CINE Y MUSICA

  III NNN DDD III CCC EEE DESDE EL TERCER MUNDO: LOS MALDITOS, PUNK EN FAMILIA por  José    Tomás  Valdés  

.3 ELECTROMA, UN RAVOTRIL A LA VENA por  Patricio  Jiménez  

.5 HEDWIG, EL CUERPO COMO TERRITORIO DE EXPERIMENTACIÓN por  Constanza  Candia  

.7 “¡QUIERO SILENCIO! ¡JODIDOS MÚSICOS!” por  Ramón  Reyes.  

.9 ESCUELA   DE   CINE   DE   CHILE.   DIPLOMADO   DE   ESTETICA   Y   CRITICA   DE   CINE   .  COHORTE  2012.  DOSSIER  DE  CINE  Y  MUSICA.  Prof.  Susana  Díaz  www.escuelacine.cl- www.extension.escuelacine.cl

DESDE EL TERCER MUNDO: LOS MALDITOS, PUNK EN FAMILIA por  José    Tomás  Valdés  

La   Batuta,   enero   2003.   Viene   al  cuerpo   una   sensación   extraña:  comenzar   un   documental   que  trate  de   la  historia  de   los  Fiskales  Ad-­‐Hok,   en   el   momento   en   que  deciden   ponerle   pausa   al   ruido,  pausa  al  frenesí  y  la  euforia,  pausa  a   la  banda   finalmente,   es   raro.  Da  cierta   nostalgia,   pero   a   la   vez  cierta   satisfacción,   porque   ya  

sabemos   la   historia   posterior,   sabemos   que   la   espera   no   fue   larga   y   que   más  temprano  que  tarde  la  rueda  siguió  girando  y  los  Fiskales  siguieron  tocando. Cabe   advertir   en   primera   instancia,   que   nunca   he   escuchado   de   algún   sujeto  alejado   del   sonido   del   punk   rock,   de   los   Fiskales,   de   la   subversión   o   incluso   del  mundo   del   documental,   que   aprecie   los   71   minutos   aproximados   que   dura   la  película.  Esto  no  es  un  pecado,  es  simplemente  gusto,  pues  se  habla  de  dictadura,  de   nuestras   falsas   democracias,   de   violencia,   de   temas   que   pueden   hablarse   y  escucharse  en  muchos  escenarios  y  contextos,  pero  aquí  el  hilo  conductor  es  esta  maldita   agrupación   punki.   Ellos   son   los   que   van   a   hablar,   serán   ellos   quienes  tendrán   el  micrófono,   por   lo   que   si   no   son   de   tu   gusto,   es   difícil   escuchar.   Esto  obviamente   no   es   una   regla,   sino   una   observación,   una   advertencia.   Para   los  demás,  como  fue  en  mi  caso,  es  obligación  ponerle  play  a  la  cosa,  porque  lo  que  se  ve  ahí  cuesta  encontrarlo  en  otra  parte.  Lo  primero  es  un   contraste,   si   bien  no   soy  un  experto   en  documentales   sobre   el  movimiento  punk,  al  momento  de  ver  American  Hardcore  o  Punk:  Attitude,  me  pasa  que  veo  una   construcción  de  héroes,   de   sujetos  que   tocaron   la   gloria,   de   rostros  que   si   bien   en   un  momento   fueron   irrisorios   ahora   son   adorados,   son   de   culto.  Aquí  me  topo  con  lo  contrario,  con  tipos  más  normales,  más  comunes  y  sencillos,  con  un  documental  que  no  habla  de  héroes,   sino  que  nos  devela  una   familia  que  habla  de  sí  misma,  que  no  se  creen  tanto  el  cuento,  como  bien  dice  el  Vibora  “no  es  una   cosa   tan   importante   los   Fiskales”.   Distinto   es   ver   a   Henry   Rollins   hablando  sobre   el   punk,   desde   lo   que   pareciera   una   grande   y   cómoda   casa,   que   tener   a  Alvaro,   Roli   y   Pogo   hablando   en   una   calle,   tomando   una   cerveza   de   la   misma  botella.   Me   suena   más   lógico   en   este   tipo   de   movimiento,   un   discurso   emitido  desde   una   junta   de   amigos   comiendo   legumbres,   mirando   videos   de   sus  borracheras,   echando   la   talla,   andando   en   bicicleta.   He   ahí   la   diferencia,   de   ser  referente   de   un   movimiento   cultural   marginal   en   el   primer   mundo,   que   en   el  tercero,  sin  desmerecer  a  nadie.  Eso  queda  plasmado  en  el  documental,  sencillez,  solidaridad,  amistad,  revolución,  los  egos  que  si  bien  pueden  existir  aquí  no  entran,  ya  que   todos   tenemos  claros  que  por  más  giras  que  hagan   los  Fiskales  a  Europa,  siempre   serán   una   bandita   punk   chilena   y   la   mayor   comercialización   a   la   que  aspira  nuestro   rock   es   un   efímero   éxito   en  México.   Puede  que   toda   esta   estética  presentada  en  el  documental  sea  una  mera  construcción,  que  haya  sido  toda  una  idea  de  Pablo  Insunza,  pero  al  menos  para  mí  eso  da  resultado,  me  sensibiliza  más.  

Si   todo  esto  es  una  puesta   en  escena,   al  menos   comentarios   como   los  del  Micky,  refiriéndose  a  que  miembros  de   la  banda  son  sus  mejores  amigos,  que  entre   sus  hijos   se   conocen   y   son   como  primos,   o   que   el   Pogo   diga   que   el   Álvaro   y   el   Roli    “fueron   los   únicos   societes   que   llegaron   a   la   casa   a   echarme   un   salvavidas   que  estaba   pero   un   asco”,   dice   mucho,   muestra   mucho.     Finalmente   se   ve   (o   mejor  dicho  veo)  a  humanos  siendo  humanos,  cosa  que  muchas  veces  se  echa  de  menos  a  la  hora  de  que  los  músicos  salgan  en  películas  o  documentales.  Desde  un  punto  de  vista  más  sobrio,  da  gusto  encontrarse  con  un  documental  de  este   calibre,   en   donde   la   historia   está   bien   armada,   en   donde   la   música,   las  imágenes,  los  comentarios,  se  constituyen  en  un  excelente  equilibrio,  dando  paso  a  una   reconstrucción   dinámica   y     lúdica.   En   unos   segundos   puedes   estar   riéndote,  viendo   un   jugo   de   borrachera;   al   otro,   suena   un   tema   de   la   banda   que   te   deja  vibrando;  posteriormente  aparece  algún  integrante  reflexionando,  retomando  toda  tu  concentración.  Ese  vértigo  no  marea,  de  hecho  enriquece   la  historia  que  se  va  narrando,   historia   que   a   la   vez   está   muy   bien   estructurada,   haciendo   honra   al  mismo  nombre  del  documental.    Finalmente,  Malditos:   La   historia   de  los   Fiskales   Ad-­Hok,   es   un   retrato  íntimo,  que  crea  una  imagen  fiel  de  lo  que   alguien   puede   esperar   de   una  banda   referente   del   punk   rock  chileno,   dentro   de   Chile   al   mismo  tiempo.  Es  una  apertura  de  puertas  a  esta   familia,   compuesta  por  aquellos  que  dan  algunos  pasos  al  costado  de  la   sociedad.   Se   parece   a   esas  anécdotas  que  te  cuentan  tus  padres  al  hacer  una  retrospectiva  de  sus  vidas  con  un  par  de  copas  de  vino  encima,  todo  esto   acompañado   de   archivos   de   tocatas   y   conciertos,   que   hacen   a   uno   añorar  volver   a   esos   años   y   estar   ahí,   de   ser   de   esos   que   llevan   casi   30   años   de   vida  escuchándolos.  Los  temas  que  suenan,  como  dije  anteriormente,  hacen  vibrar,  sea  por   su   música   o   por   esa   especie   de   subtítulos   que   aparecen   de   vez   en   cuando  traduciendo   lo   que   Álvaro   va   cantando.   Es   como   el   lado   sensible   del   punk,   en  donde  no  todo  parece  ser  odio  ni  rabia.  Para  rematar  todo  esto,  el  mensaje  es  claro:  en  las  escenas  finales,  se  estampa  el  sello  de  manera  no  tan  verbal,  sino  a  través  de  una   imagen   casi   postal.   No   se   trata   de   nada   más   que   de   un   grupo   de   amigos  cantando  una  balada  media  mamona,  pero  potente  como  “Resistiré”,  en  donde  se  pide   más   vino   y   se   ríen   los   amigos,   dando   paso   a   las   guitarras,   al   himno   de  resistencia  cantado  por  los  mismos  Fiskales.  Después  de  esos  segundos,  ya  no  hay  más,  sino  se  entiende  en  ese  preciso  instante,  no  se  entenderá  jamás  esta  historia  dirigida  por  Pablo  Insunza.      

ELECTROMA, UN RAVOTRIL A LA VENA por  Patricio  Jiménez  

Electroma,   una   película   que   puede   ser  una    píldora   para   dormir   o   una  experiencia   onírica,   en   donde  constantemente  nos  hace  cuestionarnos  de   manera   psicodélica   el   real   sentido  del  ser  humano,  o  mejor  dicho,  que  nos  hace  humanos.  Electroma,   es  un  viaje  que   realizan  dos  robots   hacia     la   realidad   humana,  comprende   una   aventura   que   los  enfrenta   al   rechazo   social   por   las  apariencias,    una   travesía   onírica   por  

los   colores   de   nuestra   realidad,   o   bien   una   contemplación   de   nuestra   propia  esencia.  Y  al  igual  que  la  vida  misma,  puede  ser  de  final  abierto.  Es   cierto  que     es   un  película   que  no   se  digiere   fácil,     sino     que   requiere  de   algún  fármaco   para   poder   absórbela   sin   daños   colaterales,   de   hecho,   en   un   par   de  ocasiones  los  párpados  se  pueden  ver  discretamente  influenciados  por  las  ley  de  la  gravedad,  esto  ocurre  esencialmente  porque  muy  al  estilo  Tarkovski,  Electroma  te  hace  sentir  tal  cual  es  el  tiempo  real    (el  tiempo  diegético  de  la  película  pasa  a  ser  el  de   la   realidad   en   que   vivimos)   como   por   ejemplo,   si   en   la   película   se   activa   el  detonador  de  una  bomba    y  la  cuenta  regresiva  de  ésta  es  de  60  segundos,  significa  que  pasan  los  60  segundos  en  nuestra  realidad  horaria.  Ahora,    si    Electroma   ya   atravesó   nuestras   primeras   membranas   biológicas   y  comenzó   a   esparcirse   por   nuestro   torrente   sanguíneo,   podemos   comenzar   a  danzar   por   un   viaje   interior   sorprendente,   repleto   de   imágenes   metafóricas  envolventes;   llenas   de   contrastes   blancos   y   negros   a   través   de   sensaciones  auditivas  perturbantes  e  inquietantes  y  por  texturas  que  se  conectan  con  nuestras  vísceras.  Electroma,  (presentada  en  Cannes  el  año  2006)  viene  presentar  la  opera  prima  del    dúo  electrónico   francés  Daft  Punk,   los   cuales   son   responsables   tanto  del   guión  y  dirección  de  la  película,  aunque  extrañamente  no  así  de  su  banda  sonora.  El   film   trata  de  un    viaje  de  dos  robots,   los  cuales  se  caracterizan  de  astronautas  psicodélicos,   con   cascos   dorados   y   plateados,   se   podría   decir   una     mezcla   de  superhéroe   japonés  al  estilo  Ultraman  con  un  motoquero  moderno  con  un   toque  de  adicción  al  futurismo  (vestimenta  típica  del  Dúo  Electrónico,  al  momento  de  dar  sus  conciertos).  Es   un   periplo   de   estos   dos   robot   con   el   fin   de   adquirir   el   aspecto   físico   del   ser    humano,  no  por  nada    la  placa  patente  del  automóvil  que  los  lleva  a  la  ciudad  tiene  impresa   la   palabra   “   Human".   Esto   ocurre   en   una   ciudad   habitada   íntegramente  por   robots.   Ellos   para   cumplir   tal   propósito     ingresan   en   un   escalofriante  laboratorio   el   cual   les   proporcionara   una   “psudo-­‐piel”   que   les   cubre   sus   cascos  para   formarles   su   nuevo   rostro   humano   (tal   vez   la   parte   más   alucínate   de   la  película).  La   futura  relación  de  estos  dos  nuevos  humanos  con   la  sociedad  de   los  robots  no  será  de  las  mejores,  recibiendo  el  rechazo  y  la  expulsión  de  la  sociedad;  lo  que  les  conlleva  a  un  fuerte  cuestionamiento  del  sentido  y  propósito  de  la  vida.  

Electroma  logra  emocionarnos  a  través  del  no  dialogo,  es  una  película  sin  escenas  habladas,  solo  una  mezcla  potente  de  imágenes  y  sonidos.  Sin  duda  es  una  carga  de  escenas  que  difícilmente   se  nos  hace     indiferente.  Basta   con  un  notable   juego  de  luces  y  sonidos  para  llegar  a  sentir  como  lloran,  sin  lágrimas,  los  hermanos  cuando  sus  máscaras  son  derretidas  por  la  luz  solar,  o  cómo  la  desesperación  y  frustración  de  no  poder  autodestruirse  por  parte  del  protagonista,  son  expresadas  a  través  de  un  par  de  condensadores  y  resistencias  de  un  circuito  eléctrico.  Electroma,   es    una    búsqueda   de   dos   robots    por   querer   ser   por   un   tiempo   un  humano  de  carne  y  hueso.  Y  a  las  consecuencias  que  enfrentan  por    este  deseo  en  la   ciudad   “daft   punk”,   como   se   ven   enfrentados   a   la   persecución   por   tener  apariencias   distintas;    una   metáfora   de   los   ideales   humanos   versus   el   de   las  maquinas,  un  viaje  en  donde  siempre  la  fuerza  de  la  perseverancia  es  sometida  a  la  duda  para    tomar  la  ruta  más  fácil.    

   Para   envolvernos   más   en   estos   cuestionamientos,   el   dúo   electrónico   toma   a   la  naturaleza  como  un  personaje  más  de   la  historia  y  nos  bombardea  con   imágenes  hipnóticas   de   montañas,   desiertos   y   carreteras;   parajes   desolados,   pero  hermosamente  fotografiados,  que  a  la  vez    nos  entregan  mayor  sensación  de  vacío.  Finalmente,   es   una   película   que   busca   dar   un   pequeño   relámpago   a   la  trascendencia,   entender   que   a   veces   la   ruta   de   la   vida   es   distinta   a   la   que   nos  podemos  haber  construido,  quedando  de  manifiesto  cuando  después  de  un   largo  caminar  ya  no  existe  otro  propósito  que  motive  a   los  protagonistas.    Es  entonces  cuando   el   desierto   se   comienza   a   metamorfosear   con   imágenes   de   cuerpos  femeninos,    (un  trabajo  de  cámara  y  luz  notable)  para  terminar  con    la  metáfora  del  “Nuevo    Nacimiento”    mostrando  un  primer  plano  de  una  “vulva”    en  las  montañas  de  arena.  Electroma   es   un   Ravotril   a   la   vena,   algunos   podrían   dormir   días,   otros    podrían  volver  a  conectarse  con  su  real  esencia,  pero  de  seguro  alguna  sensación   logrará  generar   en    aquellos   que   se   atrevan   a   vivir   los   setenta   y   cuatro  minutos   de   esta  película.    

HEDWIG, EL CUERPO COMO TERRITORIO DE EXPERIMENTACIÓN por  Constanza  Candia                                              La  teatralidad  de  la  puesta  en  escena  en  alusión  al  género  musical,  cabe  mencionar  que   la   película   es   una   adaptación   de   un   musical   de   Broadway.   Los   espacios  forzados,  y  la  exageración  de  casi  todos  los  elementos.  Los  recursos  estilísticos  son  una  esencia  para  narrar  esta  película,  más  no  sería  lo  que  es,  si  esta  historia,  que  se  plantea   más   como   hipótesis   (algo   así   como   un   documental   teatral   con   tintes  biográficos)   que   como   drama   propiamente   dicho,   no   tuviera   la   profundidad   que  tiene  en  sus  fundamentos,  para  hablarnos  de  origen  y  realización,  por  ende  amor  y  éxito.  Un  retrato   inexacto  que  busca  resolverse,  a   través  de  un   juego,  no  menos  real:   la  transgresión;   algo   extraño,   bizarro   y   doloroso   está   sucediendo,   sin   embargo   hay  humor,  belleza  y  osadía.  De  lo  dual  a  lo  confrontacional;  el  territorio  físico  habitado,  espacio  concreto  donde  los  problemas  sustanciales  se  manifiestan  (cuando  se  confronta  algo  dentro  de  sí,  se  olvida  la  autonomía  propia  de  una  orgánica  pensante,  como  lo  es  el  cuerpo).  De  manera   análoga,   en   la   película   se   plantea   el   conflicto   del   territorio   geográfico  dividido,  el  muro  de  Berlín.  El  personaje  no  puede  “experimentar”  del  otro  lado  de  éste,  y  se  identifica  continuamente  con  él.  La  idea  de  trans  (como  situación  que  ocurre  en  el  lado  opuesto),  de  las  apariencias  (como   aspecto   exterior   de   algo   o   alguien)   y   del   amor   (como   deseo   platónico   de  encontrar   esa  mitad   que   nos   falta).   En   un   cuestionamiento   encarnado   de   forma  literal   en   este   personaje   y   su   territorio,   al   más   puro   estilo   de   estos   tiempos.  Hedwig,   una   trans-­‐sexual,   que   tras   la   falla   en  una  operación    de   cambio  de   sexo,  obtiene  como  resultado  algo  que  no  es  más  que  una  extraña  y  ambigua  pulgada  de  carne.  Con  el  pasar  del  tiempo,  y  aún  confundida,  es  guiada  por  su  representante  

para   ir   tras   los   pasos   de   un   antiguo   joven   amante   (Tommy   Gnosis.   La   gnosis,  entendido   como   aquel   conocimiento   absoluto   e   intuitivo,   especialmente   de   la  Divinidad,  que  se  alcanza  a  través  de  la  salvación  mediante  el  conocimiento  de  Dios)  que  ahora  ha  plagiado  su  música,  consiguiendo  fama  y  éxito.  Nosotros   como   espectadores   parecemos   quedar   fuera.   Sentados   en   una   butaca,  pasivos  frente  a  este  despampanante  y  colorido  espectáculo  rosa,  que  poco  a  poco  comienza   a   sorprendernos.   Poniendo   en   la   tarima   aspectos   planteados   ya   desde  hace  380  a.c.  con  Platón  (en  este  caso  con  Hedwig;  es  su  madre  quien  le  insemina  esta   idea   a   sus   cortos   seis   años,   generando   en   él   un   motor   que   lo   hará   llevar  adelante   esta   búsqueda   desesperada   por   encontrar   a   su   otra   mitad;   mitad   que  constantemente  buscará  fuera  de  sí),  reflexionando  sobre  las  causas  que  la  llevan  a  ese  presente  caótico.  De   forma   fragmentada   en   episodios   que   rememoran   un   pasado,   causante   del  presente,   y   problemático   al   momento   de   forjar   un   futuro   (¿a   dónde   vamos?,   y  ¿hasta   qué   punto   entregamos   de   nosotros  mismos   para   lograr   salir   de   nuestros  conflictos  más  íntimos?).  Para  demostrar  que   todo  sucede  una  vez  que   lo  experimentamos  en  el   territorio  físico,  sea  cual  sea  éste  (un  país,  un  cuerpo,  un  territorio).  La   suerte   llega   cuando   se   acepta   la   mitad   que   buscamos   dentro   de   uno.   Cabe  recordar   a   Hedwig   al   culminar   el   show   despojándose   con   furia   de   su   atuendo  estrafalario.   Encontrándose   (y   encontrándonos)   con   no   más   que   un   espacio  concreto  y  puro,  como  lo  es  el  propio  cuerpo  ante  el  resto.    

     

       

“¡QUIERO SILENCIO! ¡JODIDOS MÚSICOS!” por  Ramón  Reyes.    Léase  el  título  en  voz  alta  –  así  con  pausas,  como  recitando-­    después  de  haber  visto  la  película,  o  al  menos  el  video  que  está  más  abajo.    

     Sonido.  No  importa  de  donde  venga,  si  tiene  ritmo.  Todos  los  objetos  están  ahí  para  ser  musicalizados.   Todas   las   cosas   para   ser   usadas.   El   ritmo   no   está   solo   en   las  venas,  sino  que  también  en  las  mercancías.  No  importa  si  es  ilegal,  cómo  suenan  es  lo   único   relevante.   Todo   esto   alcanza   sentido   cuando   el   sonido   es   música.   Los  billetes   se   convierten   en   ruido   y   eso   aterra.   Si   tuviera   que   elegir   la   imagen   que  simboliza   lo  que  quiero  decir   sería  el   grito  del  pequeño  burgués  al   ver   como   los  papeles  billete  se  convierten  en  challas.  Y  sería  esto  algo  que  siempre  me  ha  llamado  la  atención.  El  valor  de  las  cosas.  Porque   al   repudio   de   una   sociedad   de   mercado,   que   ve   que   estos   misteriosos  agentes   usan   sus   mercancías   para   usos   no   convencionales   y   mucho   menos  eficientes,  debemos  sumarle  el  repudio  de  los  músicos  que  rechazan  la  vanguardia  como  otra   forma  de  expresión.     La  música  debe   seguir   el   status  quo,   debe   seguir  siendo   de   los   ricos   y   seguir   siendo   como   los   intelectuales   quieren   que   sea   y  viceversa.  Aquí  está  todo  de  cabeza,  todo  viceversa.  El  policía  es  mal  visto  por  vivir  una  vida  sin  música  y  no  reproducir  la  prestigiosa  vida  de  toda  su  familia:  tradición  musical  desde  varias  generaciones  privilegiadas.  Así  mismo  este  policía  hace  oídos  sordos  a  la  música  de  las  mercancías,  esa  música  propia  de  nuestros  tiempos,  en  donde  el  valor  de  uso  de  las  mercancías  puede  ser  degenerado.  Ese  sería  el  desafío  del  artista:  destruir  la  mercancía  y  convertirla  en  arte  (arma,  satisfacción,  mensaje,  idea,  etc.).  La  música  es  también  silencio,  pausas  e  imágenes.  El  montaje  es  por  eso  también  una  composición  musical.  Creo  que  eso  es  lo  que  me  llama  la  atención  del  arte  en  

general  y  del  cine  y  la  música  en  particular.  Su  condición  de  no  ser  nada  por  sí  sola  (las  notas  y  fotogramas)  pero  todo  en  yuxtaposición  (canciones  y    películas).  Ser  el  policía,  la  oveja  negra,  el  músico  poco  talentoso  y  cuasi  sordo.  Ser  la  sombra  de  un  hermano  que  es  una  eminencia  musical  y  vivir  en   función  de  eso.  Pero  no.  Prefiero  ser  el  ganador,  de  mi  propio  mundo  y  de  mis  parámetros,  pero  ganador  Y  claro,   si  vemos  con  un  poco  más  de  detención  cada  “acción  musical”   tiene  algo  

que  decir:  Los   putos   médicos   jugarán   con   el  biorritmo,   con   tu   falta   de   conciencia   de  que  tú  eres  un  instrumento  más.  Fuck   the   music!   Me   remite   a   una  reflexión   casi   filosófica:   ¿Qué   es   la  música?  Y  cuáles  son  los  parámetros  que  la  definen.    Para  el  grupo  desordenado  la  música   reside   en   los   objetos   y   para   el  policía   en   el   silencio.   ¿Será   que   no   le  gusta   la  música   o   le   gusta   el   silencio?   Y  

aquí  viene  la  guerra  por  otros  medios.  Qué  es  lo  que  se  quiere  decir  con  lo  que  se  dice,  ¿por  qué  a  las  autoridades    les  da  tanto  miedo  este  grupo  que  lo  revoluciona  todo?  Incluso  la  ciudad  y  el  cableado  eléctrico  está  ahí  para  ser  tocado.