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LOS
PINTORES
Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni ( Caprese , 6 de marzo de 1475 – Roma, 18 de febrero de 1564), conocido en español como Miguel Ángel, fue un escultor, arquitecto y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica. Perteneció al Renacimiento (fenómeno cultural de la Edad Moderna que retorna a los principios de la cultura clásica, actualizándola a través del Humanismo, sin renunciar a la tradición cristiana, pero sustituyendo la omnipresencia de lo religioso por una afirmación de los valores del hombre).Algunas de sus obras pictóricas son: “La creación de Adán”, “el juicio final”, “Santo entierro” y “Tondo Doni”.
“La creación de Adán” (1510, Capilla Sixtina; fresco) es un deslumbrante canto al desnudo. Crea un espacio inexistente y otorga carácter volumétrico a las figuras gracias al recio dibujo y breve empleo del color, explanando escenas del Génesis en la parte central, flaqueadas por jóvenes desnudos profetas, sibilas y diversos personajes bíblicos, todos ellos con recias y hercúleas musculaturas, contrapuntas y dinámicas actitudes.
En “el juicio final” (1537-41, Capilla Sixtina, 1370x1220 cm; fresco) las figuras se enroscan sobre sí mismas y los músculos se hinchan, creando un sorprendente torbellino de figuras desnudas que provocarían una gran controversia. Aparece un desbordamiento dramático y una violencia pesimista que puede considerarse manierista.
El “Santo Entierro” es un cuadro inacabado atribuido al pintor renacentista italiano Miguel Ángel. La datación es alrededor de 1500-1501. Una una técnica mixta ( témpera y óleo). Mide 162 cm. de alto y 150 cm. de ancho. Se conserva en la National Gallery de Londres, Reino Unido.
Francisco de Goya y Lucientes (Fuendetodos, Zaragoza, 30 de marzo de 1746 – Budeos, Francia, 15 de abril de 1828) fue un pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. En todas estas facetas desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo (movimiento cultural y político originado en Alemania y en el Reino Unido a finales del siglo XVIII como una reacción revolucionaria contra el racionalismo de la Ilustración y el Clasicismo, confiriendo prioridad a los sentimientos). El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la Pintura contemporánea, y se considera precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX.
Algunas de sus obras más importantes son: “La familia de Carlos IV”, “Fusilamientos en la montaña del Príncipe Pío”, “La lucha con los mamelucos en la Puerta del Sol”, “El quitasol”, “La vendimia”, “El pelele”, “la gallina ciega” y “ La Maja desnuda y la Maja vestida”.
En “ La familia de Carlos IV” (1800, Museo del Prado,280x336 cm, óleo sobre lienzo) aparecen retratados, de izquierda a derecha, los siguientes personajes: Carlos María Isidro, hijo de Carlos IV y María Luisa de Parma; el futuro Fernando VII, hijo primogénito de la real pareja. Lo que más interesa al pintor es captar la personalidad de los retratados, fundamentalmente de la reina, verdadera protagonista de la composición, y la del rey, con su carácter abúlico y ausente.
La brutalidad de la guerra nunca había sido denunciada con tanto dramatismo y dolor como en “Los fusilamientos en la montaña del Príncipe Pío” (1814, Museo del Prado 268x347 cm, óleo sobre lienzo). Goya reduce la gama cromática al ocre de la tierra y de algunos trajes, el negro de la noche, el blanco de las camisas de los fusilados y el rojo de la sangre.
“La carga de los mamelucos en la Puerta del Sol” fue pintado en 1814 en óleo sobre tela. Se encuentra en el Museo del Prado, en Madrid y mide 265 cm. de alto x 347cm. de ancho.
Tiziano Vecellio o Vecelli, conocido tradicionalmente en español como Tiziano o Ticiano (Pieve di Cadore, Belluno, 1477 - Venecia, 27 de agosto de 1576), fue un pintor italiano del Renacimiento (fenómeno cultural de la Edad Moderna que retorna a los principios de la cultura clásica, actualizándola a través del Humanismo, sin renunciar a la tradición cristiana, pero sustituyendo la omnipresencia de lo religioso por una afirmación de los valores del hombre), uno de los mayores exponentes de la Escuela veneciana. Sus obras más importantes son: “Dánae recibiendo la lluvia de oro” (1553), “Triunfo de Baco”, “La bacanal” (1518-19), “La piedad” (1576), “ Venus de Urbino”(1538) y “ Amor sacro y amor profano” (1515).
La obra “Dánae recibiendo la lluvia dorada” fue pintada en 1553 y se encuentra en el Museo del Prado. Mide 129 cm. de alto x 180 cm. de ancho. El material utilizado fue el óleo sobre lienzo. Recoge el momento en que Zeus (convertido en lluvia dorada) llega a Dánae mientras distrae a su sirvienta con unas monedas de oro.
En la obra “Venus de Urbino” (1538, Galería de los Uffizi, 119x165 cm, óleo sobre lienzo) la joven dirige su mirada al espectador con cierta provocación. En su mano derecha porta unas flores mientras que con la izquierda cubre su pubis. Sus rubios cabellos caen sobre sus hombros, creando una figura de evidente clave erótica. Se trataría de una representación real de alguna mujer concreta, de carne y hueso, olvidando imágenes que muestran el ideal de belleza. Al fondo apreciamos la estancia contigua con una ventana que permite ver el cielo y un árbol. Dos jóvenes se afanan en buscar ropas en un arcón, siendo esta escena un precioso complemento a la figura desnuda.
“La bacanal” fue pintada en 1525 y se encuentra en el Museo del Prado. El material utilizado fue el óleo sobre lienzo; mide 175 cm. de alto x 193 cm. de ancho.
Jean-François Millet (4 de octubre de 1814-20 de enero de 1875) fue un pintor realista y uno de los fundadores de la Escuela de Barbizon en la Francia rural. Se destaca por sus escenas de campesinos y granjeros.
Perteneció al Realismo (movimiento que intenta plasmar objetivamente la realidad. En el caso concreto de las artes plásticas, el realismo consigue la máxima expresión en Francia, casi exactamente, en la mitad del siglo XIX). Algunas de las obras más importantes de Millet son: “Las espigadoras”, “El Ángelus”, “Los leñadores”, “Los canteros”, “La colada” y “El sembrador”.
“El Ángelus” (1859-60, Museo de Orsay, 55,5x66 cm, óleo sobre lienzo) es la obra maestra de Millet y pone de manifiesto su adhesión al Realismo. Millet muestra a dos campesinos orando y dando gracias a Dios por la cosecha obtenida con el sudor y el esfuerzo de muchos días. El hombre y la mujer agachan piadosamente las cabezas, agarrando él su sombrero y llevando ella sus manos al pecho. A sus pies contemplamos la cesta con los frutos y el apero de labor.
En “Las espigadoras” (1857, Museo de Orsay, 83x110 cm, óleo sobre lienzo), Millet presenta a tres mujeres en plena faena, agachadas para recoger las espigas; son mujeres de carne y hueso, ataviadas con los ropajes de la región de Normandía donde el pintor vivía. Al fondo contemplamos los almieres y la carga de la carreta, en un ambiente de atardecer que envuelve toda la escena.
“El sembrador” fue pintado en 1850. se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Boston. El material utilizado fue el óleo sobre tela.
Jean-Louis André Théodore Géricault, conocido como Théodore Géricault (Ruán, Francia, 26 de septiembre de 1791-París, 26 de enero de1824), fue un pintor francés. Pintor del Romanticismo (fenómeno cultural de la Edad Moderna que retorna a los principios de la cultura clásica, actualizándola a través del Humanismo, sin renunciar a la tradición cristiana, pero sustituyendo la omnipresencia de lo religioso por una afirmación de los valores del hombre),tuvo una vida corta y atormentada que dio lugar a varios mitos sobre él. Algunas de sus obras son: “La balsa de la Medusa”, “El oficial de Húsares”, “El tren de artillería”, “Carrera de caballos libre”, “Paisaje con acueducto”, “El cleptómano” y “Oficial de cazadores a la carga”
En “La balsa de la Medusa” (1819, Museo nacional del Louvre, 491x716 cm, óleo sobre lienzo).Géricault abandona la calma clásica y se entrega al contacto directo con la rabiosa actualidad de un suceso que emocionó a la opinión pública. Es sencillamente un cuadro-manifiesto, en el que subraya vigorosamente el movimiento como cualidad pictórica. En julio de 1814 naufragó la fragata Medusa, dejando 149 pasajeros en una balsa en el mar embravecido. Sólo 15 supervivientes fueron rescatados días después.
La obra “Oficial de cazadores a la carga” fue pintada en 1812 y se encuentra en el Museo del Llouvre. Mide 349 cm. de alto x 266 cm. de ancho. Ela material utilizado fue el óleo sobre lienzo. Representa a un oficial de la caballería de Napoleón sobre un caballo, preparado para atacar. El ruido de los cañones encabrita al fogoso caballo. De esta manera el oficial, que ya ha desenvainado su cimitarra, queda por encima del polvo de la batalla.
El cuadro “Carrera de caballos en Epsom” fue pintado en 1816 y se encuentra en el Museo Nacional del Louvre. Mide 92 cm. de alto x 122,5 cm. de ancho. El material utilizado fue el óleo sobre lienzo.
Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix (Charenton-Saint- Maurice, Francia, 26 de abril de 1798 - París, 13 de agosto de 1863) fue un pintor francés. Se formó en el taller del neoclasicista Guérin, siendo allí compañero de Géricault. Desde muy joven sus preferencias apunaban a Rubens y los venecianos; Perteneció al Romanticismo. Algunas de sus obras son: “La barca de Dante”, “La libertad guiando al pueblo”, “La muerte de Sardanápalo” y “Lucha entre Jacob y el ángel”.
La obra “La libertad guiando al pueblo” fue pintada en 1830 y se encuentra en el Museo del Llouvre. Mide 259 cm. de alto x 352 cm. de ancho. EL material utilizado fue el óleo sobre lienzo. En la obra la mujer que representa a la Libertad aparece con el torso desnudo, porta en su mano derecha la bandera tricolor y en la izquierda un rifle. Le acompañan miembros de las diferentes clases sociales (un obrero con una espada, un burgués con sombrero de copa portando una escopeta, un adolescente con dos pistolas, etc.) para manifestar que en el proceso revolucionario ha existido amplia participación.
La obra “La barca de Dante” fue pintada en 1822 y se encuentra en el Museo del Llouvre. Mide 189 cm. de alto x 241 cm. de ancho. El material utilizado fue el óleo sobre lienzo. En la imagen encontramos a Dante a la izquierda de la imagen, a Virgilio en el centro y al barquero Caronte luchando por salir adelante con la embarcación; al fondo aparece la ciudad infernal de Dis en llamas mientras que los condenados intentan asirse con todas sus fuerzas a la barca. Precisamente, las figuras escorzadas de los condenados están iluminadas por un potente foco de luz que deja en penumbra a los literatos.
El cuadro “La muerte de Sardanápalo” fue pintado en 1827 y se encuentra en el Museo Nacional del Louvre. Mide 395 cm. de alto x 495 cm. de ancho. El material utilizado fue el óleo sobre lienzo.
Claude-Oscar Monet (París, Francia, 14 de noviembre de 1840 - Giverny, 5 de diciembre de 1926) fue un pintor impresionista francés. Fue el más poético de los pintores del Impresionismo ( movimiento artístico que se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa (principalmente en Francia) caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la «impresión» visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Algunas de sus obras más importantes son: “Impresión. Sol naciente”, “Nenúfares”, “Nymphéas, effet du soir”,”Le jardin des princesses” “Camille Monet en su lecho de muerte” y “La Charrete”.
La obra “Impresión, sol naciente” fue pintada en 1872 y se encuentra en el Museo Marmottan-Monet (París). Mide 48 cm. de alto x 63 de ancho. El material utilizado fue el óleo sobre lienzo. Es una imagen tomada directamente del natural por Monet en Le Havre, representando las neblinas del puerto al amanecer mientras que el sol "lucha" por despuntar, creando magníficos reflejos anaranjados en el mar y en el cielo. La sensación atmosférica domina una escena en donde las formas desaparecen casi por completo. Los colores han sido aplicados con pinceladas rápidas y empastadas, apreciándose la dirección del pincel a simple vista, resultando una imagen de enorme atractivo tanto por su significado como por su estética.
La obra “Nenúfares” fue realizada entre 1916-1923 y se encuentra en Orangerie de las Tullerías. Mide 219 cm. de alto x 602 de ancho. El material utilizado fuel el óleo sobre tela. En la imagen la disposición de los nenúfares en el agua y los reflejos de los sauces son los únicos motivos interesantes para Monet, en un proceso de desaparición de la forma que es eliminada casi por completo. Las pinceladas son cada vez más sueltas, trabajando con manchas de tonalidades oscuras que se animan con los colores de las ninfeas. Este proceso de desaparición formal tendrá su reacción en las imágenes de Cézanne primero y más tarde con el cubismo.
La obra “Camille Monet en su lecho de muerte” fue pintado en 1879 y se encuentra en el Museo de Orsay. Mide 90 cm. de alto x 68 cm. de ancho. El material utilizado fue el óleo sobre lienzo.
Édouard Manet ( 23 de enero de 1832-30 de abril de 1883) fue un célebre pintor francés, que se destacó al ser uno de los iniciadores del Impresionismo (movimiento artístico que se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa (principalmente en Francia).. En 1859 será cuando Manet presente su primera obra al Salón de París, sala de exposiciones controlada por un jurado conservador cuyos miembros nombraba el gobierno Algunas de sus obras más famosas son: “Desayuno en la hierba”, “Olimpia”, “La ejecución del emperador Maximiliano”, “El bar del Folies Bergère” y “Amazona de frente”.
La obra “Desayuno en la hierba” fue pintada en 1863 y se encuentra en el Museo de Orsay. Mide 214 cm. de alto x 269,9 de ancho. El material utilizado fue el óleo sobre lienzo. En la imagen los tres personajes se sitúan entre los árboles, apreciándose el Sena al fondo y a otra joven que sale del baño; la mujer desnuda ha colocado sus vestidos a su izquierda, junto a una cesta de fruta. Por supuesto resulta chocante el contraste entre la desnudez de la joven y los dos hombres que la acompañan, siendo ésta la gran novedad de la imagen.
La obra “Olimpia” fue pintada en 1863 y se encuentra en el Museo de Orsay. Mide 130, 2 cm. de alto x 189,9 de ancho; el material utilizado fue el óleo sobre lienzo. El pintor presenta la figura de una prostituta de alto postín, desnuda, tumbada sobre un diván, acompañada de su dama y de un gato negro. La modelo que posó para el cuadro fue Victorine Meurent, favorita de Manet y amante del fotógrafo Nadar. La principal fuente de inspiración es la Venus de Urbino de Tiziano, copiada durante la estancia en Florencia de 1853 ó 1856.
La obra “La ejecución del emperador Maximiliano” fue pintada en 1867 y se encuentra en el Museo Städtische Kunsthalle (Mannheim). Mide 252 cm. de alto x 305 cm. de ancho. El material utilizado fue el óleo sobre lienzo.
Vincent Willem van Gogh ( Zundert, Países Bajos, 30 de marzo de 1853 – Auvers-sur-Oise, Francia, 29 de julio de 1890) fue uno de los principales pintores del Postimpresionismo (término histórico-artístico que se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios del siglo XX posteriores al Impresionismo). Algunas de sus obras más importantes son: “La noche estrellada”, “La piedad”, “La viña roja”, “Campo de trigo con cuervos” y “Lirios”.
La obra “La noche estrellada” fue pintada en 1889 y se encuentra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Mide 73,3 cm. de alto x 92,1 de ancho; el materiall utilizado fue el óleo sobre lienzo. En la imagen hay que destacar el tratamiento de la luz de las estrellas como puntas de luz envueltas en un halo luminoso a su alrededor, obtenido con una de las pinceladas más personales de la historia de la pintura: un trazo a base de espirales que dominan el cielo y los cipreses de primer plano, tomando como inspiración a Seurat y la estampa japonesa. Al fondo se aprecia la silueta de un pueblo con la larga aguja de la torre de la iglesia presidiendo el conjunto.
La obra “Campo de trigo con cuervos” fue pintada en 1890 y se encuentra en el Museo Nacional Van Gogh. Mide 50,5 cm. de alto x 103 de ancho; el material utilizado fue el óleo sobre lienzo. En primer plano contemplamos el punto de unión de los tres caminos que parten hacia diferentes direcciones; entre ellos, limitados con una línea verde que corresponde con las hierbas y la maleza, hallamos los campos de trigo en todo su esplendor, iluminados por la luz nocturna que tanto atrajo a Vincent durante toda su vida. Casi la mitad superior de la tela está ocupada por un cielo oscuro, excepto dos manchas arremolinadas que se aclaran ligeramente. Los cuervos revoletean por el trigal, obtenidos con trazos negros que acentúan su esquematismo. La factura rápida y empastada ocupa toda la superficie del lienzo, poniendo de manifiesto todo su más extremo sentimiento. El propio Vincent admitió que quería expresar tristeza
La obra “Piedad” fue pintada en 1889 y se encuentra en el Museo Nacional Van Gogh. Mide 73 cm. de alto x 60,5 cm. de ancho. El material utilizado fue el óleo sobre lienzo.
Paul Cézanne (19 de enero de 1839 – 22 de octubre de 1906), pintor francés postimpresionista, considerado el padre del arte moderno, cuya obra estableció las bases de la transición entre la concepción artística decimonónica hacia el mundo artístico del siglo XX, nuevo y radicalmente diferente. Sin embargo, mientras vivió, Cézanne fue un pintor ignorado que trabajó en medio de un gran aislamiento. Algunas de sus obras son las siguientes: “Los jugadores de cartas”, “La montaña de Santa Victoria”, “Una moderna Olimpia”, “Bodegón con cortina”, “El asesinato” y “La casa del ahorcado”.
La obra “Los jugadores de cartas” (1890-95) se encuentra en el Museo Orsay y mide 47,5 cm. de alto x 57 de ancho; el materila utilizado fue el óleo sobre lienzo. En la imagen las dos figuras se sientan a ambos lados de una pequeña mesa sobre la que apoyan los codos. Una alta botella nos da paso hacia la cristalera del fondo, por la que se intuye un abocetado paisaje. Los dos hombres están concentrados en el juego, interesándose el maestro en captar sus expresiones, y se presentan tocados con sendos sombreros típicos de las clases sociales humildes de la Provenza. La iluminación artificial se manifiesta en las sombras, especialmente en el reflejo blanco de la botella.
La obra “La montaña de Santa Victoria” (1896-98) se encuentra en l Museo de Hermitage y mide 78 cm. de alto x 99 de ancho; el material utilizado fuel el óleo sobre lienzo. En al imagen se contempla en primer plano el camino que se dirige a Tholonet como una mancha de color siena entre los árboles, mostrando en la zona intermedia una construcción como única referencia a la civilización. Un entramado de líneas organiza la composición, líneas que son cubiertas por una amplia variedad de tonalidades aplicadas de manera rápida y contundente, distribuyendo las pinceladas en trazos amplios que paulatinamente se acercan a las facetas que tanto utilizarán los cubistas. El colorido es tremendamente intenso, utilizando malvas, azules, verdes, amarillos y naranjas, convirtiéndose el color en el auténtico protagonista de la composición.
La obra “Moderna Olimpia” fue pintada en 1873 y se encuentra en el Museo de Orsay. Mide 46 cm. de alto x 55,5 cm. de ancho. El material utilizado fue el óleo sobre lienzo.
Pablo Ruiz Picasso (Málaga, 25 de octubre de 1881 - Mougins, Francia, 8 de abril de 1973), conocido como Pablo Picasso, fue un pintor y escultor español, creador, junto con George Braque y Juan Gris, del Cubismo (movimiento artístico desarrollado en Francia desde 1907 caracterizado por la descomposición del espacio y los objetos en planos geométricos). Algunas de sus obras más importantes son: “Guernica”, “Les demoiselles d’Avignon”, “Mujer sentada a orillas del mar”, “La vida”, “La tragedia” y “Retrato de Ambroise Vollard”.
La obra “Guernica” (1937) se encuentra en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y mide 777 cm. de alto x 349 de ancho; el material utilizado fue el óleo sobre lienzo. Es una obra realizada durante la guerra civil y que se convierte en un claro manifiesto de la brutalidad y dolor que provoca la guerra.
La obra “Le demoiselles d’Avignon” (1907) se encuentra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York y mide 243,9 cm. de alto x 233,7 de ancho; el material utilizado fue el óleo sobre lienzo. La obra al parecer fue concebida como una sátira erótico-alegórica-literaria de las obras en boga relacionadas con la Arcadia. Se trataba de cinco mujeres y dos hombres en la habitación de un prostíbulo, en torno a una mesa con frutas, flores, cortinas, etc.
El “Retrato de Ambroise Vollard” fue pintado en 1910 y se encuentra en el Museo Pushkin (Moscú). El material utilizado fue el óleo sobre lienzo.
Michelangelo Merisi da Caravaggio (Milán, 29 de septiembre de 1571-Porto Ércole, 18 de julio de 1610), fue un pintor italiano activo en Roma, Nápoles, Malta y Sicilia, entre los años 1593 y 1610. Es considerado como el primer gran exponente de la pintura barroca. Algunas de sus obras son: “La muerte de la virgen”, “El entierro de Cristo”, “La crucifixión de San Pedro” y “La conversión de San Pablo”.
La obra “La muerte de la virgen” (1605-06) se encuentra en el Museo del Llouvre y mide 369 cm. de alto x 245 de ancho; el material utilizado fue el óleo sobre lienzo. Caravaggio pintó una mujer desmadejada, casi flotando sobre el lecho de muerte, con el cabello desordenado, el vientre hinchado (de ahí la hipótesis de la ahogada), las piernas descubiertas sin pudor y la piel verdosa, sin el aura celestial que se atribuía a las figuras sagradas. A su alrededor, los discípulos se agrupan en corrillos informales llorando y comentando la muerte de la Madre de Cristo.
La obra “El entierro de Cristo” (1602-04) se encuentra en los Museos Vaticanos y mide 300 cm. de alto x 203 de ancho; el material utilizado fue el óleo sobre lienzo. En la imagen se observa a San Juan y Nicodemo sosteniendo con esfuerzo el cuerpo de Cristo muerto, mientras detrás se encuentran la Virgen María, María Magdalena y María de Cleofás.
La obra “La conversión de San Pablo” fue pintada en 1600 y mide 230 cm. de alto x 175 cm. de ancho. El material utilizado fue el óleo sobre lienzo.
Peter Paul Rubens ( Sieguen, actual Alemania, 28 de junio de 1577 - Amberes, actual Bélgica, 30 de mayo de 1640), fue un diplomático, y el pintor barroco más popular de la escuela flamenca. Su destacado estilo enfatizaba el movimiento, el color y la sensualidad. Algunas de sus obras son: “Las Tres Gracias”, “El juicio de Paris”, “Descendimiento de la Cruz” y “La coronación de espinas”.
La obra “Las Tres Gracias” (1625-30) se encuentra en el Museo del Prado y mide 221 cm. de alto x 181 de ancho; el material utilizado fue el óleo sobre lienzo. Las jóvenes que aparecen en la imagen se llamaban Eufrosine, Talía y Anglae y eran hijas de Zeus y Eurymone. Siempre aparecen desnudas ya que la belleza no necesita cubrirse. Son las representaciones de la afabilidad, la simpatía y la delicadeza.
El cuadro “El juicio de Paris” (1639) se encuentra en el Museo del Prado y mide 199 cm. de alto x 379 de ancho; el material utilizado fue el óleo sobre lienzo. En la imagen aparecen, de izquierda a derecha, las tres diosas con sus respectivos atributos: Atenea con sus armas, Venus acompañada de Cupido y Juno con su pavo real. Sobre ellas se sitúa un amorcillo que corona a Venus, anticipando la elección del joven
La obra “Descendimiento de la Cruz” fue pintada entre 1611-14 y se encuentra en la Catedral de Amberes. Mide 420 cm. de alto x 310 cm. de ancho. El material utilizado fue el óleo sobre tabla.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn (Leiden, 15 de julio de 1606 – † Amsterdam, 4 de octubre de 1669) fue un pintor y grabador holandés. La historia del arte le considera uno de los mayores maestros barrocosde la pintura y el grabado, siendo con seguridad el artista más importante de la historia de Holanda. Algunas de sus obras son: “La lección de anatomía”, “La ronda de noche” y “Los síndicos de los pañeros”.
La obra “Lección de anatomía” (1632) se encuentra en el Museo Mauritshuis y mide 169,5 cm. de alto x 216 de ancho; el material utilizado fue el óleo sobre lienzo. En la imagen vemos al doctor Tulp con su sombrero, reflejo de su cargo, con unas pinzas en la mano derecha, mostrando a sus alumnos la disección de un brazo, los tendones y los músculos. El cuerpo del muerto en el que se realizan las prácticas es el de un conocido criminal ajusticiado; detrás de él se sitúan siete alumnos del doctor que escuchan atentamente la lección.
La obra “La ronda de noche” (1642) se encuentra en el Rijksmuseum (Amsterdam) y mide 359 cm. de alto x 438 de alto; el material utilizado fue el óleo sobre lienzo. En la imagen aparece la milicia del capitán Frans Banning Cocq en el momento en el que éste da una orden a su alférez, indicado por el gesto de la mano y la boca abierta.
La obra “Los síndicos de los pañeros” fue pintada en 1662 y se encuentra en el Museo Rijksmuseum. Mide 191,5 cm. de alto x 279 cm. de ancho. El material utilizado fue el óleo sobre lienzo.
Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (Sevilla, 6 de junio de 1599 – Madrid, 6 de agosto de 1660) conocido como Diego Velázquez, fue un pintor barroco, considerado uno de los máximos exponentes de la pintura española y figura indiscutible de la pintura universal. Sus obras más importantes son: “Las Meninas”, “Las Hilanderas”, “La Venus del Espejo”, “La Rendición de Breda” y “El Triunfo de Baco”.
La obra “Las Meninas” (1656) se encuentra en el Museo del Prado y mide 318 cm. de alto x 276 de ancho; el material utilizado fue el óleo sobre lienzo. En la imagen Velázquez nos presenta a once personas. La escena está presidida por la infanta Margarita y a su lado se sitúan las meninas María Agustina Sarmiento e Isabel de Velasco. En la izquierda se encuentra Velázquez con sus pinceles, ante un enorme lienzo cuyo bastidor podemos observar. En la derecha se hallan los enanos Mari Bárbola y Nicolasillo Pertusato, este último jugando con un perro de compañía. Tras la infanta observamos a dos personajes más de su pequeña corte: doña Marcela Ulloa y el desconocido guardadamas. Reflejadas en el espejo están las regias efigies de Felipe IV y su segunda esposa, Mariana de Austria
El cuadro “Las Hilanderas” (1657) se encuentra en el Museo del Prado y mide 220 cm. de alto por 289 de ancho; el material utilizado fue el óleo sobre lienzo. En primer plano vemos cinco mujeres que preparan las lanas para la fabricación de tapices. Al fondo, detrás de ellas, aparecen otras cinco mujeres ricamente vestidas, sobre un fondo de tapices. Esta última escena sería la que da título al cuadro ya que recoge la fábula en la que la joven Aracné, al presumir de tejer como las diosas, es retada por Atenea a la confección de un tapiz
La obra “La Venus del Espejo” fue pintada en 1648 y se encuentra en National Gallery de Londres. Mide 122 cm. de alto x 177 cm. de ancho. El material utilizado fue el óleo sobre lienzo.
Giotto di Bondone, mejor conocido solo por su nombre de pila (Colle di Vespignano, 1266 - Florencia, 8 de enero de 1337) fue un notable pintor, escultor y arquitecto italiano del Trecento. Se lo considera el primer artista de los muchos que contribuyeron a la creación del Renacimiento italiano y uno de los primeros en sacudirse las limitaciones del arte y los conceptos medievales. Algunas de sus obra son: “La resurrección de Lázaro”, “Huida a Egipto”, “El llanto sobre el cuerpo de Cristo” y “Noli me tangere”.
El cuadro “La resurrección de Lázaro” (1304-06) se encuentra en la Capilla de los Scovegni (Italia) y mide 200 cm. de alto x 185 de ancho; es un fresco. En la imagen aparece Cristo bendiciendo a Lázaro, mientras arrodilladas a sus pies se ven a las hermanas de Lázaro, Marta y María. A la derecha del cuadro se observa la imagen momificada de Lázaro sostenida por otros familiares, en la esquina derecha del primer término, con líneas paralelas a la montaña rocosa del fondo, que dibujan una composición en diagonales, está la piedra de la tapa del sepulcro, que es sostenida por otros dos personajes, el fondo está pintado con el mismo azul de la bóveda de la capilla.
La obra “Huida a Egipto” (1305-06) se encuentra en la Capilla de los Scrovegni y mide 200 cm. de alto x 185 de ancho; es un fresco. La imagen representa a José, María y Jesús Niño huyendo a Egipto para evitar la persecución de Herodes, que había ordenado la matanza de los inocentes. Habían sido advertidos en sueños por un ángel, que les marca el camino.
La obra “El llanto sobre el cuerpo de Cristo” fue pintada entre 1302-05 y se encuentra en la Capilla de los Scrovegni. Mide 200 cm. de alto x 185 cm. de ancho. El material utilizado fue el fresco.
Jeroen Anthoniszoon van Aken (Bolduque h. 1450 - † agosto de 1516) fue un pintor flamenco. En español es conocido como el Bosco o Jerónimo Bosch. Protagonista de sus cuadros es la humanidad, que incurre en el pecado y es condenada al Infierno. En los últimos años de su actividad, el estilo del Bosco cambió y creó cuadros con un número inferior de figuras y de mayor tamaño que parecen sobresalir del cuadro y acercarse al observador. Algunas de sus obras son: “El jardín de las delicias”, “El carro del heno”, “Cristo con la cruz a cuestas” y “La tentación de san Antonio”.
La obra “El jardín de las delicias” (1503-04) se encuentra en el Museo del Prado y mide 206 cm. de alto x 386 de ancho; el material utilizado fue el óleo sobre lienzo. El tríptico cerrado y abierto es una alegoría completa del origen y fin del mundo: cerrado muestra una de las primeras escenas del Génesis, la creación del mundo vegetal, origen de la vida; por el contrario, abierto enseña la Creación completa en la puerta izquierda, el Infierno en la derecha, y en el centro las más variadas formas de la sensualidad, que presumiblemente conforman la vida terrenal.
El “El carro del heno” (1500-02) se encuentra en el Museo del Prado y mide 135 cm. de alto x 100 de ancho; el material utilizado fue el óleo sobre tabla. Si consideramos la imagen que ofrece el tríptico cerrado, tenemos la visión del Camino de la Vida, el auténtico ideal de los cofrades. Abierto, se encuentra aquello que más repudiaban, que se puede registrar en el proverbio flamenco que reza: "El mundo es un carro de heno, del cual cada uno toma lo que puede", un heno carente de valor y por el cual diversos personajes pelean y se dan muerte.
La obra “Cristo con la cruz a cuestas” fue pintada en el 1500 y se encuentra en el Museo de la Historia del Arte de Viena. Mide 57 cm. de alto x 32 cm. de ancho. El material utilizado fue el óleo sobre tabla.
Jean-Antoine Watteau ( Valenciennes; 10 de octubre de 1648 - Nogent-sur- Marne; 18 de julio de 1721), pintor francés. Es uno de los grandes genios del último barroco francés y del primer rococó. Se le atribuye la creación del género de las fêtes galantes: escenas de cortejo amoroso y diversiones, con un encanto idílico y bucólico, bañadas en un aire de teatralidad. Algunos de sus temas más conocidos se inspiraron en el mundo de la comedia italiana o el ballet. Sus obras más importantes son: “Embarque para la isla de Citerea”, “Guilles”, “La canción de amor”, “El indiferente”, “Los placeres del baile” y “La muestra de Gersaint”.
La obra “Embarque para la isla de Citerea” (1717) se encuentra en el museo del Llouvre y mide 129 cm. de alto x 194 de ancho; el material utilizado fue el óleo sobre tela. La imagen representa una idea propia de la poesía francesa: un viaje a una isla de bienaventurados en la que reside el amor. La isla representaba así el símbolo de los placeres amorosos. Ahora bien, no se sabe si son parejas que emprenden el viaje hacia la isla o regresan de ella.
La obra “Gilles” (1721) se encuentra en el Museo del Llouvre y mide 184 cm. de alto x 149 de ancho; el material utilizado fue el óleo sobre lienzo. En la imagen aparece representado un joven de pie, con los brazos caídos, tímido y melancólico. Viste de blanco, con unos pantalones que le quedan cortos. En los pies lleva zapatillas con dos lazos rojos. No parece un animado personaje de la comedia del arte, sino más bien ensimismado y soñador. Más que un ser humano, parece una marioneta.
La obra “La canción de amor” fue pintada en 1717 y se encuentra en la Galería Nacional de Londres. Mide 51,3 cm. de alto x 59,4 cm. de ancho. El material utilizado fue el óleo sobre lienzo.
Jean-Honoré Fragonard ( 5 de abril de 1732 – 22 de agosto de 1806). Pintor nacido en el sur de Francia y que tras viajar a Roma, donde consigue gran éxito y el codiciado Premio, ingresó en la Academia parisina (1765). Su pintura significa el triunfo del sentimiento decorativo. Se ha señalado un cierto sabor romántico en sus escenas de amor. Sus obras más importantes son: “El columpio”, “Las bañistas”, “La lectora” y “El cerrojo”.
El cuadro “El columpio” (1767) se conserva en la Colección Wallace de Londres y mide 81 cm. de alto x 61 de ancho; el material utilizado fue el óleo sobre lienzo. Una joven se balancea en el columpio que empuja un hombre mayor (seguramente su marido) mientras que abajo, a la izquierda, aparece un joven que mira debajo de su falda. El marido queda relegado a la sombra, mientras que el joven (amante de la mujer) luce en primer plano, entre vegetación y flores.
La obra “Las bañistas” (1790) se encuentra en el Museo Nacional del Llouvre y mide 64 cm. de alto x 80 de ancho; el material utilizado fue el óleo sobre lienzo. Las jóvenes parecen embriagadas en el suspenso sin saber donde ubicarse.
La obra “La lectora” fue pintada en 1776 y se encuentra en la Natinal Gallery of Art, Washington. Mide 82 cm. de alto x 65 cm. de ancho. El material utilizado es el óleo sobre lienzo.
Henri Émile Benoît Matisse (31 de diciembre de 1869 - 3 de noviembre de 1954) fue un pintor francés conocido por su uso del color y por su uso original y fluido del dibujo. Como dibujante, grabador, escultor, pero principalmente como pintor, Matisse es reconocido ampliamente como uno de los grandes artistas del siglo XX. Al inicio de su carrera se le identificó con el fauvismo y para los años 20s ya se había destacado por su maestría en el lenguaje expresivo del color y del dibujo. Algunas de sus obras son: “La línea verde, Madame Matisse”, “La danza”, “La blusa rumana”, “Gran interior rojo” y “Ventana en Niza”.
La obra “La línea verde, Madame Matisse” (1905) se encuentra en el Statens Museum de Copenhague y mide 42,5 cm. de alto x 32,5 de ancho; el material utilizado fue el óleo sobre lienzo. En la imagen aparece Madame Matisse, esposa del pintor, tocada con un elegante sombrero, girada en tres cuartos y dirigiendo su profunda mirada hacia el espectador. El intenso colorido se convierte en el protagonista, aplicado con largas y empastadas pinceladas que recuerdan al impresionismo.
La obra “La danza” (1909) se encuentra en el Museo del Hermitage y mide 260 cm. de alto x 319 de ancho; el material utilizado fuel el óleo sobre lienzo. La imagen representa a un grupo de cinco personas, de ambos sexos, que bailan en círculo, dándose la mano. Están desnudos, tema artístico que interesó a Matisse durante toda su vida.
La obra “La blusa rumana” fue pintada en 1940 y mide 61 cm. de alto x 46 cm. de ancho. El material utilizado fue el óleo sobre lienzo.
ESCULTORES
Giambologna, (1529-1608)Nació en Douai, Flandes, hoy en territorio francés. Escultor estilo manierista, activo a finales del Renacimiento, fue un escultor francés que trabajó en la Italia de finales del Renacimiento. A pesar de ser relativamente desconocido como artista, fue autor de varias de las esculturas más famosas, en mármol y bronce, sobre temática mitológica. Ocupa asimismo un puesto clave en la historia de la escultura europea, como puente entre el Renacimiento de Miguel Ángel y el Barroco de Bernini.Algunas de sus obras son: “El rapto de las sabinas”, “Astronomía”, “Cristo en la columna”, “Hércules y el centauro”, “La ninfa y el sátiro”, “Psique al estilo italiano”, “Florencia vence a Pisa”, “San Lucas” y “La estatua de Felipe III”.
La obra “El rapto de las sabinas” (1583) se encuentra en el Museo Logia dei Lanzi y el material utilizado fue el mármol. Representa el secuestro de las mujeres de la tribu de los sabinos por los fundadores de Roma.
La escultura “Hércules y Neso” (1599) se encuentra en el Rijksmuseum y el material utilizado fuel el bronce. En la imagen aparece Hércules luchando con el centauro, a quien consigue matar finalmente.
“La estatua de Felipe III” fue realizada en 1616 y se encuentra en la Plaza Mayor de Madrid.
Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni ( Caprese, 6 de marzo de 1475 – Roma, 18 de febrero de 1564), conocido en español como Miguel Ángel, fue un escultor, arquitecto y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica. Algunas de sus obras escultóricas son: “David”, “La piedad del Vaticano”, “Crucifijo del Santo Spiritu”, “Ángel”, “Bacus” y “Madonna de Brujas”.
El “David” es una escultura de mármol blanco de 517 cm. de altura realizada por Miguel Ángel Buonarroti entre 1501 y 1504 por encargo de la Opera del Duomo de la Catedral de Santa María del Fiore de Florencia. Se encuentra en la Galería de la Academia de Florencia. La escultura representa al Rey David biblíco en el momento previo a enfrentarse con Goliat.
“La piedad del Vaticano” (1498-99) se encuentra en la Basílica de San Pedro del Vaticano y mide 174 cm. de alto x 195 de ancho; el material utilizado fue el mármol. La imagen representa a una Virgen joven, bella y piadosa cuyas vestiduras se expanden con numerosos pliegues, sostiene al Hijo muerto y que, intencionadamente, aparenta mayor edad que la Madre, en una composición triangular sosegada y llena de ternura. La juventud de la Virgen es muestra del idealismo renacentista: se trata de representar el ideal de belleza y juventud, una Virgen eternamente joven y bella.
La obra “Ángel” fue realizada en el año 1949 para el arca de Santo Domingo de la Basílica de San Dominico en Bolonia.
Gian Lorenzo Bernini ( Nápoles, 7 de diciembre de 1598- Roma, 28 de noviembre de 160) fue un escultor, arquitecto y pintor italiano, uno de los artistas más destacados del Barroco. Comienza su actividad muy joven, formado por su padre, realizando esculturas mitológicas para el cardenal Borghese. Algunas de sus obras más importantes son: “Apolo y Dafne”, “David”, “El éxtasis de Santa Teresa” “Éxtasis de la beata Ludovica Albertoni”.
La obra “David” (1623-24) se encuentra en la Galería Borghese y el material utilizado fue el mármol. La imagen representa al futuro rey David, uno de los personajes del Antiguo Testamento, en la escena en que derrota al gigante Goliat lanzando una piedra con una honda.
La obra “Apolo y Dafne” (1622-25) se encuentra en la Galería Borghese y mide 243 cm. de altura; el material utilizado fue el mármol. La escultura ilustra el instante en que los tiernos miembros de Dafne se transforman en dura corteza y en ramas de laurel; también representa la tensión emocional entre el estupor de Apolo y el horror de Dafne.
La obra “El éxtasis de Santa Teresa” fue realizada entre 1647-52 y se encuentra en la Iglesia della Victoria de Roma. Mide 350 cm. de altura. El material utilizado fue el mármol.
Auguste Rodin ( París, 12 de noviembre de 1840 - Meudon, 17 de noviembre de 1917) fue un escultor francés contemporáneo a la corriente Impresionista. Enmarcado en el academicismo más absoluto de la escuela escultórica neoclásica, es el escultor encargado no sólo de poner fin a más de dos siglos en busca de la mimesis en las artes tridimensionales, sino de dar además un nuevo rumbo a la ya obsoleta concepción del monumento y la escultura pública. Es por esto que Rodin ha sido denominado en la historia del arte: «el primer moderno». Algunas de sus obra son: “El pensador”, “El beso” y “Los burgueses de Calais”.
La obra “El pensador” (1880) se encuentra en el Museo Rodin y el material utilizado fue el bronce. En su origen, la escultura buscaba representar a Dante frente a Las Puertas del Infierno (como llamó, en efecto, al portal del que formaría parte), ponderando su gran poema. La escultura es un desnudo, ya que Rodin deseaba una figura heroica al estilo de Miguel Ángel para representar tanto el pensar como la poesía.
El “Beso” (1886) se encuentra en el Museo Rodin y el material utilizado fue el mármol. La imagen representa los amores de Paolo y Francesca, personajes del Infierno de Dante, pieza en la que se inspiraba toda la concepción de la puerta, de ahí su título.
La obra “Los burgueses de Calais” fue realizada entre 1884-86 y se encuentra en el Museo Rodin. Mide 231 cm. de altura. El material utilizado fue el bronce.
Praxíteles (Griego antiguo: Πραξιτέλης) de Atenas, hijo de Cefisodoto el Viejo, fue el más renombrado escultor clásico ático del siglo IV a.C .Con la obra de Praxíteles la escultura griega evoluciona desde el clasicismo hacia una especie de anticipado manierismo, al acentuar el sensualismo. Sus obras están caracterizadas por la llamada karis (gracia) ática y la llamada «curva praxiteliana» consistente en un elegante contrapposto. Sus obras más importantes son: “Hermes con Dyonisos niño en brazos”, “Apolo sauróctonos”, “Apolo Liceo”, “Artemisa Braunoria” y “Afrodita de Cnido”.
“Hermes con Dyonisos niño en brazos” (343 a.C) se encuentra en el Museo arqueológico de Olimpia y el material utilizado fue el mármol. Esta escultura es quizás la única original de Praxíteles llegado hasta hoy. Representa a Hermes sosteniendo al pequeño Dyonisos (su medio hermano) en una composición que hace recordar al grupo de Eire y Plutos que realizará Cefisodoto años antes.
“Afrodita de Cnido” (mediados del siglo IV a.C) se encuentra en el Museo Pio-Clementino del Vaticano y fue realizada con mármol. Es una obra en la que Praxíteles supo elegir el momento idóneo de la salida del baño para representar a la diosa Afrodita en su plena desnudez.
La escultura “Apolo Sauróctonos” fue realizada en el 360 a.C. y se encuentra en el Museo del Louvre. El material utilizado fue el bronce.
Donatello (Donato di Niccolò di Betto Bardi) ( Florencia, Italia, 1386 – ibídem, 13 de diciembre de 1466) fue un famoso artista y escultor italiano de principios del Renacimientp. Fue uno de los creadores del estilo renacentista. Donatello destacó en una fuerza innovadora en el campo de la escultura monumental y en el tratamiento de los relieves, donde logró representar una gran profundidad dentro de un mínimo plano, denominándose con el nombre de stiacciato, es decir «relieve plano o aplastado». Algunas de sus obras más importantes son: “David”, “Pequeños profetas”, “San Juan Evangelista”, “San Marcos”, “San Jorge”, “Atis-Amor” y “Judith y Holofernes”.
La obra “David” (1440) se encuentra en el Museo Nazionale del Bargello (Florencia, Italia) y mide 158 cm. Fue realizada en bronce. Donatello muestra un David adolescente, desnudo, con el pie sobre la cabeza de Goliat, que acaba de cortar con la propia espada de su enemigo y que David aún la sujeta en su mano derecha. Con la otra mano sostiene la piedra con la que hirió a Goliat.
La obra “Atis-Amor” (1440-43) se encuentra en el Museo del Bargello y fue realizada con bronce. Representa a un niño que parece iniciar un baile con sus brazos en el aire y con un balanceo de los hombros. La actitud es alegre y vital, con reflexiones de la cultura pagana. El proyecto es delicado y evidencia todos los detalles en dorado en el pelo, alas, cinturón, y zapatos.
La escultura “San Juan Evangelista” fue realizada entre 1409-11 y se encuentra en el Museo dell’Opera del Duomo. Mide 210 x 88 x 54 cm. El material utilizado fue el mármol.
Antonio Canova (Possagno, Italia, 1 de noviembre de 1757 - Venecia, 13 de octubre de 1822) fue un escultor italiano. Se inspiró directamente en los modelos romanos que conoció bajo el influjo y guía de Winckelmann. Abandona progresivamente los restos del barroquismo veneciano que reflejaban sus primeras obras para alcanzar una técnica plenamente neoclásica en sus temas mitológicos. Algunas de sus obras son: “Eros y Psique”, “Venus y Marte”, “Hebe”, Napoleón divinizado”, “Las Tres Gracias” y “Venus Vencedora”.
La obra “Eros y Psique” (1786-93) se encuentra en el Museo Nacional del Llouvre y mide 155 cm. Fue realizada en mármol. La joven, recostada sobre su cadera derecha, vuelve su cabeza hacia su amante, quien se aproxima para besarla, rodeando el cuerpo de la amada con el brazo izquierdo, mientras que con la mano derecha sostiene su cabeza. Psique rodea la cabeza de Eros con sus manos, enmarcando así el beso en un círculo.
En la obra “Hebe” (1805) se encuentra en el Victoria and Albert Museum y fue realizada en mármol. En la imagen aparece representada una joven con una jarra y una copa mostrando así su función de “copera” en el mundo de los dioses.
La escultura “Las Tres Gracias” fue realizada en 1816 y se encuentra en el Victoria and Albert Museum. El material utilizado fue el mármol.
(Albert) Bertel Thorvaldsen ( 19 de noviembre de 1770 - 24 de marzo de 1844), fue un escultor danés que npslegó una numerosísima producción, siempre en busca de una pureza formal que la hace algo fría y académica. Sus asuntos preferidos era los héroes y dioses griegos. Algunas de sus obras son: “Jasón”, “Cristo”, “Copérnico”, “Ganimedes con el águila de Júpiter” y “Hermes”.
la obra “Ganímedes con el águila de Júpiter” (1817) se encuentra en el Museo Thorvaldsen y fue realizada en mármol. En la imagen aparece representado Ganímedes (héroe divino de la Tróade) arrodillado dándole de beber al águila de Jùpiter. Se encuentra en el Museo Thorvaldsen.
La obra “Jasón” (1803) se encuentra en el Museo Thorvaldsen y fue realizada en mármol. En la imagen aparece Jasón (héroe mitológico griego) desnudo con el vellocinio de oro en su mano izquierda (piel del carnero que había salvado la vida a Frixo). Fue la obra con la que Thorvaldsen se hizo famoso.
La escultura “Copérnico” fue realizada entre 1822-33 y se encuentra ante la Academia Polaca de Ciencias.
François Rude, nacido en Dijon el 4 de enero de 1784 y muerto el 3 de noviembre de 1855 en París, fue un escultor francés del Romanticismo.Trabajó con su padre hasta los 55 años.. En 1807 se trasladó a París, frecuentando los talleres de P. Cartellier y de Gaulle. Tras la restauración borbónica partió para Bélgica, donde realizó decoraciones en estilo neoclásico. De regreso a París en 1828, realizó estatuas, bustos, monumentos, esculturas de tema mitológico y relieves. Algunas de sus obras más importantes son: “La Marsellesa”, “Mercurio atándose las sandalias”, La Pérouse”, “Niño pescador napolitano” y “Amor triunfante”.
La obra “Mercurio atándose las sandalias” (1827) se encuentra en el Museo del Llouvre y fue realizada en bronce. En la imagen aparece el dios-mensajero de Júpiter intentando atarse las sandalias con alas. Mientras en su mano izquierda sostiene la vara mágica con la que cierra y abre los ojos de los mortales.
La obra “La Marsellesa” (1833-36) el grupo escultórico, un altorrelieve, fue realizado en la década de los 30 para la decoración del Arco del Triunfo de París. Representa a los patriotas franceses que lucharon en 1792 en plena revolución contra las potencias absolutistas de Prusia y Austria.
El busto de “La Pérouse” fue realizado en el 1828 y se encuentra en el Museo de la Marina (París). El material utilizado fue el mármol.
Policleto ”el Viejo” (480 a.C, Argos- 420 a.C) fue un escultor griego en bronce del siglo V y principios del siglo IV a.C. Junto con los famosos Fidias, Mirón y Cresilas, es el más importante escultor de la Antigüedad clásica. Policleto fue famoso sobre todo por sus estatuas de dioses y atletas realizadas en bronce. Sus obras son las siguientes: “Diadumeno”, “Doríforo”, “Discóforo”, “Hera” y “Hereo”.
La obra “Doríforo” (450-445 a.C) se encuentra en el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles y el material utilizado fue el mármol. Representa a una figura desnuda masculina joven en actitud de marcha, en el máximo desarrollo de su fuerza muscular con una lanza sobre el hombro izquierdo, la cabeza ligeramente ladeada hacia la derecha y con una leve sonrisa en el rostro, acompañada de una mirada perdida y distante.
La obra “Diadumeno” (siglo V a.C) se encuentra en el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles y el material utilizado fue el bronce. Representa a un atleta griego ciñendo en su cabeza la cinta de la victoria. Aún está desnudo después de la competición y eleva los brazos para atarse la diadema, una banda en forma de cinta que identifica al ganador y que en la obra original de alrededor del año 420 a.C. estaría representada por una cinta labrada.
La escultura “Discóforo” fue realizada entre el 450-40 a.C. y se encuentra en el Museo Británico. El material utilizado fue el bronce.
FOTÓGRAFOS
Ansel Easton Adams nació en San Francisco, California en 1902.Ya desde pequeño mostró un gran interés por la fotografía cuando su padre le regaló una cámara Brownie Box en una de las excursiones al Parque Nacional de Yosemite.Más adelante sus fotografías en blanco y negro de dicho parque, así como las de la costa californiana y otros enclaves naturales se convirtieron en su sello de identidad. Creó el "sistema de zonas" un método de medición y revelado que utilizaba para dividir la gradación de luz en una escena en 10 zonas diferentes, del blanco al negro. Sus obras más importantes son: “Trabajadores frente al monte Williamson”, “Montañas Tetons y el río Snake”, “Parque Nacional Glacier”, “Igleasia de Adams” y “Amanecer, Lago McDonald, Parque Nacional Glacier”
“Hojas en primer plano en el Parque Nacional Glacier” (1942)
“Amanecer, Lago McDonald, Parque Nacional Glacier” (1942)
Igleasia de Adams, Taos, Pueblo (1942)
Gyula Halàz nació en 1899 en Brasso, Hungría (Tansilvania) Fotógrafo húngaro.Llega a la fotografía como autodidacta, comienza estudiando bellas artes en Budapest (1918-1919) y Berlín (1920-1922).En 1924 se trasladó a París. Primeramente trabaja como periodista, solicitando fotografías para acompañar sus artículos a fotógrafos como André Kertész. Hasta 1930 no se decide a realizar sus propias fotografías. Fue íntimo amigo de Picasso, del que publicó numerosas fotografías suyas mientras trabajaba. Su obra fue publicada en la revista Minotaure. Fallece en 1984. Algunas de sus obras son: “Môme Bijou”, “Muchachas inglesas en el camerino”, “La brigada de los bomberos”, “La pandilla del Gran Alberto” y “Un alegre grupo en el Quatre Saisons”.
“Môme Bijou”.Bar de la Lune, Montmartre, (1932)
“Un alegre grupo en el Quatre Saisons” (1932)
La pandilla del Gran Alberto.Place d'Italie, 1931
Berenice Abbott nació un 17 de Julio de 1898 en Springfield, Ohio. Fotógrafa estadounidense famosa por su magnífica serie documental sobre la ciudad de Nueva York, así como por su trabajo innovador en el campo de la física. Fallece en 1991.Algunas de sus obras son: “Broadway to the Battery”, “Bread store”, “Brooklyn Bridge Pier 21”, “City Hall Park” y “Custom House”.
“Custom House” (1936)
“Broadway to the Battery”, (1938)
Bread store, 1937
Emmanuel Radnitzky (Man Ray). Nació en 1980 en Filadelfia (Estados Unidos) de familia judía,. Con Duchamp participa en experimentos fotográficos y cinematográficos y en la publicación del número único de New York Dadá. Captó la atención con sus primeras fotos abstractas, a las que bautizó como rayogramas. Man Ray fallece en Francia en 1976 y es enterrado en el cementerio de Montparnasse. Algunas de sus obras son: “Les larmes”, “Le baiser”, “Le violon d’Ingres”, “Max Ernst”, “Noir et blanche” y “Tristan Tzara”.
“Les larmes”, (1936)
“Le baiser”, (1935)
Max Ernst, 1934
Henri Cartier-Bresson nació en Chanteloup (Francia) en el año 1908 en una familia de clase media. Siendo todavía un niño ya se siente atraído por la fotografía. Realizó fotografías en prácticamente todo el mundo y fue el primer fotógrafo en exhibir en el museo del Louvre, en París. Fallece el 4 de agosto del 2004 a los 95 años de edad. Algunas de sus obras son: “Melanie Cartier-Bresson”,”Joe, el trompetista”, “Truman Capote”, “Detrás de la estación de San Lázaro” y “Henry Matisse”.
“Melanie Cartier-Bresson”, (1978)
“Detrás de la estación de San Lázaro”, (1932)
Henri Matisse, 1944
Filippo di Ser Brunellesco Lippi, Filippo Brunelleschi (1377 - 15 de abril de 1446) fue un arquitecto, escultor y orfebre renacentista italiano.
Es conocido, sobre todo, por su trabajo en la cúpula de la catedral de Florencia II Duomo. Sus profundos conocimientos matemáticos y su entusiasmo por esta ciencia le facilitaron el camino en la arquitectura, además de llevarle al descubrimiento de la perspectiva cónica.
Fue el iniciador de la arquitectura de estilo renacentista, caracterizado por ser un momento de ruptura con respecto al estilo precedente. Algunas de sus obras son: “Cúpula de la catedral de Florencia”, “Basílica de San Lorenzo de Florencia”, “Fachada del Hospital de los inocentes”, Basílica Santo Espíritu de Cristo”, “Sacristía Vieja de San Lorenzo” y “Palacio Pitti”.
ARQUITECTOS
“La cúpula de la Catedral de Florencia” (1420-36) estaba elevada sobre un tambor octogonal, como los cimborrios góticos, de dimensiones colosales y una ingeniosa solución técnica, que al hacer en realidad dos cúpulas unidas, una interior semiesférica y otra exterior apuntada, hace que la última contrarreste los empujes de la primera.
“La Basílica de San Lorenzo de Florencia” (1421-28) se trata de un templo con planta de cruz latina de tres naves, planteada bajo un esquema 2-1, es decir con la nave central más alta y ancha. En el interior, la nave central tiene cubierta adintelada decorada con casetones y las laterales bóveda de arista. La separación de las naves se establece mediante columnas de orden compuesto y sobre ellas un entabalmento en el que descarga cada arco de medio punto.
“El Palacio Pitti” (Florencia, Italia) fue construido en el año 1458 y está situado en la ribera sur del Arno, a muy corta distancia del Ponte Vecchio. Fue comprado por la familia Médicis en 1549 como residencia oficial de los Grandes Duques de la Toscana. A principios del siglo XX, el palazzo junto con su contenido fue donado al pueblo italiano por Víctor Manuel III; por lo que se abrieron sus puertas al público y se convirtió en una de las más grandes galerías de arte de Florencia. Hoy en día, sigue siendo un museo público, pero se han ampliado las colecciones iniciales. .
Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni ( Caprese, 6 de marzo de 1475 – Roma, 18 de febrero de 1564), conocido en español como Miguel Ángel, fue un escultor, arquitecto y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica. Algunas de sus obras arquitectónicas son: “La escalera de la Biblioteca Laurenciana de Florencia”, “Palacio Farnese”, “Plaza del Capitolio”, “Fachada de la Basílica de San Lorenzo de Florencia”, “Porta Pia” y “Santa Maria degli Angeli e dei Martiri”.
“La Escalera de la Biblioteca Laurenciana de Florencia” (1524), donde en un espacio reducido Miguel Ángel crea una sensación de grandeza al alternar la línea curva con la recta.
A “La Plaza del Capitolio” (1536-64), (Roma, Italia) se accede a través de una escalera culminada por las estatuas en mármol de Cástor y Pólux. En el centro de la plaza se erige la estatua ecuestre de Marco Aurelio, un original en bronce de época romana instalado aquí en 1538. Al fondo se alza el Palacio Senatorial, coronado por la torre de Martín V. La escalera con dos rampas convergentes es obra de Miguel Ángel y ante ella se sitúan las estatuas de los ríos Nilo y Tíber. En los extremos de la plaza se levantan el Palacio de los Conservadores y el Palacio Nuevo, cuyas fachadas se disponen convergentemente hacia el Palacio Senatorial, actual ayuntamiento de la ciudad.
La construcción de “La Porta Pia” (Roma, Italia) comenzó en 1561 y finalizó en 1566. Se encuentra al final de la Via Pia y fue diseñada por Miguel Ángel para sustituir la Porta Nomentana que estaba situada varios cientos de metros al sur.
Andrea di Pietro della Góndola (Padua,1508-Vicenza, 1580) fue un reconocido arquitecto italiano del Manierismo. Más conocido como Andrea Palladio, trabajó en el norte de Italia: Venecia y sus alrededores.
Se le considera un autor del Manierismo y sus villas campestres y otras obras han influido de manera importante en el Neoclasicismo. Algunas de sus obras son: “Villa Capra, La Rotonda”, “Puente Vecchio”, “Villa Porto”, “Villa Serego”, “Casa Cogollo”, “Villa Emo” y “Villa Zeno”.
La “Villa Capra, La Rotonda” (1567-69), (Vicenza, Italia) se encuentra en las afueras de Vicenza. Es de planta de cruz griega gracias a los cuatro pórticos de orden jónico, alzados sobre elevado estereobato, como los antiguos templos romanos, que dan acceso a la planta principal donde se aloja, tras las ventanas de alta luz manierista, una sala central circular con cúpula enjoyada con frescos, como un más reducido Panteón augústeo.
La ”Villa Emo” se encuentra en el municipio italiano de Vedelago, cerca de la villa de Fanzolo. Fue diseñada por Andrea Palladio en 1559 para la familia Emo de Venecia y permaneció en manos de esta familia hasta que se vendió en 2004. Desde 1996, se ha conservado como parte del Patrimonio de la Humanidad declarado por la Unesco.
La “Villa Zeno” es una villa del siglo XVI. Se encuentra en Donegal, lugar del municipio italiano de Cessalto (Treviso). El edificio se encuentra cerca de la autopista entre Venecia y Trieste, pero fue construida para quedar frente a un canal que servía como medio principal de llegada a la villa.
Antoni Gaudí i Cornet (Riudoms o Reus, 25 de junio de 1852 – Barcelona, 10 de junio de 1926) fue un arquitecto español, máximo representante del modernismo catalán. La arquitectura de Gaudí está marcada por un fuerte sello personal, caracterizado por la búsqueda de nuevas soluciones estructurales, que logró después de toda una vida dedicada al análisis de la estructura óptima del edificio, integrado en su entorno y siendo una síntesis de todas las artes y oficios. Algunas de sus obras más importantes son: “La Sagrada Familia”, “Casa Vicens”, “El Capricho”, “Casa Calvet”, “Parque Güell” y “Casa Milá, La Pedrera”.
En “La Casa Milá o La Pedrera” (1906-10), (Barcelona), Gaudí elimina las esquinas restangulares imponiendo un ritmo libre y ondulado en la fachada y en los espacios interiores.
“El Parque Güell” (1990-14), (Barcelona) se sitúa en la llamada Montaña Pelada, en el barrio del Carmelo de Barcelona. El acceso al parque tiene dos edificios, destinados a portería y administración, rodeados de un muro de mampostería y cerámica vidriada policromada. Estos pabellones de entrada son muestra de la plenitud gaudiniana, con cubiertas de bóvedas catalanas en forma de paraboloide hiperbólico.
“El Capricho” fue construido entre los años 1883-85 y se encuentra en el Parque del Sobrellano. Gaudí utilizó fundamentalmente la cerámica, en una suntuosa decoración en la que destaca el recuerdo oriental y el motivo del girasol, constantemente repetido. El espacio más característico lo constituye el pórtico con unas columnas sumamente originales sobre las que se monta la torre de aspecto arborescente y orientalizante.
Donato d'Angelo Bramante conocido simplemente como Bramante (Urbino, 1444 -Roma , 1514) fue un arquitecto italiano, que introdujo el estilo del primer Renacimiento en Milán y el «Alto Renacimiento» en Roma, donde su obra más famosa fue el planeamiento de la Basílica de San Pedro.Tuvo una formación quattrocentista pero su plenitud artística la alcanza en el siglo XVI. Su arquitectura está caracterizada por la severidad y el uso de planta central cubierta con cúpula. Algunas de sus obras son: “Templete de San Pietro in Montorio”, “Santa Maria presso San Satiro”, “Santa Maria delle Grazie”, “Basílica de San Pedro” y “Santa Maria della Pace”.
El “Templete de San Pietro in Montorio” (1502), (Roma) es un pequeño templo circular de sobria columnata toscana y cubierto con media naranja que reposa sobre un tambor pleno de nichos. Es austero, sobrio y elegante, características del Cinquecento italiano.
En “La Basílica de San pedro” (1505-06), (Roma) Bramante adopta la planta de cruz griega de cuatro brazos iguales terminados en ábsides con entradas desde los cuatro puntos cardinales. Para contrarrestar el peso de la enorme semiesfera, erguida sobre airosa tambor con galería columnada como un tolos gigantesco, disponía en la bisectriz de los cuatro diedros otras cuatro cúpulas menores y a los extremos cuatro torres cuadradas, formando una macla cristalográfica, de la que sólo ha perpetuado la medalla conmemorativa de la primera piedra bendecida por Julio II en 1506, realizada por Caradosso.
La iglesia y el convento dominico de “Santa Maria delle Grazie” se encuentran en Milán, (Italia) y fueron construido entre los años 1463-69. En 1980, el conjunto fue declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.