freim #03

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Todos los días, cada mes que pasa y cada año que termina irremediablemente marca el inicio o fin de un ciclo. Este 2013 no será diferente pero si puede ser muy especial debido a ciertos hechos artísticos, casi todos musicales, que cumplen un ciclo importante. La mayoría de la selección de estos hechos elegidos para adornar este nuevo número impreso de Freim, el tercero con exactitud, tienen una característica en común: Francia.

Para empezar tenemos el décimo aniversario del sello discográfico Ed Banger, casa entre muchos otros de Justice, Breakbot y Kavinsky, desmenuzado bajo la pluma de Daniel Alejandro Videla, uno de los administradores del sitio oficial Ed Banger Latinoamérica. Por otro lado recordamos la Nouvelle Vague, denominación que recibió un grupo de cineastas franceses a finales de la década de 1950 que rompieron con los cánones establecidos en el séptimo arte. Una entrevista con Phoenix, grupo francés que al parecer ha cumplido su ciclo como banda mediana para convertirse en headliner de los principales festivales alrededor del orbe. Celebramos también y con mucho orgullo, 50 años de �Rayuela�, novela insignia del icónico escritor argentino Julio Cortázar, que como bien sabemos usa al país francés de marco para desenvolver una de las más grandes novelas de todos los tiempos. Nuestro artículo principal no podía ser otro más que el resurgir de las cenizas del dúo electrónico Daft Punk, que además de traer nuevo álbum bajo la manga también cumplen su aniversario 20 este año.

Hay un par de sorpresas y estrenos en este número, uno de ellos estamos seguros les abrirá el apetito, así que sin más que agregar bienvenidos sean a este nuevo número de Freim.

Alejandro Altamirano

Tenía 14 o 15 años cuando tuve el primer contacto con Ed Banger Records. Y no, yo no estaba metido en esa electrónica para entonces. Escuchaba Kraftwerk, Daft Punk, Michael Jackson (y todo el “sub-pop” correspondiente), Telex... Hasta que “Waters Of Nazareth” logró entrar en mis oídos gracias a un “ligero” error de tipeo en el título de una nota, que en principio decían que era una nueva canción de Daft Punk pero luego en la nota corregían diciendo que Justice eran los “auténticos sucesores de Daft Punk”. ¿Sucesores de Daft Punk? Ese sonido retorcido, para nada digerible, ¿serían realmente los sucesores de Daft Punk? Investigué, tras la incertidumbre de saber más, por dónde venía la cosa, y me tope con el sello que los acuñaba: “Ed Banger Records”. Enseguida busqué todo lo (poco) que para entonces tenían editado, junto a algunas demos que habían tirados por ahí. Para entonces, me topé con Mr. Flash, SebastiAn, Krazy Baldhead, y Vicarious Bliss.

Un sueño, eso es lo que Pedro Winter (Busy P) logró concretar tras años de aventuras como manager de Daft Punk. Su propio sello, manejar artistas (de los mejores del underground). Ambición que dio frutos tras tanto trabajo logístico y empresarial, todo de manera muy correcta, refugiado bajo el velo del under. Más allá del dinero que haya ganado o perdido, hoy en día está claro que, si tu pasión es la electrónica, resulta prácticamente imposible no poder destacar a más de un lanzamiento del sello de Ed Banger Records.

Más tarde, toparme con Mr. Oizo tras una producción que realizara para Uffie & Feadz (sí, en ese momento prácticamente eran un dúo), fue algo que terminó por engancharme al sello y no perderme ninguna noticia del mismo. Recuerdo sentirme raro al principio, sentir que estaba escuchando algún vinilo de mi papá pero repleto de efectos y filtros, sin dudas logró corromper mis barreras de la música. Es que eso genera Ed Banger

Records, un amor/rechazo que termina por hechizarte. Y así pasé mi tiempo libre: llenándome de música el ordenador porque claro, los CD's y vinilos nunca llegaban a mi país (Argentina).

Ah, todas esas tardes y noches llenos de Ed Banger Records, soñando con algún DJ Set en mi ciudad o aquel Live tan especial que Justice mostraba en su “A Cross The Universe”... Hasta que llegó el día, en 2008, cuando pude ver a Uffie & Feadz como dúo en un festival de mi ciudad, y luego, en 2009, Justice en formato DJ Set y sin la cruz, pero lleno de alegría y la mejor música. Resulta cómica la anécdota que tengo para contarles de este DJ set: A la salida, me topo con Gaspard Augé y, en lugar de felicitarlo o agradecerle su visita a la Argentina, le pregunto en un tambaleante inglés: “¿Sabés si Mr. Oizo va a venir a la Argentina alguna

vez?”. Sonrió, quitó el cigarrillo de su boca y me dijo “No está planeado aún, pero en los próximos años ¿Por qué no?”. Un año más tarde se anuncia que Gaspard Augé graba junto a Mr. Oizo la banda sonora para Rubber (película de Quentin Dupieux -Mr. Oizo-). ¡Qué casualidad! “Espero que le haya contado algo de Argentina, que estamos en pleno 2013 y aún no hay ninguna noticia”, pienso, cada tanto.

Sin dudas, la noticia más triste que Pedro Winter ha tenido que dar fue la muerte de DJ Mehdi en Septiembre de 2011. Un artista que estaba en pleno crecimiento musical junto a Riton fromando el dúo “Carte Blanche” tras haber editado un álbum debut, con un sonido urbano impresionante, y haber trabajado con Chromeo y otros grandes artistas. Una pérdida ireemplazable.

10 años de Ed Banger Records. Pocos para un ser humano, pero muchos para un sello: el mundo hoy se mueve entre cambios musicales constantes, donde un día podés ser una estrella popular y al día siguiente un simple desempleado remixeando por comida. Un mundo musical desigual, pero que definitivamente no es injusto al darle el lugar a Ed Banger que le pertenece.

¿Cuántas veces puede uno decir “¡QUÉ BUENO ESTO QUE ENCONTRÉ!” y estar en lo correcto? Faltaba originalidad para entonces y la electrónica enlatada cansaba entre los que buscaban algo realmente bueno. Y Ed Banger desde ese momento, hasta la actualidad nos pudo comprobar con sus artistas de raíz:

Con SebastiAn junto a su música “electroclash, electrometal / lo-fi” que calidad no es sinónimo de originalidad y dedicación. Porque SebastiAn, era todo eso que no era; y a su vez, la pieza que faltaba en el rompecabezas del sello.

Con Vicarious Bliss, que el rock es esencial en todo sello. Pero el rock del bueno! Y que un DJ Set electrónico puede incluir a The Cure o The Smiths sin perder el estilo.

Con Krazy Baldhead, que la música electrónica puede ser más que electrónica, y los géneros intercalarse y entremezclarse sin necesidad de recurrir a ningún DJ que lo mezcle; producciones de lujo, calidad insuperable sin pérdida de ningún detalle. Piezas de arte.

Con Justice, que samplear un tema va más allá del sample, que con ruidos se pueden hacer sonidos, y con poco podemos hacer todo.

Con Uffie, que no es necesario tener la mejor voz para entretener y hacer un disco con buena música, más que destacable entre todas las “Britney Spears” que hoy sobrevuelan el pop.

Con Breakbot, que la música romántica y el funky están más vivos que nunca en la electrónica.

Con Mickey Moonlight, que el excentricismo no se cubre sólo de un género y que la electrónica puede ser más explorada de lo que hasta hoy conocemos.

Con Feadz, que hay gente que aún es (verdaderamente) DJ y que aún existe dedicación, comprobable con sus producciones de lujo (con increíbles 'scratches' análogos -sí,

“Hoy en día está claro que, si tu pasión es la electrónica, resulta

prácticamente imposible no poder destacar a más de un lanzamiento del sello de Ed Banger Records...”

grabados 'en vivo', desde sus propios vinilos y manos-).

Con DSL, que los raperos no sólo se quedan con bases genéricas y poco atractivas, y pueden producirte un tema demoledor.

Con DJ Mehdi (R.I.P), que la música urbana puede apresar a la electrónica y expresarse de la manera más auténtica. Y junto a Riton, revivir el house como música house en sí. Y Boston Bun, ¡oh! Boston Bun, lo agrego aquí porque también es parte del house “banger”.

Con So Me, que el mejor artwork que pueda tener un lanzamiento musical definitivamente corresponde a Ed Banger Records, y que también los diseñadores gráficos pueden diseñar canciones. Sí, So Me, el ganador de un premio MTV europeo al mejor video con “We Are Your Friends” (Justice). Repudiado por

Kanye West porque dijo que “su video era el claro ganador del premio y no el de So Me, que no gastó ni el 10% de lo que él sí gastó”.

Con Mr. Flash, que un productor de hip-hop puede darle un giro a la eletrónica al estilo “vintage”, recolectando lo mejor de una (¿ficticia?) época ochentosa futurista.

...y con Mr. Oizo, con Mr. Oizo bueno. Omitiendo mi fanatismo, me limito a decir que con él, la electrónica supo motivarse y renovarse con sus ruidos y sonidos, sus movimientos musicales y por supuesto, sus bandas sonoras y películas. Un “Todo-En-Uno”.

¡Ah! ¡Me faltaba Busy P! Que por él... Fue “casi” todo esto posible. La convocatoria de estos artistas se la debemos a Pedro Winter. ¡Viva Ed Banger Records!. Y vivan sus 10 años, que serán claramente muchos más.

“Nouvelle Vague” no es sólo el nombre de una banda o colectivo de músicos franceses, que se caracterizan por “coverear” los antiguos éxitos de los géneros New Wave y Punk, completando su estilo con ritmos y arreglos de Bossa nova. “La Nouvelle Vague” es la inspiración de donde esos artistas tomaron su nombre; “La Nouvelle Vague” es una forma de expresión, “La Nouvelle Vague” es un movimiento artístico, “La Nouvelle Vague” es: una nueva ola…

Así fue como se le denominó a un nuevo grupo de cineastas franceses surgidos a finales de la década de 1950. Admiradores de Hitchcock, de Ford y de otros directores, estos cineastas plantearon nuevos métodos de producción, con presupuestos muy reducidos, que les permitieron acceder a la industria por sus propios medios.

Los nuevos realizadores reaccionaron contra las maneras y estructuras convencionales que el cine francés imponía hasta ese momento, así es que, hartos de seguir por esa tendencia, postularon como máxima aspiración, no sólo la libertad de expresión, sino también la libertad técnica en el campo de la producción fílmica, es decir, había una tremenda postura de libertad, muy abundante, en el ambiente de esa época.

A pesar de las grandes diferencias que a veces

había entre ellos, lo que unió a todos fue la misma dirección: “el cine como lenguaje de expresión social y anteponer sobre todo la libertad creadora a la exigencia comercial”.

Este nuevo grupo de cineastas, expusieron su teoría cinematográfica, la cual ostentaba acerca de quién es el verdadero autor, es decir, “en el cine es solamente el director, cuya personalidad queda grabada en la película a pesar de las presiones de los estudios o las influencias exteriores de cualquier otro tipo” dichos ideales quedaban plasmados en la revista ‘Cahiers du Cinéma’.

Una ola llamada: La Nouvelle Vague

Poncho González

El movimiento comienza a tomar forma en 1958, cuando Claude Chabrol dirige dos películas: las obras de Truffaut ‘Los 400 golpes’ (1959) y Alain Resnais ‘Hiroshima mon amour’ (1959) películas que sentenciaron el advenimiento del nuevo fenómeno cinematográfico.

La consolidación de” La Nouvelle Vague” fue sin lugar a dudas en el Festival de Cannes de 1959, donde resultaron ganadores: Truffaut que recibe el premio a la dirección por su película “Los Cuatrocientos Golpes” y “Orfeo negro” de Marcel Camus fue galardonada con la Palma de Oro.

¿Cómo fue la producción de “Amanecer” y que cambió respecto a sus trabajos anteriores?

Pues básicamente creemos que el disco es muy completo, muy maduro, la estructura y las letras son lo que queríamos reflejar desde hace años, nos esforzamos mucho en que las canciones tuvieran la naturaleza y el aura que queríamos expresar. El buen Camilo Lara es ahora nuestro manager y la producción Armando Ávila con su equipo y conocimiento técnico vino a pulir el sonido de la banda.

En cuanto a la composición, ¿Cómo es el proceso? ¿Alguien toma la batuta en ese aspecto?

Pues las canciones ya las teníamos desde el año pasado, durante la producción de

“A Casa”, ya estábamos haciendo las canciones para este disco, de hecho hay un tema que hicimos mucho antes que grabáramos “A Casa”.

La manera de componer es de distintas formas, muchas veces empezamos la idea en el estudio a manera de palomazo, otras veces alguien llega con una idea ya más trabajada y la vamos terminando entre todos, realmente somos muy abiertos en la composición y siempre ha sido así desde el primer disco.

Qué nos pueden contar acerca de su participación en el pasado festival Vive Latino, esta vez presentándose en el escenario principal ¿Cómo sintieron este festival respecto a los otros en los que han participado?

Los Daniels, agrupación mexicana que poco a poco se ha ido convirtiendo en consentida de la escena nacional, lanzó su cuarta producción

discográfica “Amanecer”, que contiene un disco con 11 temas inéditos y un DVD de su presentación en el Teatro Metropólitan; de él se desprende

su primer sencillo que se titula ‘Lágrimas’.

Platicamos un poco con Poncho, Ismael, René, Rasheed y Carlos sobre cómo fue la producción de este nuevo disco, su presentación en el pasado

Festival Vive Latino y de su trayectoria por la música.

Fabián Zugaide

Siempre es un orgullo estar en el Vive Latino, es la cuarta vez que nos presentamos y la que más nos ha gustado definitivamente es la tercera vez en 2011, porque fue en el tiempo en que acabábamos de lanzar nuestro disco �A Casa� y eso te genera mucho más nivel de audiencia.

Ahora nos tocó el escenario principal por primera vez y estuvo muy padre, aunque por ahí nos adelantaron la presentación y hacía mucho frío, nos tocó ver ya cuando estábamos tocando que mucha gente corrió para llegar a vernos, ya que nos movieron el horario. Fuera de eso, la experiencia de estar en el escenario principal fue muy grata, sentimos que subimos escalones en cuanto a nuestras presentaciones en este festival, sabemos que es una catapulta para nosotros, ya que estás en boca de todos, no

sólo en México sino en toda Latinoamérica y definitivamente es una gran experiencia.

En este Vive Latino, dos de los tres días tuvieron headliners de habla inglesa ¿Qué opinión tienen sobre esto?

Creemos que es muy bueno que los festivales, aunque sean latinos, abran espacios a bandas internacionales, ya que de esa manera puede entrar en un reconocimiento a nivel mundial y a una competencia sana con otros festivales de talla internacional, no le vemos nada de malo. Sin embargo, creemos que en varios de los escenarios en los diferentes días, bandas como El Tri debieron estar en un mejor lugar, no por demeritar el trabajo de los demás, si no por la trayectoria y la importancia que tienen en la escena

“La estructura y las letras son lo que queríamos reflejar desde hace años, nos esforzamos mucho en que las

canciones tuvieran la naturaleza y el aura que queríamos expresar...”

Foto: Fabián Zugaide

nacional. Hay bandas muy nuevas que a lo mejor están de moda pero pues la trayectoria siempre pesa.

¿Qué pasó con el video de “Tiro de Gracia” que retiraron de YouTube?

El video en sí es una representación de Jesucristo como era, una persona común que tenía sus pasiones carnales y le gustaba el vino y las morras y por tal, la iglesia lo persigue y lo quiere regresar a la cruz. Realmente lo hacemos con mucho respeto y sin afán de ofender, simplemente nos gusta mucho caracterizarnos más allá de hacer el típico playback.

Pero nos comentan que ya se podrá transmitir en algunos canales de televisión, aunque realmente en la TV nunca se nos censuró, la cuestión del escándalo fue porque nuestra propia disquera evitó a toda costa que saliera el video y que pudiéramos darle la promoción debida.

La presentación oficial del disco será hasta agosto en El Plaza Condesa ¿Por qué esperar tanto?

Se busca por estrategia (viejas tácticas de guerra), que la gente lo escuche y lo conozca antes de llevar a cabo una presentación, es por eso que lo presentaremos el próximo 16 de agosto de manera oficial, habrá muchas sorpresas, pensamos tirar la casa por la ventana.

Cabe mencionar que si quieren comprar el disco les conviene hacerlo de forma física, ya que trae un DVD con la presentación que tuvimos en el Teatro Metropólitan y les saldrá mucho más barato que si lo compran en formato digital.

Durante su carrera ¿Qué abuso han sufrido por parte de la escena?

Pues lo que te comentábamos, acerca del Vive, la manera en que los organizadores te adelantan el show, entendemos que no todo el mundo pueda hacer pruebas de sonido, pero también hay mucha gente atrás que tiene sus propios intereses y terminan afectando la presentación, tuvimos problemas con el audio y no somos los únicos, platicando detrás del escenario pues muchas bandas pasan por lo mismo, no solo en el Vive sino en muchos otros lados, por culpa de terceros los shows no salen como deberían y terminamos pagando las consecuencias nosotros como banda e incluso la gente.

¿Algo que le quieran decir a los lectores que los siguen en freim?

Agradecerles la lealtad, nos gusta ver que la familia “Daniels”, como nos gusta llamarla, va creciendo y eso se refleja en las ventas que hemos tenido en iTunes y que gracias a ellos seguimos avanzando y trabajando.

“Hay bandas muy nuevas que a lo mejor están

de moda pero pues la trayectoria siempre pesa...”

Rayuela de Julio Cortázar cumple 13 años de haberse impuesto como una de las grandes novelas latinoamericanas y como un libro imprescindible de la literatura universal. Se cuentan por miles, las personas que hemos escrito de nuestro amor por ese libro que se puede leer de tres formas distintas, sendos ensayos, tesis doctorales y análisis de contenido le han brindado un espacio considerable a esas líneas llenas de jazz, laberintos mentales y narración ágil de uno de los escritores argentinos más grandes de todos los tiempos y con mayor proyección internacional, al lado del otro mounstro, Jorge Luis Borges.

También se cuentan por carretadas, quienes le hemos entrado al jazz y conocido la melancolía de Francia gracias a la novela, no son pocos quienes han llamado a su amor atribulado como “La Maga”, quienes comienzan un cortejo con el famoso “toco tu boca, con un dedo toco el borde de tu boca…”, o quienes quieren vivir una aventura viajera al lado de sus compinches, como la que vive el protagonista Horacio Oliveira.

Versa la leyenda, que Cortázar, cuentista ya reconocido y una de las piedras angulares del

—Yo no me sé expresar —dijo la Maga secando la cucharita con un trapo nada limpio—. A lo mejor otras podrían explicarlo mejor,

pero yo siempre he sido igual: es mucho más fácil hablar de las cosas tristes que de las alegres.

denominado boom latinoamericano, que al ver en un pizarrón con recortes una foto de Miles Davis y otros recortes, la forma de la rayuela, o lo que en México conocemos como el juego del Avión, se le ocurrió escribir la novela que dicho sea de paso, terminó siendo, tal vez sin querer, una antinovela en la que el lector es pieza clave del libro.

Julio Cortázar decía que un cuento alargado era una mala novela, y Cortázar, un cuentista innovador y contundente, confeccionó Rayuela como una gloriosa suerte de síntesis de su propia vida, en la que ritmo, surrealismo literario y juegos lingüísticos tienen un despliegue tal, que pocas veces se ha repetido en la tradición literaria contemporánea.

Un imperdible para todo amante de la literatura hispana, una piedra de toque que cambia vidas y que establece la contundencia

Ricardo Pineda

—Yo no me sé expresar —dijo la Maga secando la cucharita con un trapo nada limpio—. A lo mejor otras podrían explicarlo mejor,

pero yo siempre he sido igual: es mucho más fácil hablar de las cosas tristes que de las alegres.

de lo que el español puede llegar a ser, trastocando los límites de la lógica narrativa y la versatilidad estilística.

El club de la serpiente, el bebé Rocamadour, Traveller, Talita, Morelli, la locura, Argentina, París, la melancolía y los recortes de hechos aleatorios y cotidianos van entretejiéndose hasta desaparecer los bordes de los hilos con los que Cortázar armó este libro que este año cumple sus 50 años de haberse publicado. Desde entonces sólo ha habido críticas a favor, bocas abiertas y reconocimientos para Rayuela, como un destino ineludible de la forma y el fondo.

Pocas veces se ha visto un éxito literario como el que Rayuela ha tenido, un éxito que no es coyuntural, uno en el que ventas, calidad y trascendencia van a la par. Quizás Rulfo lo llegó a tener, o Márquez se acercó bastante con Cien Años de Soledad, pero Rayuela es hoy por hoy el libro del insomne, que tiene un nudo atorado en la garganta, que tiene el corazón a punto de desbordarse en una hermosa tristeza, que tiene la mochila lista para emprender hacia la nada. Un libro fundamental, vaya.

Tal vez haya sido esa respuesta, aunado al aire inconcluso que se respira en la obra, lo que orilló a Cortázar a darle a Rayuela una especie de complemento, y la que fuera una de las dos novelas más que el cuentista argentino escribiera: 62/Modelo Para Armar, una suerte de continuación que no gozó del mismo

reconocimiento que tuviera Rayuela y que para los puristas de Rayuela puede resultar un tanto prescindible.

Rayuela es uno de esos pocos libros que dan nuevas cosas al lector cada vez que éste regresa a él, es un parteaguas literario y un indispensable de todo aquel que comprende la correlación entre vida y arte. Pasarán las modas culturales, la muerte del libro físico o una renovación de las inclinaciones culturales, y Rayuela seguirá ahí de pie, entre los grandes y los clásicos, como una piedra filosofal de toque esperando ser descubierta por el lector que va de a pie.

Después de conseguir un éxito inimaginable incluso para muchas bandas del mainstream con su “Wolfgang Amadeus Phoenix”, álbum catapultado por el single “Listztomania” y estar buena parte de los siguientes dos años permanentemente de gira, el cuarteto de Versalles se encerró en el estudio para dar forma a su nuevo material, con un sonido fresco y evolucionado melancólico y bailable a su vez. En entrevista para Freim!, el grupo francés nos contó un poco de cómo fue el nacimiento de su quinto disco titulado Bankrupt!

Foto: Cortesía Warner Music

Después del éxito que tuvo su anterior disco, jamás nos imaginamos que tendríamos que esperar 4 años para poder escuchar algo nuevo de ustedes ¿A qué se debió esto?

Básicamente se debió a que estuvimos dos años de gira con el disco anterior, fue demasiado largo para nosotros y el final fue muy emotivo, ya que tocamos junto con Daft Punk en el Madison Square Garden. Después de eso nos metimos de lleno

al estudio, nos gusta tomarnos nuestro tiempo y hacer las cosas con calma y no dejamos que mucha gente se acerque cuando estamos componiendo, es algo muy íntimo. Nos tardamos dos años en el estudio y creemos que en general es el tiempo promedio que necesitamos.

Cuando veíamos los teasers del disco que se filtraban en la red llegamos a pensar que su nuevo material estaría más enfocado al

“No somos una banda que busca éxitos a corto plazo, tratamos de

hacer lo que nos gusta y las cosas se han ido dando por sí solas, con base

al trabajo que realizamos...”


electrónico. ¿Qué nos pueden contar acerca del sonido de este disco, ¿usaron mucho sintetizador, ordenadores, cosas vintage?

No fue algo que planeamos, experimentamos mucho con sintetizadores, incluso en Versalles. Cerca de donde nosotros vivimos, hay una tienda en donde venden cosas usadas y ahí encontramos un viejo teclado del cual nos enamoramos, todos tocamos ese teclado en alguna parte de las canciones y terminó definiendo el sonido de todo el álbum

Es lo único que podemos decirte, aún tenemos secretos que guardar…

¿A qué se debe el título? ¿Qué relación hay entre la palabra Bankrupt, con el durazno que vemos en la portada del disco?

Ambos representan la idea de que nuestra música es un acto de fe. La palabra Bankrupt, junto con el signo de exclamación evoca casi un acto kamikaze que pensamos sonaba poético y de alguna manera positivo, si se piensa responsablemente claro.


En cuanto a la portada, simplemente es porque nos gusta la naturaleza muerta, una ilustración bastante al azar, algo que es libre de derechos y que cualquier persona puede reclamar si así lo desea. Como si encontraras una isla desierta y la reclamaras en primera instancia.

El crecimiento que han tenido como banda es impresionante, y hoy en día junto con Daft Punk, Justice o Breakbot ocupan un lugar muy importante dentro de la industria ¿Qué opinan sobre el gran aporte musical que ha hecho Francia a la escena mundial? ¿Se sienten orgullosos al respecto?

Lo que te puedo decir es que no somos una banda que busca éxitos a corto plazo, tratamos de hacer lo que nos gusta y las cosas se han ido dando por sí solas, con base al trabajo que realizamos. En cuanto a las bandas que mencionas creo que son conocidas, ya que la escena musical en nuestro país es bastante pequeña y es por eso que proyectos buenos salen a flote. Esa aportación francesa al mundo de la música es demasiado buena y esperamos que sigan saliendo más cosas de calidad. En cuanto a que si nos sentimos orgullosos, pues creemos que no en el aspecto de que, no necesariamente tiene que ser francés para sentirnos orgullosos o que nada fuera de Francia nos haría sentir así. Espero tenga sentido lo que tratamos de decir.

Tuvieron la oportunidad de ser headliners del pasado festival Coachella 2013 ¿Qué nos pueden contar acerca de esta experiencia?

Es difícil de describir, realmente fue una experiencia abrumadora que nos ha ocurrido ya dos veces en Coachella. Estar ahí es como si durara solo cinco minutos y es algo increíble, el hecho de ser headliners nos da una gran satisfacción y a su vez nos sentimos muy agradecidos de tener esas oportunidades, tuvimos la sensación de haber logrado algo grande y de cumplir con los deseos que teníamos desde que éramos adolescentes.

Es como una tradición que su música aparezca en los soundtracks de las cintas de Sofia Coppola ¿Cómo fue su colaboración para su nueva cinta “The Bling Ring” protagonizada por Emma Watson? ¿Hicieron algo especial?

¡Sí, es nuestra tradición! De hecho Sofia utilizó uno de nuestros demos del cual nosotros después ampliamos y terminó siendo la canción de Bankrupt!

Su última presentación en México fue maravillosa ¿tienen planes de volver a nuestro país y presentar este nuevo disco?

¡Gracias! Realmente queremos volver a México, creo que es una de nuestras ciudades favoritas y nos encanta la forma en que el público interactúa y se entrega, el solo hecho de pensarlo nos da mucha alegría y satisfacción, y estamos muy agradecidos del aprecio que nos tienen por allá, esperemos que se pueda dar lo más pronto posible.

“México es una de nuestras ciudades favoritas, esperemos que se pueda

dar lo más pronto posible...”

Alejandro Altamirano

Foto: Cortesía Sony Music

Like The Legend of The Phoenix…

Aunque en realidad Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo nunca anunciaron ningún tipo de separación, su hermetismo y falta de material nuevo en varios años, sin contar el encargo de Disney con la cinta “Tron: Legacy”, despertaron infinidad de dudas sobre si algún día Daft Punk regresaría a tomar lo que durante años les ha pertenecido: la cima de la música electrónica.

Desde sus inicios, hace 20 años, este par de franceses ha sabido arreglárselas para estar en el ojo del huracán y salir bien librados. Su primer LP, “Homework” de 1997 fue pieza clave para acentuar y definir la nueva oleada de proyectos electrónicos que se

comenzaron a gestar en la primera mitad de la década de los noventa. Cuatro años después, “Discovery”, considerado por muchos la obra maestra del dúo por muchas más razones que rebasan la parte musical, y la idea de convertirse en androides ante los ojos de sus seguidores los elevaría al estatus de ídolos del que nunca más se bajarían. Con todas las miradas encima llegó “Human After All”, disco incomprendido por muchos en su momento, todos los genios deben tener uno en su tipo al menos, que años después y tras desnudarse en presentaciones en vivo épicas recibió el reconocimiento merecido. Quizá sin querer, la falta de alcance comercial de este último disco en comparación con “Discovery” fue en parte


lo que invocó el culto hacia el dúo que para ese entonces su nombre ya estaba asociado con genialidad.

Después de “Human After All” llegaría la etapa más oscura e inestable del combo. Tras cinco años de silencio y hambruna de discos Daft Punk cumpliría con el score de “Tron: Legacy”, mismo que más que un regreso formal supone un mero trámite de cumplimiento de contrato con su disquera en esos momentos. El mito seguía reforzándose pero aun así se percibía un halo de que la llama comenzaba a extinguirse.

Los días, meses, años, temas falsos, grupos que robaban su identidad e infinidad de rumores acerca del retorno de los hijos pródigos del French Touch seguían sucediendo y diluyéndose junto con las ilusiones de los fans por nuevo material de Daft Punk; hasta que el pasado 28 de febrero la banda encendió la chispa de nuevo cuando a través de su sitio web oficial anunciaban su cambio de disquera a Columbia Records. Hecho suficiente para que la escena musical mundial se tambaleará, ahora sí, ante el regreso inminente del dúo, expulsándolos por fin de sus propias cenizas, efectivamente, como un ave fénix.

Random Access Memories…

Ponerse de frente ante un nuevo álbum de Daft Punk después de tantos años de espera no es cosa fácil. Primero uno se tiene que enfrentar a la memoria para volver a palpitar

todos esos grandes momentos personales que se han vivido con algún tema de Daft Punk de fondo, volver a batallar con los pies que comienzan a moverse solos, recordar y volver a tener presente que más que un simple grupo de música, Daft Punk ha sabido crear una mitología a su alrededor que podría estar casi seguro, ningún otro dúo electrónico ha logrado. Accesar a todos los sonidos y claves que la banda nos ha dejado a través de sus trabajos anteriores para poder tratar de comprender y asimilar un disco que desde antes de su salida ya era todo un suceso.

Thomas y Guy-Manuel declararon que muy posiblemente ante los oídos y ojos de la gente, este disco podría resultar una gran decepción, pero eso quizá solamente se trató de un acto de humildad por parte del combo, que sabe exactamente cómo y en qué momento mandar sus mensajes . Lo primero que se debe de agradecer de “RAM” es que por sí solo es un paso adelante para el dúo, no trata de emular glorias pasadas y logra despojarse de todos los recursos y trucos que el grupo ha patentado en 20 años. ¿Y cómo es que lo han logrado? Justamente accediendo a las referencias musicales que de alguna u otra forma se convirtieron en puntos de apoyo para la creación de su propia música. Ir más atrás para dar un paso adelante, fue justamente el mantra que Daft Punk siguió para darle nacimiento a 13 temas atemporales, que aunque por ahora no han logrado impactar a muchos, tengan por seguro que harán eco en la memoria sónica durante años, tal y como

“Su hermetismo y falta de material nuevo en varios años, despertaron

infinidad de dudas sobre si algún día Daft Punk regresaría..."

ha sucedido con cada uno de los discos que han grabado.

Give Life Back To Music…

El título anterior es el mismo que le da nombre al primer track de “RAM”, un tema que cuenta con el rasgueó inconfundible de la guitarra del mítico productor Nile Rodgers (Chic), logrando una apertura funk tan poderosa para transportarnos a la época de oro de la música disco.

‘The Game of Love’, segundo track del álbum, nos introduce en la complejidad de la producción que a partir de aquí y hasta el final del disco nos hace sentir la respiración orgánica de cada uno de los instrumentos y métodos que el dúo utilizó en su creación. Una pieza de amor que bien podría pasar por la nueva ‘Something About Us’.

‘Giorgio By Moroder’, es obviamente la colaboración con el legendario productor Giorgio Moroder. Tema que en sus poco más de nueve minutos concentra todo el sonido que la banda buscó en su aventura llamada “Tron: Legacy” y nunca pudo encontrar, pero esta vez obteniendo revancha y logrando una pieza épica que le hace los honores tanto a su colaborador como a ellos mismos. Esta es una canción que por ningún motivo se deben de

brincar, perfección absoluta.

‘Whitin’, puede ser el primer bajón del disco, y es que debido a que cuenta con la participación de Chilly Gonzales quizá se esperaba más. Aun así es un track que bien sirve de puente para los siguientes dos temas del disco, en los cuales se aprecia el lado más pop del dúo.

‘Instant Crush’ con Julian Casablancas cuenta con un estribillo medianamente pegajoso que fácilmente se olvida con el siguiente tema, ‘Lose Yourself To Dance’, otra muestra aparte de ‘Get Lucky’ de lo bien que puede resultar la combinación Pharrell-Rodgers.

Paul Williams es el siguiente en salir a escena con un tema de poco más de ocho minutos llamado ‘Beyond’, que lo único que hace es dejarnos claro lo buenos que son Daft Punk para crear melodías que sacan lo mejor de cada uno de sus colaboradores. Quizá es muy aventurado y prematuro, pero posiblemente si algún día Daft Punk edita otro disco es muy probable que tenga mucho del sonido de este tema, considerando que siempre tratan de entregar algo diferente y fresco.

La que sigue es ‘Get Lucky’, una vez más con el combo Pharrell-Rodgers y en realidad no hay mucho que decir ya; es sin duda la mejor carta

“Sonidos y claves que la banda nos ha dejado a través de sus trabajos

anteriores para poder tratar de comprender y asimilar un disco

que desde antes de su salida ya era todo un suceso...”

de presentación que “RAM” pudo tener. La declaración exacta de que como fue hecho todo lo demás que escucharemos en el disco. Otro tema perfecto que difícilmente van a saltarse.

‘Beyond’ es el tema que retrata perfecto la mayoría de las fases por las que Daft Punk ha pasado en su larga carrera. Tiene todos los recursos para convertirse en una de esas joyas que se aprecian cada vez más con cada escucha. Todos los elementos está en su lugar y seguramente muchos la trataran de emular a la hora de hacer un tema instrumental.

‘Motherboard’ es una especie de continuación de ‘Beyond’ y da pie a la inocente ‘Fragments of Time’ con Todd Edwards en las vocales. Básica para los que aun buscan en Daft Punk los resquicios del French Touch que alguna vez impulsaron. Pegajosa, simple, sencilla, funk, disco y un poco de R&B. Si Daft Punk fuera previsible tengan por seguro que es single.

La inclusión de Noah Lennonx, mejor conocido como Panda Bear, en el tema

‘Doin´It Right’, fue de las que más expectativas causó y quizá sólo por debajo de la de Moroder la más acertada. Otra pieza perfecta del disco que deja claro la sabiduría de Daft Punk para plantarse ante en los sonidos actuales sin convertirse en algo efímero y pasajero.

Finalmente llega ‘Contact’, la combinación de Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo con su viejo amigo DJ Falcon. Esta es quizá la pieza de todo el disco que más se acerca a aquella idea que todos teníamos sobre el posible sonido del nuevo disco de Daft Punk. Una pieza que homenajea los pulsos de “Homework”, un tema que deja ver que el dúo no se ha olvidado de sus raíces, un track que hace una declaración de pertenencia de ese sonido Daft Punk, infinitamente emulado, un cierre que nos estalla lleno de vida frente a la cara y nos hace recordar, adentrándose en nuestra mente, que Daft Punk se mantiene vivo gracias a su música y la música en muchas maneras se mantiene viva gracias a Daft Punk.


Tuvieron que pasar 10 años para tener una nueva obra de David Bowie; y nosotros tuvimos que escuchar muchos ‘pinches’ discos para volver a tener algo digno.

Y es que esperar 10 años para presentar un nuevo álbum, para un artista actual es la muerte, es el fin de su carrera, es el olvido de los pocos o muchos seguidores que puedan tener. Pero para Bowie, 10 años bastaron para presentar otra obra maestra a la que tituló “The Next Day”.

¿Pero cómo podemos describir The Next Day? Es un álbum multifacético en sonidos, de repente rock, otras veces pop. Dos canciones pueden ser estruendosas y las siguientes tres pueden ser las más tranquilas.

En términos concretos, los teclados y algunos coros me dan la razón, es un disco violento, anarquista, fúnebre con guitarras que pasean por la tranquilidad y en otras canciones con rasgueos desatados.

En el caso de Bowie, hay canciones en las que su voz son una cucharada de miel, como en ‘Where Are We Now?’, ‘Valentine`s Day’ o ‘You Feel so Lonely You Could Die’, pero hay otras en las que los años ya hacen cuenta de una voz madura como la joya que lleva el mismo nombre del disco.

El erotismo también está presente, un ejemplo es ‘Dirty Boots’, en la que un saxofón con lentos pero suculentos sonidos, hará viajar la mente hasta recordar a esa rubia de cuerpo delineado que interpretaba al bello personaje noventero llamado Emanuelle, deslizando sus caderas en un ambiente oscuro.

Los años y el enorme camino que trazó este tipo le dan el lujo de hacer de una canción un caos, muchos instrumentos tocados al mismo tiempo y una voz como si alguien le persiguiera y nunca quisiera que la atraparan sale de ese cuerpo delgado para hacer de ‘If You Can See Me’ el himno a la desesperación.

Bowie hace lo que quiere en “The Next Day”, en 14 canciones y 3 bonus track, aborda temas que hacen ruido en la sociedad pero los maneja sobre una línea estilizada, con esencia, como él lo ha dicho en sus más recientes entrevistas, es una mierda que suena mejor a lo que muchos artistas contemporáneos han venido realizando.

Este disco tiene que ser visto como lo que es, una obra maestra y no como el regreso de un artista de rock clásico retirado, las piezas hablan por sí solas.

¿Por qué?

Porque si ya escucharon el primer sencillo MY GOD IS THE SUN no me digan que no se quedaron con ganas de más.

Porque si además ya vieron el video de I APPEAR MISSING las ganas de más se transforman en ansias de más. Punto

extra por la estética del video y el “fuck off” del final.

Porque sabemos del gusto que tienen Josh Homme y compañía por hacerse de los servicios de otros músicos para

colaboraciones especiales y este álbum no es la excepción. Con un ya conocido Dave Grohl reventando la betería,

también tendremos la participación de Trent Reznor y una atrevida y temida participación de Sir Elton John y de Jake

Shears de Scissor Sisters ¿Así o más?

Porque tras la salida de Joey Castillo el sonido de la banda se hace más interesante con el ex batería de The Mars Volta,

Jhon Theodore.

¿Por qué?

Porque con un triste record de 4 discos de estudio en 25 años, siempre será un gusto tener algo nuevo de Alice in Chains en las manos.

Porque como en algún momento declaró sobre este disco Wlliam DuVall: "there's plenty of riffs flying around."

Porque el sencillo “Hollow”, que ya se puede escuchar, está lleno de esos riffs que nos recuerdan al sonido de sus primeros trabajos, aquellos donde participaba Layne Staley, en especial el disco homónimo.

Porque un poco del recuerdo “Seattle” no está de más para los melómanos del ahora viejo movimiento Grunge (me acabo de decir veterano).

Retro a [email protected]

¿Por qué?

Porque conocemos de lo que son capaces este dúo francés de caras robóticas, muestra clara de esto es el viral GET LUCKY que en cuestión de días se volvió el sencillo más escuchado en Spotify.

Porque seguramente varios de los sencillos de esta entrega serán la sensación de las pistas de baile durante todo el verano.

Porque las colaboraciones que se anuncian (Giorgio Moroder, Julian Casasblancas y Panda Bear para comenzar) no son para ser desestimadas.

Porque si entre tus gustos musicales o guilty pleasures se encuentra el sonido disco o funk setentero esto debe caer en tu colección.

¿Por qué?

Porque a muchos nos interesa un viaje musical pretencioso y mamerto de vez en cuando aunque no hablemos ni

entendamos un carajo del Vonlenska con el que nos hipnotiza Jón Þór "Jónsi" Birgisson.

Porque en el sencillo ÍSJAKI se puede oír a un Sigur Ross más agresivo, más pesado, si es que podemos encasillar en este

par de arquetipos a su música. Tal vez este cambio se deba a que por primera vez, el trío se involucra y se ocupa al ciento

por ciento de la producción de este disco.

Porque KVEIKUR significa la última participación de Kjartan Sveinsson como miembro de la banda así que se vuelve un

artículo de colección para los clavados.

Porque jamás debemos tratar de ahondar de más en el sentido de las canciones de la banda ya que no entendemos una chingada de lo que dice y a quien le importa ¡demonios!

es SIGUR ROS y hay que tenerlo.

Ellos dicen que sirven los mejores tacos de México y para sustentarlo se mantienen desde 1947 sirviéndolos a los conocedores en una de las zonas más vibrantes de la capital: la Roma.

La afortunada visión de un hombre veracruzano de aprovechar la apertura del Sears cercano para iniciar a servir tacos en su tortillería a los compradores hizo que más de 60 años después sigamos siendo adictos a sus campechanos de bistec con chicharrón -prensado pero crujiente, una explosión de sabor y textura-, quizá uno de los mejores tacos de la ciudad. Si bien la variedad de opciones de guisados y platillos que ofrecen hoy es tan amplia que la decisión sobre qué ordenar es mortal, las hordas de fieles admiradores que llegan a este templo taquero se deben a este clásico, símbolo de El Jarocho.

Al entrar te recibe una barra de cerámica estilo poblano con cazuelas calientitas repletas de delicias. Te recomendamos buscar uno de los gabinetes vintage a los lados para darte gusto sin remordimientos en este sitio perfecto para desayunar (abren desde las 8:00 de la mañana - a las 9:00 si es domingo-), comer o cenar.

¿Cómo surgió la idea general de Eclipse de Memoria?

Como todas las cosas es un proceso gradual, no surgió así en un momento surgió incluso por estar haciendo otras cosas, que eran unos conciertos que yo hacía o que sigo haciendo, tocando yo solo, así en esos conciertos empecé a escribir canciones que terminaron en eclipse de memoria, entonces de ahí se alimento, pero una vez que esas canciones estuvieron más o menos construidas se dio todavía una búsqueda ya con la banda para encontrarles la naturaleza a cada una de ellas y encontrar los arreglos perfectos y etcétera. Lo que quiero decir es que surge como de un montón de lados y se van acumulando también en el momento de decir “Oigan,

estas canciones que están aquí ¿qué pasa las hago yo solo o decidimos hacerlas para La barranca?” En fin, son un montón de cosas las que se conjuntan para acabar en el disco.

En este disco cuentas con la colaboración de varios artistas ¿Cómo se dio acercamiento con las personas para invitarlas a colaborar en el álbum?

Todos ellos son amigos, o músicos cuyo sonido yo ya conocía y sabíamos que nos podía beneficiar, que nos gustaría tener ese sonido en el disco, como concretamente el caso de Agustín Bernal un gran bajista de Jazz, buenísimo, había una canción que queríamos tener su sonido en esa canción, entonces, yo creo que es una mezcla de eso, algunos

La Barranca está de regreso con una nueva producción discográfica, “Eclipse de Memoria” es el disco que estarán promocionando el próximo

6 de Junio en el Teatro de la Ciudad de México.

Hasta el momento han estrenado sólo el primer sencillo llamado ‘Ante la Ley’, donde las letras de José Manuel Aguilera nos enfrentan

ante el sentimiento del ciudadano como individuo promedio y su enfrentamiento con las instituciones.

Para conocer más sobre está producción, platicamos con José Manuel Aguilera para que nos diera más detalles sobre este nuevo proyecto de

la agrupación.

Entrevista por Paula García

son amigos y otros son personas que específicamente sabíamos que lo que hacen lo quisiéramos tener en alguna canción.

En otras entrevistas te han preguntado sobre la inspiración que en tus palabras, está idealizada, más que por la inspiración te pregunto ¿Cuáles son tus influencias para escribir canciones?

Es difícil par a uno mismo definir sus influencias, que padre sería para mí decir Bob Dylan o Leonard Cohen, a lo mejor eso quisieras, yo te puedo hablar de los que me gustan, no se si me influyen, ya te dije dos, pero también, como yo hago las cosas en español, los que me gustan son Agustín Lara y José Alfredo Jiménez, son a los que siempre volteo a ver, yo no sé si lo que yo hago está influenciado por ellos, ojalá, pero si te puedo decir que esos son para mi los grandes y a los que yo quisiera acercarme.

¿Cuál consideras que es la influencia de la Barranca a la escena musical actual?

Yo creo que cuando los músicos que se

acercan a nosotros y nos conectan algo, yo creo que más que influencia, que luego no conozco sus trabajos como para decirlo, yo creo que algunos los motiva saber que nosotros seguimos haciendo cosas y que las seguimos haciendo de manera independiente.

Te has presentado en otros escenarios a nivel mundial ¿Cuál sería la principal diferencia que encuentras entre esos públicos y el público mexicano?

La principal diferencia sería la relación que se establece con el lenguaje porque yo aquí canto para la gente en el idioma que me entiende, trato de hablarle a los mexicanos porque yo mismo soy mexicano y la barranca siempre se ha preocupado por incluir nuestro entorno, lo que nos rodea, la realidad mexicana, entonces hay de entrada una cuestión de complicidad con el público mexicano que no se da en otros lados.

Cuéntanos sobre el primer sencillo ‘Ante la ley’, cuyo contenido que se acerca a la protesta social.

Foto: Cortesía Ocesa

Yo no diría que es de protesta, yo diría que está narrando, describiendo, es una cuestión más de un observador, sin necesariamente protestar, de pronto dice: “quisiera a lo mejor en un sueño, soñé que estaba volando por otro lado encima de todo lo que pasa aquí, para mí es más como una cuestión descriptiva.

¿Qué esperaban de ‘Ante la Ley’ como sencillo?

Siempre tienes que escoger una canción con la cual empezar y esta nos gusto a varios de los que estábamos relacionados con el disco porque queríamos decir aquí

está la barranca tiene un sonido una cosa diferente, un tipo de canción diferente y por eso es que escogimos esa.

Comparado con las ultimas producciones de la Barranca, el nuevo sencillo es completamente diferente pues me da la impresión de que apuesta por un sonido más puro y más parecido al que tenían en sus orígenes ¿Por qué apostarle a ese cambio?

Una de las cosas que no queríamos era repetir el anterior, o la continuación, entonces como acabamos de hacer algo más barroco y rockerón, ahora quisimos irnos a otro lado más simple, menos distorsión y recurrir más a instrumentos

“Fue más como jugar con esos

elementos en un intento de no

repetirnos, a lo mejor en ese intento fue

que regresamos un poco al origen...”


acústicos, trae guitarras eléctricas y todo pero no están tan procesadas, como que aquí la idea fue incorporar pianos y alientos, que nunca habíamos metido arreglos para trompetas, saxofones, etcétera.

Fue más como jugar con esos elementos en un intento de no repetirnos, a lo mejor en ese intento fue que regresamos un poco al origen. A nosotros nos interesa es no quedarnos en un lugar fijo, sino estarnos moviendo, a lo mejor en esas vueltas vuelves a pasar por un lugar dónde ya habías estado, pero la clave radica en no hacerlo igual.

¿Qué opinas de que muchas personas califiquen a La Barranca como una banda de culto?

A mi nunca me ha gustado esa etiqueta porque pienso que la barranca tiene un público muy variado, para empezar me gusta que haya gente de todos tipos y que haya alto porcentaje de mujeres, me chocaría ser un grupo cuyo publico son puros güeyes.

Entonces yo a la barranca la veo como una cosa abierta y procuramos ser cada vez más claros y precisos en lo que hacemos y decimos, esta idea del grupo de culto me suena como si nosotros intentáramos hacer cosas oscuras y no, a lo mejor de pronto así queda pero la intención es siempre dejarlo abierto.

¿Cuáles son sus expectativas para el 6 de junio?

Para empezar es un lujo tocar en ese teatro, el teatro de la ciudad, para empezar yo creo que es uno de los más bonitos de la ciudad, sino es que del país y es muy significativo para nosotros tocar ahí en el centro de la ciudad porque es ahí donde empezó a tocar La Barranca, entonces es un poco como regresar al origen, pero la expectativa es que el público reciba estas canciones como ha recibido otras y que nos acompañen, por supuesto, vamos a tratar de tener de tener a tantos invitados como puedan ir esos días de los que participan en el disco, yo creo que será una ocasión muy especial, única.


Los zombis siguen de moda. A pesar de innovar poco el género sobre los no-muertos, con leves excepciones recientes en televisión y cine con In the Flesh y Warm Bodies, respectivamente, cuando pensamos en zombis pensamos en darle el toque final, en “matarlos”. Y es algo que con ‘Dead Island’ pudimos hacer el pasado 2011.

Es difícil no sentirse estafado al iniciar el disco con ‘Dead Island: Riptide’. Techland nos ha ido mostrando a lo largo de estos meses las características principales de esta continuación, y nos sorprendió el hecho de que pocos cambios resaltables había. Pero es que al comenzar esta nueva aventura uno se da de bruces con la realidad: es muy pobre como secuela al no aportar casi nada nuevo, y sin corregir fallos garrafales.

Salvando el comienzo en barco, la sensación al llegar a la isla Palanai es “vaya, aquí ya he estado”. Su única diferencia de peso respecto a la otra isla es que Palanai es más pantanosa, con muchas zonas en las que será más recomendable ir en barca. Pero ni con ésas nos quitamos la sensación de déjà vu constante. Algo a lo que tampoco ayudan las misiones, de lo más comunes, y con un exceso de rescatar supervivientes atrapados en una caravana, choza, o caseta. El resultado será el mismo: “gracias, experiencia, dinero, y algún objeto”. Habrá otras de más enjundia, como conseguir tal objeto, llegar hasta una zona, y cosas por el estilo. Pero básicamente

será lo mismo una y otra vez. Si no haz jugado previamente a ‘Dead Island’, pues a darle que es una nueva oportunidad.

A pesar de ello, la nota de color en ‘Dead Island: Riptide’ la ponen las misiones defensivas en las que deberemos asegurar una zona con nuestros aliados, haciendo frente a toda una horda de caminantes, infectados y demás. Contaremos con alambres para bloquear el paso (que podrán romper, pero que al menos nos darán unos segundos de respiro), y en determinadas zonas también con torretas (con munición limitada, ojo). Son, sin lugar a dudas, lo más divertido de ‘Riptide’.

Una de las novedades de esta secuela es el tema de las barcas como otro medio de transporte. Seguiremos teniendo coches y a mayores una barca motora capaz de embestir a los zombis gracias a su turbo.

Por otra parte, están las ya comentadas misiones defensivas. Aparte de ser una novedad en la saga, también podremos hacernos más fuertes antes de iniciar estas misiones realizando tareas especiales para el resto de supervivientes. Otro tipo de misiones más directas, y que siempre se basan en recoger un determinado número de objetos y llevárselos hasta la persona en cuestión. Cada superviviente tendrá tres tareas, subiendo su poder al cumplir cada una. E interesa mucho hacerlo. Porque las misiones defensivas se irán complicando cada vez más. Sobre todo si jugamos solos.

A nivel de escenarios. No deja de ser una zona tropical, a fin de cuentas. Excepto por las zonas muertas. Zonas especiales a las que accederemos desde distintos puntos del mapa, y que nos llevarán a zonas cerradas, muy pequeñas, en donde habrá un buen número de zombis a eliminar. Algunas zonas muertas contarán con zombis especiales y

GAME OVER

Iván Altamirano

con nombre, sumamente poderosos. Si te preguntas cuantas, hay trece en total. Aunque no serán complicados si dominamos nuestra Furia. Que por cierto, podremos importar nuestra partida, con lo que tendremos muchas facilidades de antemano. De ahí que el dinero ya no sea una preocupación.

Siguiendo con las novedades, habrá más tipos de zombis. Aparte de los ya vistos “caminante, infectado, matón, ahogado, embestidor, suicida y carnicero” de la primera entrega, aquí tendremos a mayores los “acuático, luchador, granadero y chillón”. Y de antemano, odiaras al chillón, porque inhabilitará nuestros ataques durante unos segundos al obligarnos a taparnos los oídos. Por otra parte el acuático es exageradamente rápido sobre el agua (corre tanto como un infectado en tierra, para que os hagáis a la idea de lo ridículo que suena), mientras que el luchador cuenta con un brazo enorme capaz de tirarnos al suelo, y el granadero nos lanzará partes tóxicas de su cuerpo.

Por último, dentro de las novedades más reseñables tenemos la posibilidad de mejorar nuestros parámetros con las armas. Aparte del árbol de habilidades heredado de ‘Dead Island’, que aquí permanecerá intacto, tendremos cuatro barras inferiores en donde mejoraremos nuestra experiencia con armas pesadas como mazas, afiladas como hachas, nuestros propios puños, o armas de fuego. Ganando más experiencia, haciendo más daño, reduciendo el coste de resistencia, o

incrementando el número de críticos. Cada una de estas cuatro barras podremos subirlas hasta nivel 10. Tampoco podemos olvidar, por cierto, que en ‘Dead Island: Riptide’ se estrena un nuevo superviviente inmune a la infección, y que responde al nombre de John Morgan. Además podremos ver al detalle cada zombi desde el registro del Doctor Kessler a medida que los eliminemos por la isla de Palanai.

Antes nos ponían en tensión si veíamos a varios y estábamos en los mínimos de salud. Ahora ya no. Con subirse a un sitio mínimamente elevado llega, y desde ahí los rematamos. O si no, siempre podemos recurrir al salto-patada. Que ésa es otra. En zonas elevadas podremos hacer una caída sobre un zombi, matándolo al instante, pero a veces esta caída hará que estemos en suspensión en el aire sin poder hacer nada.

Plataformas: PC, PS3 y Xbox 360 (versión analizada)Desarrollador: TechlandDistribuidor: Deep Silver

Lanzamiento: 26 de abril de 2013

Es un juego que valdra la pena si eres fan de la serie para saber que pasara en la historia, de lo contrario sino jugaste el primero no pasa nada si quieres experimentar algo nuevo, no esperes nada extraordinario, solo si tienes una cierta tendencia de matar no vivos, esta es tu oportunidad.

Energía de respaldo para:Modem de internet.Teléfono inalámbrico.

No se desconecte de internetni suspenda sus llamadas telefónicas

3 HORAS CON MODEMY HASTA 7 CON

TELÉFONO INALÁMBRICO

freim #03

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