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OCTUBRE 2012 // BALLETIN DANCE / 39

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Viene de perder, ayer nomás, en el rubro Mejor Coreografía de los premios ACE, donde estaba nominada por partida doble (por sus trabajos en Cachafaz y en Noche de Reyes, donde compartió el mérito con cuatro colegas). Sin embargo, el sol del mediodía de esta primavera incipiente la tiene contenta y llena de energía. Nominaciones ha recibido muchas Mecha Fernández en casi cuarenta años de carrera artística (ganó el Estrella de Mar en 2010 por Pimpinela, La Familia, entre otros galardones). Por eso, lejos de lamentar el ACE que finalmente fue a manos de Mora Godoy (Chantecler Tango), ce-lebra haberse reencontrado durante la ceremonia con un montón de actores, músicos, cantantes y bailarines amigos a los que hace tiempo no veía.Prolífica y ecléctica, así es la trayectoria de esta mujer cuya rama familiar paterna ya contaba, antes de su llegada, con escritores, actrices y bailarinas (como Maruja Campos, integrante del Ballet del Teatro Colón). “Creo que por ese antecedente fui muy incenti-vada de chica. En la calle Gorriti, en Palermo Viejo, había una filial de la Escuela Nacional de Danzas y a los seis años mi mamá ya me llevó a estudiar”, evoca. Tuvo la buena fortu-na de que Rina Valver, entonces primera bailarina del Argentino de La Plata, la aceptara entre sus alumnas dilectas y la formara con esmerada dedicación.No hizo la carrera del Colón, ni terminó la Escuela Nacional de Danzas. Pero, aun por fuera de las instituciones formales, nunca dejó de estudiar. La base de la técnica clásica se la transmitieron maestros como Gloria Kazda, Ricardo Rivas, Angélica Cañas, nada

T E A T R O M U S I C A L

Una Artista de Largo AlientoPor Daniel Sousa

Mecha Fernández acredita cuatro décadas de una exitosa carrera como coreógrafa, actriz y bailarina. Crea tanto para chicos como con gente de la tercera edad, y se mueve con igual pericia en el Gran Rex o en una sala del off Corrientes. Desarrolló el método de Atención Corporal para ayudar al artista a conectarse con su entorno

“Nunca he sido prejuiciosa, me adapto a todo. Tengo la ciencia de la paz metida en el

corazón”, dice Mecha FernándezFoto . gentileza de la artista


MECHA HABLA DE SUS OBRAS EN CARTEL

CACHAFAZ (Teatro del Sur)“Es un trabajo divino. Tatiana Santana, la directora, era asistente de dirección de ‘Cocho’ Paolantonio en Titulares, una obra de Bernardo Carey que hicimos en 2009 en el Teatro Alvear. Tiempo después vino con la idea de hacer esta pieza de Copi como musical y me parecido maravillosa. Me enganché ense-guida con la propuesta. Y Tatiana ha hecho un laburo fantástico, junto con Emilio Bardi y Claudio Pazos, los actores; con la música de Rony Keselman. Es un trabajo muy teatral, distinto, muy oscuro, turbio, soez. Una genialidad”.

SIMPLEMENTE CONCHA (Teatro Picadero)“Trabajar con Noralih Gago es uno de los grandes placeres que me he dado en la vida. Tanto en esta obra como en La Última Cena de Gradua-dos (que acaba de bajar de cartel en la sala Siranush). Esa mujer es lo más grande que hay, va a quedar en la historia junto a glorias como Niní Marshall. Es una actriz enorme. Ahí me tocó trabajar con actores que no son bailarines, entonces no les marqué nada, comenzamos a jugar, a ver cómo caminaría tal personaje, y todo surgió solo”.

JUEGO TANGUEADO (Teatro Del Pasillo)“Ese teatro es como mi segunda casa, y Silvia Copello (la protagonista), una gran amiga. Todos los años hago algo ahí. Esta vez me ocupé de la dirección general. La obra juega con los tangos, les busca nuevas formas en lo musical y en lo coreográfico. Es un espectáculo chiquito, hecho por gente grande, donde se la pasa bárbaro”.

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menos... Con la mayoría de edad ingresó al Taller de Danza Contemporánea del Teatro San Martín. Aque-lla fue, dice ahora, a la distancia, “una decisión de vida”.

¿Cuándo fue la primera vez que se sintió baila-rina profesional?

En aquella época se trabajaba mucho en grupos in-dependientes de danza contemporánea, que si bien eran amateurs implicaban un gran compromiso pro-fesional. Yo estuve en los grupos de Juan Falzone y de Nora Codina. Eran los tiempos del movimiento Danza Abierta. Incluso terminé el colegio secundario de no-che porque los ensayos me impedían cursar durante el día. Fue una época de enorme aprendizaje para mí porque además de bailar nos ocupábamos de todo, se trabajaba a pulmón realmente. Por suerte, siempre tuve el apoyo de mi familia y aún hoy mi madre, con noventa años, sigue yendo a ver mis obras.

Una cosa trae la otra y, habiendo estudiado también danza jazz, Mecha no tardó en desembarcar en el tea-tro musical. Fue de la mano de Rubén Cuello, com-pañero suyo en el San Martín, que la convocó como su asistente en De Aquí No Me Voy, la obra de Pepito Cibrián. Corría el año 1981. Como bailarina trabajó en Doña Flor y Sus Dos Maridos, y se sumó luego al ensamble de Sweet Charity, obra que protagonizaba Guadalupe, con la particularidad de que a mitad de la temporada Edda Bustamante debió abandonar y Mecha asumió el personaje de Nicky.Tuvo una etapa como actriz, aunque pronto se dio cuenta que no era lo suyo. “Empecé estudiando con Franklin Caicedo y después en la escuela de Raúl Se-rrano. Hice televisión y teatro de texto, pero no me llenaba”, confiesa. Entonces se dedicó a aprender los secretos de la dirección de la mano de Juan Carlos Gené y Augusto Fernándes, “un poco porque consi-dero que el coreógrafo es un director y debe saber muchas otras disciplinas además de composición coreográfica. Si te toca trabajar en una comedia musical, por ejemplo, sólo sabiendo dirección podés entender lo que necesita el director general en de-terminada escena. Va más allá de un paso de baile”, sostiene.

¿Qué recuerdos conserva del día en que decidió bajarse del escenario para dedicarse a coreo-grafiar y dirigir?

Ya había hecho muchos musicales, había estado en Sugar con Susana Giménez, y la verdad es que no me divertía tanto. Me era fácil entrar, no daba au-


diciones. Era otra época, el círculo de gente era más acotado y me convocaban de acá o de allá. Se dio todo muy naturalmente. Mi carrera nunca tuvo grandes picos, soy corredora de larga dis-tancia, no hago piques cortos -bromea-. Soy una persona muy paciente, tengo la ciencia de la paz metida en el corazón, y sé que las cosas finalmente llegan. Afortunadamente, toda mi vida viví de esto, del teatro, de la televisión. Estoy convencida de que nun-ca me va a faltar nada, que siempre voy a tener algo para hacer.

ATENCIÓN CORPORALLa carrera de Mecha Fernández como docente siguió el mismo derrotero que su faz artística. Primero enseñó clásico, después contemporáneo, más tarde danza jazz. Armó un modelo de cla-ses integradas, con músicos, como preparación para la comedia musical. Y alumbró un método de trabajo al que llamó Atención Corporal, que diferencia la atención de la concentración en el artista. “Llegué a esto mientras trabajaba como coach en Ope-ración Triunfo. Sentía que los chicos, estando encerrados en una casa, iban perdiendo conexión con el entorno. La idea central del método es que cuando un artista sube al escenario no debe estar concentrado sino atento. Porque uno puede concentrar la aten-ción en un solo punto, se estudia concentrado, pero si sobre el escenario la persona está atenta a una sola cosa pierde conexión con todo lo demás. La concentración se relaciona con la unidad, y no es lo que el artista necesita. La persona que sale a escena debe estar abierta a todo: debe mirar si la luz lo toma bien, escu-char el pie que le da la música, atender a una seña que le hacen desde la pata, incluso medir la distancia con el compañero que tiene detrás, al cual no puede ver pero debe sentir. Son tantas las cosas, que uno debe estar contenido en esa atención. Yo juego con la palabra a-tención como sinónimo de no-tensión. Si uno se pone nervioso, no puede estar atento: se le cierran los oídos,

los ojos, no siente... Debe estar relajado pero atento, como el gato”, postula.El método, debidamente sistematizado y registrado, desarrolla los sentidos, alienta la creatividad y potencia la capacidad de juego, “porque sin juego no hay escenario posible”, opina Mecha. Hoy se aplica en la academia de canto de Sebastián Mellino y en seminarios que la coreógrafa dicta por todo el país. A la vez, Fer-nández es profesora de Composición Coreográfica en la cátedra de Comedia Musical del Instituto Universitario Nacional del Arte (IUNA). De sus alumnos en esa institución destaca el compro-miso y la dedicación. “Son chicos a los que seguramente les va a costar mucho entrar en el círculo de coreógrafos de comedia musical en la Argentina, pero que pese a eso están capacitados para hacer cualquier cosa que se propongan. Uno como maestro es un facilitador en el camino que emprenden. Dios no me dio hijos pero me ha dado bailarines y actores a quienes amo por su mezcla de fortaleza y debilidad maravillosa”.

Lleva casi dos décadas trabajando con el grupo de teatro infantil La Galera Encantada. ¿Implica un desafío especial ese público?

Es algo muy distinto, sí. El trabajo compositivo es bien diferente. Tiene que ver mucho con la edad de los chicos a los que apunta cada obra. El lenguaje corporal, la repetición del movimiento, no son siempre los mismos. Para chicos muy pequeños no se pue-den poner movimientos de cadera, por ejemplo, porque el niño copia todo lo que uno hace y esas nenas no tienen cintura ni cadera todavía, y como no pueden imitar al actor se frustran. Es algo tan simple como eso. Yo me siento casi una especialista en coreografías para chicos. Hice las dos María Elena, hice Ro-bin Hood, con unos actorazos. El actor lo enriquece a uno. Tuve siempre la buena fortuna de que se me aparezca gente maravi-llosa al lado. A veces pienso: ¿seré yo? No, en realidad son ellos los que hacen que se vea bien el trabajo de una. Nunca he sido prejuiciosa, me adapto a todo. Paso del Gran Rex con Pimpinela a una sala chiquita del off. Y ahora me voy al escenario mayor de Cosquín a montar un espectáculo con 1.800 abuelos de centros de jubilados de todo el país. Los reunimos el 12 de octubre, por tercer año consecutivo, para que canten y bailen juntos. Va ser una gran fiesta. __BD

Casi dos décadas lleva trabajando Mecha Fernández junto a La Galera EncantadaFoto . archivo del autor


JOSÉ MARÍA BARRERAI L U M I N A D O R

Por Marta Sol Bendahan El 4 de agosto apenas a la madrugada, José María Barrera, “El Gordo”, apagó la luz de todos los teatros por dónde estuvo. El Argentino de La Plata, que lo llevaba en la piel y resurgía como una rosa humedecida cuando hablaba de él y de su gente, de su Tito Ca-pobianco querido y respetado, de Dore Hoyer, del Teatro San Martín de Buenos Aires y su amada Asociación Amigos de la Danza, cuando iluminaba a figuras que brillaban por sí solas y él acrecentaba esa luz para que llegaran más lejos, tal el caso de Estela Maris, Ro-dolfo Dantón, Oscar Araiz, Juan Falzone, Renate Schottelius, sólo por nombrar a algunos. El Teatro Auditorium de Mar del Plata en dónde trabajó con tanta pasión y generosidad, que no hubo un solo artista de esta ciudad que no haya sido beneficiado con la luz con la que lo iluminaba Barrerita, como la Escuela Municipal de Danzas, el Centro Polivalente de Arte, las academias de Beatríz Schraiber, Marilyn Mónaco, el Grupo Taller de Danzas, Anahí Ramos, acompañándola además en su gira por la Antártida Argentina, al Grupo Light, al Grupo Vocal Arsis Nova y a todos los colectivos privados de danza y teatro de la ciudad balnearia, que actuaron en el Centro Provincial de las Artes.Fue generoso como pocos, incapaz de decir un “no” o un “no se puede”. Muy lejos de la tecnología actual, él inventaba artefactos, estructuras o cualquier elemento que a los artistas se les ocurriera.Hoy la colonia artística no se encuentra ante la ausencia de luz, porque al “Gordo” sí le cabe eso de “nos estará iluminando desde alguna estrella”. __BDIn

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Alicia Fiuri y Néstor Spada lograron convertirse en el año 2009 en la primera compañía flamenca argentina en presentar un espectáculo en Japón y este mes estrenan en el Centro Cultural Borges el que llevarán a su nueva gira por tierras niponas. Un diálogo con BALLETIN DANCE sobre el baile, la esencia cíngara y lo argentino

E N T R E V I S T A

La Importancia de ser FlamencoPor Laura Lifschitz

Flamenco. Un término que ineludiblemente se asocia a la pasión. Un modo de vida, una manifestación artística que subyuga a todo el mundo. Un baile que encanta al ritmo del zapateo de sus bailaores.Desde sus orígenes el baile flamenco ha sido considerado una danza de fusión, aquella que se fue dando a partir de la gran inmigración de los gitanos perseguidos al llegar a la región española de Andalucía hacia el siglo XV. Por eso no es de extrañar que ese carácter múltiple, esa mixtura de tradiciones y culturas, sea la que se hace presente al disfrutar del baile de Alicia Fiuri y Néstor Spada, dos de los mejores exponentes del baile flamenco en Argentina, quienes este mes estrenan su nuevo espectáculo. Tras él, una vez más emprenderán una -de seguro exitosa- gira por Japón, brindando nada menos que 35 funciones en toda la isla. En diálogo con BALLETIN DANCE, con su bonhomía y arte genuino, explicaron los detalles del estreno a la vez de precisar una de las danzas que llegó hace tiempo para transformarse, evolucionar y deleitar al mundo entero.

¿Se puede decir que hay un boom del flamenco?Néstor Spada: El flamenco va y viene. En España ahora no van muy bien las cosas econó-micamente. Eso hizo que vengan muchos maestros flamencos acá. No es que hay un boom.

Alicia Fiuri y Néstor Spada despliegan toda su magia flamenca en el escenario

Foto . Ohnishi Motoi


Alicia Fiuri: Son pequeñas explosiones. La gente que ingresa al mundo del flamenco, ya sea como un aficionado al baile o quien disfruta de los espectáculos, se encuentra al margen de una ex-plosión o no explosión.NS. Obviamente creció el espectador de flamenco. Nosotros so-mos de la generación de 1990 e hicimos muchísimo para que se conozca más el género. Se cambió la forma de bailar. Antes se pensaba que el flamenco era solo el traje alto, el sombrero con madroños y cantar coplas de Las Cosas del Querer.

Ustedes aseguran que el flamenco que bailan es argentino, y que no es de su interés mimetizarse con lo español

AF. Es algo bastante sincero. Nuestra impronta es porteña. El flamenco es un arte universal, declarado patrimonio de la hu-manidad. También se puede ser flamenco argentino. Es muy im-portante decirle esto a la gente y no impostar.NS. Bailamos como somos. Eso a la gente le llega. AF. Está claro que nosotros hacemos algunos “truquitos” o cosas que sabemos son vistosas. Pero nos interesa más la forma en cómo decimos con nuestro cuerpo el flamenco.

El nuevo espectáculoAF. Son varios cuadros escénicos coreografiados por nosotros. NS. Es el mismo espectáculo que llevamos a Japón. Estamos acompañados en el cante por Claudia Montoya y tenemos dos guitarras flamencas, Hernán Dieguez y Fernanda de Córdoba.

¿Cómo será la gira en Japón?NS. A partir de noviembre, una semana en Tokio. Primero, en el Teatro Chofu-Shi Tazukuri Kusunoki Hall. Y recorremos todo el país por lugares en que ni nos imaginamos la pasión que genera el flamenco. Vamos allí desde el año 2002. Y desde 2009 con nuestra propia compañía. AF. Hay una gran cantidad de academias de flamenco en Japón y también vamos a dar clases. Hace unos años que hemos decidido dedicarnos también a la enseñanza y con mucho esfuerzo crea-mos nuestra academia de danza flamenca.

¿Qué es lo que pervive de la cultura gitana en el baile flamenco como espectáculo?

NS. Uno se puede imaginar una reunión gitana, en España o in-cluso en Argentina: un grupo enorme de familias, una comida, guitarras y baile. Eso sería la savia, lo concentrado. Cantan bule-rías, tangos, rumbas, se divierten.AF. Hay algo que sigue vivo. No es puramente escénico el fla-menco. No es sólo el zapateo, es todo el cuerpo. No son sólo los pies. Es todo lo que vive.El flamenco vivo, fusionado. Esa genuina forma de bailar y res-pirar el flamenco desde las orillas del Río de la Plata. Y olé. __BD

Fiuri y Spada en Tangos Bien Flamenquitos. Teatro Ota- Kunmin Hall Aprico. Octubre 2010, Tokio/Japón

Foto . Ohnishi Motoi


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-contemporáneoEl Puente de la MariposaDe Teresa Duggan. Con Teresa Duggan, María Laura García, Daniela Velázquez, Marcela Figini y Giancarlo Scrocco. Lu-nes de octubre y noviembre, 20:30hs. British Arts Centre (Suipacha 1333, Tel: 4393-6941).

-celtasMegafestival CeltaSábado 27 y domingo 28 desde las 19:30 hs. Auditorio de Belgrano (Virrey Loreto 2348, Tel: 5237-7200).

-folkloreFlechas de la TribuCompañía Nuevo Arte Nativo. Direc-ción: Koki y Pajarín Saavedra. Sábados 20 y 27, 20:30 hs. Teatro Sha (Sarmien-to 1551, Tel: 4953-2914).

-jazz fusiónFusionesCoreografía y dirección: Silvia Briem Stamm. Sábado 20 de octubre, 22 hs y domingo 11 de noviembre, 20:30 hs. Teatro del Globo (M. T. de Alvear 1155, Tel: 4795-8216).

-danza modernaHistoriasCompañía de Danza Moderna MAPU. Dirección: Evet Gaiani. Viernes 20:30 hs. Espacio Cultural Carlos Gar-del (Olleros 3640). Entrada gratuita.

-contemporáneoDos Mil HorasDirección y dramaturgia: Ana Alvarado. Coreografía: Gabriela Entebi. Con Xi-mena Barrionuevo Cibeira, Luisina Bos-sel, Maria Forte, Narda Milin, Leandro Montgomery, Juan José Moroni, Irupé Perasso, Andrea Varchavsky y Guiller-mo Aragones. Sábados 22:30 hs. Espa-cio No Avestruz (Humboldt 1857, Tel: 4777-6956).

-musicalEl Danzón de Los Amados Espectáculo musical bailable. Viernes y sábados 21 hs. Sala Siranush (Armenia 1353, Tel: 4775-2877).

-musicalEl Diluvio que VieneDirección: Manuel González Gil. Con Juan Durán, Natalie Perez, Pablo Nápo-li, Juan Bautista Carreras, Teresita del Río y la actuación especial de Adabel Guerrero. De miércoles a sábados 20:30 hs y domingos 20 hs. Teatro Lola Mem-brives (Av. Corrientes 1280, Tel: 4381-0076).

-contemporáneoEl Mundo VirginiaDe Viviana Iasparra y Melina Seldes. Sábados 19 hs (hasta el 20). Espacio Lem (Fitz Roy 2290, Tel: 4775-0857).

-afroEl PercusionistaGorsy Edú. Del 16 al 26 de noviembre. La Manzana de las Luces (Perú 272).

-contemporáneo.instalaciónHombre RebobinadoDe Margarita Bali. Sábados 21 hs, del 27 de octubre al 8 de diciembre. Sala Loft (Jorge Newbery 3571, primer piso, loft 7, únicamente con reservas: 4553-4572).

-folkloreHomenajeBallet Folklórico Nacional. Dirección: Omar Fiordelmondo. Jueves 22 y 29 de octubre, 19 y 26 de noviembre, 20 hs. Centro Nacional de Música y Danza (México 564, Tel: 4362-4874). Entrada gratuita.

-contemporáneoIEESIntersubjetividad en escena simultá-nea. En simultáneo en Argentina y Es-paña vía streaming. Con Liliana Tasso, Laura Figueiras, Luz Lassalle, Marg-herita Bergamo, Tuixén Benet e Ivana Miño. Jueves 20 hs. Centro Cultural de la Cooperación (Av Corrientes 1543, Tel: 5077-8077).

-contemporáneo

Il Etait Une FoisMVC Compañía de danza. Dirección: Martín Vieyra. Con Martín Vieyra, No-elia Mitelli, Micaela Odriozola Maglie, Analia Serenelli, Estefanía Grippo, Ju-lieta Angeletti, Roció Quintana, Majo Heredia, María Torresetti y Romina Pé-rez. Domingos de octubre y noviembre 20 hs. Teatro Belisario (Av. Corrientes 1624, Tel: 4373-3465).

-ballet


Maestros del estudio

ClásicoSara RzeszotkoHéctor BarrilesLuis BaldassarreRina Valver

Clásico para NiñosMónica Revelli

Clásico para AdultosMarcela Otero

Contemporáneo para NiñosPaula Safar

Comedia Musical(canto - danza jazz y teatro)Nora Bender

PilatesClases personalizadasPilates para Bailarines

[email protected]

SEDE ABASTOGuardia Vieja 3783 (y Bulnes)

4866-2671

SEDE BARRIO NORTENiños desde los 5 años

Av. Santa Fe 1452

HOMENAJE A

OLGA FERRI¨Esquema del movimiento

infinito¨La Asociación ARTE y CULTURA

a la EXCEPCIONAL PrimeraBailarina del Teatro COLON

Partió el 15 de septiembre de 2012


El 6 de septiembre se realizó la presentación de la segunda Bienal Kosice Arte, Ciencia y Tecnología en el Planetario de la ciudad de Buenos Aires. Margarita Bali obtuvo el segundo premio

El espacio de arte y productora cultural Objeto A, creador, gestor y productor de la Bienal presentó a los ganadores de este con-curso destinado a incentivar el desarrollo y producción de obras científico-artístico-tecnológicas inspiradas en la trayectoria del maestro Gyula Kosice. La muestra se pudo visitar durante sep-tiembre en el Planetario de la ciudad de Buenos Aires Galileo Galilei, que incluyó a las obras premiadas y las menciones espe-ciales, conformó un amplio abanico de arte en nuevos medios, con video instalaciones en tiempo real, esculturas de bio-arte e instalaciones interactivas.Los postulantes debieron interiorizarse respecto de la Ciudad Hidroespacial de Kosice y de la sede de la exhibición con varias visitas, para visualizar los espacios y preparar los proyectos que presentarían al concurso. Los ganadores contaron con la posibi-lidad de concretar la realización de las obras que se expusieron.El jurado presidido por el propio Kosice -que estuvo presente en la ceremonia de inauguración-, estuvo integrado por Graciela Taquini, Rodrigo Alonso y representantes de Objeto A. El Primer Premio recayó en la obra Hidrófono Espacial de Electrones de Da-mián Espina, una instalación sonora que genera sonido y luz a

través del proceso de electrolisis del agua (energía que motoriza a la Ciudad Hidroespacial en la visión de Kosice). Y Homo Ludens Intergaláctico de Margarita Bali, obtuvo el Segundo Premio, una video-instalación que desarrolla un mundo lúdico en el espacio, representando la libertad a la que el plástico alude en su Ciu-dad…. La mención especial a la trayectoria e investigación de este año recayó en la escultura cinética Hydrocosmos GK1 de Joaquín Fargas, y además se otorgaron nueve menciones.La ceremonia de inauguración contó con la actuación perfor-mance/instalación Pleyadianos de Fernando Laub, Derretimien-do/Arrepentimiento una extraña entrega sonora a cargo del grupo musical LAE y Homo Ludens Intergaláctico una genial pro-yección en domo 360° de Margarita Bali.Con imágenes espaciales otorgadas por la NASA, los bailarines de Bali volaron dentro de la cúpula del observatorio, solos y/o juntos, multiplicados al unísono o en canon, con una exquisita selección sonora y musical, e intensos colores, que durante unos breves minutos permitieron trasladar al espectador a un mundo verdaderamente intergaláctico. Pelotas, pelotitas, globos, aste-roides, combinados con las estrellas, la Tierra y el Sol, mutaban su tamaño y ubicación sobrevolando todo el techo semiesférico, para lograr un momento mágico merced a la edición audiovisual. Grandes expectativas comienzan a desarrollarse, al saber que la coreógrafa planea poder ofrecer pronto una obra de noche com-pleta, manipulando estas imágenes. Imperdible. __BD

C O M E N T A R I O S

InolvidablePor Agustina Llumá

Homo Ludens Intergaláctico de Margarita BaliFoto . gentileza bienal Kosice


Del 23 al 25 de agosto se realizó en el Teatro Coliseo de Buenos Aires, la segunda Gala de Ballet, a instancias del grupo Ars, con la brillante actuación de bailarines extranjeros y nacionales

La noche abrió con una representación de la Escuela de la Funda-ción Julio Bocca, en una coreografía del tipo “muestra de clase”, que reflejó la evolución de la enseñanza en los estudiantes desde sus primeros pasos (niños desde 5 años). Un cuadro descolocado en relación al resto de la función.Inmediatamente después se dio el inicio a la gala propiamente dicha, con Carmen Corella y Dayton Vera (anunciados como integrantes del Barcelona Ballet) en After the Rain de Christopher Wheeldon, uno de los coreógrafos más reconocidos de la actualidad. Con-tinuaron los locales, Silvina Perillo y Edgardo Trabalón (Teatro Colón) impecables con el exigente Grand pas Classique de Victor Gsovsky (por altoparlante se anunció que ella dedicaba su actua-ción a Mercedes Serrano, fallecida días antes).


EstelaresPor Agustina Llumá

Carmen Corella y Dayton Vera en After the RainFoto . Alicia Sanguinetti

Iana Salenko y Daniil Simkin en La PluieFoto . Guillermo Genitti

Página opuesta, arribaPolina Semionova y Dimitri Semionov en Duet

Foto . Antonio Fresco

Página opuesta, abajoSilvina Perillo y Edgardo Trabalón en Grand Pas Classique

Foto . Guillermo Genitti

Polina Semionova (Opera de Berlín) junto a su hermano Dimitri Semionov, sorprendió con Duet de Jasemine Bigo. Más de un espectador quedó enamorado de ella, por su entrega y por su particular y fibroso cuerpo.Con el solo The Fall de Russell Ducker sobre música de la Electric Light Orchestra, Angel Corella conquistó a la platea y pronto la


adrenalina sobre el escenario comenzó a sacar chispa, en una tendencia “in crescendo” hasta el final de la noche.Marianela Nuñez y Thiago Soares (Royal Ballet de Londres) mos-traron Winter Dreams de Kenneth MacMillan, un duo difícil para hacer en este tipo de espectáculo -puesto que se luce más a través del dramatismo que de briosos pasos-, en el que ella de-mostró un acabado rol con la pulcritud y elegancia propias de la técnica inglesa.Iana Salenko (Opera de Berlín) y Daniil Simkin (American Ballet Theatre) en el pas de deux Llamas de París de Alexei Ratmans-ky, fueron simplemente estupendos. Además de su perfección técnica, ambos conformaron una dupla unida, homogénea, de perfecto encastre, llenos de mágico encanto.

Con las expectativas del caso, que se habían comenzado a gestar el año pasado con la actuación de Simkin en la Primera Gala, el genial bailarín repitió en la segunda parte de la noche -y fuera de progra-ma- aquel solo que hubiera causado su éxito porteño: Les Bour-geois de Ben Van Cauwenbergh, y una vez más el teatro se “cayó abajo” con aplausos y gritos del público desde todos los pisos.Perillo y Trabalón retomaron la escena, con el compacto A Bue-nos Aires de Gustavo Mollajoli, un tango que no pierde vigencia, pleno de sentimiento porteño. Los hermanos Corella hicieron un extenso (para una gala) fragmento de Solea de María Pagés con clima bien logrado, en el que sobresalió él con su especial gracia; mientras que Julieta Paul y Bautista Parada (Teatro Argentino de La Plata) deleitaron con un pasional extracto de la Carmen de Marcia Haydée.Fue justamente en esta segunda parte, cuando el espectáculo alcanzó su climax, con las actuaciones de los Semionov en un arrobador pas de deux de El Corsario, Salenko y Simkin en un vehemente duo: La Pluie de Annabelle López Ochoa, y Marianela Nuñez (nuevamente con Soares), espléndida en el pas de deux del Cisne Negro.Fue una electrizante función, con romance, pasión, energía, vir-tuosismo, destacados estilos de la técnica clásica académica y va-riados creadores de obras neoclásicas y/o contemporáneas. __BD

Marianela Nuñez y Thiago Soares en Cisne NegroFoto . Alicia Sanguinetti

Página opuesta, arribaJulieta Paul y Bautista Parada en CarmenFoto . Guillermo Genitti

Página opuesta, abajoCarmen y Angel Corella en SoleaFoto . Guillermo Genitti


Tradicionalmente, la danza y lo helado se relacionaban con el patinaje sobre hielo, pero actualmente aparecen nuevas concep-ciones entre bailar y los espacios congelados

Dentro del marco de la IV Conferencia y Festival Internacional de Arte y Cultura Antártica, organizada por la Dirección Nacional del Antártico y con curaduría de Andrea Juan, en el Centro Cultu-ral Rector Ricardo Rojas se presentaron dos performances, Pla-ces of Power (Lugares de Poder) y Body of Ice (Cuerpo de Hielo).Places of Power, trabajo de Lorena Avallar, cruzó performance, ritual, butoh y proyección fílmica. Con una aproximación más cercana a las intervenciones plásticas, el espacio, iluminado en azul, presentaba un dispositivo escénico semicircular, de tiras de papel colgando desde lo alto (en rigor, papel higiénico), que oficiaba de pantalla sobre la que se proyectaban imágenes en loop de Avallar en la Base Esperanza de la Antártida Argentina. Las imágenes la mostraban, con acercamientos hasta primerí-


Danza de HieloPor Román Ghilotti

simos primeros planos, en juegos gestuales y desplazamientos, ataviada del mismo modo en que aparecería luego. El vestuario recreaba sincréticamente la presencia de alguna oficiante abo-rigen, apelando así a una información vaga, pero culturalmente extensa, sobre lo que podría caracterizarse como chamánico o al menos de sesgo religioso primitivo. Es interesante señalar que el atuendo mezclaba pintura sobre el cuerpo con plástico y texturas varias para un chaleco y una pollera, más elementos urbanos como medias bucaneras a rayas o aros de fantasía.La performer, tras unos minutos de proyección de las imáge-nes, apareció y pidió al público que se ubique en semicírculo, completando así el aro donde interpretó. Dispuso unas tiras de tela negra a modo de rosa de los vientos y, ubicada en el centro,

Lorena Avallar (Places of Power)Foto . Diego Demese


desplegó movimientos que aludían, con igual vaguedad que el vestuario, a lo ritual. En general, el modo de desplegar su cuerpo y las dinámicas que sostenía remitían al butoh. Finalmente, to-mando y arrancando los papeles blancos que hacían de pantalla, terminó enrollada, envuelta en estos, como un gran bollo de pa-pel, imagen de bloque de hielo.

Tina Evans (Body of Ice)Foto . Alejandra González

Tina Evans (Australia) fue la performer que después presentó Body of Ice. Contrastando con el espectáculo anterior, en escena había una gran tela blanca, de unos dos metros de ancho, col-gando desde lo alto y llegando al piso donde se extendía como alfombra. Sobre esta, que podía tomársela icónicamente como glaciar, Evans, de malla blanca y un top y una pollera poco de-finidos, brillantes “como hielo”, desarrolló su trabajo. Eminente-mente construido en el movimiento, con muestras de una nota-ble técnica corporal, desde un inicio quieto, en posición fetal, fue quebrando su estatismo hasta desarrollar movimientos fuertes y articularmente muy acentuados para luego desandar esas se-cuencias y regresar a la tela. Aunque previsible, la metáfora de estar pegada al hielo, o ser de hielo como indicaba el título de la performance, para separarse de este al que finalmente regresaba para quedar nuevamente helada y quieta, de todos modos, su excelente trabajo corporal logró que se mantenga el atractivo en toda la obra.Dos performances de hielo, explícitas, visual una, kinética la otra, como aproximaciones a posibilidades de cuerpos y metáforas en y de lo helado. __BD


Desde el 10 de septiembre, y durante tres semanas, tuvo lugar el III Festival Internacional de Danza Independiente CoCoa 2012

En nueve sedes, ocho porteñas y una en Caseros (provincia de Buenos Aires), 28 espectáculos en vivo, cuatro de ellos del exterior, un documental más cinco programas de video danza, tres mesas de trabajo, un seminario teórico, la presentación de un libro, reuniones de formación de espectadores y el re-conocimiento a cinco creadoras de capital importancia para la historia de CoCoa, constituyeron las actividades del Festival.A cinco artistas de la danza, que estuvieron desde la pri-mera hora impulsando y gestionando como presidentas o vicepresidentas de CoCoa, les fueron entregados diplomas como Socios Honorarios: Margarita Bali, María José Goldin, Roxana Grinstein, Ana Kamien y Teresa Duggan. Este acto, casi académico o endógeno, sin embargo merece ser des-tacado. Se trata del reconocimiento a creadoras, la mayo-ría de las cuales continúan produciendo, que en sus propios derroteros aportan actualizaciones de discursos y nuevas perspectivas en la danza local. Y es que en este sentido de discursos de la danza contemporánea el equipo de produc-ción y gestión del Festival (Carla Berdichevsky, Guadalupe López, Marisa Quintela, Mariela Ruggeri y Liliana Tasso) puso en marcha la propuesta del mismo.

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Por otra parte, estas intenciones de insta-lar en el escaparate del Festival lo actual y nuevo, se vio reforzada por una expresa búsqueda del abanico estilístico más am-plio posible: las curadurías de selección de obras fueron encargadas a jurados por fuera del Festival con la expresa in-dicación de seguir un criterio de la mayor diversidad posible. Así, el arco de expre-siones se enriqueció mostrando desde lo más “tradicional” a lo más “actualizado” en lo que hace a la danza contemporánea local.Lo contemporáneo de la “danza con-temporánea” implica, al menos, dos ver-tientes. Una, obvia, significa que su con-temporaneidad queda dada por el simple hecho de ser la “danza contemporánea” coetánea a nosotros. La otra supone una actualización más radical: hoy, dentro de las “nuevas tendencias” (para todas las artes, no sólo la danza), la reflexión es central. El aspecto teórico constitu-ye un foco de atención primario de las obras, teorización que está en las obras y las trasciende hacia otros campos de reflexión cultural y científica (aunque es pertinente plantearse si las obras no son eso, esto es, el despliegue teórico a partir de su concreción material).

Debana, Grupo La Percha

Cuerpo extranjero, Compañía Móvil


No es que el Festival se haya ubicado en una presentación de conceptualizaciones o se haya plantado como un congreso de discusión académica. Muy al contrario, sin perder de vista la es-pectacularidad de la danza, su hacerse como algo que se aprecia y que va y aporta a lo sensible, de todos modos, tanto la plu-ralidad perseguida en las selecciones como los aportes explíci-tamente teóricos intentaron poner en escena esta faceta, para muchos aún nueva y resistida, de la incumbencia primaria de la reflexión a la hora de apreciar la danza.Por ejemplo, las mesas de trabajo estuvieron a dos aguas en-tre lo estético y las condiciones de producción (versaron sobre video danza, profesionalización de la danza independiente y la Ley Nacional de Danza), lo que acercó mayores posibilidades de lecturas relativas a la danza. Otro ejemplo fue la participación de Geisha Fontaine, coreógrafa, bailarina y filósofa francesa, con su obra Les yeux dans les yeux (Mirarse a los Ojos), cuestionamiento respecto de la mirada del público, un seminario teórico, “El trata-miento tiempo en la danza contemporánea” y la presentación de la edición española de su libro Las Danses du Temps.Entre las obras locales se ofrecieron reposiciones y estrenos que fueron desde la utilización de tecnologías digitales e informá-ticas a muestras performáticas, tradicionales, de danza teatro, expresión corporal o butoh.En síntesis, una heterogénea apertura estilística y una posibili-dad a la proyección reflexiva fueron las marcas sobresalientes del Festival, decididamente encuadrado en aproximaciones contem-poráneas para el ámbito local. __BD

Toay de Mariela RuggeriFotos . gentileza CoCoa



CondensadosPor Agustina Llumá

La amplia oferta de la actual cartelera porteña en materia de espectáculos escénicos, permite optar por escaparse algunos minutos de la realidad, cualquier día de la semana y en cualquier barrio de la ciudad, con satisfacción asegurada en todos los géneros

A CARCAJADASEl Ballet con Humor, dirigido por Adrián Dellabora, volvió al rue-do el mes pasado, con un ciclo de presentaciones en el Cen-tro Cultural Borges y un repertorio totalmente renovado bajo el nombre de Divertimento. La noche del estreno, el 16 de septiem-bre, un gris domingo otoñal, fue dedicada en memoria de Olga Ferri (ver In Memoriam en esta edición de Balletin Dance).La compañía cómica integrada por bailarines varones profesio-nales, se ocupó desde sus inicios a parodiar al mundo del ballet, pero pronto avanzó hacia otros géneros, y en este programa se aventuran con la danza moderna, neoclásica, tango y también española. Angel Gómez, Armando Schettini, Adrián Seijas, Adrián Dellabo-ra, César Díaz, Darío Lesnik, Daniel Longo, Daniel Negroni, Este-ban Schenone, Martín Alvarez, Miguel Moyano y Martín Quinta-na, fueron quienes lograron que la platea estalle en carcajadas en cada uno de sus sketchs.

El elenco en EsmeraldaFoto . Carlos Villamayor

Si bien podría decirse que los chistes se orientan más a quienes transitan el ambiente de la danza y del ballet, no por ello dejan de sonreir aquellos que nada saben de lo que significa ensayar y presentar un espectáculo coreográfico. Aay Rosita fue la parodia que abrió el show, una suerte de El Espectro de la Rosa que termina con la poda de la planta llena de espinas. No faltó el humor ácido, en el cuadro Isidora que despliega una danza libre, con túnica y echarpe incluido, y su culminación, como la vida de Isadora Duncan, decapitada, con la cabeza rodando por la escena. Además se mostraron pas de deux, muy similares a la realidad, con algunos aditamentos humorísticos como Aguas Primavera-les, Pas D’Esclave (El Corsario), Esmeralda, Tres Melenas (tangos) y La Tonia y la Malena (españolada).

octubre 2012 // balletin dance / 39 214c.pdf · la persona que sale a escena debe estar abierta a...

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