Lecturas complementarias de arte1 material de apoyo al plan lector Alberto Marín castro albertomarincastro@gmail.com www.albertomarin.cl https://salacreativa.wordpress.com

                                                                                                               1 Texto alojado en el sitio: https://salacreativa.wordpress.com  

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Índice Los primeros pintores………………………………………3 Los templos dóricos de Grecia……………………….…..5 Alfabeto Egipcio……………………………………………..7 El arte Romano………………………………………………8 Arte en la Edad Media……………………………………..10 Leonardo Da Vinci (Italia)…………………………………12 Mozart (Austria)…………………………………………….14 Miguel de Cervantes Saavedra (España)………………15 Rubén Darío (Nicaragua)………………………………….16 Henri Matisse (Francia)……………………………………18 Pablo Picasso (España)…………………………………..20 Frida Kahlo (México)………………………………………24 Diego Rivera (México)……………………………………..28 Jackson Pollock (E.E.U.U.)……………………………….30 Benito Rebolledo (Curicó, Chile)………………………..32 Camilo Mori (Chile)………………………………………...34 Roberto Matta (Chile)……………………………………...36 Francisco Smythe (Chile)…………………………………39 Eugenio Dittborn (Chile)………………………………….41 Alfredo Jaar (Chile)………………………………………..43 Bibliografía………………………………………………….45

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Los primeros pintores Los hombres primitivos empezaron a dibujar hace miles de años, incluso antes de que empezaran a escribir o a construir casas. Nuestros antepasados creían que las pinturas tenían poderes fantásticos, y tal vez las hacían con algún propósito religioso o mágico. Las pinturas más antiguas que se conocen fueron hechas en las paredes de cuevas y tienen más de 35,000 años. Estas pinturas se han preservado por que fueron hechas dentro de la tierra y han estado aisladas de la lluvia, el sol y el viento. Hay algunas que se conservan en tan buen estado que pareciera que fueron pintadas hace tan sólo unos pocos años.

Los hombres primitivos pintaron sobre las rocas, ellos siguieron las líneas, las hendiduras y los salientes de la piedra para darle volumen a los animales. Ellos pintaron animales que existían en aquella época, como los mamut, los osos cavernarios y los leones primitivos. Algunas de las figuras las delineaban solamente, mientras que otras las coloreaban para que se vieran más sólidas. Ellos dibujaban algunas veces unos animales sobre otros para dar la sensación de que iban en manada y se estaban moviendo.

En muchísimas cuevas alrededor del mundo se han encontrado éste tipo de pinturas primitivas, es imposibles saber exactamente con que propósito las pintaban, pero podemos asumir que eran muy importantes para ellos, ya que los artistas que las crearon pusieron mucho esfuerzo, trabajo y destrezas en su trabajo.

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Los templos dóricos de Grecia En la misma época en que se construían las pirámides en Egipto, algunas tribus nómadas llegaban a la península y las pequeñas islas griegas en el mediterráneo. A las islas llegaban piratas y bandidos a esconder sus tesoros y la población cambiaba continuamente de lugar. Así mismo como el no había una unidad física entre todos estos lugares, tampoco había un gobierno unido y fuerte que los gobernara. Una de la islas llamada Creta, fue la que más se desarrolló en un principio y fue allí donde sus pobladores comenzaron a asentarse y a construir las primeras ciudades. Se cree que en un principio los habitantes construyeron los templos y edificios en madera, pero más adelante pasaron a hacer el mismo tipo de construcción en piedra. Los templos dóricos cómo se les llama por la tribu dórica que habitó la isla en aquellos tiempos, eran unos espacios rectangulares rodeados de columnas que sostenían el techo. Unos 600 años antes de Cristo, los templos en piedra comenzaron a tener a tener ciertas características que no eran solamente funcionales, es decir, sus columnas cilíndricas eran más abultadas en el centro y se adelgazaban en la parte de arriba. Este sencillo detalle hacía ver la construcción más flexible y menos tosca. Su arte en aquella época era rígido, aún más que el egipcio, la cerámica era sencilla y decorada sólo con motivos geométricos. Esa sobriedad, acompañaría para siempre el arte griego de épocas posteriores. De aquella época no se conserva mucho ya que los habitantes de las islas estaban combatiendo permanentemente. Se sabe del esplendor y riqueza de algunas de éstas ciudades por los poemas homéricos que narran en sus cantos las batallas, la vida de los guerreros y la belleza de su arte.

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Alfabeto Egipcio Los egipcios tuvieron un complejo sistema de escritura basado en símbolos y dibujos llamados jeroglíficos. Con los que escribían y narraban hechos de la vida cotidiana, batallas, ritos y sus leyendas. Gracias a sus escritos conocemos hoy en día su historia. La letra C1 tenía un sonido suave como en "cielo", la letra C2 tenía un sonido fuerte como en "casa”. La letra J1 tenía un sonido suave como en "genio" y la letra G2 tenía un sonido fuerte como en "gato"

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El arte Romano romanos invadieron Grecia, gran parte de Europa y partes de África y Asia y crearon un gran imperio hace unos 2,000 años. Ellos fueron muy orgullosos de su cultura y su imperio, pero en cuanto al arte, ellos admiraron y copiaron el arte griego. Desde comienzos del imperio romano, ellos contrataron artistas griegos para decorar sus casas y palacios, pero a pesar de que conservaron la majestuosidad la técnica del arte griego, ellos sí hicieron un cambio dramático que les es propio. Para los griegos era importante mostrar la belleza y la perfección. Cuando ellos creaban una escultura o una pintura de una persona, cambiaban sus rasgos para hacerla semejante, pero perfecta. Los romanos por el contrario, resaltaron en su arte todo tipo de imperfecciones, inflamaciones, arrugas y macas, su arte era tan real, que pareciera que se tiene un ser vivo enfrente. A pesar de que los romanos continuaron utilizando la técnica del fresco para pintar en las paredes, ellos desarrollaron también una nueva técnica: comenzaron a pintar sobre paneles de madera a los que les aplicaban pigmentos minerales disueltos en huevo. Esta técnica se llamó: "témpera al huevo". También ellos desarrollaron otro tipo de pintura para las fachadas de los edificios y para pintar los barcos. Ellos mezclaron los pigmentos con cera de abeja derretida, la cual al enfriarse, la hacía impermeable.

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Arte en la Edad Media La edad media o medioevo comienza después de la caída del imperio romano hace 1,500 años. Cuando el imperio romano comenzó a desmoronarse, los primeros cristianos se reunían ya secretamente a orar en tumbas y pasajes subterráneos. Fue allí donde ellos comenzaron a utilizar las técnicas aprendidas de los romanos para decorar con escenas de la Biblia y la vida de Jesús, sus nuevos espacios de oración. La caída del imperio romano tuvo una gran repercusión en toda Europa y hubo muchísimas guerras por apoderarse del poder y los territorios dejados por los romanos. En ésta época de grandes luchas, había poco tiempo para el arte y la cultura y fueron los primeros cristianos quienes lo conservaron en sus monasterios. En un principio se crearon retablos de madera pintados que se pudieran transportar fácilmente y se decoraban los libros sagrados, que eran escritos y pintados individualmente. Visita nuestro índice de arte y manualidades para leer más artículos para niños y su relación con el arte

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Leonardo Da Vinci (Italia) Leonardo da Vinci fue un gran explorador, científico, arquitecto e inventor, pero se le conoce sobretodo por su maravilloso arte. El mismo era consiente de ello y cuando escribió una carta de presentación al duque de Sforza en Milán, se describía de la siguiente manera: "En cuanto a la pintura, puedo hacer todo lo que sea posible hacer". Leonardo fue un gran maestro y era capaz de pintar a la perfección la ropa y las telas, las expresiones de la cara y el cabello, además tenía un manejo increíble de la perspectiva, que le permitía pintar de una manera absolutamente real. Una de sus primeras obras terminadas que se conocen es la anunciación, él la pintó entre 1475 y 1480 cuando todavía era muy joven y trabajaba como alumno de Verrocchio. A los 20 años cuando se trasladó a Milán, Leonardo tuvo su propio estudio y discípulos, a quienes les enseñaba y a su vez, ellos le ayudaban preparando las pinturas, los pinceles y los lienzos. En aquella época los pintores debían preparar todo, ya que no existían almacenes donde comprar los materiales ya listos. A partir de ese momento, su nombre era muy conocido y tenía trabajo en abundancia. Muchas de sus obras aún se conservan, otros se perdieron y otras nunca pudo terminarlas. Se sabe por ejemplo que el duque de Sforza le pidió a Leonardo una gran escultura de su padre en un caballo. Leonardo trabajó por años en el boceto y en el modelo hecho en arcilla, de donde se sacaría el molde para fundirlo en bronce. El gigantesco caballo medía 8 metros desde la nariz hasta la cola. Se dice que el duque tenía sesenta toneladas de bronce destinadas a la escultura, pero en ese momento la ciudad fue atacada por los franceses y el bronce debió usarse para fundir cañones. Se cree que el modelo en arcilla lo usaron los soldados para practicar con sus arcos y fue completamente destruido. Su pintura más famosa es la Monalisa, Leonardo trabajó en ella por mas de 3 años y se cree que ella era la esposa de un comerciante que quería su retrato. Lo extraño es que Leonardo conservó la pintura hasta el día de su muerte y nunca la vendió. En ella Leonardo utilizó una técnica en la que sobreponía capas de pintura casi transparentes para lograr dar expresión a la cara, dicen los expertos que la Monalisa tiene más de 40 capas de pintura cerca de los ojos y alrededor de la boca.

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Mozart (Austria) Wolfgang Amadeus Mozart es uno de los compositores más importantes en la historia de la música. Sus óperas y conciertos han sido escuchados a través de 250 años y siguen causando la misma emoción y deleite a todos quienes la escuchan. Escribir una biografía para niños sobre Mozart, es emocionante, porque el pequeño Wolfgang fue un niño increíble. Mozart nació en Salzburgo (Austria) en 1756 y murió en Viena en 1791. A los 3 años cuando su padre enseñaba música a su hermana mayor Anna María, llamada cariñosamente “Nannerl”, el niño pidió a su padre que le enseñara a él también. Su padre le explicó que él aún estaba muy pequeño, pero Wolfgang no se dio por vencido y al salir su padre de la habitación se sentó frente al teclado del clavicordio (especie de piano antiguo) y repitió perfectamente la lección que su padre acababa de dar a su hermana. A partir de ese momento su asombrado padre comenzó a enseñarle y el niño aprendía a una velocidad vertiginosa, antes de cumplir los 5 años ya había compuesto sus primeras obras y para los 6 tocaba no sólo el clavicordio, sino también el violín y tenía una facilidad asombrosa para las matemáticas. Su hermana también era muy talentosa y pronto los dos niños se hicieron famosos en toda Europa. Su padre los llevaba a presentarse ante las principales cortes y principados. En los largos viajes en coche, los niños practicaban en teclados de madera con las teclas pintadas. A los 6 años al volver a casa después de uno de sus viajes compuso un pequeño minueto para celebrar su regreso. Unos días más tarde su padre le regaló un violín y esa misma noche el niño pidió a su padre que le permitiera tocar con los músicos que se reunían en la casa de la familia a practicar. Cuando su padre se negó, uno de los músicos pidió que dejaran el niño a su lado con la condición de que tocara muy bajo. Poco a poco el niño terminó siguiendo la música con una maestría increíble. En su viaje a Viena, Austria Nannerl y Wolfgang se presentaron frente al emperador y la emperatriz. Allí el emperador le dijo al niño que iba a cubrir el teclado del piano con una tela negra, el niño dio un gran suspiro y comenzó a tocar sin mirar el teclado, ¡él no necesitaba mirar las teclas para tocar! Antes de los 10 años compuso su primera sinfonía y algunas sonatas dedicadas a las damas de la nobleza. A los 14 años escribió de memoria una versión muy aproximada de un concierto que había escuchado en la capilla sixtina en Roma. Mozart tuvo una corta vida, murió a los 35 años durante los cuales compuso infinidad de óperas y sinfonías. Finalmente se enfermó y terminó su vida triste y solo. A su funeral no asistió nadie, porque estaba lloviendo. Mozart fue enterrado en una fosa común. Niña de 7 años de edad interpreta k467 de Mozart en Londres: https://www.youtube.com/watch?v=2ofRz2LDWnE

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Miguel de Cervantes Saavedra (España) Miguel nació en Alcalá, España, en 1547, no se sabe exactamente el día, pero se sabe que fue a finales de septiembre o principios de octubre, ya que fue bautizado el 9 de octubre. Él pudo haber nacido el 29 de septiembre, día de San Miguel y de ahí haber recibido su nombre. Miguel fue uno de los menores de su casa, el sexto de siete hermanos y su familia tuvo muchos problemas económicos. El padre movía con frecuencia a la familia de un lugar a otro tratando de conseguir mejores ingresos. A los 8 años entró al colegio de los jesuitas, en aquella época la mayoría de los niños no iban a la escuela, pero su padre quería que sus hijos tuvieran una mejor educación. Sus hermanas también sabían leer, cosa que era muy extraña en ésa época. A los 16 años todavía iba a la escuela y le gustaba muchísimo leer y asistir a representaciones de teatro. No se sabe si Miguel fue a la universidad, pero su formación demuestra que fue un hombre muy culto. A los 22 años decidió hacerse soldado. España estaba luchando contra los moros y en la gran batalla de Lepanto, donde obtuvieron la victoria, Miguel recibió varias heridas, una de ellas en su mano izquierda, por lo que desde ésa época lo llamaron el “manco de Lepanto”. Ya en ese momento había comenzado a escribir algunos poemas y tras la batalla recibió unas cartas que certificaban su valiente actuación, él esperaba poder tener una vida mejor. De regreso a casa, su barco se extravió en una tormenta, fueron atacados por un barco, y Miguel y su hermano Rodrigo cayeron prisioneros y fueron hechos esclavos. Trataron muchas veces de escaparse y no lo consiguieron, su familia reunió dinero para el rescate y finalmente tras 5 años de esclavitud pudieron volver a España. En ese momento quiso embarcarse hacia América pero no lo logró. A los 33 años se casó con una joven llamada Catalina y más o menos en ésa misma época terminó de escribir su primera obra importante “La Galatea”, la cual tuvo muy buena acogida y por ella recibió algún dinero, pero en general su situación económica no mejoró. Sus obras todavía no eran muy populares y la mayor parte de lo que escribió en esos años se perdió para siempre. Realizó muchos trabajos y en ninguno tuvo suerte. Sus finanzas eran cada día más difíciles y se cree que para ése momento ya estaba escribiendo la primera parte de su obra más importante: “El ingenioso hidalgo don Quijote de La Mancha” la que fue publicada en 1605, cuando Miguel tenía 58 años. Diez años después terminó la segunda parte y para ése momento ya habían traducciones en Inglés y en Francés de la primera parte. Escribió muchísimo durante sus últimos años, pero nunca tuvo el suficiente dinero para vivir cómodamente. Aunque ya en esa época se reconocía se ingenio, no se alcanzó a vislumbrar el impacto que tendría su obra como un nuevo estilo literario. Murió a los 79 años y contrario a su principal personaje, Don Quijote, Miguel nunca pudo escapar de su destino de hidalgo y soldado pobre. Podemos ver una animación del Quijote en https://www.youtube.com/watch?v=DESCGF5Us4M

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Rubén Darío (Nicaragua) Rubén Darío fue un poeta y escritor nacido en Nicaragua en 1866. A lo largo de su vida vivió en muchísimos países de Centro y Sur América y en España y Francia. Sus primeros años los vivió en la casa de unos tíos en la ciudad de León en Nicaragua, y desde muy pequeño comenzó a escribir y a soñar con ser poeta. Rubén Darío en su autobiografía nos cuenta que aprendió a leer a los 3 años y a los 13 años publicaron en un periódico local su primera obra, una elegía llamada “una lagrima”. La elegía es una poema o lamento triste. Rubén Darío, no siempre se llamó así, su verdadero apellido era García y en sus primeros años firmó sus trabajos escolares con el apellido de sus tíos: Ramírez. Más tarde, al indagar sobre la historia de su familia, descubrió que en la familia de su padre, habían utilizado el nombre Darío, como recuerdo de su tatarabuelo (que se llamaba Darío) y sus hijos y nietos, tanto hombres, como mujeres lo usaban como parte de su nombre, así que él decidió utilizarlo para firmar su obra literaria. Muy pronto sus escritos se dieron a conocer y se le llamaba el “poeta niño”. Desde muy joven se mostró crítico de la iglesia y del gobierno y cuando quiso viajar a educarse a Europa, no consiguió los medios económicos para hacerlo, debido a lo crítico que era en sus escritos. Escritor y viajero incansable, escribió para muchos periódicos en Latinoamérica y Europa. Desempeñó algunos cargos públicos y diplomáticos en diferentes países, los que le ayudaron a llevar alguna soltura económica, pero en general tuvo problemas de dinero. En España se relacionó con poetas y escritores y despertó gran admiración entre algunos autores pertenecientes al nuevo movimiento literario llamado “modernismo”. Aunque la mayor parte de su obra fue dirigida a los adultos, Rubén Darío escribió algunos poemas infantiles, el más conocido de ellos es “Margarita” un poema dirigido a una niña llamada Margarita Debayle, de 5 años, hija de un médico nicaragüense, Rubén Darío paso unas vacaciones con la familia de Margarita en la isla de El Cardón, en la bahía de Corinto (Nicaragua). Rubén Darío murió en Nicaragua en 1916 a los 49 años.

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A ROOSEVELT (Rubén Darío, 1904)

¡Es con voz de la Biblia, o verso de Walt Whitman, que habría que llegar hasta ti, Cazador! Primitivo y moderno, sencillo y complicado,

con un algo de Washington y cuatro de Nemrod. Eres los Estados Unidos,

eres el futuro invasor de la América ingenua que tiene sangre indígena, que aún reza a Jesucristo y aún habla en español.

Eres soberbio y fuerte ejemplar de tu raza; eres culto, eres hábil; te opones a Tolstoy. Y domando caballos, o asesinando tigres,

eres un Alejandro-Nabucodonosor. (Eres un profesor de energía, como dicen los locos de hoy.)

Crees que la vida es incendio, que el progreso es erupción;

en donde pones la bala el porvenir pones.

Los Estados Unidos son potentes y grandes. Cuando ellos se estremecen hay un hondo temblor que pasa por las vértebras enormes de los Andes.

Si clamáis, se oye como el rugir del león. Ya Hugo a Grant le dijo: "Las estrellas son vuestras."

(Apenas brilla, alzándose, el argentino sol y la estrella chilena se levanta...) Sois ricos.

Juntáis al culto de Hércules el culto de Mammón; y alumbrando el camino de la fácil conquista,

la Libertad levanta su antorcha en Nueva York. Mas la América nuestra, que tenia poetas desde los viejos tiempos de Netzahualcoyotl, que ha

guardado las huellas de los pies del gran Baco, que el alfabeto pánico en un tiempo aprendió́;

que consultó los astros, que conoció́ la Atlántida, cuyo nombre nos llega resonando en Platón, que desde los remotos momentos de su vida vive de luz, de fuego, de perfume, de amor, la América del gran Moctezuma, del Inca, la América fragante de Cristóbal Colón,

la América católica, la América española, la América en que dijo el noble Cuactemoc: "Yo no estoy en un lecho de rosas"; esa América

que tiembla de huracanes y que vive de Amor, hombres de ojos sajones y alma bárbara, vive.

Y sueña. Y ama, y vibra; y es la hija del Sol. Tened cuidado. ¡Vive la América española!

Hay mil cachorros sueltos del León Español. Se necesitaría, Roosevelt, ser Dios mismo,

el Riflero terrible y el fuerte Cazador, para poder tenernos en vuestras férreas garras. Y, pues contáis con todo, falta una cosa: ¡Dios!

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Henri Matisse (Francia) Henri Matisse, un artista francés reconocido por su fascinante uso del color. Matisse nació en Francia en 1869 y murió en 1954, vivió sus primeros años en un pequeño pueblo de su país, luego trabajó en París y se retiró los últimos años al sur de Francia. Su padre, quien era dueño de un almacén, quería que él fuera un abogado, Henri, siguiendo el deseo de su padre. comenzó desde muy jóven a trabajar en una oficina de leyes, pero a los 20 años se enfermó de apendicitis y tuvo que estar un largo tiempo en cama. Su madre le regaló una caja de acuerelas para que se entretuviera mientras estaba en cama y fue aquí cuando Henri encontró su verdadera profesión. Dejó la oficina y se fue a estudiar pintura a París a la escuela de Bellas Artes. Al principio de su carrera artística, Matisse se dedicó a pintar de una manera clásica y se iba al museo del Louvre a copiar las obras de los grandes maestros. Luego se dedicó a pintar paisajes con gran influencia de los pintores impresionistas, pero poco a poco su obra se fue simplificando y fue eliminando los detalles de dibujo y dando una gran importancia al uso del color. En 1905 tuvo una exhibición de arte con dos amigos artistas en los que exhibieron unas obras pintadas con colores muy extraños. A ellos no les importaba que las cosas se vieran reales y ellos querían que simplemente sus colores cantaran, sin poner atención a las normas y reglas. La exhibición causó mucho impacto y la gente dijo que ellos pintaban como unas “bestias salvajes” (fauves en francés) a ellos les gustó el nombre y desde entonces comenzaron a llamarse a sí mismos y a su arte “Fauves”. Matisse cada vez fue simplificando su arte, haciendo sus pinturas más planas sin diferenciar los tonos de las figuras en primer plano con las del fondo y utilizando gran cantidad de texturas. Para cuando Matisse tenía 40 años, ya era un pintor famoso, su arte se vendía bien y se dedicó a viajar y observar la luz en los diferentes lugares y cómo esta afectaba los colores. Cuando cumplió 70 años se enfermó de cáncer y le costaba mucho moverse, pero él recibía cada día como un regalo y lo dedicaba a su arte. Como no podía mantenerse de pié, Matisse se dedicó a recortar papeles pintados de diferentes colores y texturas. El cortaba formas y las hacía sostener por sus asistentes sobre una gran hoja de papel, luego él hacía mover las formas hasta que sentía que estaban bien y las pegaban sobre el papel.

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The Dance 1990-1991

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Pablo Picasso (España)

“Todo niño es un artista. El problema es cómo seguir siendo artista cuando uno crece”.

Pablo Picasso (Pablo Ruiz Picasso, Málaga, 1881 - Moulins, Francia, 1973) Artista español. Hijo del también artista José Ruiz Blasco, en 1895 se trasladó con su familia a Barcelona, donde el joven pintor se rodeó de un grupo de artistas y literatos, entre los que cabe citar a los pintores Ramón Casas y Santiago Rusiñol, con quienes acostumbraba reunirse en el bar Els Quatre Gats.

Entre 1901 y 1904 Pablo Picasso alternó su residencia entre Madrid, Barcelona y París, mientras su pintura entró en la etapa denominada período azul, fuertemente influida por el simbolismo. En la primavera de 1904, Picasso decidió trasladarse definitivamente a París y establecerse en un estudio en las riberas del Sena. En la capital francesa trabó amistad, entre otros, con los poetas Guillaume Apollinaire y Max Jacob y el dramaturgo André Salmon; entre tanto, su pintura experimentó una nueva evolución, caracterizada por una paleta cromática tendente a los colores tierra y rosa. Al poco de llegar a París entró en contacto con personalidades periféricas del mundillo artístico y bohemio, como los estadounidenses Leo y Gertrude Stein, o el que sería su marchante por siempre, Daniel-Henry Kahnweiler.

Hacia finales de 1906 Pablo Picasso empezó a trabajar en una composición de gran formato que iba a cambiar el curso del arte del siglo XX: Les demoiselles d'Avignon (las señoritas de avignon). En esta obra cumbre confluyeron numerosas influencias, entre las que cabe citar como principales el arte africano e ibérico y elementos tomados del Greco y Cézanne. Bajo la constante influencia de este último, y en compañía de otro joven pintor, Georges Braque, Pablo Picasso se adentró en una revisión de buena parte de la herencia plástica vigente desde el Renacimiento, especialmente en el ámbito de la representación pictórica del volumen: fue el inicio del cubismo.

A partir de 1909, Picasso y Braque desarrollaron dicho estilo en una primera fase denominada analítica. En 1912 introdujeron un elemento de flexibilidad en forma de recortes de papel y otros materiales directamente aplicados sobre el lienzo, técnica que denominaron collage. La admisión en el exclusivo círculo del cubismo del pintor español Juan Gris desembocó en la etapa sintética de dicho estilo, marcado por una gama cromática más rica y la multiplicidad matérica y referencial.

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Entre 1915 y mediados de la década de 1920 Picasso fue abandonando los rigores del cubismo para adentrarse en una nueva etapa figurativista, en el marco de un reencuentro entre clasicismo y el creciente influjo de lo que el artista denominó sus «orígenes mediterráneos». Casado desde 1919 con la bailarina rusa Olga Koklova y padre ya de un hijo, Paulo, Pablo Picasso empezó a interesarse por la escultura a raíz de su encuentro en 1928 con el artista catalán Julio González; entre ambos introdujeron importantes innovaciones, como el empleo de hierro forjado.

En 1935 nacería una hija, Maya, de una nueva relación sentimental, Marie-Therèse, con quien Pablo Picasso convivió abiertamente a pesar de seguir casado con Olga Koklova; a partir de 1936, ambas debieron compartir al pintor con una tercera mujer, la fotógrafa Dora Maar.

El estallido de la guerra civil española lo empujó a una mayor concienciación política, fruto de la cual es una de sus obras más conocidas, el mural de gran tamaño Gernika. En 1943 conoció a Françoise Gilot, con la que tendría dos hijos, Claude y Paloma. Tres años más tarde Pablo Picasso abandonó París para instalarse en Antibes, donde incorporó la cerámica a sus soportes predilectos.

En la década de 1950 realizó numerosas series sobre grandes obras clásicas de la pintura, que reinterpretó a modo de homenaje. En 1961 Pablo Picasso contrajo segundas nupcias con Jacqueline Roque; sería su última relación sentimental de importancia. Convertido ya en una leyenda en vida y en el epítome de la vanguardia, el artista y Jacqueline se retiraron al castillo de Vouvenargues, donde el creador continuó trabajando incansablemente hasta el día de su muerte.

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Frida Kahlo (México) Frida Kahlo es una de las más grandes artistas mexicanas. Nació en Coyoacán, México el 6 de julio de 1907. Tuvo 3 hermanas y vivió en una casa azul. Cuando tenía 5 años sufrió una enfermedad muy grave llamada polio, Frida sobrevivió, pero una de sus piernas le quedó muy débil, más corta y más delgada que la otra. Su padre era fotógrafo y artista y siempre tuvo una relación muy profunda con Frida. El le habló sobre el arte antiguo de México, sobre su arquitectura y le enseñó a usar la cámara. Todo esto fue básico para el arte que ella haría más adelante.

Frida creció durante la revolución mexicana, lo cual influenció no sólo su vida sino su arte. A los 18 años, el 17 de septiembre de 1925, Frida tuvo un terrible accidente. El autobús en el que viajaba fue arrollado por un tranvía. Ella sufrió la fractura de varios huesos y lesiones graves en su espalda. Después del accidente, Frida tuvo que estar acostada e inmóvil durante muchos meses y es allí donde comenzó a pintar. Ella hizo algunos retratos de sus familiares y amigos, pero sobretodo se pintó a sí misma rodeada de las cosas que eran importantes para ella, y de las que le causaban dolor. Después de la revolución mexicana el nuevo gobierno contrató varios artistas para que pintaran grandes murales en las paredes de los edificios públicos. Ellos pintaron la historia de México para que la gente se sintiera orgullosa de su cultura y de su pasado. Uno de ellos, llamado Diego Rivera se enamoró de Frida y a pesar de ser 20 años mayor que ella, se casaron y viajaron juntos a los Estados. Allí vivieron en varias ciudades donde Diego tenía contratos para pintar murales. Esa época fue muy difícil para Frida, quedó embarazada y perdió varias veces a sus bebés, ella quería regresar a su patria y Diego no. Luego decidió regresar y estuvo separada de él por algún tiempo, pero finalmente volvieron a estar juntos. Para ese momento el trabajo de ella se había vuelto tan famoso como el de su esposo. Frida pintaba sus sentimientos, sus emociones y su dolor y para ello utilizó el colorido y las figuras tradicionales de su país y las imágenes religiosas del arte popular mexicano. Algunas veces su arte ha sido catalogado como surrealista, es decir, que viene de los sueños, pero como ella misma lo afirmó: “Ellos [los críticos de arte] creen que yo soy surrealista, pero no es cierto, no lo soy: Yo nunca he pintado lo que sueño. Yo pinto mi propia realidad.” Tuvo un final muy triste y doloroso, el dolor se apoderó de ella impidiéndole hacer una vida normal y un año antes de morir tuvieron que amputarle una pierna y luego murió en su casa azul.

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Diego Rivera (México) Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao, mejor conocido como Diego Rivera, nació el 8 de diciembre de 1886 en Guanajuato, Guanajuato. José Carlos María, su hermano gemelo, murió al año y medio. Sus padres fueron don Diego Rivera, maestro rural y editor de un periódico de tendencia liberal, y doña Pilar Barrientos, dedicada al cuidado de su hogar. En 1892 la familia se trasladó a la Ciudad de México, donde viviría de forma permanente. Considerado uno de los grandes artistas en el ámbito mundial, Rivera ingresó en la Academia de San Carlos a los diez años de edad. De inmediato, sus dotes artísticas asombraron a sus maestros. En 1907, a raíz de su primera exposición individual, el gobierno de Veracruz le otorgó una beca de estudios con la que viajó a España. En 1908 Rivera se instaló en París. Al año siguiente conoció a la pintora rusa Angelina Beloff, quien se convirtió en su primera esposa. En 1910 Diego volvió a México, donde pasó una temporada e inauguró una muestra individual. Luego regresó a París. Entre 1913 y 1917 Rivera creó un importante número de obras cubistas. También explora otros estilos pictóricos. En 1915 nació su hijo Diego, quien sobrevive pocos meses; tiempo después Angelina y Rivera se divorciaron. En 1921 hizo un decisivo viaje a Italia, donde absorbió las enseñanzas de los maestros antiguos, de cuya obra realizó estudios que lo llevaron a idear su propio estilo. A mediados de ese año, Rivera volvió a México y se integró al programa cultural del gobierno encabezado por el ministro de Educación, José Vasconcelos. El programa buscaba impulsar las riquezas culturales de México. En 1922 Rivera se casó con Lupe Marín, con quien procreó dos hijas. Se divorciaron en 1928. Con el tema La creación, en 1922, Rivera ejecutó en la Escuela Nacional Preparatoria (Anfiteatro Bolívar) su primer mural. Le seguirán 15 más, realizados en México y Estados Unidos, como el polémico El hombre en la encrucijada (1933), realizado para el Rockefeller Center de Nueva York y destruido en breve por figurar en él un retrato de Lenin. Sin embargo, el Anahuacalli alberga los bocetos originales. Junto con su célebre compañera Frida Kahlo, con quien se casó en 1929, Rivera lleva una intensa vida político-cultural. En 1944 pintó su afamado cuadro Desnudo con alcatraces. Con una magna exposición en el Palacio de Bellas Artes, en 1949 fue homenajeado por sus 50 años de labor artística. En julio de 1954 falleció Frida. Con el deseo de mantener viva su memoria, Rivera decidió crear el Museo Frida Kahlo. En 1955 le diagnosticaron cáncer al muralista. Pese a su enfermedad, él trabaja con vigor. Según su propio diseño, y apoyado por el arquitecto Juan O’Gorman, se concentra en la construcción del Anahuacalli. En 1956 Diego Rivera cumplió 70 años, por lo que se le rindió un gran homenaje nacional e internacional. De su obra destacan su magna producción mural, sus más de tres mil cuadros, los centenares de dibujos, obras gráficas e ilustraciones, así como su rico legado de escritos. El 24 de noviembre de 1957 falleció en su casa de San Ángel Inn (Museo Casa Estudio Diego Rivera). Está sepultado en la Rotonda de las Personas Ilustres, Panteón Civil de Dolores, Ciudad de México. Texto: Ingrid Suckaer.

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“La Creación de Un Fresco: La Presentación de la Construcción de una Ciudad” (1931)

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Jackson Pollock (E.E.U.U.) (Cody, EE UU, 1912-Springs, id., 1956) Pintor estadounidense. Durante su infancia y su adolescencia vivió en Arizona y California, y en 1929 se trasladó a Nueva York para estudiar pintura con Benton en el Art Students League. Durante su período de formación conoció la pintura de los muralistas mexicanos, que le impresionó hondamente. Comenzó su carrera con obras figurativas, en las que presta ya particular atención a los valores matéricos y el cromatismo. Hacia 1938 empezó a interesarse por la pintura abstracta e irracional, y para las obras de este período buscó inspiración en el mundo de los indios americanos.

El año 1947 fue decisivo en su trayectoria, ya que fue cuando adoptó la peculiar técnica del dripping: en lugar de utilizar caballete y pinceles, colocaba en el suelo el lienzo y sobre él vertía o dejaba gotear la pintura, que manipulaba después con palos u otras herramientas, e incluso a veces le daba una gran consistencia mediante la adición de arena e incluso fragmentos de vidrio.

Gracias al apoyo de algunos críticos como Harold Rosenberg, su nombre, asociado a las obras realizadas con la técnica del dripping, se convirtió en uno de los más significativos del expresionismo abstracto y de la action painting, tendencia de la que, con De Kooning, es el representante más típico y destacado. Fue además uno de los primeros artistas en eliminar de sus obras el concepto de composición y en mezclar signos caligráficos con los trazos pictóricos.

A partir de la década de 1950, simultaneó la pintura abstracta con obras figurativas o semifigurativas en blanco y negro, pero su nombre ha pasado a la posteridad, sobre todo, en relación con los grandes lienzos abstractos de vivo colorido, donde los trazos se entrelazan hasta formar una trama densa y compacta (una especie de maraña) de gran impacto. Murió prematuramente en un accidente de automóvil, cuando era ya un pintor de enorme influencia en las jóvenes generaciones.

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Nº 8 Óleo sobre tela

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Benito Rebolledo (Curicó, Chile) Benito Rebolledo Correa, pintor chileno, nació en Curicó el 2 de agosto de 1880 y murió en Santiago el 29 de junio de 1964.

De origen humilde, comenzó su carrera artística a los quince años luego de trasladarse a Santiago e interesarse por aprender las técnicas del afichismo y la pintura decorativa. En aquella época, formó parte de la Colonia Tolstoyana, grupo de artistas y obreros ilustrados de ideas políticas anárquicas que convivían y trabajaban en torno al tema realista social.

Luego de ingresar a la Academia de Bellas Artes y recibir las enseñanzas e influencia de maestros como Pedro Lira, Juan Francisco González y Fernando Álvarez de Sotomayor, Rebolledo se dedicó completamente a la pintura y a cultivar su afición por el boxeo.

Fue responsable de diversas obras por encargo como la restauración y copias para el Plafond del Teatro Municipal y las escenas religiosas para el techo de la iglesia San Agustín.

Su trayectoria fue distinguida con el Premio Nacional de Arte 1959.

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LA BRISA DEL MAR, Oleo/tela 44 x 60 cm Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago, Chile

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Camilo Mori (Chile) Camilo Mori Serrano, pintor y dibujante. Nació en Valparaíso el 24 de septiembre de 1896 y murió en la misma ciudad, el 7 de diciembre de 1973.

En 1914 ingresó a estudiar a la Escuela de Bellas Artes de Santiago, donde fue alumno de los maestros Juan Francisco González, Alberto Valenzuela Llanos y el maestro español Fernando Álvarez de Sotomayor quien lo introdujo a las técnicas de Velázquez y Goya, estilo que inspiraría sus primeros trabajos. Fue integrante de la Generación del Trece.

En 1920 realizó su primer viaje a Europa donde luego de mucho esfuerzo, logró establecerse en París. Continuó sus estudios en talleres y academias libres de Montparnasse. Su contacto con el trabajo de Cezanne y Juan Gris fue decisivo para el posterior desarrollo de su obra.

En 1923 regresó a Chile y participó en la fundación del Grupo Montparnasse. En 1928 fue nombrado Director del Museo Nacional de Bellas Artes, cargo que ejerció por sólo un año ya que en 1929, regresaría a París, esta vez comisionado por el gobierno como inspector de un grupo de veintiséis jóvenes artistas enviados a Europa para continuar con sus estudios luego del cierre de la Escuela de Bellas Artes. El pintor se transformó en el líder de esta promoción, que más tarde sería conocida como la Generación del 28.

En su segunda estadía en Europa, perfeccionó sus estudios en el área del afiche, recibió la influencia de la Escuela de París y se relacionó con grandes artistas cubistas de la época como Picasso y Braque entre otros.

En 1938 viajó a los Estados Unidos y se radicó allí por dos años, época en que se hizo cargo de la decoración del Pabellón de Chile en la Feria Mundial de Nueva York de 1939.

Fue conocido como un artista multifacético, a la pintura se sumó una importante obra gráfica a través del afiche y el diseño teatral. Fue Profesor de Dibujo y Colorido en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Chile, labor que inició en 1933 y que mantuvo por más de treinta años. También, fundó y presidió la Asociación de Pintores de Chile y la Asociación de Cartelistas de Chile.

En 1950, el gobierno chileno le concedió el Premio Nacional de Arte.

Camilo Mori fue Miembro de Número de la Academia de Bellas Artes del Instituto Chile.

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EL BOXEADOR, 1923 Óleo sobre tela 99 x 79 cm Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago, Chile

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Roberto Matta (Chile) (Roberto Matta Echaurren; Santiago, 1911 - San Paolo de Civitavecchia, Italia, 2002) Pintor chileno, figura señera del arte pictórico chileno del siglo XX, perteneciente a la Generación del 40. Cursó la enseñanza media en el Colegio de los Sagrados Corazones y estudió arquitectura en la Universidad Católica de Santiago, por la que se diplomó en 1931. Poco después viajó a París, donde trabajó con Le Corbusier (1934), pero no tardó demasiado en abandonar la arquitectura para dedicarse en exclusiva al arte pictórico.

En 1937, después de trabajar en Londres junto con Walter Gropius y Moholy-Nagy, conoció a André Breton, a través de Federico García Lorca y Salvador Dalí, y abrazó la estética surrealista (1937). Pronto pintó sus Morfologías psicológicas (1938-1939), en las que se entregó a la exploración del inconsciente y al "automatismo absoluto".

El estallido de la Segunda Guerra Mundial lo llevó a emigrar a Estados Unidos. En 1939 viajó a Nueva York, ciudad donde realizó su primera exposición individual y residió hasta 1948. Por ello es reconocido como el introductor del surrealismo no sólo en la plástica chilena, sino también en la de Estados Unidos. La fuerza de Los grandes transparentes (1942) impulsó a Breton a que le ilustrara el último manifiesto surrealista. Su etapa americana tuvo gran relevancia, con obras como la serie cósmica La tierra es un hombre (1939-1942), El vértigo de Eros (1944, adquirido por el Museo de Arte Moderno de Nueva York), El día es un atentado (Museo Nacional de Bellas Artes) o El ónix de Electra, con las cuales adquirió renombre mundial. Desde 1948 se sucedieron las estancias en Europa, Chile y Estados Unidos.

La obra de Matta durante los años cuarenta anticipa muchas de las innovaciones del expresionismo abstracto, e influye en artistas como Gorky y Motherwell. Hacia el final de la guerra elaboró imágenes cada vez más monstruosas; empezaron a aparecer las torturadas criaturas humanoides presentes en su trabajo desde entonces. Su pintura se convierte en narración, nacida de la vitalidad intrínseca de los signos y desarrollada en el dinamismo de la acción pictórica. Pequeños seres monstruosos, mitad hombre y mitad máquina, realizan sobre el lienzo su pantomima grotesca. Su sentido profundo es la crítica, llevada hasta la parodia, de la irracionalidad de la tecnología y de la sociedad moderna. Tras ser expulsado del grupo surrealista y excluido de la Escuela de Nueva York, abandonó la ciudad de los rascacielos y se trasladó a Roma, donde entró en contacto con jóvenes artistas desconocidos y expuso con Asger Jorn y los situacionistas. En la década de 1950 tomó plena conciencia de la realidad política latinoamericana: asumió posiciones de izquierda, denunció en sus obras la

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tortura, la injusticia y la guerra del Vietnam y defendió la causa de Fidel Castro en Cuba.

En esa misma época realizó la serie sobre América Amaneceres, con obras como Nacimiento de América (Museo de Arte Contemporáneo), en la que reflejó esa honda inquietud americanista. En 1956 pintó para la Unesco el mural La duda de los tres mundos (1956). A comienzos de la década de 1970 regresó a su país invitado por Salvador Allende, y trabajó en los murales colectivos con la Brigada Ramona Parra. En 1973 participó en una exposición en Bolonia (Italia) en protesta contra el régimen de Augusto Pinochet, con la obra La vida Allende la muerte.

En 1991 inauguró en El Salvador su Mural alegórico al descubrimiento de América, dentro del marco de conmemoración de los 500 años de la llegada de Cristóbal Colón a América. De sus numerosas exposiciones destacan la del Museo de Arte Moderno de Nueva York (1953) y la del Instituto Contemporáneo de Boston. Recibió, entre otros reconocimientos, la Medalla de Oro de las Bellas Artes Españolas (1985); el Premio Príncipe de Asturias (1992), en España; el Premio Herbert Baeckl (1992), en Austria, y el Premio Nacional de Arte (1990), en Chile. Paralelamente a su actividad pictórica, Matta experimentó con diversos medios altamente tecnificados de creación, como la fotografía o el vídeo.

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Pecador justificado (1952) Oleo s/tela, 117 x 177,5 cm. Col. Museo Tamayo

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Francisco Smythe (Chile) Francisco Javier Smythe Treuer, pintor y artista visual. Nació en Puerto Montt, Chile, el 17 de abril de 1952. Falleció en Santiago el 23 de noviembre de 1998.

Relacionado a las primeras muestras de arte pop en Chile en la década de los ochenta, sus trabajos proponían una reflexión entre la pintura de gesto espontáneo y la figuración de las artes gráficas. De esa época datan equilibradas composiciones y collages en las que conviven dibujos, imágenes recortadas de objetos cotidianos simbólicos de la vida moderna, junto a citas a personajes célebres. En forma paulatina, su producción fue dando cuenta de un imaginario iconográfico que lo identificó a lo largo de toda su carrera. En la época, la crítico Nelly Richard lo incluyó entre los exponentes de Escena de Avanzada.

En Italia sus obras mostraron una clara influencia del expresionismo abstracto americano, incorporando el dripping, la mancha, juegos de transparencias y el uso de materiales extra pictóricos como la fotografía, páginas de prensa y signos geográficos. El autor recurrió a un imaginario fantástico que se relacionaba con su memoria, sus sueños, su infancia y con su tierra natal. Su opción por los colores brillantes y planos sobre fondos blancos o negros, mostraban una ruptura con las tonalidades tradicionales de la pintura chilena.

Usando un lenguaje propio de las estrategias del marketing, citó sus propias obras y la imagen de su persona, para nuevas creaciones en los más diversos soportes, transformándolos en material de arte. Es así como surgieron sus reconocibles figuras de corazones, volcanes en erupción, sandías y zapatos, trozos poéticos, signos gráficos, cordilleras y lunares, que se repitieron en sucesivas pinturas, grabados, instalaciones escenográficas, y performances en obras plenas de humor y con cierta carga de erotismo. Estas obras mostraban su claro interés por establecer un diálogo con el espectador, invitándolo a participar de ellas al imponerles su presencia.

En su última etapa, antes de fallecer de cáncer, en 1998, se empeñó por integrar a sus obras, todo tipo de materiales y recursos tecnológicos como el neón, la fibra óptica y luces halógenas y a la vez, se preocupó por incorporar el arte al área pública y social. Al respecto manifestó: "Mi posición es que el arte y la poesía estén en todas partes". Su interés se concretó por medio del arte muralista, y la creación de escenografías, destacando su trabajo para la estación Baquedano del Metro de Santiago en la que ocupó más de doscientos veintiséis metros cuadrados de muros.

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DIARIO, 19 DE AGOSTO 1986, 1996 Acrílico sobre tela 40 x 40 cm Colección Particular

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Eugenio Dittborn (Chile) Eugenio Dittborn Santa Cruz, artista visual, pintor y grabador. Nació en Santiago, Chile, en 1943.

Estudió dibujo, pintura y grabado en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile desde 1961 a 1965.

Perfeccionó su carrera artística en Europa, donde estudió litografía en la Escuela de Fotomecánica de Madrid, España y en la Hochscule fur Bildene Kunst de Berlín, Alemania y pintura en la Ecole des Beaux Arts de París, Francia.

Su trabajo ha logrado el reconocimiento internacional y ha ejercido notable influencia en el arte chileno de la década de los noventa.

En el año 1993 participó en el proyecto FONDART llamado la Escuela de Santiago junto a los artistas Gonzalo Díaz, Juan Dávila y Arturo Duclos, para realizar cuatro series de postales que contaban con obras inéditas y no inéditas, las que fueron repartidas en distintos puntos específicos y relevantes del contexto artístico nacional, como el Museo Nacional de Bellas Artes, artistas destacados y críticos de arte.

Eugenio Dittborn fue galardonado con el Premio Nacional de Arte 2005.

Desde su regreso a Chile, a principio de la década de los setenta, su nombre ha estado ligado a los movimientos de vanguardia. Su carrera artística, que partió siguiendo una línea eminentemente gráfica, se ha desarrollado en el ámbito del arte conceptual. La preocupación temática de Dittborn se concentra tanto en la crítica a los medios tradicionales de representación como en el modo de ser del hombre chileno. Entre sus trabajos visuales destaca la realización del video Derrame de Aceite Quemado en el Desierto de Tarapacá en 1981.

En 1984 comenzó a trabajar en las llamadas Pinturas Aeropostales, una serie realizada en técnica mixta sobre papel cortado, en un formato especialmente diseñado para el envío a través del correo. La calidad de obra de arte sólo se concreta luego de experimentar un largo proceso que incluye su plegado y envío a diferentes ciudades del mundo a través de la red internacional de correos. Al llegar a cada destino, las pinturas aeropostales son desplegadas y expuestas. De este modo, los conceptos de materialidad, temporalidad y espacialidad de una obra, se unen como complemento a las impensadas asociaciones que hacen los espectadores de la exposición, montada en diferentes contextos culturales.

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TOO & TO , 2003 Pintura aeropostal Nº 52 210 x 140 cm Colección Particular

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Alfredo Jaar (Chile) Alfredo Antonio Jaar Hasbun, artista visual. Nació en Santiago, Chile, el 5 de febrero de 1956.

Es un artista independiente, que no cursó estudios sistemáticos de arte. En 1979 realizó estudios de cine en el Instituto Chileno Norteamericano de Cultura en Santiago y en 1981 ingresó a la carrera de arquitectura en la Universidad de Chile. A fines de los setenta, participó en concursos y exposiciones donde destacó como escultor, grabador e instalador.

En 1982 ganó la Beca Fundación del Pacífico y se radicó en Nueva York, Estados Unidos, lugar donde comenzó a desarrollar una sólida y reconocida trayectoria internacional.

En 2000 se le otorgó el Mac Arthur Fellowship Grant, que premia a personalidades de méritos excepcionales y que han mantenido un trabajo creativo de alta calidad. Fue distinguido con la Winton Chair for Liberal Arts por La Universidad de Minnesotta en Los Estados Unidos que se otorga a académicos que han cuestionado los patrones establecidos de pensamiento y que han desarrollado investigación desafiando y expandiendo paradigmas culturales.

Por su trayectoria reconocida mundialmente en la fotografía, el video y la instalación, obtuvo el Premio Nacional de Arte 2013.

Adscrito a la línea conceptual, formó parte de la vanguardia chilena con una propuesta visual que planteaba las limitaciones y las ventajas comunicacionales del arte para acercarse al espacio social.

Desde mediados de los años ochenta la obra de Jaar se ha caracterizado por su firme crítica a las discriminaciones políticas, económicas y sociales. Usando el lenguaje del arte, se tornó un acérrimo opositor de las políticas globales de desarrollo. Ha recorrido el mundo cámara en mano, rescatando imágenes que denuncian los problemas de la pobreza, el hambre, la guerra, la explotación del hombre, el sida y la discriminación racial y política. La utilización de estas imágenes lleva a la reflexión sobre el poder, los medios de comunicación, y la responsabilidad que les cabe en el tema de la manipulación y banalización de grandes catástrofes humanas.

Las instalaciones de Jaar son transitorias, duran el tiempo en que son expuestas y utiliza para ello la llamada mix-media, es decir, recursos lumínicos, la fotografía y otros materiales utilitarios de la vida moderna.

Generalmente, el lugar en que se exhiben y los mismos espectadores, se incorporan a la totalidad de la obra sobre el supuesto de ser activos intérpretes de aquella.

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T  his is not america (Video instalación, New York, 1987)

Puede ver la video instalación aquí: https://www.youtube.com/watch?v=u-adpTvjNOk

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bibliografía: www.moma.org

www.museoreinasofia.es

http://www.amnh.org

www.artistasplasticoschilenos.cl

http://www.mnba.cl/Vistas_Publicas/publicHome/homePublic.aspx?idInstitucion=70