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Febrero 28 – Abril 29 de 2019
CAMILO BOJACA
Sogamoso, 1985 Camilo Bojacá inicia su carrera estudiando artes plásticas en la universidad Nacional de Colombia en el año 2005, donde explora las diferentes técnicas. En sus proyectos se pueden ver variedad de técnicas siendo preponderante el dibujo y la escultura. En su trabajo es recurrente encontrar el paisaje como elemento de estudio, que Bojacá entiende como un sistema de capas que se intersectan superponen y conectan, otro de los elementos con el que trabaja recurrentemente es la escala y la imagen de poder. Le interesan las relaciones y tenciones que existen entre los elementos conceptuales y los materiales con los que trabaja, como el concreto, el grafito, el papel, etc. En proyectos de intervención como “errores que se consumen con el tiempo” y “Jardín de malezas” se acerca a la relación entre la naturaleza y la arquitectura para explorar nuevas nociones políticas del paisaje. “La pretensión constante de nuestra sociedad por escalar de posición, se contrapone con las delgadas y tambaleantes estructuras hechas de andamios que se usan constantemente para construir, mantener y reparar nuestras viviendas y edificaciones. Dichas estructuras tambaleantes se asemejan a muchas a los sistemas que dan “orden” a nuestra sociedad, frágiles y delgados se arman uno sobre otro como resultado de una inacabada practica social o política. Pese a esta situación, se mantiene en pie gracias a los ingentes esfuerzos de una sociedad trabajadora, que mantiene esa inestable pirámide de naipes. “
Camilo Bojacá Sin Título, Serie variaciones de un pensamiento estructural
Dimensiones: 27,5 x 28,5 x 18,5 cm (con caja de protección) Técnica: andamio de grafito de 2mm, concreto ladrillos a escala
2016
Camilo Bojacá Sin Título, Serie variaciones de un pensamiento estructural
Dimensiones: 27,5 x 28,5 x 18,5 cm (con caja de protección) Técnica: cemento, ladrillo a escala, andamios y casas de grafito
2016
OTTO BORDA
Bogotá, 1979
Otoniel Borda es un artista plástico egresado de la Academia Superior de Artes de Bogotá. En su proceso artístico vincula diversas técnicas plásticas y elementos del diario vivir en una búsqueda personal para revalorar los diversos significados de los elementos y espacios cotidianos. Su trabajo proyecta la necesidad de hacer visibles aspectos elementales que pasan desapercibidos en el frecuente afán de la cotidianidad. En sus proyectos utiliza distintos formatos que buscan la interacción del espectador con las obras y el vínculo de cada pieza con el espacio expositivo. En el caso de las instalaciones In Situ como “Reserva” y ”Columen” se genera una conversación directa por la magnitud y el juego con lo arquitectónico, mientras que en las series de pequeño y mediano formato la relación se da con el manejo entre lo bidimensional y lo tridimensional.
Otoniel Borda Óbolo
Técnica: Instalación in situ Tierra negra, monedas de 100 pesos y cráneos en papel
Dimensiones: 2 m de diámetro 2019
LEO CARREÑO Bucaramanga, 1979
Leo Carreño es artista plástico con estudios cinematográficos, que ha desarrollado su obra personal en torno a la anatomía y la biología, enmarcadas dentro del contexto de la puesta en escena, la creación de objetos, accesorios y demás elementos escenográficos y de video mapping, expuestas en multiples exposiciones de arte en Colombia y recientemente en el exterior. Su trayectoria artística se ha desarrollado en los últimos 10 años a través de experiencias interdisciplinares, como director de arte y videoartista en puestas en escena de gran formato para danza contemporánea, teatro, producciones audiovisuales y exposiciones de arte. Su búsqueda plástica personal indaga, a través de un lenguaje íntimo y fetichista, temas como la corporeidad y la aceptación misma del ser, dentro de entornos biológicos y de naturaleza muerta, que llevan a pensar acerca de una latente incertidumbre como individuo desmaterializado de todo contexto y orden social establecido.
Leo Carreño CODEX HYBRIDA-ZOOPHYTA (Organismo Zoophyto Monstera)
Técnica: Bio Escultura, textil, reciclaje y plantas vivas Dimensiones: 180cm x 90cm x 60cms (aproximadamente)
2019
Leo Carreño HYBRIDA-HYMENOPTERA 0146
Técnica: Fotografía, Formato Digital Hasselblad sobre Algodón Dimensiones: 82 x 98 cm
2015
MAURICIO COMBARIZA Bogotá, 1970
EL BULTO “En la definición de Bulto nos encontramos: “Volumen o tamaño de cualquier cosa”, “Elevación o saliente en la superficie de una cosa o porción de masa endurecida en el interior de algo”, “cuerpo que se percibe confusamente”, “hinchazón”. Los bultos que salen naturalmente de las construcciones obedecen normalmente al sobrante de la jornada, al contenido de los materiales de esa construcción. Observo estos bultos desde el albañil y sus costumbres. En esta propuesta busco hacer una interpretación del bulto encontrado en los escombros de obras arquitectónicas en construcción, el cuerpo en concreto que se suspende sugiriendo levedad en una acción de docilidad la materia dura y pesada del concreto se hace frágil y liviana. Con estas piezas propongo una relación entre los materiales y la presencia del obrero, bolsas que al vaciarlas con cemento, mortero o concreto sugieren formas orgánicas, quizá vísceras, pliegues que sugieren piel, tensiones, volúmenes etc. De la misma manera planteo al cuerpo como una masa que muta y se moldea a las circunstancias.”
Mauricio Combariza EL BULTO
Técnica: Instalación Dimensiones: Variables
2018
Mauricio Combariza DE LA SERIE “SIX PACK”
Técnica: Escultura (Varilla, cemento blanco, pigmento mineral) Dimensiones: 28 x 24 x 17 cm
2018
MARI A ELVIRA ESCALLO N
Londres, 1954 “El trabajo Nuevas Floras Versalles se llevó a cabo en el Arboretum de Chevreloup, antiguamente parte de los terrenos del Palacio de Versalles. Adquirido por Luis XIV como coto de caza, el Arboretum actualmente es una enorme coleccio n de a rboles de diversas partes del mundo que hace parte del Museo Nacional de Historia Natural de Francia. La intervencio n se realizo en dos grandes ramas de un Castan o blanco que se habi an desagarrado del tronco central debido a una afeccio n del a rbol, a las cuales se les retiro parcialmente la corteza. En una de las ramas se realizo una talla barroca en forma de hoja de acanto, que, junto con la hoja de laurel, son los dos motivos vegetales favoritos de la ornamentacion en el Palacio de Versalles, utilizados en esta gran escenografia destinada exaltar la gloria del Rey. (*) Los jardines de Versalles constituyen el ejemplo por excelencia del empen o del hombre por controlar la naturaleza subordina ndola un orden racional y este tico rigido, acompan ado por un afa n de ornamentacio n. En esta pieza de Nuevas floras, se expone la hoja de acanto a un procedimiento inverso: inscribiendola en la rama de este a rbol enfermo, se vera progresivamente transformada por las modificaciones que naturalmente puedan seguir operando en la madera a causa de la afeccio n que padece. Se planea hacer un registro fotogra fico de este proceso.” (*)Un artesano experto graduado en la escuela Bull realizo la labor de talla.
María Elvira Escallón
NUEVAS FLORAS VERSALLES Técnica: Impresión digital Giclee
Dimensiones: 106 x 76 cm 2017
JOEL GROSSMAN Bogotá, 1976
“El deseo forma parte de la naturaleza humana y es uno de los motores que impulsan su conducta. Quien desea algo se covierte en un sujeto activo que lleva adelante diversas acciones para satisfacer sus anhelos. Mi obra trata sobre el potencial que existe al desear y es mi representación de entropía: venimos de un origen singular que se va expandiendo hasta estar en el caos máximo, para, después, volver a otro origen singular. El sistema está entrando a un caos máximo y los errores se están empezando a notar. Esta obra hace parte de una serie que consta de dibujos y pinturas. Los temas de los dibujos se repiten, son como emblemas de un retorno a lo básico, de una búsqueda de algún orden posible: la expansión. Es, a grosso modo, la representación del caos como un lugar de paz donde caben todos los colores. Es entender el desorden como la regla. Es una matemática aproximada que concibe el presente como lo único que tenemos.”
Joel Grossman ENTROPÍA EN PLATEADO
Técnica: Hojilla plateada y grafito sobre papel 100% algodón Dimensiones: 73 x 89 cm (con marco)
2018
Joel Grossman DESEO
Técnica: Óleo sobre lienzo crudo Dimensiones: 134.5 x 134.5cms (con marco)
2017
LEONARDO GUAYÁN
Bogotá, 1980 “La fotografía que planteo se desarrolla en el campo de la imagen cotidiana; allí los paisajes y retratos en estado natural trascienden a formatos no convencionales, donde el objeto hace parte del contexto y el lenguaje. La fotografía como elongación de la experiencia; realidad y fantasía, caos, encantamiento y consumación; escandalosa, subversiva y natural. Estas imágenes son y fueron luz y sombra, ausencia y realidad y su pequeño simulacro sosiega el silencio de los días y la noches del lugar donde camino...” LOS ABUELOS Este proyecto se desarrolló a partir de encuentros y registros fotográficos en diferentes lugares de Suramérica en diversos viajes realizados entre los años 2010 y 2016. El análisis místico y conceptual de la mitología de nuestros pueblos me permitió observar diferentes contextos y realizar estudios comparativos desde los lenguajes e imaginarios; pero lo más importante, es encontrar al interior de las comunidades ese espeso cúmulo de revelaciones que transitan entre lo espiritual y lo mágico, los relatos que convierten la esencia de la imagen en mito y el viaje como una forma circular de ser en el tiempo, vida y muerte en un solo ciclo. Partir es morir un poco, morir es volver al principio y el principio es el caos, de allí germina todo: principio, recuerdo y aletheia, el mito, lo que se opone al olvido. Son los abuelos quienes conspiran y tejen los mitos con su dulce palabra, a través de insondables e incorruptibles formas de la memoria; reos, disolutos por los mismos compuestos que hacen a la sustancia y al abismo, al verbo y al silencio, al día y a la noche, su imagen es elongación de la experiencia; realidad y fantasía, caos, encantamiento y consumación; prolongación de una espiritualidad escandalosa, subversiva y natural.”
Leonardo Guayán MAMO. SERIE 1/5
Fotografía, pigmento sobre papel Hahnemühle - torchon fine art Dimensiones: 115 x 170 cm
2016
JUAN DAVID HERNA NDEZ Bogotá, 1992
Cuando cerramos una cortina, establecemos un límite de intimidad. Cuando buscamos dentro de un cajón, escarbamos en nuestros recuerdos; cuando cerramos una puerta, establecemos una barrera que nos separa del mundo exterior. De hecho, habitamos el mundo entre y a través de los objetos: al crear un objeto con un propósito específico, lo que hacemos es disponer una forma concreta de relacionarnos con el mundo. La obra de Juan Hernández explora el potencial de los objetos para revelar cómo vivimos en el espacio doméstico a través de la comprensión y la transformación de objetos encontrados, como cortinas, cajones y puertas. Su proceso escultórico comienza con el encuentro con un objeto, un descubrimiento que resulta de recorrer y reconocer la ciudad. Luego, investiga, lee y escribe sobre los significados relacionados con el objeto mientras, por otro lado, explora sus posibilidades y límites materiales. En esta coyuntura, Hernández va y viene entre la teoría y la praxis, entre el pensar y el hacer, para comprender las relaciones entre sus hallazgos conceptuales, formales y materiales. Finalmente, determina cómo será la imagen final de la obra, teniendo en cuenta su potencial no sólo como un objeto independiente, sino también como un objeto en serie que se repite para conformar un sistema. Como escultor-arquitecto, Hernández se interesa por explorar cómo los humanos construimos, habitamos y transformamos el espacio, no sólo en la escala personal del espacio doméstico, sino también en la escala mayor del paisaje y la topografía. Por consiguiente, está buscando la poética que resulta al ver objetos domésticos transformados en volúmenes arquitectónicos que toman lugar en paisajes naturales. Al final, su obra es una pregunta por la manera cómo nos relacionamos con nuestros hogares, entornos físicos y geografías.
Juan Hernández DESVÍO A MEDIO CAMINO
Técnica: Escultura, puertas usadas de madera Dimensiones: 105 x 275 x 325 cm
2018
Juan Hernández MEMORANDO
Técnica: Escultura, cajones usados de madera, alambre Dimensiones: 180 x 60 x 20 cm
2013 – 2016
RAMO N LASERNA Bogotá, 1977
“Mi trabajo parte del concepto de la línea como elemento principal para el desarrollo de la obra en la que problematizo, desarticulo, deconstruyo y pongo en duda el propio trazo lineal. Ya sea por medio de la fotografía, del dibujo, o del espacio, me interesa expandir la línea en sus múltiples posibilidades. Dicho esto, existe una obsesión repetitiva en generar estas rayas que se suceden una y otra vez en las piezas que formo. El concepto del tiempo en esa repetición consistente también es algo que me interesa analizar. De alguna manera entender cómo el tiempo y el movimiento se articulan. Todo empieza por medio del encuentro con lo que me rodea, el detectar diferentes formas que los tejidos urbanos o naturales generan. Así me llaman la atención las líneas, sombras, texturas, uniones, y fragmentos que el tipo de luz puede formar en lugares a priori no imaginados. Dicha abstracción produce efectos ópticos que intento capturar de forma fotográfica para luego pasarlas al papel. En este gesto estoy jugando con los formatos de dos dimensiones para producir un efecto en tercera dimensión. Utilizo la línea estática para generar movimiento, analizando como el antónimo produce su contrario. El dibujo, como la fotografía, vuelve y se convierte en referencia para lograr abarcar un espacio por medio de la línea, siempre buscando ese efecto óptico, ese movimiento que dan los diferentes planos, o las direcciones en que las líneas son asignadas. Este mecanismo me permite abrir puertas y opciones: igual que la fotografía lleva en mi caso al dibujo, a su vez, el dibujo lleva al espacio, saliiéndose de la planidad del papel para ocupar una dimensión instalativa.”
Ramón Laserna GARABATOS (ROJO, VERDE, AZUL) Técnica: Tinta china sobre papel
Dimensiones: 50.5 x 66.5 cm 2018
Ramón Laserna TEJIDOS (AZUL, NEGRO)
Técnica: Tinta china sobre papel Dimensiones: 50 x 70 cm
2018
SANTIAGO LEAL Bogotá, 1983
“Estudiando los comportamientos de trabajo de diferentes regiones del mundo (en este caso Canadá), se hicieron estudios sobre el comportamientos de las relaciones humanas. La obra ‘6x6 Estudios sobre el comportamiento humano’ son 6 estructuras hechas gracias a simetrías con base al vuelo de una paloma. De manera personal se interpretó el comportamiento de trabajo en Canadá como un constante ir y venir entre región y región donde la migración y las condiciones climáticas hacen que la vuelo interna sea parte del modelo de trabajo. Gracias a este estudio se estableció la instalación ‘From Sea to Sea’ made in Canada, instalación interactiva con 4 pantallas y un diente de león hecho en 3D donde se sopla el diente de león (hecha con pájaros) y de manera interactiva en tiempo real las pantallas proyectan el vuelo de los pájaros que conforman el diente de león hacia donde se soplo haciendo una trayectoria única, dependiendo de la intensidad del soplido. Este estudio permitió realizar el diente de león usado en la instalación.”
Santiago Leal
6X6 ESTUDIOS SOBRE EL COMPORTAMIENTO HUMANO (parte de la serie Made in Canada)
Técnica: Impresión 3D Dimensiones: 30 x 20 x 15 cm
2014
LUZ A NGELA LIZARAZO Bogotá, 1966
“Mi obra se caracteriza por reflexionar sobre preocupaciones alrededor de la fragilidad, la dicotomía entre lo público y lo privado y las interacciones con los otros. Mi trabajo encuentra su asiento entre dos mundos: el dominio de la intimidad y las interacciones con el mundo exterior. Mi proceso trae consigo muchas preguntas que se resuelven como un gran tejido que va cambiando de patrón según mis propias proyecciones mentales. Son preguntas muy íntimas que solo tienen eco y respuesta en el trabajo. En ese sentido, desde hace varios años utilizo las aves, su estructura y su universo como metáfora. El vuelo, la imposibilidad de volar, el canto de las aves, las redes de niebla utilizadas por los ornitólogos, hacen eco a la libertad o la ausencia de esta, la liviandad, la comunicación y las reparaciones físicas y emocionales. También he creado muchas redes o trampas inútiles: ‘Engaño’ una frágil red elaborada en pistilos falsos de flores falsas que no pueden sostener nada ni mucho menos atrapar nada; y ‘Red de luz’, una delicada red elaborada de oro goldfield. Su tejido es grande y el peso de cualquier ser vivo o no vivo rompería la red en infinitos eslabones.”
Luz Ángela Lizarazo RED DE NIEBLA
Técnica: Red de niebla y reparaciones en cadenas de oro Goldfield Dimensiones: Variables (12 x 3 metros aprox.)
2016
Luz Ángela Lizarazo ENGAÑO
Técnica: Tejido en pistilos falsos Dimensiones: variables (200 x 180 cm)
2016
NATALIA LO PEZ (LA REINA) Bogotá, 1978
Natalia López “La Reina”, es conocida bajo este seudónimo gracias al proyecto performático de apropiación de identidad que realizó entre los años 2000-2002, y al cual no renuncia porque hace parte de un imaginario con el que la gente, al relacionarla, se acerca de alguna manera a un mundo de fantasía. A partir de éste realiza una investigación en torno a las reinas de los cuentos y cómo la sociedad católica a través de estos se encargó de tergiversar y denigrar la imagen de la mujer independiente que busca poder. Natalia comenzó su carrera artística como integrante del colectivo nadieøpina construyendo su visión del arte y del hacer, de la mano de artistas como Mario Opazo, Pedro Ruiz, Rafal Ortiz, Milena Bonilla y Esteban Sánchez, entre otros. Su trabajo surge a partir de sus preocupaciones sobre el actuar humano en relación con el otro y con la naturaleza, desarrollando proyectos en medios como video, fotografía, instalación, acción y dibujo, ya que el objetivo principal, más que el soporte, es transmitir de una manera efectiva y a la vez emocional sus investigaciones, cuestionamientos y propuestas, intentando hacer del arte un mecanismo poético y eficaz de comunicación. Estas preocupaciones la han llevado a crear proyectos como “Detenerse a Respirar al Final del Mundo”, el cual la hizo ganadora de una residencia en la Antártida en 2015 y a partir de la cual fundó el Proyecto Colombiano de Arte en Antártida, con el que quiere dar a otros artistas colombianos la oportunidad de vivir y comunicar lo que significa este maravilloso lugar del mundo.
Natalia López ¨La Reina¨ De la serie INDELEBLE. Serie 1/5
Técnica: Intervención sobre espejo Dimensiones: 67 x 76,5 cm
2019
Natalia López ¨La Reina¨ De la serie INDELEBLE. Serie 1/5
Técnica: Intervención sobre vidrio (en espacio a elección) Dimensiones: Variables
2019
ALEXANDRA MCCORMICK Cúcuta, 1978
“’De la montaña al río’ es una pequeña colección de imágenes en acuarela, de piedras encontradas en las Montañas Rocosas. La propuesta indaga la relación entre el río y la montaña enunciando lo efímero y la transformación constante de las montañas al entrar en contacto con el agua y las diferentes temperaturas quebrando las rocas para llevarlas al rio hasta desaparecer. Las piedras recogidas son bañadas en acuarela tratando de tomar el retrato de estas en las etiquetas, y después fueron enumeradas y llevadas de regreso al rio para seguir su curso. Este trabajo surge de una residencia en un Parque Natural en Banff, Canadá. “’Paraje Reyes’ es una zona del Catatumbo; ‘Campo dos’ es el segundo campo de petróleo de esta zona. En la búsqueda de un terreno perdido, encuentro el archivo de imágenes de un antiguo campamento petrolero de La COLPET en la década de 1940. Con la ayuda de un residente de la zona, recibo un registro de ésta, y realizo un inventario del lugar en la actualidad: Conformo un archivo de este sitio en diferentes épocas; lo reconstruyo con dibujos de tinta invisible en un archivador que se ve a través de la luz UV dentro de los cajones, pero cuando se abren totalmente, estos paisajes desaparecen. Fragmentos de tiempo, texto, dibujos componen este Paraje.”
Alexandra McCormick DE LA MONTAÑA AL RÍO
Técnica: Etiquetas, acuarela Dimensiones: 2 módulos de 203 x 103 cm
2015 - 2019
Alexandra McCormick PARAJE REYES-CAMPO DOS
Técnica: Dibujos de tinta invisible, archivador, escritura, mapas Dimensiones: ??????????
2014
ADRIANA RAMI REZ Bogotá, 1974
“Bajo la siguiente premisa: 'los conceptos dependen de las circunstancias', señalo, cuestiono y promuevo las relaciones humanas. Además de ser una artista que hace cosas, soy una artista que le gusta hacer que las cosas pasen. Considero que soy una dibujante en un sentido amplio del concepto: creo vínculos líneas, plataformas y narrativas donde el espectador se puede convertir en actor o incluso co-autor de mi propuesta. Desde la profesión, propongo iniciar las conversaciones partiendo de las inquietudes y necesidades fundamentales y compartidas, en lugar de hacerlo desde la manera en que cada uno responde a ellas. Esto significa hablar desde las intenciones y no desde las posiciones, y al hacerlo así multiplica las posibilidades de acción e interpretación. Busco igualar al vida misma a la experiencia escultórica y para esto, cuatro son los puntos cardinales: Posición, postura, potencia y contingencia. La posición es el lugar geográfico desde donde se experimenta un evento; la postura es la actitud, que depende del paradigma que enmarca a cada persona; la potencia habla de lo que se puede llegar a ser y tiene mucho que ver con la voluntad; y la contingencia hace referencia a lo que puede suceder o no y depende ello del destino. Mi trabajo resulta ser una amalgama entre lo propio y lo colectivo.”
Adriana Ramírez EL LENGUAJE SIEMPRE DA OPCIONES
Técnica: Objeto-sujeto (madera papel, metal y acrílico) Dimensiones: 100 x 13 x 20 cm
2019
Adriana Ramírez ART BOOK (SOUVENIR)
Técnica: Dibujo Espacial con alambre dulce y cromo Dimensiones: 30,5 x 14 x 40cm de alto
2011
ALEJANDRO RAUHUT Bogotá, 1981
EXCLUSIONES “Esta serie de espejos intervenidos con mapas antiguos busca ser un llamado al agradecimiento. En mi caso me siento muy afortunado de haber nacido y crecido en Bogotá, un poco más alejado del conflicto armado que ha vivido mi país por tantos años; de cierta forma se puede decir que en Bogotá hemos vivido en una ‘Burbuja’. Este tipo de situaciones es algo que vemos de alguna u otra manera en muchas partes del mundo, ya sea a nivel socio económico, educativo, religioso, o simplemente circunstancial. Busco representar esa ‘Burbuja’, mediante diferentes figuras geométricas y colores en mapas de alrededor de 1800. Esto hace alusión también a que en esa época los mapas eran objetos muy preciados que solo los reyes y pocas personas podían tener. Esta serie consta de mapas de diferentes ciudades como BERLIN, LONDRES, TOKIO, PARIS, NEW YORK, MOSCU cada uno producido en ediciones limitadas de 5 piezas.”
Alejandro Rauhut EXCLUSIONES (PARIS)
Técnica: Espejo intervenido y luz LED Dimensiones: 110 x 110 cm
2018
Alejandro Rauhut
EXCLUSIONES (BERLÍN) Técnica: Espejo intervenido y luz LED
Dimensiones: 110 x 110 cm 2018
CAROLINA RIVERA Bogotá, 1978
“La serie Hervulvarium toma como punto de partida y de inspiración la iniciativa esencialista feminista de los años setenta y el particular interés de una serie de mujeres artistas/ activistas de gran influencia en su época, por explorar los elementos iconográficos que influenciaron en la construcción de la imaginería colectiva femenina dentro del campo del Arte. Partiendo de mi situación como artista latinoamericana en un país en donde el rastro de un proceso de conquista permea mi identidad como mujer, la siguiente propuesta parte de una búsqueda personal por reconstruir y representar la naturaleza femenina. Esto, a partir de la descomposición y reestructuración de una serie de imágenes clínicas de cortes longitudinales de los órganos reproductores femeninos que se funden de manera erótica e imperceptible con imágenes botánicas de los siglos XVIII y XIX, realizadas durante la Expedición Botánica del Nuevo Reino de Granada. La técnica del collage surge en este caso, como medio de manipulación de la imagen ilustrada, descontextualizándola y dotándola de un nuevo significado. Esto, buscando reconstruir y elogiar con delicadeza y un toque de ficción y poesía, la sensualidad y el misterio de la experiencia biológica femenina."
Carolina Rivera Hervulvarium
Técnica: Collage digital sobre papel de algodón Dimensiones: 6 láminas de 29,5 x 41,7 cm
2008
Cra 23 # 72 A - 61, San Felipe, Bogotá
Teléfono: 314 4098032
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