teatroscanal.com

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Índice de espectáculos - Jugadores (Producciones Teatrales Contemporáneas / CLECE) | Teatro - Sorolla (Ballet Nacional de España) | Danza española - XVI Festival Internacional de Música Contemporánea de Madrid (COMA’14) (Ensemble Kuraia, Laura Sierra, Grupo Cosmos 21 y Dúo de saxofón y piano –Beatriz Tirado e Isabel Puente–) | Música contemporánea - True West (El auténtico Oeste), de Sam Shepard (Cía. El Auténtico Oeste & 94 West Producciones) | Teatro - El sur. Homenaje a Enrique Morente (Víctor Ullate Ballet - Comunidad de Madrid) | Danza - Compañía Nacional de Danza | Danza - Lluvia constante de Keith Huff (Compañía Lluvia Constante) | Teatro - Las niñas no deberían jugar al fútbol, de Marta Buchaca (La Trastienda) | Teatro - The Valley of Astonishment (El valle del asombro) - Festival de Otoño a Primavera (Peter Brook y Marie-Hélène Estienne / Théâtre des Bouffes du Nord) | Investigación teatral - XIII Ciclo de Jóvenes Intérpretes (Fundación Scherzo) | Música - An old Monk inspirada en Thelonious Monk - Festival de Otoño a Primavera (Josse de Pauw y Kris Defoort / Lod Music Theatre y Théâtre Vidy-Lausanne) | Teatro musical - Bosque Ardora - Festival Madrid en Danza (Compañía Rocío Molina) | Flamenco contemporáneo - Memoria musical de una época de guerra (1914/18 centenario) | Música - Ruhr-Ort - Festival Madrid en Danza (Susanne Linke / Renegade) | Danza teatro - Nómada - Festival Madrid en Danza (Compañía Manuel Liñán) | Flamenco - LAC bajo la presidencia de S.A.R. la Princesa de Hanover - Festival Madrid en Danza / Teatros del Canal (Les Ballets de Monte-Carlo) | Ballet - What the Body does not remember - Festival Madrid en Danza (Compañía Última vez) | Danza contemporánea - Casa de muñecas de Henrik Ibsen (CulturArts Generalitat Valenciana) | Teatro - Free Fall - Festival Madrid en Danza (Compañía Sharon Fridman) | Danza contemporánea - Querido Ibsen: Soy Nora de Griselda Gambaro - De Baires a Madrid | Teatro - Pinti recargado de Enrique Pinti - De Baires a Madrid | Monólogo teatral - Rememorando a Julio (Homenaje a Cortázar) - De Baires a Madrid (Susana Rinaldi) | Música y literatura - Marianne Faithfull en concierto - Festival de Otoño a Primavera | Música - Bossi Big Bang Show - De Baires a Madrid | Musical humorístico - Elena Roger en concierto - De Baires a Madrid | Música - A + A (Ángel Corella y Ara Malikian) | Música y danza - The Gagfather (Yllana) | Comedia gestual - Pedro y el lobo tocan en la orquesta (Compañía PyEl) | Cuento músico-teatral, espectáculo familiar / pedagógico - El asno de oro de Lucio Apuleyo (Rafael Álvarez, el Brujo) | Teatro

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- Carmina Burana (La Fura dels Baus y Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid) | Cantata escénica - Mediterráneo (Compañía Miguel Ángel Berna) | Danza Española - Dear Darwin (Parlon Film & Cup of Theatre) | Teatro familiar - The Healing Notes (Las notas que curan) (Garnati Ensemble) | Documental + concierto - La belle au bois dormant (La bella durmiente) (Les Grands Ballets Canadiens de Montréal) | Danza - El reportaje de Santiago Varela (Teatro Picadero de Buenos Aires) | Teatro 74 - El pimiento Verdi (Teatros del Canal) | Espectáculo musical - Ne m’oublie pas / Forget me not (No me olvides) (Philippe Genty) | Teatro, danza, marionetas - Carnaval barroco (Le Poème Harmonique) | Música, teatro, danza - Teatralia | Teatro, música, danza, circo - Inseguridad social... y tal (Enrique Viana) | Drama cómico-musical - Martí: Versos de Cuba, canciones de libertad Andy García recita a José Martí (Cargomusic / Teatros del Canal) | Música y poesía - One man, two guvnors de Richard Bean (Teatros del Canal / Anexa) | Teatro - Dignidad de Ignasi Vidal (Excéntrica producciones) | Teatro - La ópera de cuatro notas de Tom Johnson (Teatros del Canal / Vania Producciones) | Ópera - El caserío (Teatro Arriaga) | Zarzuela - Much ado about nothing (Mucho ruido y pocas nueces) (Globe Theatre on Tour) | Teatro - Talent 2015 (Teatros del Canal / Talent Festival) | Festival / Concurso - III Encuentro de Bandas | Música - Programa Aniversario (Les Ballets Trockadero de Montecarlo) | Ballet - L’isola disabitata Música de Manuel García y Libreto de Metastasio (Teatro Arriaga / Teatro de la Maestranza) | Ópera - Festim015 (Impromadrid Teatro) | Improvisación teatral - Angelus Novus de Jorge Fernández Guerra (Laperaopera) | Ópera de cámara - X Festival Suma Flamenca (Comunidad de Madrid) | Música, danza - Operadhoy | Ópera contemporánea - Muestra de Compañías Residentes (Centro Danza Canal) | Danza - Campaña escolar (Teatros del Canal) | Teatro, danza, música - Maridaje sonoro | Música - Concierto Ibercaja de Música - JORCAM | Música

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Teatro / Sala Verde JUGADORES Producciones Teatrales Contemporáneas / Clece Del 27 de agosto al 5 de octubre

Sobre el espectáculo En un piso antiguo, en torno a una mesa, bajo una lámpara, cuatro hombres, un barbero, un enterrador, un actor y un profesor de matemáticas juegan una partida de cartas. Este piso es un refugio en el que se aceptan todos los fracasos, se permiten. El fracaso es la regla, no la excepción. El dinero ha desaparecido, también cualquier posibilidad de éxito personal. A punto de tocar fondo, los cuatro personajes deciden arriesgarse. En este momento el juego se vuelve peligroso. Ficha artística Intérpretes (por orden de intervención): Un barbero: Jesús Castejón Un actor: Luis Bermejo Un enterrador: Ginés García Millán Un profesor: Miguel Rellán Escrita y dirigida por: Pau Miró / Escenografía: Enric Planas / Vestuario: Elisa Sanz / Iluminación: Juan Gómez-Cornejo / Espacio sonoro: Sila / Sonido: Marta Folch / Producción ejecutiva: Olvido Orovio / Dirección de producción: Ana Jelin Más información en: www.teatroscanal.com

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Danza española / Sala Roja SOROLLA Ballet Nacional de España Del 28 de agosto al 14 de septiembre

Sobre el espectáculo Sorolla es la propuesta artística más actual de Antonio Najarro para el Ballet Nacional de España en la búsqueda continua de creaciones que transmitan y preserven nuestra cultura dancística. Un espectáculo inspirado en la colección Visión de España del pintor Joaquín Sorolla creada por encargo de la Hispanic Society de Nueva York en el año 1911. La coreografía Sorolla muestra las danzas más significativas del folclore junto a otras creaciones de danza clásico española, escuela bolera y flamenco. La luz, la frescura y el movimiento de la pintura de Sorolla se reflejan en las coreografías diseñadas por Arantxa Carmona, Miguel Fuente, Manuel Liñán y Najarro junto a la puesta en escena de Franco Dragone, el vestuario de Nicolás Vaudelet y la partitura de Juan José Colomer. ANTONIO NAJARRO 1. COSIENDO LA VELA 12. LOS NAZARENOS / Sevilla 13. LOS TOREROS / Sevilla 14. EL BAILE / Sevilla (1ª PARTE) ARANTXA CARMONA 3. EL MERCADO / Extremadura 4. LA FIESTA DEL PAN / Salamanca 7. EL PESCADO / Cataluña

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9. EL PALMERAL / Elche 10. LAS GRUPAS / Valencia MIGUEL FUENTE: 2. LA ROMERÍA / Galicia 6. LOS BOLOS / Gipuzkoa 8. LA JOTA / Aragón MANUEL LIÑÁN 5. EL ENCIERRO / Andalucía 11. LA PESCA DEL ATUN / Huelva 14. EL BAILE / Sevilla (2ª PARTE) Sobre la compañía El Ballet Nacional de España (BNE) aborda en la actualidad nuevos proyectos bajo la dirección de Antonio Najarro. Fundado en 1978 bajo el nombre de Ballet Nacional Español con Antonio Gades como primer director, es de las unidades de producción del Instituto Nacional de la Artes Escénicas y de la Música (INAEM), una de las de mayor proyección internacional como embajadora de nuestra cultura en el mundo. El BNE ha obtenido el reconocimiento internacional de crítica y público con la concesión de diversos premios, destacando entre otros el Premio a la Crítica al Mejor Espectáculo Extranjero (1988) en el Metropolitan de Nueva York; Premio de la Crítica Japonesa (1991); Premio de la Crítica al Mejor Espectáculo (1994) en el Teatro Bellas Artes de México; Premio del Diario El País (1999) al espectáculo Poeta y los Premios de la Crítica y del Público (2002) a la coreografía Fuenteovejuna, de Antonio Gades en el VI Festival de Jerez. En 2008, 2010 y 2012, el BNE ha sido galardonado con los Premios Teatro de Rojas (Toledo) al Mejor Espectáculo de Danza, concedido por el público y, en agosto de 2010, el Festival Internacional del Cante de las Minas le ha concedido el Premio Extraordinario a las Artes Escénicas por su magnífica contribución a la preservación y difusión del mejor flamenco. Sobre el director, Antonio Najarro Joven bailarín y coreógrafo, formado por los más prestigiosos maestros de danza en todos los estilos: ballet clásico, escuela bolera, clásico español, folclore, flamenco y danza contemporánea. Matrícula de Honor en Danza Española en el Real Conservatorio Profesional de Danza Mariemma de Madrid, interpreta como Primer Bailarín coreografías de los Maestros Rafael Aguilar, Antonio Gades, Alberto Lorca, Mariemma, José Antonio Ruiz y José Granero, entre otros. Premio Mejor Coreógrafo en el Certamen Internacional de Danza Española y Flamenco de Sevilla (2008), ha sido galardonado con el Premio Harlequín al Mejor Joven Coreógrafo 2009 y, en 2010, Mejor Intérprete de Danza Masculino el Premio MAX de las Artes Escénicas. Premio APDE 2012, otorgado por la Asociación de Profesores de Danza Española, Clásico y Flamenco, por su valiosa aportación al mundo de la danza. Antonio Najarro, nombrado Director del BNE en abril de 2011, se incorpora a la Compañía el 1 de septiembre 2011.

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Ficha artística Idea Original: Antonio Najarro / Director de escena: Franco Dragone / Coreografía: Arantxa Carmona, Miguel Fuente, Manuel Liñán y Antonio Najarro / Música: Juan José Colomer, Paco de Lucía (Zapateado), Enrique Bermúdez (La pesca del atún y El baile, bulería) y música popular / Grabación Musical: Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (ORCAM), bajo la dirección de Manuel Coves / Asistente del Director de escena: Pascal Jacob / Diseño de Figurines: Nicolas Vaudelet / Diseño de Iluminación: Felipe Ramos y Ginés Caballero / Diseño de Escenografía: Vincent Lemaire / Diseño de Maquillaje: Eduardo Jiménez, National Make-up artist de Yves Saint Laurent Beauté / Realización de vestuario: Cosiendo la vela: taller de Nicolás Vaudelet; La fiesta del Pan mujeres, El Palmeral, Grupas y El baile mujeres: Pipa y Milagros. En Escena: Los bolos, Los toreros y Los Nazarenos: José Antonio Arroyo; Fiesta del Pan hombres, el Mercado hombres y mujeres, La romería hombres y mujeres, El encierro, El pescado, La jota hombres y mujeres, La pesa del atún, El baile hombres: fondos de vestuario del BNE / Pintura sobre vestidos de Valencia y Trajes de La pesca del Atún Nicolas Vaudelet / Taller de tintura: María Calderón / Pintura digital: Círculo textil / Monteras de toreros: Sombrerería Medrano / Realización de tocados valencianos: Peinetas ALM / Calzado: Gallardo y Sansha Más información en: www.teatroscanal.com http://balletnacional.mcu.es

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Música contemporánea / Sala Verde XVI FESTIVAL INTERNACIONAL DE MÚSICA CONTEMPORÁNEA DE MADRID (COMA ´14) Asociación Madrileña de Compositores 7, 14, 21 y 28 de septiembre

Sobre el festival El Festival de Música Contemporánea de Madrid, COMA’14, celebra este año su decimosexta edición con una muestra de la creación musical actual en Madrid, siempre de sorprendente variedad, siempre llena de tesoros. Música para todos los gustos, novedosa, tradicional, popular, fascinante, sugerente, sensible. Compositores de todas las edades y estéticas, madrileños de nacimiento o residencia, presentan sus creaciones interpretadas por los músicos más extraordinarios. Domingo 7 de septiembre - Ensemble Kuraia Domingo 14 de septiembre -Laura Sierra Domingo 21 de septiembre - Grupo Cosmos 21 Domingo 28 de septiembre - Dúo de saxofón y piano (Beatriz Tirado e Isabel Puente) Más información en: www.teatroscanal.com

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Teatro / Sala Negra TRUE WEST (EL AUTÉNTICO OESTE) Cía El Auténtico Oeste & 94 West Producciones Del 8 al 27 de septiembre

Sobre el espectáculo Estrenada en 1980, está etiquetada dentro de la obra de Sam Shepard como "drama familiar" y pone en alza la cuestión de la identidad, tanto individual como cultural. Escrita durante la época que el dramaturgo trabajó como autor residente en el Magic Theater de San Francisco, la obra ayudó a consolidar su prestigio como escritor en la escena norteamericana. Es con El auténtico oeste donde Shepard alcaza su plenitud como autor aunando su estilo más subversivo e imaginativo con otro más poético y formal. Para ello el autor sitúa la acción a 40 millas a las afueras de Los Ángeles, donde dos hermanos que hace 5 años que no se ven y cuya relación anterior dista mucho de ser buena, se encuentran en la casa materna donde por diferentes razones se verán forzados a resolver sus diferencias y sus identidades mientras intentar finalizar la escritura de un guión cinematográfico que podrá cambiar sus vidas para siempre. Mezclando un lenguaje directo, imaginativo, y musical con una prosa poética, Shepard hace que tanto la historia como los personajes tengan una complejidad y riqueza a la altura de los grandes dramas americanos. El texto está lleno de humor, violencia o sátira y transita de lo que llamamos el "naturalismo americano" al "realismo mágico". Sobre la compañía Nacen con el espíritu y la energía de poder generar proyectos en los cuales el trabajo actoral y los textos de calidad sean la base y la esencia de cualquiera de sus iniciativas. Buscan la colaboración con profesionales de las artes escénicas, profesionales con inquietudes similares y un lenguaje común para que de esa unión y esa mezcla, lo construido, lo que finalmente el público pueda disfrutar, esté lleno de honestidad y de calidad.

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Creen en un trabajo colectivo, queriendo hacer equipo, por ello desean que sus propuestas sean interesantes para que esa colaboración no se quede en una mera participación, sino que todos aquellos que forman parte del trabajo, lo hagan involucrándose de una manera más personal. A lo largo de estos últimos 15 años han trabajado con grandes profesionales del teatro: directores, actores, escenógrafos, iluminadores... Y quieren seguir haciéndolo con ellos y con los que están por llegar. El teatro es lo que los pone en movimiento. Es lo que nos hace seguir buscando. Sobre el director, José Carlos Plaza José Carlos Plaza nace en Madrid en Noviembre de 1945. Estudia Derecho y Psicología en la Universidad Complutense de Madrid. Estudia interpretación y dirección con William Layton, Miguel Narros, Rosalía Prado en el T.E.M. (Teatro estudio Madrid) y Roy Hart; Interpretación en Nueva York con Stella Adler, Sandford Meinsner, Utta Hagen, Geraldine Page... Componente y fundador del T.E.I. (Teatro Experimental Independiente) que tiene sus actividades desde 1965 hasta 1977. Funda y co-dirige con William Layton y Miguel Narros el T.E.C. (Teatro Estable Castellano) que tiene sus actividades desde 1977 a 1988. Dirige el local Pequeño Teatro, de Madrid desde 1971 a 1981. Es fundador y profesor de interpretación y dirección del Laboratorio William Layton. Ha recibido entre otros el premio Nacional de Teatro de 1967, 1970 y 1987, el premio Mayte, Fotogramas, Ciudad de Valladolid, Festival de Almagro, etc. Ha trabajado como director en Francia, Italia, Argentina y Alemania. Ha sido director del Centro Dramático Nacional (Teatro Nacional de España) desde 1989 hasta 1994. Desde 1999 al 2011 dirige Escénica (Centro de Estudios Escénicos de Andalucía) También ha puesto en escena, entre otras, las siguientes óperas: Macbeth, Orfeo y Eurídice, La favola de Orfeo, Wozzeck, Lulú, La dueña, El barbero de Sevilla, La Vida Breve, Carmen, Divinas Palabras, Tosca, Diablos de Loundun, La Dolores, Las bodas de Fígaro, La finta giardinera, Evangelio según San Juan, El Gato Montés… Entre sus últimos trabajos ha dirigido la ópera Fidelio, Romancero, Splendid’s, Solas, Fedra, Yo Claudio, In nomine dei, La sonrisa etrusca y Electra. Ficha artística Reparto: Joaquín abad, Alberto Berzal, Inma Cuevas, Isarel Frías, Dani Gallardo y Luis Rallo / Versión: Cía. El Auténtico Oeste / Vestuario: Felisa Kosse / Diseño gráfico: Juanclemente / Fotografía: Alexandra Jiménez / Diseño iluminación y escenografía: The Blue Stage Family / Producción: Eslinga / Producción ejecutiva: Cía. El Auténtico Oeste & 94 West Producciones / Dirección: José Carlos Plaza / Música de Mariano Díaz Dobro interpretado por Borja Montenegro / Maquillaje: Gema Moreno Más información en: www.teatroscanal.com

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Danza / Sala Roja EL SUR Víctor Ullate Ballet - Comunidad de Madrid Del 18 al 27 de septiembre

Sobre el espectáculo Más que un lugar físico, El sur es un sentimiento. Un sentimiento que surge de un encuentro mágico en Granada a los pies de la Alhambra del Maestro Morente y del Maestro Ullate. Esa noche de luna llena se gestó El sur, fruto de la complicidad y la admiración, y nació una coreografía que refleja a través de que desprende arte y pasión. El sur narra la historia de una mujer, Estrella, víctima del desprecio y la violencia de su marido, Antonio, lo que le alienta a encontrar su libertad y el amor en brazos de otro hombre, Bernardo. El odio acabará segando trágicamente la ilusión de los nuevos amantes, cuyo sentimiento sobrevivirá incluso en el más allá. Sobre la compañía Víctor Ullate Ballet es una compañía fundada en 1988 por el bailarín, coreógrafo y maestro de danza Víctor Ullate. Se presentó en sociedad con 22 bailarines en el Teatro Arriaga de Bilbao, el 28 de abril de 1988. Desde entonces y hasta nuestros días, Víctor Ullate ha conseguido inculcar a su ballet una personalidad propia que se ha visto reflejada en las diferentes coreografías. En enero de 1997, Víctor Ullate Ballet se convierte en el ballet de la Comunidad de Madrid.

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Desde su debut con un programa basado en coreografías neoclásicas, la Compañía no ha dejado de cosechar éxitos con producciones cada vez más ambiciosas. Actualmente, y tras más de 20 años de trayectoria, se halla en un espléndido momento nacional e internacional, realizando entre 70 y 100 actuaciones anuales. A lo largo de los más de 20 años de trabajo, Víctor Ullate Ballet – Comunidad de Madrid ha conseguido marcar un estilo propio caracterizado por la perfección en sus ejecuciones tanto en danza clásica (con grandes obras como Giselle o Don Quijote) como en montajes más neoclásicos (Jaleos, Seguirilla, Arrayán D’Araxa, El Amor Brujo, Arraigo, Ven que te Tiente o Sur). Actualmente, la Compañía gira, tanto dentro como fuera de nuestras fronteras, con cinco espectáculos diferentes: Samsara, 2 You Maestro, Wonderland, El Arte de la Danza y Coppélia al que incorporan Nexo Y Jaleos. Ficha artística Coreografía: Víctor Ullate / Dirección artística: Víctor Ullate y Eduardo Lao / Cantado por: Estrella Morente y Enrique Morente

Más información en: www.teatroscanal.com www.victorullateballet.com

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Danza / Sala Roja COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA Compañía Nacional de Danza Del 3 al 19 de octubre

Sobre el espectáculo En la temporada 2014/2015 la Compañía Nacional de Danza celebra su 35 aniversario. La Compañía avanza con paso firme en la dirección emprendida desde que José Carlos Martínez tomara la dirección en 2011, ofreciendo a su público una amplísima paleta de estilos y cosechando hasta la fecha grandes éxitos de crítica y público. Esta presentación en los Teatros del Canal, con doble programa y las galas de celebración, constituye una ocasión de lujo para demostrar hasta qué punto estamos ante una CND renovada, con una nueva identidad, integradora, ecléctica y sorprendente por la altura de sus propuestas coreográficas y la calidad de sus bailarines en todos sus registros. Programa Clásicos de hoy (de Petipa a Forsythe) 3, 4, 5, 7 y 8 de octubre ¿Quieres bailar con nosotros? (Forsythe, Ek, Naharin) 11, 12, 14, 15 y 16 de octubre Gala del 35 aniversario de la CND: Homenaje a María de Ávila y Tony Fabre 18 y 19 de octubre (Compañía Nacional de Danza y Artistas Invitados)

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Sobre la compañía La Compañía Nacional de Danza fue fundada en 1979 con el nombre de Ballet Nacional de España Clásico, y tuvo como primer Director a Víctor Ullate. En febrero de 1983 se hizo cargo de la Dirección de los Ballets Nacionales Español y Clásico María de Ávila, quien puso especial énfasis en abrir las puertas a coreografías como las de George Balanchine y Anthony Tudor. Además María de Ávila encargó coreografías a Ray Barra, bailarín y coreógrafo norteamericano residente en España, ofreciéndole posteriormente el cargo de Director Estable que desempeñó hasta diciembre de 1990. En diciembre de 1987 fue nombrada como Directora Artística del Ballet, Maya Plisetskaya, extraordinaria bailarina rusa. En junio de 1990 Nacho Duato es nombrado Director Artístico de la Compañía Nacional de Danza, cargo que ejerció durante veinte años, hasta julio de 2010. Su incorporación supuso un cambio innovador en la historia de la formación incluyéndose en el repertorio de la compañía nuevas coreografías originales, junto con otras de contrastada calidad. En agosto de 2010 Hervé Palito sucede a Duato como Director Artístico durante un año. El 17 de diciembre de 2010 el Ministerio de Cultura anuncia el nombramiento de José Carlos Martínez como nuevo director de la Compañía Nacional de Danza. Martínez toma posesión de su cargo el 1 de septiembre de 2011. El proyecto del bailarín Estrella del Ballet de la Ópera de París para la Compañía Nacional de Danza se basa en el fomento y la difusión del arte de la danza y su extenso repertorio, reservando un amplio espacio a la nueva creación española, sin olvidar a los grandes coreógrafos de hoy. Se trata de favorecer el acercamiento de nuevos públicos a la danza e impulsar la proyección nacional e internacional de la CND, de conferirle una nueva identidad. Se están incluyendo en el repertorio de la CND piezas de otros estilos como el clásico y el neoclásico, siempre sin descuidar la danza contemporánea y de vanguardia. Ficha artística Director artístico: José Carlos Martínez Más información en: www.teatroscanal.com http://cndanza.mcu.es/es/cnd

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Teatro / Sala Verde LLUVIA CONSTANTE Compañía Lluvia constante Del 9 al 26 de octubre

Sobre el espectáculo Dos jóvenes policías, Rodo y Dani, amigos desde la infancia, enfrentan en pocos días una serie de acontecimientos que afectarán sus vidas para siempre. No sólo su amistad es puesta a prueba, sino su escala de valores, sentido del honor y lealtad. Los dos personajes nos dan su particular definición de lo que es la familia, así como de las cuestionables decisiones morales que toman en su nombre. Pero el recuerdo de cada uno sobre lo que realmente sucedió en aquellos pocos días en los que esa lluvia constante no cesó de caer, no necesariamente pareciera ser el mismo… Lluvia constante fue producida originalmente en 2006 en el New York Stage and Film`s Powerhouse Theater. Su primera producción profesional fue realizada por Chicago Dramatists en 2007 y luego por el Royal George Theatre de Chicago en 2008. En Broadway, se estrenó el 29 de septiembre de 2010 en el Schoenfeld Theatre, protagonizada por Hugh Jackman y Daniel Craig bajo dirección de John Crowley, batiendo a la fecha el récord de espectadores semanales en Broadway para una obra teatral no musical. Ficha artística Reparto: Roberto Álamo y Sergio Peris-Mencheta / Versión y dirección: David Serrano / Diseño de Escenografía y Vestuario: Eliza Sanz / Diseño de Iluminación: Juan Gómez Cornejo / Ayudante de dirección: Daniel de Vicente / Fotografías: Jean Pierre Ledos / Diseño gráfico: Alberto Valle (Hawork Studio) / Producción ejecutiva: Lola Graiño / Dirección de producción: Ana Jelin / Producción creativa: Coté Soler Más información en: www.teatroscanal.com http://www.ptcteatro.com

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Teatro / Sala Negra LAS NIÑAS NO DEBERÍAN JUGAR AL FÚTBOL La trastienda Del 13 de octubre al 1 de noviembre

Sobre el espectáculo Ana, una niña de doce años, Lidia, una chica de treinta y Jose, un hombre de cincuenta, han tenido un accidente de coche. Sus familiares no saben quiénes son las otras personas que iban en el coche con ellos ¿Quiénes son Ana, Lidia y Jose? ¿De qué se conocían? ¿Dónde iban? Y, lo más importante: ¿por qué ninguno de ellos había hablado de la existencia de los demás? Sobre la compañía La Trastienda es una productora teatral joven, creada en 2013, que cuenta con un espacio de exhibición propio en el centro de Madrid, donde se realiza el proceso creativo de sus proyectos. Nace con el deseo de apoyar la creación y la divulgación de las artes escénicas y de obras de autores preferiblemente contemporáneos y de calidad Ficha artística Reparto: Marta Calvó, Dani Gallardo y Katia Klein / Diseño gráfico: Juanclemente / Fotografía: Betty Olivares / Diseño iluminación y escenografía: the BlueStage family / Producción: La Trastienda / Autor y dirección: Marta Buchaca Más información en: www.teatroscanal.com www.latrastiendamadrid.com

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Investigación teatral / Sala Roja THE VALLEY OF ASTONISHMENT (EL VALLE DEL ASOMBRO) XXXII FESTIVAL DE OTOÑO A PRIMAVERA Peter Brook y Marie-Hélène Estienne y Théâtre des Boufes du Nord Del 23 al 26 de octubre

Sobre el espectáculo “Mientras exploramos las montañas y valles del cerebro, alcanzaremos el valle del asombro”. Así introduce el gran maestro del teatro contemporáneo del último siglo Peter Brook su última creación, The Valley of Astonishment (El valle del asombro), que en el mes de octubre inaugura el XXXII Festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid. ¿Es posible imaginar un mundo donde cada sonido tiene un color, donde cada color tiene un sabor, donde el número ocho es una señora gorda? Esta impactante nueva obra de teatro explora las experiencias fascinantes de personas reales que ven el mundo bajo una luz radicalmente distinta. The Valley of Astonishment (El valle del asombro) es un viaje caleidoscópico a los misterios y maravillas del cerebro humano, inspirado por años de investigación neurológica, historias reales y el épico poema místico de Farid Attar La conferencia de los pájaros.

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Peter Brook y Marie-Hélène Estienne vuelven al Théâtre des Bouffes du Nord tras el éxito internacional de las obras The Suit (El traje) y Une Flûte Enchantée (Una flauta mágica), también presentadas en el Festival de Otoño a Primavera, acompañados en esta ocasión por Kathryn Hunter (Kafka’s Monkey, Fragments), Marcello Magni (Fragments) y Jared McNeill (The Suit). Sobre la compañía Peter Brook es una de las figuras más influyentes del teatro europeo contemporáneo. Tal y como afirmara El Cultural, “su propósito ha sido horadar el arte teatral, descubriendo nuevos lenguajes, abriendo el espacio escénico y apostando por el mestizaje cultural sobre el escenario”. Desde que dirigió en 1943 su primera obra, ha llevado a escena más de 70 piezas en Londres, París y Nueva York. Su trabajo con la Royal Shakespeare Company se tradujo en piezas como Love´s Labour´s Lost (1946), Measure for Measure (1950), Titus Andronicus (1955), King Lear (1962), US (1966), A Midsummer Night´s Dream (1970) y Antony and Cleopatra (1978). En 1971 fundó el Centro Internacional para la Investigación Teatral en París y, tres años más tarde, estableció su base permanente en el Théâtre des Bouffes du Nord, donde ha dirigido obras como Timon of Athens, The IK, Conference of the Birds, The Mahabbharata, The Tempest, Tierno Bokar, The Grand Inquisitor, Sizwe Banzi est Mort, Fragments, Warum Warum, Love is my Sin, 11 and 12, Une Flûte Enchantée y The Suit. También ha dirigido óperas para el Covent Garden de Londres y la Metropolitan Opera House de Nueva York y películas como El señor de las moscas o Le Mahabbharata. La autobiografía de Brook, Hilos de tiempo, se publicó en 1998 y se unió a otros títulos como The Empty Space (1968), Evoking (and Forgetting) Shakespeare (2002) y There are No Secrets (1993), traducidos a 15 idiomas. Ficha artística Una investigación teatral de Peter Brook y Marie-Hélène Estienne / Reparto: Kathryn Hunter, Marcello Magni, Jared McNeill / Músicos: Raphaël Chambouvet and Toshi Tsuchitori Con la asistencia de: Franck Krawczyk / Iluminación: Philippe Vialatte / Realización de los elementos escénicos y regidor: Arthur Franc / Asistente de vestuario: Alice François / Subtítulos: Pierre-Heli Monot / Producción: C.I.C.T. / Théâtre des Bouffes du Nord / Coproducción: Theatre for a New Audience, Nueva York; Les Théâtres de la Ville, Luxemburgo / Coproductores asociados: Théâtre d’Arras / Tandem Arras Douai; Théâtre du Gymnase, Marsella; Warwick Arts Center; Holland Festival, Ámsterdam; Attiki Cultural Society, Atenas; Musikfest Bremen; Théâtre Forum Meyrin, Ginebra; C.I.R.T.; Young Vic Theatre, Londres Más información en www.teatroscanal.com http://www.bouffesdunord.com/

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Música / Sala Roja CICLO JÓVENES INTÉRPRETES Fundación Scherzo 28 de octubre, 2 de diciembre, 10 de febrero y 19 de mayo

Sobre los conciertos En esta temporada 2014-2015, el Ciclo de Jóvenes Intérpretes de la Fundación Scherzo vuelve con la fuerza que proporciona el éxito de público, verdadero artífice de la oportunidad que se les ofrece a estos jóvenes artistas del piano procedentes de diversos países, algunos ya figuras internacionales. La labor de este Ciclo es preparar el camino de la renovación constante del arte musical. Disfrutaremos de los conciertos de los españoles Juan Carlos Fernández-Nieto el 28 de octubre y Noelia Rodiles el 2 de diciembre. Ya en 2015, podremos escuchar al portugués João Xavier Miguel el 10 de febrero y a Behzod Abdurimov, de Uzbekistán, el 19 de mayo. Más información en www.teatroscanal.com

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Teatro musical / Sala Verde

AN OLD MONK XXXII FESTIVAL DE OTOÑO A PRIMAVERA Josse de Pauw y Kris Defoort / LOD music theatre y Théâtre Vidy-Lausanne Del 30 de octubre al 1 de noviembre

Sobre el espectáculo Acompañado por la música de Kris Defoort, Josse De Pauw regresa al Festival de Otoño a Primavera con la producción musical An old Monk, una obra inspirada en Thelonious Monk, el mítico pianista y compositor de jazz estadounidense fundador del bebop, conocido por su estilo único de improvisación. An old Monk es una creación que trata sobre las ganas de vivir a toda costa. “Monk es a la vez sombrío y alegre. Triste y lleno de humor. Un poco como la vida misma”, señala Jose De Pauw. Mientras su banda toca, un viejo Monk se levanta dejando el piano a su suerte, estira sus extremidades entumecidas y se marca un baile. Baila sin otro objetivo que el de bailar, con entusiasmo y en soledad. En An old Monk, Josse De Pauw y Kris Defoort se dejan llevar por el baile, que se convierte en una oda al deseo de elevar los viejos huesos más allá de lo esperado e intentar bailar una vez más.

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El título del montaje es un juego de palabras que hace referencia al nombre del artista, pero cuya traducción literal sería “Un viejo monje”. A ritmo de jazz, y con un centenar de antiguas ilustraciones que se proyectan en el escenario durante la representación, la producción habla sobre envejecer, sobre el proceso de desgaste del cuerpo, pero también sobre la resistencia y el deseo de continuar bailando. Sobre los artistas y la compañía Josse De Pauw (1952) fundó la legendaria compañía teatral Radeis en la década de 1970 y sentó las bases, junto a Hugo de Greef, del teatro Schaamte, espacio del que después surgiría el Kaaitheater. De Pauw posee una prolífica carrera como director y como intérprete, no solo de obras teatrales, sino también de películas. Entre otros, ha trabajado con el director Dominique Deruddere en Wait until spring, Bandini (1989), Hombres Complicados (1997) y Everybody’s Famous (Ledereen Beroemd) (2000), que recibió una nominación al Oscar como Mejor Película Extranjera en el año 2000. Ese mismo año, su carrera fue reconocida con el premio Océ Podium, uno de los galardones más importantes de su país. Entre otros, ha coincidido también con el director Jaco van Dormael en Le Huitième Jour (1996). Como director, su obra Weg and Larf obtuvo un gran éxito internacional. Como actor, ha actuado en muchas películas y producciones teatrales. En la última década, ha participado en diversos proyectos teatrales, como Die Siel Van Die Mier (El alma de las termitas) (2004), Onder de vulkaan (Toneelhuis, 2009), Blood and Roses (Toneelhuis, 2011), The Hanged (LOD, 2011).

En sus más de 20 años de trayectoria, la compañía operística y de teatro musical LOD Music Theatre ha conseguido conjugar de manera brillante la experimentación sonora con diferentes textos dramáticos. Trabajando con un comité de expertos, entre los que se encuentran compositores como Kris Defoort, directores como Josse De Pauw y artistas visuales como Patrick Corillon, la productora belga se ha convertido en un gran laboratorio de ideas, cada día más ambicioso. El afán de investigación y de aproximación al teatro a través de la música le ha llevado a cultivar múltiples géneros y a cosechar firmes ovaciones no solo en su país sino también en el extranjero. Montajes como The Woman Who Walked into Doors, The Passion of Judas, Yerma, o más recientemente, The Hanged y Middle East, han demostrado que la calidad no está reñida con la cantidad y que la prolífica actividad de LOD tiene al público de su parte. Desde la compañía aseguran que la sinergia entre artistas de diferentes disciplinas es la base de su filosofía y aventuran numerosos proyectos para los próximos años, sobre todo, en apoyo a los jóvenes artistas. El Théâtre Vidy-Lausanne programa más de cuarenta producciones diferentes al año, muchas de las cuales son de creación propia, con más de 500 representaciones anuales en su sede de Lausanne y aproximadamente un millar de representaciones al año en 20 países con sus producciones en gira. Por su parte, el Théâtre au bord de l’eau acoge con entusiasmo las artes escénicas contemporáneas en todas sus formas.

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Muchos artistas suizos y europeos se sienten aquí como en casa, algunos de ellos de renombre internacional, como Thomas Ostermeier, Krystian Lupa, James Thiérrée, Sidi Larbi Cherkaoui, Luc Bondy o Heiner Goebbels, aunque también ofrece un suelo fértil para jóvenes talentos. Ficha artística Texto: Josse De Pauw / Compositor: Kris Defoort / Inspirada en Thelonious Monk / Intérpretes: Josse De Pauw y Kris Defoort Trio (Kris Defoort piano; Nicolas Thys bajo eléctrico; Lander Gyselinck, batería) / Imágenes: Bache Jespers y Benoit van Innis / Producción: LOD music theatre y Théâtr Vidy-Lausanne. Más información en www.teatroscanal.com www.lod.be

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Flamenco contemporáneo / Sala Verde BOSQUE ARDURA XXIX FESTIVAL INTERNACIONAL MADRID EN DANZA Compañía Rocío Molina 6 y 7 de noviembre

Sobre el espectáculo Con Bosque Ardora Rocío Molina invita al público a adentrarse en el corazón de un bosque quimérico donde se desarrolla un juego ambiguo y peligroso. Ella es la Mujer, a la vez Artemisa cazadora y la zorra Teumesia, criatura mitológica inasible, seductora y dominante, enviada para destruir Tebas por encargo de Dionisos. Es el combate entre naturaleza y civilización, cuando las pulsiones más irracionales se imponen sobre la razón humana. Rocío Molina asume con audacia una visión distinta y compleja del flamenco para dar una vuelta de tuerca más a este género y reconvertirlo en escena contemporánea. Más información en www.teatroscanal.com

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Música, Danza, Teatro 1914. MEMORIA MUSICAL DE UNA ÉPOCA DE GUERRA (1914/18 CENTENARIO) 12 HORAS ININTERRUMPIDAS DE MÚSICA, DANZA, TEATRO Y OTRAS ACTIVIDADES 9 de noviembre

Sobre el maratón Tras la gran acogida que han tenido los maratones Chopinissimo, TempoListz, Contrapunto juvenil y Suspiros de España, los Teatros del Canal presentan esta vez un recorrido musical por una época- en torno a la primera guerra mundial- determinante en el destino de las corrientes artísticas. El término “vanguardia” proviene del léxico militar, y en 1914 el arte de las llamadas “vanguardias” se encontraba en pleno nacimiento. Doce horas de música, danza, teatro circo, cine, exposiciones, que se complementan con gastronomía y conferencias. Los grandes compositores del inicio del S.XX estuvieron influenciados por este conflicto bélico, la reflexión estética irá incorporando estas vivencias en sus obras dejando una huella evidente; una jornada para pasearse por todos los rincones de los Teatros del Canal y emocionarse escuchando la música de estos autores. Más información en www.teatroscanal.com

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Danza-teatro / Sala Roja RURH-ORT XXIX FESTIVAL INTERNACIONAL MADRID EN DANZA Suzanne Linke / Renegade Del 13 al 15 de noviembre

Sobre el espectáculo Susanne Linke (1944) es una de las pioneras de la Tanztheater alemana. Alumna de Mary Wigman y coetánea de Pina Bausch y Reinhild Hoffmann, su investigación coreográfica está guiada por la transparencia y por cuestionar permanentemente la motivación del movimiento. Su legendaria pieza Ruhr-Ort, creada en 1991, adquiere nueva vida junto a la joven compañía Renegade. Link lleva el duro trabajo de las minas al escenario, con un grupo de hombres que en el siglo XXI aportan otro ritmo, otro lenguaje y una complicidad intergeneracional que asume los cambios y busca un nuevo futuro. Más información en: www.teatroscanal.com www.madrid.org/madridendanza

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Danza contemporánea / Sala Verde NÓMADA XXIX FESTIVAL INTERNACIONAL MADRID EN DANZA Compañía Manuel Liñán 15 y 16 de noviembre

Sobre el espectáculo El ser humano sigue siendo nómada. Manuel Liñán propone un viaje colectivo ubicado en diferentes zonas geográficas que enmarcan el flamenco en diversos momentos y circunstancias temporales. Este espectáculo es una homenaje al movimiento, un canto al inmenso tapiz en el que vivimos y una oda particular a la migración creativa responsable de la supervivencia personal y artística. Con seis intérpretes, tres voces y dos guitarras, Liñán busca nuevos lenguajes y lugares donde encontrar emociones para llenar el inmenso vacío y sobrevivir. El viaje continúa y los nuevos nómadas pueblan un mundo diferente. Más información en: www.teatroscanal.com www.madrid.org/madridendanza

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Danza / Sala Roja LAC XXIX FESTIVAL INTERNACIONAL MADRID EN DANZA Les Ballets de Monte-Carlo / Madrid en Danza / Teatros del Canal Del 20 al 23 de noviembre

Sobre el espectáculo LAC de Jean-Christophe Maillot sitúa de nuevo la narración en el corazón de la obra. En colaboración con el escritor Jean Rouaud, Maillor se reconcilia con los tormentos de un relato en conexión con los miedos de la infancia y los terrores nocturnos. Estas experiencias ocultas emergen aquí y se asocian a un contexto familiar maquiavélico que sirve de base a un ballet en claroscuro. La obra muestra el tránsito del estado animal al humano, interrogando nuestra propia naturaleza. Creemos ser diferentes a los animales por nuestra capacidad de elección y decisión pero, ¿tenemos realmente esa capacidad? ¿Acaso no estamos todos tan extraviados como este Príncipe? Jean-Christophe Maillot muestra lo indeciso entre el blanco y el negro, entre el bien y el mal, el candor y el erotismo. Puede que nuestra humanidad no se apoye más que en esta insaciabilidad frustrada que define al ser humano desde el primer grito - ¡Lo queremos todo!

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Sobre el coreógrafo, Jean-Christophe Maillot Actual director coreógrafo de Les Ballets de Monte Carlo estudió en la escuela de Rosella Higtower. Premiado con el Prix de Lausana en 1977, fue solista de John Neumeier y fundó la compañía CCN en Tours. En los últimos treinta años ha creado unas sesenta piezas para Les Ballets de Monte-Carlo pasando por los grandes ballets narrativos hasta

piezas cortas. Algunas de sus piezas forman parte del repertorio de compañías internacionales como los Grands Ballets Canadiens, Royal SwedishBallett, Stuttgart Ballet, American Ballet Theatre, Béjart Ballet Lausanne. Interesado en el trabajo de otros artistas , es conocido por su espíritu abierto y su voluntad de invitar a coreógrafos de estilos diferentes a crear para su compañía . En el año 2000 creo el Monaco Dance Forum, una vitrina internacional de la danza donde se presentan tanto espectáculos como exposiciones y atelier y conferencias. En 2007 realiza su primera puesta en escena de ópera, Fausto, en el Teatro Nacional de Hesse y su primer film Cendrillon, en 2008 el film Le Songe, 2009 Norma para la Ópera de Monte Carlo. En ese mismo año se celebra el Centenario de los Ballets Rusos en Mónaco acogiendo a más de 50 compañías y coreógrafos. En 2011, bajo la Presidencia de SAR la Princesa de Hanovre, Les Ballets de Monte Carlo reúne en una misma estructura a la compañía, el Monaco Dance Forum y la Academia Princesa Grace. Ficha artística Coreografía: Jean-Christophe Maillot / Música: Piotr Ilitch Tchaikovski Escenografía: Ernest Pignon Ernest / Vestuario: Philippe Gillotel / Dramaturgia: Jean Rouaud / Composición: Bertrand Maillot Más información en: www.teatroscanal.com www.balletsdemontecarlo.com

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Danza contemporánea / Sala Verde WHAT THE BODY DOES NOT REMEMBER XXIX FESTIVAL INTERNACIONAL MADRID EN DANZA Compañía Última vez Del 21 al 23 de noviembre

(Foto: Danny Willems)

Sobre los conciertos What the body does not remember fue concebida en 1987 por Win Vandekeybus. Fue su primera pieza coreográfica. Una marea de cuerpos sometidos a presión desbordaba la escena con áspera energía y febril vehemencia. Mediante el uso de saltos electrizantes, giros y desplazamientos en el suelo, este artista flamenco da lugar a una escritura electrizante que se convierte en un manifiesto acerca de una danza animal realizada en los límites del peligro y el riesgo corporal. Win va a influir en numerosos artistas y esta recreación nos demuestra el origen de este exceso físico llamado “Vandekeybus”. Más información en www.teatroscanal.com www.madrid.org/madridendanza

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Teatro / Sala Verde CASA DE MUÑECAS CulturArts Generalitat Valenciana Del 27 de noviembre al 7 de diciembre

Sobre la obra Casa de muñecas es uno de los textos teatrales que ha propiciado el mayor número de estudios críticos y cuyo personaje central, Nora Helmer, se ha convertido en un icono absoluto del teatro. Escrita en 1879 y estrenada en 1880, Casa de muñecas constituye un reclamo por la libertad femenina, aunque el clamor por ésta, es sólo una excusa para reclamar la libertad de todo individuo a tomar su vida en manos propias. Las tópicas y recurrentes etiquetas de obra feminista, reducen toda la profundidad que encierra la obra, ya que fundamentalmente, Ibsen reflexiona sobre la alienación del individuo en la sociedad. Por tanto, cabría denominar “muñecas” tanto a Nora como a su marido Torvald, ya que este último, asumiendo su papel patriarcal, también es víctima de una sociedad dictatorial con los roles. Ibsen nos habla de la necesidad de tomar conciencia y de actuar. Nora lo hace, en uno de los finales más hermosos jamás escritos en una pieza teatral. La corrupción, la alienación económica, la descomposición de las estructuras de organización tradicional como la familia, lo absurdo de la justicia y las diferencias de clase, dan consistencia y rigor a la obra del escritor noruego. Nora Helmer es una auténtica heroína, una mujer capaz de amar como pocos y de sacrificarse por los demás en un mundo profundamente materialista, y al mismo tiempo Nora es un puro grito al inconformismo. Su portazo final suscita un anhelo revolucionario más allá del escenario. Sigamos la pista de Nora… - Ximo Flores

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Sobre el director, Ximo Flores En 1995 funda, junto a la actriz Ruth Atienza, el grupo y la sala Teatro de los Manantiales de Valencia, donde desarrolla desde entonces labores de escenografía y dirección artística. Dirección de escena: (2012) Rey Lear (2010) Hamlet (2009) Cíclido Amarillo (2008) Ground Zero (2007) Ciudadano Sade con Textos de Paco Zarzoso y Sergio Aguilar(2006) Makbet con textos de Antonio de Paco, (2005) Parpadeos, con textos de Antonio de Paco, ESAD-Teatro de los Manantiales, Valencia. (2004) Especulaciones, con textos de Arturo Sánchez Velasco (2003) Ácaros, de Xavier Puchades (2002) Morir debería ser tan simple como perder el equilibrio con textos de Arturo Sánchez Velasco y Xavier Puchades. (2001) Rey Lear de Rodrigo García. (2000) Escoptofilia con textos de Xavier Puchades y Arturo Sánchez Velasco (2000) Camisetas blancas de manga larga de mujer de Daniel Veronese. (1999) Acera derecha de Rodrigo García. (1998) Fin de partida de Samuel Beckett, donde también participa de actor recibiendo premio a la mejor interpretación en el Festival de Irún 1999. (1997) Las criadas de Genet. (1995) Ligazón de Valle-Inclán, donde participa igualmente como actor. Premios recibidos: (2005) Nominación a la mejor dirección de escena en los Premis de les Arts Escèniques de la Generalitat Valenciana por Ácaros. (2003) Morir debería ser tan simple como perder el equilibrio, Premi de les Arts Escèniques de la Generalitat Valenciana, a la mejor dirección escénica de Ximo Flores. (2001) Escoptofilia, obtiene el Premio de la Crítica Valenciana al mejor espectáculo y escenografía. (2000) Premio de la Crítica Valenciana a la mejor dirección por Acera derecha, obra que también fue premiada a la mejor contribución actoral.

Ficha artística Texto: Henrik Ibsen / Versión y adaptación: Jerónimo Cornelles y Ximo Flores / Dirección: Ximo Flores / Reparto: Rebeca Valls, Jerónimo Cornelles, Teresa Crespo, Manolo Puchades, Miquel Mars, María Minaya Más información en: www.teatroscanal.com http://teatres.gva.es/teatro

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Danza contemporánea / Sala Verde FREE FALL XXIX FESTIVAL INTERNACIONAL MADRID EN DANZA Compañía Sharon Fridman 28 y 29 de noviembre

(Foto: Jesús Ubera) Sobre el espectáculo Para Fridman la “supervivencia es una cuestión vertical: levantarse tras caerse constituye un ciclo infinito que se reproduce cada día”. Desde esta idea teórica y usando el contact como técnica corporal que implica la consciente relación con el otro, Free Fall se convierte en una metáfora sobre la supervivencia, la guerra y la reconstrucción. Sobre una impactante partitura original de Luis Miguel Cobo, esta compañía pone en pie una obra para veintiséis intérpretes. Crean paisajes y escenografías vivas mientras seis bailarines principales llegan a la extenuación para restaurar un orden propio. Más información en www.teatroscanal.com www.madrid.org/madridendanza

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Teatro / Sala Verde QUERIDO IBSEN: SOY NORA DE BAIRES A MADRID Del 4 al 7 de diciembre

(Foto: Valeria Fiorini) Sobre la obra Griselda Gambaro en su obra inédita Querido Ibsen: soy Nora (2012), una vez más, confunde los tantos del consenso teatral: hace del autor un comediante de sí mismo y del personaje una identidad de autoría. ¿Cómo hace esta operación de inversión y desplazamiento? Poniendo a Henrik Ibsen en escena, en el momento mítico, en que escribe su obra Casa de muñecas. En la subversión de Gambaro, Henrik, tiene que vérselas con Nora Helmer, el personaje principal de la obra. Debe negociar con ella lo que dice y lo que hace. De esta manera el autor ya no es lo que “hace hablar” al personaje sino una manera de intervenir en los intercambios y negociaciones de una identidad en construcción. Henrik, un autor que no puede desconocer las reglas machistas y colonialistas de su tiempo, está obligado a litigar con un subalterno sus construcciones ficcionales. “Desde antes, desde mucho antes de que usted intentara hablar por mí, señor Henrik, desde un tiempo que usted no recuerda, ya me estaba escribiendo. Usted sólo me copió a su modo”, le dice Nora a Henrik. Una mujer que ya no sólo falsifica la firma del padre, abandona a su marido y a sus hijos sino que también se emancipa del autor que supuestamente le da la voz. Entonces, ¿quién es el autor de Casa de muñecas, Henrik Ibsen o Nora Helmer? En la versión de Gambaro, Nora parece estar afirmando: soy mi propia imagen, me construyo a mí misma.

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Se trata aquí de una Nora que ha entrado a la era de la revolución técnica de la imagen y el litigio por el copyrigth, donde tanto el fotógrafo como el fotografiado se declaran, al mismo tiempo, propietarios de la imagen. Querido Ibsen: soy Nora, hace un teatro de la identidad como negociación de las posibilidades de un sujeto culturalmente atrapado; y del litigio por la autoría, una condición de posibilidad de la emancipación subjetiva. Sobre la dramaturga, Griselda Gambaro Es una de las dramaturgas argentinas más representadas en Argentina y en el exterior. Sus obras de teatro, más de cuarenta, han sido traducidas a diversos idiomas y publicadas y montadas en varios países En 1977 un decretó de la dictadura militar argentina prohibió su novela Ganarse la muerte, y Gambaro se exilia a España por tres años. Además, de haber sido declarada Ciudadana Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires, y haber sido galardonada con diversos premios nacionales e internaciones, en el 2012 recibió el premio Atahualpa del Cioppo del Festival Iberoamericano de Teatro de Cádiz en reconocimiento a su trayectoria artística. Por Querido Ibsen: soy Nora recibió el premio Trinidad Guevara del Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires como mejor autora de la temporada teatral 2013. Sobre el director, Silvio Lang Silvio Lang es director escénico y se dedica a la investigación teórica, la enseñanza y colaboraciones artísticas. Ha puesto en escena obras de Eurípides, Jean Racine, Margueritte Duras, Tennesse Williams, Yukio Mishima, Alain Badiou, Griselda Gambaro, Daniel Veronese, Copi y Alejandro Urdapilleta. Incursionó en la dramaturgia con su obra Tango Nómade. Luego, en varios montajes, desarrolló una dramaturgia en diálogo con la literatura. Escribió la “Introducción al teatro de Griselda Gambaro, publicada en el teatro reunido de esa autora, por De la Flor, en el 2011. Por Querido Ibsen: Soy Nora obtuvo el Premio Florencio Sánchez de la Casa del Teatro de Argentina como Mejor Director de la temporada teatral 2013.

Sobre la compañía Querido Ibsen: soy Nora fue producida y estrenada en el Teatro General San Martín, sala Cunill Cabanellas, durante la temporada 2013 del Complejo Teatral de Buenos Aires. Por su éxito de público y crítica – la vieron más de 7.500 espectadores en una temporada de 4 meses, 5 funciones semanales, en la sala Cunill Cabenellas, de 110 localidades- la obra se reestreno en abril del 2014, en el Teatro Hasta Trilce de Buenos Aires, de 140 localidades, donde hasta el mes de junio la han visto, con 1 función semanal, más de 1300 espectadores. La obra ha sido invitada a: Festival de Teatro de Rafaela (Santa Fe, Argentina, 2014), y Festival Internacional de Buenos Aires (Argentina, 2013). La obra ha obtenido los premios: Florencio Sánchez de la Casa del Teatro (Argentina) por mejor Actriz Protagónica (Belén Blanco) y mejor Dirección (Silvio Lang); Trinidad Guevara del Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires por mejor Autora (Griselda Gambaro).

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Además de las nominaciones a los Premios Florencio Sánchez por mejor Actor Protagónico (Alberto Suarez) y mejor Iluminación (Gonzálo Córdova); Premios María Guerrero de la Asociación Amigos del Teatro Nacional Cervantes (Argentina) por major Iluminación; y Premios Teatro del Mundo de la Universidad Nacional de Buenos Aires (Argentina) también por mejor Iluminación. Ficha artística Autoría: Griselda Gambaro / Dirección: Silvio Lang / Elenco: Belén Blanco, Edgardo Castro, Ezequiel Díaz, Patricio Aramburu, Victoria Roland, Esteban Masturini, Pochi Ducasse, Pablo Cécere / Música original: Pablo Cécere / Escenografía e iluminación: Gonzálo Córdova / Diseño de arte y vestuario: Renata Schussheim Más información en www.teatroscanal.com

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Teatro / Sala Roja PINTI RECARGADO DE BAIRES A MADRID Enrique Pinti 4 y 5 de diciembre

(Foto: Gianni Mestichelli)

Sobre el espectáculo La crisis es el “estado natural” de la historia mundial. Los períodos aparentemente estables, son nada más ni nada menos, que incubaciones de la próxima crisis. Partiendo de esa base el humor es una buena manera de lograr, si no entender al menos soportar los embates del disparatado devenir histórico. Tomar en broma lo aparentemente serio lejos de banalizar el horror es quitarle la máscara siniestra y reducirlo al ridículo, lo único que molesta realmente a los poderosos. Este monólogo siempre irónico, a veces melancólico, otras mal hablado trata de hablar de las crisis económicas, las sociales y las de nervios. El autor – actor - tiene 75 años y es argentino, dos condiciones: la vejez y la nacionalidad que lo habilitan para hablar del tema. Este será un paseo por la historia del mundo con destino final incierto y varias escalas en el sur del continente americano. Si puede, ría, si quiere llore, y si prefiere reflexione. – Enrique Pinti. Sobre Enrique Pinti Enrique Alejandro Pinti (Buenos Aires, 1939) es un reconocido actor, humorista, director teatral, escritor y dramaturgo argentino, con una extensa trayectoria teatral y cinematográfica. Famoso por su “verborragia” y su desenfado, ha creado obras infantiles y para adultos, sketches , monólogos, comedias musicales, cuentos y espectáculos para music-hall y caféconcierto. Más información en www.teatroscanal.com

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Música / Sala Roja

REMEMORANDO A JULIO DE BAIRES A MADRID Susana Rinaldi 6 y 7 de diciembre

(Foto: Christian Inglize) Sobre el espectáculo A través de su clásico repertorio de tangos, fragmentos de la obra del escritor y anécdotas de la amistad que compartieron, la cantante hace posible un encuentro con Julio Cortázar. La acompaña en piano Juan Esteban Cuacci, excelente músico argentino que reside en España. Más información en www.teatroscanal.com

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Música / Sala Roja MARIANNE FAITHFULL EN CONCIERTO XXXII FESTIVAL DE OTOÑO A PRIMAVERA 10 de diciembre

Sobre el espectáculo Este fin de año del 2014 va a ser muy especial en la carrera de Marianne Faitfull, que celebra su 50 aniversario sobre los escenarios con una gira mundial. En septiembre, se publica su nuevo disco Give My Love to London. La banda que la ha acompañado en la grabación está compuesta por Adrian Utley (Portishead), los teclados de Ed Harcourt, Rob Ellis (batería), Dimitri Tikovoi (bajo) y un cuarteto de cuerda. Como invitados aparecen Warren Ellis y Jim Sclavunos (Nick Cave and the Bad Seeds). Marianne ha escrito la mayoría de las letras, mientras que la música está compuesta por Nick Cave, Anna Calvi, Roger Waters, Pat Leonard, Tom McRae y Steve Earle. Casi nada. En noviembre la editorial Rizzoli publica, el libro As Tears go By (coincidiendo con la aparición de la mítica canción de mismo nombre). Este título pretende ser el libro definitivo sobre Faithfull. Reuniendo una colección personal de fotografías que recorren su trayectoria, desde su explosivo éxito en el Londres de los años 60, su relación con los Rolling Stones, sus trabajos como actriz junto a Orson Welles, Jean-Luc Godard, Alain Delon o Sofia Coppola y sus colaboraciones con David Bowie, Nick Cave o Beck. Con introducción de Salman Rushdie y fotos de Steven Meisel, David Bailey y Anton Corbijn, entre otros.

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Como cantante de folk, Marianne Faithfull fue descubierta en un café de Londres por el manager de los Rolling Stones en 1964. Cinco décadas después, su trabajos en la música, sus actuaciones como actriz de cine y teatro y su estilo personal la han convertido en un icono indiscutible de la cultura popular. Más información en www.teatroscanal.com

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Musical humorístico / Sala Verde

BOSSI BIG BANG SHOW DE BAIRES A MADRID Martin Bossi 10 y 13 de diciembre

(Foto: Claroscuro Producciones) Sobre el espectáculo Una gran apuesta musical de alto despliegue en la que Bossi, acompañado por músicos en vivo, recrea a los grandes artistas de la música de todos los tiempos, recorre con inteligencia a través de sus monólogos la problematica del día a día de las personas, sus problemas de comunicación en la era de la hiperconexión, la música, los valores extintos, ahondando siempre en necesidad humana de la risa. Un espectáculo para ver, vivir y sentir. Un recorrido por los últimos 50 años de historia de la música, la Televisión, el cine y el teatro en un solo show. Una profunda reflexión humorística sobre el Teatro, el Cine, la Música, la Comunicación y las Relaciones Humanas en nuestros días. En este nuevo musical MARTÍN BOSSI representará a los grandes íconos de la música internacional y nacional de todos los tiempos, pasando por Frank Sinatra, Ray Charles, Elton John, John Lennon, entre otros. Martín Bossi, actor, humorista e imitador, es uno de los artistas de mayor éxito de la cartelera teatral porteña. Comenzó su carrera como actor en el año 2000, y desde entonces ha escalado a las cimas más altas de la popularidad, conviertiendo cada uo de sus shows en espectaculares éxitos de crítica y público.

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Famoso también en la televisión por sus intervenciones en el programa Show Match en donde sobresalió sobre todo por su imitación de la Presidenta Cristina Fernández de Kirchner Ficha artística Interpretación: Martín Bossi / Actuación Especial: Manuel Wirzt / Dirección General: Emilio Tamer / Producción: Diego Djeredjian - Lino Patalano Más información en www.teatroscanal.com

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Música / Sala Verde ELENA ROGER EN CONCIERTO DE BAIRES A MADRID Elena Roger 11 y 12 de diciembre

(Foto: Fernando Carrera) Sobre el espectáculo Al tiempo que presenta Tiempo Mariposa -su nuevo trabajo discográfico- Elena Roger recorre los temas más emblemáticos de las comedias musicales, con un repertorio que la lleva desde la famosa Evita de Weber y Rice, pasando por Los Miserables, Fiebre del sábado noche y Mina che cosa sei?, hasta llegar a La Piaf –por cuya interpretación ganó en Inglaterra el Lawrence Olivier Award en 2008 y conmovió al público español dos años más tarde.

Ficha artística: Voz: Elena Roger / Direción musical: Javier López del Carril / Músicos: Christine Brebes, Osvaldo Tabilo, Andrés Dulcet, Carlos Britez Más información en www.teatroscanal.com

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Música, danza / Sala Roja A + A Ara Malikian y Ángel Corella Del 18 de diciembre al 4 de enero

(Foto: Diego Berro // Foto Agency) Sobre el espectáculo A veces, el destino juguetón y aparentemente casual, provoca encuentros entre seres carismáticos, como lo son Ángel Corella y Ara Malikian. Uno de los violinistas más famosos del panorama internacional y uno de los grandes bailarines del mundo, aúnan sus energías, su ímpetu, su coraje y su capacidad de conectar con el público, para presentar un programa lleno de encanto, fuerza y sugestión. Arropados por los primeros bailarines del Barcelona Ballet; Dayron Vera; Carmen Corella; Kazuko Omori, Natalia Tapia y Russell Ducker y la extraordinaria participación de miembros de la orquesta de cuerda, “La Orquesta en el Tejado”; curtidos todos ellos, en mil batallas escénicas, y que conjuntamente con los dos primeros espadas, configuran un espectáculo sumamente atractivo y cautivador.

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Sobre Ángel Corella Comenzó a los 10 años su formación en danza clásica de la mano de Víctor Ullate. En 1991 ganó el Primer Premio en el Concurso de Ballet Nacional de España, pasando a formar parte, con tan solo 15 años de la Compañía de Victor Ullate. Tras ser preparado por Karemia Moreno, en 1994, recibe el Gran Premio y la Medalla de Oro, máximas distinciones en el Concurso Internacional de Danza de París. En 1995, se incorpora al American Ballet Theatre como Solista, y obtiene la categoría de Bailarín Principal un año más tarde. Ángel Corella es

también estrella invitada del Royal Ballet de Londres, de la Scala de Milán, del Bolshoi Ballet de Moscú, del Kirov Ballet de Sant Petersburgo, del New York City Ballet, del Ballet de Australia, del Ballet de Tokio, del Ballet de Chile, del Ballet de Caracas del Ballet de Georgia y del Ballet de Finlandia. En el año 2000, fue galardonado con el Premio Internacional “Benois de la Dance” por su trabajo en Other Dances, de Jerome Robins. A lo largo de su trayectoria profesional ha representado todos los roles principales del repertorio clásico y neoclásico, tales como: Basilio en Don Quijote; Alí y Conrad en El Corsario; Solor en La Bayadera; Príncipe Deseado en La Bella Durmiente; Romeo en Romeo y Julieta; Colás en La Fille Mal Gardèe; Danilo y Camilo en La Viuda Alegre; Sigfrido en El Lago de los Cisnes; Albrech en Gisselle; Aminta en Silvia; Príncipe en Cascanueces; Lensky en Oneguin; Des Griex en Manon; James en La Silphide; Fancy Free de Jerome Robins; Americans We; Push come to Shore; Concerto Nº 1 for piano and orchestra de TTwyla Tharp; Tema y Variaciones, Mozartiana, Allegro Brillante de G. Balanchine; Clear y WE got it Good de Stanton Welch; In The Middle Somewhat elevated de William Forsythe; Workwhitinwoek, Petit Mort, Sechs Tänze, Symphonieta de Jiri Kylian; VIII de Cristopher Wheeldon, etc. Coreógrafos de la talla de John Neumeier; Twyla Tharp, Mark Morris, Cristopher Wheeldon, David Parson y María Pagés, han creado trabajos especialmente para él. Ángel Corella bailó en el estreno de la Temporada de Otoño del City Center de New York, en una gala extraordinaria de lírica y danza junto a Cecilia Bartoli. La Fórmula obtuvo tanto éxito que se repitió nuevamente con las sopranos Ainhoa Arteta en San Sebastian y Andorra, Con Isabel Rey en el Palau de la Música Catalana y con Ángeles Blancas en Miami. El 4 de noviembre de 2002 le fue concedido el Premio Nacional de Danza en la modalidad de “Interpretación”, en reconocimiento a la excepcionalidad de su danza y como representante de toda una generación de artistas españoles que han destacado en compañías internacionales. En abril del 2008, nace el Corella Ballet, compañía creada por el bailarín y que viene a cubrir un hueco importante de la danza en nuestro país desde hace más de 20 años.

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Sobre Ara Malikian Ara Malikian es, sin duda uno de los más brillantes y expresivos violinistas de su generación. Poseedor de un estilo propio, forjado a partir de sus orígenes y ricas vivencias musicales, su violín se alza como una de las voces más originales e innovadoras del

panorama musical. Galardonado con los premios más prestigiosos a nivel mundial, realiza más de 450 funciones anuales en más de 40 países. Tiene más de 40 discos grabados y ha creado su propia orquesta. Ha participado en proyectos para la gran pantalla, ha elaborado BSO para varias películas y lleva cuatro años presentando el programa semanal Pizzicato de TVE. Nacido en Líbano en el seno de una familia Armenia, Ara Malikian se inició en el violín a muy temprana edad de la mano de su padre. Dio su primer concierto con 12 años y a los 15, recibió una beca del Gobierno Alemán (DAAD) para cursar estudios en la Hochschule für Musik und Theater Hannover. Posteriormente amplió sus estudios en la Guildhall School of Music and Drama de Londres, además de recibir lecciones de algunos de los más prestigiosos profesores del mundo como Franco Gulli, Ruggiero Rici, Ivri Gitlis, Herman Krebbers o miembros del Alban Berg Quartett. Una inagotable inquietud musical y humana, ha llevado a Ara Malikian a profundizar en sus propias raíces y asimilar la música de otras culturas del Medio Oriente (árabe y judía), Centro Europa (gitana y Kletzmer), Argentina (tango) y España ( flamenco), todo ello dentro de un lenguaje muy personal en el que se dan la mano la fuerza rítmica y emocional de estas músicas con el virtuosismo y la expresividad de la gran tradición clásica europea. Ficha artística: Dirección artística coreografías: Ángel Corella / Director Artístico Musical: Ara Malikian / Bailarines: Ángel Corella, Dayron Vera, Carmen Corella, Kazuco Omori, Natalia Tapia, Russell Ducker / Músicos: Ara Malikian, Humberto Armas, Jorge Guillén, Alaia Ferrán, Sara Morgado , Estefanía Villarón / Producción: Barcelona Ballet

Más información en www.teatroscanal.com

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Teatro / Sala Verde THE GAGFATHER Yllana Del 18 de diciembre al 11 de enero

(Foto: Julio Moya) Sobre el espectáculo Cuatro gánsters aterrorizan la ciudad. Un policía harto de la corrupción del sistema y las tropelías de éstos, recluta a un selecto grupo de disparatados polis para pararles los pies. El bien contra el mal, ¿o todo lo contrario?. Con esta premisa arranca el nuevo espectáculo de Yllana, un homenaje al "cine negro", lleno de delirantes situaciones de humor negro, inventiva teatral y el código gestual marca de la compañía. Un divertidísimo viaje a las bajos fondos y a los más bajos instintos, no exento de crítica y reflexión sobre el bien y el mal.

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Sobre la compañía Yllana nace en 1991 como compañía de teatro de humor gestual, aunque en la actualidad ha diversificado su actividad ofreciendo distintas prestaciones en el mundo de las artes escénicas y el audiovisual. Por un lado se dedica a la creación, producción y distribución de espectáculos, eventos y formatos audiovisuales y por otro gestiona espacios teatrales y desarrolla diferentes proyectos en el ámbito cultural. Los miembros de Yllana son Juan Francisco Ramos, Marcos Ottone, David Ottone, Joseph O´Curneen y Fidel Fernández. En estos 23 años Yllana ha producido veintitrés espectáculos teatrales: ¡Muu! (1991), Glub, Glub (1994), 666 (1998), Hipo (1999), Rock and Clown (2000), Spingo (2001), Splash! (2002), Star Trip (2003), Los Mejores Sketches de Monty Python (2004), Olimplaff (2004), La Cantante Calva (2005), Buuu! (2006), PaGAGnini (2007), Musicall (2007), Brokers (2008), Zoo (2009), Sensormen (2010), ¡Muu! 2 (2011), The Hole (2011), Action Man (2012), Far West (2012), Monty Python, Los Mejores Sketches (2013) y Malikianini, Sinfònic Ara (2014). Estos montajes se han representado en más de 2000 ocasiones en más de 30 países y han sido vistos por más de un millón y medio de espectadores. Destacan en el extranjero temporadas teatrales en Nueva York, Montreal, México DF, Roma, Londres y París y la participación en festivales internacionales de gran prestigio como el Fringe Festival de Nueva York (USA), obteniendo el Premio “Outstanding Unique Theatrical Event” por 666 en 2009, El Fringe Festival de Edimburgo (UK) galardonados con el Premio al Mejor Espectáculo del Fringe por los editores del periódico “Three Weeks” por PaGAGnini en 2008, y el Festival Printemps des Courges de Toulouse (Francia), ganando el premio con Muuu! al Mejor Spectacle Etranger en 1993. En España Yllana ha hecho temporadas teatrales en todas las grandes ciudades y recibido multitud de premios, entre los que destaca el Max Al Mejor Espectáculo Infantil por Zoo en 2010. También Yllana ha dirigido espectáculos para otras compañías o productoras, como Glorious, de Nearco Producciones, y asesorado en la dirección a otras como Mayumana (Israel), Ye-Gam (Corea), Hermanos de Baile (España) y varios de los espectáculos de la compañía Sexpeare (España). Yllana ha creado numerosos sketches y spots publicitarios que se han emitido en televisiones de varios países. Desde 2009 colabora con Paramount Comedy (VIACOM) en el desarrollo y producción de nuevos formatos audiovisuales, entre los cuales el piloto de la serie Chic-cas ya ha sido emitido. Desde 1996 gestiona el Teatro Alfil de Madrid, convirtiéndolo en un espacio de referencia dedicado a la comedia en todas sus variantes. En 1994 crea el FIHUM (Festival Internacional de Humor de Madrid), un festival que presenta en cada edición las mejores propuestas internacionales de humor. Además trabaja en el campo de la distribución de artistas internacionales como Leo Bassi, Elliot, Avner The Eccentric, Joseph Collard y Krosny. Yllana ofrece asesoramiento artístico a varias entidades públicas y privadas para la organización de eventos culturales en los que el humor tiene un protagonismo especial.

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Su experiencia en artes escénicas, desde la creatividad a la producción, se pone al servicio de cualquier tipo de evento institucional. Yllana ha dirigido y/o producido, entre otros, los siguientes eventos: Gala de los Premios Max de las Artes Escénicas (2009), Galas de Presentación de la Red de Teatros de la Comunidad de Madrid (2006), Galas de Presentación de la Temporada teatral de la Comunidad de Madrid (Años 2005-2007), los espectáculos del Parque de Atracciones de Madrid en 2006, 2008 y 2009 y participado en galas y eventos para Volkswagen o el Real Madrid. Yllana es una empresa joven, flexible, con capacidad de adaptación y soluciones rápidas, que goza de reconocimiento en el sector cultural. No sólo a nivel nacional sino también internacionalmente. Ficha artística Idea original: Yllana / Dirección artística: Yllana / Intérpretes: Fidel Fernández, Luis Cao, Juan Fran Dorado, Jony Elías / Escenografía: Eduardo Moreno / Vestuario: Anna Tussell / Diseño de sonido: Alberto Fernández / Producción: Mabel Caínzos, Ramón Sáez, Fran Álvarez Más información en www.teatroscanal.com www.yllana.com

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Música y teatro, espectáculo familiar / Sala Verde PEDRO Y EL LOBO TOCAN EN LA ORQUESTA Compañía PYEL Del 19 de diciembre al 5 de enero

Sobre el espectáculo La Compañía Pyel presenta Pedro y el lobo tocan en la orquesta, adaptación del conocido cuento musical Pedro y el lobo de Sergéi Prokófiev. En esta novedosa producción músicos y actores se unen en la misma persona para dar vida a los personajes. Un nuevo guión potencia el aspecto educativo, transmitiendo los valores de la amistad y la responsabilidad. Frescura y originalidad caracterizan a esta nueva propuesta para toda la familia en la que descubriremos un insólito final del relato. Sobre la compañía PyeL La compañía PyeL está formada por profesionales de la música y el teatro interesados por los espectáculos didácticos. Sus músicos son titulados superiores y desarrollan su actividad docente en diferentes puntos de la geografía española, como la Escuela Superior de Canto de Madrid, la Fundación Juan March, la Escuela Estímulos, etc. A su vez participan activamente en diversas formaciones orquestales como la OFE, JORCAM, JOGV, etc. Además varios de sus componentes tocan en el Quinteto Enara, agrupación camerística con una amplia trayectoria y reconocimiento.

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La actividad teatral les ha unido en diversos marcos como el Festival de Verano de San Lorenzo del Escorial, los Teatros del Canal o la Sala Latinarte, donde, de manera individual han desempeñado diferentes funciones como la interpretación, la caracterización y vestuario, la repetición, etc. Entre sus proyectos de futuro se encuentran la interpretación de nuevos cuentos musicales basados en textos clásicos adaptados para la formación de la Compañía. Ficha artística Idea original: Isabel López / Dirección de escena: Compañía PyeL / Escenografía y vestuario: Isabel López / Violín (Pedro): Jordi Hidalgo / Trompa (Lobo): Roberto Sánchez / Fagot (Abuelo): Borja Ocaña / Flauta (Pájaro): Laura Dudley / Oboe (Pato): Valle González / Clarinete (Gato): Javier Povedano / Piano (Maestro): Borja Mariño / Narradora: Milena Milyutenko / Sonido e Iluminación: Miguel López Garrido Más información en www.teatroscanal.com www.pyel.es

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Teatro / Sala Verde EL ASNO DE ORO Rafael Álvarez, El Brujo Del 14 de enero al 8 de febrero

(Foto: Fran Ferrer) Sobre la obra El asno de oro es un relato sorprendente. Su autor, Lucio Apuleyo junto con Petronio está considerado como uno de los padres de la novela en Roma. Natural de Madaura (en la actual Argelia) donde se descubrió en 1918 una estatua erigida en su nombre, Apuleyo pertenece al grupo de los llamados "neosofistas" que ejercían como oradores ambulantes. Filósofo, mago, narrador.., paseó su facundia alrededor de aquel mundo mediterráneo durante años. La influencia de su obra es inmensa en la posteridad, sobre todo a partir del Renacimiento. Desde San Agustín, Marlowe o Milton pasando por Shakespeare, Gracián, Cervantes o Lope de Vega hasta Ionesco y kafka, o Ruleus, Goya y Rodin, su huella es constante en la creación artística occidental. Se le considera un puente en la mentalidad y la cultura oriental y su lengua está cargada de simbolismo, ritmo, belleza e intenciones polisémicas. El protagonista, Lucio, convertido en un asno, vive con su alma humana en el interior de un cuerpo animal un largo espacio de tiempo hasta recobrar su forma humana otra vez con la luz ahora de un nuevo nacimiento. Es una historia de caída y redención, de crisis y conversión.

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Se ha relacionado el relato con los rituales procesos psicológicos vinculados con los antiguos misterios, especialmente los mitos de Isis y Osiris. Más allá de todas estas consideraciones, la peripecia está llena de acción y dinamismo, humor, ironía y una llamativa excentricidad. Lucio convertido en asno tiene ocasión de mostrarnos la corrupción y la crueldad, la superstición y las tensiones del mundo mediterráneo de la época a través de un viaje que recuerda al Lazarillo de Tormes pasando calamidades. De hecho la novela se considera un antecedente clarísimo de la picaresca. Por todos estos motivos he considerado el texto de relevante interés para presentar un espectáculo en Mérida dentro de la línea que vengo explorando desde hace tiempo. Grandes textos de la cultura mediterránea que vienen de la tradición oral y paseando por la literatura vuelven otra vez a esa misma tradición a través del teatro. El asno de oro no se ha representado nunca bajo ninguna forma, lo que añade un valor especial a su caso. El estreno mundial de un clásico latino. La música, la prosodia específica para este tipo de textos, el humor y el sentido de fiesta priman en su adaptación. Más allá del entretenimiento y la diversión que son esenciales en un espectáculo, El asno de oro añade la visión de la universalidad de los valores y los significados de las grandes obras: en el Siglo II después de Cristo los paganos cultos, sensibles y piadosos buscaban la realización del espíritu a través del sincretismo religioso y filosófico más variado, mientras el Cristianismo derramaba ya su luz por el mundo. ¿Sería posible un teatro vivo, que conecte con el público de hoy, hablando del mundo de hoy, y al mismo tiempo de una vida grande contra la que nada puede la muerte, ya que esa VIDA incluye la vida misma y la muerte? Al menos merece la pena intentarlo. – Rafael Álvarez, el Brujo Ficha artística: Texto: Lucio Apuleyo / Dirección e Interpretación: Rafael Álvarez, el Brujo Más información en www.teatroscanal.com

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Cantata escénica / Sala Roja CARMINA BURANA La Fura dels Baus y Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (ORCAM) Del 16 al 18 de enero

(Foto: Íñigo Ibáñez / Quincena Musical) Sobre el espectáculo La Fura dels Baus ha concebido un Carmina Burana trepidante, donde el espectador, a través de impactantes escenas, efectos especiales e incluso fragancias primaverales, se sumerge en la contundente y visceral música de Carl Orff. Sobre el escenario, un cilindro de diez metros de diámetro envuelve literalmente la orquesta, mientras los cantantes y las imágenes proyectadas sobre él, ilustran la obra de principio a fin. Una luna gigante, el deshielo, cascadas de agua, éxtasis floral, una vendimia en directo, vino, agua y fuego. Un espectáculo que ya han visto cerca de 100.000 espectadores. La Fura dels Baus en estado puro. Sobre La Fura dels Baus A lo largo de sus más de 30 años de trayectoria, la compañía La Fura dels Baus ha desarrollado a partir de la creación colectiva, un lenguaje, un estilo y una estética propios. Sus más de 2.500 representaciones han sido vistas en directo por más de 3 millones de espectadores de todo el mundo y la compañía está considerada como un grupo de culto por miles de seguidores.

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Desde los años noventa, como reflejo de su constante evolución, La Fura dels Baus ha cultivado el teatro de texto, el teatro digital, la ópera, los grandes eventos (macroespectáculos) y el cine. La Fura se ha caracterizado por explorar la idea del espectáculo total y ha encontrado en la puesta en escena operística un territorio perfecto para desarrollar su creatividad. Sobre la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid Baluarte de la vanguardia y modelo de atención al repertorio español, desde su creación en 1984 (coro) y 1987 (orquesta), la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (ORCAM) se ha distinguido por presentar unas programaciones innovadoras, que han combinado lo más destacado de la creación contemporánea con el repertorio tradicional. Crítica y público han subrayado con unanimidad el interés y atractivo de las temporadas de abono de la ORCAM. Su ciclo de conciertos en el Auditorio Nacional de Música se ha convertido en referencia imprescindible en la vida musical española y punto de encuentro de un público variado y dinámico, interesado en conocer todas las corrientes musicales y los constantes estrenos absolutos que incluyen sus diferentes ciclos de conciertos. El sólido aval que representan sus abonados y el respaldo de los más exigentes medios especializados expresan el relieve de la actividad de la ORCAM, que ha prolongado el ámbito de sus actuaciones más allá de la exitosa temporada de abono madrileña, habiéndose incorporado de forma activa a las temporadas de otros escenarios de la Comunidad, como son los Teatros del Canal y el Teatro Auditorio San Lorenzo de El Escorial. Su presencia ha sido requerida en las salas y ciclos más prestigiosos de toda España, así como en temporadas y festivales internacionales, con visitas en diversas ocasiones a varios países de Latinoamérica y del continente asiático. En Europa ha actuado en lugares tan emblemáticos como el Teatro La Fenice de Venecia, el Lingotto de Turín, el Arsenal de Metz y la Konzerthaus de Berlín. Italia es un país que acoge con frecuencia las actuaciones de la ORCAM, señaladamente la Biennale di Venezia y el Festival MITO (Milán y Turín). De igual modo hay que señalar la actuación celebrada en el Carnegie Hall neoyorquino con Plácido Domingo, a las órdenes del Maestro Miguel Roa. La estrecha relación de la ORCAM con la lírica viene avalada por el hecho de que la orquesta es, desde el año 1998, Orquesta Titular del Teatro de la Zarzuela de Madrid, lo que le ha situado como máximo exponente del género, llevando a cabo en sus diferentes temporadas reestrenos, reposiciones, recuperaciones, grabaciones y encargos de diversa índole. Asimismo, el Coro de la Comunidad de Madrid es asiduo partícipe de gran número de producciones operísticas que han tenido lugar en el Teatro Real de Madrid desde su reapertura en 1997. Por el podio de la ORCAM han pasado maestros invitados tan prestigiosos como Harry Christophers, Eric Ericson, Jean Jacques Kantorow, Isaac Karabtchevsky, Fabio Biondi, José Serebrier, Michel Corboz, Lorin Maazel, Paul McCreesh, Shlomo Mintz, Leopold Hager, Krysztof Penderecki, Alberto Zedda y Libor Pesek.

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En la nómina de directores españoles figuran, entre otros, Edmon Colomer, Rafael Frühbeck de Burgos, Antoni Ros Marbà, Enrique García Asensio, Miguel Ángel Gómez Martínez, Cristóbal Halffter, Jesús López Cobos, Ernest Martínez Izquierdo, Víctor Pablo Pérez, Josep Pons, Pablo González y Juanjo Mena. No menos extensa resulta la nómina de solistas, en la que cabe señalar figuras como Aldo Ciccolini, Shlomo Mintz, Jennifer Larmore, Hansjörg Schellenberger, Michael Volle, Nikolai Lugansky, Benjamin Schmidt, Barry Douglas, Asier Polo, Joaquín Achúcarro, Dietrich Henschel, Dame Felicity Lott, Akiko Suwanai, Artur Pizarro, Anatol Ugorsky, Pablo Sáinz Villegas y Gerard Caussé. El fundador y primer director titular de la ORCAM fue el Maestro Miguel Groba, a quien sucedió en el puesto, en septiembre de 2000, José Ramón Encinar, actual director Titular y Artístico de la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid. Jordi Casas Bayer ha sido el director del Coro de la Comunidad de Madrid desde 2000 hasta 2011 y, en la actualidad, Pedro Teixeira lo es desde octubre de 2012. Víctor Pablo Pérez tomará las riendas de la dirección Titular y Artística de la ORCAM a partir de septiembre de 2013. Sobre el director, Carlus Padrissa Nacido en 1959 en Balsareny, Barcelona, autodidacta y ambidiestro. Fundador en 1979 de la compañía La Fura dels Baus, con la que ha actuado por los cinco continentes. En 1992 dirigió, junto a Alex Ollé, Mar Mediterrani, Mar Olímpic para la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Barcelona. Junto a Alex Ollé ha dirigido las óperas: Atlántida de Falla (Granada,1996), El Martirio de San Sebastián de Debussy (Roma, 1997), La condenación de Fausto de Berlioz (Salzburgo, 1999), La Flauta Mágica de Mozart (Bochum, 2003), Diario de un Desaparecido de Janacek y El castillo de Barbazul de Bartok (París, 2007). Ha sido el responsable de la dirección escénica de la tetralogía de El anillo del Nibelungo de Wagner. A dirigido además, las óperas Michael reise um die Erde (2008) de Stockhausen, Les Troyens de Berlioz (2009) Tannhäuser de Wagner (2010) y Aida de Verdi en el Festival de Verona (2013). Ficha artística: Música: Carl Orff / Dramaturgia y dirección de escena: Carlus Padrissa / Director Musical: Víctor Pablo Pérez / Cantantes: Amparo Navarro, Vasily Koroshev, Toni Marsol / Interpretación: Luca Espinosa / Escenografía: La Fura dels Baus / Vestuario: Taller Rose Collection / Iluminación: Melanie Schroeder / Realización Audiovisual: David Cid / Producción: Agencia Camera Más información en www.teatroscanal.com www.carmina-burana.es

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Danza española / Sala Roja MEDITERRÁNEO Compañía Miguel Ángel Berna Del 22 de enero al 1 de febrero

(Fotos: Juan Moreno)

Sobre el espectáculo Desde siempre las manifestaciones musicales y coréuticas han sido los instrumentos que los pueblos han utilizado para expresar y comunicar sus tradiciones. Lenguaje universal que ha tenido la capacidad de unir a los hombres en los tiempos de paz, de separarlos en los tiempos de soledad mental. Este Mediterráneo tan anhelado por los gobernantes de antaño fue el transmisor de antiguas tradiciones que se depositaron en otras tierras. En este recorrido circular en el que nada se destruye, sino que todo se transforma, buscamos el principio. Este es el viaje que cada hombre debería realizar; la búsqueda de su propia historia pasada y presente, para escribir la futura. No olvidemos que las tradiciones mueren cuando se sacan del contexto en el que se desarrollaron. La decisión de realizar un espectáculo impregnado de aires del Mediterráneo se tomó a partir de unas investigaciones realizadas sobre los orígenes de algunas tradiciones coréuticas y musicales, que se desarrollaron en toda la zona del Mediterráneo. Profundizando sobre el origen y evolución del baile de la jota. Nuestros estudios se han basado sobre la noción del intercambio cultural entre distintos periodos y regiones, potenciando la idea del baile como una expresión que varía y se transforma según el ritmo de los acontecimientos y circunstancias históricas.

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Sobre el director y coreógrafo, Miguel Ángel Berna Nace en Zaragoza y comienza a bailar jota a la edad de 8 años participando en más de 1000 festivales. En 1990 funda su propia compañía con el nombre de “Danza viva”. En Junio de 1990 presenta la coreografía Entre dos al II Certamen de Danza Española y Flamenco en el Teatro Albéniz de Madrid, recibiendo el Premio al Bailarín Sobresaliente. En el mismo mes de Junio presenta la coreografía La templanza en el IX Certamen Coreográfico de Danza Española y Flamenco en el teatro Albéniz de Madrid, obteniendo el Primer Premio de Coreografía. Desde Julio de 2005 es compañía residente del Exmo. Ayuntamiento de la ciudad de Zaragoza.

Trabaja con Carlos Saura en la película Iberia y en el audiovisual Sinfonía de Aragón. Imparte clases magistrales en el City Center de Nueva York, Ballet Nacional de España, Centro Andaluz de Danza de Sevilla, Conservatorio Profesional de Danza de Almería y en el Institut del Teatre de Barcelona. Sus espectáculos se han visto por toda España y en grandes escenarios de países como Francia, Grecia, Japón, Cuba, Londres, Nueva York, Brasil, China, Uruguay, Italia, Israel, Méjico, Jordania, Siria y Libano.

Ficha artistica: Dirección y coreografía: Miguel Ángel Berna / Vestuario cuerpo de baile: María José Mora / Vestuario Miguel Ángel Berna: María José Mora, Enrique Lafuente / Iluminación: Bucho Cariñena / Sonido: Kike Cruz / Producción: Centro Aragonés de Danza Más información en www.teatroscanal.com www.miguelangelberna.com

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Teatro familiar / Sala Verde DEAR DARWIN Parlon Company & Cup of Theatre 24 y 31 de enero

Sobre la obra Dear Darwin es una obra de teatro dinámica e innovadora en inglés representada por actores nativos que muestra las dificultades por las que un adolescente pasa durante la Secundaria: sobreponerse al primer desamor, la carga del bullying, las redes sociales y las pandillas. Aceptarse a uno mismo y respetar a los demás son el centro de atención de este montaje que junta a 12 artistas internacionales que realizan piezas multimedia de animación, video arte, stop motion, free running, pop-up comic, hip-hop/rap y danza contemporánea. Dear Darwin mezcla el arte dramático, la música, las artes gráficas, digitales y audiovisuales, el deporte y la danza en una pieza de menos de dos horas de duración. ¿Cómo condensar y a la vez sacar todo el partido de cada disciplina? La respuesta a esta pregunta se resolvió en el proceso mismo de la creación del guión dramático, dado que la extensión y el volumen de trabajo vinieron determinados por las necesidades del ritmo narrativo al que todo se ha sometido. Bajo mi dirección y la mano supervisora de Rick Limentani he decidido que toda pieza fuera concebida por un artista que la liderara y otro que le complementara; de esta manera se promueve el trabajo en equipo y la unión de todo el grupo (artístico y técnico) compartiendo el proceso creativo entre todos.

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Se abre el telón y una obra de distintas disciplinas conduce una misma historia dramática. Para cumplir este objetivo he visto necesario que las diferentes ramas artísticas se complementaran y que el estilo de cada una de las mismas no se perdiera sino que fuera parte integral y fruto de armonía en el montaje. Sobre la dirección de actores y artistas Dirigir el trabajo de tantos artistas ha sido un verdadero reto puesto que la mayoría de ellos no estaban familiarizados con el mundo teatral, de hecho, muchos no habían acudido nunca a ver una obra de teatro. Su entusiasmo ha hecho sencillo dirigir su arte hacia un formato amplio, de grandes dimensiones y con finalidad no sólo de entretenimiento, sino también educativa, social y cultural. El guión comenzó a fraguarse en el verano del 2013 y el proceso de escritura se alargó hasta la primavera del 2014, habiendo para entonces realizado multiples entrevistas y habiendo procesado una investigación sobre el bullying y las bandas callejeras en los distintos países donde quisiéramos enfocar la obra teatral. Al tiempo que esto ocurría el trabajo con los artistas se puso en marcha, dado que el tiempo para desarrollar cada pieza variaba mucho (para algunas se necesitan días, mientras que para otras largos meses de arduo esfuerzo) Esta combinación enriqueció, como por efecto de osmosis, todo el proceso creativo. Los ensayos con los actores y la actriz bailarina están forjados de tal manera que lo primero que se diseñe durante toda una semana sea el movimiento escénico, siendo la danza y el free running el foco inicial de atención. Una vez cómodos en escena comienza el proceso de creación de personajes para el que quiero dedicar al menos tres semanas. Kieran, el papel protagonista que siempre está en el escenario cuando se trata de una escena interpretada por actores, se mantendrá obviamente constante en el proceso de ensayos, mientras que el resto de los actores acudirán en días específicos durante las dos primeras semanas y la tercera semana todo el equipo artístico trabajará de manera conjunta, para poder consolidar la obra teatral. Sobre la escenografía, el vestuario y la iluminación Simpleza escénica, sin ornamentos, sin utilería y sólo con los elementos que sean estrictamente necesarios para una buena comprensión de la historia es la base de la concepción escenográfica. Hay 3 áreas de acción imprescindibles: La cancha de baloncesto, la habitación de la abuela y una pantalla donde poder proyectar imágenes. El resto de los lugares donde se sitúa las distintas escenas serán delineados de manera individualizada en la imaginación de cada espectador dado que se desarrollarán en el escenario sin ser definidos escenográficamente. Líneas sesgadas, colores fríos (morado, verde, azul…) con acabados metálicos para determinar la juventud de Manchester, ciudad donde trascurre Dear Darwin.

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La iluminación no sólo complementa la acción dramática, sino que es también uno de los grandes participantes artísticos de esta producción. La locura de una discoteca a altas horas de la noche, una cancha de baloncesto frente al atardecer de un frío invierno, una habitación de una residencia de ancianos cuyo gran ventanal alumbra las despedidas, la desesperación de transitar rápido por una ciudad que despierta a primera hora de la mañana… todas estas localizaciones se ven envueltas de la magia de las luces que enfrían o llenan de calor las escenas. Ficha artística Dirección: Rebeca Cobos / Dramaturgia: Rick Limentani y Rebeca Cobos / Música: Bryan Gentry / Escenografía y vestuario: Emma Jesse / Sonido: Jorge Pablo / Iluminación: Paul Micah / Animaciones 3D: Alex Zepherin / Producción: Cup of Theatre en colaboración con Parlon Film Company Más información en www.teatroscanal.com www.parlonfilm.com www.cup-of-theatre.com

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Documental + concierto / Sala Verde THE HEALING NOTES (LAS NOTAS QUE CURAN) Garnati Ensemble 1 de febrero

Sobre el espectáculo ¿Puede la música aliviar el alma herida de seres humanos de cualquier edad, nacionalidad o condición a los que la vida ha situado en circunstancias extremas? Durante varios meses, el equipo de grabación –dirigido por la periodista Amparo Mendo- siguió a los hermanos granadinos Pablo y Alberto Martos en un periplo que les llevó a Granada, Palestina y Barcelona. Las imágenes recogen sus conciertos en la planta de Oncología Pediátrica de un hospital granadino; en Palestina, durante una gira auspiciada por la Fundación Barenboim-Said; y, en Barcelona, tocando para mujeres privadas de libertad de la Fundación ARED o jóvenes en riesgo de exclusión que acuden a la escuela de música, teatro y danza Xamfrá, en El Raval. The healing notes es una experiencia audiovisual única que incluye la proyección del primer documental producido por Mercedes Milá y un concierto en directo por el grupo de cámara Garnati Ensemble, interpretando las Variaciones Goldberg de J.S. Bach. Dos horas de entretenimiento para todos los públicos, presentadas por una de las periodistas más conocidas del país y la música en directo de Johann Sebastian Bach.

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Sobre el Garnati Ensemble Garnati Ensemble son Pablo Martos (violín) y Alberto Martos (violonchelo). En 2013 grabaron para el sello discográfico Sony Classical y con la colaboración del violista Yuval Gotlibovich, su nueva transcripción para trío de cuerda de las Variaciones Goldberg de J.S. Bach, una pieza original para teclado. Esta nueva versión de la genial pieza compuesta por Bach hace más de 300 años ha recibido una muy buena acogida tanto por parte del público como de los medios de comunicación especializados y de la crítica. En un tiempo récord, Sony Classical ha sacado al mercado la tercera edición de este álbum, cuya partitura ha sido editada por Music Sales. En diciembre del pasado año, Pablo y Alberto Martos recibieron el Premio Andalucía Joven a la Solidaridad.

Ficha artística: Presentación y producción ejecutiva del documental: Mercedes Milá / Guión y dirección del documental: Amparo Mendo / En concierto: Garnati Ensemble (Pablo Martos, Alberto Martos y Yuval Gotlibovich)

Más información en www.teatroscanal.com www.e-imusica.com

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Danza / Sala Roja LA BELLE AU BOIS DORMANT (LA BELLA DURMIENTE) Les Grands Ballets Canadiens de Montréal Del 5 al 8 de febrero

(Foto: John Hall)

Sobre la obra Una versión más oscura del cuento de hadas que conocemos todos: Aurora, una adolescente rebelde, se aburre en su vida demasiado perfecta con sus cariñosos padres. En este caso el Príncipe Encantado es un traficante de drogas que la induce al infierno sustituyendo una jeringuilla de heroína por el uso. Tras un remarcable éxito en Canadá, Les Grands Ballets presentan esta obra única por primera vez en España. Acompañado por la música atemporal del legendario Tchaikovski, esta potente creación del coreógrafo sueco Mats Ek ofrece emoción, humor y una trama decididamente moderna.

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Sobre el coreógrafo, Mats Ek Nacido en 1945 en Malmö, Suecia, Mats Ek es hijo de la renombrada coreógrafa Birgit Cullberg y el actor sueco Anders Ek. Mats Ek se interesó por el teatro mientras tomaba clases de danza con la directora de cine y coreógrafa Donya Feuer. Empezó su carrera de Director en el Stockholm’s Marionette Theatre y el Royal Dramatic Theatre. En 1973 se unió al Cullberg Ballet como bailarín antes de convertirse en 1976 en coreógrafo de la compañía. Sus primeros ballets, El Sirviente del Oficial, San Jorge y el

Dragón, Soweto y La Casa de Bernarda Alba (basado en la novela de Federico García Lorca) le proporcionaron un reconocimiento internacional. Los trabajos originales que creó para la compañía ayudaron a que se estableciera como uno de los mayores coreógrafos contemporáneos. Ek sucedió a su madre como Director Artístico del Cullberg Ballet desde 1983 hasta 1993. Sus versiones de los trabajos clásicos de la compañía – en particular Giselle (1982), La Consagración de la Primavera (1984), El Lago de los Cisnes (1987), Carmen (1992) y La Bella Durmiente del Bosque (1996) – aumentaron su renombre y todas ellas fueron adaptadas con éxito para la televisión sueca. Recibió dos Emmys, una Italia y un premio Dance Screen por sus producciones televisivas de Carmen y Smoke, un dúo que revisó posteriormente y que pasó a llamarse Solo for Two. Desde 1993, Ek ha continuado trabajando con el Cullberg Ballet como coreógrafo invitado. También ha sido constantemente solicitado por las compañías de danza más importantes. Entre sus trabajos más notables están La Bella Durmiente del Bosque para el Hamburg Ballet, A Sort Of (1997) para el Nederlands Dans Theater, Appartement (2000) para el Ballet de l’Opéra de Paris, Fluke (2002) para el Ballet de l’Opéra de Lyon, Auminium (2005) para la Compañía Nacional de Danza de Madrid, Rättika (2008) para el Royal Sweedish Ballet and Place (2008) un dúo para los bailarines Mikhail Baryshnikov y Ana Laguna. Ek es también aclamado por sus trabajos coreográficos de teatro, que incluyen Don Giovanny (1999), Andrómaca (2001), El Mercader de Venecia (2004) y A Dreamplay (2007), todas montadas en el Royal Dramatic Theatre. En 2007 creó la ópera Orfeo en la Royal Sweedish Opera de Estocolmo. Siguiendo a Solo for Two y Appartment, ambas adquiridas en 2003, La Bella Durmiente del Bosque es el tercer trabajo de Ek a ser incluido en el repertorio de Les Grands Ballets Canadiens de Montréal.

Sobre la compañía, Les grands Ballets Canadiens de Montréal Desde la fundación de la compañía en 1957 por Ludmilla Chiriaeff, Les Grands Ballets Canadiens de Montréal ha estado comunicando su pasión por la danza y encendiendo la imaginación de las audiencias de todo el Mundo. Esta compañía mundialmente aclamada está volcada en desarrollar el ballet en todas sus formas sin por ello dejar de ser fiel al espíritu del ballet clásico.

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Les Grands Ballets iluminan los escenarios del mundo entero, en particular desde 1999, año en el que Gladimir Pankov se convirtió en el Director Artístico de la compañía. La reputación de la compañía se ha visto reforzada en los últimos años por un gran número de éxitos internacionales: Oman (2012), China (2011), Oriente Medio (2009), Norte América y Europa (Madrid, Berlín, Munich y tres semanas en Les Étés de la danse de París). Líder entre las instituciones culturales de Montreal, la compañía está ahora presentando los trabajos de artistas emergentes - Christian Spuck, Stephan Thoss, Stijn Celis – y de grandes coreógrafos como Jiří Kylián, Mats Ek, Nacho Duato y Ohad Naharin. La compañía también ha hecho un fuerte compromiso con la comunidad local. La Nutcracker Fund for Children ha dado, desde 1997, una inolvidable Temporada de Vacaciones a miles de niños provenientes de comunidades desaventajadas, con workshops educacionales y actuaciones gratuitas del Cascanueces. Para recaudar fondos para la fundación, les Grands Ballets lanzaron en el 2010 el Nutcracker Market, el primer Mercado sin ánimo de lucro de Montreal. Actualmente Les Grands Ballets está preparando una serie de proyectos a gran escala que incluyen el National Centre for Dance Therapy. Además, en el 2015, la compañía se muda a sus nuevas instalaciones en el corazón del Montreal’s Quartier des spectacles, un auténtico crisol de creatividad. Todas estas iniciativas tienen una finalidad: con-mover el mundo de forma diferente. Ficha artística: Dirección artística: Gradimir Pankov / Coreografía: Mats Ek / Música: Pyotr Ilyich Tchaikovsky / Diseño de luces: Erik Berglund / Asistentes de coreografía: Margareta Lidström y Monica Mengarelli Más información en www.teatroscanal.com www.grandsballets.com

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Teatro / Sala Negra EL REPORTAJE Teatro Picadero de Buenos Aires Del 11 al 22 de febrero

(Foto: Augusto Starita)

Sobre la obra El reportaje de Santiago Varela nos acerca al momento en que un canal de televisión le ha pedido a un ex General de la Nación Argentina una entrevista que se realizará en el penal en el que el protagonista cumple condena por su participación durante la brutal dictadura genocida que asoló a Argentina a partir de 1976. El interés del programa que este periodista está armando reside en que este militar dé testimonio sobre el modo en el que él participó en actividades de censura en el campo de la cultura durante esos años y más específicamente en el incendio de un teatro, El Picadero, que ardió una noche de fines de Julio de 1981. En ese teatro un grupo de gente dedicada al teatro, que incluía a autores, directores, escenógrafos y técnicos, acababa de estrenar un ciclo de obras de media hora cada una que se daban en series de tres por día durante todos los días de la semana hasta totalizar veintiuna. Ese ciclo dio en llamarse Teatro abierto y con los años es un reconocido icono de la resistencia cultural durante la dictadura. En homenaje a ese ciclo, la Secretaria de Cultura de la Nación convocó este año un concurso de autores cuyas obras agrupadas de a tres, evocaran el espíritu de aquel ya legendario movimiento y que se darían durante seis meses precisamente en aquel teatro que la dictadura mandó incendiar y que hoy está de nuevo en pie y recuperado para el frondoso panorama teatral de Buenos Aires.

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Lo que El reportaje permite en su nivel ficcional es acceder al pensamiento autoritario de aquella y de todas las épocas. Sobre el intérprete Federico Luppi nació en Ramallo, de joven se fue a La Plata a estudiar dibujo y ahí conoció el teatro, desde entonces abandonó sus estudios para dedicarse a la actuación. Se formó durante años con maestros como Heddy Crilla, Augusto Fernándes y Alezzo. En teatro participó en obras como Soledad para Cuatro, Ha llegado un inspector, Nuestro fin de semana de Tito Cossa, Luv, Tupac Amaru, Morir en familia, El gran deschave, Convivencia, Mal de padre, Salven al cómico, El vestidor, El guía del Hermitage, Por tu padre y La noche del ángel. Formó parte de Gente de teatro, conocido popularmente como “el clan Stivel”, grupo integrado por el propio David Stivel, Bárbara Mujica, Norma Aleandro, Marilina Ross, Carlos Carella, y Emilio Alfaro, una de las primeras y más importantes experiencias de cooperativa actoral, juntos hicieron series tan importantes como Cosa Juzgada bajo la dirección de Juan Carlos Gené, Los herederos en cine y numerosas obras de teatro. En televisión trabajó en ciclos clásicos de la televisó argentina: Hombres de Ley o Situación límite o Alta comedia. En los últimos años colaboró y protagonizó series como Los sónicos, El pacto, Impostores, Trátame bien, Los Simuladores o En terapia. En cine realizó una extensa carrera en el que participó en más de 90 películas entre las que se encuentran El romance del Aniceto y la Francisca de Leonardo Favio, Crónica de una señora de Raúl de la Torre, La Patagonia rebelde de Héctor Olivera, Tiempo de revancha de Adolfo Aristarain, con el que realiza al año siguiente Últimos días de la víctima. Siguen Plata dulce, El arreglo, No habrá más penas ni olvido, Pasajeros de una pesadilla. En el año 1988 realiza junto a Liv Ullman La amiga. En la década del 90 realiza 100 Veces no debo de Alejandro Doria, Flop y vuelve a trabajar con Adolfo Aristarain en la exitosa Un lugar en el mundo. En México en 1992 realiza Mi querido Tom Mix, luego seguirán otras como Matar al abuelito, Caballos salvajes, La ley de la frontera, Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto, Éxtasis, Sol de otoño, Martín Hache, Bajo Bandera, Lisboa y Las huellas borradas junto a Mercedes Sampietro. Entre sus últimas realizaciones se encuentran Fase 7, Cuestión de principios, Inevitable y El laberinto del fauno de Guillermo del Toro, con quien había realizado además El espinazo del diablo y Cronos. Debuta como director cinematográfico en la producción española Pasos de Susana Hornos, con Fabián Vena, Ana Fernández y Alberto Jiménez, Ginés García Millán y Susana Hornos. Vuelve a Argentina para trabajar bajo las órdenes de Eduardo Mignogna en El viento. Recibió premios como el Martín Fierro y numerosos premios en festivales como San Sebastián, Portugal, Mar del Plata, Chicago , Los Ángeles, Huelva, Valladolid, Montreal, entre otros.- También tiene en su haber premios de la Asociación de Cronistas cinematográficos de la Argentina , así como varios premios Cóndor de Plata.

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Sobre el director Hugo Urquijo, doctor en medicina, médico psiquiatra, maestro, actor y director de teatro desde 1975 cuando dirigió Tres por Chejov, ha dirigido cerca de 40 obras de teatro. Director teatral de larga trayectoria en la escena de Buenos Aires, Hugo Urquijo se ha caracterizado por una fina intuición para trasladar al escenario el universo de dramaturgos tan disimiles como Samuel Beckett, Harold Pinter o George Bernard Shaw. Sin embargo, ha sido Tennessee Williams el autor que más ha despertado su interés. Urquijo se define como un verdadero apasionado del teatro de autor. Montó dos veces El zoo de cristal (en 1976 y 1992) y Un tranvía llamado Deseo (en 1985). En el Teatro San Martín, ha montado Seis personajes en busca de autor de Luigi Pirandello (Sala Casacuberta, 1976); Casas de viudos, de Bernard Shaw (Sala Casacuberta, 1977); Esperando a Godot, de Samuel Beckett (Sala Casacuberta, 1979); Viejos tiempos, de Harold Pinter (Sala Casacuberta, 1980), Noches blancas, de Fiodor Dostoievski (Sala Casacuberta, 1981), De repente el último verano de T. Williams (1999); Platonov de Antón Chejov (2003) y Democracia de Michael Frayn (2006). Premios a la Mejor Dirección: María Guerrero, Premio Leónidas Barletta, Estrella de Mar, Premio ACE. Participó de Teatro Abierto 1981 con la obra Desconcierto de Diana Raznovich, de quien estrenó Jardín de otoño en 1983 en el Teatro Olimpia. También estrenó obras de autores argentinos como Pacho O Donnel, Jorge Palant y Daniel Dalmaroni. Del teatro argentino fue autor de la puesta de El organito de Discepolo en el Cervantes en 1994 y Nuestro fin de semana de Tito Cossa en 1998. Dirigió la puesta en escena de la primera obra teatral del premio Nobel Gabriel García Márquez Diatriba de amor contra un hombre sentado estrenada en el Teatro Nacional Cervantes en 1988, espectáculo que fue repuesto en 2006 en el Teatro Payró. Ejerce la docencia teatral desde 1976 hasta la actualidad en que dedica sus seminarios especialmente al trabajo sobre la acción y el texto (la escena, el monólogo, el relato).

Ficha artística Texto: Santiago Varela / Dirección: Hugo Urquijo / Intérpretes: Federico Luppi y dos actores por determinar / Producción: Sebastián Blutrach

Más información en www.teatroscanal.com www.ptcteatro.com

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Espectáculo musical / Sala Verde EL PIMIENTO VERDI Teatros del Canal Del 13 de febrero al 1 de marzo

(Foto: Jaime Villanueva)

Sobre el espectáculo El pimiento Verdi es una taberna restaurante en la que su propietario, gran aficionado a la zarzuela y las óperas de Verdi, organiza una cena homenaje para celebrar el 200º aniversario del nacimiento del gran compositor italiano. Con el fin de amenizar la velada mediante fragmentos de sus óperas han sido invitados a la cena una soprano y un tenor que son también asiduos clientes del local. Esta intención se frustra una vez iniciado el homenaje lírico, pues otros cantantes presentes en el restaurante muestran explícitamente su desagrado ante la música de Verdi. Los disidentes wagnerianos reclaman homenajear también al compositor alemán cuyo aniversario coincide precisamente con el de Verdi. Con lo cual reivindican a Wagner como un genio más profundo y menos pachanguero que el italiano. A partir de aquí, se inicia un rifirrafe musical entre los dos bandos aprovechando fragmentos operísticos de ambos compositores. Los dúos, arias o coros, se lanzan como crítica, burla y escarnio hacia el rival. El tono del enfrentamiento se eleva considerablemente cuando aparece la cuestión Nazi-antisemita de Wagner en oposición al Nabucco-sionista de Verdi. Aterrado por el ardor de la pugna, el melómano propietario del restaurante induce a ambas partes a convenir una situación de consenso.

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El resultado del pacto pasa por improvisar sobre la marcha un típico argumento wagneriano con los personajes más carismáticos de sus óperas, pero expresando las pasiones líricas a través de las partituras de Verdi. Algunos de los fragmentos cantados pertenecen a las óperas El Trovador, La Traviata, Rigoletto, Otello, Nabucco, Aida, La fuerza del destino, Don Carlo, Tristán e Isolda, Tannhäuser, Sigfrido, Lohengrin, Las Walquirias, Parsifal, entre otros. Sobre la música de El pimiento Verdi G. VERDI (Le Roncole 1813 - Milán 1901) - R.WAGNER (Leipzig 1813 - Venecia 1883) “Podría parecer que este duelo musical Wagner-Verdi es un hecho derivado sólo de la casualidad cronológica de haber nacido el mismo año. Tras sumergirnos mínimamente en su historia y su música vemos que hay muchas más razones en las que basarnos. Después de este espectáculo nos gustaría sobre todo que hubiéramos superado los prejuicios de ver a Wagner como "monótono" y a Verdi como "artificioso" y que, sin perjuicio artístico de uno ni otro, hayamos disfrutado con las grandes músicas que compusieron estos maestros. Verdi y Wagner proyectan su sombra sobre la segunda mitad del siglo XIX y abren líneas que llegan hasta nuestros días, con caminos más o menos sinuosos y cuyas evoluciones pueden ser en algunos casos sorprendentes. Verdi hereda la tradición italiana de Rossini, Bellini y Donizetti y la sublima restringiendo el uso de los ornamentos y potenciando el aspecto dramático de la música. La tradición alemana que abraza Wagner, dominante en la música sinfónica, busca sin embargo una identidad propia en la lírica que la diferencia de la escuela italiana, rechazando el belcantismo, creando un nuevo concepto de espectáculo teatral y adentrándose en regiones armónicas y formales que avanzan hacia lo que él llama la melodía continua. Ambos compositores sufrieron los convulsos momentos históricos que les acompañaron - recordemos las unificaciones tanto italiana como alemana- y se convirtieron en estandartes de sus respectivas áreas geográficas y esto, inevitablemente, influyó en sus estilos y composiciones. Pero: ¿acaso no desprenden idéntica comicidad y frescura Meistersinger y Falstaff? ¿O no cuestionan del mismo modo los conceptos más íntimos de la religión Don Carlo y Parsifal? La dramaturgia de El pimiento Verdi nos ha hecho reflexionar sobre esta complejidad y mezclar los discursos de Wagner y Verdi. Así, el espectador podrá reconocer la eficacia del discurso verdiano del brindis de la Traviata o la sutileza armónica que conduce el Coro de peregrinos de Tannhäuser, pero también la intensa teatralidad del Otello y alguno se sorprenderá al reconocer como familiares los ecos de la Marcha nupcial del Lohengrin. En el desenlace final, una ópera de consenso. De la mano de Albert Boadella la fusión llega a límites que quizá hubiera hecho sonreír a ambos compositores, esperemos”. Pau Guix, ayudante de dirección.

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Sobre el director, Albert Boadella Realiza sus estudios teatrales en el Centre Dramatique de l'Est Teathre National de Strasbourg (Francia). Estudia expresión corporal en París. En sus inicios, forma parte de la compañía de Italo Riccardi. En 1961 funda la compañía Joglars. Su actividad teatral como actor, director, escenógrafo y dramaturgo la desarrolla mayoritariamente con esta compañía a través de sus 35 espectáculos a lo largo de 50 años, así como los guiones y la dirección de diversas series de televisión y cine. Algunas de sus obras satíricas han causado encendidas polémicas que han supuesto procesos judiciales, debates políticos e incluso atentados a la compañía.

Su teatro, basado esencialmente en la tragicomedia, ha sido representado en la mayoría de países europeos, en Estados Unidos y Latinoamérica. La mezcla entre la investigación y la popularidad de sus obras ha supuesto la creación de un estilo personal, consiguiendo al mismo tiempo un notable índice de audiencia; lo que ha permitido a la compañía la independencia de medios y de las instituciones político-culturales. Es autor de varios libros de ensayo y memorias. Su obra teatral, publicada en distintas editoriales se halla reunida recientemente en volúmenes del Institut d’Edicions de Barcelona y la editorial Cátedra Desde enero de 2009 es el director artístico de los Teatros del Canal de Madrid y del Teatro Auditorio San Lorenzo del Escorial. Para estos teatros ha montado como director y autor los musicales Una noche en el Canal y Amadeu.

Ficha artística Dirección artística y dramaturgia: Albert Boadella / Elenco: María Rey-Joly, Elvia Sánchez, José Manuel Zapata, Antoni Comas, Luis Álvarez, Borja Mariño, Jesús Agelet / Ayte. de dirección: Pau Guix / Escenografía: Josune Cañas / Iluminación: Bernat Jansà / Regiduría: Mar Equiluz / Vestuario y sastrería: Isabel López / Utilería: Ana María Serpa / Caracterización: Joel Escaño / Asesora artística: Dolors Caminal / Asesor musical: Manuel Coves / Dirección de producción: Leticia Martín Más información en www.teatroscanal.com

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Teatro, danza y marionetas / Sala Roja NE M’OUBLIE PAS / FORGET ME NOT (NO ME OLVIDES) Compañía Phillipe Genty Del 13 al 22 de febrero

(Foto: Claire-Marie Leroux)

Sobre el espectáculo Clarisse, una chimpancé de tamaño humano ataviada con un largo vestido, aparece para ojear e interrogarse sobre unas figuras humanas que hace surgir de un pasado cual fantasmas y del cual nadie sabe si se trata de un pasado individual o colectivo. Los papeles están invertidos; ella al otro lado de una jaula imaginaria, su presencia permanente acentúa la absurdidad de los comportamientos humanos más irrisorios y patéticos. De la oscuridad surge un paisaje nevado que esconde los recuerdos de los muertos mientras que un hombre, en varias ocasiones, camina tirando de un trineo. Este sentido de la repetición también se encuentra con los maniquíes, sosias de los intérpretes. La cercanía de su cara a la de su actor/actriz da un aspecto mórbido. La relación entre ambos supone un trastorno temporal: los maniquíes petrificados en la eternidad frente a los humanos, efímeros. Estos humanos que tratan, patéticamente, de transmitirles una vida como si la suya propia les fuera en ello. Curiosamente, esta confrontación nos hace redescubrir la vida humana como un perfecto desconocido, frágil y complejo en sus movimientos. René Aubry crea un clima de trance cautivador. La línea melódica nos zambulle en los efluvios del pasado mientras que la estructura repetitiva nos impulsa hacia un movimiento obsesivo como el ritmo punzante de las ruedas de un tren en el que viajaríamos. Arrastrados hacia una espiral cada vez más hipnótica, nos hace aprehender los paisajes interiores.

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Estos los descubrirlos por primera vez; sin embargo, sabemos que están allí desde siempre. Su extraña familiaridad es inquietante. Con Mary descubro el cuerpo bailado - fusión, vértigo y repetición - la danza puede expresar lo indecible. Por momentos, el cuerpo trasciende el espacio, lo hace estallar cuando se enfrenta a la materia en situaciones al límite de lo inconcebible. Estos encuentros imposibles agrietan nuestras certezas, son puertas abiertas a los paisajes donde la razón se abandona a los abismos insondables. Ne m´oublie pas / Forget me not, creado en 1992, está ahora recreado con artistas noruegos a lo que añadimos un elemento extraordinario: el canto de las grandes extensiones del Ártico, quizás pepertuas... - Philippe Genty Sobre el director artístico, Philippe Genty Después de una infancia problemática y la escolarización difícil, Philippe Genty toma experiencia en las artes aplicadas antes de dedicarse a las marionetas con motivo de un concurso ganado en 1961, el premio de las artes vocacionales "Publicis". Al año siguiente, comenzó una gira mundial en un 2CV para presentar su primera creación a partir de un títere: ‘Expédition Alexandre’. El artista recorrerá cuatro continentes, cuarenta y siete países y nueve desiertos! Después de este largo viaje, hizo una película sobre teatro de títeres a través del mundo, en el marco del proyecto 'East - West' de la UNESCO. Para montar expectáculos individuales e independientes, el dramaturgo fundó su propia compañía en 1968, en la que expresó un interés continuo por el mundo de los sueños. Los títulos de sus creaciones ‘Rond comme un cube’, ‘Dédale’, ‘Ligne de fuite’, ‘Zigmund Follies’ y ‘Dérives’; reflejan una exploración del enfoque de lenguaje visual donde la escena es el lugar del inconsciente y refleja los conflictos internos del ser humano. Navegando entre el circo, el teatro, la danza y el teatro de títeres, Philippe Genty creó el ‘Concert incroyable’ con cuarenta coristas y doce comediantes bailarines en la galería de la Evolución del Museo de Historia Natural en 2001. Esto fue seguido por la creación de Boliloc (2008) y las recreaciones de Voyageurs Immobiles (2010) y Ne M'oublie Pas (2012) en las que explora el poder de cantar en el escenario. Deseando volver a conectar con formas pequeñas, creó en 2012 "La Pelle du Large", espectáculo de teatro de objetos y títeres inspirados en la Odisea de Homero. Este espectáculo se traduce al Inglés (Dustpan Odyssey), al español (La Llamada del Mar) y finalmente al húngaro, antes de viajar alrededor del mundo con 4 equipos diferentes. Sobre la directora coreográfica, Mary Underwood A la edad de 5 años, Mary Underwood encontró su destino, durante una representación de un espectáculo navideño, Cenicienta. Sentada al lado de su madre en el Teatro de Bath (Gran Bretaña), señaló el escenario y dijo a su madre que algún día, ella también estaría en ese escenario. A los 10 años, integra una clase de ballet con la ayuda de sus padres y cada penny que ahorra, ganado gracias a pequeños trabajos que realizaba después de la escuela, le sirve para pagar sus clases.

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A los 18 años, su talento de bailarina le permite pasar un examen para convertirse en Maestra de Ballet. Sin embargo una mala (¡o buena!) idea le hace tomar consciencia de que la experiencia del verdadero movimiento está en otro lugar. Contra la opinión de sus padres, lo abandona todo. Deja tras ella una existencia segura y bien ordenada de profesor, y empieza a recorrer el mundo, curiosa por descubrir a dónde la llevaría su búsqueda de nuevas fronteras. Trabaja con varias compañías de danza, hasta el día en que un joven titiritero francés participa en el mismo espectáculo que ella y ella queda fascinada con su “universo”. Philippe Genty ya sabe cómo utilizar el talento de la persona que acaba de conocer. Efectivamente, Mary aportará el ritmo y la estructura necesarias al mundo creativo y caótico de su nuevo compañero. Al final de los años 70, Mary sube al escenario del Teatro de Bath, donde 30 años antes, había visto Cenicienta. Pero aquella noche, su mamá no la vio bailar, sino animar objetos y dar a la marioneta la forma de arte que se merecía.

Ficha artística Dirección artística: Philippe Genty / Dirección coreográfica: Mary Underwood / Música: René Aubry / Iluminación: Phipille Genty, Vincent Renaudineau y Thierry Capéran / Vestuario: Annick Baudelin, Isabelle Boiton, Victoria Desogos, Tomoe Kobayashi, Anne Ruellan. Más información en www.teatroscanal.com www.philippegenty.com/es

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Música, teatro y danza / Sala Roja CARNAVAL BARROCO UN CARNAVAL EN VENECIA: MÚSICAS, DANZAS y ARTES CIRCENSES DEL S. XVII Le poème harmonique Del 28 de febrero al 3 de marzo

(Foto: Christian Ganet)

Sobre el espectáculo Roma, a los inicios del siglo XVII, durante los diez días que la ley concede al Carnaval antes de la entrada en Cuaresma, la fiestas entran en pleno apogeo: en los palacios, los banquetes gigantescos, acompañados por música dados por la nobleza rivalizan en fasto y belleza, mientras que la calle libera máscaras, juegos y carreras de jorobados en improvisadas escenas de la Commedia dell’Arte; campesinos, lacayos, vendedores ambulantes y charlatanes, burgueses y príncipes, laicos y religiosos, gente de calidad gente común se reúnen para asistir a los espectáculos de acróbatas, de equilibristas, malabaristas, hazañas de fuerza y de espectáculos teatrales, y disfrutar sin temor de los excesos más salvajes; el pueblo liberado del pesado yugo cotidiano, se lanza frecuentemente a la indecencia, traspasando alegremente los límites fijados por las leyes. Carnaval, heredero de fiestas paganas y de ritos dionisíacos, cumple aún en este siglo XVII gobernado por la Iglesia y maltratado por las guerras, las hambrunas y las epidemias, su función de válvula de energías destructivas de la sociedad. Canalización de la violencia sobre objetivos simbólicos o designados, a través de rituales establecidos o linchamientos espontáneos.

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Este efímero período de un “mundo del revés” permite, en una extravagancia a la vez maravillosa y grotesca, llevar poner en escena contradicciones y rivalidades, y obtener un respiro fugaz sobre la naturaleza y la dureza de la vida. Reflexión musical de las diferentes fases del Carnaval, las procesiones sagradas, las chaconas y moriscas, los pastiches de ópera destinados a los teatros y las villanelas de las calles, son el teatro sonoro de un cuento visual que se desarrolla, inspirado por la estética de la escena barroca: fragilidad, distanciamiento, belleza, extrañeza, estilización de cuerpos y de voces, … La representación teatral en el s. XVII es sin duda un efecto en un sentido sacro; todo realismo es sancionado y se ensalza al contrario, la ilusión, el engaño y el misterio. Este universo de alegría, pompa y grotesca ha inspirado la creación de Carnaval Barroco, y es el encuentro entre acróbatas, malabaristas, mimos, cantantes y músicos de hoy en día lo que nos permitió restaurar la energía creativa de estos ritos y símbolos que forman la fiesta del Carnaval. En lugar de una descripción histórica o un momento concreto de un momento de la celebración, nos hemos centrado en el aspecto onírico, en el que el humor y la tragedia se encuentran; farsas de La Commedia Dell’Arte para ocultar la furia de una multitud embriagada por la fiesta… La ausencia de una trama narrativa única – principio impuesto por el sentido mismo del Carnaval – hace desarrollar y mezclar en la energía global del espectáculo las diferentes etapas de este carnaval que se desarrolla en una sola jornada. Por lo tanto, la acción se sitúa sucesivamente por la noche en el banquete de un palacio, en un lugar justo al amanecer, en una calle con la emoción de un baile popular, o durante un teatrillo improvisado; los personajes, fieles al espíritu del teatro barroco y de la Comedia del Arte, existen en situaciones y acciones, más que en función de un propio patrón psicológico. El Carnaval Barroco se sitúa en la encrucijada de varias disciplinas artísticas, al servicio las unas de las otras, y se nutren de la práctica de las músicas populares improvisadas; del mimo y de la danza barroca; de la Comedia del Arte; por lo tanto, juego estilizado, cambiante, y sobre todo de relación entre el gesto y la música, que son loa principios teatrales que guían nuestro camino. La energía de la voz que se encuentra con la danza de la tarantela del Gargano, mientras que los músicos hacen frente a la gestualidad más codificada de la retórica barroca. La ironía de Zannis, sirvientes ocultos de la Commedia Dell’Arte, responden a aquellos cantos, parodias mordaces de obras de la época y delirios vocales de Polochinelas deformados… Las músicas toman forma de acuerdo con el contexto… Sobre la compañía Formado en 1998, Le Poème Harmonique es un conjunto de músicos solistas reunidos en torno a su director artístico: Vincent Dumestre. Su actividad artística, centrada principalmente en el repertorio vocal e instrumental de los siglos XVII y principios del XVIII, se enriquece regularmente con la interacción de otras disciplinas.

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Esta síntesis entre disciplinas artísticas, surgida de un verdadero trabajo en grupo de sus intérpretes, marca la singularidad del conjunto en el paisaje barroco actual. Actores y bailarines, artistas de circo y marionetistas se unen a cantantes y músicos, primero en obras de cámara – Le Ballet des Fées, Il Fasolo – y más tarde , desde 2004 en producciones escénicas como Le Bourgeois Gentilhomme de Lully y Molière (puesta en escena de Benjamín Lazar) o Le Carnaval Baroque (puesta en escena de Cécile Roussat), espectáculo de un género inédito en el que se mezclan la música italiana con el trabajo de artistas procedentes del Centro Nacional de las Artes del Circo. En sus producciones de ópera, como Cadmus et Hermione de Lully y Egisto de Cavalli, ambas con dirección escénica de Benjamin Lazar, Le Poème Harmonique hace una profunda reflexión sobre las correspondencias entre la estética de "época" (luz de velas, gesticulación, lienzos pintados y maquinaria) y la escena contemporánea. El conjunto vuelve sobre las fuentes populares del repertorio italiano y francés explorando a su vez la relación con lo tradicional o la músca popular: sirva de ejemplo Aux Marches du Palais, dedicado a las canciones francesas de tradición oral. Desde su fundación, Le Poème Harmonique ha realizado numerosas giras en Europa actuando en las principales capitales (destacando las estrechas relaciones con el público de Roma, Nueva York y Tokio; y los recientes debuts en Londres y Viena), manteniendo su relación privilegiada con la Haute-Normandie donde se desarrolla un cuarto de su actividad. Entre los acontecimientos más relevantes de las últimas temporadas: el gran éxito de Le Bourgeois Gentilhomme, de Le Carnaval Baroque y Cadmus et Hermione (con más de 130 representaciones entre las tres producciones: Opéra Comique, Théâtre des Champs Elysées y la Cité de la Musique de París, Ópera de Rouen, Théâtre de Caen, Grand Théâtre –Aix-en-Provence, Arsenal de Metz, Bozar de Bruselas, Grand Théâtre de Luxemburgo, Festival de Utrecht, Teatro Canal de Madrid, Teatro de San Carlo de Nápoles, Théâtre National de Praga, Festival de Printemps de Budapest, Festival Calperf de San Francisco…). Entre sus más recientes proyectos destacan la creación de Calígula de Pagliardi en septiembre de 2011 en el Festival Mondial des Théâtres de Marionnettes de Charleville-Mézières y L’Egisto de Cavalli en febrero de 2012 en la l’Opéra Comique y en la Opéra de Rouen Haute-Normandie. Es en esta misma escena normanda, donde actualmente tiene residencia, donde en la temporada 2013 – 14 se ha creado Didon et Enée de Purcell, y donde, con esta misma colaboración priviligieda, se verá la creación de Le Malade Imaginaire de Molière y Charpentier

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Le Poème Harmonique está subvencionado por el Ministerio de Cultura francés, (DRAC Haute-Normandie), la Región de Haute-Normandie y de la Ciudad de Rouen. Su principal patrocinador es Mécénat Musical Société Générale. Le Poème Harmonique tiene su residencia habitual en la Opéra de Rouen en Normandía. Los ensayos los realizan el la Fundación Polignac de París. Sobre su director Vincent Dumestre, director artístico y fundador de Le Poème Harmonique, con el cual explora el repertorio vocal e instrumental de los siglos XVII y principios del XVIII. Acompañado de un fiel equipo de artistas, con los que pretende revivir la interpretación de Las Artes del período barroco, y cuyo labor se ve favorecida por la interacción en muchos de sus proyectos con otras disciplinas artísticas. Estudia historia del arte en la Escuela del Louvre y guitarra clásica en la Escuela Normale de Música de París. En 1991 se dedica a la música del laúd, guitarra barroca y tiorba, instrumentos que estudia con Hopkinson Smith, Eugène Ferré, en el Conservatorio de Toulouse con Rolf Lislevand. También estudia bajo continuo en el Conservatorio de Bolonia, donde obtuvo el diploma superior por unanimidad. Es invitado regularmente por numerosos conjuntos barrocos: Ricercar Consort, La Simphonie du Marais, Le Concert des Nations, La Grande Ecurie et la Chambre du Roy, Akadémia, Le Centre de Musique Baroque de Versailles, con los que ha realizado más de treinta grabaciones discográficas para los sellos Erato, Auvidis, Virgin, Ricercar, Verany, Ligia Digital, Naxos, Empreinte Digitale, Fnac Musique. En 1998 forma Le Poème Harmonique, compañía musical y teatral especializada en el repertorio barroco, ensemble que dirige actualmente. Desde sus primeras producciones el conjunto ha recibido numerosas distinciones: La revista Diapason le eligió "Joven Talento del año 1999" por el trabajo realizado al frente del grupo y cuyas grabaciones con el sello Alpha recibieron los premios más prestigiosos de la prensa: Diapason d’Or del año, Choc du Monde de la Musique del año, Recommandé par Classica, Répertoire, Opéra International, Télérama..). Si su recorrido artístico se confunde esencialmente con el del conjunto que dirige, se notará el lugar tan singular que Vincent Dumestre ocupa en la escena barroca internacional: único músico que dirige una compañía directamente implicada en la producción de espectáculos escénicos de grandes dimensiones (Le Bourgeois Gentilhomme en 2004, Le Carnaval Baroque en 2006, Cadmus et Hermione en 2008), contribuye así a una nueva percepción de la relación entre música y teatro, que suscita un inmenso entusiasmo por parte de la crítica (inunumerables reconocimientos tanto en Francia como en el extranjero) y del público (más de 100.000 espectadores han visto estos espectáculos, incluso el DVD, que se vende por docenas de millares). El mismo espíritu de innovación se encuentra en los programas de cámara, en los cuales Vincent Dumestre forma parte como instrumentista con sus cantantes y músicos.

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Este aspecto de su trabajo posee una importancia fundamental para él, aunque la evolución de Le Poème Harmonique le ha llevado a desarrollar su actividad como director de orquesta. Durante estos cuatro últimos años el renombre de Vincent Dumestre y de le Poème Harmonique han conocido un desarrollo espectacular, las producciones escénicas y conciertos del conjunto son acogidas por los programadores más prestigiosos de Francia y del extranjero: le Théâtre National de l’Opéra Comique, le Théâtre des Champs Elysées y la Cité de la Musique de París, la Opéra de Rouen, el Festival Automne en Normandia, le Théâtre de Caen, la Opéra Royal de Versalles, la Abbaye de Royaumont, los festivales d’Ambronay, Beaune y Sablé, le Grand Théâtre de Luxemburgo, le Palais des Beaux-Arts de Bruselas, le Concertgebouw de Amsterdam, el Festival de Utrecht, los festivales internacionales de Granada y Santiago de Compostela, la Academia Santa Cecilia de Roma, el Teatro San Carlo de Nápoles, la Philharmonie de Colonia, los festivales de musica antigua de Potsdam y de Regensburg, le Théâtre National de Praga, le Palais des Arts de Budapest, el festival Mysteria Paschalia de Cracovia, la Philharmonie de San Petersburgo, la Columbia University de Nueva York, el festival de musica antigua de Boston, el festival Calperformances de San Francisco, el festival de Campos do Jordao de Sao Paulo, Oji Hall de Tokio, la Forbidden City Hall de Pekín, le Concert Hall de Shanghai… En el año 2004, el Ministerio de Cultura nombra a Vincent Dumestre Chevalier des Arts et Lettres.

Ficha artística Concepción y dirección artística: Vincent Dumestre / Puesta en escena y coreografía: Cécile Roussat / Vestuario: Chantal Rousseau / Escenografía: François Destors / Diseño de iluminación: Christophe Naillet / Maquillaje: Mathilde Benmoussa / Máscaras: Julie Coffinières / Colaboración artística: Julien Lubek / Cantantes: Bruno Le Levreur, Hugues Primard, Serge Goubioud , Emmanuel Vistorky / Acróbatas, mimos y guitarra: Stefano Amori, Julien Lubek, Ahmed Said, Olivier Landre, Quentin Bancel, Antoine Hélou, Rocco Le Flem / Músicos: Johannes Frisch, Emmanuel Mure, Mélanie Flahart, Lucas Péres Guimaraes, Thomas de Pierrefeu, Michèle Claue, Vincent Dumestre

Más información en www.teatroscanal.com www.lepoemeharmonique.fr

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Teatro, Música, Danza, Circo / Sala Verde TEATRALIA Festival Internacional de Artes Escénicas para niños y jóvenes Comunidad de Madrid Del 6 al 15 de marzo

(Foto: David Zabala / Deser Studio)

Sobre el Festival Teatralia, Festival con 19 años de trayectoria, se ha convertido en el Festival de referencia nivel internacional. La Comunidad de Madrid se convierte durante el mes de marzo en un gran escenario donde las compañías y creadores internacionales exhiben sus últimas creaciones. Teatralia ofrece al Público Familiar y a los más jóvenes una mirada al mundo para disfrutar con otros lenguajes y creaciones de diferentes países. Más información en www.teatroscanal.com www.madrid.org/teatralia

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Teatro y música / Sala Negra INSEGURIDAD SOCIAL… Y TAL Enrique Viana Del 10 al 29 de marzo

Sobre el espectáculo Un tenor entrado en años sufre un shock al ver por televisión un partido de fútbol y darse cuenta de que no entiende nada, es más, no le interesa en absoluto… y para rematar su desfachatez “está seguro de lo que dice”… Lo ingresan con carácter urgente en “Urgencias” (Pobrecillo)… Ante la urgencia que supone una urgencia así y los medicamentos suministrados por un suministrador de medicamentos le llevan a contar su visión del mundo de la ópera, del mundo de hoy, del mundo de antes y (peor) … del mundo en general (eso sí, en varios colores) La inseguridad es tan grande que supone una “Inseguridad social … y tal…” Una hora y cuarto de humor, amor, músicas variopintas y placeres varios Ficha artística Texto: Enrique Viana / Idea original, espacio escénico e iluminación: Daniel Biando / Coreografía: Marina Claudio / Elenco: Enrique Viana, Miguel Huertas (piano) Más información en www.teatroscanal.com

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Música y poesía / Sala Verde MARTÍ: VERSOS DE CUBA, CANCIONES DE LIBERTAD ANDY GARCÍA RECITA A JOSÉ MARTÍ Teatros del Canal / Cargo Music Del 19 de marzo al 5 de abril

(Foto: David Shankbone) Sobre el espectáculo Martí: Versos de Cuba, canciones de libertad es un espectáculo musical impactante en torno a la vida de un poeta imprescindible: José Martí. Andy García, otro cubano universal, con su voz y su presencia virtual, muestra al hombre, al patriota, al amante y al poeta, en prisión, en el exilio, viajando en busca de apoyos por Guatemala, Venezuela y República Dominicana; y luchando sin descanso con el impacto de su palabra y sus escritos. Retrata con fuerza su compromiso con la libertad hasta el día de su muerte en el campo de batalla, en un sorprendente Musical con música caliente y lleno de emoción y belleza. Ficha artística Intérpretes: Andy Garcia (virtual), quinteto musical y seis actores Más información en: www.teatroscanal.com

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Teatro / Sala Roja ONE MAN, TWO GUVNORS Teatros del Canal / Anexa Producciones Del 26 de marzo al 12 de abril

Sobre el espectáculo One man, two guvnors se ambienta en una ciudad mafiosa en los años sesenta. Un pobre chico de suburbio se convierte al mismo tiempo en el criado de un gángster y de un súper criminal. Pero los enredos de la trama son interminables y la obra evoluciona entre los más excelsos ejemplos de la Commedia dell’Arte, el vodevil, la sátira, la música, las canciones y la improvisación. La revisión de los clásicos, cuando se hace como lo ha hecho Richard Bean en esta producción del National Theatre es una fiesta para el teatro. La producción de One man, two guvnors permitirá a nuestro público disfrutar también de una de las obras que están haciendo historia en estos momentos. Ficha artística Texto: Richard Bean, basado en Il servitore di due padroni de Carlo Goldoni / Adaptación: Paco Mir / Dirección: Alexander Herold Más información en: www.teatroscanal.com

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Teatro / Sala Negra DIGNIDAD Excéntrica Producciones Del 8 al 26 de abril

Sobre el espectáculo Un viaje a las entrañas de la política, que traslada a los espectadores a un despacho de cualquier partido político. En él, dos hombres, cerca de alcanzar el poder, tras años de dedicación a la política, ponen al descubierto sus deseos, ambiciones, ilusiones y miedos. Lo que en un primer momento es una distendida reunión improvisada después de una larga jornada de trabajo, acaba convirtiéndose en un tenso intercambio de reproches. Entonces descubriremos que la amistad, surgida entre ambos producto de años de camaradería, de haber empujado un proyecto político con fe y tenacidad, resulta tener un débil equilibrio pendiente de un hilo que podría romperse, cuando la verdad, sepultada bajo el protocolo y los códigos de lealtad, irrumpe de manera repentina como nunca antes había sucedido, tan certera como el filo de un envenenado cuchillo. Ficha artística Texto: Ignasi Vidal / Dirección e Interpretación: Ignasi Vidal y Toni Cantó Más información en www.teatroscanal.com

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Ópera – Teatro Musical / Sala Verde LA ÓPERA DE CUATRO NOTAS Teatros del Canal / Vania Producciones Del 9 al 19 de abril

Sobre el espectáculo Han pasado más de diez años desde que descubrí la Ópera de cuatro notas en una matinal del Théâtre de la Bastille de París; un título que no engaña, porque está compuesto exactamente con cuatro notas hábilmente moldeadas para que parezcan infinitas, para un libreto escrito sin acotaciones, para que cada director de escena juegue con los cincos personajes que parodian las cinco voces de una ópera –tenor, barítono, soprano, mezzo y bajo–, observadas por un pianista que interpreta una partitura concebida originalmente sólo para piano. Una gran ópera hecha con muy pocos medios. Una ópera minimalista que, en esta versión, también será un poco MIRimarista. - Paco Mir Ficha artística Música: Tom Johnson / Dirección de escena y adaptación: Paco Mir / Vestuario: Anna Güell / Iluminación: Nicolas Fischtel Más información en: www.teatroscanal.com

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Zarzuela / Sala Roja EL CASERÍO Teatro Arriaga de Bilbao Del 21 al 25 de abril

(Foto: Enrique Moreno Esquibel) Sobre el espectáculo Arrigorri, la "aldea imaginaria de Vizcaya" donde el libreto sita la acción de El Caserío de Guridi, tiene, felizmente, algo de aldea soñada, de lugar idílico congelado en el tiempo, donde sabemos que todos los problemas, incluso aquellos aparentemente más complejos, tendrán un final feliz. Eustasia y Manu, los dueños de la sidrería, desean casar a su ingenua hija, Inosensia, con un marido que le convenga; Txomin, el criado, tiene sueños de grandeza: don Leoncio, cura y amigo, escucha los problemas de todos y reparte buenos consejos. Ana Mari ama a Jose Miguel, su primo, un pelotari joven e impulsivo. Y Santi, su tío, canta su amor por Sasibil, su caserío, y desea que sus sobrinos, cuyos padres emigraron a Amrica, lo valoren y lo hereden. Santi es, también, el alcalde del pueblo y expresa sus problemas domésticos con cierto sentido teatral, lo que los convierte en asuntos que conciernen a toda la vecindad que asiste como público a cada nuevo giro argumental. Arrigorri sólo surge mágicamente entre la niebla por unos pocos días cada mucho tiempo y sus entrañables habitantes, como los personajes del teatro, sólo despiertan, aman, ríen y lloran, durante un breve instante cada muchos años.

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Al cumplirse 85 años desde el estreno de El Caserío, el Teatro Arriaga ha hecho posible, que ese breve instante haya vuelto a llegar. Es este. - Pablo Viar Ficha artística Música: Jesús Guridi / Libreto: Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw / Dirección musical: Manuel Coves / Dirección escénica: Pablo Viar / Escenografía: Daniel Bianco / Vestuario: Jesús Ruiz

Más información en: www.teatroscanal.com www.teatroarriaga.com

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Teatro clásico / Sala Verde

MUCH ADO ABOUT NOTHING (MUCHO RUIDO Y POCAS NUECES) Globe Theatre on Tour Del 23 al 26 de abril

(Foto: Bronwen Sharp) Sobre el espectáculo Claudio ama a Hero y Hero a Claudio y no hay nada que parezca ser capaz de separarles. Benedick, amigo de Claudio, ama a Beatriz y Beatriz también ama a Claudio pero, aunque ninguno lo admitiría, nada parece ser capaz de mantenerles juntos. Sólo las intrigas de un príncipe resentido forzaran a Benedick a demostrar su amor por Beatriz, matando a su mejor amigo. A través del romance y con todo el encanto que produce el conflicto de la negación, Mucho Ruido y Pocas Nueces es un milagro de la comedia y el suspense dramático y nos muestra uno de los más agudos y adorables retratos de amantes de William Shakespeare.

Ficha artística Dirección escénica: Max Webster / Música: John Barber / Escenografía y vestuario: James Cotterill

Más información en: www.teatroscanal.com www.shakespearesglobe.com

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Festival - Concurso / Sala Verde y Sala Negra TALENT MADRID 2015 Teatros del Canal / Talent Festival Del 27 de abril al 2 de mayo

(Foto: Talent Festival) Sobre el festival Talent Madrid llega a su tercera edición con una buena noticia para los creadores: la posibilidad para los ganadores de exhibir su obra completa. En abril y mayo de 2015, y durante una semana, los espectáculos más valorados podrán mostrar al público su espectáculo en la Sala Verde de los Teatros del Canal. Una ocasión única. Además, tanto los participantes como el público podrán disfrutar de clases magistrales, talleres y otras actividades en torno al Festival. Con este nuevo impulso al proyecto, los Teatros del Canal pretenden aumentar las oportunidades para la creación y el apoyo a los nuevos talentos en artes escénicas. Más información en: www.teatroscanal.com www.talentmadrid.teatroscanal.com

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Música / Sala Roja, Sala Verde, vestíbulos, taquillas y exterior del teatro III ENCUENTRO DE BANDAS DE MÚSICA 12 HORAS DE HOMENAJE A NUESTRA MÚSICA 3 de mayo

(Foto: Jaime Villanueva)

Sobre la jornada Los Teatros del Canal abren sus puertas por tercer año consecutivo a su ya clásico Encuentro de Bandas de Música. Con ello queremos poner en relieve la importancia y la contribución de estas formaciones a la música de nuestro país. Por las ediciones anteriores, hemos podido comprobar la gran capacidad de convocatoria que tienen las bandas para atraer a público de todas las edades y condiciones. Esta es, una ocasión única para entrar durante 10 horas en el emotivo sonido de estas agrupaciones, y disfrutar de un repertorio rico y variado, que incluye desde las piezas más selectas de los grandes compositores, hasta las más populares de nuestro repertorio musical. Además de los conciertos en Sala Roja y Sala Verde, paseando por nuestros vestíbulos se podrá disfrutar de quintetos y cuartetos de metales, y en el exterior, las resonancias de las Bandas inundarán las calles aledañas a nuestro Teatro. Más información en: www.teatroscanal.com

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Danza / Sala Roja PROGRAMA ANIVERSARIO Les Ballets Trockadero de Montecarlo 13, 15 y 17 de mayo

(Foto: Sascha Vaughn)

Sobre el espectáculo El concepto original de Les Ballets Trockadero de Monte Carlo se mantiene al igual que en sus comienzos. Es una compañía de bailarines profesionales, varones, especializados en la gama de repertorio clásico y originales del estilo Ruso. La comedia es alcanzada al exagerar las circunstancias de la narrativa de la danza clásica, los accidentes, y la incongruencia de las coreografías. El hecho de que varones ejecutan todos los roles – el peso de un hombre balanceándose precariamente en las puntas de los pies y pretendiendo ser cisnes, sílfides, ninfas del agua, princesas románticas y féminas victorianas - engrandece, en vez de ridiculizar el espíritu de la danza clásica. Sobre la compañía Fundado en el 1974 por un grupo de entusiastas de la danza clásica con el propósito de parodiar las formas tradicionales del ballet, Les Ballets Trockadero de Monte Carlo aparece por primera vez en las jornadas nocturnas de “Off – off Broadway”. Desde sus comienzos, los trocks se distinguen como un suceso mundial de proporciones alucinantes. Han participado en festivales de danza en Holanda, Madrid, Montréal, Nueva York, París, Spoleto, Torino y Vienna.

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En 2006, después de una temporada que marcó records de venta en Londres, la compañía recibió el premio de Excelencia en Danza, en los premios TMA (Theatrical Management Awards), al igual que el premio por Repertorio Destacado de la Coalición de los Críticos de Danza de Londres (Dance Critics Awards). En el 2007, debido a exitosas presentaciones en Roma y Milán la compañía recibió el aclamado Massina/Positano Award, en Positano, Italia. Desde su fundación, sucesivas críticas en The New Yorker, The New York Times, Variety y Vogue colaboraron a forjar el éxito internacional de esta troupe masculina armada con tutú y dotada de un asombroso virtuosismo técnico sobre las puntas. La compañía continúa con sus planes: nuevos ballets para añadir en el repertorio, nuevas ciudades y países que visitar y así continuar con el propósito original de la compañía, el cual es llevar el placer y la gracias de la danza a la mayor audiencia posible.

Ficha artística Dirección de la compañía: Eugene McDougle / Dirección Artística: Tory Dobrin / Dirección asociada y dirección técnica: Isabel Martínez Rivera / Maestro Ballet: Paul Ghiselin / Coreografía: Marius Petipa / George Balanchine, Peter Anastos, etc Más información en: www.teatroscanal.com www.trockadero.org

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Ópera / Sala Verde

L’ISOLA DESABITATA Teatro Arriaga 13, 15 y 17 de mayo

(Foto: Enrique Moreno Esquibel) Sobre el espectáculo L’isola disabitata (La isla desierta) es una ópera de cámara compuesta en 1831 para cuatro voces y acompañamiento de piano. Su autor es el sevillano Manuel García, compositor, productor de ópera, director de escena y maestro de canto, uno de los tenores más grandes de todos los tiempos, para quien Rossini escribió su Barbiere. El libreto de L’isola está basado en un texto de Metastasio, que ya había sido utilizado entre otros por Haydn. La historia cuenta cómo Gernando es secuestrado por unos piratas, dejando abandonadas en una isla desierta a su esposa Constanza y a Silvia, joven hermana de esta. Ellas se creen traicionadas hasta que trece años después Gernando y su amigo Enrico vuelven a rescatarlas, deshacer los malentendidos y las dos parejas se juran amor eterno.

Ficha artística Música: Manuel García / Libreto: Metastasio / Director de escena: Emilio Sagi / Director musical y piano: Rubén Fernández Aguirre / Escenografía: Daniel Bianco / Vestuario: Pepa Ojanguren / Iluminación: Albert Faura Más información en: www.teatroscanal.com www.teatroarriaga.com

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Improvisación Teatral / Sala Verde FESTIM 015 Impromadrid Teatro Del 19 al 24 de mayo

(Foto: Alicia Guirao)

Sobre el espectáculo El FESTIM es un proyecto que surge en 2005 por la necesidad de establecer un intercambio con compañías de Improvisación Teatral ubicadas en Latinoamérica, Estados Unidos y Canadá. En 2015 llevaremos a cabo la VI Edición, combinando Deporte y Teatro a través de la Improvisación Teatral y mostrando al público algunas de las mejores propuestas de Improvisación Teatral en habla hispana. Una apuesta única donde las compañías competirán y donde el público será quién decida quién es el ganador en la gran final. Además se llevarán a cabo cursos impartidos por profesionales internacionales de esta disciplina así como charlas y debates con el público. Sobre la compañía Dirigida por Ignacio López, Ignacio Soriano y Jorge Rueda, Impromadrid Teatro es una compañía referente en el panorama de la improvisación madrileña. Dedicada a la investigación de las técnicas de improvisación teatral, tiene entre sus objetivos, por una parte, la difusión de sus conocimientos y hallazgos a través de talleres y cursos.

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Por otra, la creación y exhibición de espectáculos de improvisación teatral, caracterizados por poner sobre la escena espectáculos frescos y originales en los que los actores crean, sin guión previo y ante los ojos del público, piezas de teatro únicas e irrepetibles. Hoy en día cuenta con ocho producciones originales, y se ha consolidado como una de las compañías más estables y arriesgadas de la improvisación teatral del mundo. Son además, los organizadores del FESTIM, el único festival internacional de improvisación de España. Ficha artística Creación del Festival: Impromadrid Teatro / Equipo técnico: Daniel Espinosa, Ángel Hidalgo / Producción: Impromadrid Teatro Más información en: www.teatroscanal.com www.impromadrid.com/

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Ópera de cámara / Sala Negra ÁNGELUS NOVUS Laperaopera Del 20 al 31 de mayo

Sobre el espectáculo Un hombre y una mujer hablan en un espacio indeterminado. El hombre parece muy cansado, roto, quizá moribundo o incluso muerto; según la interpretación que adopte cada espectador. En todo caso, se parece extraordinariamente a otro hombre que pasó la última noche de su vida en un modesto hotel de Portbou en 1940, exhausto y fugitivo. No pasa nada aparte del diálogo, pero hay una tensión que sugiere el balance de una vida o quizá la iniciación a otra. La primera frase de la mujer dice: “Un proverbio sobre el más allá dice que allí todo será como aquí”. A partir de textos de Walter Benjamin adaptados y dramatizados en una suerte de dúo operístico intenso y alucinado, Angelus novus sugiere ese momento final en la vida de una persona en que el balance vital se convierte en evidencia narrativa. Ficha artística Música y libreto: Jorge Fernández Guerra (a partir de textos de Walter Benjamin) / Dirección de escena: Vanesa Montfort / Soprano: Ruth González / Barítono: Enrique Sánchez Ramos Más información en: www.teatroscanal.com

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Danza clásica/ Sala Roja LEST WE FORGET English National Ballet Del 28 al 31 de mayo

Programa No Man's Land (Tierra de nadie) - de Liam Scarlett Coreografía: Liam Scarlett / Música/Compositor: Excerpts from Harmonies Poétiques et Religieuses de Franz Liszt, arreglos de Gavin Sutherland / Diseños: Jon Bausor / Diseño de luces: Paul Keogan Firebird (El pájaro de fuego) - de George Williamson Coreografía: George Williamson / Música /Compositor: Firebird 1945 Suite by Igor Stravinsky / Diseño de vestuario: David Bamber / Diseño de luces: Paul Keogan / Diseño de escenografía: David Bamber y George Williamson en colaboración con John Campbell Scenic Studio Dust (Polvo) – de Akram Khan Coreografía: Akram Khan / Compositor: Jocelyn Pook / Dramaturgia: Ruth Little / Diseño de vestuario: Kimie Nakano / Diseño de luces: Fabiana Piccioli / Diseño de escenografía: Sander Loonen / Director de ensayos: Jose Agudo y Andrej Petrovic Más información en: www.teatroscanal.com www.ballet.org.uk/

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Música, danza y cante flamenco / Sala Roja FESTIVAL SUMA FLAMENCA Comunidad de Madrid Del 9 al 14 de junio

Sobre el festival El Festival Suma Flamenca de la Comunidad de Madrid nació en el año 2006, como una gran apuesta al arte del flamenco y, año atrás año, amplía su programación. En estos nueve años Suma Flamenca ha logrado convertirse en uno de los festivales internacionales más importantes de flamenco. Asimismo, el festival ha logrado importantes galardones nacionales e internacionales. En su X edición, el festival Suma Flamenca presentará los artistas más representativos de este arte internacional en diferentes espacios y salas de la Comunidad de Madrid.

Más información en www.teatroscanal.com

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Música / Sala Verde ÓPERA D’HOY Música de hoy Del 9 al 14 de junio

Sobre el festival Doce años produciendo, estrenando y presentando en España la mejor creación escénico-musical española e internacional. Sus más de 40 producciones han sido presentadas en colaboración con festivales y organizaciones como el IRCAM-París, Salzburg Biennale, Konzerthaus Berlín, Biennale di Venezia, Musik der Jahrhunderte de Stuttgart, Münchener Biennale, Festival de Salzburgo, Wien Modern, Holland Festival, etc. Ha encargado y estrenado obras de José María Sánchez-Verdú, César Camarero, Elena Mendoza, José Manuel, David del Puerto, Luís de Pablo, Tomás Marco, Hèctor Parra, Mauricio Kagel, Helmut Lachenmann, Luigi Nono, Salvatore Sciarrino, Julio Estrada y Beat Furrer entre otros.

Más información en www.teatroscanal.com www.musicadhoy.com

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Danza / Sala Negra MUESTRA COMPAÑÍAS RESIDENTES CENTRO DANZA CANAL Del 16 al 28 de junio

(Foto: Miguel J. Berrocal)

Sobre el ciclo Este ciclo ofrece una radiografía en tiempo real de la danza que se hace en estos momentos en Madrid, porque permitirá ver sobre el escenario de la Sala Negra algunas de las últimas creaciones salidas de uno de los lugares de referencia de la creación coreográfica en España: el Centro Danza Canal. De sus 9 estudios pasarán a escena espectáculos de todos los estilos: danza contemporánea, danza española, danza clásica y neoclásica, danzas urbanas, flamenco etc… El Centro Danza Canal de los Teatros del Canal se ha convertido desde su nacimiento en el lugar de referencia de la danza en Madrid. Sus estudios han posibilitado la creación a grandes nombres de la escena dancística y, al mismo tiempo, facilitado el acceso al circuito profesional a muchos de los coreógrafos y compañías jóvenes que actualmente contribuyen a nutrir de danza las programaciones de festivales, ciclos y teatros de toda España y, cada vez más, de fuera de nuestras fronteras. Aquí tendremos la oportunidad de verlos de primera mano. Más información en www.teatroscanal.com

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Música clásica / Sala Roja CICLO IBERCAJA DE MÚSICA Joven Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (JORCAM) Del 30 de septiembre al 8 de junio

(Foto: Jaime Villanueva)

Sobre el ciclo Un total de 27 conciertos y otras actividades conforman la gran temporada musical de la JORCAM (Joven Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid) en sus Conciertos Ibercaja de Música. Su objetivo es acercar el arte musical a todas las personas, en especial a las familias y los niños, para que puedan disfrutar, aprender y compartirlo. Una apuesta joven para personas de espíritu joven. Los cuatro pilares que conforman el ciclo serán: ➤ Matinés musicales los domingos por la mañana con jóvenes grupos de cámara, agrupaciones o solistas, con unos presentadores de excepción. ➤ Conciertos en familia, con un formato ameno y didáctico, los sábados y domingos en horario matinal. ➤ Conciertos para escolares, con preparación previa en el aula a través de las guías que elabora la JORCAM. ➤ Ciclo especial de 3 conciertos sinfónicos - 28 de septiembre de 2014 - Sala Roja, 20.00 h Orquesta Sinfónica de la JORCAM Director invitado: Miguel Romea Obras de Shostakovich, Copland y Dvorák Conciertos Sinfónicos

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- 5 de octubre de 2014 - Sala Verde, 12.00 h Trío Lorca Obras de Haydn, Schubert y Beethoven Matinés musicales - 15, 16 y 17 de octubre de 2014 - Sala Verde, 10.15 y 12.00 h Quinteto de la JORCAM Obras de Glinka, Dvorák y Turina Conciertos para escolares - 18 de octubre de 2014 - Sala Verde, 12.00 h Quinteto de la JORCAM Obras de Glinka, Dvorák y Turina Conciertos en familia - 26 de octubre de 2014 - Sala Verde, 12.00 h Sexteto de pianos del Conservatorio Superior de Música de Aragón Director: Pablo Eisele Obras de autores minimalistas y de creación propia Matinés musicales - 30 de noviembre de 2014 - Sala Verde, 12.00 h Cuarteto Alliance Obras de Mozart, Kotschy y Glass Matinés musicales - 14 de diciembre de 2014 - Sala Verde, 12.00 h Coro de la JORCAM Director: Félix Redondo Coros y arias de zarzuelas Matinés musicales - 26, 27, 28, 30 y 31 de diciembre de 2014 y 2, 3 y 4 de enero de 2015 Sala Roja - 12.00 h Compañía “PyEL” Pedro y el lobo tocan en la orquesta Campaña de Navidad - 25 de enero de 2015 - Sala Verde, 12.00 h Quinteto Enara Obras de Ligeti, Danzi, Ibert y Barber Matinés musicales - 27, 28 y 29 de enero de 2015 - Sala Roja (27: 12.00 h; 28 y 29: 10.15 y 12.00 h) Grupo de Metales de la JORCAM Música de películas, obras del siglo XX Conciertos para escolares

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- 31 de enero de 2015 - Sala Roja, 12.00 h Grupo de Metales de la JORCAM Música de películas, obras del siglo XX Conciertos en familia - 29 de marzo de 2015 - Sala Verde, 12.00 h Musikene Sinfonietta Director: Jesús Echeverría Obras de Mozart, Sutermeister, Stravinsky y Hindemith Conciertos Sinfónicos - 19 de abril de 2015 - Sala Verde, 12.00 h Lisarco Danza y Cuarteto de Cuerdas Synergy (sobre el Cuarteto de cuerda nº 5 de Philip Glass y Clapping Music de Steve Reich) Matinés musicales - 22, 23 y 24 de abril de 2015 - Sala Roja (22: 12.00 h; 23 y 24: 10.15 y 12.00 h) Timbarimba Obras de varios autores Conciertos para escolares - 25 de abril de 2015 - Sala Roja, 12.00 h Timbarimba Obras de varios autores Conciertos en familia - 17 de mayo de 2015 - Sala Verde, 12.00 h Pequeños Cantores de la JORCAM Directora: Ana González Poesía y música Matinés musicales - 16 de junio de 2015 - Sala Roja, 20.00 h Orquesta Filarmonía de Levante y Coro de la JORCAM Director: Jordi Francés Sanjuán Obras de Strauss y Schubert Conciertos Sinfónicos Sobre la Joven Orquesta y Coro y Pequeños Cantores de la Comunidad de Madrid La Joven Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (JORCAM), pertenece a la Dirección General de Artes Escénicas, Música y Audiovisual de la Consejería de Empleo, Turismo y Cultura de la Comunidad de Madrid y fue creada con el propósito de contribuir a la formación de los jóvenes músicos madrileños en un marco de formación profesional de alta calidad técnica y artística. En esta agrupación conviven la Joven Orquesta, el Joven Coro y los “Pequeños Cantores de la JORCAM”

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Su objetivo principal es ampliar y desarrollar los conocimientos musicales a fin de facilitar y preparar a sus miembros para un futuro acceso a las agrupaciones profesionales y a la inserción laboral en el mundo de la música. Este aprendizaje se realiza a través del conocimiento y la práctica del repertorio coral y orquestal, de la experiencia en agrupaciones de cámara, del acercamiento a los escolares a través de los conciertos didácticos, de la participación en proyectos artísticos integrales como la danza, el teatro musical, la ópera, etc. La JORCAM, además, busca la promoción y el apoyo a sus miembros a través de concursos internos de solistas, clases magistrales o líneas de becas y ayudas para la ampliación y perfeccionamiento de estudios. La JORCAM se crea en 2009 incorporándose a la Fundación Orquesta y Coro de Madrid. Es heredera de la antigua Orquesta Sinfónica de Estudiantes de la Comunidad, formación que ha contribuido durante 18 años a la formación de los jóvenes músicos madrileños. Su debut oficial de los Teatros del Canal con la gala “Una noche en el Canal”, con la dirección de Albert Boadella. Su programación ha crecido notablemente hasta alcanzar las 136 actuaciones públicas en el año 2011, contando producciones propias y colaboraciones con distintas Orquestas, Coros y Teatros. En los cuatro años de existencia la JORCAM ha ofrecido conciertos en el Auditorio Nacional, Teatros del Canal, Auditorio de Zaragoza, Teatro Auditorio de Soria, Teatro Arriaga de Bilbao, Palacio de Festivales de Cantabria, Auditorio de El Escorial y demás teatros de la Red que posee la Comunidad de Madrid. Ha participado en conciertos e intercambios en Francia (Théâtre du Châtelet), El Salvador (Auditorio de la FEPADE), Rusia (Sala Rachmaninov del Conservatorio Tchaikovski de Moscú, Auditorios de Nimzry Novgorod, Cheboksary y Kazán), México (Teatro de la Ciudad de México, Auditorio de la Universidad de Puebla, Teatro Principal de Guadalajara,) y Vietnam (Ópera House de Hanoi) Por el podio de dirección de la JORCAM han pasado importantes directores: José Ramón Encinar, Jordi Bernàcer, Jaime Martín, Roberto Rizzi Brignoli (ex director de la Scala de Milán), Xavier Puig, Miguel Romea, Miguel Roa, Manuel Coves, Alejandro Posada, Carlos Cuesta, Jordi Francés Sanjuán, David Ethéve, Santiago Serrate, Pablo Mielgo, Vicente Sempere, Andrés Salado, Sergio Alapont, Anatoli Levin (catedrático de dirección del Conservatorio Tchaikovsky de Moscú), etc. La dirección del Joven Coro es responsabilidad del Mtro. Félix Redondo, con la colaboración, como profesora de canto, de la soprano Celia Alcedo. El joven Coro no sólo participa en las obras sinfónico corales programadas por la JORCAM (3ª Sinfonía de G. Mahler, Los Planetas de G. Holst, 9ª Sinfonía de Beethoven, Gloria de F. Poulenc, etc.) sino que ha reforzado al Coro Nacional de España y al Coro de RTVE en la 8ª Sinfonía de G. Mahler en el Auditorio Nacional con la grabación de un DVD para la Deustche Gramophon, además de realizar obras conjuntas con el Coro de la ORCAM. Ha actuado, también, con programación propia, en varios conciertos en Teatros y Auditorios de Madrid y España, y ha participado en producciones de Zarzuela y Teatro (Candide de Bernstein, La Revoltosa, Don Gil de Alcalá, “Amadeu”, de A. Boadella, etc.).

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En marzo de 2013 interpretó el Requiem en Re menor de W.A. Mozart bajo la dirección de Sir Neville Marriner y la Orquesta de Cadaqués en el Auditorio de San Lorenzo de El Escorial En julio de 2010 se ha creado los “Pequeños Cantores de la JORCAM”, un grupo de niños que, bajo la dirección de la Profesora Ana González, ya han participado en la producción de “Tosca”, de G. Puccini en El Escorial y Peralada, en la Flauta Mágica en El Escorial, la zarzuela “El Gato Montés” en el Teatro de la Zarzuela, conciertos en los teatros del Canal, y en diversas salas de Madrid, puesta en escena de la ópera para niños “Palabras en la Barriga”, etc.. Los Pequeños Cantores han actuado, y lo siguen haciendo en este momento, como coro de niños en las temporadas 2010/2011, 2011/2012 y 2012/2013 del Teatro Real de Madrid, participando en las producciones de “Werther”, “El Caballero de la Rosa”, “Persèphone”, “Tosca”, “Wozzeck”, “Boris Godunov”, “Suor Angelica”, “Parsifal”, “Kröl Roger” y “Macbeth”. La JORCAM, además de su programación de conciertos y su apuesta por la formación, extiende sus objetivos a proyectos que incorporen la música como vehículo de inclusión social y de apoyo a colectivos marginados o con necesidades especiales. En esa línea ha iniciado dos proyectos en el Hospital Niño Jesús de Madrid, dirigido a niños con parálisis cerebral y en la Fundación Carmen Pardo-Valcarce, para personas afectadas por el síndrome de down. Más información en www.teatroscanal.com www.jorcam.org

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Teatro, Danza, Música / Sala Roja y Sala Verde CAMPAÑA ESCOLAR Teatros del Canal Un año más, con la campaña dirigida a estudiantes, los Teatros del Canal ofrecen una serie de espectáculos de teatro, danza y música de carácter didáctico, con la intención de despertar el interés por las artes escénicas entre los escolares. Una propuesta que ha tenido gran acogida y que, por cuarto año consecutivo, se ofrece con la intención de complementar una programación dirigida a todos los públicos.

Dear Darwin (Parlon Film & Cup of Theatre) Del 20 al 30 de enero (Sala Verde) Dear Darwin es una obra de teatro dinámica e innovadora en inglés interpretada por actores nativos que muestra las dificultades por las que un adolescente pasa durante la Secundaria: sobreponerse al primer desamor, la carga del “bullying”, las redes sociales y las pandillas. Aceptarse a uno mismo y respetar a los demás son el centro de atención de este montaje que junta a 12 artistas internacionales que realizan piezas multimedia de animación, video arte, stop-motion, free-running, pop-up comic, hip-hop/rap y danza en seda. Antes que todo es mi dama (Teatro del Biombo) Del 17 al 20 de febrero y del 24 al 27 de marzo (Sala Roja) Antes que todo es mi dama parte de un análisis satírico del texto calderoniano; de una dramaturgia paralela, que sitúa la acción en el presente más inmediato, para ir evolucionando, a lo largo del montaje, hacia una recreación sarcástica de un pasado que remite a la sociedad española de la época de nuestro autor. Así, con Antes que todo es mi dama siguen apostando por una manera de hacer y de representar a los clásicos perfectamente comprensible; fresca y dinámica; con una semiótica teatral próxima al S. XXI, donde procuramos combinar la esencia de la mejor literatura teatral, con el imaginario y los referentes de un espectador del S. XXI.

Escolares (JORCAM) 15, 16 y 17 de octubre (Sala Verde); 27, 28 y 29 de enero (Sala Roja); 22, 23 y 24 de abril (Sala Roja) Conciertos realizados en horario escolar, dirigidos a centros de enseñanza primaria y secundaria, organizados desde la estructura de la Obra Social Ibercaja. La JORCAM, como novedad en esta temporada, proporcionará una guía didáctica para entregar a los centros con toda la información necesaria de cada uno de los conciertos ofrecidos.

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Área de Comunicación de los Teatros del Canal Beatriz Clemente Sonsoles Abascal 91 308 99 99 / 61 sabascal@teatroscanal.com Consulta nuestra programación en www.teatroscanal.com Únete a nuestras redes sociales

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