 Fig. 13
En Fundamentos de Diseño se sintetizó una forma natural como lo es una
semilla, se elaboró un modulo y a partir del modulo se construyó una
composición fig. 14; así como también en Diseño Grafico computarizado se
tomaron fotos de paisajes naturales y se intervinieron digitalmente, fig. 15.
Fig.14
Fig.15
En el tercer semestre se hizo un trabajo en conjunto donde confluían tres
unidades curriculares técnicas de expresión, fundamentos de diseño y dibujo
analítico. La temática manejada fue las formas orgánicas también se trabajó
con la síntesis y formas positivas y negativas (fig. 16) en fundamentos de
diseño, en dibujo analítico: la línea y la búsqueda de nuevos materiales en el
dibujo, y en técnicas de expresión se trabajo también la síntesis visual solo
que el soporte fue mdf. (fig.17).
Fig.16
Fig.17
En pintura experimental aparte del lienzo se utilizó fardo como soporte
donde se crearon texturas visuales y táctiles al mismo, siempre manejando la
naturaleza como temática específicamente los tulipanes, bulbos holandeses
con colores muy llamativos, sutiles y delicados. Para este trabajo primero se
realizo un boceto a pequeña escala de 30x20cm (fig. 18) para luego realizar
el trabajo final en gran formato.
Fig. 18
En esta unidad curricular también se utilizo taparas, las mismas fueron
abiertas, se les extrajo la carne, luego puestas al sol durante varios días para
que se secaran, endurecieran y tomaran su color final. Las taparas fueron
intervenidas con fotografías que a su vez fueron modificadas digitalmente, el
tema de representación era la deforestación de las selvas y el impacto en la
flora y la fauna.
A su vez las taparas fueron perforadas y unidas por medio de alambre
dulce formando una especie de zigzag que emulaba las siluetas de las
montañas y la irregularidad de la tierra. Era un cuadrado, visto desde el suelo
(fig. 19), que guindaba del techo y debajo de este se colaron taparas que no
poseían la misma forma de las de arriba así como también piñas, fruto seco,
irregular y rugoso, también se lleno el suelo de aserrín para emular un
ambiente árido, hostil y devastado, (fig. 20), que es lo que el hombre esta
buscando con estas sociedades de consumo despreocupadas por el
ambiente. También se toman en cuenta el factor color manejando las
tonalidades tierras que recuerdan lo seco, árido e infértil.
Al mismo tiempo se realizó una acción performatica, protestando y
gritando que esto debía parar, en conjunto se bajaba y subían súbitamente
dos taparas para luego chocarlas contra el suelo a modo que el impacto
lograra llamar la atención del espectador y lo hiciera reflexionar. (Fig. 21).
Hay que cuidar a la naturaleza ya que ella es la que nos permite estar vivos.
Fig. 19 Fig. 20
Fig. 21
En escultura experimental se manejo la técnica de esculpido en yeso, este
ejercicio se enfoco en los alimentos como los champiñones, tomates, quesos,
pimentón, entre otros, sintetizando sus formas y creando una composición
equilibrada. (fig. 22 y 23)
Fig.22 Fig.23
Finalmente fue en la unidad curricular de Morfología donde se trabajo
directamente con alimentos. Elaborándose una composición donde se
manejaba la variable morfo-estética: color y la variable morfo-estética:
textura. Los materiales y/o alimentos usados fueron coliflor, berenjena,
colorantes artificiales, harina y cartón como soporte para este ejercicio. (Fig.
24 y 25). Siendo este el primer intento de vincular las artes plásticas y el arte
culinario.
Fig. 24
Fig.25
Descripción de la Propuesta
Se plantea una instalación donde se ambientara el espacio como si fuese
un restaurante. Habrá mesas “vestidas”, sillas, cubiertos, vasos y copas. Las
obras se presentaran sobre platos; ya que las mismas serán comestibles.
Invitando al público a que sean comensal y espectador al mismo tiempo. Las
obras se realizaran con Chocolate, así como también se usaran alimentos y
frutas. Pero siempre resaltando el chocolate como elemento principal. El
formato manejado será tridimensional, es decir, esculturas.
El chocolate es un alimento hondamente anhelado en algunas culturas,
los mayas lo consideraban bebida de los dioses. Y Venezuela tiene la dicha
de contar con un cacao de alta calidad. Se escoge trabajar con Chocolate
debido a que el mismo forma parte de la memoria cultural venezolana, y la
investigación debe estar caracterizada por los rasgos propios del lugar donde
se realiza. Así como también se trabajará con otros alimentos que
identifiquen tanto a los venezolanos como a los larenses.
Dentro del tema de representación que se manejara en esta investigación,
se escogerán tres períodos considerados decisivos en la misma así como
tres exponentes de cada momento. El primer momento escogido es el
Renacimiento, el segundo el Manierismo y el tercero el Surrealismo. Siendo
el primer exponente Leonardo Da Vinci, Archimboldo el segundo y Dalí el
tercero.
Se realizaran tres obras; una primera parte que contará con la obra en
base al análisis y la reinterpretación de Leonardo. Una segunda con la obra
de Archimboldo y una tercera con la basada en Dalí. Para así evidenciar el
camino recorrido. Además se utilizaran los elementos plásticos como lo son
el punto, la línea, el color, la textura, entre otros para la ejecución de cada
obra.
Nuestro primer personaje a estudiar es Leonardo Da Vinci, sin duda
alguna una persona que incursiono en muchísimas áreas del saber pero las
que más nos interesan en este trabajo es su faceta como artista y su faceta
como gastrónomo. Da Vinci tenía mucha inventiva y siempre estaba
creando… Aun si estos fuesen instrumentos o herramientas poco utilitarias.
Cabe nombrar que Leonardo fue encargado de la cocina de Ludovico
Sforza, el cual creía plenamente en las habilidades de Leonardo como artista
pero en cuanto a las de la cocina las ponía en duda de vez en cuando. Como
la vez que Leonardo remodelo la cocina y revoluciono las cosas en esa área.
Dentro de los inventos quiso crear una máquina para proveer leña y que
tuviese un fuego constante asimismo también quería que el aire de la cocina
fuese limpio e implemento fuelles.
Para la obra hecha basada en Leonardo, no se crearan artefactos pocos
utilitarios, a los que tanto tiempo le dedico Da Vinci, sino que se realizará un
rostro hecho en chocolate con la técnica del vaciado. En primer lugar se
realizó el molde en yeso, después se vaciara en el molde el chocolate
templado, luego llevado a la nevera para que este luego sea desmoldado.
Dentro de la temática manejada se encuentran las tres edades del
hombre, específicamente la tercera. Y el modelo escogido fue mi padre ya
que para mi representa la entereza, la sabiduría y la experiencia. Es común
que dentro de la escultura se realicen hombres y mujeres en la adolescencia
o en la edad adulta basta con hojear un libro de esculturas renacentistas para
constatarlo. En cambio, la tercera edad es la menos representada. Aunque
se encuentran artistas que dicha temática logro captar su atención como es
el caso de Giorgione en 1506, no son abundantes.
Leonardo realizo gran variedad de bocetos y algunas pinturas inacabadas
donde la vejez se encuentra presente dentro de la temática pero en la
mayoría de los casos el acercamiento es de carácter grotesco y deprimente.
Como en Cinco estudios de caracteres (cabezas grotescas) hacia 1490
donde las expresiones y los rostros pueden ser considerados que poseen
connotaciones negativas. No confiere aquella sutileza, bondad y hasta
belleza apreciadas en otros cuadros, sino en cambio se ven reflejados
rostros que connotan sufrimiento como es el caso de la pintura inacabada de
San Jerónimo. En un estudio hecho en sanguina titulado Rostro de un
hombre viejo coronado de hiedra con cara de león hecho hacia 1503 se hace
notable que la fisonomía revela el carácter triste y ausente del hombre.
Es así como se opta por abordar la tercera edad a la cual se le puede
conferir una belleza, una estética y sin ser precisamente asociada a
connotaciones negativas. Otra particularidad por la cual fue escogido mi
padre como modelo es porqué encuentro en el rostro rasgos similares a los
de Leonardo. Como por ejemplo la configuración.
Recordando quien fue Archimboldo debemos mencionar que su
característica más importante es que fue un pintor innovador en su época, ya
que realizaba retratos humanos a través de la composición de vegetales,
frutas y animales. Mientras que para el momento lo que estaba en boga por
así decirlo era los característicos temas religiosos y mitológicos con posturas
rebuscadas e incomodas. Es decir no se verán en sus lienzos las
particularidades típicas de un rostro lozano en una dama o las arrugas de un
hombre sino en cambio veremos las texturas de una piña o una lechuga que
asemeja lo que seria el cabello un pepino o un calabacín en el área donde va
la nariz y como esto innumerables ejemplos.
Archimboldo exaltaba a Maximiliano con la representación del elemento
agua, como un homenaje en donde incluía una corona y un collar de perlas.
El artista representa en diversos lienzos al emperador como soberano sobre
los elementos y las estaciones del año. Esto como forma de agradecimiento
a su reinado pacifico que les permitía tener una vida tranquila y armoniosa.
El artista manejaba una especie de simetría simbólica que predomina la
disposición de su serie “Estaciones del Año”. Esto surge por ordenar en
pares los rostros, uno hacia la izquierda y otro hacia la derecha. Cada par
apunta a una relación significativa con la correspondiente estación. Es así
como Archimboldo se caracterizó por crear obras cargadas de simbología y
referencias alegóricas. Por ejemplo la combinación de elementos y
estaciones, en sus dos series más resaltantes, tienen algo en común como
lo es la cantidad: ambas series constan de cuatro.
Su ayudante Fonteo, da a conocer, en un poema, mas sobre las
connotaciones que conlleva cada obra del artista manierista. El ayudante ve
conexiones originadas por cualidades duales como cálido-frío, húmedo-seco
y estas a su vez pueden originar otras combinaciones. Según Kriegeskorte,
1993. p. 24 Fonteo explica “El verano es cálido y seco como el fuego, el
invierno frió y húmedo como el agua, el aire y la primavera cálidos e
húmedos y el otoño y la tierra fríos y secos”.
Pero estos no son todos los vínculos que encuentra entre las estaciones y
los elementos el ayudante dentro de la obra de su maestro. Ya que como
alumno con formación renacentista conocía bastante bien la mitología y las
deidades clásicas y es así como surge la siguiente interpretación
“Proserpina, la diosa del invierno, tiene amistad con Neptuno, dios del agua,
por ello se corresponden invierno y agua. El aire de la primavera permite que
brillen las flores en floración. Verano y fuego comparten astro en común, el
sol; tierra y otoño la luna.”
Es así como este artista ha atraído mi atención hacia el y todo lo que
conlleva su obra, aun cuando representa un periodo tan cercano,
cronológicamente, en la historia al de Leonardo. Me parece que su aporte
para la investigación es de relevancia, aun después de más de cuatro siglos
sigue formando parte de temas de investigaciones.
La reinterpretación basada en su obra se va a llevar a cabo desglosando
características esenciales en su obra para luego ser usadas con otro
enfoque. La primera característica tratada con respecto a los elementos
manejados por el artista, es la de la dualidad además de la confrontación de
conceptos en este caso se tomara el de lo masculino y lo femenino. Por esto
serán dos rostros, uno masculino y otro femenino. El hombre mirando hacia
la izquierda y la mujer hacia la derecha. La escogencia de la dirección hacia
donde están dirigidos ambos rostros posee una significación particular donde
lo izquierdo se asociara en este caso con el pasado, mirando hacia atrás.
Mientras que el derecho mira hacia delante, el futuro. El primero por cuanto
el hombre como ser humano es historia y la mujer como ser que es capaz de
llevar dentro de si una vida es el futuro.
Lo tercero vendría a ser la vinculación con la mitología griega en este
caso se tomara a Artemisa y Apolo debido a las connotaciones con las que
son asociados ambos. La primera como Diosa que vela por las Mujeres,
siendo defensora de las mismas y asociada por ende con la fertilidad y
cuidadora de las mujeres en trabajo de parto. Y el segundo como Dios de la
Luz y protector de la música, la poesía y las bellas artes.
Cuenta la mitología que su madre Leto fue severamente acosada por
Hera, esposa de Zeus, al enterarse de la infidelidad de su esposo. En una
ocasión le envió una pitón para que la atormentara y torturara mientras aun
estaba embarazada, Zeus intervino y convirtió a Leto en una codorniz para
que así pudiera irse volando.
Hera entro en cólera y le prohibió entonces que tocara tierra. Zeus era
muy picaflor y también estuvo interesado por Asteria, hermana de Leto. Esta
lo rechazo pero Zeus era muy persistente y fue así como Asteria opto por
huir y para escapar de la pasión del Dios se convirtió en la Isla flotante de
Ortigia. Leto desesperada voló, voló y voló sobre el mar hasta que su
hermana la acogió.
Una vez en tierra, Zeus intervino una vez mas devolviéndole su forma
humana a Leto, entonces fue junto a una palmera, morada donde la diosa dio
a luz. Pero el odio de Hera no termino allí, ya que la diosa envió a su hija,
diosa de los nacimientos: Ilitía a que interrumpiera el parto y fue entonces
como Leto duro más de nueves días en agonía dando a luz a Artemisa. Los
dioses conmovidos por las suplicas intercedieron y convirtieron a Artemisa en
adulta para que esta ayudara a su madre a traer a su gemelo al mundo.
Siendo testigo Artemisa de tal dolor y agonía el cual sufrió su madre en
el alumbramiento de su hermano gemelo que le pidió a su padre Zeus
mantenerse Virgen durante toda su vida así como también le permitiera
ayudar a las mujeres parturientas. Compartiendo de esta manera el atributo
con la hija de Hera: Ilitía y con la Hera misma.
A pesar de los atributos ya nombrados, Artemisa también es asociada con el
astro Lunar, cuyo ciclo de cuatro semanas se identifico con el ciclo menstrual
de veintiocho días. A parte de su especial esmero con las mujeres
parturientas también prestaba una ahincada atención a las adolescentes y
aquellas mujeres que querían permanecer vírgenes.
Fig. 26. Terracota del Templo de Apolo en el Palatino Romano. En el que Apolo y Artemisa aparecen decorando un pilar sagrado.
Apolo, Dios de la luz y el Sol asimilo los atributos del dios Helios de igual
forma que lo había hecho su gemela Artemisa con Selene, la diosa de la
Luna. Esta es otra dualidad tomada en cuenta dentro de la propuesta
plástica. Donde se asocia a la mujer, lo femenino con la noche y al hombre
con el día, como unidad métrica del tiempo vinculada directamente con el
paso del tiempo, mejor conocido como el pasado y a este a su vez
convirtiéndose en historia.
Fig. 27. Detalle de una catrera griega del s. V a.c. Helios conduciendo el carro solar.
Luego se encuentra la que es más resaltante a simple vista que es el
cambio de plano bidimensional al plano tridimensional, como se menciono
anteriormente Archimboldo manejaba la técnica de óleo sobre lienzo muy
diestramente que casi da la impresión de que los elementos poseen cierto
realismo. En este caso no es una impresión, es algo que si no te convence
desde la distancia puedes acercarte a el, tomarlo y hasta comerlo. Es decir la
obra será una escultura, para la cual se utilizara la técnica del desbastado.
No se busca asemejar la textura de ningún otro elemento, es el elemento
en si mismo, sus características físicas y químicas las que están allí
presentes. Y es por esto que una torta de chocolate no va a emular la lozanía
de un joven rostro sino que va a tener su textura porosa al descubierto esto
en compañía de un recubrimiento de crema de mantequilla para así mezclar
diferentes texturas tanto visuales como táctiles. Y por ultimo en lo que
compete al rostro una fina capa de manzanas glaseadas.
Para el cabello de ambos se trabajara la técnica de lo que podría ser el
equivalente del dripping de Pollock pero este en vez de pintura se usara
Caramelo. Las finas y quebradizas hebras de la azúcar convertida en
caramelo representaran cada fina fibra de la cabellera de ambos dioses.
Dalí, es de los tres, el autor que más carácter afrodisíaco le confiere a
ciertos alimentos. El término afrodisíaco deriva del nombre de la diosa del
Amor, Afrodita. Es por esto que se han relacionado ciertos alimentos con el
cortejo y el enamoramiento, siendo reconocidos entre ellos los frutos rojos
como las fresas, la frambuesa y las cerezas. Dalí le otorgaba un vínculo
sexual innegable a las cerezas y la langosta, marisco escogido como uno de
los afrodisíacos con más voltaje erótico. Ambos son reconocidos no solo por
Dalí sino también por la comunidad gastronómica como frutos del deseo.
A su vez se encuentran otros alimentos que les confiere otra connotación
distinta a la de la sexualidad como el huevo y las judías. (Ver fig. 28). El
primero asociado a lo blando y frágil del vientre materno. Mientras que las
judías lo inspiraron para hacer un cuadro donde fuesen homenajeadas.
Dalí disfrutaba de engullir festines y era aficionado al buen comer.
Muchas de sus obras fueron inspiradas o directamente relacionas con algún
alimento. Y es que los alimentos poseían un gran numero de significados
para el. Y que mejor forma para describirlo que sus propias palabras: “Todas
mis experiencias son viscerales” Dalí, 1974. Es así como Dalí no solo le daba
importancia al hecho de comer, todas las connotaciones y asociaciones que
tenía para con los alimentos sino que también el proceso de digestión así
como el final del mismo era de relevancia para él.
Fig.28 Fragmento de la obra Construcción Blanda con Judías Hervidas. De Salvador Dalí
en el año 1936.
En una de sus obras titulada Autorretrato blando con tocino frito, 1941. (Ver
fig. 29). El pintor recrea una especie de mascara blanda que el mismo explica
que es su rostro, solo lo exterior, flácido y apetecible invitando al espectador
a ingerirlo. Pero no es solo su rostro lo que pueden engullir también coloca
debajo del mismo un trozo de tocino frito que debido a la vividez del color
podría inclinar al espectador a optar por este que se ve mas fresco en vez de
la mascara hecha con tonalidades oscuras y con tendencia a lo pútrido como
lo indican las hormigas en la comisura de su boca y los ojos.
Esta “invitación ficticia” que hace Dalí con la obra es lo que en el Arte
Culinario se vuelve una realidad tangible. Ya que la imaginación no recreara
los sabores y olores que pueda evocar un lienzo sino que los mismos están
allí presentes en la obra; Y no es esto lo único que se torna tangible sino que
la obra ensimisma posee tres dimensiones. Mucho había de cierto en lo que
exponía Dalí, (1974): “Todo empieza por la boca y, luego, se expande por el
cuerpo con los nervios.” Con esta expresión el se refería a los deleites
gastronómicos que el experimentaba al comer.
Fig. 29. Fragmento de la obra Autorretrato blando con tocino frito, realizada por Dalí en 1941.
Para la obra que se realizara en base al análisis y reinterpretación tanto de
Dalí como de su obra pictórica se tomaran en cuenta varios elementos. Se
plantea realizar un Volcán tomando esta representación debido al carácter
temperamental de Dalí. Luego otra connotación dada es la de figura
impredecible en donde Salvador se ve asociado tanto con su personalidad
como con las imágenes que pintaba en sus lienzos.
Una asociación muy personal es la de ver a Dalí como un volcán, en el
sentido que siempre estuvo trabajando o en actividad constante, fue un
personaje destacado y que sobresalió en muchos aspectos. Y que tal cual la
erupción de un volcán era impredecible, con unas ocurrencias tan peculiares.
El volcán también puede estar asociado a una pasión ardiente o con el
acto sexual en sí. Este aspecto estuvo muy marcado dentro de la vida del
pintor debido a sus problemas de impotencia, es así como esta temática fue
muy recurrente dentro de su obra pictórica.
Para conformar la estructura del volcán se recurrirá a la disposición de
Huevos salcochados. Tratando así las concepciones contrarias de lo duro y
lo flácido que tanto obsesionaron a Dalí. Para el artista el huevo estaba
asociado con lo frágil, el vientre materno y semilla que genera vida; éste
describía que los colores del huevo eran los mismos del vientre materno.
Aquí al huevo se le da otro enfoque como lo es el de la dureza, dejando así a
un lado la característica de frágil. Ya que esta siendo usado como material
que emula una forma natural asociada con lo fuerte y lo sólido. Al ser cocido
se acaba toda esperanza de ser un ente vivo para convertirse en un alimento
así como también formar parte de una propuesta plástica.
Los huevos pasaran por un largo proceso que comienza salcochándolos
en agua, en 15min. Luego se retiran y se ponen debajo de agua fría durante
unos cinco minutos. Después de estos se colocan nuevamente a hervir para
que agarren la coloración deseada.
Para la realización del volcán se tomara en cuenta la línea, el color y el
equilibrio. Es por eso que se realizará una composición donde cada unidad
(el huevo) va a estar intervenida. Los colores manejados serán el blanco y el
marrón, como a su vez los tonos que estos generan.
El volcán de huevos va a estar acompañado de una lava de chocolate y
queso camenbert derretido. Ambos materiales necesitan del fuego para llegar
a este estado tal cual pasa con la lava. En este caso la lava tanto de queso
como de chocolate viene a ser la representación de lo flácido.
Un dato curioso, el cual fue tomado en cuenta para la realización de esta
obra, es que Dalí justo después de comer queso Camenbert el placer
provocado por este queso lo inspiro y así realizo la obra La Persistencia de la
Memoria.
Con esta última obra, el volcán de huevos, se completa la propuesta plástica
realizada.
Memoria
Primer Momento: Renacimiento y Da Vinci.
Prueba 1: Molde en Yeso del Rostro de mi padre.
Fig. 30. Modelo, mi padre con las bandas de yeso
Fig.31. Fotografía cuerpo completo
. Fig. 32. Preparando la mezcla de yeso para aplicar
una fina capa sobre las bandas de yeso.
Fig. 33. Aplicando la mezcla de yeso semi-líquido
Fig. 34. Dando los últimos detalles al molde.
Fig. 35. Vista lateral una vez terminado el molde.
Fig. 36. En el proceso de secado.
Fig. 37. Otro ángulo del molde ya casi listo para desmoldar
Fig. 38. Cortando el chocolate.
Fig. 39. Engrasando el molde.
Fig. 40. Templando el chocolate.
Fig. 41. Vaciando el chocolate en el Molde.
Fig. 42. Vertiendo el chocolate.
Fig. 43. Eliminando el exceso.
Fig.44. Retocando los bordes.
Fig. 45. Rostro en chocolate.
Fig. 46. Producto Final.
En primera instancia se recurrió a la elaboración de un molde de yeso para
así tomar la impresión del rostro de mi padre. Se trabajó con bandas de yeso
para la realización del molde y posteriormente se reforzó con yeso.
El material escogido, como producto final, fue el chocolate, éste se procedió
a cortarlo y templarlo. Se vació el chocolate en el molde hecho en yeso y
finalmente se refrigeró. Obteniendo un rostro en chocolate con un acabado
liso y brillante, tan anhelado dentro de la chocolatería, pero con el gran
detalle que no se pudo desmoldar del yeso. Siendo esta solo la primera
prueba realizada para la obra final.
Segundo Momento: Manierismo y Archimboldo.
Primera Prueba de Caramelo
Fig. 47. El almíbar producto de agua y azúcar.
Fig. 48. Se le añadió colorante artificial al caramelo.
Fig. 49. El colorante reaccionando en el almíbar.
Fig. 50. Se logró colorear el caramelo.
Fig. 51. La reacción del caramelo con el colorante lo volvió turrón.
Fig. 52. El azúcar cristalizado por completo.
Fig. 53. Primera prueba de caramelo fallida.
Segunda Prueba de Caramelo
Fig. 54. El almíbar hirviendo.
Fig. 55. Agarrando consistencia.
Fig. 56. El calor produce que el almíbar cambie de color.
Fig. 57. Color caramelo.
Fig. 58. El color y consistencia deseada.
Fig. 59. Primera prueba con el almíbar antes de tornarse color caramelo.
Fig. 60. Hilos de Caramelo en forma de cesta
Fig. 61. Varias pruebas, combinaciones de color y de grosor de los hilos de caramelo.
Fig. 62. La cesta una vez desmoldada donde se puede apreciar los cambios de tonos del caramelo.
Fig. 63. La cesta vista de perfil.
Fig. 64. Otra de las pruebas. Esta con menos hilos y por ende más quebradiza
Fig. 65. La tercera cesta, fuerte en el fondo pero débil en los laterales.
En las primeras pruebas realizadas para la elaboración del caramelo, que va
a ser usado como cabello de ambos rostros, se pudo evidenciar en la primera
prueba que el azúcar es muy susceptible a los cambios bruscos de
temperatura. Mientras el caramelo se calentaba se trato de teñirlo con
colorante artificial y el solo hecho de añadir dos gotas, como se puede
apreciar en la fig. 48 y 49, hizo que este se cristalizara de una forma tal que
se volvió una piedra compacta, como se puede notar en la fig. 52 y 53.
En la segunda prueba con caramelo se trabajó con el color obtenido al
calentar el azúcar, es decir el color natural del caramelo. En este caso se
recurrió a la elaboración de cestas, (ver fig. 63 y 64), esto como prueba para
comprender la maleabilidad del caramelo. El resultado fue satisfactorio, a
medida que el caramelo pasa mas tiempo calentándose se va tornando más
oscuro.
Prueba en anime y yeso para la realización del rostro masculino.
Fig. 66. Cortando el anime.
Fig. 67. Quitando el exceso.
Fig. 68. Sacando la forma del rostro.
Fig.69. Se puede apreciar la forma
del cráneo.
Fig. 70. Toma de Perfil sin terminar.
Fig. 71. Rebajando el área del cuello.
Fig. 72. Lijando.
Fig. 73. Desbastando el rostro.
Fig. 74. Vista de perfil.
Fig. 75. Aplicando una capa de
yeso.
Fig. 76. Suavizando los rasgos toscos y fuertes.
Fig. 77. Creando la superficie del cabello.
Fig. 78. Terminando la primera capa.
Fig. 79. Rebajando con la espátula.
Fig. 80. Casi lista.
Fig. 81. Los últimos detalles de la segunda capa.
Fig. 82. Rostro pintado para asemejar el chocolate.
Fig. 83. Rostro de perfil.
Tercer Momento: Surrealismo y Dalí.
Bocetos para la obra.
Fig. 84. Primer boceto del volcán y el queso derretido (la lava).
Fig. 85. Boceto de la textura visual y táctil de cada huevo
Fig. 86. Volcán de Huevos.
El siguiente es el registro tomado, cuando se realizaron las pruebas para el volcán de huevos.
Fig. 87. Vista aérea del vapor que emanan los huevos hirviendo.
Fig. 88. Los huevos hirviendo para así darles el color y la textura visual deseada.
Fig. 89. Los huevos reposando después
que el líquido se evaporo casi por completo.
. Fig. 90. Una vez fríos, listos para ser removida la cáscara.
Fig. 91. Aquí se puede notar la borra del te y
la coloración que adquirió la cáscara.
Fig. 92. Acercamiento de un huevo donde se aprecia la textura visual, la coloración y la
mitad de la cáscara.
Fig. 93. Varios huevos después de haberle removido la cáscara.
Fig. 94. Otro ángulo donde se ven otras texturas.
Fig. 95 Prueba de la posición de los huevos para formar el volcán.
Fig.96. Enfoque de cómo se vería uno de los laterales.
Fig.97. Acercamiento de unos huevos de codorniz.
Fig.98. Pirámide triangular con huevos de codorniz.
Fig. 99. Pirámide triangular.
Fig. 100. Composición con huevos de codorniz.
Para la obra que corresponde al tercer momento se propuso un volcán de
huevos duros, dispuestos en el siguiente orden: uno jaspeado con una
coloración marrón, seguido por uno blanco con la mitad del cascaron y luego
un tercero, blanco totalmente. Este patrón se realizo de manera consecutiva
hasta realizar la totalidad del volcán. En las imágenes se puede apreciar
como se procede a dar la coloración a los huevos (ver fig. 88 y 89). También
se encuentran las pruebas realizadas con huevos de codorniz y la posible
organización de la estructura del volcán. (Ver fig. 99 y 100).
CONCLUSIONES
En primera instancia se pudo apreciar que las investigaciones con
respecto al tema planteado son escasas, sobre todo en el idioma español. Y
las existentes a su vez presentan vacíos.
Para un desenlace exitoso de la investigación fueron analizadas las
bases teóricas que permiten relacionar las artes plásticas y el arte culinario.
De este modo se pudo corroborar que es posible lograr una vinculación entre
las mismas. Esto a pesar de no poseer tan amplia bibliografía.
También se logro la creación de una propuesta plástica que evidencia
la concepción manejada de arte culinario dentro de esta investigación. Donde
se maneja el concepto de escultura e instalación utilizando como material
para la realización de la misma, alimentos. Permitiendo así al espectador
comerse, literalmente, la obra e incluir en la apreciación de la misma el
sentido del gusto y el olfato.
Otro punto a resaltar es que existe un área del saber en la cual se ha
investigado pobremente como lo es la consideración de la inclusión de los
cinco sentidos en las artes plásticas.
El arte y la gastronomía habían permanecido hondamente
diferenciados a través del tiempo. Es así como se había representado la
comida a través del arte pero en esta investigación se propone la comida
para hacer arte, y que este a su vez sea digerido por el espectador. La
vinculación de ambas áreas, por medio de una sustentación teórico- plástica
representa un aporte tanto para la carrera de Artes Plásticas que se inicia en
el estado Lara como para la Universidad Centroccidental Lisandro Alvarado,
como casa de estudio que genera conocimientos innovadores y necesarios.
A su vez también representa un aporte para el país en general debido a que
son pocas las fuentes bibliográficas e investigaciones de origen venezolano
dentro de este tema.
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ANEXOS
Fig. 101. Capitán Hernán Cortes con su interprete Malinche. Litografía del s. XVI. Biblioteca
Nacional. Foto extraída del Larousse de Chocolate.
Fig. 102. Modelo presentado por el diseñador Jean-Louis Scherrer en el Salón de Chocolate
de Tokio año 2000. Foto extraída del Larousse El Chocolate.
Fig. 103. Parte de la propuesta para la exposición de Antoni Miralda. Titulada: Sabores y
Lenguas, Caracas. Imagen extraída del libro Sabores y Lenguas. 13 ciudades, (1998)
Fig. 104. Imagen extraída del libro Lengua y Sabores, (1998) de Antoni, Miralda.
Fig. 105. Obra realizada por Dalí para el libro Las Cenas de Gala.
Imagen extraída del Libro Cenas de Gala, (1974).
Fig. 106. Imagen extraída del Libro Cenas
de Gala, (1974).
Fig. 107. Imagen extraída del Libro Cenas de Gala,
(1974).
Fig. 108. Sin título. Imagen extraída del Libro Cenas de
Gala, (1974).
Fig. 109. Sin título. Imagen extraída del
Libro Cenas de Gala, (1974).
Fig. 110. Sin título. Imagen extraída del Libro Cenas de Gala,
(1974).
Fig. 111. Sin título. Fig. 112. Sin título. Imagen extraída del Libro
Cenas de Gala, (1974).
Fig. 113. Vik Muniz. Imagen extraída del Fig. 114. Vik Muniz. Imagen extraída del Trabajo de Grado Coroto Trabajo de Grado Coroto
Fig. 115. Portada del Trabajo de Grado Coroto
Fig. 116. Imagen de la Propuesta plástica de Coroto.
Fig. 117. Imagen de la propuesta de Ary Roncaglia. Extraída del catalogo del VI Salón de
Pirelli.
Fig. 118. “Finis Gloriae Mundi". Cráneo humano y sesos de cordero sobre bandeja.
Acción de Arte Comestible. Diputación de Sevilla. 1999. Extraído de
Fig. 119. "Gladiator". Pan. Acción de Arte Comestible en el Centro Andaluz de Arte
Contemporáneo (CAAC). 2000.
Fig. 120. "Mana". Pan y poema. Acción de Arte Comestible. ArtIbiza 2000
Planchas de pan 200 x 200 cm. Letras de pan 5 m de longitud. Extraído
Fig. 121 Fig.122
Fig.121 y 122 Vista Frontal y vista lateral de esculturas realizadas en Mantequilla. Titulada
"Las hamburguesas de LA" En la Feria del Condado de San Diego, julio 2010
Fig. 123. Obra titulada "Los niños y los terneros" Escultura en Queso Cheddar de Víctor Jim Nebraska 2008.
Fig. 124 Escultura hecha con diversos alimentos para la
Feria del Condado de Orange, Costa Mesa. En julio 2010.
Fig. 125. "American Gothic" reinterpretación de la
"Mona Lisa". Escultura hecha con diversos alimentos para la Feria del Condado de Orange,
Costa Mesa. En julio 2010.
Fig. 126. Producto de la comida italiana "David", como
surfista, Escultura hecha en mantequilla para la Feria del Condado de Orange, Costa Mesa.
En julio 2010.
Fig. 127. Andy Warhol "Marilyn Monroe" en
marshmallows. Obra realizada por Pelton Marie, en la Feria de Orange County en julio
2010.
Fig. 128. "Starrynight" de Van Gogh en
Caramelo. Obra realizada por Pelton Marie, en la feria de Orange County, julio 2010.
Fig. 129. Escultura en mantequilla hecha por Jim Victor en el Estado de Nebraska para la
Feria de Agosto, 2009. Foto de Joel Sartore.
Fig.130. Obra realizada en Chocolate de Cleopatra. Ball
de San Valentín Manus-Salzman Día, San Francisco, CA 2008.
Fig. 131. Obra de Antoni Miralda realizada en 1973 para
Kaldor Public Art Projects.
Fig.132. Obra expuesta en A Table, exposición realizada en el Sur de Francia en el 2009.
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