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CINE-CLUB CHAPLINCUENCA

TEMPORADA XLIV: 2014-2015

PROGRAMACIÓN

PRIMER TRIMESTRE 2015

UNA NOCHE EN EL SALÓN, de Charles Chaplin.

Sesiones del Cine-Club

Las sesiones del Cine-Club Chaplin se celebran en Multicines Odeón Cuenca (Sala Cinco), todos los miércoles de la temporada, de octubre a junio. Estas proyecciones están reservadas a socios de Cine-Club, exclusiva-mente. Para poder acceder, es imprescindible presentar el carnet de socio y la tarjeta anual correspondiente. Rogamos la máxima colaboración de todos los socios para evitar situaciones molestas.

Cada miércoles se ofrecen tres sesiones, que comenzarán puntual-mente a las 17, 19,30 y 22 horas. La proyección incluye un cortometraje y un largometraje que se ofrecen de manera ininterrumpida.

Este trimestre, la sesión que debería corresponder al 28 de enero se traslada al día 29, por ser aquel festivo en Cuenca.

En las sesiones del 25 de febrero y 18 de marzo no se proyectará cortometraje a causa de la larga duración de las películas.

Socios del Cine-Club

Para ingresar en el Cine-Club Chaplin se requiere ser mayor de edad (18 años) y cumplir las obligaciones sociales.

La inscripción quedará formalizada mediante el abono de una cuota de ingreso de 12 euros.

La cuota anual es de 55 euros, pagaderos por adelantado al inicio de la temporada, bien mediante la domiciliación bancaria o mediante cobro a domicilio. Una vez abonada la cuota, el socio obtendrá la tarjeta numerada con la que podrá acceder a las sesiones semanales.

El impago de la cuota durante los primeros 15 días de la temporada presupone la renuncia del socio a continuar ejerciendo sus derechos y, por tanto, se producirá la baja inmediata en el Cine-Club.

Recomendaciones

Las sesiones del Cine-Club deberían tener un carácter especial en el cuidado de algunos detalles, tales como el silencio que debe mantenerse durante las proyecciones, el respeto a la proyección íntegra (incluyendo los tí-tulos de crédito fi nales, la audición total de la banda sonora, etc.), evitar comer palomitas y otros elementos afi nes, no hacer en voz alta ruidos o comentarios que puedan molestar al resto de espectadores, etc.

El cortometraje forma parte de la sesión íntegra y merece todo los respetos por lo que no es de recibo utilizar esos minutos para incorporarse a la proyección con retraso.

Por ello se ruega la máxima puntualidad y una total colaboración para evitar molestias a los socios que sí ocupan su butaca antes de que se apaguen las luces.

Teniendo en cuenta la capacidad de la sala y la afl uencia media de socios a las sesiones, rogamos que se ocupen todas las butacas, no dejando algunas vacías y menos aún ocupándolas para dejar bolsos, abrigos, etc.

EL CINE-CLUB, EN LA WEB

Puedes encontrar información sobre el Cine-Club, la programación actualizada y la relación histórica de todas las películas proyectadas desde la primera sesión en:

www.chaplincineclub.wordpress.com

Si deseas recibir información personalizada sobre el Cine-Club en-tréganos tu dirección de correo electrónico y te la enviaremos semanalmente.

7 de enero 2015Sesión número 1473

LOS FENÓMENOS

Neneta vive en una furgoneta desde hace tres años en la costa de Almería y ve cómo su pareja, ‘Lobo’, desaparece justo el día en que iba a empezar a trabajar. Recoge el campamento y regre-sa con su bebé a su pueblo natal, en Galicia. Allí todo son difi -cultades hasta que consigue un puesto de peón en la construc-ción. Sufre la dureza del trabajo y el hecho de ser mujer en un ofi cio de hombres, pero consigue sobreponerse con coraje; pron-to, su cuadrilla empieza a destacar entre las demás por su capa-cidad para levantar metros cuadrados construidos.

Nacionalidad: España. Director: Alfonso Zarauza (2014). Producción: Maruxiña Film Company, Zirco Zine. Guión: Alfonso Zarauza y Jaione Camborda. Fotografía: Alberto Díaz. Música: Pili Sanz.

Actores: Lola Dueñas (Neneta), Luis Tosar (Lobo), Juan Carlos Vellido (Furón), Miguel de Lira, Antonio Durán “Morris”, Xosé Antonio Touriñán, Federico Pérez Rey, Marcos Javier Fernández Eimil, Farruco Castromán, Xulio Abonjo

Duración: 99 minutos

Alfonso Zarauza es un director y escritor, titulado como Técnico superior de producciones audiovisuales en el EIS Someso, con una todavía corta experiencia cinematográ-fi ca, que ha ido asentando con incursiones en el medio te-levisivo y en actividades vinculadas a la producción. En el primer caso, participó en las grabaciones de varios epi-sodios de la serie O nordes, para la TV gallega (2009) o en la dirección del programa Encallados (2013), tras haberse iniciado como realizador con el corto ¡Aproba! (1995). En el segundo aspecto, participó en el equipo de producción de Un rey en La Habana (2005) y El hombre de arena (2007). Como director, esta es su segunda película, ya que debu-tó tras la cámara con La noche que dejó de llover (2008) sin olvidar su responsabilidad en el documental El viaje de los Chévere (2014). A lo largo de esa trayectoria, su trabajo ha sido reconocido con diversos premios, como el de mejor guión en el festival de Cine Latino de Los Ángeles, por La noche que dejó de llover, título también premiado como me-jor director en el festival de Viña del Mar. En los premios Mestre Mateo, de la Academia Gallega del Audiovisual, esta película también recibió los premios al mejor guión y mejor director. Ahora, Zarauza afronta su segundo largo-metraje y lo hace mediante una incursión abierta y sin red protectora en el tejido social de la España contemporánea, ese que de manera tan escasa, por no decir nula, encuen-tra refl ejo en las pantallas cinematográfi cas de este país, en el que parece que, a estos efectos, no ha habido crisis, ni del ladrillo ni de ninguna otra, ni corrupción o secue-las parecidas. Esa temática, que forma parte de la situa-ción cotidiana nacional a todos los niveles, aparece por fi n en una película sin que en ella se disimule ninguno de los elementos que la integran, desde la pésima y apresu-rada construcción de bloques de viviendas hasta la explo-tación de emigrantes sin papeles ni contratos o el territo-rio resbaladizo de los préstamos bancarios a los amigos. Todo está ahí y, sobre todo, están los seres humanos atra-pados por un sistema perverso, sostenido y consentido durante décadas, hasta que el estropicio vino a hundirlo arrastrando con él a muchos sinvergüenzas pero también a un considerable número de inocentes perdedores. La crítica encuentra algunos desequilibrios narrativos y for-males en esta muy bien intencionada película que afron-ta sin tapujos ni disimulos los elementos esenciales de la crisis, con el apoyo inconmensurable de un excelente cua-dro de actores, encabezados por Lola Dueñas, espléndi-da en su papel.

Una noche de verano de 1880 en una mansión del campo irlan-dés una joven aristócrata y el criado de su padre entablan una relación íntima. En un ambiente festivo donde creen haber desa-parecido las barreras sociales, Julia y John bailan y beben, se se-ducen y manipulan. Ella, llena de altivez, desea rebajarse; él es educado, pero basto. A los dos les une un deseo y una repulsión mutua. En esa intimidad llegan a a hacer planes desesperados y a soñar con una vida juntos.

Título original: Miss Julie. Nacionalidad: Noruega, Reino Unido. Directora: Liv Ullmann (2014). Producción: Wild Bunch / Maipo Film / The Apocalypse Films Company / Media House Capital. Productores: Oliver Dungey, Teun Hilte, Synnove Horsdal. Guión: Liv Ullman, según la obra teatral de August Strindberg. Fotografía: Mikhail Krichman. Diseño de producción: Caroline Amies. Música: Arve Tellefsen, Havard Gimse, Truls Mørk. Montaje: Michel Leszcylowski.

Actores: Jessica Chastain (Julia), Colin Farrell (John), Samantha Morton (Kathleen), Nora McMenamy

Duración: 129 minutosVersión original con subtítulos en español

LA SEÑORITA JULIA


En 1951 Alf Sjöberg dirigió La señorita Julia; en 1972, 1986 y 1987 hubo versiones para TV; en 1999 Mike Figgis diri-gió otra película, que no llegó a estrenarse en España. En cambio, es obra de frecuente programación en los teatros de todo el mundo, como si de esa manera quisiera decir-se que es ahí, en los escenarios, donde cobra sentido este complejo drama que hunde sus raíces en lo más profundo del corazón humano y se prolonga a través de una den-sa hojarasca en que, junto a lo esencial, el amor apasiona-do de dos seres, anidan sentimientos universales y per-manentes al amparo del siempre dudoso criterio de que las clases sociales pueden introducir factores de distor-sión más allá de un momento de euforia sensual. Liv Ull-mann (Tokyo, 1939) no solo ha sido una enorme actriz y la favorita de Ingmar Bergman, protagonizando nueve de las películas fi rmadas por el director sueco, sino también su compañera durante 12 años. Formada culturalmente en Inglaterra, estuvo nominada dos veces al oscar a la me-jor interpretación femenina por Los inmigrantes (Jan Tro-ell) y Cara a cara (Ingmar Bergman) y en 1982 decidió pa-sar a la dirección de películas, que desarrolla de forma esporádica. De hecho, han pasado 14 años desde su últi-mo trabajo como realizadora, Encuentros privados, que vi-mos en el Cine Club Chaplin el 20-12-2000, produciendo en nosotros una agradable impresión por la sutileza del tratamiento y la belleza de la puesta en escena. Al afron-tar ahora llevar al cine una obra teatral de conocimien-to tan considerable como Señorita Julia se reproduce una problemática eterna: cómo llevar a un escenario dinámi-co y cambiante (el cine lo ofrece) un planteamiento pen-sado para un escenario estático e inamovible, el del tea-tro. Genios de ambos medios, como Laurence Olivier y Orson Welles acertaron a hacerlo, pero otros muchos fra-casaron. En esta ocasión, Liv Ullman ha encontrado una pareja de actores de singular atractivo físico, Jessica Chas-tain, la actriz de moda en Hollywood y Colin Farrell, en estado de gracia. Con ellos y con las posibilidades expre-sivas que ofrece el cine actual, Ullman podía haber lleva-do a cabo una película explosiva, rompedora, verdadera-mente cargada del erotismo exacerbado que Strindberg hizo latir en su obra, entonces condicionada por los crite-rios del puritanismo dominante pero la directora ha pre-ferido quedar en el papel de espectadora que ofrece, con pulcritud y belleza el desarrollo de la trama, sin atrever-se a entrar de lleno, con todo el apasionamiento posible, en el núcleo central de la que imaginamos furia amorosa desbordada entre la señorita Julia y su amante ocasional.

Tras diez años de exilio en Estados Unidos, Jimmy Gralton re-gresa en 1932 a Irlanda para ayudar a su madre con la granja familiar. El país ha cambiado: hay un nuevo gobierno y ahora todo es posible. Los jóvenes del condado de Leitrim le piden que vuelva a abrir el “Hall” y Jimmy acepta hacerlo, a pesar de que no quiere tener problemas con enemigos tradicionales, como la iglesia o los terratenientes. El “Hall”, un lugar para hablar, bai-lar o estudiar, vuelve a tener éxito rápidamente. Sin embargo, la infl uencia, cada vez mayor, de Jimmy y sus ideas progresistas no agradan a todo el mundo en el pueblo y las tensiones de an-taño surgen nuevamente.

Título original: Jimmy’s Hall. Nacionalidad: Reino Unido, Irlanda, Francia. Productora: Rebecca O’Brien. Guión: Paul Laverty. Fotografía: Robbie Ryan. Diseño de producción: Fergus Clegg. Montaje: Jonathan Morris.

Actores: Barry Ward (Jimmy), Simone Kirby (Oonagh), Jim Norton (padre Sheridan), Francis Magee (Mossie), Aisling Franciosi (Marie), Andrew Scott (padre Seamus), Brian F. O’Byrne (O’Keefe).


JIMMY’S HALL


Siempre es reconfortante el reencuentro con el cine de Ken Loach. Los puristas, que los hay, en esto como en todo, dirán que ya no tiene la fuerza narrativa ni la consi-derable carga política de antaño, que su demoledor espí-ritu crítico, sin concesiones para nadie, se ve ahora amai-nado, quizá por la edad, que todo lo suaviza, o por las circunstancias sociales, que ya no son las del tatcheris-mo aunque ahora sean otras no menos complicadas ni tampoco las del adormecido IRA revolucionario. Dígase lo que se quiera, el cine de Loach siempre es interesante, ninguna de sus películas defrauda, aunque en las últimas deje paso a un cierto sentido del humor, impensable en aquel director insobornable y riguroso de Vida de familia (1971), Agenda oculta (1990), Riff-Raff (1991), Lloviendo pie-dras (1993), Ladybird, Ladybird (1994), la enorme Tierra y li-bertad (1995), sobre los problemas internos que en el ban-do republicano español impidieron articular una autén-tica oposición a Franco, La canción de Carla (1996), Route Irish (2010) o La parte de los ángeles (2012), la última pelí-cula de Loach vista en nuestro Cine Club, donde su obra siempre ha sido bien recibida y reconocida. Ken Loach (Warwickshire, 1936) ha sido un realizador muy concien-ciado con la injusticia social, a pesar de ser un diploma-do en Oxford, donde estudió Derecho. Trabajó como ac-tor de teatro antes de ser ayudante de dirección. En 1963 entró en la BBC, donde desempeñó diversas funciones y en la que pudo conocer cómo también en la liberal Gran Bretaña suceden cosas que parecen reservadas a otras la-titudes: en 1983, el gobierno impidió que se pudiera emi-tir su serie de documentales “A question of Leadership”. Consciente de los problemas que le esperaban, fundó una compañía independiente y con ese apoyo pudo empezar a rodar películas que, con calidad desigual, responden a un patrón común, insobornable, como cuentas de ese ro-sario de lamentos, alternativamente políticos o sociales, que Loach viene desgranando durante toda su obra y que en este caso reverdecen aunque, como apuntan los exper-tos, ahora dedica más espacio y atención a la música que a la política.

Alicia, una niña enferma, sueña con el vestido de la serie japo-nesa Magical Girl Yukiko. Luis, su padre, hará todo lo que esté en su mano para conseguirlo. Su destino se cruza con el de Bár-bara, una atractiva joven con desórdenes mentales, y con el de Damián, un profesor retirado de todo menos de su tormentoso pasado. Todos ellos quedarán atrapados en una red de oscuros chantajes en la que instintos y razón se debatirán en una trá-gica lucha.

Nacionalidad: España. Director: Carlos Vermut (2014). Producción: Aquí y Allí Films / Canal+ España. Productores: Álvaro Portanet Hernández, Amadeo Hernández Bueno y Pedro Hernández Santos. Guión: Carlos Vermut. Fotografía: Santiago Racaj. Diseño de producción: Montse Lacruz. Montaje: Emma Tusell.

Actores: José Sacristán (Damián), Bárbara Lennie (Bárbara), Luis Bermejo (Luis), Lucía Pollán (Alicia), Israel Elejalde (Alfredo), Elisabet Gelabert (Ada), Miguel Insúa (Oliver), Teresa Soria Ruano (Adela), David Pareja (Javier), Eva Llorach (Laura)


Festival de San Sebastián 2014: concha de oro a la mejor película; concha de plata al mejor director.

MAGICAL GIRL


Carlos López del Rey (Madrid, 1980) ha elegido el nom-bre artístico de Carlos Vermut para desarrollar una carre-ra vinculada a la imagen, inicialmente a través de las his-torietas y ahora en el cine, al que llega con esta excelente segunda película, aclamada con toda justicia en el festival de San Sebastián. Estudió ilustración en una Escuela de Arte en Madrid y se inició profesionalmente como ilus-trador en el diario El Mundo. Tras ganar el premio Injuve de cómic en 2006 publicó su primer comic en solitario, El banyán rojo, que consiguió un gran éxito (aunque ningún premio) en el Salón Internacional del Comic de Barcelo-na. Luego completó la serie Psicosoda, formada por histo-rias cortas y Plutón BRB Nero, la venganza de Maripili, un comic inspirado por Álex de la Iglesia. En su siguiente etapa trabajó a partir de 2008 en la serie de TV Jelly Jamm y realizó el cortometraje Maquetas con el que ganó el fes-tival Notodofi lmfest, al que siguió otro corto, Michirones. Para entonces pensaba que ya estaba en condiciones de rodar una película larga y con ese ánimo se embarcó en la producción de Diamond fl ash, que no interesó a ninguna productora por lo que creó la suya propia, pero como no pudo estrenarla comercialmente la entregó directamente a la plataforma Filmin y se estrenó online, convirtiéndose en trending topic durante dos semanas, además de des-pertar el interés de la crítica. Mejor suerte ha tenido con su segunda película, Magical Girl, saludada unánimemen-te con los mejores vaticinios de público y crítica, ganados todos por una historia que es desde luego emocionante sin llegar a sensiblera pero que ofrece, sobre todo, des-de el punto de vista de la construcción cinematográfi ca (el que aquí interesa, por encima de cualquier otra consi-deración) una visión totalmente original, rupturista, con los esquemas narrativos al uso. Vermut reconoce que an-tes de rodar una historia tiene que dibujarla, verla sobre el papel y el ordenador y solo a partir de ahí la construye en imágenes reales, que elabora con una sutileza admira-ble, creando atmósferas enrevesadas, cuyas líneas van en-trelazándose como en un laberinto de sensaciones, en un ambiente de cierta turbiedad, desasosegante, sin llegar al terror chapucero tan proclive al cine ramplón que nos vie-ne de Hollywood. Por eso, lo que más atrae de Magical Girl no es la historia fantástica, la colosal interpretación, la inmersión en un ambiente ensoñador, sino la atmósfera turbia que lo envuelve todo y, sobre todo, al espectador.

25 de agosto de 1944. Los aliados entran en París. Poco an-tes del amanecer, Dietrich von Choltitz, gobernador militar ale-mán, se prepara para ejecutar las órdenes de Hitler de volar la capital francesa. Y, sin embargo, París no se destruye. ¿Por qué razones von Choltitz se niega a llevar a cabo las órdenes del Führer, a pesar de su lealtad sin límites al Tercer Reich?

Título original: Diplomatie. Nacionalidad: Francia y Alemania. Director: Volker Schlöndorff (2014). Productores: Marc de Bayser, Frank Le Wita. Argumento: la obra “Diplomatie”, de Cyril Gely. Guión: Cyril Gely, Volker Schlöndorff. Fotografía: Michel Amathieu. Diseño de producción: Jacques Rouxel. Música: Jörg Lemberg. Montaje: Virginie Bruant.

Actores: André Dussollier (Cónsul Raoul Nordling), Niels Arestrup (general Dietrich Von Choltitz), Burghart Klaussner (capitán Ebernach), Robert Stadlober (teniente Bressensdorf), Charlie Nelson, Jean-Marc Roulot, Stefan Wilkening, Thomas Arnold

Duración: 88 minutosVersión original con subtítulos en españolFestival de Valladolid: mejor película, mejor director, mejor actor (Niels Arestrup).

DIPLOMACIA

4 de febrero 2015Sesión número 1477

Volker Schlöndorff (Wiesbaden, Alemania, 1939), hijo de un médico, estudió en Wiesbaden y en París. En la Sorbo-na hace Economía política, que completa con estudios en el IDHEC. Entre 1960 y 1965 es ayudante de dirección de Mel-ville, Resnais y Malle, lo que le permite asumir algunos de los principios estéticos y narrativos de la nouvelle vague. En 1966 dirige su primer largometraje, el bellísimo El joven Torless (1966), que tuvimos ocasión de conocer en los prime-ros años del Cine-Club y que da inicio a una fructífera carre-ra, con títulos muy signifi cativos: El honor perdido de Katha-rina Blum (1975), El tambor de hojalata (1979), que obtuvo ese año el oscar a la mejor película de habla no inglesa, El amor de Swan (1984), El viajero (1991), El ogro (1996), El silencio tras el disparo (2002), El noveno día (2004) y otras varias no vistas en España y que forman una trayectoria de evidente cohe-rencia, en la que el director, aquel joven audaz de sus prime-ros títulos, ha ido adquiriendo solidez profesional al tiempo que maduraba su pensamiento hasta alcanzar los paráme-tros que consagran a un creador como un clásico de nues-tro tiempo. En esa carrera hay una línea constante, un casi leit-motiv que marca toda la obra de Schlöndorff: el nazis-mo, lo que ocurrió en su país en un momento terrible en que se dejó arrastrar, colectivamente, por una ideología des-tructora de principios básicos de la humanidad. En ese de-venir creativo, el autor ha ido desgranando momentos fun-damentales del desarrollo de aquel confl icto que tan malpa-rado dejó al espíritu alemán, al que el director se acerca con profundo sentido crítico, actuando como la conciencia mo-ral que analiza lo que sucedió y que en esta película se ma-nifi esta a través de un nuevo episodio en que se plantean igualmente serias cuestiones éticas y estéticas. Ahora no se trata de matar seres humanos directamente, o encerrarlos en campos de exterminio. Uno de los variados episodios de aquel confl icto fue la intención de Hitler de destruir Paris, eliminando lo que para el dictador fue (estaba siendo) un símbolo de resistencia mediante la cultura, la educación y el civismo que son, justamente, los valores que el führer quie-re destruir, más allá de las personas y los edifi cios. En ese di-lema, Schlöndorff plantea un arriesgado ejercicio mental y verbal, entre el cónsul sueco, que intenta evitar el desastre y el general gobernador militar, obligado a cumplir las órde-nes de Hitler, mientras los aliados avanzan a marchas forza-das dispuestos a liberar la capital francesa. No es una pelí-cula de buenos y malos sino un escenario de inteligencia. Es el arte de la palabra, del razonamiento, del juicio mental, el que está en juego. Y es, desde luego, un juego apasionante. Sobre todo cuando sabemos quién fue el ganador.

Mina, una actriz india de éxito en Mumbai, no puede olvidar a su hermana pequeña Sita, de quien fue separada a la fuerza des-pués de la muerte de su madre. Treinta años después, Mina se entera de que Sita está bien y vive en Barcelona. Ahora se llama Paula, es bióloga y no tiene ningún recuerdo de su pasado pero emprenderá el viaje de descubrimiento de su verdadera identi-dad con la ayuda de Prakash, un inmigrante indio que vende películas de Bollywood en el barrio barcelonés del Raval.

Nacionalidad: España, India. Directora: María Ripoll (2014). Producción: Pontas Film. Productora: Anna Soler-Pont. Argumento: la novela de Asha Miró y Anna Soler-Pont. Guión: Anna Soler-Pont. Fotografía: Raquel Fernández Núñez. Dirección artística: Anna Pujol Tauler. Música: Zeltia Montes y Simon Smith. Montaje: Irene Blecua.

Actores: Nandita Das (Mina), Aina Clotet (Paula), Naby Dakhli (Prakash), Vaibhavi Hankare (Mina joven), Suboch Maskara (Sanjay), Gal Soler (padre de Paula), Rosa Novell (madre de Paula), Godeliv van den Brandt (Nikki).


Festival de Montreal: Premio del Público

RASTROS DE SÁNDALO


María Ripoll nació en 1964 en Barcelona y desde que co-menzó su andadura este siglo XXI viene desarrollan-do una concienzuda y metódica tarea como directora de cine, en la que ya ha cubierto cuatro etapas: Lluvia en los zapatos (1998) , Tortilla Soup (2001), Utopía (2003) y Tu vida en 65’ (2006). Estudió dirección de actores y guión en la UCLA y en el American Film Institute de Los Ángeles. Con su primera película obtuvo el premio del Público en el festival de Sitges y en el festival de Seattle además de ser nominada al premio Goya de ese año como mejor di-rectora novel. Alterna su dedicación al cine profesional con el de directora de spots publicitarios y da cursos de análisis de guión y dirección de actores; produjo y diri-gió el documental Cromosoma Cinco (2012) seleccionado para el festival de cine de Málaga. Con su quinta película, Rastros de sándalo, María Ripoll aborda un planteamiento multicultural y ambivalente, al poner en contacto dos for-mas de entender la vida y las relaciones humanas, en una suerte de diálogo formal y visual entre Barcelona y Mum-bai (nombre actual de la antigua Bombay), una situación que la directora explica con pleno convencimiento: “Pro-pone un viaje emocional de ida y vuelta para conectar dos cul-turas a través del amor, la fuerza de los lazos de fraternidad y el autodescubrimiento. Me atrae mucho descubrir las diferen-tes culturas a través de historias muy personales que hablan de sentimientos universales”. La iniciativa de desarrollar este proyecto corresponde a la productora y guionista Anna Soler-Pont, que puso manos a la obra de elaborar el texto cinematográfi co incluso antes de que se publicara la no-vela, en 2007, de la que seleccionó solo una parte de la tra-ma, la que corresponde a las dos hermanas indias, sepa-radas por circunstancias del destino y reunidas casi trein-ta años después. Y seleccionó para el rodaje a un equipo esencialmente femenino “para dar un toque de atención fren-te a la masculinización de la industria audiovisual”. Con esos planteamientos, la película se pudo rodar en la India y en Barcelona. “Desde el primer momento tuvimos la intención de enseñar Barcelona de una forma abierta, como pocas películas han hecho. Y también hacer dialogar dos ciudades modernas y conectadas por el mar como son Barcelona y Mumbai, que nun-ca antes habían estado juntas en la pantalla”.

Desde hace cuarenta años, el fotógrafo Sebastião Salgado re-corre los continentes captando la mutación de la humanidad. Testigo de grandes acontecimientos que han marcado nuestra historia reciente: confl ictos internacionales, hambruna, éxo-dos, etc., ahora emprende camino hacia territorios vírgenes con grandiosos paisajes, descubriendo una fauna y una fl ora silves-tres en el marco de un proyecto fotográfi co gigantesco, tributo a la belleza del planeta.

Título original: The Salt of the Earth. Nacionalidad: Francia, Brasil, Italia. Director: Wim Wenders, con la colaboración de Juliano Ribeiro Salgado (2014). Guión: Wim Wenders, Juliano Ribeiro Salgado. Fotografía: Hugo Barbier, Juliano Ribeiro Salgado. Música: Laurent Petitgand

DocumentalDuración: 100 minutosVersión original, con subtítulos en español

Festival de Cannes 2014: premio especial del jurado. Festival de San Sebastián 2014: premio del público.Gé

LA SAL DE LA TIERRA


Si fuera preciso resumir o concretar esta película en una sola frase, breve y rotunda, sería algo así: estamos ante una de las películas más bellas de la historia del cine y también una de las que nos ofrece mayor carga de humanismo. Lo cual, te-niendo en cuenta lo que sucede en el mundo y también, es-pecífi camente, el tipo de cine que nos llega de forma abru-madora semana tras semana a las pantallas comerciales es decir muchísimo y abrir ante nosotros unas perspectivas alentadoras. Porque viendo estas imágenes, que siguen los pasos de Sebastiao Salgado, podemos llegar a pensar que vi-vimos en un planeta maravilloso, abierto a las emociones, la sensibilidad, la belleza, la comprensión y todas esas vir-tudes vinculadas con el hombre y la naturaleza que los te-lediarios se empeñan en destrozar jornada a jornada. Sebas-tiao Salgado, uno de los iconos de la fotografía sociodocu-mental (Premio Príncipe de Asturias de las Artes en 1998), ha viajado, durante 8 años, por los rincones más remotos del planeta con el fi n de inmortalizar con su Leica la natu-raleza y el origen de la vida fuera de la civilización moder-na, la interacción del hombre con el ecosistema que le ro-dea y este es el trabajo que se recrea en esta película. Al fren-te de esta singular experiencia se encuentra Wim Wenders (Dusseldorf, 1945), nombre glorioso por muchos motivos, que tras una larga trayectoria cinematográfi ca ha derivado en los últimos años hacia el género documental, en el que está mostrando una considerable maestría. Wenders inició los estudios de medicina y fi losofía, abandonando este ca-mino antes de concluir las carreras. En 1966 se traslada a Pa-rís, donde aprende técnicas de grabado y, entre 1967 y 1970, estudió cine en la Escuela de Cine y TV de Munich. Antes de empezar a trabajar en el medio, ejerció la crítica cinemato-gráfi ca y la de música pop. En 1970 dirigió su primer largo-metraje, Summer in the City. Desde entonces se ha convertido en uno de los nombres capitales del cine europeo, con títulos como La letra escarlata (1972), Alicia en las ciudades (1973), En el curso del tiempo (1976), El amigo americano (1977), Hammet/El hombre de Chinatown (1982) y, sobre todo, Paris/Texas, con la que ganó la palma de oro en el festival de Cannes. Luego entró en un periodo de cierta confusión, con títulos de conte-nido cada vez más abstracto e incomprensible, como Hasta el fi n del mundo (1991), Tan lejos, tan cerca (1993) o Más allá de las nubes (1995), territorio del que acertó a salir, brillantemente, con Buena Vista Social Club (1999) y que alcanza su culmina-ción en las últimas películas dirigidas por él, a las que aho-ra se une este brillante acercamiento al trabajo fotográfi co de Sebastiao Salgado, en el que le acompaña el hijo de este, Ju-liano, también fotógrafo, para compartir con nosotros su mi-rada acerca de la vida en el planeta y despertarnos la sensa-ción de que no todo está perdido.

Una viuda debe hacerse cargo de su problemático hijo de 15 años que sufre un trastorno por défi cit de atención con hiperac-tividad. Madre e hijo se esfuerzan para encajar y llevar su obli-gada convivencia lo mejor posible. La llegada de Kyla, una nue-va vecina, les marcará y juntos encontrarán un nuevo equili-brio personal y social.

Título original: Mommy. Nacionalidad: Canadá. Director: Xavier Dolan (2014). Productores: Xavier Dolan, Nancy Grant. Guión: Xavier Dolan. Fotografía: André Turpin. Música: Eduardo Noia. Montaje: Xavier Dolan.

Actores: Anne Dorval, Antoine Olivier Pilon, Suzanne Clément, Patrick Huard, Alexandre Goyette, Michèle Lituac, Viviane Pacal, Nathalie Hamel-Roy.

Duración: 134 minutosVersión original con subtítulos en españolFestival de Cannes 2014: premio del jurado a la mejor película.

MOMMY


Xavier Dolan (Montreal, Canadá, 1989) es uno de los más recientes niños prodigio del cine porque sin haber cumpli-do todavía los 30 años acumula ya una muy sólida fi lmo-grafía y un amplio repertorio de premios conseguidos en festivales de todo el mundo. A lo que se debe unir la consi-deración de que es, a la vez, productor, guionista y monta-dor, además de dirigir. Ello se puede entender si pensamos que empezó sus relaciones con la imagen cuando solo tenía seis años, al protagonizar unos anuncios de productos far-macéuticos. Luego fue actor en el cortometraje Miroirs d’été (2006) y en una película muy polémica en su país, Martyrs (2007), dirigida por Pascal Laugier. Para entonces ya había empezado a rodar su primera película como director, J’ai tué ma mère, con la que ganó tres premios en el festival de Cannes 2009. Su segundo fi lm, Les Amours imaginaires se es-trenó en el 2010 y contó ya con fi nanciación ajena. Pero le esperaba el que habría de ser su mayor éxito hasta el mo-mento, Lawrence Anyways (2012), una auténtica apuesta de riesgo no solo por la temática (el amor entre dos mujeres) sino por la innovadora puesta en escena que hizo decir al jurado que la premió en el festival de Toronto: “La energía que desprende la película es impresionante, es un nuevo tipo de historia de amor, tuvimos el honor de ver un gran genio”. Este comentario es especialmente valioso a la hora de afrontar la visión de Mommy porque su estructura visual rompe to-dos los esquemas vigentes en el cine. En efecto, Dolan ha elegido un formato insólito, experimental y, por ello mis-mo, extraordinariamente atrevido: la mayor parte de la pe-lícula ha sido fi lmada en formato cuadrado 1:1 (los habi-tuales son 4:3 y 16:9, en forma panorámica) lo que altera la forma en que solemos ver una película, en disposición ho-rizontal que aquí se transforma en casi vertical. Ello se tra-duce en una invencible sugestión formal en un espectador sorprendido desde el comienzo, por más que, como se está haciendo con estas palabras, esté advertido de que va a ver algo insólito. Pero además de los aspectos técnicos que lle-van a Dolan a investigar con las formas como un auténti-co creador están los aspectos internos del relato, y ahí sí se aprecia algo de la inmadurez de este director todavía joven y, no obstante, ya muy avanzado en los avatares de la vida. Por ello, utilizando las palabras de Javier Ocaña cuando hizo la crítica de la película en El País, concluiremos este comentario diciendo que “cuando el director juega con la ima-gen, el color, las músicas y el sonido, la película se enciende ma-ravillosamente, pero los textos nunca convierten a Mommy en refl exión profunda. A Dolan, que seguirá provocando y buscan-do nuevas rupturas de las convenciones, le avalan, sin embargo, su atrevimiento formal, su singularidad y su ímpetu juvenil”.

La necesidad de dinero lleva a la actriz Robin Wrigth a fi rmar un contrato según el cual los estudios harán una copia scaneada de su imagen y la utilizarán como les plazca, garantizando que se mantendrá eternamente joven en todas esas películas. Veinte años después, la actriz regresa a la realidad tras fi nalizar el con-trato; será invitada a un congreso, que se desarrolla en un mun-do que ha cambiado completamente y así entra directamente en el cine fantástico del futuro.

Título original: The Congress. Nacionalidad: Israel, Alemania, Polonia, Luxemburgo, Francia, Bélgica. Director: Ari Folman (2013). Producción: Liverpool Paul Thiltges Distribution. Productores: Ari Folman, Reinhard Brundig, Robin Wright. Argumento: la novela “Congreso de futurología”, de Stanislaw Lem. Guión: Ari Folman. Diseño de producción: David Polonsky. Fotografía: Michal Englert. Música: Max Richter. Montaje: Nili Feller.

Actores: Robin Wright Penn (ella misma), Harvey Keitel (Al), Danny Huston (Jeff Green), Paul Giamatti (Dr. Barker), Kodi Smit-McPhee (Aaron), Sami Gayle (Sarah), Jon Hamm (Dylan), Michael Stahl-David (Steve), Frances Fisher, Michael Landes, Matthew Wolf


Premios del Cine europeo 2013: mejor largometraje de animación. Festival de Sitges 2013: premio de la Crítica

EL CONGRESO

4 de marzo 2015Sesión número 1481

Hace unos años, en 2008, recibimos en nuestro Cine-Club una película realizada en una técnica poco frecuente para nosotros, la animación. Se llamaba Vals con Bashir, y pro-dujo un notable impacto, entre otros motivos por rom-per el tópico de pensar que esa técnica solo es adecua-da para el público infantil. Sabíamos de sobra que tam-bién los adultos podemos ver una película animada pero siempre se produce un instantáneo rechazo, superado ampliamente por la realidad: aquella era una excelente propuesta cinematográfi ca. Como también lo es, dentro de los riesgos que lleva implícita, esta nueva película de Ari Folman (Haifa, Israel, 1962) que une a su función de director también las de guionista y compositor musical. Con 19 años fue testigo presencial de las matanzas de Sa-bra y Chatila, una imagen inolvidable que luego incorpo-ró a Vals con Bashir, película con la que obtuvo numerosos premios en todo el mundo. Antes ya había debutado en el cine con Clara Hakedosha (1996), a la que siguió Made in Israel (2001) y, fi nalmente, la cuarta de sus realizaciones, El Congreso, que hoy nos llega. Además, desde el año 2006 viene siendo el escritor de la serie dramática Parashat Ha-Shavua, emitida en un canal de la TV israelí. Folman em-pezó a acariciar este proyecto en 2008 pero solo encontró impulso con la llegada de la fi nanciación correspondien-te, de un banco francés, en 2011. Marchó a Estados Uni-dos para rodar con personajes reales mientras en Francia preparaban la animación. Algunos elementos de la pelí-cula se inspiran en una novela de ciencia-fi cción de Sta-nislaw Lew, una atrevida incursión en los estados menta-les que confunden realidad y fantasía, situación en la que se encuentra la protagonista, deambulando entre pasado y futuro, intento de retrato de un mundo globalizado que se dirige inevitablemente hacia la irrealidad. En la pelí-cula tiene una considerable importancia la banda sonora, elaborada por el compositor británico Max Richter, autor de la mayoría de las canciones aunque también se inclu-yen otras anteriores (Bob Dylan, Leonard Cohen) e inclu-so fragmentos clásicos de Chopin y Schubert. Por cierto: las dos últimas canciones son interpretadas por la propia Robin Wright, sin duda una de las actrices más interesan-tes del panorama cinematográfi co.

La vida de Ane da un giro cuando, semana tras semana, co-mienza a recibir un ramo de fl ores en su casa. Siempre a la mis-ma hora. Y siempre de manera anónima. La vida de Lourdes y Tere también se ve afectada por unas misteriosas fl ores. Un des-conocido deposita semanalmente un ramo en memoria de al-guien que fue importante en sus vidas. Esta es la historia de tres mujeres, tres vidas alteradas por la mera presencia de unos ramos de fl ores que harán brotar en ellas sentimientos que pa-recían olvidados.

Nacionalidad: España. Directores: Jon Garaño y Jose Mari Goenaga (2014). Producción: Irusoin / Moriarti Produkzioak. Productores: Xabier Berzosa, Iñigo Obeso, Iñaki Gómez. Guión: Jon Garaño, Jose Mari Goenaga, Aitor Arregui. Fotografía: Javi Agirre Erauso. Dirección artística: Mikel Serrano. Música: Pascal Gaigne. Montaje: Raúl López.

Actores: Nagore Aramburu, Itziar Ituño, Itziar Aizpuru, Josean Bengoetxea, Egoitz Lasa, Ane Gabarain, Gotzon Sánchez, José Ramón Soroiz, Jox Berasategui


LOREAK (FLORES)


Jon Garaño y Jose Mari Goenaga iniciaron unas carreras ci-nematográfi cas por separado pero pronto decidieron unir fuerzas que hasta ahora ha dado dos frutos excelentes: En 80 días (2010) y esta Loreak (Flores) que hoy llega a nues-tra pantalla envuelta en aromas y repleta de sugerencias de enorme complejidad. El desafío que afrontan los dos jóve-nes realizadores vascos es, desde luego, considerable, tan-to como el espectacular resultado conseguido. Sobre la fl or, las fl ores, se han escrito multitud de páginas, en especial en forma de poemas, porque ese delicado elemento de la naturaleza en libertad y de la vida hogareña (sea en mace-tas, en setos o en huertos) se presta a iluminar sensaciones y trasladar al papel la misma belleza que ellas poseen de manera íntima. Por supuesto, hay también enormes trata-dos científi cos y maravillosos reportajes fotográfi cos. Pero nunca, que se sepa, las fl ores habían sido las protagonis-tas de una película. De manera que el trabajo realizado por Garaño y Goenaga además de su mérito intrínseco desde el punto de vista cinematográfi co aporta también ese otro, que demuestra imaginación, habilidad, inteligencia, para hacer que el hilo conductor de la película sean las fl ores. Jon Garaño (San Sebastián, 1974), estudió Periodismo y Pu-blicidad en la Universidad del País Vasco y luego Cine en el Aula Sarobe de Urnieta. Dirige varios cortometrajes en ví-deo y desempeña diferentes funciones como productor y guionista. En el año 2001 fundó con otros cuatro compañe-ros la productora Moriarte que ha desarrollado numerosos proyectos audiovisuales. Jose Mari Goenaga (Ordizia, Gui-púzcoa, 1976), tras estudiar Administración Empresarial en Manchester y San Sebastián, realizó también un curso de realización cinematográfi ca en el Centro Sarobe de Urnie-ta y formó parte del grupo de cuatro compañeros que pu-sieron en marcha Moriarti. Loreak, rodada íntegramente en euskera, gira por completo en torno al mundo de las fl ores, y lo que con ellas tiene que ver, mediante la plasmación de múltiples detalles que sirven para dar vida propia a tan sin-gulares elementos a la vez que se convierten en el hilo con-ductor de lo que sucede a los seres humanos situados a su alrededor, de manera que se promueve un sutil paralelismo entre las fl ores y las personas o cómo lo que sucede a éstas encuentra su refl ejo en el devenir de los ramos, que van y vienen por la pantalla recogiendo en sus pétalos las viven-cias que les transmiten los demás seres vivos. Lo que, di-cho de otro modo, obliga al espectador a estar atentísimo en todo momento para captar esas sutilezas que nos ayudan a comprender la relaciones cruzadas que surcan las escenas de esta película insólita y magnífi ca.

Durante los últimos 25 años de su vida el excéntrico pintor in-glés J.M.W. Turner (1775-1851), profundamente afectado por la muerte de su padre, intima con la dueña de una casa de hués-pedes junto al mar, para acabar viviendo con ella de forma secre-ta en Chelsea, donde acabará sus días. Durante ese tiempo, Tur-ner se dedica a viajar, pintar, pasar temporadas con la aristocra-cia en la campiña inglesa y frecuentar burdeles.

Título original: Mr. Turner. Nacionalidad: Reino Unido. Director: Mike Leigh (2014). Producción: Focus Features International (FFI) / Film4 / Thin Man Films / Xofa Productions. Productora: Georgina Lowe. Guión: Mike Leigh. Fotografía: Dick Pope. Música: Gary Yershon. Montaje: Jon Gregory.

Actores: Timothy Spall (J.M.W. Turner), Dorothy Atkinson (Hannah Danby), Marion Bailey (Sophia Booth), Paul Jesson (William Turner), Lesley Manville (Mary Somerville), Ruth Sheen (Sarah Danby), Sandy Foster (Evelina), Amy Dawson (Georgina).

Duración: 149 minutosVersión original, con subtítulos en español

Festival de Cannes 2014: mejor actor (Timothy Spall). Festival de Sevilla 2014: mejor director, mejor actor. Círculo de Críticos de Nueva York: mejor actor. Premios del Cine europeo 2014: mejor actor.

MR. TURNER


Es proverbial la innata habilidad de la cinematografía britá-nica para recrear ambientes tomados de la antigüedad. Las series televisivas de ese carácter son ciertamente ejemplares y el cine no se queda atrás. De ahí que Mr. Turner, además de sus indudables méritos narrativos ofrece también una sor-prendente y bellísima visión de cuanto en Inglaterra tiene que ver con el arte, la naturaleza y las ciudades. Si, además, quien afronta el trabajo, es un hombre de la solidez, la expe-riencia y la capacidad expresiva de Mike Leigh (Salford, In-glaterra, 1943), ya uno de los grandes nombres clásicos del cine, contamos por adelantado con una más que estimable garantía. Leigh adquirió experiencia como cronista de TV an-tes de pasar al cine, donde en seguida mostró interés por el mundo de los inadaptados y los marginados de la clase obre-ra. Estudió en la Real Academia de Arte Dramático de Lon-dres y en 1955 dirigió su primera obra de teatro, a lo que si-guió una intensa actividad como guionista de cine y TV antes de rodar su primera película como director, Bleak Moments, en 1971. Ninguno de sus primeros fi lms fue estrenado en Es-paña, situación que se prolongó hasta que Naked (1993) ganó premios en los festivales de Cannes y San Sebastián, lo que permitió a la crítica descubrir el nombre de este realizador y a la industria recuperar un par de sus películas anterio-res: Grandes ambiciones (1988) y La vida es dulce (1990). La con-sagración defi nitiva le llegó con la palma de oro en Cannes por su excelente Secretos y mentiras (1996), en la que sorpren-dió tanto la profundidad de las situaciones planteadas como la extraordinaria pulcritud de la puesta en escena y el rigor de la interpretación. Estas son virtudes esenciales en la for-ma de trabajar de Leigh. Luego ganó el león de oro en Vene-cia por El secreto de Vera Drake (2004) y continuó alimentando su prestigio con títulos como Happy (un cuento sobre la felici-dad) (2008) y Another year (2010) que pudimos ver en el Cine Club. Ahora afronta el desafío de llevar a la pantalla la turbu-lenta vida del pintor Joseph Mallord William Turner, un per-sonaje controvertido en su época no solo por una vida agita-da más allá de las convenciones sociales sino también por la línea rupturista que su pintura marcó a lo que estaba consa-grado. Dedicado especialmente al paisaje, al que aportó una extraordinaria luminosidad, suele ser considerado como el introductor del impresionismo que llegaría años más tarde. Pero Leigh no glorifi ca a este personaje, sino que lo muestra con las peores cualidades humanas, agresivo, irritante, per-verso incluso, olvidado de cumplir sus deberes familiares (solo su padre le merece respeto y cariño) hasta llegar a ser una persona repulsiva. Con esos mimbres, el director elabora un fresco extraordinario, donde la belleza de la pintura con-trasta con las miserias de la vida cotidiana para dar como re-sultado una de las grandes películas de estos tiempos y que consagra a su director como un clásico actual.

En la ciudad de Los Ángeles un agente de una compañía de se-guros y una cliente traman asesinar al marido de esta última para así cobrar un cuantioso seguro de accidentes. Todo se com-plica cuando entra en acción Barton Keyes, investigador de la empresa de seguros, que no está dispuesto a dejarse convencer fácilmente.

Título original: Double Indemnity. Nacionalidad: Estados Unidos. Director: Billy Wilder (1944). Producción: Paramount Pictures. Productor: Joseph Sistrom. Argumento: la novela de James M. Cain. Guión: Raymond Chandler, Billy Wilder. Fotografía: John Seitz, en blanco y negro. Dirección Artística: Hans Dreier, Hal Pereira. Música: Miklos Rozsa. Montaje: Doane Harrison.

Actores: Barbara Stanwyck (Phyllis Deitrichson), Fred McMurray (Walter Neff), Edward G. Robinson (Barton Keyes), Porter Hall (Sr. Jackson), Jean Heather (Lola Dietrichson), Tom Powers (Sr. Dietrichson), Byron Barr (Nino Zachetta), Richard Gaines (Sr. Norton), Fortunio Bonanova (Sam Gorlopis), Betty Farrington (Nettie).


PERDICIÓN


Billy Wilder (Viena, 1906, con el nombre de Samuel-Los Án-geles, 2002) está considerado como uno de los grandes maes-tros de la comedia cinematográfi ca, con títulos inolvidables que, por conocidos, no es preciso citar aquí, dominio de un género que a veces sirve para hacernos olvidar que, como todo los grandes realizadores, su capacidad abarcaba to-dos los géneros y eso explica su presencia en esta maravilla de cine negro, al más puro estilo de la época dorada de Ho-llywood, que hoy recuperamos para disfrute de quienes la conocemos y descubrimiento para los recién llegados. Wil-der estudió Leyes en la universidad de Viena, pero antes de fi nalizar sus estudios universitarios, se dedicó al periodis-mo, que ejerció en Viena y Berlín. Ya era guionista (había em-pezado a escribir en 1928) cuando emigró a EEUU al pro-ducirse la llegada de Hitler al poder, pasando previamente por Paris. Su labor como guionista en comedias de Lubitsch, Hawks y Leisen le facilitó el paso a la dirección en 1942, ini-ciando así una carrera prolífi ca y brillante, uno de cuyos más excelsos eslabones es Perdición, planteada además de una manera absolutamente audaz, como un enorme fl ash-back que arranca en el principio de la película para enlazar con el fi nal, osadía ciertamente atrevida porque el espectador sabe, desde el comienzo, cuál va a ser la conclusión, de manera que no hay ninguna intriga en esperar el desenlace. El inte-rés reside en lo que hay en medio, esto es, en la manera ver-daderamente magistral con que Wilder lleva el relato y ma-neja a sus intérpretes como si fueran muñecos que conduce a su capricho, mientras va introduciendo perlas que ayudan al espectador a sentirse desconcertado en unos momentos y cada vez más intrigado por lo que está sucediendo a la vez que, con desparpajo, va burlando los códigos éticos impues-tos por Hollywood en aquellos tiempos y que, con otro di-rector más inexperto, hubiera actuado sin contemplaciones para impedir algunas de las cosas que aquí suceden y se di-cen. La base era una novela corta de James M. Cain, Pacto de sangre, escrita en 1935 y basada en un crimen real cometido por un ama de casa de Nueva York y su amante, un vende-dor de corsés, al que aquella convenció para que matara a su marido, con la intención de cobrar el seguro de vida que ha-bía suscrito. Pero el asesinato resultó ser una chapuza y la policía capturó a los cómplices, que fueron ejecutados en la silla eléctrica. Cain prontó intentó vender la novela para el cine, pero los primeros intentos fracasaron porque el sistema de censura de Hollywood, el Código Hays, lo impidió. Has-ta que una década después la historia cayó en manos de Wil-der y la retorció de tal manera que conservando toda su cru-deza acertó a sortear a los censores para darnos un excelente ejemplar de cine negro, negrísimo.

LOS CORTOMETRAJES

7 de enero: CLOSET

Dirección y guión: Rakesh B. Narwani. Fotografía: Juan Martín, Antonio Buch. Música: Ignacio Moniche, Pablo Contreras, Luz Prado. Actores: Elena González, Pepe Viyuela. Duración: 19 minutos.

Tras perder su hogar en un desahucio y a su familia en un accidente de coche, Julia acaba relegada a vivir en la calle sin más equipaje que un cuaderno de recetas y unas po-cas fotografías. Una noche de lluvia, en busca de refugio, entra en una casa ajena y se esconde en un altillo, desde el que descubre la triste y frustrada vida de Andrés, el due-ño de la casa, quien malvive como librero. Julia decide quedarse a vivir en el altillo y desde allí, silenciosa e invi-siblemente, comienza a aderezar la vida de Andrés.

14 de enero: LA CASA DE ARRIBA

Dirección y guión: Marta Parreño. Fotografía: Pedro F. Fernández. Música: Javier Piñol. Actores: Jofre Mateu (Vecino), Jacqueline Chocero (Marta), Denise Chocero (Elena), Alba Plana (Laura), Elena Pou (Tania), Elena Parreño (Madre), Alegría Castarlenas (señora María). Duración: 15 minutos.

Cuatro niñas juegan a ser mayores en el piso abandonado de una vecina que murió. Tras hacer una sesión de espiri-tismo, empiezan a notar cambios en sus rutinas de juegos.

21 de enero: CAEN PIEDRAS DEL CIELO

Dirección y guión: R. Robles Rafatal. Actores: Estrella Morente (Luz), Terele Pávez (madre superiora), Laura Baena (Sor Caridad), Lucía Alfaro (Monja), Ana Iglesias (monja), Germán Ibáñez (niño fotógrafo), Pablo Pujol (padre del niño), Virginia de Morata (madre del niño). Duración: 16 minutos

España, 1973. Luz trabaja limpiando en un hospital re-gentado por religiosas. Está embarazada, siendo madre soltera y aún continúa realizando sus tareas, fregando con sus propias manos el suelo, cuando llega la hora del parto, que es doloroso, pero no tanto como el momento en que se enfrenta a la verdad que comienza siendo una mentira.

29 de enero: RECONCILIACIÓN

Dirección: Adel Khader, Guión: Jesús E. Armenteros. Fotografía: Alberto D. Centeno. Música: Ignacio Moniche. Actores: Agustín Jiménez (Agustín), Cesáreo Estébanez (Matías), Ernesto Gil (Bartolo), Cecilia Gesssa (Francisquita), Teresa Cortés (madre de Agustín), Rubén del Castillo (Técnico), Francisca García (la suegra), Ana Varela (esposa de Bartolo), Isabel Menéndez (esposa de Matías), Lucía Martín rey (sobrina de Bartolo). Duración: 17 minutos

Dos vecinos, un viejo comunista venido del exilio y un jo-ven empresario vinculado a Fuerza Nueva, quedan ence-rrados en un ascensor la noche del 23-F de 1981. Allí saca-rán a la luz todas las rencillas guardadas a lo largo de los años, aunque fi nalmente descubrirán que tienen en co-mún más de lo que pesaban.

4 de febrero: EL SONIDO DEL VERANO

Dirección y guión: Marcel Juan. Fotografía: Susana Ojea. Música: Guillermo Martorell. Actores: Abel Jurado (Max), Laura Zauner (Ingrid), Noé Blancafort (Amigo), Duna Jové (ama de casa). Duración: 28 minutos.

Ingrid viaja de Paris a Barcelona porque ha heredado la casa de su tía. Su intención es venderla lo más rápidamen-te posible. Sin embargo, en la casa vive Max como inqui-lino, un chico introvertido que se dedica a grabar sonidos para sus proyectos. Esta situación les llevará a establecer una relación que durarán lo que duran unas vacaciones.

11 de febrero: PARAISO BEACH

Dirección y guión: Biktor Kero. Fotografía: Ibon Antuñán. Música: José Ojeda. Actores: Héctor Medina (Leo), Juan Fleta (Eric), María Kaltembacher (Mónica). Duración: 15 minutos

En un planeta desolado por un cataclismo que ha elimi-nado prácticamente todo rastro de vida, la superviven-cia de la especia humana pende de un hilo. Leo y Mónica piensan que, pese a tanta desolación, nunca es tarde para pasar un día de vacaciones en una playa remota. La neve-ra azul, una sombrilla raída, paleta de playa… todo está preparado. Pero la llegada de un soldado de La Gran Co-lonia está a punto de truncar sus planes.

18 de febrero: SUBTERRÁNEO

Director: Miguel Ángel Carmona. Guión: Miguel Ángel Carmona, Álvaro Begines. Fotografía: Dani Mauri. Música: Manuel Ruiz del Corral. Actores: Carlos Fábrega (Daniel), Emilio Buale (“Gafas de sol”), Juanfra Juárez (ejecutivo), Cuca Escribano (Susana), Silvia Rey (vecina). Duración: 14 minutos

Son las tres de la madrugada. Susana y Daniel acaban de hacer el amor en el interior de un coche aparcado en un parking subterráneo. De repente, su pasión es interrum-pida por la llegada de un coche del que salen tres tipos encapuchados.

4 de marzo: HOY QUIERO CONFESAR

Dirección y guión: Manuel Aguilar. Fotografía: Aitor Plazaola. Música: Joxe Mendizabal. Actores: Kandido Uranga (Juan), Elena Irureta (Carmen), Egoitz Sanchez (Fernando), Kepa Errasti (Javi), Aimar Aramburu (Fernando niño). Duración: 14 minutos

Fernando deja un mensaje en el contestador de sus pa-dres anunciando que va a pasar el fi n de semana a casa. Lo que no sabe es que lo que ese inocente mensaje va a desencadenar entre su madre, que dice conocer perfecta-mente a su hijo y su padre, que no sabe si quiere realmen-te conocerlo.

11 de marzo: RUBITA

Director: Jota Linares. Guión: Jota Linares y Paco Anaya. Fotografía: Manuel P. Pavón. Actores: Marta Hazas (Penélope), Maggie Civantos (Norma), Ignacio Mateos (Román). Duración: 16 minutos.

Norma imita a alguien que jamás creyó ser merecedora de ser imitada. Una peluca rubia y un lunar junto a la boca la hacen ser alguien que no es delante del objetivo de Penélope, que intenta recrear la última sesión de fo-tos que Marilyn Monroe realizó antes de morir. Pero lo que no es más que una instantánea acaba convirtiéndose en un perverso juego del gato y el ratón entre dos muje-res que se parecen a la rubia de oro mucho más de lo que ellas creen.

25 de marzo: EL ABONADO

Dirección y guión: Pedro Pacheco Arlandi. Fotografía: Daniel Torres Serralvo. Música: Juan Antonio Parra Zurita. Actores: Carlos Poleo Gutiérrez (El abonado), Pablo López Martín (Operador), Noelia Galdeano (Comercial 1), Irene Lázaro (Comercial 2), Eduardo Duro (Anciano contable), Irene Sánchez (Prostituta), Jesús “Zhury” Ortiz (Mafi oso), María Dopico (Secretaria). Duración: 15 minutos.

Julián, un joven abonado de una gran compañía, decide poner fi n al contrato que le une a ésta, pero lo que parecía ser un simple trámite se convierte en una tediosa y com-plicada aventura de incierto fi nal.

Depósito Legal: CU-1-2014

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