Una de las maravillas más representativas de los últimos tiempos es la importancia

que ha adquirido el cine. El cine, tiene una trascendencia inmensa, marca pautas de comportamiento social, y juega un papel determinante en la sociedad. Ha significado una verdadera revolución en las artes, la cultura y el pensamiento de la especie humana.

ZULEMA HANI

Coordinadora Programa Difusión Cultural CARLOS E. RODRÍGUEZ ARANGO Coordinador Centro de Arte y Cultura

Louis Le Prince, inventor de las imágenes en movimiento

Louis Le Prince, proyectó las primeras imágenes en movimiento en una película de papel con una cámara de lente única. Ha sido mencionado como “el padre de la cinematografía”, desde el año 1930.

Cámara de proyector de cine abierta. (Science

Museum, London, 1930).

Desapareció misteriosamente de un tren el 16 de septiembre de 1890. Su cuerpo y el equipaje nunca fueron encontrados. La policía encontró´ una fotografía de un hombre

ahogado que podía haber sido él. La desaparición de Le Prince permitió a Thomas Edison, conquistar el crédito por la invención del cine.

Roundhay Garden Scene, es un cortometraje breve filmado por el inventor francés Louis Le Prince el 14 de octubre de 1888 en el jardín de la casa de sus suegros en Leeds.

Leeds Bridge.

En 1888, la ciudad de Leeds, Inglaterra, se volvió parte de la historia del cine como el lugar donde las primeras películas fueron realizadas. Fue el lugar donde Louis Aimé Augustin Le Prince, demostró con éxito su invención por primera vez y realizo las primeras imágenes en movimiento de la historia.

Le Prince filmó secuencias de imágenes en movimiento: “Roundhay Garden Scene” y “Leeds Puente”, escena de la calle con la sola lente de la cámara y la película de papel Eastman. Estas secuencias fueron elaboradas antes que aparecieran los inventores Auguste y Louis Lumière y Thomas Edison.

Ilustración de Georges Méliès, similar a la reproducida por el autómata en el filme

El cine considerado una atracción menor, cambió su imagen cuando George Méliès usó todos sus recursos para simular experiencias mágicas, creando rudimentarios pero eficaces efectos especiales. El cine ha desarrollado el lenguaje cinematográfico, creando los géneros y surgiendo así distintos movimientos cinematográficos. La idea de capturar el movimiento por medios mecánicos es muy antigua. Existieron antecedentes en la cámara oscura, o el taumatropo. La técnica para captar la realidad por medios luminosos había sido ya desarrollada por los inventores del daguerrotipo y la fotografía, a mediados del XIX.

Fragmento de la versión coloreada a mano de la película Le voyage dans la Lune

Desde 1830, los experimentos ópticos como el fenantiscopio, el zootropo y el praxinoscopio, se diseñaron para demostrar o explotar el fenómeno físico de la persistencia de la visión. John Paris utilizó su taumatropo en 1824 para demostrar este efecto en el Real Colegio de Físicos.

El Zootropo fue inventado por el matemático William George Horner (1786-1837) que ideó una tira de papel con dibujos que colocados en el interior de un tambor giratorio provisto de pequeñas hendiduras permitía ver los dibujos en movimiento.

Thomas Alva Edison, inventor de la lámpara incandescente y el fonógrafo, estuvo muy cerca también de inventar el cine, al patentar el kinetoscopio creado en su laboratorio por William Dickson, el cual, sin embargo, sólo permitía funciones muy limitadas.

Thomas Alva Edison junto a uno de sus primeros fonógrafos en 1878.

Fotograma de Le Voyage á Travers de L´Impossibe, 1904

Méliès, un prolífico innovador en el uso de efectos especiales, descubrió accidentalmente la sustitución del stop trick ("truco de parar"), en 1896, y fue uno de los primeros cineastas en utilizar múltiples exposiciones, la fotografía en lapso de tiempo, las disoluciones de imágenes y los fotogramas coloreados a mano.

Fotograma de el viaje a la luna (1902)

Gracias a su maestría para emplear y transformar la realidad a través de la cinematografía, Méliès es recordado como un «mago del cine". Dos de sus películas más famosas, “Viaje a la Luna” (1902) y “El viaje imposible” (1904), las cuales narran viajes surreales y fantásticos, inspirados por Julio Verne, son contempladas entre las más importantes e influyentes del cine de ciencia ficción. Méliès fue también un pionero del cine de terror con su temprana película “Le Manoir du Diable” (1896).

Le Manoir du Diable (1896).

La historia nos llevará por un fantástico viaje a través de la historia del cine y la literatura para descubrir la identidad real de George Méliès, el director de cine francés, autor de “Le Voyage Dans La Lune” (Viaje a la Luna), de 1902.

“La invención de Hugo” es un magnifico viaje a la luna de los sueños cinematográficos que actúa como una transcripción de la belleza de contar historias y revivir las fantasías que habitan en la mente.

Sin pretender desvelar ninguna intriga, hay que referir que La invención de Hugo comienza contando la vida de Hugo Cabret, un niño que vive escondido en los rincones impenetrables de la estación de tren de París y que busca las piezas necesarias para arreglar un viejo autómata, una figura mecánica que su padre fallecido trágicamente, ha dejado sin restaurar.

Hugo con el autómata

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Hugo sobrevive robando comida y escabulléndose del inspector jefe de la estación hasta que conoce a Isabelle, empedernida lectora y amante de la aventura, que ayudará a Hugo a resolver el enigma del autómata descrito en una pequeña libreta que ha tomado su papá George, el viejo y amargado propietario de la tienda de juguetes de la estación.

La invención de Hugo es una dedicatoria al autor de la novela, Selznick, que Scorsese, evoca con maestría.

La película es una lección de cine con movimientos de cámara y decisiones de montaje que aprovechan todas las ventajas de la nueva técnica.

El público que asistía por primera vez en la historia a la magia cinematográfica salió corriendo por el pánico al ver que se les lanzaba un tren encima. La imagen de la locomotora en marcha, habría de convertirse en una acertada metáfora del progreso de un nuevo arte, que se encargaría de desmentir el frio vaticinio de sus autores: "El cine es un invento sin futuro".

El 28 de diciembre de 1895, el cine fue oficialmente inaugurado como espectáculo en París, en el Salón Indio del Grand Café, en el número 14 del bulevar de los Capuchinos de París donde se proyectó la primera película cinematográfica de la historia. Allí los escasos asistentes tuvieron ocasión de admirar varias escenas grabadas por los hermanos Lumière, entre ellas la célebre “Llegada de un tren a la estación Ciotat”.

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El cinematógrafo Lumière abierto

A partir de 1892, los hermanos Lumière comenzaron a fotografiar imágenes en movimiento. Crearon el cinematógrafo, un aparato que servía como cámara y como proyector. Este proyector estudiaba el efecto de las imágenes sobre el ojo humano. El 13 de febrero de 1894, fue patentado y en el mismo año se rodó la primera película, exhibiéndola al año siguiente en París: “Salida de los obreros de la fábrica Lumière en Lyon Monplaisir”, en una sesión de la Société d'Encouragement à l'Industrie Nacional.

“Salida de los obreros de la fábrica Lumière en Lyon Monplaisir”

. Fotograma de La llegada de un tren a la estación

El 28 de diciembre de 1895 en París, se oficializa el inicio del cine en el Salón Indien du grand café, donde se proyectan las cintas “Llegada de un tren a la estación de la Ciotat” o “El regador regado”. El cine comenzó su historia a modo de documental, como testigo objetivo de la vida cotidiana.

En 1907 se pusieron a disposición del público en general los primeros materiales comerciales de película en color. Consistían en unas placas de cristal llamadas Autochrome Lumière en honor a sus creadores, los franceses Auguste y Louis Lumière. En esta época las fotografías en color se realizaban con cámaras de tres exposiciones.

Imagen por Louis Lumière, Autochrome 1907

AUTOCHROME LUMIÈRE

La primera película muda fue creada por Louis Le Prince en 1888. Era un filme de dos segundos que mostraba a dos personas caminando alrededor de “El jardín Roundhay”.

Fotograma de “El Jardín de Roundhay”

Después del estreno de la película “El cantante de jazz”, las películas habladas fueron cada vez más habituales y diez años después, el cine mudo prácticamente había desaparecido.

Primera película con diálogos sonoros que utilizó el sistema sonoro "Vitaphone" (grabación de sonido sobre un disco). A partir de ese momento, el cine cambia de manera radical, excepto con algunos directores de cine nostálgicos de un cine mudo que, según ellos, se bastaba a sí mismo. Desde entonces, las comedias musicales se multiplicaron.

El arte de la cinematografía alcanzó su plena madurez antes de la aparición de las películas con sonido.

Fotograma de El hombre de la cabeza de goma (1901)

El cine mudo no podía servirse de audio sincronizado con la imagen para presentar los diálogos, por esta razón, se añadían títulos para aclarar la situación a la audiencia o para mostrar conversaciones importantes.

El escritor de títulos se convirtió en un profesional del cine mudo, hasta tal punto que a menudo se le mencionaba en los créditos al igual que al guionista.

Intertítulo del film El nacimiento de una nación (1915), de D.W. Griffith. Los intertítulos constituyeron un recurso de primer orden en el cine mudo donde fueron profusamente utilizados para transcribir los diálogos. El primer uso conocido de intertítulos data de 1901, del film británico Scrooge, o el espectro de Marley.

Algunos órganos de teatro tales como la famosa Rudolph Wurlitzer Company, podía simular algunos sonidos de orquesta junto con un gran número de efectos sonoros. También en ocasiones había un narrador que, con voz en off, relataba los intertítulos o describía lo que iba ocurriendo. En los comienzos del cine mudo, las partituras utilizadas fueron a menudo improvisadas o se utilizaba música clásica o repertorio teatral. Una vez los largometrajes se hicieron habituales, la música fue recopilada en la llamada Música de Photoplay, que estaba específicamente realizada para acompañar a los films.

En los comienzos de la industria cinematográfica la música era parte esencial de las películas, para ambientar la acción que transcurría en la pantalla. Los cines de ciudades pequeñas normalmente tenían un pianista para acompañar la proyección; los de ciudades grandes podían tener organistas o incluso orquestas completas, que podían añadir efectos de sonido.

Algunas películas dan la impresión que los actores sobreactúan de manera exagerada. Debido en parte a esto, las comedias mudas tienden a ser más populares actualmente que los dramas, porque la sobreactuación resulta más natural en una comedia.

Charles Chaplin, es recordado como un ícono del cine mudo y universal.

El cine mudo requería mayor énfasis en el lenguaje corporal y en la expresión facial, para que la audiencia pudiera comprender mejor lo que un actor estaba representando en la pantalla.

Nosferatus el vampiro, una película muda de 1922 dirigida por F.W. Murnau.

La mayoría de las películas en la etapa del cine mudo entre 1895 y 1927 estaban rodadas en blanco y negro. En 1896, comenzaron los experimentos pintando a mano, cada fotograma a veces con cuatro colores distintos. La tarea era complicada por el tamaño reducido de los fotogramas y porque una película normal, de menos de un minuto empleaba unos 1.000 fotogramas. En 1905 Pathé acopló al proceso de coloreado medios mecánicos. Los avances más importantes y definitivos se lograron utilizando los descubrimientos de la fotografía en color, basados en la teoría de Maxwell, (1871). Era necesario superponer fotografías (roja, azul y verde) y proyectarlas mediante tres lámparas sobre una sola pantalla.

La proyección de Maxwell

Sinfonías tontas

El primero en utilizar el nuevo procedimiento fue Walt Disney para sus “Sinfonías tontas” de 1932, y siguió usándolo para muchos de sus restantes dibujos animados. Se considera que el primer largometraje en verdadero technicolor fue “La feria de la vanidad” (Beeky Sharp, 1935), de Rouben Mamoulian.

La compañía Technicolor comenzó a dar sus primeros pasos en el rodaje a color natural en la etapa del cine mudo, y así estrenó su primer proceso de color en 1917, para la película “The Gulf Between”, la primera película filmada en color en Estados Unidos.

The Gulf Between

Clásicos del cine mudo como “Los diez mandamientos” (1923), “The Phantom of the Opera” (1925) o “Ben-Hur” (1925) contenían escenas rodadas en color. El proceso de Technicolor continuó utilizándose más allá del cine mudo durante los primeros años del cine sonoro hasta que la gran depresión redujo el número de rodajes al mínimo y volvió a estandarizarse durante algunos años más el blanco y negro.

Escena de El fantasma de la ópera de 1925 filmada

en Technicolor

Ben- Hur de 1925

filmada en Technicolor

Los diez mandamientos (1923)

En 1937, la enorme acogida que estaba obteniendo Blanca Nieves y los 7 enanitos, de Walt Disney, animó a Selznick a filmar con grandes riesgos “Lo que el viento se llevó” en 1939. En 1939 también Victor Fleming, terminó “El Mago de Oz”, muy costosa en su producción y que tampoco fue ningún éxito comercial debido a los grandes costos del technicolor.

Blanca Nieves y los siete Enanitos (1937) El Mago de Oz,1939, realizada por

Víctor Fleming.

Robín de los Bosques, realizada en 1938, costó más de un millón y medio de dólares, en su mayor parte en escenarios naturales.

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En los años cuarenta, los estudios ignoraron las filmaciones a color y Technicolor. Los estudios para almacenar elementos destruyeron los negativos de las filmaciones, provocando que la mayoría de películas a color de este periodo se perdieran o sólo se conservaran copias en blanco y negro.

Lo que el viento se llevó, novela escrita por la autora Margaret Mitchell; es uno de los libros más vendidos de la historia, un clásico de la literatura de los Estados Unidos y debido a su adaptación al cine es uno de los más grandes iconos o mitos de la cultura popular contemporánea.

La Segunda Guerra mundial afectó gravemente la industria del cine a color, sobre todo en Gran Bretaña, que había producido varias películas de éxito como “Las cuatro plumas” (The Four Feathers, 1939), y “El ladrón de Bagdag” (1940), de Alexander Korda. El color volvió a ser masivo en la década de 1950, buscando contrarrestar los efectos de la televisión sobre los espectadores.

Las cuatro plumas,1939, de Alexander Korda

El ladrón de Bagdag (1940), de Alexander Korda

“El Artista” llamó la atención del mundo entero por su original formato: cine blanco y negro y a su vez es una película sobre el cine mudo. El Artista, filmada en el 2011, con algunos elementos de los pioneros años 20.

Los actores, desde Jean Dujardin hasta Uggie, el perrito., logran equilibrar el estilo de actuación de la época, con gestos exagerados y sobreactuados para compensar la falta de sonido, pero sin perder por ello la naturalidad en sus papeles.

La historia toma lugar en Hollywood, entre 1927 y 1932, y está enfocada en la relación de una vieja estrella del cine mudo y una exitosa actriz joven, cuando el cine mudo pasó de moda y fue reemplazado por el cine sonoro.

El Artista, película francesa de drama y comedia romántica en el estilo de una película muda en blanco y negro. Escrita y dirigida por Michel Hazanavicius.

Debido a la primera guerra mundial, Europa sufre una decadencia que marcó la pérdida de su dominio internacional en el cine. Aun así, tras la guerra, se crearon obras maestras que iban a hacer escuela. Hasta 1914, productoras como la Gaumont, la Pathé o la Itala films, dominan los mercados internacionales.

El expresionismo fue el movimiento más importante en estos años, cuyo punto de partida suele fijarse con la película “El gabinete del doctor Caligari” (1919), y cuya estética extraña y alienada respondía a los miedos de la Europa de la postguerra, seguida después por “Nosferatus, el vampiro” (1922).

El lenguaje cinematográfico nace con Griffith, en Estados Unidos, con las películas “El nacimiento de una nación” e “Intolerancia”. En “El acorazado Potemkin”, Sergéi Eisenstein, mezcla imágenes imprevistas para estimular una asociación emocional o intelectual en el público.

Fotograma del film Intolerancia de David Wark Griffith.

La técnica de contar una historia en imágenes sufre una gran evolución. A medida que transcurre el tiempo, los directores desarrollan técnicas con los movimientos de la cámara, y en los filmes históricos como “Quo Vadis” y “Cabiria” se comienza a trabajar sobre escenarios tridimensionales.

El cine, como expresión artística, cuenta con movimientos o corrientes a lo largo del siglo XX. Las escuelas rompen con los estilos anteriores, y pronostican un auge de los estilos antecesores. El cine de Vanguardia rompe con la narrativa del cine convencional y las corrientes vanguardistas cuestionan los modos tradicionales de producción, difusión, exhibición y consumo de los objetos artísticos, y recurren a cuestiones relativas a la modernidad.

El acorazado Potemkin, de Sergéi Eisenstein Poster oficial de la película,1926.

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Quo Vadis

El cine impresionista confiere importancia a la emoción y a la narración psicológica, la expresión de sentimientos y los estados de ánimo de los personajes. Una de las películas más representativas del movimiento es “La Rueda” (1922) de Abel Gance.

Originario de la poesía y de las artes plásticas, el cine surrealista mantiene varias de sus características: creación al margen de todo principio estético y moral, la fantasía onírica, el humor desaprensivo y cruel, el erotismo lírico, la deliberada confusión de tiempos y espacios diferentes. Sus realizadores lo utilizan para escandalizar y exterminar una sociedad burguesa mezquina y sórdida. Le otorgan a las imágenes un valor en sí mismas, recurriendo a los fundidos, acelerados, cámara lenta, uniones arbitrarias entre planos cinematográficos y secuencias.

También, en paralelo al movimiento surrealista en pintura y literatura, surgió un cine surrealista, cuyo exponente más célebre es Un Perro Andaluz y La Edad de Oro, ambas dirigidas por Luis Buñuel en colaboración con el pintor surrealista Salvador Dalí.

En las creaciones de la cinematografía expresionista predomina el tema de lo fantástico y el drama social y psicológico, donde se expresa una inestabilidad y angustia existencial.

Se evidencia la crisis moral, toma importancia el tema de la muerte, aparecen personajes que ejercen algún tipo de violencia física y moral, etc. La mayoría de los dramas psicológicos del expresionismo están ligados a la crítica social, donde el pueblo es el protagonista, lo que ayuda al espectador a identificarse más fácilmente con los personajes del film.

El gabinete del Dr. Caligari, (1919), de Robert Wiene, abrió las puertas a una producción cinematográfica artística casi inexistente en Alemania y que daría las pautas estéticas y las temáticas que guiaran el camino del resto de los realizadores expresionistas.

El Cine-Ojo, es una teoría creada por el documentalista soviético Dziga Vertov, que será el fundador del noticiario Cine-Verdad o Kino- Pravda. El Cine – Ojo, consigue una objetividad total e integral en la captación de las imágenes. Rechaza el guión, la puesta en escena, los decorados y a los actores profesionales.

El Cine-Ojo de Vertov es más una actitud filosófica que una proposición técnica, que busca a través del lente del cinematógrafo, captar las acciones de la vida, utilizando los métodos más sencillos para el rodaje, violando si es preciso, todas las leyes y hábitos que requieren la construcción de un film. Cartel de El hombre de la cámara

Fotograma de El hombre de la cámara

Cinéma Pur, fue un movimiento vanguardista nacido en París en la década de 1920 y 1930. El término fue acuñado por Henri Chomette para definir un cine que se centró en los elementos puros del arte cinematográfico, como la forma, el movimiento, la composición visual y el ritmo, algo que realizó en sus cortos “Reflets de Lumière et de vitesse” (1925) y “Cinq minutes de Cinema Pur” (1926).

U.S. photographer and filmmaker Man Ray (pictured here in 1934) was part of the Dadaist “Cinema Pur" film movement, which influenced the development of art film

Man Ray, pionero en la técnica de la filmación sin cámara, exponiendo tramos de película a la luz luego espolvoreándola con alfileres, granos de sal y otros objetos comunes. Emak Bakia se mantiene luego de casi 80 años de su realización.

El movimiento incluyo a muchos artistas dadaístas, como Man Ray (Emak Bakia, Retorno a la razón), René Clair (Entreacto), Fernand Leger (Ballet Mécanique), Marc Allegret, Jean Gremillon, Dudley Murphy, y Marcel Duchamp (Anémic Cinéma).

Ballet Mécanique, fue originalmente escrita para

acompañar una película dadaísta del mismo nombre, dirigida por Dudley Murphy y Fernand Léger con fotografía de Man Ray., Aunque la película fue prevista para usar la música de Antheil como banda sonora, las dos partes no se unieron hasta los noventas. Como una composición, Ballet Mécanique es el trabajo más conocido y perdurable de Antheil. Se mantiene famoso por su estilo e instrumentación radical así como por su argumento. La película fue estrenada el 24 de Septiembre de 1924 en Viena y presentada por Frederick Kiesler, mas tarde un famoso arquitecto. Mientras tanto, la música de Antheil para Ballet Mécanique se transformo en una pieza de concierto, estrenada por el mismo Anthiel en París en 1926.

Anémic Cinéma, es una película dadaísta de Marcel Duchamp. Consiste en una serie de juegos de palabras con frases sin sentido escritas alrededor de patrones de espirales que rotan creando un efecto casi hipnótico. Anémic Cinéma, tuvo su estreno en un sala privada de Paris.

El Neorrealismo italiano fue un movimiento cinematográfico surgido en Italia durante la posguerra de la Segunda Guerra Mundial, cuyos principales representantes fueron Roberto Rossellini, Luchino Visconti y Vittorio de Sica. El neorrealismo es el movimiento del cine italiano que ha conquistado mayor fama en todo el mundo, y para muchos críticos constituye la mayor contribución de Italia a la historia y desarrollo de la cinematografía mundial.

Los precursores más significativos del neorrealismo fueron Toni, de Renoir, de 1935 y la película Napoli, La fine dei Borboni, de Blasetti, realizada en 1934. El neorrealismo adquirió resonancia mundial por primera vez con Roma, città aperta, de Roberto Rossellini (1945), primera película importante realizada en Italia tras el fin de la guerra.

El cine underground estadounidense es una corriente cinematográfica inscrita dentro de las vanguardias, directamente opuesta al cine clásico de Hollywood.

Los orígenes del cine underground estadounidense se sitúan en la década de 1940, en la ciudad de Nueva York, ya que Estados Unidos era considerado la cuna del modernismo, el desarrollo económico y el liberalismo. El cine underground es una clase de cine artesanal, no necesariamente narrativo, con una elevada autoconciencia artística y con recursos de distribución propios. En este período se produjo una fuga masiva de intelectuales y artistas de Europa a Estados Unidos de América que huían del nazismo.

El logo para la exposición del trabajo de Anger celebrada en Londres, 2010.

Maya Deren

Maya Deren fue la primera directora de cine estadounidense que visitó institutos y universidades para dar a conocer el cine experimental. La autora definía sus propias obras con el término "películas de cámara", puesto que sus películas no llegaban a un público amplio, sino a un público íntimo. No aspiraba a exhibirlas en los grandes cines, pero tampoco a la marginalidad.

Su película más destacada es “Meshes of the afternoon”, que parte de lo onírico en el cine y la pintura europea y hace de la mujer la protagonista, interpretada por ella misma.

Meshes of the afternoon, 1943

Meshes of the afternoon. Maya Deren fue la primera directora de cine underground de los Estados Unidos y una de las grandes impulsoras del cine experimental y vanguardista del continente.

Otra de sus películas fundamentales es “Scorpio Rising” (1964), en la que hace referencia continua a elementos fascistas y a experiencias relacionadas con el satanismo y el ocultismo.

Escena de Sueño de una Noche de Verano, 1935.

Otra gran directora fue Kenet Anger. El cine de Anger se basa en las alusiones directas del ocultismo, el escándalo, el mal, la violencia y el fascismo. Su obra más importante es la película “Fireworks”.

El cine de realidad a causa de las ataduras entre su estilo y los aspectos narrativos permite un realismo subjetivo.

Pionero del cine independiente norteamericano y precursor del cinema verité, John Cassavetes (1929-1989) intentó siempre a lo largo de sus películas encontrar la esencia de las relaciones humanas una vez desposeídas estas de las ceremonias sociales y los rituales de la vida que encorsetan y automatizan al individuo.

John Cassavetes en el tráiler de Edge of the City (1957).

Peter Falk y Gena Rowlands, en Una Mujer Bajo la Influencia

El cine de realidad, es un estilo de cine que inició como una reacción hacia el sistema clásico de hacer películas.

Esto puede ser como una construcción artificial de la realidad, ya que nada que no ayude al espectador a entender claramente lo que esta ocurriendo será incluido en la película.

Still of John Cassavetes and Robert Taylor in Saddle the Wind

En la forma clásica de Hollywood, la película es dictada por la narrativa, cada situación que transcurre en una película clásica hace avanzar la narrativa. Todos los personajes presentados son agentes causales en la narrativa, y los clásicos son saturados con imágenes redundantes, expresiones verbales o símbolos para obtener el mensaje a través del espectador.

Alice es una película de 1990 escrita y dirigida por Woody Allen y protagonizada por Mía Farrow, Joe Mantegna y Alec Baldwin. Fue una de sus películas más exitosas comercialmente.

Nouvelle vague es la denominación que la crítica utilizó para designar a un nuevo grupo de cineastas franceses surgido a finales de la década de 1950. Los nuevos realizadores reaccionaron contra las estructuras que el cine francés imponía hasta ese momento y consecuentemente postularon como máxima aspiración no sólo la libertad de expresión, sino también libertad técnica en el campo de la producción fílmica.

El apelativo Nouvelle vague surge cuando muchos de los críticos y escritores de la revista especializada "Cahiers du Cinéma" (Cuadernos de Cine) -fundada en 1951 por André Bazin- deciden incursionar en la dirección de filmes hacia finales de los años cincuenta, tras haber desempeñado la profesión de guionistas durante los años precedentes. Tales son los casos de François Truffaut, Jean-Luc Godard, Jacques Rivette, Éric Rohmer o Claude Chabrol, y sobre todos ellos su precursor Jean Pierre Melville.

La Nouvelle Vague comienza a tomar forma en 1958, cuando Claude Chabrol dirige dos películas. Serán las obras de Truffaut “Los 400 golpes” (1959) y Alain Resnais con “Hiroshima Mon Amour” (1959). Películas que despertaron la atención y sentenciaron el advenimiento del nuevo fenómeno cinematográfico. Los jóvenes realizadores e impulsores de la Nouvelle Vague se caracterizaron por poseer un bagaje cultural cinematográfico, obtenido en las Escuelas de Cine y en la Cinemateca Francesa, por forjar su estilo a través de la crítica, por hacer referencias y citas de homenaje a sus realizadores más admirados, sobre los que incluso han escrito libros.

Por tratar en sus películas la condición humana desoladoramente aislada en el marco de la sociedad pequeño burguesa de la posguerra y por considerar el cine como una especie de autoconocimiento personal, por lo que en sus películas aparecen claras referencias personales.

Por ser defensores de el cine norteamericano de Howard Hawks, John Ford, Alfred Hitchcock y Samuel Fuller, así como también el cine realista y visual de Jean Renoir, Robert Bresson, Jacques Tati, Max Ophuls. Por su preparación teórica y el deseo de renovar el cine les impulsó a redescubrir la “mirada” de la cámara y el poder creador del montaje, pues se reconocían férreos admiradores de Orson Welles.

Free Cinema fue un movimiento cinematográfico británico que nació en los años 1950 y se prolonga hasta la década de 1960. Se caracteriza por implementar una estética realista en el cine de ficción y el documental. Realiza historias creadas a partir de lo cotidiano, se compromete con la realidad social y reacciona ante la artificialidad narrativa de Hollywood y a la dramaturgia británica.

Becky Sharp (1935) es una película americana de drama histórico dirigida por Rouben Mamoulian y protagonizada por Miriam Hopkins. Se basa en la obra homónima de Langdon Mitchell, que a su vez se basa en la novela de William Makepeace Thackeray Vanity Fair.

El Free Cinema busca, siguiendo la línea del cine documental y del neorrealista italiano, acercarse a los seres anónimos de la sociedad, mediante un tipo de cine rodado con pequeños equipos y al margen de los estudios, con un costo inferior al de un simple noticiario y empleando la música de jazz para sus bandas sonoras.

Famosa escena del cine de terror Nosferatu (1922).

La industria del cine inglés sufrió las consecuencias de la arrolladora expansión de la televisión en Europa. Ante este retroceso y con la imposibilidad de competir con los colosos americanos, el cine inglés busca nuevas soluciones y una de ellas será la de actualizar el cine de terror, esta vez con el empleo del color, que va a permitir crear efectos cromáticos tenebrosos.

Dada la proximidad cultura e idiomática de Gran Bretaña con Hollywood, éste fue el país europeo que más dejó sentir la influencia del gigante americano en su cinematografía. El trasvase de actores, directores y guionistas fue constante. Actores británicos e irlandeses, como Julie Christie, Albert Finney, Glenda Jackson, Richard Harris, Peter O'Toole, Alec Guinness o Vanessa Redgrave se hicieron muy populares.

Paralelamente a la Nouvelle vague, en Gran Bretaña los jóvenes cineastas sentían un deseo de renovación y vuelta a la realidad. Los primeros títulos del nuevo cine serán “Together”, de Lorenza Mazetti, triste historia sobre una pareja de sordomudos; “O Dreamland”, de Lindsay Anderson, estudio sobre los visitantes de un parque de atracciones y “Momma don´t allow”, de Karel Reisz y Tony

Richardson, crónica de una velada en un club de jazz por parte de un grupo de jóvenes.

“Together”, de Lorenza Mazetti”

“O Dreamland”, de Lindsay Anderson

“Momma don´t allow”, de

Karel Reisz y Tony Richardson

Los cineastas del Free cinema estaban más próximos a la realidad y reivindicaban cambios sociales concretos; rechazaban el conformismo y la hipocresía de la tradición monárquica inglesa.

El New Queer Cinema es un movimiento cinematográfico nacido dentro del cine independiente de Estados Unidos a principios de los años 90. Los directores de este movimiento se caracterizaron por su aproximación a la cultura Queer y su cine pretendía ser un antídoto frente a las películas que buscaban dar imágenes endulzadas de la homosexualidad, tales como “Maurice” (James Ivory, 1987), “El banquete de boda” (Ang Lee, 1993) o “Philadelphia” (Jonathan Demme, 1993).

La expresión New Queer Cinema fue utilizada por primera vez por la periodista B. Rudy Rich en un artículo publicado en 1992 en la revista británica Sight & Sound. En dicho artículo se analizaba la numerosa presencia de películas con temática homosexual en los festivales de cine del año anterior. Algunos de estos films fueron “Young Soul Rebels” (Isaac Julien, 1991), “Poison” (Todd Haynes, 1990), “Eduardo II” (Derek Jarman, 1992) y “Swoon” (Tom Kalin, 1992).

Algunos historiadores se remontan a la prehistoria, en la que, mediante pinturas rupestres, se intentaba expresar movimiento. Otros descubrimientos posteriores, en Egipto y en Grecia corroboran esta tendencia a representar diferentes fases del movimiento en su arte.

La idea de recrear la ilusión del movimiento con una serie de dibujos es más antigua que el nacimiento del cine.

Bisonte de Altamira, (Cantabria), España.

El primer intento que se conoce de una animación mediante la proyección de imágenes data de 1640, cuando el alemán Athanasius Kircher inventó el primer proyector de imágenes, la «linterna mágica», en la que, mediante grabados en cristales, era capaz de proyectar diferentes fases consecutivas del movimiento, cambiando los cristales de forma mecánica.

Linterna mágica

Proyección de linterna mágica

Phenakistoscopio

Demostraba que el ojo humano retiene la imagen que ve durante el tiempo suficiente para ser sustituida por otra, y así sucesivamente, hasta realizar un movimiento completo, como se ve en su “taumatropo”. Aunque fueron muchos los inventos nacidos a la sombra del principio de persistencia de la visión, ninguno pasó de la categoría de juguete hasta la llegada del «Phenakistoscopio» de Joseph Antoine Plateau, en 1831, en el que conseguía plasmar un movimiento completo mediante el uso de dibujos. Entre las bases del origen de la animación está el mismo juego de sombras y la proyección de siluetas de papeles recortados creados por la cultura china.

El primitivo mundo de la animación estuvo estancado hasta 1824, cuando Peter Mark Roget descubrió el principio de persistencia de la visión, fundamento en el que se basan todas las imágenes proyectadas que conocemos hoy en día.

Posteriormente lo perfeccionó con su teatro óptico, que permitía proyectar películas animadas dotadas de argumento en una pantalla para un público y, acompañadas de música y efectos sonoros, mantuvo un espectáculo de dibujos animados desde 1892 hasta finales del siglo XIX. De su producción, en la actualidad se conserva “Pobre Pierrot”, de 12 minutos de duración.

La animación apareció antes que el propio cinematógrafo. En 1888 el francés Émile Reynaud, padre del cine de animación, inventó el praxinoscopio, uno de los muchos juguetes ópticos de la época, en el cual se utilizaba una técnica pre-cinematográfica de animación.

Recreación de Émile Reynaud proyectando Pauvre Pierrot

Praxinoscopio

El siguiente pionero del cine de animación fue el francés Émile Cohl, que desde 1908 realizó los primeros cortometrajes de dibujos animados, entre los que se destaca “Fantasmagorie”, de un minuto y veinte segundos de duración. Otro pionero fue George Méliès, el cual utilizó en sus filmes abundantes efectos realizados con técnicas de animación. Personajes de Autour d'une cabine (1895).

“Fantasmagorie”, a still from the film

Durante la época del cine mudo y los primeros años del cine sonoro aparecieron las principales formas del cine de animación.

Durante el cine mudo, las películas más comerciales, destinadas al público masivo, fueron las producidas por Walt Disney o las que incluían personajes como Popeye o Betty Boop, y la de los artistas de vanguardia que contemplaron la animación como una extensión de las artes plásticas y realizaron obras experimentales como Oskar Fischinger y Len Lye.

Un Cel original de El hundimiento del Lusitania, firmado por Winsor McCay.

Escena de la venganza del cámara (1911)

Innumerables modalidades, desde los cuentos tradicionales en adversos muñecos animados por Ladislaw Starewicz hasta el reportaje animado sobre “El hundimiento del Lusitania” de Winsor McCay.

El primer largometraje de animación fue mudo y argentino “El apóstol” (1917) de Quirino Cristiani. Otros largometrajes tempranos fueron “Die abenteuer des Prinzen Achmed”, (Alemania, 1926) de Lotte Reiniger y Le roman de Renard (Francia, concluida en 1930 pero estrenada en 1937) de Starewicz. Finalmente, en 1937 Walt Disney estrenó “Blanca Nieves y los siete enanitos”.

El Apóstol, es una sátira política dirigida al entonces Presidente de Argentina, Hipólito Yrigoyen y tiene la peculiaridad de ser la primera película animada en la historia del cine.

Las aventuras del príncipe Achmed (1926).

Anteriormente a la II Guerra Mundial, la animación era usada como arma política, en la que se ridiculizaba a los grandes dictadores de la época. Durante la guerra, eran populares entre los soldados americanos las proyecciones y las tiras cómicas de "Ducktators", una serie de cortometrajes de Warner Brothers.

Los soldados decoraban las bombas y los aviones con dibujos de "Ducktators". Después de la Segunda Guerra Mundial, sobrevino un importante desarrollo de lo que ya era la Industria del Cine de Animación.

En los países del bloque comunista, el Estado promovió intensamente la animación. Esto permitió a muchos animadores trabajar sin presiones comerciales y crear obras de inmensa variedad y riesgo.

La primera gran figura de este desarrollo fue la del animador checo de marionetas Jiri Trnka, un artista popular.

Historia De Un Contrabajo (1949)

El Ruiseñor del Emperador (1949

El Saltador y los Hombres de la

SS (1946)

Laugh-O-Gram Films dedicada a realizar cortometrajes animados basados en cuentos de hadas populares y relatos para niños, como “La Cenicienta” y “El Gato con Botas”.

Los cortos se hicieron famosos en la zona de Kansas City, pero sus gastos de producción excedían a los ingresos que proporcionaban.

La historia tradicional de la Cenicienta en la década de 1920, creada por Walt Disney.

En 1922, Walt Disney, fundó la empresa Laugh-O-Gram Films, Inc., teniendo como colaboradores a Iwerks, Hugh Harman, Rudolph Ising, Carmen Maxwell, y Friz Freleng.

Fotograma de El Gato con Botas

El 15 de mayo de 1928, en Plane Crazy, aparece cinematográficamente el ratón Mickey. En enero de 1930 fue adaptado al cómic, en una tira de prensa con guion de Disney y dibujos de Iwerks. Walt Disney ,recibe el Oscar honorífico por la creación del ratón Mickey, y, en 1932, estrena su primera película a color, “Flowers and Trees”, de la serie "Silly Symphonies", obteniendo el Oscar

al mejor cortometraje de animación. En 1935, realizan los cortometrajes a color y comienzan a aparecer nuevos personajes, como el Pato Donald, Goofy y Pluto.

Silly Symphonies fue una serie de cortometrajes animados producidos por Walt Disney Productions entre 1929 y 1939. A diferencia de las series de Mickey Mouse, Silly Symphonies no usaba personajes continuos.

Blancanieves y los siete enanitos (Snow White and the Seven Dwarfs en el título original), es una película de animación de Walt Disney basada en el cuento Blancanieves y los siete enanitos de los hermanos Grimm. Es el largometraje nº 1 de la lista oficial de los clásicos animados de Disney.

“Blanca Nieves y los siete enanitos” fue el primer largometraje animado, sonoro, de dibujos animados a color en la historia del cine y con mayor éxito de taquilla en 1938, con unos ingresos de 8 millones de dólares en su estreno, lo cual la academia le otorgó a Walt Disney un Oscar honorífico y siete estatuillas diminutas. En 1940, los estudios produjeron otros dos largometrajes: “Pinocho” y “Fantasía”.

La Cenicienta. Disney dominó la animación para cine.

A finales de esa década, el estudio realiza la producción de “La Cenicienta”, siendo el primer auténtico largometraje producido por los estudios Disney desde “Bambi”, en 1942. Continuando con “Alicia en el país de las maravillas” (1951) y “Peter Pan” (1953). Ambos filmes fueron muy criticados por suavizar las obras originales —de Lewis Carroll y James M. Barrie.

Ilustración del capítulo XII: cuando Alicia se levanta para testificar en el juicio, derriba sin querer todo a su alrededor.

En los años 1960 y 1970, con la popularización de la televisión, los cortometrajes de animación desaparecieron definitivamente de los cines. A pesar de ello, aparecen numerosas escuelas de animación en todo el mundo y el cortometraje prosperó en otros canales de distribución. En Estados Unidos, Hanna-Barbera dominó la animación para televisión y Disney la animación para cine.

Pinocho es una película animada de 1940 producida por Walt Disney. Está basada en la novela Pinocho de Carlo Collodi. Fue la segunda película animada de Disney después de Snow White and the Seven Dwarfs y fue estrenada originalmente por RKO Radio Pictures el 7 de febrero de 1940. La película obtuvo dos premios Óscar, en las categorías de mejor banda sonora y mejor canción original.

La primera serie de dibujos animados para la televisión, de Hanna – Barbera fue el Show de Ruff y Reddy. En 1958, HB tuvo su primer gran éxito con The Huckleberry Hound. El programa fue un éxito de audiencia, y se presentó una nueva generación de estrellas de dibujos animados para el público, en particular, Huckleberry Hound y El Oso Yogi.

The Huckleberry Hound, fue el segundo dibujo animado creado para la televisión de Hanna-Barbera tras haber creado a Ruff y Reddy.

En los años 70 algunas alternativas gozaron del favor del público, como Ralph Bakshi, con sus primeras películas pertenecientes al movimiento underground “Heavy Traffic”, “Fritz el gato caliente” y posteriormente sus películas de fantasía “El señor de los anillos”, “Wizards” y “Tygra”. Entre los directores de cortometrajes se destacaron John y Faith Hubley.

Entre los muchos artistas importantes, el más famoso es el checo Jan Švankmajer, que utiliza el stop-motion y la plastilina para crear mundos surrealistas. Otros nombres que se pueden mencionar son los de Marcell Jankovics, Sándor Reisenbüchler, Yuri Norstein, Walerian Borowczyk y Jan Lenica.

Alicia, por Jan Švankmajer

Madame Tutli – Putli de Chris Lavis y Maciek Szczerbowski

Las industrias de Europa del Este y la Unión Soviética, se convirtieron en las más poderosas del mundo: la producción fue enorme en volumen y variedad, desde las series de televisión para niños hasta los cortometrajes artísticos más vanguardistas y radicales.

Osamu Tezuka protagonizó la explosión de los dibujos animados conocidos como anime. Autor de historietas prolífico, adaptó varias de sus propias obras, consiguiendo el primer éxito con la serie de televisión “Astroboy”, que definió los rasgos habituales del anime: rasgos faciales de los personajes, animación limitada, narración semejante al cine de imagen real, vínculo entre la industria de la animación y la del cómic. Tezuka, un huracán creativo, realizó largometrajes y cortometrajes experimentales.

Black Jack, por Osamu Tezuka.

Durante los años 60 el anime fue continuo en las salas de cine, pero en la década siguiente quedó limitado a la televisión. También hubo notables animadores independientes como Yoji Kuri y Kihachiro Kawamoto.

En Europa occidental los resultados fueron más puntuales: películas como “El submarino amarillo” de George Dunning, “Allegro non troppo” de Bruno Bozzetto o “El planeta salvaje” de Réne Laloux tuvieron repercusión. En el cortometraje se destacaron artistas como Raoul Servais, Jean-François Laguionie o Paul Driessen.

El auge de la infografía ha llevado a la compañía Pixar de John Lasseter. a convertirse en la más exitosa productora del mundo, con películas tan bien acogidas como los mejores Disney: “Toy Story”, “Bichos”, “Monsters Inc.”, etc.

La bella y la bestia de Trousdale y Wise.

En Estados Unidos, Disney, a principios de la década de 1990, con “La bella y la bestia” de Trousdale y “Wise”, tuvo su momento de esplendor.

También se han producido algunas películas aisladas de gran calidad, como “El gigante de hierro” de Brad Bird, “Pesadilla antes de Navidad” de Henry Selick, “Me casé con un extraño” y “Mutant aliens” de Bill Plympton.

Pesadilla antes de Navidad de Henry Selick

Mutant aliens de Bill Plympton.

Me casé con un extraño

El anime japonés se ha convertido en la industria más productiva del planeta, extendiéndose en todo el mundo. Las series de televisión son considerables y siguen siendo la atracción principal para millones de aficionados. Los largometrajes para cine, después de desaparecer prácticamente durante los años 1970, reaparecieron con una fuerza creativa y comercial inusitada, principalmente a partir de “Nausica del valle del viento” de Hayao Miyazaki y Akira de Katsuhiro Otomo.

Nausica del valle del viento de Hayao Miyazaki

Se ha producido una expansión en la variedad de los estilos y temáticas que se tratan, con autores tan diferentes como Mamoru Oshii, Satoshi Kon o Isao Takahata, mientras el citado Miyazaki se ha convertido en un director de culto internacional con el prestigio de los grandes directores de imagen real. Un animador independiente que ha logrado reconocimiento en Occidente ha sido Koji Yamamura.

Avalon, de Mamoru Oshii

En Francia se han destacado los cortometrajes de la productora Folimage; en largometraje, el éxito de “Kirikú y la bruja” de Michel Ocelot ha abierto el camino para un número creciente de películas de ambiciones y calidad notables: “Las trillizas de Belleville” de Sylvain Chomet, “Corto Maltese: La cour secrète des Arcanes” de Pascal Morelli, “La prophétie des grenouilles” de Jacques-Remy Girerd, etc.

se lanzó a la producción de largometrajes con “Evasión” en la granja del mismo director.

En el Reino Unido, la productora Aardman Animations, dedicada principalmente a la animación con plastilina, se hizo popular a ambos lados del Atlántico con sus cortometrajes : “La Saga de Wallace y Gromit”, de Nick Park, y

Nuevas generaciones de animadores de los países del Este, han mantenido viva su tradición en cortometrajes, entre los que se destacan: los rusos Garri Bardin, Aleksandr Petrov y Konstantin Bronzit; los checos Aurel Klimt y Jan Svankmajer, con su largometraje “Fimfárum”, el polaco Piotr Dumala, los letones Priit Pärn y Priit Tender y la Escuela Checa de Animación, con Jiří Trnka a la cabeza.

Las películas de García Ferré están plenamente orientadas para los niños. Es el creador de famosos personajes infantiles, como Anteojito, Hijitus, Larguirucho, Petete y Calculín, así como de tiras animadas televisivas, largometrajes animados y la revista Anteojito.

Dante Quinterno fue el productor y director del primer dibujo animado a color de la Argentina, con su prestigioso cortometraje del personaje “Patoruzú”, titulado "Upa en Apuros" en 1942. Manuel García Ferré está considerado como el mayor exponente de todos los tiempos en la animación Argentina.

En Argentina el programa de televisión “Caloi en su tinta”, presentado por el dibujante Carlos Loiseau, se ha mantenido en pantalla durante más de diez años. Juan Pablo Zaramella, es considerado el más importante ilustrador argentino contemporáneo. Su última producción "Luminaris", ganó más de 200 premios internacionales como Annecy 2011, y fue preseleccionado al Oscar en la categoría Mejor Corto Animado.

Colombia tiene una historia de la animación que se remonta hasta 1938. Aunque surgió como iniciativas artísticas aisladas, el trabajo de Fernando Laverde quien realizó los largometrajes “La pobre viejecita”, “Cristóbal Colón” y “Martín Fierro”, así como la obra de animación experimental del artista Carlos Santa “El pasajero de la noche”, abrieron el terreno para los creadores interesados en este arte.

En 1960 fueron creados en Cuba los Estudios de Animación del ICAIC, institución que hasta la fecha ha creado innumerables series, cortometrajes y largometrajes. Entre ellos el laureado “Vampiros en La Habana”, del director Juan Padrón.

Elpidio Valdés, largometraje animado de Juan Padrón.

Cabe mencionar los trabajos de Alfonso Vergara Andrade y algunas de sus obras como “Paco Perico en premier” de 1935 y “Los cinco cabritos y el lobo” de 1937 cortometrajes realizados en ava films, estudio que él mismo fundó.

“Los cinco cabritos y el lobo”, 1937

La animación mexicana, en sus comienzos, intentó con varias producciones siendo la mayoría cortometrajes realizados por personas que tenían la inquietud y el deseo de involucrarse en ese ámbito artístico poco explotado en el país. “Paco Perico en premier,1935.

En la década de 1970 y principios de los años 1980 se surgieron una serie de largometrajes de animación mexicano: “Los tres reyes magos” (1974), “Los supersabios” (1977), “Roy del espacio” (1983), “Katy la oruga” (1984), una coproducción México-española, “Las aventuras de Oliver Twist” (1987), adaptación animada de la novela de Charles Dickens realizada por Fernando Ruiz.

Los tres reyes magos ,1974.

Las aventuras de Oliver Twist (1987), Charles Dickens. Adaptación animada realizada por Fernando Ruiz.

Katy la oruga,1984.

Algunos experimentos habían demostrado que las ondas sonoras se podían convertir en impulsos eléctricos. En el momento en que se logró grabar en el celuloide la pista sonora, se hizo posible ajustar el sonido a la imagen.

Las nuevas técnicas, el espíritu creativo y emprendedor de los cineastas hizo que se impusiera el cine sonoro, acabando, no sin dificultades y dejando a mucha gente en el camino, con el cine mudo.

Cuando el cine sonoro demostró su rentabilidad, las películas mudas, a pesar de su arte, quedaron condenadas a pasar a la historia. El cine mudo había durado 35 años.

Los primeros experimentos con el sonido en el cine llegaron de la mano del físico francés Georges Démeny, quien en 1893 inventó la fotografía parlante.

Hacia el año 1926, el cine mudo había alcanzado un gran nivel de desarrollo en cuanto a la estética de la imagen y movimiento de la cámara. Había una gran producción cinematográfica en Hollywood y el público se contentaba con las películas producidas. No se exigía que los personajes comenzaran a hablar, ya que la música aportaba el dramatismo necesario a las escenas que se proyectaban en pantalla.

Escena cumbre de "El hombre mosca“ (1923)

El Circo, se convirtió en la séptima película muda dirigida, producida y protagonizada por Charles Chaplin. (1928). Se convirtió en la séptima película muda de mayor recaudación en la historia del cine, con unos ingresos de más de $3,8 millones en 1928.

La primera exhibición pública conocida de cine sonoro proyectado ocurrió en París en 1900, décadas antes de que la sincronización confiable entre sonido e imagen se hiciera comercialmente práctica. La primera proyección comercial de películas con sonido completamente sincronizado ocurrió en la ciudad de Nueva York, en abril de 1927.

El cantor de jazz de Alan Crosland. En los primeros años después de la introducción del sonido, las películas que incorporaban diálogos sincronizados fueron conocidas como "películas sonoras".

La moviola, la máquina de montaje, que sin ella hubiera sido imposible montar las películas musicales que tanto influyeron en los primeros momentos del sonoro.

En los años 1930, las películas sonoras eran un fenómeno global. En los Estados Unidos, ayudaron a asegurar la posición de Hollywood como uno de los sistemas culturales y comerciales más potentes del mundo.

En Europa, el nuevo desarrollo fue tratado con escepticismo por muchos directores de cine y críticos a los que les preocupaba que el centrarse en los diálogos, perturbaría la principal virtud estética del cine mudo. En Japón, donde la tradición de cine integraba cine mudo con interpretaciones vocales en directo, las películas sonoras prevalecieron con gran lentitud. En India, el sonido fue el elemento que llevó a la rápida expansión de la industria del cine del país, la más productiva del mundo desde principios de los años 1960.

Esta tendencia al realismo sentó las bases para futuros movimientos cinematográficos, como el realismo poético francés y el neorrealismo italiano.

Tom pouce suit une femme, Charles Pathé, 1910. (Pulgarcito persiguiendo a una mujer)

Charles Pathé fue el pionero de la industrialización del cine en Francia. En sus películas aplicó la fórmula para atraer a todo tipo de espectador con las llamadas "escenas dramáticas realistas“.

Escena de la casa de la colada

En 1896, Pathé crea una pequeña empresa dedicada a la fabricación y venta de fonógrafos, la Pathé Fréres, fundada junto con sus hermanos Emile, Jacques y Théophile.

En 1894, acudió a una feria donde se exponía el famoso fonógrafo de Edison y tuvo la idea de convertir a las audiciones de dicho invento en un negocio. Interesado y fascinado por los prodigiosos inventos de Edison (el Kinematoscopio) y de los Lumière (el Cinematógrafo), Pathé decidió probar fortuna también en el campo de las imágenes en movimiento: auxiliado por el mecánico Henri Joly fabricó una cámara tomavistas similar a la de los Lumière.

Kinematoscopio. Coleman Sellers, diseño en 1861 un proyector basado en el estereoscopio, donde se podían ver dos imágenes poco diferentes entre sí. En un salón proyectaba las fotografías en una pantalla y a una gran velocidad. A medida que la velocidad de las emulsiones fotográficas aumentó, fue posible fotografiar un movimiento real en vez de poses fijas de ese movimiento.

Vista interna del kinetoscopio con la película arrollada en una banda sinfín, que circulaba entre una fuente luminosa y el ocular de la parte superior.

En 1877,Thomas Alva Edison, uno de los inventores del cinematógrafo, logró grabar la voz humana en su fonógrafo. Muybridge gravó la progresión del galope de un caballo en 1972. Estos dos precursores sientan las bases de los inventos posteriores. En el caso del cine, el problema que no se conseguirá solucionar de manera rentable y eficaz hasta después de la Primera Guerra Mundial será la sincronización de sonido e imagen.

El primer corto filmado por Pathé, fue “La llegada del tren de Vincennes” en el año de 1897, claramente influenciado por “la llegada del tren” de los hermanos Lumière.

El Zoopraxiscopio de Muybridge era la combinación de un disco con imágenes, una especie de obturador y una linterna mágica.

Charles Pathé, combinó fonógrafo y cinematógrafo. En la misma época, León Gaumont desarrolló un sistema de sonorización de películas, que presentó en la Exposición Universal de París de 1902.

Al igual que Georges Méliès, Zecca procedía del mundo de las variedades y el espectáculo. Se caracterizaba por sus comedias galantes, actualidades reconstruidas, escenas fantásticas y persecuciones cómicas. Junto a Pathé, inventó el noticiario cinematográfico.

Pathé se rodeó de personas que se hicieron cargo de la dirección de películas, como Ferdinand Zecca.

Su primer éxito como realizador es Historia de un crimen, primer éxito de Zecca,(1901). La obra contiene un interesante flash-back. El condenado a muerte rememora en sus últimos momentos el crimen por el que se condenó.

La mayoría de los noticieros eran dramatizaciones de hechos importantes, dada la imposibilidad de asistir al lugar de la noticia. Este género gozó de una gran acogida, porque gracias a su realce tenían una gran capacidad de impacto emocional. Además, durante la Primera Guerra Mundial se convirtió en un referente informativo fundamental.

”

Asistentes al Foto Drama de la Creación, New York, 1914

El Foto-Drama de la Creación, esta producción estaba compuesta de diapositivas fotográficas y película cinematográfica acompañadas de discos fonográficos de discursos y música.

La primera película de cine épica se llamó “El Foto-Drama de la Creación’” y aunque apareció 15 años antes que se produjeran otras películas sonoras, ofreció una combinación de películas cinematográficas y fotografías sincronizadas con un discurso grabado. Se dividía en cuatro partes, duraba un total de ocho horas y la vieron aproximadamente 8.000.000 de personas.

El cartel de la película : "El foto drama de la Creación"

En 1918, se patentó el sistema sonoro TriErgon, que permitía la grabación directa en el celuloide. El invento definitivo surgió en 1923, el Phonofilm, creado por el ingeniero Lee de Forest, quien resolvió los problemas de sincronización y amplificación de sonido, ya que grababa sobre la misma película; rodó 18 cortos para promocionar la técnica, entre ellos uno de 11 minutos de Concha Piquer, que se considera la primera película sonora en español. No obstante, por falta de financiación el invento se postergó hasta 1925, año en que la compañía Western Electric negoció por él.

Concha Piquer, se considera la primera película sonora en español.

En 1927, los estudios Warner Bros se encontraba en una situación financiera critica y acordaron por integrar el nuevo sistema de sonido Vitaphone, sistema en el cual la banda sonora estaba presente en discos sincronizados con la proyección. Se incorporó por primera vez en una producción comercial titulada “Don Juan” (1926) de Alan Crosland, así como en otra de sus películas, “Old San Francisco” (1927).

En ésta producción incorporó por primera vez ruidos y efectos sonoros. Sin embargo la película sonora más exitosa fue “El cantante de jazz” (1927). Ante el éxito, pronto todos los grandes estudios montaron sus propias películas sonoras, y el cine mudo quedó olvidado. La aparición del cine sonoro introdujo grandes cambios en la técnica y expresión cinematográfica.

La cámara perdió movilidad quedando relegada a la posición fija del cine primitivo y la imagen perdió su estética cediéndole importancia al diálogo. Los actores también se vieron implicados en este cambio técnico. Algunas grandes estrellas fílmicas de Hollywood vieron naufragar sus carreras ante su mala dicción, su pésima voz o su excesiva mímica. Debido a esto surgieron nuevos actores en su reemplazo. Una película que retrata esta transición del cine mudo al sonoro es el famoso musical "Cantando bajo la lluvia" (1952).

Así mismo, Eisenstein, Pudovkin y Alexandrov publicaron un manifiesto en 1928 manifestando su negativa al cine sonoro.

Quizás el único de los grandes del cine mudo que siguió haciendo filmes sin sonido fue Charles Chaplin como “Tiempos modernos" (1936). A partir de 1940 comienza a realizar películas con sonido, la primera de las cuales es "El gran dictador".

Película polémica en su época, ha sido reconocida en retrospectiva como uno de los grandes hitos fílmicos de todos los tiempos, y sumó todos los experimentos conceptuales de la época, cerrando caminos y abriendo otros, razón por la cual figura regularmente como una de las mejores películas de todos los tiempos, en listados y reseñas críticas.

Posiblemente la cúspide de las posibilidades del cine de la época, en términos de lenguaje cinematográfico, haya sido alcanzada por el filme “Ciudadano Kane”, de Orson Welles, en 1941.

Welles (izquierda) visitando a Mankiewicz (centro) en el desierto de California durante el proceso del guión del Ciudadano Kane.

Sir Charles Spencer Chaplin, (1889 –1977) fue un actor cómico, compositor, productor, director y escritor británico. Adquirió popularidad gracias a su personaje Charlot en múltiples películas del período mudo. A partir de entonces, es considerado un símbolo del humorismo y el cine mudo. Para el final de la Primera Guerra Mundial, era uno de los hombres más reconocidos de la cinematografía mundial.

Con su personaje Charlot, debutó en 1914 en la película “Ganándose el Pan” y durante ese año rodó 35 cortometrajes, entre ellos “Todo por un Paraguas”, “Charlot en el Baile” y “Charlot y el Fuego”.

Chaplin caracterizado como Charlot

Desde mediados de la década de 1910 dirigió la mayoría de sus películas. En 1916 se encargó de la producción, y desde 1918 compuso la música para sus producciones. En 1919, en colaboración con Douglas Fairbanks, David Wark Griffith y Mary Pickford, fundó la United Artists.

Sin embargo, las películas más destacadas de Chaplin fueron “La quimera del oro” (1925), “Luces de la ciudad” (1931), “Tiempos modernos” (1935) y “El gran dictador” (1940). Sus técnicas al momento de filmar incluían slapstick, mímica y demás rutinas de comedia visual.

Realizar películas con contenido artístico se transformó para los círculos culturales europeos, latinoamericanos o asiáticos en una especie de estandarte cultural, para oponerse a la cultura de los Estados Unidos. Esta línea divisoria, marcada en las décadas de 1980 y 1990, se fue disolviendo entrado el siglo XXI, porque las nuevas posibilidades de los efectos especiales por computadora y el cine digital permitieron disminuir los costos de las películas comerciales. El cine arte nunca desapareció por completo de Estados Unidos, como lo prueba David Lynch en “Terciopelo azul”, el cual, para muchas de sus producciones debió recurrir a capitales europeos.

La celebración, (1998), primera película del movimiento Dogma 95. Es una película danesa, escrita y dirigida por Thomas Vinterberg, sobre las turbias relaciones entre los miembros de una familia. Las películas realizadas

con vocación de cine arte tendían a buscar reconocimiento en Cannes, Berlín, o Venecia.

Movimiento fílmico vanguardista iniciado en 1995 por los directores daneses Lars von Trier y Thomas Vinterberg, quienes crearon la "Manifestación del Dogma 95" y el "Voto de Castidad". Esos fueron reglas para hacer cine establecido en valores tradicionales de historia, actuación y tema, y excluyendo el uso de elaborados efectos especiales o tecnología.

Para cierto sector de la crítica, el cine ingresó hacia la década de 1980 en el postmodernismo. De ahí que se hablara del agotamiento de las vanguardias, de la imposición del concepto de simultaneidad por sobre el de continuidad, del reciclaje de viejos materiales.

Hitos de este cine postmoderno serían filmes como Blade Runner (1982) o Pulp Fiction (1994), filmes armados a partir de la recreación de viejos códigos fílmicos y literarios que han perdido vigencia como tales, como por ejemplo el cine negro o el pulp.

El posmodernismo surge del desencanto por las ideas del modernismo y es el movimiento de la tolerancia y la diversidad. Precisamente por ello, es la conjunción de movimientos que tienen en común el rechazo a “la razón”, negando la posibilidad de un conocimiento total y objetivo. Para el posmodernismo la única verdad posible es la subjetividad.

Los cineastas ingleses y americanos fueron los primeros en rodar las primeras películas postmodernas. En esta nueva era, después de los turbadores años setenta, y con la violencia y contenidos conservadores en la pantalla, la seducción a través de la

El Padrino II

imagen, los ritmos del montaje y la violencia del color se anuncian como distintivos de una nueva relación entre el cine y su público.

La alquimia entre ingleses y americanos ha aportado al postmodernismo su fino sentido del humor y una poderosa imaginación visual.

Elementos y características del lenguaje cinematográfico a partir de los años 70 se encuentran desde el periodo mudo. Por ejemplo, la ruptura intencionada de la suspensión de incredulidad fue una de las características más notables de los hermanos Marx, por ejemplo con sus continuas alusiones al espectador hablando a la cámara. La película muda italiana “Maciste”, de 1915, un espectador llama a Maciste y éste sale de la pantalla, recurso que posteriormente utilizaría Woody Allen en “La rosa púrpura de El Cairo”.

El cine postmoderno, partiendo del primario postmodernismo de Fry o Lyotard y de claras raíces fílmicas en la nouvelle vague francesa, busca explorar y excitar emociones, temas, situaciones, caracteres, etc., yendo más allá de las convenciones del retrato convencional de personaje y la lógica en la estructura en el tiempo y espacio narrativo.

en los múltiples y complejos procesos experimentales de la creación. A finales del siglo XIX, el cine en sus presentaciones se manifestó a través de las pinturas de los clásicos. El cine, en la búsqueda de la plástica y la estética, reprodujo pinturas para los filmes inspirados en la vida o en las composiciones pictóricas de los grandes maestros del arte.

Steven Spielberg

La literatura, la fotografía, la pintura, la escultura, la arquitectura, la música, la danza, la luz, el color, se han unido de tal modo que el cine abraza a las artes

El cine, por otra parte, «ha contribuido a re-encuadrar la pintura moderna», según José Luis Borau. Según Borau, las aportaciones principales del cine a la pintura han sido, la luz, el encuadre y el movimiento.

La cinematografía es considerada “el séptimo arte”, sus antecesores son la arquitectura, escultura, pintura, música, literatura y danza. Cabe mencionar que Rioccito Canudo, en 1991, fue el primero en definir al cine como el séptimo arte.

En el siglo XX, los directores de cine se inspiraron en los artistas, tanto para comprender las obras representadas y crear ambientes para mostrar sus vidas reviviendo sus formas de expresión. Varios directores y fotógrafos cinematográficos fueron pintores, tal es el caso de John Houston en “El Molino Rojo”, (1952), y artistas que colaboraron con sus diseños y dibujos como Salvador Dalí en “Destino”.

Dalí consideraba que el cine estaba sumergido de magia. Desde sus guiones cinematográficos y su colaboración con Luis Buñuel, en “Un Perro Andaluz” (1929) y “La Edad de Oro” (1930). En 1945, Dalí conoció a Walt Disney y firmó un contrato para un cortometraje de animación de pocos minutos de duración que debía combinar ballet y dibujos animados. El proyecto, titulado Destino, acabó interrumpido por diversos problemas, entre ellos la crisis económica que siguió al final de la II Guerra Mundial.

Con la música del mismo título como hilo conductor, compuesta por el mexicano Armando Domínguez e interpretada por Dora Luz, este trabajo se convierte en un bello retrato del amor imposible entre Cronos y una mujer mortal.

Fue en 1946 cuando Walt Disney encargó a Salvador Dalí, junto al animador John Hench, la realización de un cortometraje del que sólo llegaron a rodarse veinte segundos de prueba que no cuajaron. Pero muchos años después y partiendo de los bocetos e instrucciones del genio catalán, Roy Disney y Baker Bloodwort consiguieron obtener este corto de seis minutos que vio la luz en 2003.

Los dibujos y pinturas conservadas de Destino, se han rescatado y terminado, siguiendo las instrucciones y los esbozos de Dalí.

Se recrea una ambientación de Ámsterdam en la edad dorada del mercantilismo como marco para la presentación de personajes de todos los estratos sociales. Al igual que las obras de Rembrandt, Korda maneja la iluminación y las sombras, en las escenas, al que representa en la oscuridad, la muerte de su esposa y a la que ilumina la fulgurante presencia de Gertie, a la luz de una vela.

Alexander Korda reflejó en Rembrandt la gloria y la miseria de un pintor genial enmarcado en una época donde la superficialidad y las apariencias eran lo único que contaban.

Los temas importantes en la vida de Lautrec, son manejados por medio de flash-backs, como su traumática infancia, su deformidad, el apego a su madre y el rechazo que produce la relación con la bailarina de La Goulue. El color de la película, Moulin Rouge, está inspirado en el de los pintores impresionistas franceses.

Toulouse-Lautrec, hundido por su malformación física, únicamente encuentra consuelo en su arte y en la botella.

Zsa Zsa Gabor en Moulin Rouge (John Huston, 1952)

Dirigida por Vincente Minnelli e impregnada con colores del mar, el campo y el cielo de Van Gogh, El Loco del Pelo Rojo capta el éxtasis del arte y la agonía de la vida de un hombre.

Kirk Douglas y Anthony Quinn en "El loco del pelo rojo

Tras el éxito de Moulin Rouge (1952), de John Huston, sobre la vida del pintor impresionista Toulouse Lautrec, MGM compró los derechos cinematográficos de la obra de Irving Stone para rodar la vida de Vincent Van Gogh. Para no caer en los errores de otras películas sobre pintores, fotografiaron los cuadros originales en placas de gran tamaño y se proyectaban por debajo de unas mesas con el tablero traslúcido, daban pincelada a pincelada, con gran minuciosidad.

Autorretrato de Van Gogh

Su vida amorosa oscila entre el amor de una joven pura e ingenua que ama sin límites al artista y el de una rica y poco escrupulosa escritora americana que sólo busca en él la aventura, aunque ayuda al pintor más de una vez cuando entra en una de sus crisis.

Es una película biográfica sobre la mísera existencia de uno de los más famosos pintores del siglo XX: Modigliani, obligado a vivir en la más absoluta miseria malvendiendo sus cuadros para sobrevivir de mala manera y hundirse cada vez más en el alcohol. La Belle Romaine, de Amadeo Modigliani.

El realizador Carol Reed firma uno de los grandes clásicos del cine histórico. El papa Julio II y Miguel Ángel, viven entre el tormento y el éxtasis, una de las peleas artísticas más sonadas de la historia. Basado en la biografía que escribió Irving Stone, y en textos de Vasari y de Giovanni Papini sobre el gran artista florentino Miguel Ángel Buonarrotti, presenta realista y eficazmente el conflicto, representado magníficamente por Charlton Heston y Rex Harrison, cuyas fuertes personalidades les llevaban a entrar en continuo conflicto.

Aunque ni libro ni película tratan demasiado el contexto histórico de la Europa de aquella época, ambos son imprescindibles. Las escenas que muestran a Miguel Ángel sufriendo en lo alto del andamio, con la pintura goteándole sobre la cara, es un momento de enorme emotividad para los amantes del arte, al igual que los trabajos en «estarcido», ese dibujo agujereado para poder traspasarlo con carbón sobre el yeso de la pared.

Esta extraordinaria producción, calificada como una de las mejores películas de su época, es una soberbia dramatización del conflicto detrás de una de las máximas obras de arte de la humanidad.

Andrei Rublev, pintor de iconos ruso del s. XV, sirve a Tarkovski como reflexión sobre la creación artística y la labor social del artista frente al poder. Nos muestra un mundo brutal, violento, de religiosidad cuestionada; un mundo, en Rusia, donde príncipes hermanos luchaban por un trono y el pueblo se mataba a sí mismo en guerra tras guerra. Se divide en tres partes de la supuesta pasión según Andrei y cada uno de estos a su vez se dividen en episodios de la vida del pintor de iconos y de interiores de iglesias y catedrales bizantinas rusas.

El monje pintor acude junto con sus compañeros a Moscú para pintar los frescos de la catedral de la Asunción del Kremlin. Fuera del aislamiento de su celda, pronto comenzará a percatarse de las torturas, crímenes y matanzas que tienen aterrorizado al pueblo ruso. Quebranta su fe y se sumerge en el silencio, frustración que le lleva a dejar de pintar. Sólo al encontrarse con un niño constructor de campanas entenderá que dejó que su dolor personal y su soledad se antepusieran a su deber creador como artista. Así regresó a los pinceles y, mediante sus iconos, sus imágenes sagradas, se acercó a un Dios que nunca se muestra plenamente.

En el epílogo, con música coral, se ven una serie de planos en que van mostrando diversas partes de iconos costumbristas, historiados hasta llegar con planos medios a mostrarnos la gran Trinidad de Rublev, culmen de su arte

De las películas que se han realizado sobre Frida Kahlo, esta es la primera, rodada completamente en México, con escasos diálogos y largas secuencias que, desde el reducido espacio de la habitación en la que está confinada en su lecho, ahonda en el interior de la artista a través de sus recuerdos y sueños y profundiza en la creación de su obra artística.

Es un retrato magistral de la pintora ,de su vida apasionada, de sus amores con Diego Rivera, de su relación con Trotsky, su militancia, su fiebre creadora, sus altibajos sentimentales y su profunda soledad. Leduc, supo dar a sus fotogramas el aire cercano y el color que caracteriza la pintura de Frida.

La película viaja por la vida y obra de Camille Claudel, hermana de Paul Claudel, precoz e inteligente escultora, amante de las artes en el sentido más amplio y rico, y compañera durante más de 10 años del también escultor, Auguste Rodin.

Camille sintió desde muy niña gran pasión por el arte y en especial por la escultura a la que dedicó gran parte de su vida. La película está basada en el libro de Reine-Marie Paris, nieta del hermano de Camille, el poeta y diplomático Paul Claudel. El escultor Auguste Rodin fue su maestro y Camille se convirtió en su inspiración, su musa, y con el que inició una tormentosa relación protagonizada por las numerosas crisis y rupturas. La escultora tuvo una vida agitada sentimentalmente y lo reflejó en su obra, una vida en la que también echaba un pulso a su propia libertad en una sociedad que no se ajustaba a sus ideas. En sus últimos días vivió como una mendiga y finalmente fue internada en un psiquiátrico por sus problemas mentales. El Vals

La historia sucede en la segunda mitad del Siglo XVIII y comienzos del XIX. Goya fue testigo de intrigas políticas y románticas en los últimos años de la invasión napoleónica en España. El exilio en Burdeos y el comienzo de sus pinturas oscuras y macabras, en sus postreros años de su vida, son el comienzo del film con un Goya sordo e interpretado por Rabal.

Los recuerdos de su juventud y los flashbacks en su narración hacia su hija Rosario, muestran al joven artista en los laberintos de la corte. Principalmente sus recuerdos refieren a su persecución de Cayetana, la Duquesa de Alba. Recordará al Goya joven y ambicioso que lucha por subir los resbaladizos peldaños de la corte de Carlos IV, donde vivirá el reconocimiento y la fortuna, las intrigas de palacio y el juego de la seducción y la mentira.

A los 82 años, exiliado en Burdeos junto a Leocadia Zorrilla de Weiss, la última de sus amantes, Francisco de Goya, reconstruye para su hija Rosario los acontecimientos que marcaron su vida, una vida en la que se suceden convulsiones políticas, pasiones emponzoñadas y el éxtasis de la fama.

Cayetana de Silva-Álvarez de Toledo, retratada por Goya en 1795. También rememorará a su único amor, la Duquesa de Alba, una mujer que redibujó su vida y la historia de su tiempo, y cuya existencia quedará truncada por el veneno de las conspiraciones. Saturno devorando a un hijo

Es la recreación de la vida de los amantes y artistas contemporáneos Jackson Pollock y Lee Krasner (de la escena artística de Nueva York), que escapan al campo para contraer matrimonio y, muy pronto, Pollock comienza a crear el arte que lo convirtió en el primer pintor del modernismo dentro de los Estados Unidos.

En agosto de 1949, la revista Life publica el siguiente titular: «Jackson Pollock: ¿el mejor pintor vivo de los EE.UU.?» El artículo incluía fotografías de Pollock en su famosa pose: chaqueta negra y vaqueros azules, brazos cruzados sobre el pecho y uno de sus lienzos detrás de él. Conocido por entonces en el círculo artístico de Nueva York, Pollock se convirtió a partir de entonces en una de las primeras estrellas del arte en EE.UU., y su estilo radical de pintura consiguió cambiar el rumbo del arte moderno.

En la década de los cuarenta, ya estaban en el centro de la escena artística de Nueva York. Paralelamente, la vida de los dos pintores tuvo sus altibajos, mientras que Krasner deja a un lado su trabajo para impulsar la carrera de Pollock, él comienza a revelarse emocionalmente, pues los tormentos que marcaron la vida del artista continuaron persiguiéndole. Mientras lucha contra su falta de confianza en sí mismo, en una batalla entre la necesidad de expresarse y el deseo de silencio, Pollock comienza a recorrer una espiral hacia abajo que lo llevará a destruir los fundamentos de su matrimonio y su carrera.

Esta película es la adaptación de la novela de Tracy Chevalier, que a su vez se basa en un cuadro de Johannes Veermer. No es el cuadro, sino la chica que lo inspira la que lleva el peso de la historia a mediados del siglo XVII.

La película transpira arte por todos sus poros Durante el film podemos observar diversos cuadros del pintor holandés.

La película muestra su gran desafío al transportar la atmósfera y el misterio que inundan los lienzos del pintor al celuloide, así como robar la mirada de la actriz que encarna a la modelo del cuadro como lo hiciera el que la retratara con sus pinceles.

La relación entre el pintor y la reprimida muchacha va ganando en intensidad al ir ella descubriendo su pasión por la pintura y él encontrar la inspiración tan perseguida.

Esta joven se llama Griet y entra a servir en la casa del pintor, que pasa por una pequeña crisis.

Corre el año 1566. Creta ha sido ocupada por los venecianos. Tras huir de la isla a causa de una matanza de sublevados cretenses, el pintor Domenicos Theotocopoulos «El Greco» llega a Venecia siguiendo a su amante, Francesca da Rimi hija del gobernador veneciano en Creta. Allí encontrará trabajo en el estudio de Tiziano, donde pronto destacará sobre el resto de artistas y será descubierto por un cazatalentos del gobierno de Felipe II. También en Venecia trabará amistad con Niño de Guevara, un sacerdote español, con el que mantendrá una extraña relación.

En Madrid se enamora de Jerónima de las Cuevas, hija de un noble militar, con quien convive y con quien tiene un hijo. Se establecen en Toledo, donde el pintor conoce un éxito fulgurante, codeándose con las más altas esferas políticas y religiosas.

Niño de Guevara. En esa misma ciudad se reencuentra, años después, con su amigo Guevara, ahora convertido en Gran Inquisidor.

Domenicos Theotokopoulos interpretado por Nick Ashdon, junto al inquisidor Niño de Guevara interpretado por Diego Botto Después de ayudar a liberar a algunas de sus víctimas y de pintar un retrato del Inquisidor donde lo muestra como un ser despreciable y cruel, El Greco será juzgado por herejía. La clave de su liberación o de su condena está en manos de su mayor enemigo: Niño de Guevara.

Sintiendo una profunda repulsión de los actos cometidos por la Santa Inquisición, El Greco, fiel a sus principios, no duda en tomar partido en contra de ella, ganándose la animadversión del propio

Estos dos artes tienen como objetivo contar historias, y uno de sus elementos básicos ha sido la palabra. El lenguaje cinematográfico se desarrolló ante el reto de narrar con claridad una historia en un tiempo determinado, sintetizando en una hora de proyección, cientos de páginas que constituyen un guión.

La Guerra y la paz de León Tolstoi Los Miserables de Victor Hugo

Crimen y Castigo de Fedor Dostoievski

A través de los años, el cine ha realizado grandes obras de la literatura, han evidenciado la difícil tarea de representar para la pantalla, las imágenes literarias; esto sin duda, ha resultado en aciertos y decepciones, sin embargo, resulta primordial reconocer, que si bien son dos medios distintos, esto no los hace incompatibles, sino complementarios.

El Retrato de Dorian Gray de Oscar Wilde

Los Tres Mosqueteros de Alejandro Dumas

El cine y literatura está íntimamente unidas y condenadas a encontrarse. El cine ha recibido de la literatura relatos, argumentos, formas y estilos.

La literatura, en todo el último siglo, va recibiendo del cine diferentes modos de mirar, una concepción narrativa distinta, que acomoda en los autores literarios, en ocasiones, su mirada y su estilo.

Cumbres Borrascosas de Emily Brontë El Mercader de Venecia por William Shakespeare

El 24 de enero de 1897, Gabriel Veyre llevó el primer cinematógrafo a La Habana desde México. La primera presentación se llevó a cabo en el Paseo del Prado #126, al lado del Teatro Tacón, hoy llamado el Gran Teatro de La Habana. Cuatro cortometrajes fueron mostrados: "Partida de cartas", "El tren", "El regador y el muchacho" y "El sombrero cómico". Las entradas costaron 50 centavos, 20 para niños y militares. Poco después, Veyre protagonizó el primer filme producido en la isla, llamado "Simulacro de incendio", un documental sobre los bomberos de La Habana.

Gabriel Veyre, en 1896 viajó con Claude Ferdinand Bon Bernard a Latinoamérica, mostrando los primeros filmes realizados por los hermanos Lumière y para explotar el cinematógrafo.

En Cuba, películas como “Mambí" y "Libertadores o guerrilleros" (1914), de Enrique Díaz Quesada con el apoyo del General Mario García Menocal se destacan. Díaz Quesada adaptó a película una obra española del novelista Joaquín Dicenta en 1910, una tendencia de la época, que adaptaba obras literarias a películas, como también imitaciones a Charles Chaplin, comedias francesas y aventuras de vaqueros. El período de producción de películas mudas se extendió hasta 1937, cuando la primera película completa de ficción se produjo.

Mambí, película dirigida por Santiago Ríos y Teodoro Ríos.

Muchos actores cubanos también hicieron presencia en México y Argentina. Músicos como Ernesto Lecuona, Bola de Nieve o Rita Montaner también actuaron o participaron en la banda sonora de películas de diferentes países.

Antes de la Revolución cubana de 1959 el total de películas filmadas fue de aproximadamente 80 películas completas. Se destacaron, La Virgen de la Caridad protagonizada por Miguel Santos y Romance del Palmar por Ramón Peón.

Éste departamento fue el antecesor de lo que se convertiría en el ICAIC (Instituto Cubano del Arte y la Industria Cinematográficos), fundado en marzo de 1959, como resultado de la primera ley de cultura.

“Muerte de un burócrata”, de Tomás Gutiérrez Alea

En los primeros días de 1959, el gobierno de Fidel Castro creó un departamento cinematográfico dentro de la Dirección de Cultura del Ejército Rebelde, la cual produjo documental como "Esta tierra nuestra" de Tomás Gutiérrez Alea, y "La Vivienda" de Julio García Espinosa.

El cine cubano ha establecido su aporte innegable al legado cultural latinoamericano y universal.

La película más notable de la última década del siglo XX fue Fresa y Chocolate (1993) por Tomás Gutiérrez Alea y Juan Carlos Tabío. Primera película cubana nominada a los Premios Óscar.

La película Memorias del subdesarrollo fue seleccionada entre las 100 mejores películas de todos los tiempos por la Federación Internacional de Clubes de Cine.

El cubano Humberto Solás, tuvo el privilegio de dirigir “Lucía” (1968), la película paradigmática de la revolución cubana de 1959. Es un trabajo monumental dividido en tres partes que corresponden cada una de ellas, a etapas históricas de la nación caribeña.

Al período comprendido entre 1959 y 1969, muchos críticos cinematográficos lo bautizaron como la época de oro del cine cubano, generalmente por la producción de Lucía (1969) por Humberto Solás y Memorias del subdesarrollo (1968) por Tomás Gutiérrez Alea. Éstos dos directores son por lo general catalogados como los dos mejores directores que ha tenido Cuba. Esta época de inicios de cine revolucionario también se destacó por una fuerte censura a jóvenes realizadores que su único delito era el de mostrar un cine documental experimental o espontáneo, como el "free cinema", siendo el caso más escandaloso el documental realizado por Orlando Jiménez Leal y Sabá Cabrera Infante.

El Cinema Novo fue un movimiento de la historia del cine de Brasil al que pertenecieron una serie de directores de cine brasileños de los años cincuenta y sesenta del siglo XX comprometidos con su tiempo.

Ciudad de Dios, de Fernando Meirelles (2002).

Ciudad de Dios, basada en hechos reales. Trata del incremento del crimen organizado en los suburbios de Río de Janeiro, desde finales de los años sesenta hasta el comienzo de los ochenta, cuando el tráfico de drogas y la violencia impusieron su ley en las favelas.

Su lema era una cámara en la mano y una idea en la cabeza, y en él había influido tanto el Neorrealismo italiano como la Nouvelle Vague francesa. Los miembros del Cinema Novo fueron Glauber Rocha, Nelson Pereyra Dos Santos, Carlos Diegues y Joaquim Pedro de Andrade. Más tarde se unieron directores como Walter Lima Júnior o Ruy Guerra. Su cine trataba la realidad social del país, su pasado histórico, y la pobreza, tanto en las grandes urbes como en el desolado Nordeste brasileño. Su influencia llega hasta el cine brasileño más reciente, y es palpable en películas como Central do Brasil, de Walter Salles (1998) o Ciudad de Dios, de Fernando Meirelles (2002).