Universidad de Los AndesFacultad de Humanidades y Educación

Escuela de EducaciónEducación Mención Básica Integral

Educación Estética

Libro para

Maestros

Animadora Pedagógica:Maryury Dugarte Chacón

V-21.181.795

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PresentaciónColega, tienes en tus manos una herramienta útil y necesaria para que en el desarrollo del curso tus estudiantes aprendan de una forma didáctica, práctica, abstracta y divertida acerca de los contenidos conceptuales, procedimentales y actitudinales de las diferentes áreas contextualizadas de educación básica (Ciencias sociales, educación estética, ciencias naturales, lenguaje y literatura, educación física y matemática) que estipula el currículo básico nacional, desde un enfoque estructural interdisciplinario para promover un aprendizaje integral, en el cuál puedes enseñar numerosos contenidos conceptuales, tópicos y disciplinas desde una sola actividad.

En el libro que tienes en tus manos se integraron contenidos específicos de cada área contextualizada de los grados de educación básica de 5to y 6to grado. Por medio de él podrás enseñar arte prehistórico y prehispánico desde sus diversas manifestaciones. De la misma manera, podrás lograr que tus estudiantes aprendan acerca de la Formación Estética Visual, compuesta por dibujo, pintura, escultura y arquitectura. Y además podrás apoyarte de los ejes transversales de currículo básico nacional para formar el ciudadano venezolano que requiere la patria.

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Mérida, 2015

No sólo podrás ver la práctica completa, sino que en él tendrás un modelo para realizar tus propias estrategias educativas a través de las Situaciones Vivenciales de Formación.

Recuerda ser siempre creativo con tus estudiantes, innova cotidianamente y agrega siempre elementos mágicos a todos los contenidos que vayas impartiendo. Ten en mente las palabras de Nietzshe “No teman a lo inexplicable ya que el mundo real es mucho más pequeño que el mundo de la imaginación”.

Índice

Libro para

Maestros

Diseño Hermenéutico

1. a. Investigación:

Aprendizaje Integral -16

1b. Investigación:

1.b Formación Estética Visual

1.b.1: Escultura -20

1.b.2: Arquitectura -21

1.b.3 : Dibujo

1. b.4: Estampado 22

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1. b.5:Pintura

Cerámica

1c. Investigación:

3. c Arte 33

3. c.1: Arte en la prehistoria (25000-3000 a. C.)

1.1: Arte en la prehistoria (25000-3000 a. C.)

3. c .2: Arte antiguo (3000-300 a. C.)

1. 3. c.3: Arte en la Edad Media

3. c. 4: Arte en la Edad del Renacimiento y Moderna (1400-1800)

3. c.5: Arte Contemporáneo……………………………………………………………………………………. 6

Corrientes artísticas en la Edad Contemporánea.

b: Fauvismo

d: Cubismo

e: Expresionismo7

f: Arte Abstracto48

g: Dadaísmo

i: Surrealismo

j:Otras corrientes48

l: Arte cinético

m: Pop art.

n: Neoplasticismo

o: Arte popular

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p: Arte de instalación

q: Arte moderno

r: Arte actual

2.Interpretación:55-70

3Aplicación:

EJECUCION DEL PROCESO

Conclusiones3

Comentarios4

Anexos5

Fuentes de Información

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Diseño HermeneuticoAntes que nada, el término hermenéutica consiste en el arte de explicar, traducir, o interpretar. En términos generales, el enfoque hermenéutico es una estrategia que se orienta al cambio en las funciones del gerente educativo -educador- puesto a que lo invita a tomar una postura más humana y racional en su concepción práctica, es decir, la gestión del educador debe nutrirse de aportes de diversas corrientes pedagógicas, asociadas a la planificación, organización, dirección control y evaluación de los procesos educativos dentro del contexto social en el que se ubica el estudiante. Aunado a ello, el diseño hermenéutico representa un paradigma integrado, en el cual el aspecto técnico, el administrativo y el educativo, deben ser uno solo.

En efecto, la propuesta es que el docente por medio del estudio constante de la dinámica habitual del estudiante, bien sea por entrevistas u observación de actitudes interprete los procesos mentales del educando, considerandolos desde la perspectiva de la realidad contextualizada para posteriormente usarlos como guía de los procedimientos a seguir en concordancia con los lineamientos del nuevo diseño curricular.

El diseño no es igual al método original de Gadamer, pero tiene que ver con los momentos de trabajo. Consta de tres partes:

La Investigación o Comprensión: Es el primer momento. Se da al momento de la investigación para la realización de las actividades de las Situaciones Vivenciales de Formación por parte del animador pedagógico.

La Interpretación: Es el segundo momento. Sucede al momento de la elaboración del material pedagógico (las Situaciones Vivenciales de Formación) para el taller.

La Aplicación: Es el tercer momento. Se da en el momento en que se aplica el taller a los participantes.

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Aprendizaje Integral

APRENDIZAJE INTEGRAL

Aprendizaje Integral – 5to y 6to grado de educación primaria

Los seres que integran la sociedad del siglo XXI deberían ser personas ilustradas y competentes puesto que atravesamos por una era en la que cotidianamente somos bombardeados por una gran cantidad de información que es a su vez resultado de la interconexión digital, los medios de comunicación, la globalización, entre otras variables. Sin embargo, a pesar de contar con tantas fuentes de información es evidente que no tenemos conocimientos profundos de los fenómenos ya que para el ser humano todo está dicho al hundir un clic, a pesar de que en la actualidad algunas de las verdades fundamentales hayan sido desmontadas. En consecuencia con lo anterior se propone una alternativa epistemológica (forma de conocer) al reduccionismo que ha fundado las bases de lo que hoy conocemos, cuya pretensión es la fusión de los métodos inductivo y deductivo para satisfacer la incertidumbre que invade a la humanidad y al mismo tiempo reorientar el curso de la investigación.

En relación a lo que implica dicha alternativa, la forma de conocer presente es reduccionista y no satisface de ninguna forma los nuevos cuestionamientos o enfoques que exige la ciencia, por tanto la idea es hacernos de un pensamiento complejo para conocer a partir de la reflexión y la verificación para producir nuevos conocimientos. Dicha alternativa se fundamenta en lo que Tarazona Marlene (2015) denomina modos de aprendizaje: “La forma en que aprendemos está íntimamente ligada con nuestra percepción, los sentidos, el proceso cognitivo y la forma de acercar el conocimiento por parte de los formadores. El aprendizaje integral va más allá de un sistema, llega a ser el elemento de interés que cada educando agregue al proceso educativo. Las experiencias o conocimiento previo, el medio ambiente y sociedad, la familia y la escuela, sumadas proporcionan el Aprendizaje Integral y Humano”.

La incertidumbre actual nos lleva a plantearnos una reestructuración de la educación nacional, cuya propuesta es: “Con el paso del tiempo, se coloca en evidencia la necesidad de que los seres humanos tenemos por aprender de forma permanente y diferente a las metodologías educativas que imponen las instituciones académicas actuales puesto a que se rigen por métodos obsoletos. Por esta razón, el docente en ejercicio debe enfocarse en impartir una nueva forma de hacer aprender al estudiante utilizando combinaciones de teorías y que destierre a la monotonía pedagógica, es decir, aquella praxis que sea integral, convergente, heterogénea, diversa, alegre, comprensiva, contextualizada y ampliamente aplicativa; por tanto, se refiere a propiciar un aprendizaje transdisciplinario de diversos contenidos curriculares” (Gavidia, Deccys (2015)).

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Vinculando un poco el aprendizaje desde y para la educación estética, es: “Pensar en un aprendizaje integral desde el arte implica: El arte, auxilia al hombre de manera específica algunas ciencias que se proyectan sobre el problema artístico y que se han llamado ciencias del arte: psicología, sociología, física, matemática, historia, antropología, pedagogía y filosofía. El objeto de estudio de estas ciencias no es el arte, pero penetran en él para un mejor conocimiento del fenómeno artístico”. (Franco, Katherine (2015)).

Así mismo, al hacer referencia al aprendizaje integral se debe hacer mención a que el aprendizaje integral se divide en los siguientes aspectos:

Aspecto físico- motriz Aspecto afectivo Aspecto social Aspecto cogntivo

A continuación, se demostrara nuestra propuesta de currículo transdisciplinario con los grados 5to y 6to pertenecientes al nivel de educación primaria:

5TO GRADO:

Tema: Arte en el tiempo: Arte prehistórico y prehispánico.

Lenguaje:

• Intercambio oral (exposición). Exposición de obras de arte características de los periodos prehistóricos y prehispánicos de la humanidad.

• Textos narrativos, descriptivos e institucionales (Elaboración de historias y descripciones).

• Estrategias de comprensión lectora (Lecturas e interpretación de elementos gráficos complementarios de textos (lustraciones, mapas y fotografías)).

• Escritura (producción de comentarios y conclusiones sobre temas trabajados; producción de textos e identificación de estructuras textuales).

• Signos de puntuación (reconocimiento de las relaciones entre pausas, sentido y signos de puntuación en diversos tipos de texto).

• Ortografía (revisión individual y en equipo de los aspectos ortográficos en la producción escrita).

• Textos narrativos: cuento, fábula, mito y leyenda. (1- Lectura comprensiva de textos literarios de estructura narrativa: leyendas, mitos, cuentos, cuentos

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folclóricos, fábulas y relatos de tradición oral.2- Identificación de secuencias, ambientes y personajes en textos narrativos. 3- Clasificación de personajes principales y secundarios y descripción de características físicas y psicológicas de los mismos.)

• Teatro: (Realización de teatro de títeres, marionetas y/o pantomimas).

• El silencio como recurso de comunicación. (Contemplación silenciosa de situaciones cotidianas de su entorno y de la naturaleza para percibir sus sonidos y representar las sensaciones o imágenes sugeridas a través de palabras, gestos, dibujos,...).

• Gestualidad y expresión corporal. (Reconocimiento de rasgos culturales y sociales en el análisis de gestos, expresiones corporales y señales externas y artificiales de apariencia personal. (Rasgos físicas, accesorios, vestuario, aromas,...)). Podría aplicarse en la apreciación de la venus prehistóricas y prehispánicas.

• La imagen en símbolos y señales. (Interpretación de señales y símbolos que ayuden en la preservación de la vida: semáforos, alarmas, imágenes icónicas en vías públicas, envases de comida y medicinas, máquinas y aparatos de uso frecuente). Permitiéndonos retomar las pinturas de edades prehistóricas, específicamente la pintura de huellas de animales como medio de supervivencia.

• Publicaciones periódicas. (Redacción de noticias relacionadas con su entorno escolar y comunitario.)

Matemática

• Número natural (Identificación, lectura y escritura de cualquier número natural en situaciones comunicativas funcionales.)

• Circunferencia y círculo

• Elementos de una circunferencia.

• Triángulos.

• Medidas de longitud, peso, capacidad y tiempo.

• Medidas de superficie y áreas de figuras planas. (Centímetros, metro, área, etc.).

Ciencias de la Naturaleza Y Tecnología

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• La brújula. (Diseño y ejecución de juegos de orientación con brújulas y mapas tales como: «Búsqueda de tesoros»,...). Esto aplicado en un mapa para la búsqueda de arte prehistórico y prehispánico en Venezuela y el mundo.

• Observación y experimentación del efecto que produce la incidencia de los rayos solares sobre superficies de distintos materiales (opacos, brillantes, mates, transparentes, diversos colores, ...) en cuanto a la temperatura.

• Señales de prevención y de orientación. (Identificación, lectura e interpretación de los mensajes icónicos, sónicos, cromáticos para la circulación vial y análisis acerca de su importancia.)

• La Red Internet. (Visita a sitios de Internet y extracción de información relevante para los alumnos.)

• Reutilización. (Diseño y ejecución de campañas para embellecer el ambiente en la escueta y en la comunidad). Esto con el propósito, de que los estudiantes reelaboren esculturas y esculturas pertenecientes a tiempos prehistóricos y prehispánicos para adornar sus entornos inmediatos.

Ciencias Sociales

• Distribución espacial de la población. (Establecimiento de analogías entre la localización de centros poblados en el pasado y el presente).

• Hacia el fortalecimiento de la identidad latinoamericana y venezolana. (Localización de las comunidades indígenas que poblaban el norte, centro y sur del continente americano, en el período precolombino). Específicamente, aquellas comunidades indígenas que destacaban en cuanto a sus manifestaciones artísticas.

Educación Física

• Mímicas, pantomimas y dramatizaciones.

• Paseos. (Búsqueda de información acerca de parques, plazas y sitios históricos y otros ambientes naturales de la localidad), con la finalidad, de ponerse en contacto con obras de arte (pintura o escultura) de tiempos prehistóricos y prehispánicos.

• Excursionismo (Búsqueda de información acerca de parques, plazas y sitios históricos y otros ambientes naturales de la localidad).

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6TO GRADO:

Tema: Arte en el tiempo: Arte prehistórico y prehispánico.

Lenguaje:

• El intercambio oral en la familia, la escuela y la comunidad (1-Comprensión, análisis y síntesis de textos orales de diversa índole atendiendo al contenido y la intención de los mismos. 2- Expresión de opiniones, ideas y puntos de vistas en técnicas de discusión grupal para lograr consenso en la elaboración de síntesis y conclusiones).

• El debate, el coloquio y el foro como dinámicas de interacción comunicativa en el contexto escolar.

• Estrategias de comprensión lectora (1-Anticipaciones, inferencias y elaboración de predicciones como estrategias de comprensión lectora. 2-Participación activa y crítica en la interpretación de lecturas).

• Reconocimiento y análisis del vocabulario técnico y científico en textos académicos.

• Estrategias para la escritura (Producción escrita de comentarios y conclusiones sobre lecturas y temas trabajados).

• Presentación de los trabajos escritos atendiendo a los aspectos convencionales y formales de la lengua: orden, limpieza, legibilidad, sangría, margen, uso de mayúsculas y minúsculas, signos de puntuación, ortografía.

• Obtención de la información en materiales impresos: libros, periódicos, revistas, catálogos, folletos, entro otros. (Interacción permanente y sistemática con diversos tipos de libros: informativos, diccionarios, atlas, enciclopedias, recreativos, de estudio, ...).

• La biblioteca como fuente de acceso a la información (Utilización eficiente de las bibliotecas de aula, escolares y públicas como recurso para la investigación, la resolución de problemas, la búsqueda de información y para el disfrute de la lectura).

• La Investigación. (1-Búsqueda de datos y selección de la información y función de temas, propósitos y contexto. 2- Utilización de recursos para la investigación, tales como: observación, entrevistas, encuestas, visitas a instituciones de su comunidad, ...).

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• Técnicas de registro de la información: resumen, encuesta, entrevista, bosquejo, esquema, informes, ...

• Signos de puntuación (Reconocimiento de la relación de correspondencia entre pausa, signo de puntuación y sentido, en diversos tipos de textos.).

• Ortografía (Revisión individual, colectiva y en equipo de los aspectos ortográficos de la producción escrita).

• Función poética e imaginativa del lenguaje. Lectura recreativa (Lectura comentada de textos literarios diversos).

• Textos narrativos: cuento, fábula, mito y leyenda. (Lectura comprensiva de textos literarios de estructura narrativa: leyendas, mitos, cuentos, cuentos folclóricos, fábulas y relatos de tradición oral).

• Teatro, (Presentación de una obra teatral o fragmentos de un texto seleccionado de acuerdo con los intereses y gustos del grupo).

• El silencio como recurso de la comunicación, (Participación en situaciones de ejercitación del silencio como medio para contactarnos con nuestros sentimientos y nuestro entorno natural y socio cultural). Apreciación e interpretación de obras de arte prehistórico y prehispánico.

• Gestualidad y expresión corporal (Reconocimiento de rasgos culturales y sociales en el análisis de gestos, expresiones corporales y señales externas y artificiales de apariencia personal. (Rasgos físicos, accesorios, vestuario, aromas,...)).

Matemática

• Potenciación de números naturales, (1-Uso de las potencias de 10 para expresar un número en forma polinómica. (Ej. 541 = 5 x 102 + 4 x 10 + 1). 2-Uso de las potencias de 10 para simplificar la escritura de números terminados en cero. (Ej. 13000 = 13 x 103).).

• Noción de congruencia, (Observación y comprobación de la congruencia de representaciones de objetos del entorno por superposición (calcando, recortando,...)).

• Simetría (Búsqueda y trazado de ejes de simetría en figuras geométricas planas).

• Tablas y gráficos, (Recolección, organización y análisis de datos sobre objetos, fenómenos y situaciones escolares, familiares y sociales, usando tablas

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de frecuencia.). Tabla donde este estipulado la obra de arte (pintura o escultura) y su fecha de elaboración.

Ciencias de la Naturaleza Y Tecnología

• Materiales (Observación y clasificación de muestras de diversos materiales). En este caso, materiales como: bronce, piedra, algunas hierbas, huesos, entre otros.

• Mezclas y soluciones, (mezcla de materiales para elaborar pinturas utilizadas en tiempos prehistóricos y prehispánicos).

• Sustancias simples: metales y no metales, (Observación de metales y no metales señalando sus características).

• Rocas y minerales, (Búsqueda de evidencias de la presencia de minerales que componen las rocas mediante la observación de muestras de granito y mármol, entre otros). Con el objetivo de conocer a profundidad los materiales de elaboración de las obras artísticas prehispánicas y prehistóricas.

• Electricidad (Clasificación de los materiales en conductores y aislantes con argumentación acerca de la importancia de los mismos). Con el propósito de demostrar al estudiante si el cobre, la roca y el metal son aislantes o conductores de electricidad.

Ciencias Sociales

• Consolidación de la Identidad Nacional y Latinoamericana (1- Evocación y conversación acerca de los aspectos históricoculturales que identifican a Venezuela con los países latinoamericanos. 2- Establecimiento de analogías entre las manifestaciones de cultura popular tradicional de Venezuela y Latinoamérica).

• Reivindicación de las comunidades indígenas como integrantes de la sociedad venezolana, (Elaboración de textos escritos acerca de conocer y difundir el legado cultural de nuestros antepasados.). Específicamente, defender su legado como productores de arte prehispánico.

Educación física

• Higiene, (Participación espontánea en actividades relacionadas con la organización, conservación y mantenimiento del sitio de trabajo).

• Mímicas, pantomimas y dramatizaciones, (Representación de roles (dramatización) relacionados con la realidad sociocultural).

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• Paseos, (Búsqueda de información acerca de parques, plazas y sitios históricos y otros ambientes nacionales de la localidad). Especialmente, en la ubicación de museos y exposiciones artísticas.

• Excursionismo, (1-Búsqueda de información acerca de parques, plazas y sitios históricos y otros ambientes naturales de la localidad. 2- Reforestación y mejoramiento de ambientes naturales, durante las excursiones.).

En resumen, los temas y actividades anteriores son extraídos del currículo básico nacional de educación primaria con la finalidad de vincular una serie de conocimientos distintos a partir de un tema común para todos. Aunque, existen temas que no se pueden relacionar por un problema de coherencia lógica, en este punto del trabajo se pone en evidencia que es posible tratar varias pautas de currículo al mismo tiempo en el aula de clase; esta propuesta es beneficiosa ya que le permite al docente abarcar todos los contenidos del grado y también darle un buen seguimiento o profundidad a los temas vistos, es decir, donde un tema determinado sea visto desde distintos enfoques.

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FORMACIÓN ESTÉTICA VISUAL

Formación Estética Visual

La estética como disciplina de los pensum académicos de las instituciones académicas y como rama filosófica del arte es reciente, algunos filósofos como Benedetto Croce afirmaron que sus orígenes parten desde los siglos XVI y XVII, puesto a que las contribuciones del siglo XVII con respecto al desarrollo de la filosofía el espíritu dieron paso a los principios de la estética. Esta última tiene como finalidad expresar las sensaciones irracionales percibidas por los sentidos del ser humano, permitiendo ubicar en una disciplina el papel que cumple la poesía, pinturas, esculturas, música, entre otros; en la vida del hombre como ser espiritual y social. Aunado a ello, explicar el vínculo que existe entre la fantasía y el espíritu.

A su vez, la formación estética visual es la que permite adiestrar al ser humano para que perciba el mundo de una forma sensible, empática, personal y artística. Además, que da apertura a una comunicación sin mediación verbal, es decir, aquella forma de comunicarnos con gestos provenientes de nuestra mismidad. En consecuencia, se pretende lograr un cambio social a partir de la concepción de lo bello y lo correcto para la convivencia en sociedad.

En el mismo orden de ideas, las producciones artísticas elaboradas por la humanidad son una actividad requerida para el desarrollo integral de todos los aspectos de la vida del individuo, tanto como ser individual o como ser social ya que es una disciplina con un fin estético, comunicativo,

expresivo, subjetivo y original. En resumen, la formación estética visual nos permite reconstruir el pasado y rescatar la identidad propia o legado cultural.

Para la aplicación del contenido de la formación estética subdividimos, las formaciones estéticas visuales en:

La Escultura

La escultura (del latín sculpere, esculpir) es una forma de expresión artística consistente en tallar, moldear, esculpir o cincelar un material para crear una forma con volumen. Es considerada una de las Bellas Artes, además de la pintura, la música y la arquitectura. También se le da el nombre de escultura a la obra que surge como resultado del proceso artístico.

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Características de la Escultura

Los materiales de trabajo de la escultura pueden ser de los más variados, desde el barro, la piedra y la madera, hasta el mármol, la cera, el yeso y diferentes tipos de metales (bronce, hierro, cobre, plata, oro). A medida que la tecnología permitió el desarrollo de nuevos materiales, la escultura comenzó a utilizar resinas y plásticos que, al tener nuevas propiedades de resistencia y flexibilidad, permitieron el desarrollo de nuevos estilos artísticos en la escultura.

La escultura tiene un gran componente de imitación, y también de creación original, ya que la representación puede abarcar desde figuras concretas como personas, animales, objetos naturales y artificiales, con una absoluta proporcionalidad, o bien pueden ser esculturas abstractas que desafíen la percepción del espacio.

El manejo del espacio es muy importante en la escultura, lo cual implica que la composición final que el artista persiga debe tener en cuenta aspectos espaciales tales como el alto, el ancho, la profundidad, el volumen, la forma, la disposición de líneas, la textura, la consistencia de los materiales, la óptica del ambiente donde estará la escultura, y en algunos casos, el movimiento de la escultura.

Tipos de técnicas de escultura

Existen numerosas técnicas de trabajo de la escultura, según las intenciones y medios del artista. Las técnicas dependen en gran medida del material sobre el que se trabaje. En el caso de la madera y la piedra, la técnica implica un tallado con instrumentos tales como el cincel y la lija, mientras que en el caso de materiales más blandos como la arcilla y la plastilina, se utiliza el modelado manual. Cuando el material es un metal, la técnica implica la fundición y el uso de moldes. También se utilizan técnicas de perforación, pintura y conservación, así como la articulación de piezas diferentes para crear movimiento en la obra.

Los moldes son utilizados comúnmente para la reproducción de esculturas. Se hacen con yeso, resina o goma, reproduciendo con exactitud la obra terminada.

En el desarrollo del trabajo para los maestros se decidió trabajar con la escultura del periodo prehispánico MAYA:

LOS MAYAS:

La cultura maya estuvo conformada por un grupo de pueblos indígenas pertenecientes al área de Mesoamérica. Su lenguaje era la yucateca y el quiché y habitaban en México, específicamente en

19Humanoide Maya

los estados de Veracruz, Yucatán, Campeche Tabasco y Chiapas; en Guatemala, en Belice, Honduras y el Salvador.

Estos pueblos tenían una sociedad muy dividida, eran gobernados por una autoridad política llamada el halach vinic. Este a su vez delegaba autoridad sobre los jefes locales de las diversas comunidades para que hicieran cumplir las funciones militares, civiles y religiosas.

Escultura:

Unas de sus representaciones principales eran los grandes monolíticos en forma de prisma, los cuales alcanzan hasta seis metros de altura; que representan figuras humanas en cuyas cabezas hay plumas, y posee una gran ornamentación en todo su alrededor. La cerámica posee formas de animales y humanas. Esta se hace por medio de barro cocido.

Arquitectura

La arquitectura es el arte y la técnica de proyectar y construir edificios. Puede decirse que la arquitectura se encarga de modificar y alterar el ambiente físico para satisfacer las necesidades del ser humano. Los arquitectos no sólo se encargan de desarrollar construcciones en función de su forma y utilidad, sino que también siguen preceptos estéticos. Por eso, la arquitectura suele ser considerada como una de las bellas artes.

En el desarrollo de los contenidos se usó la arquitectura del periodo prehispánico INCA.

El imperio INCA

Los Incas llamaban a su territorio Tawantinsuyu, lo que en Quechua, el idioma inca, significa Las Cuatro Partes. Un territorio de diversos terrenos y climas muy marcados, que comprendía una larga banda desértica en la costa, entrecortada por ricos valles irrigados; las altas cumbres y los profundos valles fértiles de los Andes; y las cumbres montañosas de la selva tropical al Este. La palabra Inca designa al propio dirigente, así como al pueblo del valle de Cuzco, la capital del imperio. A veces es usado para designar a todos los pueblos incluidos en el Tawantinsuyu, pero esto no es correcto. La mayoría de las decenas de reinos pequeños mantenían su identidad, aun cuando estaban ligados política y económicamente a los Incas. El Quechua fue el idioma oficial y hablado en la mayoría de las comunidades hasta la llegada de los Españoles, pero al menos 20 dialectos locales subsistieron en varias partes del imperio.

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Arquitectura del imperio INCA

Los Incas desarrollaron un estilo altamente funcional de arquitectura pública que se distinguió principalmente por sus técnicas avanzadas de ingeniería y de trabajo fino de la piedra. El plano de sus ciudades estaba basado en un sistema de avenidas principales atravesadas por calles más pequeñas que convergían en una plaza abierta rodeada de edificios municipales y templos. Las estructuras eran de un solo piso, con un perfecto ensamblado de piedras talladas; también se

usaban ladrillos de adobe y paja en las regiones costeras. Para la construcción de grandes monumentos tales como la gran fortaleza de Sacsayhuamán cerca de Cuzco, unos bloques masivos poligonales fueron ensamblados entre sí con una extraordinaria precisión. En las regiones montañosas, como la espectacular ciudadela andina ubicada en el Machu Picchu, la arquitectura inca refleja a menudo algunas adaptaciones ingeniosas del relieve natural.

El Dibujo

El dibujo es el arte visual de representar algo en un medio bidimensional o tridimensional mediante diversas herramientas y/o métodos. El dibujo convencional se realiza con lápiz, pluma, grafito o crayón, pero existen múltiples técnicas y posibilidades asociadas al dibujo.

Si se tuviera que definir en pocas palabras qué es dibujar, se diría que es el acto de producir una imagen en forma manual con algún elemento o sustancia. Así, a menudo se usa lápiz sobre papel, pero también se

puede dibujar sobre casi cualquier otra superficie. Así mismo, Un dibujo puede ser representativo, abstracto o simbólico, es decir, puede querer ser una imagen fiel de aquello que representa, o bien, evocar sensaciones, perspectivas o formas del dibujante.

Los dibujos tienen una larga historia: se podría decir que los primeros fueron los que se encontraron en las cuevas de Altamira. Desde ese momento hasta nuestros días los dibujos se han realizado con un fin documental (para tomar registro de lo que ocurría), técnico (de análisis, planificación o investigación) social (con fines de señalización, por ejemplo) o estético (con propósito decorativo o como arte).

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Machu-picchu

Refiriéndonos a medios o elementos podemos mencionar tintas y pigmentos, lápices, plumas, pasteles, grafito, carbón, marcadores e, incluso, la tinta invisible. En términos de materiales, podemos tratar con todo tipo de papeles, desde papel periódico hasta papel de alta gama para producciones artísticas.

Impresión:

Del latín impressĭo, impresión es la acción y efecto de imprimir (marcar letras y otros caracteres gráficos en un papel u otra materia, estampar un sello, fijar una idea o sentimiento en el ánimo, introducir algo con fuerza en otra cosa, dar una característica a algo).

Como hacer sellos con gomas de borrar

Hay varias formas de hacer sellos, pero una de las más sencillas es la de usar una vieja goma de borrador, siempre nos pasa que tenemos borradores viejos que ya no usamos, incluso esta manualidad te puede servir si le piden a tus hijos una manualidad con materiales reciclados porque estamos usando un objeto que ya teníamos para

hacer algo nuevo con él.

Para hacer tu sello de goma de borrador lo que necesitas es una goma de borrador, un exacto, una pluma o plumón y el diseño que vas a usar, puedes calcarlo para que el diseño te salga exacto o si deseas puedes dibujarlo a mano, en el ejemplo se dibuja un bigote, lo primero que se hace es cortar toda la silueta del diseño.

El siguiente paso se debe hacer con mucho cuidado, vas a empezar a cortar como por capas el borrador para darle forma al sello, pero tienes que tener cuidado de cortar solo hasta la figura sino se deformara el diseño y ya no va quedar bien el sello.

Lo que puedes hacer para que el corte no te falle es irlo haciendo como por secciones, para este tipo de sellos que son de goma es importante que elijas diseños que no sean tan complicados de cortar porque se tiene que trabajar mucho en el corte.

Ya cuando hallas terminado puedes empezar a hacer las pruebas, recuerda que no es necesario que le pongas mucha tinta tan solo con que pintes el sello con eso bastara, incluso su no tienes tinta puedes pintar el sello con un plumón para que hagas una prueba para ver qué tal te quedo, ahora si ya conoces la técnica y la puedes usar siempre que la necesite

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En la prehistoria: Desde tiempos prehistóricos, el hombre los usaba como medios de información: reconocía las huellas dejadas por hombres o animales. También sabía producir, indicios para entregar información; siempre buscando informar, recordar y relatar.

Pintura:

El origen etimológico del término pintura que ahora nos ocupa lo encontramos en el latín. En concreto, nos topamos con el hecho de que aquella palabra emana del vocablo “pigmenta”, que puede traducirse como “tinte o pigmento. La pintura, por otra parte, es el arte que consiste en la representación gráfica a partir de la utilización de pigmentos y otras sustancias.

El origen de este arte se encuentra ya en la Prehistoria, y más concretamente en las conocidas como pinturas rupestres. Aquellas pueden llegar a tener más de 40.000 años de antigüedad, se encuentran en cuevas y fueron realizadas por los seres humanos de aquel momento como una forma de representación artística con marcado aire espiritual. Suelen representar a animales tales como bisontes o caballos.

Los aztecas:

Fue la civilización más importante que existió en América central. Esta cultura se dio hasta el siglo XII después de Cristo, y vinieron de una isla llamada Aztlán ubicada al norte de California. Desde que salieron de allí duraron más de 200 años hasta llegar definitivamente al valle de México, para fundar las ciudades de Tenochtitlán, actualmente conocida como ciudad de México y Tlatelcolco.

Los aztecas se dedicaron principalmente al cultivo de maíz, a la caza y a la pesca; así como también era común el comercio entre ellos. Formaron variedad de pueblos pequeños y grandes. Sus viviendas eran hechas de adobe y madera y generalmente eran de planta

Cuadrada y su forma era cúbica. Su sociedad se dividía en distintas clases: el aristócrata, los mercaderes, el pueblo, los ciervos y los esclavos.

Eran guerreros y teocráticos, su diversión principal era el juego de pelota, la música y la danza. Su religión era principalmente guerrera y exigían sacrificios humanos y creían en diversos dioses como Tonatiuh el cual era el Dios del Sol; la diosa de la luna que la denominaban Metzli, el Dios del viento el cual denominan Quetzalcóatl al que representaban con largas barbas y del cual dicen que fue el que enseño las artes a los humanos.

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La Pintura Azteca:

El templo de Teotihuacan es muy resaltante por sus pinturas y murales así como también lo son las pinturas encontradas en unos de los palacios.

Los colores van a variar según la edificación, por ejemplo, en las paredes exteriores se usan el rojo, negro y amarillo y en el interior se combinan para adquirir diversos matices.

Los llamados Códices que se conservan aun en la actualidad son manuscritos donde se encuentran importantes obras de la pintura mexicana precolombina. Estos escritos están hechos de fibra de Maguey o de piel de ciervo y están cubiertos por una pasta hecha con caliza; se encuentran doblados en forma de acordeón. Se suelen pintar por ambos lados con colores como el rojo, el negro o brillantes.

Cerámica

La palabra cerámica se deriva de otra palabra del griego antiguo que se utilizaba para describir el material alfarero llamado arcilla. Consecuentemente la palabra cerámica fue inicialmente utilizada para describir artículos que habían sido hechos por materiales donde predominaba la arcilla. Sin embargo esta definición no puede seguirse aplicando a las cerámicas eléctricas las cuales contienen muy poca o ninguna arcilla. Por lo tanto ha sido necesario ampliar el concepto de cerámica relacionándolo no con la composición química de los materiales que la constituyen ni con sus propiedades físicas sino con los artículos manufacturados mediante un proceso tecnológico particular.

De esta forma podemos definir los materiales cerámicos (cerámicas) como aquellos materiales inorgánicos con los cuales se pueden hacer piezas de diversas formas que posteriormente se someten a procesos de cocción a altas temperaturas.

El arte de la cerámica es una de las grandes herederas de los antiguos "alquimistas", es por lo tanto, en gran medida, una experiencia directa y continua, en todos los campos, las pastas cerámicas y sus componentes, los pigmentos y sus mezclas, los componentes para cubiertas y el gran protagonista: ¡el fuego!

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Perro Azteca

El origen de la cerámica es mítico, la creencia judeocristiana sostiene, de forma pedagógica, que Dios creó a Adán y Eva del barro de la tierra, modelándoles con sus manos, convirtiendo, de esta forma, a Dios en el primer alfarero, todo lo cual se recoge de manera perfecta en los octosílabos, anónimos populares de la

siguiente quintilla: “Oficio noble y bizarro,

entre todos el primero,

pues en el arte del barro,

Dios fue el primer alfarero

y el hombre el primer cacharro.”

La cerámica es una de las actividades más antiguas del ser humano, quizás antecesora de muchas otras formas de arte. Cerámica en griego significa ‘sustancia quemada’ o ‘sustancia calentada’, por lo cual podríamos describir a esta actividad como la que se encarga de cocinar determinados tipos de materiales con el objetivo tal de solidificarlos y darles consistencia permanente. Las primeras formas de cerámica han sido encontradas en el último período de la Era de piedra de la Prehistoria, período conocido como Neolítico en el cual el hombre tuvo que comenzar a construir sus propios elementos de almacenamiento para los productos agrícolas y alimenticios que producía.

Las primeras noticias que se tienen de la aparición de la cerámica es durante el periodo neolítico, alrededor del año 6.400 antes de nuestra era. Es una cerámica muy rudimentaria hecha a mano que imita la cestería.

Durante la edad de los metales aparecen los cuencos y ollas ovoides y campaniformes. Su decoración consistía en las huellas de los dedos durante su confección. En esta época se descubrió que el barro perdía su plasticidad cuando se sometía al fuego y para su decoración se emplearon distintas tierras coloreadas.

La temática de su decoración era muy simple: elementos geométricos vegetales, formas de aves, componiendo un friso o cenefa.

Las regiones más ricas, en este tipo de cerámica, se han descubierto en Asia Menor, Mesopotamia y, en centro europa, en La Tène y Hallstat.

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En este periodo se encuentran las primera representaciones de la figura humana, las famosas "venus", representando la fecundidad, tanto humana como de la tierra.

Egipto:

En el antiguo reino de Tebas y Beni-Hassán, se tiene constancia que desde la disnastía IV y V (2600-2350 a.c) se utilizó el torno cerámico.

Por sus creencias religiosas, enterraban a sus muertos con todas sus pertenencias terrenales: vasos, copas, platos, collares y objetos de indumentaria.

Los objetos cerámicos estaban esmaltados usando colores verdes y azul, destacando los escarabajos azules decorados usando óxido de cobalto.

Mesopotamia:

Las civilizaciones del Próximo Oriente, Babilonia, Caldea y Asiria, se situan en la franja conocida como "creciente fertil", comprendida entre los ríos Tigris y Eufrates y el Mar Mediterraneo.

Los caldeos-asirios aplicaron el barro usaron el barro, no solamente para la construcción de vasijas, también para la fabricación de ladrillos con los que construyeron edificios tanto de tipo civil como religioso. Lo podemos observar en

los restos del palacio de Khorsabad. En ocasiones estos ladrillos se decoraron a partir de una pasta silícea coloreada que producía un esmalte vitreo. Debemos dejar constancia que en occidente todavía no se conocía el esmalte. El "friso de los arqueros", en el palacio de Darío en Susa es un ejemplo. (Louvre).

En esta civilización aparece la escritura cuneiforme. Se tiene constancia que los babilonios conocían el torno.

Los elementos ornamentales de la cerámica son de formas geométricos utilizando colores pardos sobre fondo blanco.

Grecia:

Rodas y Corintio destacan en la producción de cerámica arcaica, llegando a su máxima expresión en la cerámica ática del Siglo V, decorada con figuras rojas sobre fondo negro. Esta decoración se realizaba aplicando un engobe o pasta coloreada que se aplicaba sobre la pieza en el proceso de secado "dureza de

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cuero" y posteriormente se serigrafiaba las figuras con un punzón, dejando al descubierto la arcilla original, generalmente roja.

Los griego fueron prolíferos en la creación de variedad formas de vasijas cerámicas, aunque no sabemos bien la función que cada una desempeñaba. Entre otras podemos citar: ánfora, peliké, hidrya, krátera, kyatos, skyphos ..., se supone que todo esto vino favorecido por el auge del comercio, empleándose las diversas vasijas para transportar todo tipo de mercancías, aceite, vino, agua, trigo, perfumes, conservas, pescados ... etc. ¿cuáles asociaríais con cada cual?

Etruria:

En la cultura etrusca, destaca sobre manera, las tumbas, vasijas en forma de urna. La característica principal es que estaban confeccionadas con un barro con multitud de impurezas, por lo que se cree que lo utilizaban según lo encontraban en la naturaleza, con un grano desigual, de color oscuro. La manufactura era de paredes gruesas, mostrando una cocción imperfecta.

Roma:

Fue el heredero de la civilización griega, mostrándose siempre como un pueblo práctico. No se preocuparon de mejorar ni embellecer la cerámica heredada pero si buscaron una utilidad práctica, por eso la cerámica romana es ordinaria pero con una técnica perfecta Las legiones de Augusto difundieron por todo el imperio la cerámica "sigillata", como útiles de mesa.

Las formas más comunes son tazas, ollas con tapadera, cuencos, linternas, destacando sobre todas ellas y erigiéndose en la vasija representativa el ánfora alargada, esbelta, de cuello alto, terminada en punta y con dos asas laterales.

Arabia.

Hace su aparición durante el Siglo VIII que recoge la tradición de los pueblos sirio-persas, aunque introduce un aplicación, del esmalte blanco (mal llamado barniz blanco opaco), empleando dióxido de estaño. La característica más sobresaliente de la cerámica árabe, se puede concretar en que toda ella presenta un reflejo metálico, el cual se conseguía mediante una mezcla de cinabrio, sulfato de cobre, óxido de hiero, azufre y plata, actuando, en ocasiones el vinagre como disolvente. Esta aplicación siempre se cocía a más baja temperatura que el esmalte de base compuesto por: sulfuro de plomo, dióxido de estaño, sílice y arena con detalles en azul cobalto.

Una característica de la cerámica primitiva es que es una monococción. Las formas de las vasijas de uso diario eran sencillas y estaban decoradas,

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principalmente, con motivos geométricos. Los colores predominantes son, marrones-violáceos, conseguidos a partir del óxido de manganeso y los verdes, con el óxido de cobre. También se usaban como elemento decorativo las incisiones y perforaciones.

El mayor impulso se fraguó en la época del califato de Córdoba. Aplicaron el barniz plúmbeo o vidriado, al mismo tiempo que lo coloreaban usando la mezcla de óxidos. Se inicia la técnica de la "cuerda seca", que consiste en aplicar unas finas líneas de materia grasa con el fin de que no se mezclen colores colindantes. La fabricación de ladrillos también experimento un gran avance.

Los centros más importantes de producción cerámica en España son Toledo, Córdoba, Medina Azzahara, Elvira y con los nazaríes Almería, Málaga, Manises y Granada. Hacia el siglo XIV se desplazará esta influencia hacia Paterna y Teruel.

China y Japón:

Las primeras noticias que tenemos de china corresponden al periodo de 618 al 906, donde se encuentras figurillas de una pasta porosa, compacta coloreada y revestida de un barniz que da colores verdes y azules turquesa. Fue con la dinastía Sung cuando dotaron a las pastas compactas de gres y porcelana de un aspecto inconfundible, basándose en la naturaleza propia de la pasta y a los esmaltes vítreos con los que decoraban la ornamentación incisa o en bajo relieve, con un color verde que desde entonces se le conoce como verde celedón.

En el año 256 a.C sube al trono Qin Shi Huang, perteneciente a las dinastía Qin, el cual unifico toda China siendo el primer emperador. Durante su reinado se construyeron los famosos guerreros de Xi'an (Sian) y mando construir la gran Muralla.

Con la dinastía Yuan se unieron el Medio y Lejano Oriente y, la cerámica experimento un avance sobre todo en el campo de la decoración, pintando en color turquesa, peonías, crisantemos, dragones, aves, nubes, ... aunque raramente la figura humana.

Con la dinastía Ming (s.XIV - XVII), se siguieron usando y ampliando los dibujos anteriores sobre porcelanas de fondo blanco y, será con los Chiang, cuando se generalizó el uso de la figura humana en la decoración cerámica, consolidándose unas paletas de tres o cinco colores en la decoración sobre cubierta junto con la monocroma.

En el Japón, la cerámica ha ocupado un papel destacado en la vida socio-cultural de este pueblo, con una influencia directa de China y Corea, por lo que han asimilado todas las técnicas imprimiéndoles un carácter personal.

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Europa.

Europa no conoció el secreto de la fabricación de la porcelana hasta el siglo XVIII en el que el alquimista F. Böttger descubrió el secreto del caolín. Desde tiempos de Marco Polo, a través de la ruta de las especies y de la seda, a Europa fueron llegando vasijas que causaban admiración por su resistencia, por su textura, por su transparencia, pero como no sabían fabricarla era unas piezas codiciadas y raras.

Muchos intentos hubo de imitar las piezas chinas con las llamadas "pastas tiernas", en St Cloud, Chantilly Mennec y, posteriormente, promovidas por las manufacturas reales de Luis XV, surgieron Vincennes y Sèvres. Al mismo tiempo cobraba importancia Meissen en Alemania. Una vez que se descubre en Europa la porcelana se fabricaron toda suerte de figuras y figurillas, vasijas y ornamentos reflejando claramente el espíritu de la época barroca, llegándose a bautizar este siglo como el "siglo de la porcelana".

Cuando Carlos de Borbón, rey de Nápoles, se caso con una de las hijas de Federico Augusto de Sajonia, ésta aporto en su matrimonio una envidiable colección de vasijas y jarrones de porcelana de Meissen, causando en su esposo Carlos una profunda emoción debido a su perfección y belleza y en ese momento decidió fundar una fabrica en Capodimonte. Cuando en 1759 fue nombrado rey de España, desmonto Capodimonte y traslado la fábrica al palacio del Buen Retiro de Madrid.

Pero los finales de siglo traerían malos presagios para la porcelana en Europa. Desde Inglaterra, en el afán de obtener un gres parecido al de Renania, llegaron a fabricar una cerámica con una pasta más refinada, más porosa más blanca y ligera e infinitamente más barata, conquistando rápidamente los mercados inspirados ya en la decoración neoclásica, lo que provocó la decadencia de la porcelana

En el diccionario, una de las definiciones que encontramos de arcilla es: "sustancia mineral plástica compuesta principalmente de silicatos de aluminio hidratados".

Las arcillas las podemos clasificar o agrupar desde varios y distintos puntos de vista:

• por su hallazgo en su estado natural.

• por su plasticidad.

• por su porosidad y color

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• por su punto de fusión.

Las distintas arcillas se formaron, primero a partir de la descomposición de las formaciones rocosas y, por la acción de distintos factores, presión tectónica, movimientos sísmicos, distintos tipos de erosión, etc., y segundo por la adquisición, durante el viaje hasta su lugar de sedimentación, de diferentes impurezas de origen mineral; por lo tanto, dependiendo de las características de la roca de origen, existen innumerables tipos de arcillas, cada una de las cuales posee unas propiedades particulares.

El proceso de sedimentación dura millones de años. Los lechos de arcilla se encuentran, en casi todos los terrenos, a flor de tierra o a pocos metros de la superficie, aunque no todos son útiles para el ceramista.

Entre sus componentes básicos debemos destacar las materias plásticas como el caolín y la arcilla y, los no plásticos o antiplásticos, como el cuarzo, la arena o la pegmatita, que prestan un papel fundamental en el proceso de transformación de los materiales dentro del horno, actuando como fundentes.

Todos los tipos de arcilla, en el tiempo de secado y de cocción, sufren un proceso de encogimiento, de reducción de tamaño. Esta disminución de tamaño es mayor, cuanto menor sea el contenido de materias no plásticas de la arcilla que estamos trabajando.

La decoración es algo muy personal y, por lo tanto, existe un sinfín de posibilidades de ornamentar las obras, aunque cada ceramista trata de imprimir carácter a su obra, eligiendo y evolucionando en una de ellas.

Debemos prever cómo va a ser la decoración, tratando que forme parte de la obra misma, constituyendo un conjunto armónico. Según en qué estado o en qué fase de la ejecución de la obra quiera hacerse la decoración, se pueden aplicar varios métodos, a saber:

• Decoración sobre la pasta húmeda.

• Decoración sobre pasta semi seca, con la dureza de cuero.

• Decoración bajo cubierta.

• Decoración sobre cubierta.

• Decoración empleando atmósferas reductoras: el rakú.

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• Decoración por medio de engobes.

Tanto si se escoge un proceso como otro, la decoración tiene una finalidad única: la de subrayar la forma de tal manera que las dos cosas unidas formen un conjunto armónico.

Todos y cada uno poseemos un temperamento distinto por lo que, la técnica decorativa que vaya bien a uno, es posible que resulte inviable para otros, por lo que, cada uno de nosotros debemos encontrar aquellas técnicas en las que nos encontremos cómodos y podamos llegar a dominar, para ello se necesita práctica, aunque siempre resulta motivador el terreno de la experimentación.

Por otra parte, hay quienes emplean algunos tipos de decoración para enmascarar formas poco graciosas o malogradas.

De los expertos y grandes maestros, debemos sacar enseñanzas y quedarnos con lo esencial: la simplicidad. Muchas de las decoraciones de gran tradición histórica, tienen un carácter casi abstracto. A este proceso de simplificación se llega, porque, estos motivos tradicionales, al ser repetidos tantas veces por todas las generaciones, con el tiempo, han sufrido, inconscientemente, unos cambios que, el que lo ejecuta, ha perdido el significado de los rasgos que imprime o dibuja.

La cerámica fue sin embargo, desde un principio, un soporte sobre el cual el ser humano podía realizar diferentes tipos de inscripciones o diseños, además de convertirse cada elemento cerámico en un elemento único en sí por su diseño, color y estilo. Las vasijas y recipientes de cerámica más antigua ya nos muestran coloridos diseños, formas e inscripciones realizadas sobre el material que probablemente fueran hechas para colaborar con la identificación de los mismos.

Hoy en día, y miles de años después, la cerámica es más que nada una actividad artística que ha evolucionado sobremanera. En este sentido, el ser humano ha podido desarrollar la cerámica con otros materiales que no fueran barro o arcilla, además de inventar novedosas e increíbles técnicas de patinado, decoración y coloreado arriba del material. Al mismo tiempo, las formas de las cerámicas han variado en gran modo y mientras que las primeras solían ser toscas y simples, hoy en día se pueden encontrar maravillosas obras de arte de alto refinamiento y delicadeza. Entre las diferentes técnicas de producción cerámica debemos mencionar a las que se conocen como terracota, la porcelana, la mayólica (típica de la isla de Mallorca), la loza y muchas otras.

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ARTE EN EL TIEMPO

Arte

El arte, es entendido generalmente como cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con una finalidad estética o comunicativa, a través del cual se expresan ideas, emociones o, en general, una visión del mundo, mediante diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos, sonoros o mixtos. El arte es un componente de la cultura, reflejando en su concepción los sustratos económicos y sociales, y la transmisión de ideas y valores, inherentes a cualquier cultura humana a lo largo del espacio y el tiempo. Se suele considerar que con la aparición del Homo sapiens el arte tuvo en principio una función ritual, mágica o religiosa, pero esa función cambió con la evolución del ser humano, adquiriendo un componente estético y una función social, pedagógica, mercantil o simplemente ornamental.

Arte prehispánico:

En América, en la época prehispánica, no existía una sola cultura sino que por el contrario existieron varias culturas valiosas y bastantes desarrolladas; muchas de estas eran muy parecidas al neolítico europeo, incluso las más adelantadas se podrían comparar con la edad de bronce. Los pueblos Prehispánicos o Precolombinos son todos aquellos que habitaban en el continente antes de la llegada de los españoles. Algunas de las culturas para ese momento eran muy primitivas, pero otras estaban bastante desarrolladas y eran muy civilizadas como era el caso de los mayas, los Incas y los aztecas.

Antes de hablar de otros países iniciaremos por los yacimientos arqueológicos encontrados en nuestro hermoso país Venezuela.

En Venezuela, desde el siglo pasado se han hecho excavaciones arqueológicas en diversos puntos del país, con el hallazgo de valiosas muestras del arte y la artesanía de los pueblos indígenas anteriores a la llegada de los españoles, encontrándose pruebas de actividad humana de más de 2500 años de antigüedad.

Los trabajos hechos por los arqueólogos José María Cruxen e Irving Rouse han descubierto objetos cuyas particulares características han permitido establecer distintas áreas culturales, designadas con los nombres de la región en que se han hallado los primeros yacimientos. Las principales de estas áreas culturales son: Tocuyanoide, Barrancoide, Quiboroide, Tierroide, Andina, Valencioide, Dabajuroide, Santa Ana y Betijoque. Los objetos encontrados en ellas son muy variados y a veces de alto valor artístico: idolillos, pipas, boles, urnas funerarias, majaderos, trípodes, colgantes, vasijas-efigies, etc.

Desde un punto de vista más general, América tiene una de las etapas prehistóricas más cortas, intensas y ricas del mundo, de este artículo se han excluido las civilizaciones preclásicas y clásicas precolombinas, centrándonos en el periodo que va desde la aparición de las primeras obras

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artísticas conocidas, a las manifestaciones de los horizontes tempranos o formativos, es decir, el comienzo del período preclásico (es decir, salvo para el caso de los amerindios de Oasisamérica y el resto de Norteamérica, trataremos periodos anteriores a nuestra era).

Arte Prehistórico.( 25000-3000 a. C.) Es necesario partir de la definición de prehistoria antes de hablar de sus manifestaciones artísticas. Por tanto, la prehistoria es el periodo de tiempo previo a la historia (registro escrito de la vida), transcurrido desde el inicio de la evolución humana hasta la aparición de los primeros testimonios escritos. La importancia de la escritura como frontera entre la prehistoria y la historia, está en que sólo a través de los testimonios escritos, podemos conocer con certeza acontecimientos, hechos y creencias de aquellas personas que vivieron antes que nosotros. (Erika Moreno 2.014)

Al no existir el testimonio escrito, la arqueología se convierte en el único medio para reconstruir los sucesos de la prehistoria, a través del estudio de los restos materiales dejados por los pueblos del pasado: sus zonas de residencia, sus utensilios, así como sus grandes monumentos y sus obras de arte.

Para su estudio, la Prehistoria se divide en tres periodos que se corresponden con la propia evolución de la humanidad.

El más antiguo de estos tres periodos es el Paleolítico, cuyo comienzo se remonta a hace unos 2.500.000 años. En esta etapa el ser humano utilizaba herramientas elaboradas a base de piedra tallada, hueso y palos. Durante esta época el hombre fue cazador, pescador y recolector, por lo que llevaba una vida nómada y solía colocar sus campamentos en las orillas de los ríos donde se aseguraba el agua y la comida por un tiempo. En esta época se comenzó a utilizar el fuego (hace 1.500.000 años aproximadamente) y se tenían creencias religiosas de carácter mágico y se realizaban ceremonias funerarias. (Joselyn Osorio 2.014)

El último periodo de la Prehistoria es la llamada, genéricamente, Edad de los Metales, ya que en él, los seres humanos descubrirán y utilizarán los metales. A su vez este periodo se divide en tres etapas que reciben el nombre de los metales que el hombre fue utilizando progresivamente. La más antigua es la Edad del Cobre, primer metal trabajado, posteriormente vino la Edad del Bronce y por último la Edad del Hierro. Al igual que en el Neolítico, los metales no fueron descubiertos a la vez por todos los pueblos, por eso aquellos pueblos que utilizaron el cobre se impusieron a los que sólo utilizaban la piedra, aquellos fueron sometidos por los que usaron el bronce y por último el hierro se mostró durante mucho tiempo como el metal más fuerte. En esta etapa se desarrollan las primeras civilizaciones que acabarían por inventar la escritura, entrando en la Historia. ( johana Mora 20.14)

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Arte Antiguo:

Se considera como la división de la historia del arte que se centra en su estudio e interpretación formal, técnica, estructural, e ideológica (iconográfica, iconológica) y en su explicación histórica; aunque la arqueología es la ciencia histórica cuyo objeto es la cultura material de la que las obras de arte son la manifestación más valiosa, y es la encargada de su descubrimiento y análisis contextual.

Va desde el comienzo de la Historia hasta la caída del Imperio Romano de Occidente(siglo V).

Al contrario que la civilización occidental, las civilizaciones africanas, extremo-orientales y americanas no experimentaron la marcada discontinuidad que el arte occidental presenta entre el arte antiguo y el arte medieval; con lo que éste último concepto no suele aplicarse a estas

civilizaciones. Arte del Antiguo Egipto

Una de las características del Antiguo Egipto es su singular arte, con obras monumentales que generalmente tenían carácter simbólico funerario o religioso.

Aunque el concepto de Arte es moderno, es perfectamente utilizable en la arquitectura, escultura, pintura y joyería egipcias, siendo muchas de sus realizaciones obras de arte y no simples trabajos de artesanía.

Gracias al seco clima de Egipto y a ser enterradas por la arena del desierto (o por sus propietarios, para gozar de ellas en la "otra vida") nos han llegado en aceptable estado de conservación multitud de auténticas obras de arte, a pesar de la utilización de los monumentos como canteras, las guerras o los innumerables saqueos de tumbas y templos.

· Pintura: Se caracteriza principalmente por presentar figuras yuxtapuestas en planos superpuestos. Las imágenes se representan con criterio jerárquico, por ejemplo: el faraón tiene un tamaño más grande que los súbditos o los enemigos que están a su lado.

· Escultura: Comienza a representarse a faraones y dioses. Predominaba la "ley de la frontalidad", que consistía en concebir las figuras de reyes y dioses para ser vistas de frente, idealizadas y con fuerte simetría. Las representaciones de los cortesanos siempre eran más reales.

· Arquitectura: se caracteriza por su monumentalidad a partir del Imperio Antiguo, con el empleo de piedra, en grandes bloques, sistema constructivo adintelado y sólidas columnas. En la arquitectura civil se empleó profusamente el adobe en viviendas, palacios, fortalezas y murallas.

Arte de la Antigua Grecia

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Nefertiti

Estilo elaborado por los antiguos artistas griegos, caracterizado por la búsqueda de la “belleza ideal”, recreando el “mundo ideal” del modelo platónico, o mediante la «imitación de la naturaleza» en el sentido de la mimesis aristotélica.

La cultura establece los fundamentos de la cultura occidental. De ella surgieron los conceptos y principios del arte, la filosofía y el saber posterior.

El arte antiguo griego ha perdurado en la forma de esculturas y arquitectura; también en artes menores como el diseño de monedas, el grabado de alfarería y gemas. Los griegos, como la mayoría de las culturas europeas, consideraron la pintura como una de las formas más altas de arte.

Los pintores griegos trabajaron generalmente con paneles de madera.

De las obras maestras de la pintura griega tenemos solamente algunas copias realizadas en las épocas romanas, la mayoría de ellas son de una calidad inferior. Las pinturas en cerámica, de la cual han sobrevivido muchas piezas, sobre todo del período arcaico, dan un cierto sentido de estética a la pintura griega. Muchas esculturas de dioses paganos fueron destruidas durante la era cristiana. Desgraciadamente, cuando se calcina el mármol se produce la cal, y ése era el destino de muchas obras de mármol griegas durante la Edad Media. Durante ese mismo período, debido a la escasez de metales, la mayoría de las estatuas de bronce eran fundidas

· Arquitectura: caracterizada por las elegantes columnas de piedra y los frontones triangulares esculpidos de los tres estilos arquitectónicos que se desarrollaron entre el 600 y el 300 a. Estos estilos fueron creados para construir templos a los dioses. Esculpidos en mármol. La gran mayoría de edificios griegos no han perdurado, debido a varias razones: fueron destruidos en guerras, saqueados para obtener materiales de construcción o abatidos por terremotos.

Dórico: es el más antiguo y el más simple, con columnas firmes y frentes cubiertos con esculturas que, podían pintarse de rojo o azul para generar impacto (El Partenón)

2. Jónico: apareció alrededor del mismo tiempo en las ciudades más ricas de Asia Menor. Sensación de más ligereza y es más decorativo, con columnas esbeltas destacando volutas ensortijadas en cada esquina. Alcanzó su apogeo en el Templo de Artemis en Efeso, fue considerado una de las Siete Maravillas del Mundo (Templo de Atenea Nike en Acrópolis).

3. Corintia: Se caracterizaba por intrincadas hojas espinosas de acanto, esculpidas en los capiteles de las columnas, que puede reflejar la influencia del Medio Oriente. Estilo arquitectónico favorito de la Roma Imperial.

· Cerámica: para uso cotidiano, o de carácter fúnebre, donde se emplearon grandes jarrones muy bien provistos.[ Estos jarrones estaban ornamentados con representaciones lineales, y motivos relacionados con la muerte, como batallas marítimas o terrestres. La mayor parte de la alfarería está compuesta por piezas domésticas, de las que perduraron recipientes tales como las ánforas, pequeñas cráteras e hidrias. Por otra parte, de la cerámica funeraria se han encontrado varias

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urnas. También se fabricaron figurillas en barro cocido, principalmente para ser depositadas como ofrenda en los templos.

Entre los años 550 y 480 a.C el arte en cerámica sufrió una gran transformación; además, los autores incluyeron sus nombres, el nombre del alfarero o del pintor que decoraba aquellas piezas (también existían algunos artistas que practicaban ambos labores). La alfarería ateniense y Corintia destacaron por sobre las demás. Atenas creó las primeras representaciones del estilo bello; recipientes con figuras rojas sobre fondo negro.

El arte medieval

El Arte medieval es toda manifestación artística que se dio durante la edad media. En casi cinco siglos de la plena y baja Edad Media se exhibo en el arte dos estilos claramente definidos, el románico y el gótico. Estos movimientos artísticos tienen su nacimiento en Francia y paulatinamente se van extendiendo por todo el continente. Sin embargo, hablar de estas dos corrientes sin mencionar al arte paleocristiano y bizantino no tiene sentido, ya que estos fueron pilares fundamentales para el auge del gótico y romano.

Arte Paleocristiano

El cristianismo en sus inicios se dio en Roma como una organización subversiva, por lo que se mantuvo escondido por mucho tiempo sufriendo diversas persecuciones oficiales. Esta clandestinidad tuvo lugar aproximadamente hasta el año 313 mediante el Edicto de Milán que fue promulgado por el emperador Constantino el cual reconoce la libertad de los cristianos. Dentro de ese marco histórico nace el arte paleocristiano y se puede definir de cierta manera como una evolución del arte romano. A pesar de esto, la religión cristiana influyó de gran manera en él aportando mucho simbolismo, ayudando a que este arte sea simple, dejando a un lado la perspectiva, profundidad del espacio y rasgos del cuerpo humano acentuando por otro lado todos los aspectos religiosos.

Arquitectura De las construcciones más características de este período se encuentran las Catacumbas, las cuales son cementerios que se encuentran excavados, y están formados por un grupo de galerías que llevan a grandes salas, las cuales se denominan cubiculas. En las paredes de dichas catacumbas se hallaban nichos que se usaban para los enterramientos, que eran protegidos con arcos de medio punto.

Debido a que los cristianos eran perseguidos buscaban refugiarse en cuevas para celebrar allí sus cultos, dichas catacumbas se eran las primeras manifestaciones del arte cristiano primitivo.

En sus paredes se han encontrado diversos grabados y símbolos cristianos que representaban sus ideas religiosas. Otro tipo de construcción que se realizó en este período fue la basílica, la cual aparece en el siglo IV después de que la iglesia tiene total libertad y puede reunirse en lugares públicos. Después de esto los cristianos aprovechan las construcciones romanas que podrían usarse para el culto.

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Pinturas de Sant Climent de Taüll y San Quirce de Pedret

Por esto la basílica romana pasó a ser la construcción más usada para los cristianos. Este tipo de construcción era sencilla y muy amplia, además de no estar ligada con el culto de dioses paganos. La planta de dichas basílicas se caracterizan por poseer: un vestíbulo llamado nartex; un patio que le seguía al vestíbulo y era de forma rectangular viéndose rodeado de pórticos, dicho vestíbulo recibía el nombre de atrio; tres naves siendo la central más elevada y al fondo de esta un ábside, que era un espacio semicircular en el que se encontraba la silla del obispo y de los diversos sacerdotes.

Escultura

Las obras escultóricas son más importantes por su significado y por el simbolismo que representan que por sus formas propiamente dichas.

En los sarcófagos es donde más obras escultóricas se han encontrado. Algunas de las primeras obras son figuras paganas, pero que poseen un gran simbolismo cristiano. Con el pasar de los años se van incorporando otros temas, como el Crismón, el cordero, el ancora o el pez, los cuales simbolizan de una u otra manera a cristo.

"Cristo sedente, Siglo IV " Otras obras encontradas son los estrígiles, que se encuentran en los sarcófagos y eran originalmente elementos usados por los gladiadores y atletas para quitarse el polvo y la grasa que se incrustaba en su piel. Estas piezas se encuentran formadas por dos contra curvas ofreciendo una gran decoración geométrica.

Las estatuas de bulto redondo son muy escasas, pero de las pocas que se han encontrado son las que representan a Jesús. Las primeras figuras que representan a cristo lo muestran como un joven sin barba, pero a partir del siglo IV se comienza a representar en su fase adulta con más barba y un gran porte. También cabe destacar que para esta época no se han encontrado imágenes que representen a la virgen.

Pintura

En la era paleocristiana la pintura es muy escasa, pero a pesar de esto se han encontrado restos de frescos que siguen las técnicas dictadas por Pompeya. Los temas eran generalmente alusivos al cristianismo, como todo lo de aquella época, representando diversas oraciones con iconos muy simbólicos.

El fin principal de las pinturas era doctrinador, y muy poco decorativo. La técnica más resaltante es la del impresionismo, que consistía en manchas rápidas representando figuras con gran realismo. Con los años esa técnica va a carecer de importancia usándose un estilo mucho más rígido y estilizado con un significado más simbólico. Los principales temas usados son: los misterios de la fe, la representación de cristo rodeado por los apóstoles, Ángeles y algunos santos, entre otros. La cruz se comienza a usar después de que Constantino la adoptara como tal.

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Arte Bizantino

El imperio romano sobrevivió durante mil años hasta que los turcos destruyeron Constantinopla en el año de 1435, pero después del siglo V poco a poco fue volviendo a sus raíces griegas, retomando le griego como la lengua del Estado. Constantinopla se le llamó entonces por su nombre original, Bizancio, por lo que el imperio romano que antes dominaba dicha ciudad ahora se llamaba imperio bizantino. La ciudad de Constantinopla es la que actualmente se conoce como

Estambul. Las bases de la cultura bizantina fueron el cristianismo y el helenismo, lo que demuestra que el cristianismo ocupaba casi toda la ciudad de Bizancio. Dicha cultura fue muy rica y tuvo gran influencia del Islam, de la Europa feudal, de Rusia y de los diversos pueblos de esclavos los cuales se vieron evangelizados por Bizancio. El arte Bizantino es místico principalmente, así como también fue un arte de abstracciones en cuanto a las formas, tratando siempre de buscar diversos arquetipos universales.

Arquitectura

El aporte principal que da el imperio bizantino es la arquitectura, y dentro de ella lo más resaltante es el uso de la cúpula, el capitel, el arco y la decoración con mosaico. Los romanos tuvieron gran dificultad al construir las cúpulas, pero esto lo resolvieron los bizantinos mediante el uso de pechinas, o triángulos esféricos; medias cúpulas y algún otro elemento de soporte como contrafuertes y muros un poco más gruesos. Las cúpula ofrecen una concepción del espacio distinta, siendo este un poco más dilatado y dinámico, ya que no se encuentra delimitado por muros, lo cual se ve de mejor forma en las iglesias de planta central, aunque también se puede percibir en las de planta basílicas. El significado del espacio que ofrece la bóveda es el de una conexión directa entre el cielo y la tierra, este espacio se convierte en el trono y en el dominio del creador, por lo que desde allí se realizan las bendiciones. Se llegaron a construir cúpulas de enormes dimensiones como la de la iglesia de Santa Sofía de Constantinopla.

Las basílicas son las construcciones más resaltantes de la época, las cuales poseen los elementos constructivos de la iglesia paleocristiana modificada y a su vez creando otros como lo son: el atrio, alberga a los fieles, y con el tiempo se reduce hasta ser solo un pórtico adosado a la fachada principal de la iglesia; el nartex, el cual es un lugar de reunión de los estudiantes del catecismo los cuales solo podían asistir hasta el … de la iglesia; la iconostasis, que es una especie de canal perforada con vanos y cargada de iconos que separa el espacio de los fieles con el presbiterio; y la tribuna, era usada para las mujeres y se encontraba en el piso superior.

El arco también es importante dentro de las construcciones de esta época, este descarga directamente sobre las columnas lo cual es algo innovador para la arquitectura, ya que esto le da ligereza a la construcción y le da un efecto de perspectiva en los interiores.

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Jesús de Haiga Sofia

Catedral de San Marcos Venecia

El capitel es otro elemento importante dentro de la arquitectura bizantina, este tiene su origen en el capitel corintio, pero en vez de tener formas vegetales hacia el exterior los bizantinos las ponen hacia el interior formando un conjunto uniforme y cúbico, por lo que recibe dicho nombre. Las hojas en el capitel van a aparecer a partir del siglo IV, las cuales hacen la simulación de moverse con el viento. Otro aspecto importante es la desaparición casi en su totalidad del ábaco del capitel, por lo que se amplía en forma de pirámide truncada e invertida y se le denomina cimacio.

Usaron materiales livianos, como tubos de barro, así como diversas técnicas con el fin de aligerar el peso de las cúpulas.

Otros materiales son el ladrillo y la piedra los cuales se cubren con mosaicos dependiendo si son muros exteriores o paredes interiores, ya que se emplean en su mayoría en paredes internas dejando de un lado la decoración externa.

Escultura

La escultura en el imperio bizantino es mucho menos importante que en Grecia y Roma, esto se debe al abandono que se tiene de las creencias paganas y la penetración de una nueva religión. La escultura en este periodo muestra formas solemnes, severas y rígidas, así como también busca la espiritualidad y el simbolismo. Las primeras obras escultóricas que se han encontrado durante este imperio son relieves de sarcófagos y otros más pequeños, hechos sobre ricos materiales. La obras eran de carácter religioso y aristócrata pero teniéndole siempre el respeto a lo que era el emperador. Entre los materiales más usados se encuentra el marfil, así como también el esmalte, el bronce y el oro.

Los relieves de temas conmemorativos son lo que más se hicieron en la época. Los artistas, inclusive después de la derrota iconoclasta, la siguen empleando debido al recelo de que en alguna otra revolución los pudieran acusar de idolatría. Por todas esas razones las figuras humanas tienden a deshumanizarse. La iconografía hace repetir diversos tipos de imágenes como lo son, La Virgen Theotokos, que se encuentra sentada con un niño en brazos; La Virgen Orante; El Salvador. Todas estas obras tienen una composición muy sencilla, pero entre las composiciones más complejas se encuentra las que representan el tema de la Deesis, el cual representa a la Virgen y a San Juan Bautista intercediendo por la humanidad, ésta obra se encuentra en San Marcos.

En cuanto a las artes menores se encuentra la orfebrería y la talla. También trabajan el marfil con una gran habilidad realizando crucifijos, diversos adornos y algunos utensilios domésticos. Para estas obras usan como materiales el oro y la plata combinados con algunas piedras preciosas.

Pintura y Mosaico

La pintura se realizó principalmente mediante la técnica del mural, los cuales se usaban para la decoración del interior de los templos, creando íconos o imágenes pintadas sobre madera.

Dichos murales eran pinturas al óleo o al temple, y generalmente los temas eran religiosos de carácter simbólico y se hacían en su mayoría en bóvedas y cúpulas.

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Los temas religiosos que se desarrollan en dichos murales eran de la Biblia, de la vida de algún santo, de Cristo o de la Virgen.

Los colores usados eran muy vivos pero planos y los fondos eran dorados. La línea era muy usada en sus obras. Las composiciones eran simétricas con respecto a una figura principal que siempre se ubica en el centro de la obra. Las figuras se representan de forma alargada y con muy poco movimiento, siempre mirando al frente y con los ojos muy abiertos. La función principal era netamente pedagógica y se encuentra subordinada la arquitectura.

Los mosaicos eran la base del mural bizantino y representaban escenas religiosas al igual que en la pintura, pero la diferencia era que aquí se utilizaban pequeñas piezas de cerámica o mármol y recibían el nombre de teselas, dichas piezas se iban pegando una junto a otra formando la figura deseada. Las teselas poseían una gran variedad de colores y matices ofreciéndole a los objetos efectos de luz, forma y sombra, y en general los

mosaicos poseen las mismas características de la pintura.

Para fabricar los mosaicos se requerían de un mecenas muy rico, ya que dichas obras de arte eran muy costosas. Para realizar los mosaicos se calentaba una mezcla de arena, oxido de sodio o potasio y oxido de calcio en un horno de leña. La mezcla de los olores se le colocaba a la frita parcialmente quemada, por lo que los cristales que se obtenían se fundían en sartenes de barro.

El arte románico se originó en Europa en el año 1.000 después de Cristo y duró aproximadamente hasta la segunda mitad del siglo XII. Este estilo se arraigó principalmente en la arquitectura y sus construcciones principales son las iglesias, así como monasterios y conventos, a pesar de esto también se aplicó en la escultura, pintura y artes decorativas. El nombre de dicho arte proviene del arte de Roma, del cual toma algunas técnicas de construcción y algunos tipos de edificaciones.

El contenido del arte Románico es espiritual y proviene del cristiano. Dicho período también se le ha denominado periodo de la iglesia militante, la cual lucha contra el pecado, ya que se pretende alcanzar el reino de Dios en la tierra y así huir del caos que se ha producido en el exterior por la caída del imperio Romano.

Arquitectura

Debido a la división de la cultura y de la economía romana se dio la desaparición de las estructuras sociales, donde se originaron arquitectos y artesanos calificados. Pero a partir del año 1.000 los cristianos cobraron fuerza y la vida monástica tuvo un gran auge, por lo que los monasterios se convirtieron en centros de estudios para las personas que se dedicaban a la cultura.

Los monasterios se construían fuera de las ciudades, generalmente al borde de los caminos de peregrinación y contaban con un conjunto de edificios civiles ubicados alrededor de la iglesia. Los

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Ascensión de Cristo

edificios civiles eran dedicados a las viviendas y a los trabajos de los monjes. Todas las edificaciones se distribuían en torno a un patio central, alrededor del cual funcionaba el claustro.

Los artistas románicos poseen gran libertad y tratan de no seguir los cánones antiguos, por lo que se levantan las iglesias hasta una altura permitida por la construcción propiamente dicha. La arquitectura se desarrollo con más fuerza en Francia que en Italia, al igual que otros tipos de arte. La bóveda es uno de los elementos más importantes de la arquitectura debido a que ella define las características de la construcción. La bóveda de cañón se forma por un arco de 180º, es muy pesada por lo que se trata de reforzar en su interior con elementos llamados torales o fajones los cuales van a dividir el espacio interno en varios tramos.

Después de la bóveda de cañón se dio la llamada bóveda de arista, la cual se forma debido al cruce perpendicular de dos bóvedas de cañón que poseen un radio semejante. Para poder cubrir un espacio rectangular es necesario colocar varias bóvedas seguidas, debido a que el cruce de las bóvedas de cañón forma una bóveda de arista de planta cuadrada. Debido a la forma de la bóveda de arista, ésta dirige el peso hacia las esquinas del cuadrado por lo que se refuerzan para tratar de liberar al muro de la función sustentante. Las bóvedas de arista se reforzaron con el pasar de los años con unos arcos, lo que vino a dar origen a la bóveda de crucería.

La arquitectura románica se puede dividir en tres períodos según los tipos de bóvedas que se utilizaron: el período de la bóveda de cañón, el período de la bóveda de arista y el período de la bóveda de crucería. A su vez se dieron dos elementos fundamentales en la arquitectura como lo fueron el arco y el contrafuerte.

Pintura

La pintura del período románico posee una gran unidad, así como también la pintura que se dio entre los siglos XII y XIII es muy esquematizada llegando incluso a parecer una abstracción del deseo y de la espiritualización. La pintura de la época trata de reflejar en su contenido lo inmutable, lo externo e intemporal tratando siempre de no prescindir de la fuerza expresiva y de la monumentalidad. La pintura en cuanto al resto de las artes no tuvo mucho valor, pero a pesar de ello tuvo gran mérito. Las figuras se representaban en dos dimensiones y muy planas sin ningún tipo de perspectivas.

Arte gótico

Es estilo gótico surge por diversas razones, estos fueron el gran desarrollo y el embellecimiento de las ciudades, así como la formación de la burguesía y el desarrollo del comercio. Este último origina el crecimiento de la riqueza, la cual va a ocasionar una gran afición por el arte. En este período los individuos tienen gran sentido comunitario, lo cual

42Catedral de Wells

permite que se lleven a cabo obras de gran tamaño, así como el sentido de competencia por quien posee la iglesia de mayor tamaño, el arte de construir es lo más resaltante dentro de la sociedad.

Arquitectura

Lo más importante del estilo gótico es la arquitectura, específicamente la arquitectura religiosa, la cual se dio en la primera mitad del siglo XIII debido a la evolución de algunos precedentes románicos, así como de algunas tecnologías y condiciones sociales. La arquitectura gótica perduró en diversos países de Europa hasta bien entrado el siglo XVI, estando ya bien penetrado el estilo renacentista.

Escultura

La escultura del estilo gótico se inicia a mediados del siglo XII en Francia y sus últimas manifestaciones se dieron a principios del siglo XVI, pero solo fue hasta el siglo XIII cuando alcanza su máximo apogeo. Los escultores abandonaron toda clase de convencionalismos tomados del románico y se caracterizaron en cambio por el naturalismo, la humanización de las divinidades y por poseer exposiciones muy claras y ordenadas.

Pintura y Vitrales

La pintura logró alcanzar un mediano desarrollo en algunos países a través del mural, pero inmediatamente se sustituyó por el vitral. Debido a que las esculturas en los templos ocupaban casi todas las paredes eran muy escasos los espacios para ser decorados con pinturas y murales, por esta razón es prácticamente imposible que se realice la pintura de carácter monumental.

Fue entonces en los ventanales y en algunos manuscritos pintados donde se desarrolló la pintura gótica de la primera época, pero seguidamente fueron los retablos los que alcanzaron un mayor interés y en los cuales se conservan restos de la pintura de la época. La temática principal de dichos retablos era religiosa, representando figuras y grandes detalles, así como gran colorido.

Arte renacimiento y moderno

Comprende todo el siglo XVI aunque sus precedentes se encuentran en los siglos XIV y XV. Sus influencias se dejan notar en el XVII cuando aparece el individuo del renacimiento, con una verdadera conciencia de la naturaleza y del valor de la ciencia, del ser mismo y del arte. El renacimiento se corresponde en la historia del arte con la era de los grandes descubrimientos, impulsados principalmente por el deseo de examinar todos los aspectos de la naturaleza y del mundo. Desde el punto de vista artístico es necesario considerar las siguientes variantes:

Arquitectura

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Las características de la arquitectura del Renacimiento fueron un retorno, una imitación y adaptación del estilo clásico romano. Las grandes columnas, los arcos, las bóvedas y las cúpulas se unieron a una grandiosidad impresionante y a detalles de gran belleza ornamental como frisos, volutas, esculturas y grecas, entre otros., que con el tiempo debían desembocar en la exuberancia del barroquismo.

Uno de los primeros monumentos es la cúpula de la catedral de Florencia. Durante el Románico y el gótico no existieron cúpulas. De repente, Brunelleschi, saltaba a los siglos en que se construyó el Panteón e introducía el arco de medio punto, las curvas atrevidas, el almohadillado de las fachadas, o sea las piedras salientes, recortadas, que pueden verse en todas sus obras; por ejemplo, en el Palacio Pitti de Florencia. Los principales exponentes del quattrocento:Felipe Brunelleschi (1377-1446)León Bautista Alberti (1402-1472)

En el último año del siglo XV Bramante llegó a Roma. Éste era un artista, un arquitecto de Urbino. Se había educado y trabajado en Florencia y en Milán, pero en la ciudad de los Papas recibió el encargo más ambicioso que hubiera podido soñar: la construcción del templo más grande de la Cristiandad, San Pedro de Roma.

En la arquitectura de esta época, se acentúa el aspecto grandioso y monumental de las obras. Roma se convierte en el centro del arte y los Papas son los protectores de los artistas. Lo que hace a la arquitectura del renacimiento tan diferente de todo lo anterior es la medida y la proporción, críticos y teóricos de esta época han apuntado a la analogía entre la arquitectura y la figura humana.

El 18 de abril de 1506 el Papa Julio II puso la primera piedra al nuevo templo, pero Bramante murió pronto y después de pasar el proyecto por las manos de Rafael de Urbino llegó a las de Miguel Ángel. La obra debía ser gigantesca: una cúpula de 42 m de anchura y 132 de alto. Miguel Ángel murió antes de ver completamente acabada la grandiosa construcción. Los principales exponentes:Donato Bramante (1444 - 1514)Miguel Ángel Buonarroti (1475 - 1564).La llegada de los españoles al continente americano a finales del siglo XV, trajo consigo las primeras manifestaciones arquitectónicas de influencia europea que, aunque en un principio contenían elementos del gótico tardío, pronto adquirieron rasgos típicos del renacimiento español y más concretamente del plateresco.

El primer monumento de este estilo que se conserva en América Latina es la catedral de Santo Domingo. Fundada en 1523, destaca por el delicado trabajo de su portada obra del arquitecto Rodrigo Gil de Liendo. También en Santo Domingo se encuentra la iglesia del hospital de San Nicolás de Bari.

En el Renacimiento, el arquitecto o, al menos, el arquitecto ideal, no es quien construye la arquitectura: la piensa; para él, lo importante es el concepto de la arquitectura. Este pensamiento sólo podía ser fruto del ideal humanista que se fue gestando en Florencia a lo largo de los últimos siglos medievales y que tuvo su floración a principios del Quattrocento.

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Catedral Santa María del

La arquitectura florentina de esta época es por definición la arquitectura renacentista; de Florencia a partir de la segunda mitad del siglo XV, esta arquitectura se expandirá por los diferentes centros humanistas: Urbino, Milán, Roma, Venecia, Nápoles, y sólo a finales de siglo traspasará las fronteras italianas para afianzarse lentamente en otras regiones europeas.

Escultura

Las primeras manifestaciones artísticas del renacimiento, en los comienzos del siglo XV, se dan en el campo de la escultura. Tres orfebres florentinos efectuaron algunas innovaciones que supusieron una ruptura con las convenciones del estilo gótico. La transición de la escultura gótica a la del Renacimiento fue menos violenta que la de la arquitectura; se continúa en la búsqueda del naturalismo y realismo. La escultura se caracteriza por su expresividad y la perfección de las formas, tanto en el relieve como en las

estatuas. Se profundizan y perfeccionan los conocimientos y medios técnicos. Se emplea cualquier material para esculpir: mármol, piedra, bronce, madera y terracota.

Ahora, las esculturas no se destinan a ser parte del marco arquitectónico sino que más bien, adquieren interés por sí mismas. El bajo relieve constituye la clave en la escultura arquitectónica. Su principal progreso se encuentra en el uso de las leyes de la perspectiva redescubiertas por Lorenzo Ghiberti. Los innovadores fueron Donatello y Verrocchio, aunque, definitivamente, la escultura del Renacimiento es dominada por el genio de Miguel Ángel. Otros escultores que merecen mención son: Jacopo della Quercia Luca della Robbia Lorenzo Ghiberti Benvenuto Cellini , Giambologna

Pintura

De las artes plásticas, la pintura es la última en desprenderse del sello bizantino. El cambio se da en el siglo XIV, bajo la influencia de la escuela de Florencia, que ha producido Giotto y entre cuyos miembros se encuentran, en polos opuestos: Fra Angelico, el último gran gótico Italiano y Masaccio el especialista del escorzo. Durante el periodo del Renacimiento florecen varias escuelas además de Florencia: por ejemplo, en Siena, Padua, Mantua, Venecia, Verona y Roma. Las nuevas escuelas se apartan de los modelos tradicionales y cada una tiene sus características

particulares, favoreciendo algunas la línea, otras la forma, el movimiento, el espacio, el color o la expresión psicológica.

Estas escuelas, principalmente la Toscana (Florencia), alcanzan su florecimiento y esplendor en el siglo XVI, siendo sus principales representantes:

Leonardo Da Vinci

Miguel Ángel

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EL MOISES

Techos de la Capilla Sixtina

Rafael Sanzio

Corregio

Masaccio

Beato Angélico

Sandro Botticelli

Tiziano

Durante el Renacimiento Italiano, surge una extraordinaria saga de pintores. A pesar de que estos artistas tienen cada uno su particularidad, existen rasgos,búsquedas y conquistas comunes, así como algunas circunstancias que han influido en sus obras:

Los pintores renacentistas se plantean el problema de la representación del espacio, de la profundidad y de la tercera dimensión. Los pintores se valen de la perspectiva, cuyas normas y leyes sistematizaron y, por medio del claroscuro, que expresa el relieve.

Para los pintores del Renacimiento, fue de gran ayuda el descubrimiento de la pintura al óleo. Del mismo modo, se introdujo también el uso de la tela como soporte, suplantando a la tabla, también se perfeccionó la técnica de la pintura al fresco.

Otra innovación de la pintura del Renacimiento fue la composición en pirámide que organiza la obra de una forma clara y le da cohesión a todos los elementos plásticos.

Arte Contemporáneo

La obra de arte se define como una obra no utilitaria mediante la cual el sujeto expresar algo de su mismidad y del tiempo que atraviesa. Al hacer referencia a obra no utilitaria se pretende decir que una obra de arte no sirve a ningún fin práctico, más que el del disfrute y placer espiritual tanto del autor como del espectador. En consecuencia, el arte contemporáneo es una subrama de la cultura actual donde está inmerso el sujeto y pretende expresar su situación circundante; entre los movimientos de arte existente desde el siglo XX, encontramos:

Fauvismo (1904-1907): Nace como alternativa al impresionismo, el fauvismo fue un movimiento francés de poca duración que establecía el color como elemento primordial en el cuadro y como el que le atribuía pasión a su temática. La denominación de Fauvismo proviene del término “Fauves” que en español se refiere a fieras puesto a que ellos creían que a través de los colores podrían expresar violencia y sentimientos. Además de los colores,

las figuras que propone el fauvismo no pretenda una representación naturalista, sino realzar el color en sí mismo, por ello rechazaron los tonos naturalistas del impresionismo.

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Starry Night , Vincent van Gogh

Principales exponentes: Andre Derain, Maurice de Vlaminick, Henri Manguin, Albert Marquet, Jean Puy y Emile Otón Friesz.

Cubismo (1904-1917): Es un arte mental, se desliga del arte figurativo como medio de expresión puesto a que establece que la obra de arte tiene valor en sí misma y como medio de expresión de ideas. Este tipo de arte, logra desvincularse con la naturaleza por medio de la descomposición de la figura en sus partes mínimas, en planos que serán estudiados en sí mismo y no en su visión global. De este modo, la obra de arte se visualiza desde distintas perspectivas, esto ocasiona la ruptura del

aspecto convencional de arte y con la línea de contorno. La forma siempre fue respetada en esta corriente de arte, a pesar de que la figura fuera simplificada en cubos, cilindros y esferas.

Principales Exponentes: George Braque junto con Picasso son los inspiradores del movimiento y algunos de los principales maestros son Juan Gris, Fernand Leger, Jean Metzinger y Albert Gleizes, pero con anterioridad, Cézanne ya habría marcado el camino.

Expresionismo (Alemania 1905).

Es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva. Aunado a ello, pretende revelar el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento ya que la modernización, alienación, aislamiento y la masificación se hizo patente en la grandes polis; causando que lo grandes artistas creyeran que deban catar los sentimientos más íntimos del ser humano. Por otro lado, la angustia existencial es el principal motor de su estética.

Principales Exponentes: Van Gogh, Toulouse-Lautrec, Munch y Ensor.

Dadaísmo (Zúrich 1915-1922)

Surge como protesta por la primera guerra mundial, promoviendo como uno de sus objetivos escandalizar a la burguesía a través de la elaboración de arte con desechos sólidos u elevar un orinal a la categoría de arte. Es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético, ya que cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía. Los dadaísta promueven un cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, defienden el caos frente al orden y la

imperfección frente a la perfección.

Principales Exponentes: Hans Arp y el poeta Tristan Tzara, quienes quisieron mofarse del arte tradicional ridiculizando la tecnología y el progreso.

Surrealismo (Paris 1924 - 1930)

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Representación del cerebro Piet mondrian

Mujer sentada en amarillo Franz MARC

El término fue inventado por Apollinaire en 1917 y se hizo habitual en la revista Littérature. El surrealismo poseía conexiones con el dadaísmo y con la pintura de De Chirico. Los recursos que usaban los pintores de este estilo son: animación del mundo inanimado, metamorfosis, aislamiento de fragmentos anatómicos, máquinas fantásticas, confrontación de elementos incongruentes, perspectivas vacías y la creación evocativa del caos.

Principales Exponentes: Marcel Duchamp, Max Ernst, Salvador Dalí, Marc Chagall, Giorgio de Chirico, René Magritte, Yves Tanguy, Paul Delvaux, entre otros.

Otros tipos de arte contemporáneo

Arte Abstracto:

Es el estilo artístico que enfatiza los aspectos cromáticos, formales y estructurales, acentuándolos, resaltando su valor y fuerza expresiva, sin tratar de imitar modelos o formas naturales. El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones. El arte abstracto usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real.

Arte Cinético:

Sus primeras manifestaciones se sitúan en 1910, el término proviene del griego kinesis (movimiento), por lo que se trataba de un estilo que incorpora el movimiento a la obra. Se podía distinguir entre las creaciones que se mueven al azar, sin motor, las que se mueven mecánicamente y, por último, las estáticas, con efectos de carácter óptico.

Op Art (arte óptico):

Forma parte del arte cinético. Una de sus bases era que cualquier forma geométrica dibujada desde una cierta perspectiva puede perder su estabilidad en la retina de quien la contempla. El op art creó la impresión de movimiento mediante la ilusión óptica con la ayuda de medio pictóricos. El húngaro Victor Vasarely fue una de las figuras capitales del cinetismo.

Neoplasticismo

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Esfera de Jesus Soto

Salvador Dalí

Obras desconocidas – Pablo Piccaso

El Neoplasticismo es una corriente artística impulsada por Piet Mondrian en 1917 que proponía despojar al arte de todo elemento accesorio en un intento de llegar a la esencia a través de un lenguaje plástico objetivo y, como consecuencia, universal. Junto con Theo van Doesburg fundó la revista De Stijl, principal órgano de difusión del movimiento, en cuyo primer número apareció publicado el manifiesto neoplasticista.

Las teorías de Mondrian, que tienen su origen en las obras cubistas de Georges Braque y Picasso y en la teosofía, reivindican un proceso de abstracción progresiva en virtud del cual las formas se irían reduciendo a líneas rectas horizontales y verticales, y los colores al negro, el blanco, el gris y los tres primarios.

Entre sus principales representantes se encontraban, además de Van Doesburg, el pintor Wilmos Huszár, el escultor Georges Vantongerloo y los arquitectos Jacobus Johannes Pieter Oud y Gerrit Thomas Rietvel, entre otros.

El excesivo rigor de las propuestas de Mondrian provocó violentas críticas tanto dentro como fuera de su círculo de adeptos. No obstante, el neoplasticismo está considerado, junto con el suprematismo de Maliévich, el origen de la abstracción geométrica.

Van Doesburg fue la personalidad más activa del grupo, pues era a la vez pintor, escultor, arquitecto, poeta y novelista. El dinamismo geométrico de las líneas y los planos de las pinturas de Mondrian alejado de cualquier intención de simetría, encuentra su correlato en la descomposición elementarista de los polémicos proyectos de Rietveld y van Eesteren, así como en la vibración plástica del café-cabaret Aubette de van Doesburg.

La influencia del movimiento neoplástico se hizo sentir en la Bauhaus, con la cual había una fuerte corriente de intercambios. De hecho, la etapa berlinesa de Mies van der Rohe, antes de su exilio en Estados Unidos, está fuertemente signada por la experiencia neoplástica.

Tanto su serie de proyectos de casas con patios como el célebre Monumento a Rosa Luxemburgo registran esa impronta estética. Pero la culminación de la manera neoplástica de Mies van der Rohe la constituye sin lugar a dudas el magnífico Pabellón Alemán de la Exposición de Barcelona, en el cual el elementarismo centrífugo y a la vez sereno de los planos fugando hacia el espacio y desdibujando las nociones de espacio interior y exterior alcanzan un grado de síntesis no superado.

Arte popular

Arte realizado por el pueblo y para el pueblo, generalmente de una manera anónima con finalidad decorativa y con materiales simples y de escaso valor material. Corresponde a un pueblo y a una delimitación geográfica, pero no a un periodo histórico. El arte popular no tiene épocas y la continuidad de formas,

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colores, temas y procedimientos son características propias. No se identifica la persona del autor, pero puede clasificarse por escuelas o grupos locales.

En Europa, la diferenciación entre arte popular y arte culto se remonta al Renacimiento cuando el artista se individualiza y crea obras de arte para el consumo de particulares. Por ese entonces el arte estaba destinado a pequeñas minorías, a los sectores de la alta sociedad y dueños del poder. Ellos eran los clientes potenciales del arte, que se concretaba con la pintura de caballete, el culto a la personalidad del artista, -quien firma sus obras y las individualiza-, y en el coleccionismo.

La máxima separación entre el arte culto -influido más tarde por el enseñamiento académico- y el arte popular se encuentra en el siglo XVIII. Se hace visible entonces la doble vertiente de un arte popular de base tradicional y un arte popular producto de la corrupción del arte oficial o cortesano. Con la llegada del capitalismo y la Revolución Industrial con su producción masificada, la diferencia entre el arte culto y el popular se acentúa. La sociedad de consumo, caracterizada por el consumo masivo de bienes y servicios, propicia así el florecimiento del arte popular, el arte para las masas.

Con la tecnología el arte popular crece cada vez más. Y es que las Nuevas Tecnologías facilitan la difusión de la obra y, a medida que evolucionan, potencian mucho más la generación y la intensidad de la producción artística. Más adelante, con el surgimiento de Internet como medio de comunicación las artes plásticas se democratizan, y es que la red es una herramienta que está al abasto de millones de personas y sirve para difundir la obra de una forma más rápida y global.

El arte popular por tanto, está íntimamente ligado con la sociedad ya que es su mercado potencial, así que es interesante fijarse en la influencia que ésta ejerce en el artista. Parece indudable la idea de que las obras de arte no son sólo la expresión de un artista individual, sino que reflejan también muchos aspectos de la época, de la sociedad, o de un grupo social o institución. Quien tiene la última palabra es el genio individual del artista, pero la penúltima puede estar dictada por aquellos que consumen el arte.

En la segunda mitad del siglo XX se hicieron algunos estudios para demostrar, analizando las características de un estilo, la relación que hay entre la estructura social y las características estilísticas, y para confirmar la hipótesis de que el arte es la expresión simbólica de los pensamientos y deseos de los miembros de la sociedad.

El concepto de arte popular está relacionado con el de arte pop ya que proviene del inglés Pop-Art, arte popular. Además, el arte pop subraya el valor iconográfico de la sociedad de consumo, la cual es a la vez el factor que propicia el arte popular.

Como autores de este estilo cabe señalar, Red Grooms, Keith Harring, Estéfano Viu, Allen Jones, Peter Max y Tom Wesseleman, entre otros.

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Arte de instalación

Una instalación artística es un género de arte contemporáneo que comenzó a tomar un fuerte impulso a partir de la década de 1970. Las instalaciones incorporan cualquier medio para crear una experiencia visceral o conceptual en un ambiente determinado. Los artistas de instalaciones por lo general utilizan directamente el espacio de las galerías de arte.

Muchos encuentran los orígenes de este movimiento en artistas como Marcel Duchamp y el uso de objetos cotidianos resignificados como obra artística, más que la apreciación de la escultura tradicional que se basa en el trabajo artístico. La intención del artista es primordial en cada instalación, debido a su conexión con el arte conceptual de la década de 1960, lo que nuevamente es una separación de la escultura tradicional que tiene su principal interés en la forma.

Puede incluir cualquier medio, desde materiales naturales hasta los más nuevos medios de comunicación, tales como video, sonido, computadoras e internet, o inclusive energía pura como el plasma.

Algunas instalaciones son sitios específicos de arte; ellas sólo pueden existir en el espacio para el cual son creadas.

Arte moderno

En 1968 Lucy Lippard y John Chandler publicaron La desmaterialización del arte (revista Art International) donde analizaban el proceso de transformación que percibían en el arte contemporáneo: los artistas habían intensificado la gradual desaparición del objeto a favor del concepto y del arte efímero; muchos de los minimalistas (Morris, Smithson, Andre) emprendían trabajos en los que "el arte como idea" o la realización de obras en escenarios

naturales (Land Art) eran los nuevos campos de experimentación o vías de escape al callejón sin salida en el que según ellos se debatían las poéticas más formalistas.

Fue a principios de los sesenta cuando se hizo patente, tanto en el ámbito artístico estadounidense como el europeo, la cristalización y difusión de un nuevo tipo de arte, de unos nuevos comportamientos y de una nueva manera de entender arte y vida. Nuevos escenarios (la calle, el desierto, las costas australianas, la montaña, es decir, cualquier lugar de la naturaleza) reemplazaron los lugares habituales donde el arte solía exponerse. Los valores prevalecientes en el arte a lo largo de los siglos, y que el arte moderno y las vanguardias sólo habían reinterpretado, sin cuestionar de modo radical (la armonía, el cromatismo, la composición, la masa, etc.) eran

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repudiados en beneficio de otros (lo efímero, lo pobre, el proceso, la analogía, etc.). Los medios tradicionales parecían no ser ya los apropiados para ser mensajes en sí mismos (lecturas artísticas de la semiología y de Mac Luhan).

A fines de los años sesenta ya se estaban produciendo algunas manifestaciones artísticas que parecían exigir para el arte la misma libertad y desprecio de los convencionalismos y valores establecidos, y la misma búsqueda de nuevos programas de vida y de sociedad que la juventud revolucionaria del 68 reclamaba en los campus universitarios y las calles desde Praga hasta México, pasando por París y Stanford.

Arte actual

El arte actual son las artes plásticas que existen en el momento presente.

Algunos críticos e historiadores han escrito que la pintura actual es una especie de mezcla de las pinturas anteriores conocidas como el fenómeno de los “ismos”: fauvismo, expresionismo, futurismo, surrealismo, dadaísmo, cubismo… Algunos de los pintores considerados como artistas actuales son Picasso, Dalí, Sequeiros, entre muchos otros.

Como estilo pictórico reciente y actual cabe destacar el Rayonismo. Se trata de un movimiento artístico iniciado en Rusia, en el Salón de la libre Esthétique de Moscú, en 1909, por Miguel Larionov y Natalia Goncharova, y profundizado en 1913. Es una síntesis de cubismo , futurismo y orfismo. El nombre “Rayonismo” se refiere a los "rayos de colores", ordenados en rítmicas y dinámicas secuencias, que construyen el espacio pictórico de esta práctica. El cuadro debe parecer que flota en el tiempo y en el espacio, gracias a rayos de colores paralelos y perpendiculares.

Por lo que se refiere a la escultura actual, las formas, los procedimientos, los materiales y la noción misma han evolucionado mucho desde la antigüedad. A partir del siglo XX, los cambios han sido radicales. Hoy, los artistas que los impulsaron se han convertido en nuevos clásicos, además de establecer un puente entre el pasado lejano y el presente. Algunos de los autores clave (Calder, Caro, Chillida, Duchamp, Miró, Moore, Oldenburg) sirven como marco de referencia para explicar la escultura contemporánea, representada por las obras de jóvenes creadores.

En el panorama de la arquitectura actual hay dos figuras que lo definen perfectamente: el canadiense Frank Gehry (1929) y el español Rafael Moneo (1940). Gehry se caracteriza por un estilo anteclásico y rebelde en el que las formas se mueven con total libertad. En su obra maestra, el Museo Guggenheim de Bilbao, de 1998, los espacios tridimensionales crean una sensación de vitalidad permanente, mientras que en el exterior las cubiertas bombadas de titanio le dan una belleza espectacular que algunos consideran “terrible”. En cambio, Moneo tiene un estilo equilibrado y clásico. El español respeta los materiales clásicos, con un sentido minimalista, y dota a los espacios de una funcionalidad y grandiosidad, como es el caso del Museo de Mérida o de la estación de Atocha de Madrid.

Muchos estudiosos de arte y el público en general, coinciden en considerar que actualmente vivimos el periodo más controvertido y confuso de la historia de las artes plásticas. Hasta las

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primeras décadas del siglo XX, las técnicas expresivas (pintura, escultura y gráfica) podían identificarse con relativa facilidad, así como los estilos a que correspondía una obra. Además, las intenciones estéticas se manifestaban de forma relativamente abierta ante el público y la crítica especializada. Pero hoy en día la multiplicidad de expresiones que se califican como artísticas pueden aturdirnos y llevarnos al terreno de la incomprensión. ¿Cuáles son los parámetros para entender el arte actual? Aquí te presentamos cuatro pistas que te servirán de guía en la compleja travesía de la apreciación del arte actual.

El arte actual es plural, individualista, transgresivo y conceptual.

La pluralidad que caracteriza al arte actual se define a través de la proliferación de lenguajes expresivos y el uso de todo tipo de materiales para la creación artística. Es importante notar que la pluralidad actual se ve impulsada por la incesante innovación dentro del campo del arte.

El arte contemporáneo se caracteriza por la proliferación en el uso de lenguajes, materiales e intenciones. Ante la gran variedad y complejidad de las obras y la continua innovación en la creación artística, no sirve intentar establecer una clasificación del arte actual por estilos, en el sentido relativamente estable de la tradición artística (por ejemplo barroco, rococó, neoclásico, impresionismo, cubismo, etcétera). Por ello el estilo es sustituido por la noción más dinámica detendencia. La tendencia es más inclusiva que el estilo porque reúne grupos de obras que guardan relación en cuanto a técnica, expresividad, elementos formales y significación. De este modo, una misma obra puede pertenecer a distintas tendencias. Desde 1960 se amplió considerablemente el abanico de tendencias y subtendencias. Una tendencia importante es el uso del cuerpo humano como vehículo expresivo en las distintas subtendencias del arte acción (happening, performance, fluxus), en el body art y el videoarte, por ejemplo. O bien se utilizan objetos tridimensionales en las instalaciones, arte conceptual, etcétera. En cuanto a significaciones, en cambio, se puede reunir en una tendencia general de exploración de la identidad sexual al arte gay y al arte feminista.

El valor supremo del arte de nuestro tiempo es la novedad. La proclamación de lo nuevo es continua, de ahí que la mayoría de las obras se consideren obsoletas casi inmediatamente después de ser creadas. El rápido e incesante consumo de las sociedades capitalistas actuales potencian la exploración de lo nuevo, preferentemente formal y en menor medida de los contenidos. Frecuentemente se cree que la innovación es fruto de la libertad creadora, con lo cual se afianza el mito de la autonomía del arte respecto de otras esferas de la vida social. Pero generalmente no es así, ninguna obra de arte evoluciona de un modo completamente autónomo. En buena medida, la innovación incesante está determinada por los intereses del mercado en sociedades donde domina el valor de cambio de la obra de manera similar a la moda, que más que un fenómeno estético o artístico es económico. La innovación y obsolescencia de las obras de arte está especialmente condicionada por la influencia de la crítica y del potencial promocional y publicitario, que afectan directamente su cotización en el mercado.

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El arte actual heredó del movimiento romántico de principios del XIX la noción de que el arte, para ser válido, debe ser la expresión de un extremo individualismo, de una personalidad única. El culto al genio, que se manifestó en el siglo XVI y se consolidó en el XIX, es uno de los valores supremos del arte contemporáneo. De ahí que la búsqueda de originalidad sea otro de los valores muy estimados.

A tal grado ha llegado el culto a la personalidad del artista consagrado, que en muchas ocasiones se da más énfasis a la personalidad del artista que a sus productos: se considera más valiosa la firma de ciertos artistas que el objeto mismo donde está impresa.

El arte moderno tiende a ser transgresivo porque reta las normas artísticas convencionales. La agresión contra el entorno visual y social es uno de los rasgos distintivos del arte moderno. La corriente artística del simbolismo, que floreció en la década de 1880 en Francia, consolidó la idea de que el artista existe fuera de —y por lo tanto opuesto a— la estructura social establecida, y que a través de sus creaciones se presentan nuevas visiones del mundo y del ser humano. A partir de los años 60 varias tendencias artísticas (como el arte acción) buscan provocar al espectador mediante audacias expresivas para involucrarlo activamente en el acto estético.

En diversas tendencias del arte moderno se cuestiona la existencia del arte como objeto. Es decir que la obra se convierte en el punto de partida de una reflexión más amplia que rebasa la obra misma. La “poética” de la obra (su significado trascendente) prevalece sobre el problema de la obra en cuanto cosa realizada y concreta. Si en el arte tradicional predominaba el objeto sobre la teoría, en el arte conceptual prevalece la teoría sobre el objeto. Ya no se basta la obra por sí misma, sino que debe enmarcarse en las teorías que la fundamentan.

Cada obra documenta el estado de reflexión estética de su autor o de una tendencia. Para los estudiosos del arte actual importan más los procesos formativos y artísticos que la constitución física de la obra realizada.

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INTERPRETACIÓN

SITUACIONES VIVENCIALES

DE FORMACIÓN

SITUACIONES

CONTENIDOS

PROCEDIMENTAL CONCEPTUAL ACTITUDINAL

EDUCACIÓN ESTÉTICA

Construcción de modelos sencillos de formas escultóricas (modelado, tallado, suspendido y móvil) con materiales diversos.

Espacio, tiempo, ritmo y movimiento Valoración por sus propias capacidades creativas.

EDUCACIÓN…. (MATEMÁTICA)

Resolución de problemas sobre trazado de triángulos Triángulos Valoración por las posibilidades que brinda el lenguaje matemático para interpretar, representar, conocer mejor y comunicar situaciones reales.

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EL ACTO EDUCATIVO PEDAGÓGICO CREALOGICOBLOQUES (A.I)

Situación Vivencial De Formación (S.V.F)Nombre: “TRANGULOPREPANGULO”: (Triángulo+ Prehispánico); orden del taller: 5to animador pedagógico; enseñar la utilidad que le daban al triangulo en la construcción de Machu-Picchu (Perú).Descripción: Se pretende englobar el bloque de geometría (triangulo) del área curricular de matemática con estética según lo establecido en el currículo básico nacional.Conocimiento: Espontaneo, confrontado, estructurado, práctico, productivo, transferido y apreciativo.Partes o momentos: (S.I.N) -(S.G.C)- (S.P.V)Situación Inicial Natural (S.I.N)Tipo de Conocimiento: Conocimientos previos y creativo.Momento o Parte: 1Descripción de Contenidos: Arte prehispánico, periodo neoindio específicamente la cultura INCA, formación estética visual, tipos de triángulos y arquitectura prehispánica.Situación Genésica (S.G)Tipo de Conocimiento: Confrontado y debatido en clases.Momento o Parte: 2Descripción de Contenidos: Confronta, completa, verifica y corrige en base a respuestas reales propuestas por el animador pedagógico.Situación Genésica Procedimental (S.G.P)Tipo de Conocimiento: PrácticoMomento o Parte: 3Descripción de Contenidos: El participante pone en práctica los contenidos conceptuales y procedimentales realizando una obra arquitectónica del periodo prehispánico INCA.Situación Post-vivencial (S.P.V)Tipo de Conocimiento: TransferidoMomento o Parte: 4Descripción de Contenidos: El participante comparte con su comunidad (entorno) los conocimientos conceptuales, procedimentales y actitudinales adquiridos en el desarrollo del taller.

Lengua y Literatura Matemática Educación Física

Geometría

Ciencias Sociales Ciencias Naturales y Tecnología

Educación Estética

Ritmo, espacio, tiempo y movimiento en las manifestaciones.

INDICADORES

PRODUCE EXPRESA ACTÚA

Resuelve y elabora problemas relacionados con triángulos y paralelogramos

Reconoce los elementos culturales de sus antepasados prehistóricos representando su arquitectura.

Identifica los elementos, temas y medios de expresión en obras arquitectónicas tradicionales y étnicas del pasado prehistórico Inca

PERFILSER COMPARTIR HACER CONOCERUn niño analítico, crítico, curioso, reflexivo, comprometido con su aprendizaje, creativo, innovador y ambicioso de nuevos saberes.

Trabajo cooperativo. Valora las opiniones de sus

compañeros (as). Comparte su conocimiento con

sus compañeros.

Pone en práctica lo aprendido con la exposición y el trabajo individual a través de las situaciones vivenciales de formación (S.V.F)

Fusiona los conocimientos provenientes de la: escuela, familia y estética.

EJES TRANSVERSALESPensamiento e interculturalidad Lenguaje, tecnología y

comunicaciónValores Trabajo Ambiente y salud

Pensamiento lógico: Identifique características, propiedades y relaciones entre elementos usando todos los sentidos.

Comprensión (escuchar y leer): aprecia la importancia del seguimiento de normas e instrucciones al compartir actividades lúdicas o laborales.

Libertad: Sea autónomo en su actuación.

Perseverancia: Demuestra constancia para lograr el éxito en la actividad aprendida.

Solidaridad: Manifiesta espíritu cooperativo en la realización de trabajo en grupo.

Calidad y productividad: Reconozca el hacer como la manera de experimentar, aplicar y comprobar lo que se dice.

Cuidar nuestra salud (aseo personal)

DESARROLLO INTEGRAL

Físico Motriz Cognitivo Afectivo Social

Motricidad Fina (precisión-control) Coordinación oculomanual. Motricidad gruesa. Velocidad Resistencia

Trabajo cooperativo (Vygotsky). Valora las opiniones de sus

compañeros. Comparte sus conocimientos. Percepción Memoria Elaboraciones mentales

Interés Armonía Armonía interior Disposición para aprender. Amor por nuestros pueblos

hermanos de América del sur. Sentimientos

Acata normas. Cooperación Alteridad Indaga sobre las raíces

prehistóricas de su comunidad. Acuerdos Respeto

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Lenguaje Creatividad Atención Asimilación Acomodación.

Intuición Sensibilidad visual Dominio intrapersonal Empatía

Dominio interpersonal Trabajo grupal Solidaridad.

EJECUCIÓN PROCESOTIEMPO AMBIENTE PROBLEMA LÚDICA CREATIVIDAD CONSTRUCCIÓ

N INDIVIDUALCONSTRUCCIÓNSOCIAL

DISEÑOHERMENÉUTICO

ANIMACIÓN PEDAGÓGICA

30 min Aula Obras Música Personajes

(animadores pedagógicos vestidos de indios)

Espacio ornamentado con elementos de la cultura indígena.

Realiza la situación inicial de formación (S.I.N).

Confronta con la situación genésica conceptual (S.G.C).

Aplica los conocimientos en la situación genésica procedimental (S.G.P).

Comparte lo que aprendió con su entorno con la situación Post-vivencial (S.G.P.V).

ActividadesDinámicas.

Cuento del indio Pachacutek.

Muestra su originalidad en la elaboración de una arquitectura característica del imperio inca usando los tipos de triángulos.

El participante es capaz de proyectar lo aprendido en la exposición y el trabajo en el producto.

El participante construye y modifica su estructura cognitiva, afectiva, física y social.

El participante llega a acuerdos para la resolución de los problemas propuestos por el animador pedagógico en las situaciones vivenciales de formación.

Comprensión: Aprender el contenido teórico.

Interpretación:Asociación y valoración de los conocimientos.

Aplicación:Transferencia

Cuento de Pachacutek.

Elementos característicos de esa cultura.

Conversatorio en torno a las respuestas de los estudiantes en las situaciones vivenciales de formación.

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SITUACIONES

CONTENIDOS

PROCEDIMENTAL CONCEPTUAL ACTITUDINAL

EDUCACIÓN ESTÉTICA

Producción de composiciones plásticas (pinturas, esculturas, grabados, dibujos) con sentido comunicativo.

La expresión plástica como lenguaje universal. Comparte y acepta críticas de sus compañeros en sus propiascreaciones.

EDUCACIÓN…. (Cs. De la naturaleza y tecnología)

Búsqueda de evidencias de la presencia de minerales Rocas: Ígneas, Metamórficas y Sedimentarias. Disfrute de la ciencia en la medida que se aprende de ella.

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EL ACTO EDUCATIVO PEDAGÓGICO CREALOGICOBLOQUES (A.I)

Situación Vivencial De Formación (S.V.F)

Nombre: “Prehismayaculnaterales”: (Prehispánico+ Maya+ Naturales+ Minerales); orden del taller: 2do animador pedagógico cuyo propósito es enseñar la utilidad que le daban a la piedra en la construcción de esculturas prehispánicas Maya.Descripción: Se pretende englobar el bloque denominado la tierra y el universo del área curricular de Cs. Naturales y Tecnología con estética según lo establecido en el currículo básico nacional.Conocimiento: Espontaneo, confrontado, estructurado, práctico, productivo, transferido y apreciativo.Partes o momentos: (S.I.N) -(S.G.C)- (S.P.V)Situación Inicial Natural (S.I.N)Tipo de Conocimiento: Conocimientos previos y creativo.Momento o Parte: 1Descripción de Contenidos: Arte prehispánico, periodo neoindio específicamente en la cultura MAYA, formación estética visual, tipos de rocas y escultura prehispánica.Situación Genésica (S.G)Tipo de Conocimiento: Confrontado y debatido en clases.Momento o Parte: 2Descripción de Contenidos: Confronta, completa, verifica y corrige en base a respuestas reales propuestas por el animador pedagógico.Situación Genésica Procedimental (S.G.P)Tipo de Conocimiento: PrácticoMomento o Parte: 3Descripción de Contenidos: El participante pone en práctica los contenidos conceptuales y procedimentales realizando una obra de escultura del periodo prehispánico MAYA.Situación Post-vivencial (S.P.V)Tipo de Conocimiento: TransferidoMomento o Parte: 4Descripción de Contenidos: El participante comparte con su comunidad (entorno) los conocimientos conceptuales, procedimentales y actitudinales adquiridos en el desarrollo del taller.

Lengua y Literatura Matemática Educación Física

Ciencias Sociales Ciencias Naturales y Tecnología

Educación Estética

LA TIERRA Y EL UNIVERSO

EL ARTE COMO MEDIO DE EXPRESIÓN Y COMUNICACIÓN

INDICADORES

PRODUCE EXPRESA ACTÚA

Construye su propio significado de los conceptos estudiados.

Comunica lo aprendido en clase, a su núcleo familiar y comunidad, usando expresiones técnicas.

Respeta el derecho al silencio y la tranquilidad de las demás personas.

que componen las rocas mediante la observación de muestras de granito y mármol, entre otros.

PERFILSER COMPARTIR HACER CONOCERUn niño analítico, crítico, curioso, reflexivo, comprometido con su aprendizaje, creativo, innovador y ambicioso de nuevos saberes.

Trabajo cooperativo. Valora las opiniones de sus

compañeros (as). Comparte su conocimiento con

sus compañeros. Comparte los materiales de

trabajo.

Pone en práctica lo aprendido con la exposición (Explicación) y el trabajo individual a través de las situaciones vivenciales de formación (S.V.F)

Fusiona los conocimientos provenientes de la: escuela, sociedad, familia y estética.

EJES TRANSVERSALESPensamiento e interculturalidad Lenguaje, tecnología y

comunicaciónValores Trabajo Ambiente y salud

Pensamiento lógico:Plantee estrategias diferentes antes de abordar la solución de problemas.

Valore la importancia de prestar atención al contenido de mensaje oral (Comprensión).

Libertad: Sea autónomo en su actuación.

Perseverancia: Demuestra constancia para lograr el éxito en la actividad aprendida.

Solidaridad: Manifiesta espíritu cooperativo en la realización de trabajo en grupo.

Calidad y productividad: Reconozca el hacer como la manera de experimentar, aplicar y comprobar lo que se dice.

Estimula su capacidad creadora como factor importante para la reconstrucción del país.

Cuidar nuestra salud (aseo personal).

60

DESARROLLO INTEGRAL

Físico Motriz Cognitivo Afectivo Social

Motricidad Fina (precisión-control) Coordinación oculomanual. Motricidad gruesa. Velocidad Resistencia

Trabajo cooperativo (Vygotsky). Valora las opiniones de sus

compañeros. Comparte sus conocimientos. Percepción Memoria Elaboraciones mentales Lenguaje Creatividad Atención Asimilación Acomodación.

Interés Armonía Armonía interior Disposición para aprender. Amor por nuestros pueblos

hermanos de América Central. Sentimientos Intuición Sensibilidad visual Dominio intrapersonal Empatía

Acata normas. Cooperación Alteridad Indaga sobre las raíces

prehistóricas de su comunidad. Acuerdos Respeto Dominio interpersonal Trabajo grupal Solidaridad.

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SITUACIONES

62

EL ACTO EDUCATIVO PEDAGÓGICO CREALOGICO

EJECUCIÓN PROCESOTIEMPO AMBIENTE PROBLEMA LÚDICA CREATIVIDAD CONSTRUCCIÓ

N INDIVIDUALCONSTRUCCIÓNSOCIAL

DISEÑOHERMENÉUTICO

ANIMACIÓN PEDAGÓGICA

30 min Aula Obras

acordes a la cultura Maya.

Música Personajes

(animadores pedagógicos vestidos de indios)

Ornamentos Mayas.

• Realiza la situación inicial de formación (S.I.N).• Confronta con la situación genésica conceptual (S.G.C).• Aplica los conocimientos en la situación genésica procedimental (S.G.P).• Comparte lo que aprendió con su entorno con la situación Post-vivencial (S.G.P.V).

ActividadesDinámicas.

Interacción y discusión de opiniones.

Muestra su originalidad en la elaboración de una escultura característica del imperio Maya.

El participante es capaz de proyectar lo aprendido en la exposición y el trabajo en el producto.

El participante construye y modifica su estructura cognitiva, afectiva, física y social.

El participante llega a acuerdos para la resolución de los problemas propuestos por el animador pedagógico en las situaciones vivenciales de formación.

Comprensión: Aprender el contenido teórico.

Interpretación:Asociación y valoración de los conocimientos.

Aplicación:Transferencia

Conversatorio en torno a las respuestas de los estudiantes en las situaciones vivenciales de formación.

BLOQUES (A.I)Situación Vivencial De Formación (S.V.F)Nombre: “PALEODUFISICOORDINAHISTORIZANDO”: (Paleolítico +Prehistórico, Educación Física, Coordinación); orden del taller: 3er animador pedagógico; enseñar los diferentes tipos de movimientos y habilidades corporales a través de ilustraciones prehistóricas.Descripción: Se pretende englobar el bloque denominado aptitud física del área curricular de Educación Física con Educación Estética según lo establecido en el currículo básico nacional.Conocimiento: Espontaneo, confrontado, estructurado, práctico, productivo, transferido y apreciativo.Partes o momentos: (S.I.N) -(S.G.C)- (S.P.V)Situación Inicial Natural (S.I.N)Tipo de Conocimiento: Conocimientos previos y creativo.Momento o Parte: 1Descripción de Contenidos: Arte prehistórico, especialmente en el periodo paleolítico, formación estética visual, tipos de movimientos, dibujo prehistórico y habilidades.Situación Genésica (S.G)Tipo de Conocimiento: Confrontado y debatido en clases.Momento o Parte: 2Descripción de Contenidos: Confronta, completa, verifica y corrige en base a respuestas reales propuestas por el animador pedagógico.Situación Genésica Procedimental (S.G.P)Tipo de Conocimiento: PrácticoMomento o Parte: 3Descripción de Contenidos: El participante pone en práctica los contenidos conceptuales y procedimentales realizando un dibujo del periodo de un movimiento corporal de una cavernícola del paleolítico.Situación Post-vivencial (S.P.V)Tipo de Conocimiento: TransferidoMomento o Parte: 4Descripción de Contenidos: El participante comparte con su comunidad (entorno) los conocimientos conceptuales, procedimentales y actitudinales adquiridos en el desarrollo del taller.

Lengua y Literatura Matemática Educación Física

APTITUD FÍSICA

Ciencias Sociales Ciencias Naturales y Tecnología

Educación Estética

INDICADORES

PRODUCE EXPRESA ACTÚA

Realiza imitaciones y simulaciones a través de gestos y movimientos corporales.

Se expresa libremente.

Experimenta con su cuerpo sus posibilidades de expresión.

CONTENIDOS

PROCEDIMENTAL CONCEPTUAL ACTITUDINAL

EDUCACIÓN ESTÉTICA

Baile y danza. Participación en actividades de expresión corporal lúdico y recreativo.

Valoración de la comunicación oral, escrita, gestual y corporal en la consolidación del conocimiento.

EDUCACIÓN…. (Educación Física)

Utilización de diferentes tipos de movimientos y habilidades adaptadas a diferentes situaciones y medios.

Destrezas deportivas. Superación de miedos e inhibiciones motrices.

PERFILSER COMPARTIR HACER CONOCERUn niño analítico, crítico, curioso, reflexivo, comprometido con su aprendizaje, creativo, sin temores, innovador y ambicioso de nuevos saberes.

Trabajo cooperativo. Valora las opiniones de sus

compañeros (as). Comparte su conocimiento con

sus compañeros.

Pone en práctica lo aprendido con la exposición (Explicación) y el trabajo individual a través de las situaciones vivenciales de formación (S.V.F)

Fusiona los conocimientos provenientes de la: escuela, familia y estética.

EJES TRANSVERSALESPensamiento e interculturalidad Lenguaje, tecnología y

comunicaciónValores Trabajo Ambiente y salud

Muestra independencia en la resolución de los problemas planteados en clase.

Aprecia la importancia de la lectura de materiales propios del lenguaje no verbal: imágenes, gráficos, mapas e ilustraciones.

Libertad: Sea autónomo en su actuación.

Perseverancia: Demuestra constancia para lograr el éxito en la actividad aprendida.

Solidaridad: Manifiesta espíritu cooperativo en la realización de trabajo en grupo.

Reconoce el hacer como la manera de experimentar, aplicar y comprobar lo que se dice.

Cuidar nuestra salud (aseo personal)

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64

DESARROLLO INTEGRAL

Físico Motriz Cognitivo Afectivo Social

Motricidad Fina (precisión-control) Coordinación oculomanual. Motricidad gruesa. Velocidad Resistencia

Trabajo cooperativo (Vygotsky). Valora las opiniones de sus

compañeros. Comparte sus conocimientos. Percepción Memoria Elaboraciones mentales Lenguaje Creatividad Atención Asimilación Acomodación.

Interés Armonía Armonía interior Disposición para aprender. Amor por nuestros pueblos

hermanos de América del sur. Sentimientos Intuición Sensibilidad visual Dominio intrapersonal Empatía

Acata normas. Cooperación Alteridad Indaga sobre las raíces

prehistóricas de su comunidad. Acuerdos Respeto Dominio interpersonal Trabajo grupal Solidaridad.

EJECUCIÓN PROCESOTIEMPO AMBIENTE PROBLEMA LÚDICA CREATIVIDAD CONSTRUCCIÓ

N INDIVIDUALCONSTRUCCIÓNSOCIAL

DISEÑOHERMENÉUTICO

ANIMACIÓN PEDAGÓGICA

30 min Aula Obras Música Personajes

(animadores pedagógicos vestidos de cavernícolas)

Espacio ornamentado con elementos prehistoricos.

• Realiza la situación inicial de formación (S.I.N).• Confronta con la situación genésica conceptual (S.G.C).• Aplica los conocimientos en la situación genésica procedimental (S.G.P).• Comparte lo que aprendió con su entorno con la situación Post-vivencial (S.G.P.V).

ActividadesDinámicas.

Tomar un rol:1-Dibujante2-Posar para ser dibujado.

Muestra su originalidad en la elaboración de una pintura característica del período paleolítico usando distintas posiciones corporales .

El participante es capaz de proyectar lo aprendido en la exposición y el trabajo en el producto.

El participante construye y modifica su estructura cognitiva, afectiva, física y social.

El participante llega a acuerdos para la resolución de los problemas propuestos por el animador pedagógico en las situaciones vivenciales de formación.

Comprensión: Aprender el contenido teórico.

Interpretación:Asociación y valoración de los conocimientos.

Aplicación:Transferencia

Conversatorio en torno a las respuestas de los estudiantes en las situaciones vivenciales de formación.

SITUACIONES

CONTENIDOS

PROCEDIMENTAL CONCEPTUAL ACTITUDINAL

EDUCACIÓN ESTÉTICA

Producción de composiciones plásticas (pinturas,esculturas, grabados, dibujos) con sentido comunicativo.

La expresión plástica como lenguaje universal. Comparte y acepta críticas de sus compañeros en sus propiascreaciones.

EDUCACIÓN…. (Cs. Sociales)

Venezuela y América Latina. Participación en conversaciones sobre los elementoscomunes que identifican a los países latinoamericanos.

Siente orgullo de ser latinoamericano.

65

EL ACTO EDUCATIVO PEDAGÓGICO CREALOGICOBLOQUES (A.I)

Situación Vivencial De Formación (S.V.F)Nombre: “AZTECIENSOPINPREHIS”: ( Prehispánico+ Cs. Sociales + Azteca Pintura); orden del taller: 4to animador pedagógico; enseñar el tipo de pintura que usaban los pueblos AZTECAS.Descripción: Se pretende englobar el bloque de “la sociedad venezolana y su espacio geográfico” del área curricular de Cs. Sociales con Educación estética según lo establecido en el currículo básico nacional.Conocimiento: Espontaneo, confrontado, estructurado, práctico, productivo, transferido y apreciativo.Partes o momentos: (S.I.N) -(S.G.C)- (S.P.V)Situación Inicial Natural (S.I.N)Tipo de Conocimiento: Conocimientos previos y creativo.Momento o Parte: 1Descripción de Contenidos: Arte prehispánico, periodo AZTECA, formación estética visual, sociedades latinoamericanas y dibujo prehispánico.Situación Genésica (S.G)Tipo de Conocimiento: Confrontado y debatido en clases.Momento o Parte: 2Descripción de Contenidos: Confronta, completa, verifica y corrige en base a respuestas reales propuestas por el animador pedagógico.Situación Genésica Procedimental (S.G.P)Tipo de Conocimiento: PrácticoMomento o Parte: 3Descripción de Contenidos: El participante pone en práctica los contenidos conceptuales y procedimentales realizando una pintura del periodo prehistórico AZTECA.Situación Post-vivencial (S.P.V)Tipo de Conocimiento: TransferidoMomento o Parte: 4Descripción de Contenidos: El participante comparte con su comunidad (entorno) los conocimientos conceptuales, procedimentales y actitudinales adquiridos en el desarrollo del taller.

Lengua y Literatura Matemática Educación Física

Ciencias Sociales Ciencias Naturales y Tecnología

Educación Estética

LA SOCIEDAD VENEZOLANA Y SU ESPACIO GEOGRÁFICO

EL ARTE COMO MEDIO DE EXPRESIÓN Y COMUNICACIÓN

INDICADORES

PRODUCE EXPRESA ACTÚA

Establece analogías entre las manifestaciones de cultura popular tradicional de Venezuela yLatinoamérica.

Dialoga sobre los elementos comunes que identifican a los países latinoamericanos.

Elabora registros de las manifestaciones de cultura popular tradicional que se conservan y practican en Venezuela y Latinoamérica.

PERFILSER COMPARTIR HACER CONOCERUn niño analítico, crítico, curioso, reflexivo, comprometido con su aprendizaje, creativo, innovador y ambicioso de nuevos saberes.

Trabajo cooperativo. Valora las opiniones de sus

compañeros (as). Comparte su conocimiento con

sus compañeros.

Pone en práctica lo aprendido con la exposición y el trabajo individual a través de las situaciones vivenciales de formación (S.V.F)

Fusiona los conocimientos provenientes de la: escuela, familia y estética.

EJES TRANSVERSALESPensamiento e interculturalidad Lenguaje, tecnología y

comunicaciónValores Trabajo Ambiente y salud

Esclarezca metas y planifique estrategias de solución a los problemas.

Producción: Toma conciencia de sus capacidades criticas al opinar sobre problemas de su entorno.

Libertad: Sea autónomo en su actuación.

Perseverancia: Demuestra constancia para lograr el éxito en la actividad aprendida.

Solidaridad: Manifiesta espíritu cooperativo en la realización de trabajo en grupo.

Reconozca el hacer como la manera de experimentar, aplicar y comprobar lo que se dice (Aprender haciendo).

Cuidar nuestra salud (aseo personal)

DESARROLLO INTEGRAL

Físico Motriz Cognitivo Afectivo Social

Motricidad Fina (precisión-control) Coordinación oculomanual. Motricidad gruesa. Velocidad Resistencia

Trabajo cooperativo (Vygotsky). Valora las opiniones de sus

compañeros. Comparte sus conocimientos. Percepción Memoria Elaboraciones mentales Lenguaje Creatividad Atención Asimilación Acomodación.

Interés Armonía Armonía interior Disposición para aprender. Amor por nuestros pueblos

hermanos de América del sur. Sentimientos Intuición Sensibilidad visual Dominio intrapersonal Empatía

Acata normas. Cooperación Alteridad Indaga sobre las raíces

prehistóricas de su comunidad. Acuerdos Respeto Dominio interpersonal Trabajo grupal Solidaridad.

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SITUACIONES

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EL ACTO EDUCATIVO PEDAGÓGICO CREALOGICO

EJECUCIÓN PROCESOTIEMPO AMBIENTE PROBLEMA LÚDICA CREATIVIDAD CONSTRUCCIÓ

N INDIVIDUALCONSTRUCCIÓNSOCIAL

DISEÑOHERMENÉUTICO

ANIMACIÓN PEDAGÓGICA

30 min Aula Obras Música Personajes

(animadores pedagógicos vestidos de indios)

Espacio ornamentado con elementos de la cultura indígena Azteca.

Realiza la situación inicial de formación (S.I.N).

• Confronta con la situación genésica conceptual (S.G.C).• Aplica los conocimientos en la situación genésica procedimental (S.G.P).• Comparte lo que aprendió con su entorno con la situación Post-vivencial (S.G.P.V).

Por grupo se reunirán para hacer una pintura que caracterice a los pueblos Aztecas, agregándole un toque de originalidad.

Muestra su originalidad en la elaboración de una arquitectura característica del imperio AZTECA.

El participante es capaz de proyectar lo aprendido en la exposición y el trabajo en el producto.

El participante construye y modifica su estructura cognitiva, afectiva, física y social.

El participante llega a acuerdos para la resolución de los problemas propuestos por el animador pedagógico en las situaciones vivenciales de formación.

Comprensión: Aprender el contenido teórico.

Interpretación:Asociación y valoración de los conocimientos.

Aplicación:Transferencia

Conversatorio en torno a las respuestas de los estudiantes en las situaciones vivenciales de formación.

BLOQUES (A.I)

Situación Vivencial De Formación (S.V.F)Nombre: “PREHISTOLENGUAIMPRESIONANDO”: (Prehistórico + Lengua + Impresión); orden del taller: 5to animador pedagógico; enseñar la utilidad que se le puede dar a la impresión para representar símbolos del período prehistórico paleolítico superior.Descripción: Se pretende englobar el bloque de Interacción Comunicativa Oral del área

curricular de Lengua y Literatura con estética según lo establecido en el currículo básico nacional.Conocimiento: Espontaneo, confrontado, estructurado, práctico, productivo, transferido y apreciativo.Partes o momentos: (S.I.N) -(S.G.C)- (S.P.V)Situación Inicial Natural (S.I.N)Tipo de Conocimiento: Conocimientos previos y creativo.Momento o Parte: 1Descripción de Contenidos: Arte prehistórico, periodo paleolítico superior, formación estética visual, símbolos de la pintura prehistórica.Situación Genésica (S.G)Tipo de Conocimiento: Confrontado y debatido en clases.Momento o Parte: 2Descripción de Contenidos: Confronta, completa, verifica y corrige en base a respuestas reales propuestas por el animador pedagógico.Situación Genésica Procedimental (S.G.P)Tipo de Conocimiento: PrácticoMomento o Parte: 3Descripción de Contenidos: El participante pone en práctica los contenidos conceptuales y procedimentales realizando una obra artística con símbolos de impresión del periodo prehistórico paleolítico superior.Situación Post-vivencial (S.P.V)Tipo de Conocimiento: TransferidoMomento o Parte: 4Descripción de Contenidos: El participante comparte con su comunidad (entorno) los conocimientos conceptuales, procedimentales y actitudinales adquiridos en el desarrollo del taller.

Lengua y Literatura Matemática Educación Física

INTERACCIÓN COMUNICATIVA ORALCiencias Sociales Ciencias Naturales

y TecnologíaEducación Estética

EL ARTE COMO MEDIO DE EXPRESIÓN Y COMUNICACIÓN.

INDICADORES

PRODUCE EXPRESA ACTÚA

Identifica y diferencia la estructura general de textos de estructura instruccional.

Interpreta elementos gráficos complementarios como mapas, tablas, ilustraciones, fotografías,...

Comprende, respeta y cumple instrucciones de uso cotidiano.

CONTENIDOS

PROCEDIMENTAL CONCEPTUAL ACTITUDINAL

EDUCACIÓN ESTÉTICA

Realización de ejercicios para lograr armonías cromáticas o contrastes entre colores primarios y secundarios, cálidos y fríos.

Elementos de expresión y comunicación en las artes. Creatividad al expresarse a travésdel color.

EDUCACIÓN…. ( Lengua y Literatura)

Comprensión y seguimiento de instrucciones en larealización de trabajos en al aula y fuera del contextoescolar.

Textos narrativos, descriptivos e instruccionales. Valoración del desarrollo del pensamiento lógico y creativo en la toma de decisiones y resolución de problemas.

PERFILSER COMPARTIR HACER CONOCERUn niño analítico, crítico, curioso, reflexivo, comprometido con su aprendizaje, creativo, innovador y ambicioso de nuevos saberes.

Trabajo cooperativo. Valora las opiniones de sus

compañeros (as). Comparte su conocimiento con

sus compañeros.

Pone en práctica lo aprendido con la exposición y el trabajo individual a través de las situaciones vivenciales de formación (S.V.F)

Fusiona los conocimientos provenientes de la: escuela, familia y estética.

EJES TRANSVERSALESPensamiento e interculturalidad Lenguaje, tecnología y

comunicaciónValores Trabajo Ambiente y salud

Identifica características, propiedades y relaciones entre elementos usando todos los sentidos.

Aprecia la importancia del seguimiento de normas e instrucciones al compartir actividades lúdicas o laborales.

Libertad: Sea autónomo en su actuación.

Perseverancia: Demuestra constancia para lograr el éxito en la actividad aprendida.

Solidaridad: Manifiesta espíritu cooperativo en la realización de trabajo en grupo.

Calidad y productividad: Reconozca el hacer como la manera de experimentar, aplicar y comprobar lo que se dice.

Cuidar nuestra salud (aseo personal)

DESARROLLO INTEGRAL

Físico Motriz Cognitivo Afectivo Social

Motricidad Fina (precisión-control) Coordinación oculomanual. Motricidad gruesa. Velocidad Resistencia

Trabajo cooperativo (Vygotsky). Valora las opiniones de sus

compañeros. Comparte sus conocimientos. Percepción Memoria Elaboraciones mentales

Interés Armonía Armonía interior Disposición para aprender. Amor por nuestros pueblos

hermanos de América del sur. Sentimientos

Acata normas. Cooperación Alteridad Indaga sobre las raíces

prehistóricas de su comunidad. Acuerdos Respeto

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Lenguaje Creatividad Atención Asimilación Acomodación.

Intuición Sensibilidad visual Dominio intrapersonal Empatía

Dominio interpersonal Trabajo grupal Solidaridad.

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EJECUCIÓN PROCESOTIEMPO AMBIENTE PROBLEMA LÚDICA CREATIVIDAD CONSTRUCCIÓ

N INDIVIDUALCONSTRUCCIÓNSOCIAL

DISEÑOHERMENÉUTICO

ANIMACIÓN PEDAGÓGICA

30 min Aula Obras Música Personajes

(animadores pedagógicos vestidos de cavernícolas)

Espacio ornamentado con elementos prehistóricos.

• Realiza la situación inicial de formación (S.I.N).• Confronta con la situación genésica conceptual (S.G.C).• Aplica los conocimientos en la situación genésica procedimental (S.G.P).• Comparte lo que aprendió con su entorno con la situación Post-vivencial (S.G.P.V).

ActividadesDinámicas.

Muestra su originalidad en la elaboración del sello característico del paleolítico superior.

El participante es capaz de proyectar lo aprendido en la exposición y el trabajo en el producto.

El participante construye y modifica su estructura cognitiva, afectiva, física y social.

El participante llega a acuerdos para la resolución de los problemas propuestos por el animador pedagógico en las situaciones vivenciales de formación.

Comprensión: Aprender el contenido teórico.

Interpretación:Asociación y valoración de los conocimientos.

Aplicación:Transferencia

Conversatorio en torno a las respuestas de los estudiantes en las situaciones vivenciales de formación.

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CONCLUSIÓNLa labor docente exige maestros capaces de enfrentar el acto educativo de manera multidimensional y creativa para el buen uso de los recursos materiales. Debemos hacernos de una firme serenidad para abarcar lo palpable y lo invisible a los ojos; ser cariñosos pero tener autoridad. Aunque, debemos recordar que como docente estamos desprovistos de fórmulas o recetas que

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APLICACIÓN

SITUACIONES VIVENCIALES

DE FORMACIÓN

EJECUCIÓN PROCESOTIEMPO

AMBIENTE PROBLEMA LÚDICA

CREATIVIDAD

CONSTRUCCIÓN INDIVIDUAL

CONSTRUCCIÓNSOCIAL

DISEÑOHERMENÉUTICO

ANIMACIÓN PEDAGÓGICA

30 min

Aula Obras Música Person

ajes (animadores pedagógicos vestidos de indios)

Espacio ornamentado con elementos de la cultura indígena.

Realiza la situación inicial de formación (S.I.N).

Confronta con la situación genésica conceptual (S.G.C).

Aplica los conocimientos en la situación genésica procedimental (S.G.P).

Comparte lo que aprendió con su entorno con la situación Post-vivencial (S.G.P.V).

ActividadesDinámicas.

Cuento del indio Pachacutek.

Muestra su originalidad en la elaboración de una arquitectura característica del imperio inca usando los tipos de triángulos.

El participante es capaz de proyectar lo aprendido en la exposición y el trabajo en el producto.

El participante construye y modifica su estructura cognitiva, afectiva, física y social.

El participante llega a acuerdos para la resolución de los problemas propuestos por el animador pedagógico en las situaciones vivenciales de formación.

Comprensión: Aprender el contenido teórico.

Interpretación:Asociación y valoración de los conocimientos.

Aplicación:Transferencia

Cuento de Pachacutek.

Elementos característicos de esa cultura.

Conversatorio en torno a las respuestas de los estudiantes en las situaciones vivenciales de formación.

nos dicten lo pasos a seguir para ser los mejores maestro; es por ello que debemos ser maestros comprometidos con el desarrollo intelectual de las futuras generaciones que tomaran el timón en el curso de nuestro país.

A su vez, un maestro juega distintos roles como: mediador, gerente, orientador, facilitador, animador, motivador, investigador, estratega, entre otros. Sn embargo, en el que más debe destacarse es en el de investigador pues es necesario que permanezca en constante actualización con los nuevos conocimientos, teorías y estrategias para poder aplicarlos en sus clases. Por lo tanto, un profesor debe mantenerse actualizado, para que al enseñar no se obsoleto para sus estudiantes.

En efecto, destacando los roles anteriores siempre dejamos atrás un rol importante, que es que el docente debe ser un productor creativo, es decir, un ciudadano capaz de crear, innovar y lograr estimular en sus estudiantes el sentido de lo hecho en Venezuela, logrando de este modos el ciudadano productor para sacar nuestro país adelante en un futuro inmediato. Para lograr estas metas, el docente puede impulsar un pensamiento crítico, no conformista a través de las Situaciones Vivenciales de Formación.

Recordemos siempre, las palabras de nuestro ilustre maestro Simón Rodríguez (1828):

“O inventamos o erramos”

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ANEXOS Libro para niños Situaciones Vivenciales de

Formación resueltas en clase por los estudiantes.

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BIBLIOGRAFÍALa información disponible en los siguientes sitios web:

http://www.up.edu.mx/document.aspx?doc=1830 http://www.artelista.com/arte-pop.html http://www.arteespana.com/expresionismo.htm http://www.laberintos.com.mx/artdeco2.html http://html.rincondelvago.com/ceramica_2.html http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_culinario http://www.ehow.com/about_5046231_culinary-arts-

definition.html http://es.wikipedia.org/wiki/Metal http://es.wikipedia.org/wiki/Madera http://www.arqhys.com/la-madera.html http://www.arteespana.com/futurismo.htm http://pastranec.net/arte/sigloxx/cubismo.htm http://arquiarchivo.tripod.com/dadaismo.htm http://www.edym.com/CD-tex/2p/matprim/cap03/

cap03.htm

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