curso historia del cine sesion 4
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Guillermo Vega ZaragozaAbril 2013
El cine de arte y el cine industrial
• Por su duración
Antonio Urrutia18 minutos
Krzysztof Kieslowski 50 minutos
Peter Jackson
Más de 10 horas de proyección
• Por su técnica
• Por su impacto comercial
Cine de Arte
Cine de arte
Cine de arte (también conocido como "Art film", "Cine arte", "Cine alternativo" o "Cine no comercial") es un término utilizado para referirse al cine con fines eminentemente artísticos, siendo generalmente de carácter independiente, sin aspiraciones de éxito comercial y destinado a una audiencia determinada, en lugar de una audiencia de masas.
Cine de arte Este tipo de cine suele ser hecho por pequeñas compañías, cuya
línea de producción contrasta con las que tienen como objetivo la taquilla y el consumo masivo, en donde los grandes presupuestos y efectos especiales están por sobre la trama y desarrollo de la cinta.
El cine de arte cuenta con una mayor libertad creativa, mostrando temas controversiales o dramáticos, resultando a veces difíciles de entender para el público masivo, puesto que pueden tratar acerca de sentimientos, pensamientos o sueños, intentando emular una realidad interior, subjetiva.
El cine arte tiende a ser considerado una identificación utilizada para denominar al cine de autor, debido a que las películas se identifican por el sello que su director pueda imprimir en ellas y es de alguna forma la visión del director su principal característica.
Cine de autor Al utilizar este concepto, se refiere específicamente al
cine realizado por un director que además es guionista, el cual procura imprimir a su trabajo un estilo propio.
Cine independiente Es el cine producido sin la financiación de grandes
estudios. Normalmente se consideran películas independientes aquellas en las que el dinero invertido por estos grandes estudios cinematográficos no llega al 50% de su presupuesto final.
Cine experimental El nuevo cine, que rompe barreras establecidas
para las proyecciones, alejándose de lo narrativo y permitiendo la imposición de nuevos estilos de creación.
Cine de realidad El cine de realidad (o cinéma vérité) hace
énfasis en las circunstancias reales de las escenas, dando menor importancia a los medios formales del guión, la edición y la iluminación.
Woody Allen Wes Anderson Fatih Akin Pedro Almodovar Robert Altman Paul Thomas Anderson Theo Angelopoulos Michelangelo Antonioni Darren Aronofsky Ingmar Bergman Bernardo Bertolucci Luis Buñuel John Cassavetes Hermanos Coen Francis Ford Coppola David Cronenberg Carl Theodor Dreyer Andrew Dominik Atom Egoyan Sergei Eisenstein Rainer Werner Fassbinder Federico Fellini Mike Figgis
Peter Greenway Paul Greengrass Michael Haneke Werner Herzog Alfred Hitchcock Hou Hsiao-Hsien Agnieszka Holland Peter Jackson Alejandro Jodorowsky Abbas Kiarostami Krzysztof Kieslowski Takeshi Kitano Akira Kurosawa Stanley Kubrick Emir Kusturica Fritz Lang Ang Lee Sergio Leone David Lynch Majid Majidi Terrence Malick Kenji Mizoguchi F.W. Murnau
Jean Luc Godard Christopher Nolan Nagisa Oshima Yasujiro Ozu Pier Paolo Pasolini Roman Polanski Satyajit Ray Alain Resnais Martin Scorsese Gus Van Sant Steven Soderbergh Kim Ki-duk Andrei Tarkovsky Jacques Tati André Téchiné Lars von Trier François Truffaut Tom Tykwer Orson Welles Andrzej Wajda Wong Kar-wai Krzysztof Zanussi
• Director consagradoCine de Autor
Los autores se consagran por…
1. Los premios que obtienen en festivales 2. Crítica los enaltece
Los autores trabajan bajo dos vertientes:
TRABAJOS PERSONALES TRABAJOS POR CONTRATO
ALFONSO CUARÓN
Fritz LangFritz Lang Charles S. Charles S. Chaplin Chaplin
Sergei Eisenstein Sergei Eisenstein Luis Buñuel Luis Buñuel David W. GriffithDavid W. Griffith
Francis Ford Francis Ford CoppolaCoppola
Arturo Arturo RipsteinRipstein
Alfred HitchcockAlfred Hitchcock
George LucasGeorge Lucas
Federico FelliniFederico Fellini
Peter Peter Jackson Jackson
Lars Von TrierLars Von Trier
Krzysztof Krzysztof KieslowskiKieslowski
Pedro AlmodóvarPedro Almodóvar
Akira KurosawaAkira Kurosawa
Star System Contratar estrellas de cine para asegurar taquilla
• Estrella de cineCine de Actor
Florence Lawrence (1886-1938)
Primera estrella de cine con crédito
Actuó en más 270 películas
Gloria Swanson
Dolores del Río
Mary Pickford
Douglas Fairbanks
Rodolfo Valentino
Marilyn Monroe
James Dean Elizabeth Taylor
Charlton Heston
Sophia Loren Marcello
Mastroianni Catherine Deneuve
Brad Pitt Julia Roberts Antonio Banderas
Nicole Kidman Nicole Kidman Penélope CruzPenélope Cruz Javier Bardem Javier Bardem Salma HayekSalma Hayek Gael GarcíaGael García Monica BellucciMonica Bellucci
• Casas productoras y países industrializados
Cine Industrial
• Patrocinio y contexto no industrial.
Cine Independiente
•Es el cine que no sigue directrices comerciales sino de experimentación y mayor libertad expresiva.•Esto no quiere decir que a veces no tenga éxito comercial, sobre todo si una vez realizada la película es adquirida para su distribución por algún estudio o compañía industrial.
Ingmar Bergman
(Uppsala, 1918 - Isla de Faro, Suecia, 2007) Director cinematográfico sueco. Hijo de un estricto pastor protestante, Bergman cursó estudios en la Universidad de Estocolmo y obtuvo la licenciatura en literatura e historia del arte con una tesis sobre Strindberg.
Hasta 1942 dirigió el teatro universitario y, posteriormente, fue ayudante de dirección del Gran Teatro Dramático de Estocolmo. En 1943, la productora Svensk Filmindustri (SF) lo contrató para el departamento de guiones.
Un año más tarde, la misma empresa produjo una película a partir de su novela corta Tortura, que dirigió Alf Sjöberg. Entre 1944 y 1955 fue responsable artístico del teatro municipal de Helsingborg, etapa en la que también dirigiría su primera película, Crisis(1946), producida por la SF, y realizó una serie de adaptaciones para el productor independiente Lorens Malmstedt, en las cuales aparecen ya sus preocupaciones existencialistas y que merecieron cierto reconocimiento entre el público y la crítica de su país.
Sin embargo, hasta la aparición de la comedia Sonrisas de una noche de verano, el nombre de Bergman no empezó a ser internacionalmente conocido. El éxito que alcanzó esta película en el Festival de Cannes de 1956 lo convirtió en el autor de moda dentro del cine europeo, y ello propició que se recuperaran numerosos filmes anteriores suyos.
El cine de Bergman recoge la influencia formal del expresionismo y de la tradición sueca, en especial la de Victor Sjöström, y destaca por su gran sentido plástico, casi pictórico, y el aprovechamiento de las posibilidades del blanco y negro. Sus filmes giran en torno de una serie de constantes temáticas, en especial la muerte y el amor, marcadas por las preocupaciones existencialistas y religiosas del autor, y abordadas con un tono metafísico y una densidad de diálogos motivada por sus inicios en el teatro.
•Su obra abarca desde la comedia ligera al drama psicológico o filosófico más profundo. •En sus comedias, el contenido sexual está en mayor o menor medida presente, si bien tratado con extremo lirismo. •Película emblemática dentro de su filmografía por su gran repercusión entre el público y la crítica, El séptimo sello (1956) constituye una lúgubre alegoría que indaga en la relación del hombre con Dios y la muerte, para la cual empleó recursos narrativos basados en la iconografía cristiana, aunque incorporando audacias personales de gran eficacia. •Su virtuosismo técnico se hace evidente en Fresas salvajes (1957), recreación de su propia infancia para la que utilizó una estructura de narraciones superpuestas.
“El Septimo Sello” (1956)
En 1976 abandonó su país por problemas fiscales y se instaló en Munich, donde creó su propia productora. De estos años data su película más encantadora y vital, Fanny y Alexander (1982), de la que el mismo autor comentó: «Por fin quiero dar forma a la alegría que, a pesar de todo, llevo dentro de mí y a la que tan rara vez y tan vagamente doy vida en mi trabajo.» Posteriormente Bergman publicó sus memorias en dos Volúmenes, Linterna mágica(1988) e Imágenes (1990), y escribió guiones cinegrafográficos para otros directores, entre otros su hijo Daniel.
Stanley Kubrick
La maldad y la bondad en todo ser humano
Era un aficionado a la fotografía
Ópera PrimaAños después la definió como: “balbuceante ejercicio de aficionado”A pesar de esta película y de su posterior “El beso del asesino” nadie lo llamaba y él se ganaba la vida jugando al ajedrez.
Primera gran película. Innovación y base del cine de Kubrick.
En un principio Kubrick quería darle un final feliz
para hacerla comercial pero el guionista recuperó el pesimismo de la historia calificada como antibélica.
Película que catapultó definitivamente a Kubrick, la aceptó por dicha razón.
Un año después estuvieron a punto de
juntarse Kubrick y Brando pero discreparon y Kubrick
dejó el proyecto.
Satírica de la temida guerra nuclear entre Unión Soviética y EEUU. Primera película de Kubrick que
supuso un reconocimiento de la academia.
Dos de las más celebradas películas de Kubrick, en la primera muestra la evolución de el hombre y la
inteligencia artificial; la segunda el trastorno moral de un joven inglés.
Con ésta película Kubrick se pasa al género del terror y realiza una escalofriante película.
Full Metal Jacket
Es otro alegato bélico, pero ahora contra el conflicto en Vietnam.Es un díptico aterrador sobre el impacto de la guerra en la psique
del hombre.
Última película de Stanley Kubrick, quien se despide dejando una película sobre una sociedad de ricos con gustos excénticos.
En 2001 se estreno “Inteligencia Artificial” de Steven Spielberg. Kubrick antes de morir iba a ser el director, estuvo meses
trabajando en ella, finalmente, tras su muerte, Spielberg decidió hacer la película y dedicársela.
Woody Allen
Allan Stewart Konigsberg nació en Nueva York el 1 de diciembre de 1935, pero es mejor conocido como Woody Allen,Director, guionista, actor, músico y escritor estadounidense ganador del premio Óscar en múltiples ocasiones. Es uno de los directores más respetados, influyentes y prolíficos de la era moderna.
Proviene de una familia judía de orígenes ruso-austríacos, a la que el propio Allen define como «burguesa, bien alimentada, bien vestida, e instalada en una cómoda casa».
Sus padres y su hermana también son neoyorquinos. Woody estudió hasta sus ocho años en una escuela hebrea, y después acudió a la escuela pública de Midwood High School.
Durante su infancia, aprendió a tocar el violín y el clarinete (que toca con asiduidad en público, junto con su banda The New Orleans Jazz Band), hecho que le ayudaría más tarde en la elección de las bandas sonoras de sus películas.
Inicios creativos En 1952, cuando se encontraba terminando la
secundaria, comenzó a confeccionar chistes para enviarlos a algunos columnistas de los periódicos de su ciudad
Allen empezó su carrera como humorista a los 16 años, siempre asociado a otros humoristas.
A los 17 tomaría la decisión de adoptar el seudónimo de Woody Allen.
Comenzaría a trabajar individualmente, llegando a ejercer la tarea de director de sus espectáculos en la cadena de hoteles Borsch Belt de Nueva York, donde ya habían trabajado otros humoristas importantes como Jerry Lewis.
A finales de 1953, Allen ingresó en la Universidad de Nueva York, donde entre otras materias cursaba Producción cinematográfica.
Pero no le interesaban mucho las clases; le gustaba más asistir a las proyecciones de películas que tenía la asignatura.
Se retiró sin iniciar el segundo semestre. Uno de los profesores le dijo alguna vez No eres material de universidad. Creo que tendrías que recibir ayuda psiquiátrica, porque me parece que no tendrás mucha suerte para encontrar trabajo.
En parte tenía razón, Allen consiguió su primer psiquiatra en 1959 y seguiría acudiendo a uno por el resto de su vida.
En 1968 rueda su primera película (completamente escrita y dirigida por él y en la que también actúa), Take the money and run (Coge el dinero y corre).
Al comienzo fue difícil encontrar una productora que financiara el proyecto (costaba dos millones de dólares), hasta que Palomar Pictures decidió apoyar el proyecto.
Aunque la productora no estuvo muy contenta con el resultado final, la película resultó ser un éxito de público.
Después de eso, a Allen no le costó trabajo encontrar algún estudio que siguiera pagando sus películas.
En 1970 firma un contrato con United Artists y rueda su segunda película Bananas.
El contrato con United Artists lo comprometía para rodar tres películas, y el estudio le otorgó total control sobre su producción, algo que era muy poco usual para cualquier director joven de la época (en aquella época ni siquiera Scorsese, Coppola o Mazursky tenían privilegios como éste).
Entre 1977 y 1979 realiza tres películas que lo consagrarían como director: Annie Hall, Interiors y Manhattan; ésta última filmada en blanco y negro, con largas e imponentes tomas de la localidad de Manhattan es considerada como un clásico de la historia del cine.
A lo largo de los 80 y 90 seguriía filmando obras notables y otras no tanto, al grado que el público estadounidense dejó de interesarse en sus filmes y decidió emigrar a Europa.
En 2002 recibe el Premio Príncipe de Asturias de las Artes. Desde entonces tiene una estatua en su honor en el centro de Oviedo.
Sus últimas películas (2005- 2006) han sido filmadas en Europa, recibiendo, como ya ha sido una constante, la aclamación de la crítica, especialmente la francesa.
Su primera cinta europea de ese periodo, rodada en Londres, Match Point, resultó un éxito de crítica y vaticinaba un regreso a sus mejores filmes.
Martin Scorsese
Nació en Flushing, Estado de Nueva York, 17 de noviembre de 1942.
Director, guionista y productor de cine estadounidense, ganador de un Óscar, dos Globos de Oro y dos premios BAFTA, así como de otro del Directors Guild of America (Gremio de directores de Estados Unidos), además de ser uno de los fundadores de World Cinema Foundation. Condecorado con la Legión de honor francesa en 1987.
Scorsese asistió a la Universidad de Nueva York, obteniendo una licenciatura en la escuela de cine en 1964 y una maestría en la misma disciplina en 1966. De 1967 data su cortometraje The Big Shave.
Ese mismo año realizó su primer largometraje, Who's That Knocking at My Door? (¿Quién llama a mi puerta?) con su compañero de estudios Harvey Keitel.
A partir de entonces formó parte del grupo de cineastas de la década de 1970: Francis Ford Coppola, Brian De Palma, George Lucas y Steven Spielberg.
De Palma fue quien le presentó a Robert De Niro, lo cual dio pie a una estrecha amistad que los llevó a compartir muchos proyectos.
Convencido de que estaba haciendo su última película, Scorsese invirtió todas sus energías en Raging bull (Toro Salvaje), sobre la vida del boxeador Jake LaMotta, de nuevo sobre guión de Paul Schrader.
Scorsese decidió rodar en blanco y negro, en parte para atenuar el rechazo a la enorme violencia del filme y en parte para hacerlo más realista, pero también perdió así gran potencial comercial.
Robert De Niro interpretó con gran talento a LaMotta (ganaría su segundo Óscar por este papel), y Joe Pesci a su hermano.
Además, ésta película supone el comienzo de la colaboración con la montadora Thelma Schoonmaker, viuda de Michael Powell, a la que conoció trabajando en los documentales Street Scenes y Woodstock, y que desde entonces ha sido fiel colaboradora en todos sus proyectos y que le ayudaría a cristalizar sus ideas sobre montaje.
Con Goodfellas (Buenos muchachos) Scorsese regresa al aprendizaje acumulado en Little Italy, cuenta la historia verídica del 'ex-mafioso' Henry Hill, interpretado por Ray Liotta.
En tono elegíaco, crispado y cínico, narra tres décadas en la vida de un trío de gangsters que trabajan para una familia siciliana asentada sobre todo en los alrededores del aeropuerto de Nueva Jersey.
Está considerada por muchos analistas como una de las películas más importantes sobre la mafia que se han hecho.