EL BARROCO

1) CONTEXTO HISTÓRICO Y SOCIAL DE LA MÚSICA Y LAS DANZAS BARROCAS,

El Barroco MusicalEl Barroco es el período artístico que comprende el S. XVII y la primera mitad del S. XVIII. Musicalmente, delimitamos su cronología marcando el inicio en el año 1600 con el estreno de la primera ópera conservada ( la Euridice de Peri y Caccini) y el final en 1750, año de la muerte de Johann Sebastián Bach, el más famoso representante del Barroco musical.

Contexto histórico – cultural

Las monarquías absolutas dominan el panorama político de una Europa que está sumida en un continuo de luchas políticas y guerras. El poder sigue estando en manos de la aristocracia y de la Iglesia que quieren mostrar su autoridad organizando grandes espectáculos en los que la música siempre estará presente. Para ello, en el terreno artístico, reyes, nobles y grandes comerciantes se convierten en mecenas de los mejores artistas, unos por cultura y amor al arte, otros, por enriquecer sus cortes y palacios.

La sociedad es estamental: el rey y la aristocracia, clero, burguesía y campesinado.

La ciudad es burguesa, acomodada y culta.

El campo es más pobre; cuatro quintos de la población es analfabeta.

El Barroco es una época de gran fecundidad para el mundo de la cultura, el arte y la ciencia. En esta época se darán cita personajes importantes en el mundo de la literatura como Lope de Vega, Calderón, Cornielle o Moliere; en la pintura contaremos con artistas como Velázquez, Murillo, Rubens o Rembrant; además de destacar científicos como Galileo Galilei, o Newton.

La palabra Barroco significa recargado, excesivo o adornado.

El hombre barroco no persigue la belleza, tal y como se había hecho en el Renacimiento, sino que fundamenta su pensamiento en torno a dos aspectos opuestos: la RAZÓN y el SENTIMIENTO. La razón en cuanto que intentan buscar la lógica y el lado científico de todo. El sentimiento del ser humano que se hará evidente en todos los campos; en el musical sobre todo en la ópera.

La fe en el progreso, la ilustración y una nueva naturalidad ponen fin al Barroco en el S. XVIII.

Función social de la música y el músico.

La música estará al servicio de las grandes monarquías europeas, la aristocracia y la iglesia  la utilizarán como una manifestación más de su poder.

Los grandes efectos musicales tendrán una función propagandística. Las intensidades y sensacionalismos barrocos destruyeron la tradición más refinada del Renacimiento. La magnificencia y grandiosidad del arte musical provienen, en parte de la música ceremonial veneciana. El deleite de los fuertes contrastes de color y dinámica parece haber sido exigido en las celebraciones seculares antes de que los músicos de la iglesia lo explotaran. Se produce una especie de proceso de secularización dentro de la iglesia, surge el

“barroco colosal” . Esta grandiosidad hizo que la liturgia evolucionara hasta convertirse en una “forma musical”, más que una expresión de devoción religiosa.

La ópera en la corte debía manifestar la grandeza de la autoridad que la costeaba.

El papel del músico se reduce al de un sirviente de su protector. Los compositores escribían por encargo, y en su mayor parte fue una música ocasional , que escribían lo que se precisaba en cada momento (y luego la mayor parte de las veces, o siempre se olvidaban).

Con la construcción de los primeros teatros de ópera, el músico trabaja para el teatro a contrato, es un “proveedor”. El compositor, expropiado de su propio producto, paga entonces con una fuerte pérdida de prestigio social y artístico el paso hacia formas de producción más modernas como las del teatro de ópera empresarial.

2) PLANTEAMIENTOS ESTÉTICOS (Teoría de los afectos)

La teoría de los afectos o Affektenlehre fue un concepto estético de la música barroca derivado de las doctrinas griegas y latinas de la retórica y la oratoria, la cual se proponía describir cómo codificar las emociones y cómo estos códigos inducen emociones en el oyente. La teoría de los afectos surgirá apartir de la filosofía y la psicología del siglo XVII. En este sentido destaca el filósofo francés René Descartes y su texto, Las Pasiones del Alma, el cual ejercerá una importantísima influencia en los músicos barrocos. La música de los siglos XVII y XVIII se propuso adquirir el poder de la expresión de los estados afectivos más profundos que el alma del hombre es capaz de experimentar. El compositor Barroco buscó plasmar la mayor variedad de pasiones humanas de la manera más intensa posible, ejemplos en este sentido lo constituyen la recién nacida Opera, e incluso las obras de carácter religioso como los Oratorios, Cantatas y Pasiones. De acuerdo a la opinión de importantes músicos de la época, la sola representación adecuada y convincente de las pasiones y afectos era capaz de mover las almas de los oyentes hacia una suerte de persuasión total.

Los Músicos y compositores de los siglos XVII y XVIII desarrollaron una enorme cantidad de recursos técnicos interpretativos y composicionales para lograr esa persuasión en sus oyentes. Si bien la expresión de las pasiones no fue una invención original de la música Barroca, sí lo fueron los medios representativos que en este período se desarrollaron como por ejemplo, las figuras retórico-musicales (melodías características que van relacionadas con aspectos emocionales)

3) CARACTERÍSTICAS FORMALES (Evolución del lenguaje expresivo) periodización y relaciones con otras artes.)

Etapas y característcas del barroco musicalEl pensamiento  barroco (razón-sentimiento) se va a hacer muy patente en el panorama musical. Así pues, en este período se busca una codificación de todos los parámetros musicales (ritmo, tonalidad,…) como forma de ordenar y racionalizar la música. Esto lo podemos constatar en la siguiente frase de J. P. Rameau (considerado el fundador de la moderna armonía):

    “…la música es una ciencia que debe disponer de unas reglas bien establecidas; dichas reglas deben derivar de un principio evidente, principio que no puede revelarse sin ayuda de las matemáticas….”

Pero además, se van a crear nuevas técnicas para poder expresar de la mejor manera posible los sentimientos (monodía acompañada, contrastes tímbricos, uso de dinámicas,…). La ópera será el género que más desarrolle la expresión de los sentimientos.

EtapasPodemos hablar de tres sub-periodos a la hora de estudiar la música barroca:

BARROCO TEMPRANO (1580-1630). Se da un mayor predominio de la música vocal sobre la instrumental. Se produce un rechazo al contrapunto renacentista. Las obras son, todavía, de poca extensión. Comienza la diferenciación entre música vocal e instrumental. Los compositores más destacados son: en Italia C. Monteverdi, J. Peri, G. Frescobaldi, y en Alemania M. Praetorius.

BARROCO MEDIO (1630-1680). Es la época de la ópera y la cantata, y con ella, la distinción entre aria, arioso y recitativo. La música instrumental va ganando terreno y se pone a la altura de la vocal. Se produce una vuelta hacia el contrapunto. Los compositores más relevantes de esta época son: H. Purcell en Inglaterra y J.B. Lully en Francia.

BARROCO TARDÍO (1680-1750). Se da un predominio de la música instrumental sobre la vocal. Las formas adquieren unas dimensiones más largas, aparece el estilo concertado, ya bien constituido, y con ello el énfasis en el ritmo mecánico. La tonalidad queda totalmente establecida. Las figuras más representativas son: los italianos A. Vivaldi, D. Scarlatti y los alemanes J.S. Bach, G.F. Haendel y G.P. Teleman.

CaracterísticasSi el arte Barroco representa al hombre de su época, la Música Barroca representa sus afectos y sentimientos. El hombre era concebido aún como miembro de un todo, no como individuo con libertad personal. La representación de los sentimientos humanos en la música barroca será pues estilizada y no personal.

  Dentro del lenguaje musical barroco se van a dar una serie de importantes novedades que darán a este periodo una sonoridad característica indiscutible. Las más destacados son :

LA MONODÍA: Los compositores del Barroco consideraron excesiva la complejidad a la que había llegado el contrapunto renacentista, ya que así no se podía expresar ningún tipo de sentimientos. Por ello, una de las innovaciones que van a crear es el uso de la monodía acompañada (una sola melodía con acompañamiento instrumental). Esta técnica les permite comprender el texto y transmitir una mayor expresividad.

EL BAJO CONTINUO: Es una línea de notas graves que se interpreta de manera ininterrumpida desde el inicio hasta el final de la composición. La melodía principal es acompañada por esas sencillas notas del bajo, pero el intérprete puede improvisar sobre las mismas, creando un relleno armónico que va cambiando durante toda la obra. Normalmente, los instrumentos que se encargarán del bajo continuo serán instrumentos polifónicos como el órgano, el clave o el arpa. El bajo continuo se va a aplicar a todo tipo de música excepto a la escrita para un instrumento solista. Es la característica que define y distingue a la música barroca.

Los acordes son improvisados, se especifican por medio de cifras que se escriben encima o debajo de la línea del bajo, dando lugar a un sistema de escritura denominado bajo cifrado

TEXTURA: la textura que caracteriza a este período musical se llama monodía acompañada.

ESTABLECIMIENTO DE LA TONALIDAD Y DEL RITMO: En el Barroco se establece el concepto de tonalidad tal y como lo conocemos hoy. Se formulan tratados de armonía en los que se establecen unas estrictas normas sobre las tonalidades y la formación de acordes. Además, a lo largo del siglo XVII se generaliza la escritura de la música utilizando compases. La música quedaba medida por completo y atrás se dejaba cualquier atisbo de ritmo libre.

NACIMIENTO DEL ESTILO CONCERTATO: Es una técnica que nacerá sobretodo para la música orquestal, aunque también aplicable a la música vocal. Se basa en contraponer distintos planos sonoros y timbres de un

grupo de instrumentos (tutti, concertino, soli,…). Es un recurso para dar mayor expresividad a la música. El barroco busca el contraste.

EL POLICORALISMO. Es uno de los inventos que hacen evolucionar de manera sustancial al canto. Se trata de relacionar no cuatro o cinco voces, sino hasta doce o más. Con ello, la sonoridad llega a unas novedades imposibles antes: el uso de contrastes y ecos; se forman diferentes coros y se responden unos a otros.

Se intensifica la fuerza emocional de las palabras dentro de la música vocal. Creando tres maneras de cantar el texto: recitativo, arioso y aria.

Recitativo: declamación del texto siguiendo sus acentos; está a medio camino entre el canto y la declamación.

Aria: melodía cantada  y enriquecida mediante adornos.

Arioso: está a medio camino de las dos anteriores.

NUEVAS FORMAS como la ópera, el oratorio, la pasión, el concierto (grosso y solista), la suite, la sonata

FORMAS VOCALES E INSTRUMENTALES (Religiosas y profanas)

La Música instrumental en el Barroco

Instrumentos de cuerda:

Violín, viola, violonchelo y contrabajo forman la espina dorsal de la orquesta barroca. El violín es un instrumento de arco surgido durante el S. XVI. Proviene de la evolución de la viola de brazo o vihuela bastarda.

El violín es el soprano de una familia de instrumentos, compuesta por: violín, viola, violonchelo y contrabajo, que en el S. XVII se perfeccionan por medio de grandes constructores como son Nicola Amati (1596-1684), Andrea Guarneri (1626-1698) y Antonio Stradivari (1644-1737).

Se distinguen por el tamaño; también porque producen, desde los sonidos más agudos del violín, a los más profundos del contrabajo. Todos se tocan de la misma forma, es decir, con arco y tienen cuatro cuerdas que vibran cuando éste pasa por ellas.

Laúd

Hasta mediados del siglo XVII el laúd es un instrumento doméstico muy apreciado para acompañar canciones y como “continuo” en la música de cámara. Para superar sus dificultades sonoras en esta época se hicieron construir diferentes tipos de laúd.

Guitarra

Instrumento de cuerdas pulsadas, compuesto por un cuerpo o caja de resonancia, mástil donde van las cuerdas afinadas asi: Mi, Si, Sol, Re, La, Mi

Instrumentos de viento:

 Fagot o bajón

Instrumento de soplo, de lengüeta doble y realizado en madera, de gran tradición. Está constituido por dos cuerpos cónicos de madera hechos en el mismo bloque, y que describen una V. El tubo tiene varios agujeros, que le sirven para obtener las diversas notas, y de él sale un tubito de metal torcido, terminado en una lengüeta, por donde se sopla.

Oboe

Instrumento de viento hecho en madera, con lengüeta doble y de sección cónica, en la que están situados los orificios. Aparece en torno a 1660, en la corte de Luís XIV de Francia como adaptación de la chirimía renacentista. Su timbre y sonoridad son claros, expresivos y mordientes.

Flauta

La flauta dulce o de pico es aún la favorita. Su sonoridad más dulce y flexible contrasta con la sonoridad más fuerte de la flauta travesera de mayor difusión en el siglo XVIII.

Clarinete

Los primeros clarinetes comienzan a construirse a principios del siglo XVIII.

Instrumentos con teclado:

Clave

Es un instrumento de cuerda punteada o punteada con las cuerdas de distinta longitud. Mediante la acción del teclado,la cuerda es punteada por un plectro. Se trata de un instrumento fundamental  en la realización del bajo continuo. Del mismo modo se escribió numerosa música que tenía este instrumento como solista.

Clavicordio

Es un instrumento musical europeo de teclado, de cuerda percutida y sonido muy débil.El clavicordio es un instrumento musical europeo de teclado (se ha ubicado el origen del clavicordio en el antiguo monocordio creado por los antiguos teóricos griegos), de cuerda percutida y sonido muy quedo. Este instrumento no se debe confundir con el clave (clavecín, o clavicémbalo), la espineta o el virginal.

El antecedente del clavicordio lo encontramos, según la tradición, en los escritos de Pitágoras, en los que una sola cuerda, fijada por ambos extremos y en tensión, al vibrar tomando diferentes longitudes, permitía -al menos teóricamente- obtener las diferentes notas de un hexacordo; longitudes que estaban basadas en sencillas proporciones numéricas y todas sus teóricas derivadas, fracciones que tenían su proyección superior en la armonía de las esferas celestes, cuyos sonidos creía escuchar.

La aparición del Clavicordio se sitúa en Inglaterra alrededor del 1300. Podría decirse que “desapareció” a finales de 1700 cuando el piano alcanzó más popularidad.El repertorio de este instrumento radica principalmente en la música del Renacimiento y del periodo Barroco. Instrumento muy apreciado por compositores como Johann Sebastian Bach.

El clavicordio tiene ciertas ventajas sobre el clave y el pianoforte ya que es posible realizar portamentos y vibratos con él, aparte de producir un gran colorido musical.A diferencia del piano, donde las cuerdas se agrupan en conjuntos de tres o dos, en el clavicordio cada cuerda es completamente individual y no vibra en forma conjunta con ninguna otra al presionarse una tecla. Las cuerdas entran en vibración al ser percutidas por un sistema de martillos.

Órgano

En el barroco el órgano tuvo su apogeo y época dorada, tanto en intérpretes como en compositores y organeros, de forma particular en Alemania. Es el instrumento más espectacular de este período.. Autores como J.S. Bach desarrollarán la técnica de este instrumento hasta límites insospechados

 

Instrumentos de percusión:

Timbal

Instrumento de percusión compuesto por una caja de media esfera, sobre la que se coloca un parche. Está capacitado para emitir diversas notas, según la tensión de la piel y el tamaño de la esfera. Se golpea con baquetas de diversos tamaños.

Los Stradivarius    La pequeña ciudad de Cremona ha pasado a la historia por haber dado a conocer a los mejores constructores de violines del mundo. Todo comenzó cuando un personaje llamado Andrea Amati fundó un taller en el que siguieron trabajando sus descendientes. El mítico Antonio Stradivarius trabajó en ese taller, hasta que, una vez aprendido el oficio, fundó su propio negocio en la misma ciudad.

    Con Stradivarius, el arte de fabricar violines llega a su máximo esplendor. Escogía con esmero madera de arce, abeto y ébano; tallando, ahuecando y dando forma a las aproximadamente setenta piezas de las que constaba cada instrumento. Luego las ajustaba, las pegaba y les aplicaba un barniz rojizo. El resultado era una obra de arte cuya sonoridad aún no ha sido superada.

    Hoy en día, la fabricación de los Stradivarius sigue siendo un secreto, del que se conocen algunos datos:

Se piensa que el secreto de su sonoridad residía en su barniz. No se ha conseguido la forma exacta de su composición, ya que se ha llegado a la conclusión de que puede tener unas diez capas de barniz compuesto por varios pigmentos. En esta operación los luthiers invertían varios meses.

Se considera que la mejor madera para la construcción de violines es la de abetos del Tirol, situados entre 1200 y 1500 metros de altitud y expuestos al oeste. Esta madera necesitaba cinco años de secado.

De todos los instrumentos que fabricó Stradivaruis (unos 1100) hoy en día sólo se conservan la mitad. Los últimos los construyó cuando tenía más de 90 años.

La orquesta nace en el Barroco, en gran parte gracias a la

perfección técnica que alcanzan los instrumentos de cuerda frotada (violín, viola, violonchelo y contrabajo). A pesar de que Claudio Monterverdi ya indicara en su ópera “Orfeo”  los instrumentos que debían intervenir  en cada parte instrumental, esto no era lo habitual. Normalmente los intérpretes, muchas veces también compositores, daban rienda suelta a su imaginación creando variadas combinaciones tímbricas y tendiendo muchas veces a la improvisación.

En el S. XVII el número  e instrumentos que componían la orquesta dependía en gran medida de los medios y músicos disponibles en cada momento.

 Hacia 1700, muchos instrumentos se perfeccionaron técnicamente. Un ejemplo lo encontramos en  la familia del violín, que se impuso gradualmente a la de la viola, aunque algunos miembros aislados de esta familia de siguieron usando en algunas obras (por ejemplo la viola da gamba, utilizada en algunos pasajes de la “Pasión según San Mateo” de J.S.Bach).  Tenemos que recordar que el grupo de instrumentos de la familia del violín (violín, viola, violonchelo y contrabajo) van a ser  el núcleo central de la orquesta.

Por lo que se refiere a los instrumentos de viento comenzó a usarse el corno de caccia, antepasado de la trompa  y la flauta travesera o traverso barrocofue imponiéndose poco a poco a la flauta de pico.

Es interesante destacar que, en la época de J. S. Bach  las designaciones instrumentales indicadas por los compositores en sus partituras eran confusas. Por ejemplo, la expresión  clarino que se encuentra en algunas cantatas de Bach designa el registro determinado de un instrumento (trompa o trompeta). Eran factores musicales, los que terminaban finalmente por decidir el instrumento elegido.

Por todo ello, la orquesta barroca, a pesar de evidentes progresos, aún no había alcanzado un grado de uniformidad, ni su plantilla básica estaba delimitada con claridad. A pesar de todo puede decirse que la orquesta barroca está formada por 5 violines I, 5 violines II, 4 violas, 5 violoncelos y 2 contrabajos, siendo esta sección de cuerda base instrumental; la sección de

viento estaba integrada por 2 flautas, 2 oboes, 2 fagotes, 2 trompetas y avanzado el S, XVIII 2 trompas, los timbales eran los únicos instrumentos de la sección de percusión, añadir que el clave intervenía en su función de bajo continuo.

Durante el Barroco, aún no existía la figura del el director de orquesta lo conocemos hoy en día. En el Barroco era el clavecinista quien dirigía desde su instrumento, que se colocaba en el centro del conjunto, de forma que podía ser oído por el resto de músicos.

Uno de los hechos decisivos en el desarrollo de la orquesta barroca fue el nacimiento de la ópera en Italia en 1600. Pronto se extendió a otros países europeos.

La música instrumental en el Barroco logra la total autonomía que había empezado en el Renacimiento. En este desarrollo, desempeñarán un papel decisivo la evolución técnica de los instrumentos, el nacimiento de la ópera y el nacimiento de la orquesta como grupo organizado. Los intérpretes se especializan debido a la complejidad que irá adquiriendo este tipo de música, surgiendo la figura del virtuoso. Los compositores van a lograr en sus obras la máxima expresividad.

Podemos distinguir  tres maneras de interpretar la música instrumental dependiendo del número de instrumentos que intervengan:

MÚSICA PARA INSTRUMENTOS SOLISTAS: los compositores empezaron a escribir pensando específicamente en un instrumento concreto, que elegían por sus cualidades técnicas y su timbre. Las piezas para instrumentos solistas permitían al intérprete hacer gala de un gran virtuosismo, luciendo su habilidad técnica y su expresividad musical. Dentro de los instrumentos solistas destacarán el órgano, el violín, el clave…  con obras como la fuga o la suite entre otras.

MÚSICA DE CÁMARA: se denomina así a la música interpretada por dos o más instrumentistas sin llegar a ser un grupo numeroso, cada parte musical es interpretada por un solo instrumentista (en contraposición a la orquestal). Es música de carácter íntimo destinada a ser interpretada en pequeñas salas. Será el género preferido por la nobleza.

MÚSICA PARA ORQUESTA: la orquesta es un conjunto de instrumentos de las tres familias. Hasta este momento no se indicaban los instrumentos que debían interpretar cada parte de la obra, ya que no había normas que regulasen el número y la composición de la orquesta, y la elección de los instrumentos dependía de las circunstancias y de las posibilidades del momento. A partir del siglo XVII los compositores empezaron a especificar en la partitura cuántos y cuáles eran los instrumentos que debían interpretar cada parte; uno de los primeros fue Claudio Monteverdi, que indicó incluso la colocación de los mismos en su obra Orfeo.

Es en Venecia, y en otras ciudades de Italia como Bolonia y Roma donde la música instrumental sufre una fuerte evolución. Durante la primera mitad el S. XVII siguen formas de la etapa anterior, que podemos resumir así: piezas en contrapunto imitativo como el ricercare y fantasía ; del tipo de la canzona, constituidas por una sucesión de secciones contrastantes, como la sonata; las realizadas a partir de un bajo dado, como la chacona, etc ; en estilo improvisatorio, como la tocata o el preludio; finalmente, piezas que partes de las danzas o bailes. Tener en cuenta que ahora todas estas piezas cambian de carácter con el empleo de las nuevas técnicas de la época.

Pasados estos años iniciales del S. XVII, siguieron las grandes formas instrumentales de más trascendencia; especialmente la suite, la sonata y el concierto  sin olvidar otras como la obertura o la fuga.

a) Pequeñas formas instrumentales .

La suite

Composición escrita con la unión de varias danzas, tiene su origen en las parejas de danzas del renacimiento. Puede estar escrita para un instrumento solista (generalmente para clave)  o para orquesta.  (Se explica en el apartado de formas orquestales).

La sonata

Sonata significa “música para ser sonada” . Como otras muchas formas barrocas se origina de esa realidad estética que determina la música barroca : la contraposición de movimientos, o el principio de contraste, usado sobre todo en la danza, donde se suelen suceder una serie de danzas contrapuestas.

      Pero llega un momento en que estas danzas ya no se bailan, sólo se tocan ; y en ese momento nace la sonata, que aparece en pleno Barroco con un esquema prototípico en cuatro movimientos que, tal como los ordena Arcangelo Corelli suelen ser:

Grave Allegro en estilo fugado Moderato Vivo, en estilo fugado, u homofónico.

Estos movimientos procedían de la sucesión de danzas del tipo de allemanda (lento), corrente (allegro), zarabanda (lento), giga (allegro). Pero existen otros elementos definidores, como son el contraste de movimientos y texturas, es decir, la sucesión de textura contrapuntística y homofónica; todo con bajo continuo.

 Dentro de la sonata se distinguieron dos tipos :

a) la sonata da chiesa : que nunca lleva en sus movimientos nombre de danza (están relacionados con los tempi) y cuyo continuo lo suele hacer un órgano

b) la sonata di cámara : que sí lleva títulos danzas y cuyo continuo lo hace un clave.

Estos dos tipos no son dos formas distintas, más bien los nombres hacen alusión a los lugares de interpretación: la iglesia y la sala.

Entre los creadores de la sonata barroca hay que destacar a Arcangelo Corelli (1653 – 1713) , gran violinista y compositor que estudia durante cuatro años en la escuela de Bolonia , estableciéndose posteriormente en Roma donde vive desde 1671. Aquí compone sus célebres doce Sonate da chiesa Op. 1 ; sus once Trío-sonate da camara op. 2; la op. 3 y doce Sonate  per violino Op. 5. Entre sus discípulos más destacados mencionar a Giuseppe Torelli (1658-1709), Tommaso Albinoni (1671-1750). Cabe mencionar también a Guiseppe Tartini (1692-1770), quien escribió la sonata para violín en sol menor subtitulada “El trino del diablo”.

La sonata bipartita de finales del barroco.

La sonata barroca tiene una nueva línea de evolución al final del Barroco con las obras de un gran músico, Alessandro Scarlatti (1660-1725) y su hijo Doménico Scarlatti a través de un instrumento: el clavicémbalo. En realidad su aportación consistió en  pasar la sonata la sonata de violín al clave. Esta sonata también se llama monopartita, porque en realidad consta de un solo movimiento dividido en dos secciones A y B, o sea, binaria, que se repiten y en las que en la primera se llega de la tónica a la dominante, y en la segunda de ésta a la tónica. El esquema representativo podría ser:

    A                    B

I     V            V     I

La fuga.

Será una de las formas más importantes para teclado, tanto para órgano como para clave. Es una forma simple, es decir escrita en un solo movimiento y de textura contrapuntística basada en el uso de la imitación. El tema principal llamado “sujeto” va alternando con temas secundarios o “contrasujetos” y con partes de imitación más libres llamadas “episodios”.

El estilo compositivo de la fuga se trasladará con frecuencia a la música vocal y a secciones instrumentales de obras mayores, dando lugar al llamado estilo fugado.

El gran maestro de la fuga es el compositor alemán J. S. Bach.

Audición: Fuga nº 2 de El clave bien temperado, J. S. Bach

b) Formas mayores para orquesta.

El concierto.

Durante las dos últimas décadas del S. XVII aparece una nueva forma instrumental, que se convierte en la más importante del Barroco. Su nombre viene de la palabra concertare, es decir, “tocar varios instrumentos al mismo tiempo” y es el concierto. En él se dan los principios de la música barroca:

La lucha entre el bajo continuo y una voz florida encima. La organización de la música en el sistema tonal mayor/menor. Construcción en movimientos separados, autónomos y contrastados. El contraste colorístico entre diversos grupos tímbricos.

Podemos definir el concierto diciendo que se trata de una forma orquestal que suele constar de tres movimientos contrapuestos, usualmente con este esquema :

Allegro / lento / allegro.

En el Barroco hay que distinguir dos tipos de conciertos:

a)      El concierto grosso: para un grupo de solistas (concertino) y el resto de la orquesta (tutti) que van contrastando alternándose en la interpretación de partes nuevas y fijas llamadas ritornello (retornar quiere decir “volver” que es la música que toca el tutti y que se repite varias veces).

Los compositores más destacados son Arcangelo Corelli (1653-1713), Georg Friedric Haendel y Johann Sebastián Bach.

Audición: Allegro del Concierto grosso para cuatro violines, cuerda y bajo continuo, Vivaldi

a)      El concierto solista: compuesto para un solo instrumento que contrasta en constante diálogo con la orquesta.

El compositor más estacado es Antonio Vivaldi (1678-1741) al que se le atribuyen más de 300 conciertos para solista, la mayoría para violín aunque también para fagot, violonchelo y flauta.

Audición: Movimiento lento del Concierto para Oboe en Re menor, Alessandro Marcello

Creadores del Concierto.

Son una serie de compositores que viven en los tres grandes centros del norte de Italia, Módena, Bolonia y Venecia, los que desarrollan el concierto. Para ello fue preciso el virtuosismo violinístico y contar con los magníficos instrumentos de los constructores de Cremona. De los tres centros, el más importante fue, sin duda, el de Bolonia a través de músicos como de la iglesia de San Petronio. Es Tommaso Vitali el más importante de ellos; inmediatamente surgen otros dos: Arcangelo Corelli (1653-1713), que compondrá en Roma y Guiseppe Torelli (1658-1709), en Bolonia.

Todos estos músicos componen conciertos de valor, pero el más importante es Antonio Vivaldi (1676-1741), creador del concierto solista, uno de los genios más grandes del barroco veneciano.

La obertura

Etimológicamente significa “pieza para abrir”. Por ello, puede servir para iniciar una obra de mayores dimensiones (ópera, oratorio).

Las primeras oberturas no eran otra cosa que fanfarrias para llamar la atención y tenían nombres tan variados como tocata  o sinfonía. Es a finales del S. XVII cuando esta pieza instrumental tomo forma definitiva en dos variantes:

Obertura francesa. Inventada por Lully. Consiste en dos movimientos: el primero lento, pomposo, con el característico ritmo de negra con puntillo y corchea; y un segundo movimiento veloz, es estilo imitativo, que puede terminar en un corto tiempo lento.

Obertura napolitana.  Introducida por Scarlatti en su obra Dal male i bene y consta de tres secciones: allegro (en estilo contrapuntístico), adagio y allegro (influido por la danza).

     La obertura evolucionará en el clasicismo hacia la sinfonía.

La suite

Es la unión en una sola obra de varias danzas de distinto carácter, con la contraposición típica del estilo barroco. Todas las danzas están escritas en la misma tonalidad y suelen responder a formas binarias. Su origen está en la sucesión de danzas contrapuestas del renacimiento. En esta época las danzas se agrupaban en parejas de baile de distinto ritmo y carácter. El número y la disposición de las danzas en la suite barroca puede ser muy variable. La estructura más habitual es la siguiente:

Allemanda: ritmo binario, 4/4, tempo lento o moderarato Courante: ritmo ternario, 3/4 o 3/8, tempo rápido Zarabanda: ritmo ternario, 3/4, tempo lento Giga:ritmo ternario compuesto, 6/8, tempo rápido

Puede estar escrita para un instrumento solista (generalmente para clave)  o para orquesta. Entre 1690 y 1740 surge en Alemania la suite orquestal.  El número de danzas de que consta puede ser muy variable; por eso, a la suite se la ha denominado “forma abierta”. Bach lleva a esta forma a la máxima perfección. En general, como forma orquestal es muy común que tenga estas características:

Comienza con un preludio de introducción u obertura. Siguen un número variable de danzas. Algunas se escriben en pares, así bourré  y bourré II.I Las danzas más habituales (también para orquesta) son las indicadas con anterioridad : allemanda,

courrante, zarabanda y giga.

Audición: Rondó de la Suite para orquesta de cuerdas, PurcellAria de la Suite nº 3 en Re Mayor, J. S. Bach

Badinerie de la Suite para orquesta en Si menor, J.S. Bach

Música vocal religiosaLa música religiosa, aunque ha perdido su gran hegemonía, sigue teniendo un gran peso en el Barroco. Tanto la iglesia protestante como la católica aprovecharán las innovaciones que se dan en la música profana para crear nuevas formas.

Audición: Vivaldi, Magnificat RV 610

Una de las técnicas que más se desarrollará dentro de esta música será el “policoralismo”, que se dará sobretodo en la escuela veneciana. Esta técnica surge en la iglesia de San Marcos (Venecia), cuyo espacio arquitectónico permitió la colocación de dos coros contrapuestos. El músico Giovanni Gabrieli, y más tarde Monteverdi, experimentarán en esta línea de creación.

En Alemania destaca especialmente la personalidad de Heinrich Schütz (1585-1672). En sus Salmos de David usa todo el lenguaje italiano: grandes coros, solistas, instrumentos en concertado, con lo que consigue una sonoridad típica del barroco colosal. Se llega en ellos a una unión íntima entre la música y texto.

En Roma evolucionará exigiendo varios coros que se colocan en distintos lugares de la iglesia. El ejemplo más espectacular lo encontramos en “La misa de la catedral de Salzburgo”, compuesta para 53 voces que se colocan en distintas posiciones ocupando todo el perímetro de la iglesia. Esta misa se le atribuye a Orazio Benevoli.

La iglesia protestante sigue manteniendo el coral como forma más representativa, y la católica continúa cultivando motetes y misas. Sobre estos géneros se aplicarán las novedades de la música barroca.

En este periodo, hay tres géneros nuevos que estudiaremos a continuación:

El OratorioLa iglesia necesita más que nunca la música para impresionantes ceremonias y como medio para influir sobre el cristianismo, a fin de que éste sienta la religión no sólo racional, sino emocionalmente.

El oratorio es una forma vocal religiosa, de carácter narrativo. Es una especie de ópera religiosa, ya que cuenta con los mismos apartados que ésta (orquesta, arias, coros, interludios, recitativos…). Además, tiene otras similitudes como la gran extensión y el carácter dramático; sin embargo en el oratorio encontramos características propias:

Los textos son religiosos, extraídos del Antiguo o Nuevo Testamento; vidas de santos. El oratorio no se escenifica, es decir, los personajes sólo cantan, no actúan. Se interpreta en un lugar de culto sagrado. Existe la figura de un narrador que va explicando la acción mediante el recitativo.

 El objetivo de esta forma es catequizar a los creyentes. Su nombre viene del oratorio de San Felipe Neri (funda la congregación del Oratorio): lugar donde se reunía con los discípulos a orar. Surge en Roma, pero

se extiende rápidamente a otras ciudades como Florencia, Mantua, Venecia y a otros países, especialmente Francia e Inglaterra.

Existen dos tipos de oratorios: a) el oratorio latino escrito en latín y representado po Carissmi  y b) el oratorio vulgar, escrito en italiano y representado por autores como A. Scarlati.

Autores:

El primer gran autor de oratorios es Giacomo Carissimi que, con su obra Jepthe, lleva esta forma a una gran perfección. Este autor convierte al coro en el gran protagonista del oratorio, dándole una gran fuerza dramática y rítmica, para lograr una mayor efectividad. Se sirve, por otra parte, de todos los elementos típicos del lenguaje barroco, como el estilo concertado. El gran continuador del oratorio es Haendel.

El oratorio llega a su mejor momento con Georg Friedrich Händel (1685-1759). Sin embrago, Haendel no comienza con esta forma, sino con la ópera, y compone música para la clase burguesa, menos frívola y más preocupada por problemas ético-religiosos; a ella dirige sus oratorios, con los que consigue sus mejores obras, una mezcla de coros fastuosos acompañados de una orquestación magnífica que nos lleva a una de las cumbres de toda la producción musical barroca. Como en las cantatas y pasiones, el coro es símbolo de la voz del pueblo, por lo que en él vierte una música de enorme emoción. Hace un importante uso del estilo fugado. Su oratorio más famoso es El Mesias.

De J. S. Bach destacar su Oratorio de navidad.

Audición: Carissimi, Jephte (Fragm)Audición: Haendel, El Mesías (Aleluya)

La CantataEl término cantata significa etimológicamente “música para cantar” y surge en contraposición a la sonata (música para sonar). Es un género de origen profano, destinado a ser interpretado en los salones de la aristocracia, pero es inmediatamente aceptado por la iglesia, especialmente en Alemania, y tiene especial importancia en la religión protestante con Juan Sebastián Bach, cambiando el texto, que ahora se basará en fragmentos del Evangelio, salmos y otros temas religiosos.

Por lo tanto, podemos definir la cantata como una forma musical compuesta sobre un texto profano o religioso de carácter lírico en el que intervienen solos, orquesta y coros, y formada por arias, ariosos y recitativos. Es donde la voz experimenta sus posibilidades y donde nace ya el gusto por el virtuosismo canoro.

Autores:

Entre los cultivadores de esta forma destacan Luigi Rossi (1598-1653), Giacomo Carissimi (1605-1674), Alessandro Scarlatti (1660-1725) y a  G.P.Telemann.

La cantata se hace religiosa en Alemania y llega a su “Edad de Oro” en el culto luterano. Ya había surgido un siglo antes de Bach y en el camino están compositores importantes como Heinrich Schütz y Buxtehude, autor de más de cien cantatas. La cantata constituye el elemento más destacado del culto luterano, y no falta cada domingo y festividad del año. Usa como elemento más importante y unificador el coral, que encarna el espíritu luterano. Johann Sebastián Bach es el gran autor de cantatas y componen más de doscientas.

Audición: Buxtehude, Cantate Domino

Audición: J. S. Bach, Cantata BWV 4 (Coral final)

La PasiónEs un oratorio que trata exclusivamente de la pasión y la muerte de Jesucristo, inspirándose en los Evangelios. En cuanto a la forma, la pasión también tiene recitativos, arias, coros e interludios. La figura del narrador es el evangelista que relata mediante un recitativo todos los acontecimientos. Los personajes importantes del Evangelio son interpretados por los solistas, mientras que otros personajes (discípulos, pueblo…) son interpretados por el coro. Al igual que el oratorio no tiene representación escénica.

Autores:

El compositor más destacado de este género es J.S.Bach, con dos obras fundamentales:  La pasión según San Mateo  y  La pasión según San Juan.

Otra gran personalidad del último barroco alemán, compositor de esta forma musical, fue Georg Philipp Telemann (1681-1767) , quien escribió 44 pasiones; su música presenta un carácter más alegre (prueba de la influencia francesa) que se refleja en la importancia que da a la melodía, muy agradable; él mismo señala que “la música no debía ser un trabajo, sino una  forma de felicidad”.

fragmento de La Pasión según San Mateo de J. S. Bach:

Audición: Aria nº 75 para bajo de La Pasión según San Mateo de J. S. Bach

4) PRINCIPALES FOCOS DE PRODUCCIÓN: Área italiana, germánica, Francia e Inglaterra.5) LAS DANZAS CORTESANAS Y SUS RITMOS

6) EL NACIMIENTO Y DESARROLLO DE LA ÓPERA

La Música vocal profana. La ÓperaLas formas vocales sufren una gran evolución durante el Barroco, pero sobre todo se inventan nuevas formas que además van a tener gran importancia en la historia posterior y van a continuar hasta nuestros días. Podemos distinguir entre formas profanas y religiosas. Las más importantes son : la ópera, la cantata, el oratorio y la pasión.

En esta entrada te hablaré de la música profana, es decir, del nacimiento de la ópera. Dejaré para otra entrada la música religiosa.

La óperaOrigen y  la Camerata Fiorentina.

 A finales del siglo XVI, en Florencia surge un grupo de artistas e intelectuales (músicos, poetas y sabios y científicos). que trabajarán financiados por el conde Bardi. A este grupo se le conocerá como “Camerata Fiorentina”. Estos artistas están en contra del desarrollo polifónico que habían alcanzado las composiciones del Renacimiento, que por su complejidad, perdían la esencia principal que debe cumplir la música, que no es otra que la de conmover al oyente y hacer brotar en él todo tipo de sentimientos.

Van a llevar a cabo un trabajo de investigación, intentando retomar las raíces de la música griega. Llegan a la conclusión de que en Grecia la música era monódica y con un acompañamiento instrumental; esta música estaba cargada de una gran expresividad. Basándose en estos principios nacerá la técnica de la monodía acompañada, que será la base fundamental de la ópera posterior. Los artistas de la Camerata buscaban un género capaz de abarcar todas las formas artísticas posibles y por ello denominarán a la ópera como “la obra de arte total”, ya que va a reunir en una sola forma a las distintas artes: poesía, música, teatro, danza,…; lograba una gran expresividad gracias a la unión ideal entre música y palabra.

La primera ópera representada fue la titulada Dafne, de Jacobo Peri (1561-1633), estrenada en 1594. Ésta se ha perdido, por lo que se considera la primera Eurídice , compuesta por dos músicos, el citado Jacobo Peri y Giulio Caccini (1550-1618), con texto de Rinuccini. Esta ópera se estrenó en el Palacio Pitti de Florencia en 1600, para festejar la boda de Enrique IV y María de Médicis.

El éxito del nuevo género musical será grande y  surgen de inmediato otras obras de interés. Entre todas ellas destaca por su genialidad una ópera que ha quedado ya como símbolo del primer barroco, Orfeo  de Monteverdi, estrenada en 1607.

Este músico se convierte en una de las figuras claves del momento. Monteverdi deja de considerar la ópera como espectáculo decorativo e insiste en pintar los dramas pasionales de los personajes. A su muerte, la ópera es un gran género extendido por toda Europa y especialmente en Italia, donde se formaron tres escuelas:

Escuelas operísticas:

Romana. Nace sufragada por generosos mecenas, especialmente la familia Barberini. Destacan Maffeo Barberini, que disfrutó de un largo reinado como papa bajo el nombre de Urbano VIII, su sobrino Taddeo y los cardenales Antonio y Francesco. Los dos últimos edificaron el Teatro Della Quattro Fontane, que tenía 3000 asientos y grandes maquinarias concebidas por el escultor y arquitecto Bernini. El teatro fue estrenado con la ópera de Stefano Landi (1590-1655), Sant´Alessio . Otro autor destacado de esta escuela fue Luigi Rossi (1597-1653). Las características de esta escuela son:

El ambiente pastoral que envuelve las obras, con la participación de numerosas divinidades que aparecían en complicadas maquinarias; uso de coros danzantes, riqueza de vestuario y, en general, una ópera concebida como gran espectáculo.

Desde el punto de vista musical, el recitativo tiene poca importancia; ésta la asume el aria, que tiene dos variantes: el aria estrófica y el aria con forma ABA.

Los coros tienen gran importancia.

Veneciana. En Venecia la ópera tuvo un carácter más popular. Era sufragada por familias de ricos comerciantes, con el dinero de las ventas de entradas y el arriendo de los palcos. Por ello, las óperas que se estrenaban no eran para honrar al príncipe o al noble, sino para satisfacer al público. El primer teatro abierto fue San Casiano, en 1637. Monteverdi compuso cuatro óperas para los teatros venecianos, de las que se conservan Il ritorno de Ulisse y La coronazione di Poppea. Otros autores de esta escuela son Francesco Cavalli (1602-1676) y Antonio Cesti (1623-1669). A Cesti se le considera como el compositor que hace posible la síntesis entre la ópera romana y la veneciana.

Audición: C. Monteverdi, Orfeo (dúo: la Mensajera-Orfeo)

Audición: Monteverdi, Orfeo (solo de Orfeo)Audición: Monteverdi, Orfeo (coro de ninfas y pastores)

Napolitana. La ciudad de Nápoles suplanta a Venecia como gran promotora del arte lírico. Caracterizada por la importancia de lo cómico, allí encuentran forma definitiva la ópera bufa, y lo que a partir de aquí se llamará el bel canto. Bel canto significa “canto bello” y se refiere a un estilo musical de gran desarrollo y lucimiento para la voz, que parece competir con los instrumentos, hablándose de un “proceso de instrumentalización de la voz”.

Esta escuela llega a su culmen unos años más tarde que las dos anteriores, con Alessandro Scarlatti (1660-1725) y Giambatista Pergolesi  y con la construcción de su gran teatro, el San Carlos, en 1737. Con Scarlatti la ópera se centra en el aria, pero sobre todo establece ya un tipo de aria que va a ser muy importante, la denominada Aria da capo y, también, una obertura conocida desde entonces como napolitana.

La ópera en Francia e Inglaterra

El inicio de la ópera en Francia coincide con el reinado de Luís XIV, donde la música se emplea para solemnizar los importantes ritos de la corte de Versalles. La música pierde en ella sus cualidades dramáticas, y se convierte en algo más decorativo que pretende reflejar el sentido de la grandiosidad y la majestuosidad. El creador del lenguaje operístico francés es un compositor de origen italiano, Jean Baptiste Lully (1632-1672) que afrancesa el estilo italiano y compone una música dotada de claridad y orden.

Después de componer ballets e intermedios, se dedica a la ópera, en colaboración con Corneille y Moliêre, y compone entre otras su obra maestra Armida.

Las óperas se llaman “tragedias líricas”, y tratan de temas mitológicos. Adapta el adornado canto italiano a las acentuaciones del texto francés. Crea un tipo específico de obertura, denominado obertura francesa, que consta de tres tiempos: lento

– rápido – lento.

Los sucesores de Lully siguen un sistema operístico en el que tiene mucha importancia la mezcla de ópera y ballet. Surge así un género intermedio denominado “ópera-ballet”, en el que se pierde la unidad dramática, aunque se gana en vistosidad. La Europa galante de Campra, inaugura este estilo. Esta forma lleva a la ópera francesa a su decadencia. Será necesaria la contribución de otro gran compositor, Jean Philippe Rameau  (1683-1764), para arreglar la situación. Rameau devuelve a la ópera la unidad dramática perdida, tratando de explotar al máximo las cualidades de la lengua francesa; entre sus obras destacan Cástor y Pólux, Platea y Pigmalión.

Audición: J. B. Lully, Le bourgeois gentilhomme (Comedia ballet)

La ópera llegó también a Inglaterra por medio de un músico de gran importancia, Henry Purcell (1659-1695). Los ingleses de esta época valoran de una manera especial el género, y llegan a la ópera a través de la Mascarada, una especie de ballet escenificado que, poco a poco y con la introducción del recitativo italiano, se convierte en ópera.

La primera gran ópera inglesa compuesta por Purcell es Dido y Eneas, obra de gran riqueza tímbrica, armónica y rítmica. En ella Purcell se muestra maestro de la declamación, una de las cualidades que más le distinguen. Le siguen otras óperas como El rey Arturo o La reina india. Con ello estaba preparando el camino para la llegada de Haendel, gran compositor de óperas como Julio César, Alcina, etc, acomodadas al gusto aristocrático.

Audición: H. Purcell, Dido y Eneas (coro en forma de eco)

Audición: Purcell, Dido y Eneas

Partes de la ópera

En la ópera se pueden distinguir las siguientes partes:

OBERTURA: Es la parte inicial de una ópera. Es instrumental. Normalmente es breve y sirve como introducción al espectáculo. La música comienza con el telón cerrado, que se abre en el transcurso de la obertura para que los espectadores tengan su toma de contacto con el escenario.

RECITATIVOS: Son partes cantadas por solistas en las que se desarrolla la acción. Para que esto sea posible se debe realizar con un texto casi declamado y sin adornos. Existen dos tipos de recitativo: Secco ( acompañamiento sólo de bajo continuo) o Acompagnato (con acompañamiento de orquesta).

ARIAS: Son las partes más importantes y más vistosas de la ópera. Realizadas por solistas; ahora la acción se para y el cantante expresa sus sentimientos por medio del lucimiento de su voz. Es el máximo exponente de la monodía acompañada.

COROS: Son fragmentos en los que canta un numeroso grupo de personajes. INTERLUDIOS: Partes instrumentales que se intercalan entre todos los fragmentos anteriores.

También se denominaron “ritornellos”.

Además de estos apartados, en la ópera también puede haber dúos, tríos,…

En la ópera participaban muchos personajes: los músicos de la orquesta, los cantantes del coro, extras que no cantaban,… Entre los personajes que más sobresalían en las óperas figuran los castrati.

Tipos de óperas

Podemos distinguir dos grandes tipos de óperas:

ÓPERA SERIA: Basada en argumentos mitológicos y heroicos. Es el primer tipo de ópera que va a existir y será el preferido por la aristocracia debido a su refinamiento. Es muy compleja debido a sus argumentos y a su gran despliegue técnico. A este tipo pertenece la primera ópera: “Orfeo” de Claudio Monteverdi.

Características:

–  Tiene un lenguaje armónico muy rico y variado.

–   Se basa en escritores clásicos griegos o romanos. Es decir, presenta temas de carácter mitológico.

–   Consta de tres actos (llegaría hasta 5), que son una sucesión de recitativos y arias. La acción se desarrolla en el recitativo (muchas veces en forma de diálogo entre personajes), y los sentimientos y emociones se expresaban en el aria. El aria es la gran protagonista de la ópera.

–   Puede haber dúos, se emplean pocos conjuntos y raramente coros.

–  La orquesta, salvo en la obertura, no tiene gran protagonismo. Los recitativos normales se hacen sólo con el clave y, quizás, un bajo sostenedor con una viola o violonchelo; en situaciones dramáticas más importantes, se les añade la orquesta.

El aria da capo : la gran protagonista de la ópera y, por supuesto, es el reino del cantor, lo que da origen al mundo del castrado, que vive en estos momentos su “Edad de Oro”.

El aria da capo tiene un esquema tripartito : ABA´. Se llama da capo por la costumbre de poner después de la sección B las palabras da capo, para indicar la vuelta al comienzo.

El texto tiene dos estrofas, la primera corresponde a A, la segunda a B. En el da capo se repite A pero con decoraciones o coloraturas añadidas y largas cadencias.

Autores de óperas serias:  destaca Georg Friedrich Händel (1685-1759), quien antes de dedicarse al oratorio compone, entre 1711 y 1740, óperas acomodadas al gusto aristocrático, como Alcina y Julio César entre otras. Otros autores también destacados son Nicola Pórpora y Johann Hasse.

ÓPERA BUFA: La ópera seria desató una reacción en contra, la denominada “ópera bufa”, cuyo elemento definidor es precisamente su carácter popular. Es posterior a la ópera seria y la favorita del pueblo.

Características:

– Musicalmente es más sencilla

– Los protagonistas no son dioses, sino personas de la clase media que critican a la aristocracia.

–  Su cualidad más importante es la naturalidad. Los argumentos son extraídos de la vida cotidiana y por lo tanto fáciles de entender (muchas veces son una crítica a la aristocracia).

–   Se realiza con gran economía de medios: pocos personajes, pequeña orquesta y ausencia de coro.

–   Usa elementos de carácter folclórico.

–   Se distingue por frases musicales muy cortas, frecuentes repeticiones y abundantes cadencias.

–   Es fundamental y novedosa la importancia y el empleo que se hace de la voz de bajo, denominada bajo bufo.

 La primera ópera de este tipo fue escrita por un autor italiano llamado G.B. Pergolesi, titulada “La Serva Padrona” en 1733.

Desarrollo de los teatros

A finales del siglo XVII se va a producir una novedad que tendrá mucho que ver en el posterior desarrollo de la música; fue la creación de los primeros teatros públicos. Hasta ese momento, aquel que desease escuchar música tenía que acudir a la iglesia o bien ser invitado por las altas esferas sociales a sus celebraciones (posibilidad bastante remota si no pertenecías a la nobleza). Esto cambió cuando comenzaron a surgir los primeros teatros y salas de conciertos que se abrían a todo el público bajo el pago de una entrada. El campo de la música, a partir de este momento se abre a toda la población, que ávidas de consumo musical acogerán la idea con gran aceptación.

De esta manera se empiezan a multiplicar los teatros y las salas de conciertos de las ciudades más importantes.

7) EL BALLET DE CORTE, LA TRAGEDIA LÍRICA, LA COMEDIA –BALLET, ETC.

La danza barroca

La aristocracia europea para celebrar cualquier acontecimiento  organizaba fiestas en las que la música y la danza estaban siempre presentes.

Las danzas que se bailan en los salones europeos seguían siendo básicamente las mismas que se habían dado a lo largo del Renacimiento (pavana, gallarda, brandle …). Pero a partir de 1600, surgirá una nueva danza que se convertirá en la protagonista del período: el minué.

En el año 1700, un importante maestro de baile, llamado Feuillet creó el primer sistema de notación de danza de la historia. La danza, poco a poco, fue adquiriendo una reglamentación que dará lugar a la danza clásica.

El desarrollo del ballet: el Ballet de Cour

El ballet fue evolucionando dentro de la acorte francesa en la que había surgido e introducido bailarines profesionales que sustituyeron poco a poco a los cortesanos, para quienes se reservaba la entrada solemne y el gran ballet final.

            Bajo el reinado de Luís XIV (1643-1715), el ballet inicia su época dorada con la creación del Ballet de cour, fruto de la colaboración de los grandes artistas protegidos del rey: el coreógrafo Pierre Beauchamp, el dramaturgo Molière y el compositor Jean Baptista Lully (1632-1687).

            El Ballet de Cour era una obra teatral bailada que comenzaba con una obertura instrumental y terminaba en un gran ballet en el que, al menos una vez al año, participaba el propio rey. El desarrollo dramático consistía en una serie de escenas en las que se mezclaba el canto y la danza, interpretados ya exclusivamente por profesionales. Se representaban bajo decorados espléndidos, y los bailarines, al principio sólo masculinos, iban adornados con lujosas vestimentas y máscaras.

La danza de sociedad

Sigue habiendo danzas destinadas al baile, algunas de tradición renacentista, pero otras de nueva creación. Dentro de los pares de danzas, la combinación más frecuente será la formada por Allemanda y Courante.

Allemanda: de origen alemán, es una danza calmada de pasos de ritmo binario y con una breve anacrusa inicial.

Courante: su nombre deriva del francés “courant” (correr) y es una danza rápida en ritmo ternario.

Otras danzas de moda en el barroco son:

Bourrée: danza de ronda francesa, de movimiento rápido y ritmo binario. Chacona: danza cantada de origen español, tranquila y en ritmo ternario. Zarabanda: danza solemne de origen español, en ritmo ternario y lento. Giga: danza rápida de origen inglés en compás de 6/8.

8) LA MÚSICA ESPAÑOLA VOCAL E INSTRUMENTAL (ECLESIÁSTICA Y PROFANA) Principales formas y compositores y compositoras destacadas. La música escénica: la ópera, la zarzuela y otros géneros.

El Barroco musical en España

Introducción y características:

En España el barroco supone una etapa de decadencia musical, reflejo de su crisis política y económica y de su aislamiento internacional.

Tras la muerte de Felipe II en 1598, comenzará una larga etapa de recesión que se mantendrá todo el S. XVII bajo los reinados de los últimos tres austrias: Felipe III, Felipe IV y Carlos II, cuya muerte provocará una guerra de sucesión que terminará con la llegada a la corona española del primer borbón: Felipe V.

Es una época de decadencia científica y universitaria. Sin embargo en las artes plásticas y la literatura mantuvieron un esplendor con personalidades como Zurbarán, Velázquez, Quevedo, Góngora, Lope de Vega o Calderón. En música no sucederá lo mismo. Las razones son:

Se deja de valorar la música. Repiten lo que se había inventado en el Renacimiento Se dedican a imitar a Italia y Francia.

El paso de Renacimiento al Barroco no supondrá un cambio brusco en el lenguaje de los compositores sino una evolución paulatina que irá asumiendo poco a poco algunas innovaciones. El barroco en España comienza con la monodía acompañada como en el resto de los países. La música monódica en el siglo XVII está libre de influencia italiana, lo que no ocurrirá con la del S. XVIII.

Los elementos que definen el barroco español son:

No se siguen los estilos europeos (Concerto, Suite, Pasión, Oratorio). Nacen formas típicas: la zarzuela y la tonadilla. Siguen teniendo importancia las formas religiosas. Sigue en vigor la escuela organística de Cabezón.

     El ritmo de hemiolia es característico de la música española: consiste en introducir un ritmo binario en un compás ternario.(acentuación del texto en la música vocal).

Música vocal:

a) Religiosa

Audición: Gloria.Joan Cererols.

Sigue siendo el repertorio musical más importante cultivando las formas polifónicas tradicionales de motetes y misas con texto en latín y destinados a las celebraciones más solemnes.

En las festividades religiosas de carácter más popular se introducirá el villancico con texto en castellano y acompañado de un conjunto instrumental.

Autores: Mateo Romero (1575-1647, conocido como “el Maestro Capitán) , Joan Baptista Comes (hacia 1568-1643), Joan Cererols (1618-1676) y Francisco Valls (1665-1747) dejó una interesante Misa Aretiana, llena de innovaciones armónicas.

Audición: Joan Cererols, Serafín que con dulce harmonía

Audición: J. Bautista Comes, Vamo, plimo y adoremo

b) Profana

Audición: José de Nebra, Viento en la dicha de amor (Seguidillas)Audición: Texto de Lope de vega, música de autor anónimo:Audición: Villana de Leganés (Anónimo S. XVII)Durante la primera mitad del S. XVII se continúan recopilando en cancioneros formas como el villancico o el romance de tradición renacentista. Son canciones breves que suelen alternar pasajes contrapuntísticos y homofónicos.

A mediados del S. XVII surge un nuevo estilo de canción denominado solo o tono humano en torno a los ambientes cortesanos de Madrid. Es una canción profana con temas de carácter sentimental que introduce la monodía acompañada con una voz solista apoyada por un único instrumento. Se caracteriza por la utilización de un ritmo ternario y melodías sencillas, normalmente en estilo silábico, con estructuras que constan de introducción, estribillo y coplas. Se empleará con frecuencia en la música teatral.

Destacan compositores como Mateo Romero  y Juan Hidalgo (1614-1685).

Música escénica

Las primeras representaciones de música escénica consistirán en la introducción de números musicales dentro de la representación teatral.

Durante el barroco, el teatro se convirtió en España en un auténtico fenómeno de masas. En todas las representaciones, la música formaba parte del espectáculo, introduciéndose normalmente en el intermedio de las escenas y en el final de la obra. Eran interpretaciones vocales e instrumentales de carácter breve y no siempre en relación con el argumento.

Nacieron en este período géneros típicamente españoles como la zarzuela y la tonadilla.

La zarzuela. El origen de este nombre parece provenir del palacio de la Zarzuela, en el Real Sitio de El Pardo, donde se reunían músicos y artistas para entretener a los reyes con obras que tenían texto y música (aunque hay quien indica que el nombre es una derivación de las zarzas de los bosques de alrededor).

Características y elementos que definen las zarzuelas del S. XVII:

Se emplean coros a cuatro voces, dúos, tonos y tonadas a voz sola, la mayoría en forma estrófica, o compuestos por coplas y estribillo.

Aparecen arias; el diálogo era hablado y no cantado (apenas se usa el recitativo). Su temática era amorosa, idealizada y pastoril; sus protagonistas son dioses y diosas de la mitología clásica

pero, a pesar de ello, personajes de carne y hueso que se enamoran, odian y sufren; también participan villanos, jardineros, etc.

Incorpora características de la tradición dramática española del S. XVII, es decir, la presencia de lo tragicómico, elementos populares como canciones, bailes, danzas, etc. También incorpora lo rústico y pastoral, pero tiende hacia lo burlesco con el uso de un lenguaje común y sencillo, a pesar de la participación de los dioses.

Son representadas por las compañías de Madrid y los instrumentistas de la corte. Los papeles solistas los interpretan actrices-cantantes de las compañías cómicas, y músicos de guitarra y arpa.

Era una género para un público cortesano, no para el pueblo, que asistía a los “corrales de comedias”..

En el año 1648 se estrenó El jardín de la Falerina con texto de Calderón de la Barca y música de autor desconocido. En esta obra se alternaron escenas habladas con otras cantadas (conjuntando solos y coros)

sobre temas populares españoles, ingredientes que constituyen las notas características de la zarzuela. La primera zarzuela propiamente dicha fue El golfo de las sirenas (1657).

Las zarzuelas pronto se hicieron comunes en todas las fiestas reales, sobre todo a finales del S. XVII. Loa autores de la música fueron, en su mayoría, músicos asentados en la corte: José de Nebra (1702-17678), Juan Hidalgo (hacia 1612-1685),  Sebastián Durón (1660-1716), Cristóbal Galán, Juan de Navas

La tonadilla. Es un género de música escénica típicamente español. Se representaba en los populares corrales de comedias. Es un intermedio satírico de carácter jocoso que representaban las costumbres de la época y que generalmente concluye con una danza española. Surgió a principios del siglo XVIII y desapareció antes de llegar a la mitad del mismo. Sus compositores más célebres fueron Luis Misón (hacia 1720-1766) y Blas de Laserna (1751-1816) entre otros.

Aquí tienes un fragmento de una tonadilla:

.La ópera. Siguiendo la influencia italiana, la ópera llega a España como un género de carácter aristocrático que se desarrollará en torno a los palacios reales. La primera ópera española fue La selva sin amor (1629), con texto de Lope de Vega. Sin embargo, no nos ha llegado su música ni conocemos el nombre de su compositor. La primera ópera conservada, aunque incompleta es Celos aún del aire matan, con texto de Calderón (1660) y música de Juan Hidalgo, que combina recitativos, arias y breves coros. La tercera ópera es La púrpura de la rosa con música de Juan Hidalgo y texto de Calderón de la Barca.

La llegada al trono de los borbones traerá a la corte española compañías, compositores y cantantes de ópera italianos que impondrán su gusto impidiendo el desarrollo de una ópera española. Fundamental fue para este predominio italiano la presencia del famoso cantante castrato Farinelli. Los compositores españoles tendrán que reaccionar a la competencia italiana desarrollando el nuevo género de la zarzuela.

Audición: dos fragmentos de Celos aún del aire matan:.

Música instrumental

La música española permanecerá ajena a las corrientes europeas ignorando los nuevos estilos del concierto y la suite.

Sigue centrándose en el ámbito de los instrumentos solistas como el órgano, que mantiene la brillantez del período anterior, y la guitarra, que sustituirá a la vihuela, convertida en un instrumento muy difundido tanto en el ámbito popular como en el cortesano.

Aparecerá también una importante producción de cámara ligada a las capillas musicales de las cotes, pero con una clara influencia extranjera fruto del gusto de los borbones por los músicos italianos.

Con respecto a la música instrumental en el barroco español, hay que destacar tres grandes campos de actuación: la guitarra, el órgano y la orquesta

Orquesta y clave. Antonio Soler

Antonio Soler (1729-1783), compositor español del barroco. Tiene una obra extensa y variada,  compuso centenares de sonatas para clave, villancicos profanos y sacros , quintetos con cuerda y órgano, Seis conciertos para órgano obligado y obras de teatro como El defensor de su agravio …. Nació en Olot y se inicio en la música en el Monasterio de Montserrat. Ingresó en la orden de los jerónimos y pasó a ser organista y director del coro del Monasterio de San Lorenzo de El Escorial. Fue discípulo de Domenico Scarlatti, quien influyó notablemente en su obra.

Audición: Antonio Soler, Sonata para clave en La menor, nº 118

La guitarra barroca de Gaspar Sanz.

Si Antonio Soler, decíamos que era el compositor más importante de la escuela de clave del barroco español, es Gaspar Sanz (1640 – 1710) quien le acompaña en esa distinción para la guitarra.

Escribió “Instrucción de música sobre la guitarra española” y se lo dedicó a Don Juan de Austria. El titulo original habla por si solo por su extensión:

“Instrucción de Música sobre la guitarra española y Método de sus primeros rudimentos, hasta tañerla con destreza, con dos laberintos ingeniosos, variedad de sones y dances de rasgueado y punteado, al estilo español, italiano, frances y inglés, con un breve tratado para acompañar con perfección sobre la parte muy esencial para la guitarra, arpa y organo, resumido en doze reglas y exemplos los mas principales de contrapunto y composición, dedicado al Serenissimo Señor , el Señor Ivan, compuesto por el Lecenciado Gaspar Sanz, aragones, natural de la Villa de Calanda, Bachiller en Teologia por la Insigne Vniversidad de Salamanca. ”

Audición: Francisco Guerau, Canarios

El órgano de Juan Cabanilles

Juan Cabanilles (1664-1712) es compositor barroco español, organista de la catedral de Valencia a la que estuvo dedicado toda su vida salvo unos primeros años en el coro de su ciudad natal Algemesí, cuando era niño. Es autor de tocatas, tientos, pasacalles y gallardas para órgano. Estudió y desarrolló en profundidad la obra de Antonio de Cabezón y, en general, la escuela tradicional de órgano española que sirvió de nexo con el siglo XVIII.

Compuso una misa, dos salmos y cinco canciones en texto castellano. Se ha dicho que es el Bach español.

Otro destacado organista y compositor fue Francisco Correa de Araujo.

9) LA APORTACIÓN ANDALUZA: El órgano (Correa de Arauxo), la guitarra (Espinel), etc.