las funciones del arte a través del tiempo
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Las funciones del arte a través del tiempo
MA Rosa M. Brito
Chinese Horse, cave painting, Lascaux Caves, Dordogne, France. c.15,000-10,000 b.c.
Durante el Paleolítico, el hombre esculpe y pinta con una intención mágica: para propiciar sus actividades de caza, para transmitir ritos y leyendas y su naciente religiosidad.
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Pirámide de Khufu y Great Sphinx, Giza, Egipto, c.2600 b.c.
En las culturas egipcias y mesopotámicas, los artistas-artesanos instalaban sus talleres junto a los templos y palacios. Los sacerdotes y los nobles controlaban la producción de los artistas-artesanos y se beneficiaban de ella. En Egipto destaca la figura del “arquitecto”, constructor de templos, tumbas y palacios.
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The Parthenon, Acropolis, Atenas, Grecia, c.447 b.c.
En Grecia, las obras son destinadas a la contemplación y a la admiración, así como a lo religioso y funerario. El artista ahora es artífice-artesano. Su dignidad social depende de su mayor o menor participación en el trabajo manual. En la sociedad griega, solo la danza, la música y la poesía son consideradas como actividades nobles.
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Durante el Helenismo (surgimiento de la cultura clásica), se reafirma el gusto por el arte y se desarrolla el coleccionismo. Como en tiempos anteriores, el artista trabaja para el poder político y económico.
Dying Gaul,c.240 b.c.
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En Roma, la utilización que el estado hace del arte como divulgador del poder (la imagen es información, ilustración, noticia), propicia el coleccionismo entre las clases dirigentes. Las casas romanas se llenan de obras originales y reproducciones, fruto de botines de guerra o de la compra.
En esa época, el artista buscaba educarse en todas las ciencias, específicamente aritmética y geometría, para mejorar su rol en la sociedad romana, la cual daba a los artistas el mismo nivel social de los cocineros, herreros y barberos.
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El Cristianismo le da al arte un valor didáctico, pedagógico y propagandístico
Catacumba, Good Shepherd, Orants, and the story of Jonah, 4th century a.d. Rome
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En el Bizancio, el arte acompaña al poder teocrático para presentar su carácter religioso-político y ostentoso.
Madonna and Child with the Emperors Justinian and Constatine,A.D. 986-94, Hagia Sophia, Instanbul, Turkey.
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En la Edad Media, del Siglo VI al Siglo XIV, el arte se relaciona con al iglesia y con el poder político.En los inicios de este periodo, los monjes se encargaban de la producción artística.
El Gótico, Siglo XIII-XIV, presenta un abandono del arte monacal, pero un desarrollo de los gremios de artesanos. Se establece una burguesía comercial y una ampliación del área del consumidor de arte. Además de la iglesia y la monarquía, como controladores y consumidores del arte, se unen ahora los grupos de las cortes reales y los comerciantes burgueses.
Monasterios de San Juan de la Peña, España c.922
Durante este período, las mujeres estaban excluidas de las artes porque no les era permitido instruirse en el conocimiento y las habilidades del artista
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Con el Renacimiento, Siglo XV, se recupera el valor hedonístico y económico del arte clásico del período romano.
Los encargos de obras de arte son para compradores procedentes de las cortes monárquicas y de la burguesía ciudadana, además de las donaciones a la iglesia. Poseer obras de arte de reconocidos artistas significa una fuente de prestigio social.
Se desarrolla una nueva actitud hacia la obra de periodos pasados: una valoración estética e histórica.
Mona Lisa,Leonardo da Vinci, c.1503-06
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Durante el Manierismo, siglo XVI, ( la protesta en contra de la búsqueda del balance del Renacimiento), el arte se vincula más a los círculos intelectuales provenientes de la corte pontificia, de la burguesía económicamente poderosa e influyente o de las antiguas familias de las casas reales.
Parmigianino, The Madonna with the long neck, c, 1535
El Greco, El martirio de San Mauricio, 1580
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Es durante el Renacimiento que aparecen las primeras teorías sobre el arte. Giorgio Vasari, arquitecto, pintor y teórico italiano publica en 1568 su obra Vidas, un tratado para el conocimiento del periodo artístico, teorías del arte, artistas y anécdotas. Teóricos como Vasari establecen las directrices estéticas del arte y de los artistas.
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En esta época, se construye el primer edificio destinado a albergar un museo: El Palacio de los Uffizi (Palacio de los Oficios) en Florencia, obra de Vasari.
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A mediados del Siglo XVI se desarrollan las academias. La primera fue la Accademia del Disegno, dirigida por Vasari y auspiciada por Cosme de Médecis, fundada en Florencia en 1563, con Miguel Ángel a la cabeza de la institución y 36 otros artistas.
El artesano lentamente es considerado un artista. La figura ideal del pintor es la de una persona erudita, un hombre de formación completa. Los artistas enseñan a sus discípulos en sus propios talleres.
En el periodo Barroco, Siglo XVII, el arte está vinculado a la iglesia católica y a la iglesia protestante (promotora de ciertos criterios de libertad en artistas y consumidores), a las monarquías absolutas y a los burgueses. La demanda de obras de arte condiciona al artista tanto en la expresión como la temática de su obra. Los coleccionistas compran no solo por prestigio social, sino también por gusto personal y contemplativo.
Gian Lorenzo Bernini, David, 1623
Rubens, Daniel in the Lions´Den, c. 1613
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A finales del Siglo XVII y durante el Siglo XVIII, el gusto italiano del Renacimiento da paso a la francesa Edad de la Razón e Ilustración, con la que aparecen los academicismos en sentido artístico. Es una época en la que el arte es llamado a intelectualizarse. Este periodo histórico y movimiento cultural pretende disipar “las tinieblas de la humanidad” con la “luz de la razón”. La expresión estética de estos movimientos intelectuales y culturales se llamará Neoclasicismo.
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Elizabeth Vigée Le Brun, Baroness Anna Sergeevna Stroganova and Her Son Sergey, 1793
“Desde finales del siglo XVIII, aparecen nuevos “mecenas”. Hastaentonces, los mecenas tradicionales han sido el Estado y la Iglesia,y el arte ha sido básicamente de encargo.
A partir de ahora, con la creación de las Academias, cambia elmercado del arte: los artistas, por una parte, se ven “obligados” abuscar nuevos compradores para sus pinturas y esculturas (por esoorganizaban exposiciones anuales o salons, donde mostraban susobras), y por otra parte, tratarán de realizar temas que gusten asus potenciales compradores. Así, se puede afirmar que el artistagoza de libertad de creación, pero, paralelamente, debe estarpendiente del espectador-mecenas que juzga, enjuicia e interpretasu obra.” (Figueroba, Historia del Arte)
Sir Joshua Reynolds, Lady Elizabeth Hamilton, 1758
Thomas Gainsborough, The Blue Boy, c.1770
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Los clamores a favor de la libertad creativa empezaron a propagarse con la Revolución Francesa, hasta culminar con el Romanticismo, principios del siglo XIX. En este momento nace el artista contemporáneo.”
Eugene Delacroix, The Lion Hunt,1860-61
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Los románticos abogaban por la libre creatividad. Por lo tanto rechazaban todo control sobre su arte: mecenas públicos y privados, así como academias de arte, las cuales, según los románticos, bloqueaban la formación del artista dirigiéndola hacia una rigidez estilística que no dejaba espacio para la inspiración, la originalidad y la libertad en el proceso creativo.
MA Rosa M. Brito
El pintor romántico regresa a su taller, llamado estudio, el cual facilita su creatividad al tener una relación directa, personal, y en soledad, con su obra.
En este período se realizan numerosos retratos o autorretratos que representan al artista en su lugar de trabajo. Este hecho refuerza la idea del genio personalGustave Courbet, The Artist´s Studio,
1855
A mediados del siglo XIX, Paris abre los primeros Salones(exposición sistemática de pinturas). Paris, el corazón mundial del arte y capital de una nación que había sufrido muchos cambios políticos y económicos crea y encumbra a una burguesía consumidora de arte, con una más amplia participación de la clase media.
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Los Salones acercaban la demanda a la oferta y daban publicidad al arte. El papel de la publicidad fue muy importante porque fomentó el gusto artístico en la sociedad y provocó el nacimiento del crítico del arte.
El mundo contemporáneo, Siglo XX, es testigo del surgimiento y presencia de artistas innovadores, con una formación más o menos autodidacta e independiente, lo que favorece el desarrollo de las vanguardias estilísticas, proceso que se inicia en los Salones parisinos y que se prolongará hasta la Segunda Guerra Mundial.
Citando a Antonio Figueroba (Historia del Arte, 1997)
En la actualidad, la imagen que tenemos del artista es de que goza de unagran libertad creativa, sin embargo han surgido otra serie deservidumbres y condicionamientos que favorecen la creación de un marcosocial dominado por la mercantilización del arte, el dominio valorativo de lacrítica y la presión del gusto social. La historia de los artistas del siglo XXes la búsqueda del equilibrio entre la independencia creadora y elcompromiso con los factores históricos condicionantes.
MA Rosa M. Brito
BIBLIOGRAFÍA Y REFERENCIAS
Arte Paleolítico. (n.d.). ARTE EN ESPAÑA. Retrieved July 10, 2012, from
http://www.arteespana.com/paleolitico.htm
Biografía de Giorgio Vasari. (n.d.). Biografías y Vidas .com. Retrieved July
10, 2012, from
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/v/vasari.htm
Figueroba, A., Madrid, M. T., & Flores, M. T. (1997). Historia del arte, 2o. de bachillerato. Madrid [etc.: MacGraw-Hill.
Paris Salon « Blogging Manet's Olympia in 1865. (n.d.). Blogging Manet'sOlympia in 1865. Retrieved July 10, 2012, from
http://olympia1865.wordpress.com/paris-salon/
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