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Centro Universitario Interamericano
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Tercer Cuatrimestre
Historia del Arte II
Tema: Arte posmoderno
Alumna: Maricela López Kanter
Profesora: Nayeli Ayde Martínez Sánchez
18 de Julio de 2016
Arte conceptual
Historia
El movimiento conceptual en el arte aparece a finales de los años sesenta con
manifestaciones muy diversas y fronteras poco definidas.
La idea principal que subyace en todas ellas es que la verdadera obra de arte no
es el objeto físico producido por el artista, sino que consiste en conceptos e ideas.
Con un fuerte componente heredado de los ready-made de Marcel Duchamp, es el
artista americano Sol LeWitt quien mejor define este movimiento en una serie de
artículos publicados en 1967 y 1969. .
Representantes
Entre sus más importantes representantes se encuentran artistas como Joseph
Kosuth, Lawrence Weiner, el grupo Art & Language, Gilbert and George, Dennis
Oppenheim, Walter de Maria, Robert Smithson, Jean Dibbets o Richard Long.
Características
En el arte conceptual, la idea o concepto prima sobre la realización material de la
obra, y el mismo proceso -notas, bocetos, maquetas, diálogos- al tener a menudo
más importancia que el objeto terminado, puede ser expuesto para mostrar el
origen y desarrollo de la idea inicial. Otro elemento a resaltar de esta tendencia es
que requiere una mayor implicación del espectador no sólo en la forma de
percibirlo sino con su acción y participación
Según los planteamientos del arte conceptual, las obras de arte no tienen sólo un
modo de existencia objetual y la experiencia estética puede darse más allá de la
materia, porque experiencias y obras pueden “encarnarse” en varios objetos o
porque su recepción puede entenderse más allá de la presencia de los objetos.
Por ejemplo, cualquier botellero puede ejemplificar el gesto duchampiano, pero lo
relevante es el gesto en sí. El botellero no es un objeto artístico, sino una
propuesta estética, ya que el artista lo despoja de su sentido instrumental.
Ejemplo
John Latham. Still and chew, 1965. Conceptualismo.
1965: Una compleja pieza de arte conceptual por John Latham llamada
"Still and Chew" invita a los estudiantes de artes para protestar contra los
valores del libro Arte y Cultura de Clement Greenberg (un libro muy
mencionado y leído en el Central Saint Martins College of Art and Design,
donde Latham daba clases). Páginas del libro son masticadas por los
estudiantes, disueltas en ácido y la solución resultante es regresada de la
biblioteca embotellada y etiquetada. Latham fue despedido de la escuela.
Body Art
Historia
Con el nombre de Body Art se denominan procesos artísticos en los que el artista
utiliza su propio cuerpo como soporte material de la obra.
Surge a finales de los años sesenta y se desarrolla en la década siguiente. La
obra de estos artistas trata temas como la violencia, la autoagresión, la
sexualidad, el exhibicionismo o la resistencia corporal a fenómenos físicos. Así, el
cuerpo puede estar transformado por un disfraz, ser utilizado como instrumento o
unidad de medida, agredido o puesto a prueba hasta los límites del sufrimiento,
etc.
Representantes
Podemos diferenciar en el body art una línea más analítica que se practica en
Estados Unidos por artistas como Vito Acconci, Chris Burden o Dennis
Oppenheim, que ponen el acento en las posibilidades del cuerpo, y otra más
dramática, la europea, representada por Herman Nitsch, Gunter Brus, Rudolph
Schwarzkolger o Gina Pane, que incide en la reelaboración de arquetipos, junto a
aspectos relacionados con el travestismo, el tatuaje o la sublimación del dolor.
Como precursores del body art encontramos el dadaísmo, el happening y más
tarde está muy relacionado con la práctica de las performances (acciones), el
teatro y la danza.
Características
Se trabaja con el cuerpo como material plástico, se pinta (pintura corporal), se
tatúa, se añaden piercings, se calca, se ensucia, se cubre, se retuerce; el cuerpo
es el lienzo o el molde del trabajo artístico. Suele realizarse a modo de acción o
performance, con una documentación fotográfica o videográfica posterior.
Las manipulaciones de la superficie del cuerpo se llevan a tal extremo que incluso,
pueden provocar lesiones, como quemaduras, heridas y tirones de cabellos.
Se ha contemplado dentro del body art, además, del body painting, creaciones
como el piercing, los tatuajes, las cicatrices y el shaping o alteraciones de la
estructura corporal. El body painting, es una pintura artística aplicada sobre la piel
y se considerada como una de las primeras formas de expresión plástica utilizadas
por nuestros antepasados.
Niega la totalidad de los pasados valores estéticos y morales inherentes a la
práctica artística.
Ejemplo
Dennis Oppenheim. Two Stage Transfer Drawing, 1971.
"Mientras corro un marcador a lo largo de la espalda de Eric él intenta duplicar
el movimiento de la pared. Mi actividad estimula una respuesta cinética de su
sistema sensorial. Estoy, por lo tanto, dibujando a través de él"
Land Art
Historia
El Land Art es una corriente del arte contemporáneo, que utiliza el marco y los
materiales de la naturaleza (madera, tierra, piedras, arena, viento, rocas, fuego,
agua etc.). Esta expresión inglesa se ha traducido también como «arte de la
construcción del paisaje» o «arte terrestre». Generalmente, las obras se
encuentran en el exterior, expuestas a los elementos, y sometidas a la erosión
natural; así pues, algunas desaparecieron, quedando de ellas sólo el recuerdo
fotográfico. Las primeras obras se realizaron en los paisajes desérticos del Oeste
estadounidense a finales de los años sesenta. Las obras más imponentes,
realizadas con equipamientos de construcción como excavadoras, se llaman
earthworks, (palabra que puede traducirse como "trabajo de tierras".
Representantes
Los primeros en darse a conocer en este ámbito fueron Robert Smithson y Michael
Heizer, quienes emplearon materiales de la naturaleza para el desarrollo de sus
obras artísticas. En un principio Michael Heizer denomino a su arte como
“Negative Sculputure”, en esta escultura el autor quiso enfatizar su apreciación
tanto aérea como presencial, mientras caminaras en ella, notando la grandeza de
su obra.
Otros fueron: Christo (n. 1935) & Jeanne-Claude (n. 1935), con sus típicos embalajes, Robert Morris (n. 1931), Nicolás García Uriburu (n. 1937), Dennis Oppenheim (n. 1938) y sus Snow Projects (proyectos-nieve).
Características
No es un movimiento homogéneo ni asociado a la naturaleza, sino a la tierra, entendiendo como tal al planeta mismo, pues sus obras se insertan en un contexto que va más allá de los límites “naturales” para adentrarse en otros más cosmológicos y complejos. Se ubican, más que en un espacio físico natural, en unas coordenadas espacio-temporales particulares que escapan a la escala humana.
Se asocia este movimiento a la naturaleza y a esculturas de exterior, más allá de galerías y museos, pero incluye manifestaciones muy dispares, desde las que respetan el aspecto inicial del paisaje que intervienen hasta los que alteran su imagen radicalmente pasando por los pensados para hacer frente a espacios degradados.
Ejemplo
Robert Smithson. Spiral Jetty. 1970
El material empleado para realizarla fueron unas 5.000 toneladas de bloques de
basalto negro. Fue construida en 1970, empleando potentes
La obra inicia su desarrollo en la orilla del Gran Lago Salado y penetrando en él,
crea una espiral en sentido contrario al de las agujas del reloj, dejando entre las
líneas de piedra un doble pasillo en la arena.
Tras su construcción la obra se fue cubriendo con el agua del lago al aumentar el
nivel de éste, quedando durante años totalmente sumergida. Con la sequía que
llegó posteriormente, al bajar el agua y quedar nuevamente al descubierto la
escultura, ésta se mostró muy cambiada ya que las sales del agua habían
blanqueado la negrura del material y el cieno se había acumulado entre las
grietas, haciendo visualmente menos abrupta su superficie.
Arte Povera
Denominación creada por el crítico de arte italiano Germano Celant bajo la cual se
integran actividades artísticas muy variadas pero que en general todas tienen en
común la utilización de materiales pobres como paja, arena, piedras, ramas,
hojarascas, fragmentos u objetos de metal, piezas de loza o vidrio, aunque los
artistas del movimiento usaron también oro, seda, mármol o cristal de Murano.
Historia
Surge en 1967 en Italia, año en el que se organizaron dos importantes
exposiciones, y alcanzó una gran repercusión internacional en 1972 por el
protagonismo que tiene en la quinta edición de la Documenta de Kassel.
Representantes
Los artistas más representativos del movimiento son: Kounellis, Anselmo, Zorio,
Pistoletto, Merz, Boetti, Penone y Fabro.
Características
El arte povera basa su estética en las relaciones entre el objeto y su configuración,
valorando especialmente dos aspectos: por un lado, los procedimientos
entendidos como proceso de fabricación y manipulación del material, y por otro,
los materiales. Estos dos elementos van estrechamente relacionados de forma
que hay obras que parten de determinada acción sobre el material (como pueden
ser apilar, desgarrar, torsionar); por el contrario, el artista parte de un material
como por ejemplo fieltro, caucho, tierra, fuego… al que le somete a una
determinada acción. Este arte que valora los materiales industriales en estado
bruto y la materia natural, surge en Europa como una reacción en contra del
predominio del acero inoxidable, el plexiglás y la estricta geometría del minimal art.
El que aparezca en Italia no es casual pues en este país encontramos artistas de
épocas anteriores que reivindican un arte antimercantilista como fueron Manzoni,
Burri o Fontana.
Los artistas ligados al Povera defendían desmantelar la jerarquía de los
materiales, rechazaban el consumismo y se interesaron por las fuerzas de la
naturaleza y la modernidad industrial. No formaron un colectivo como tal, pero
todos emplearon el arte como punto de partida desde el que abordar la vida.
Cargaron sus materiales de asociaciones a la historia de la cultura y la mitología
en Italia y Europa, reflejando el presente a través del pasado. Ejercieron una
crítica poética a la civilización moderna.
Ejemplo
Michelangelo Pistoletto. Venus of the Rags
El significado de esta obra es claro gracias a su autor, ya que se inscribe en la estética de la antinomia descrita por el propio Pistoletto en su manifiesto “La ultime parole famose”, publicado en 1967, en el que se podía leer lo siguiente: “Pasado y futuro, distancia y proximidad, profundidad y superficie, verdadero y falso, singular y múltiple, subjetivo y objetivo, estático y dinámico, son algunos ejemplos de la esfera de las antinomias que, desde los primeros hombres hasta hoy en día, ha crecido alrededor del ser humano como un fruto de su espíritu hasta llegar a unas enormes proporciones. El contraste entre los dos extremos de cada proposición y de cada valor es el mundo que el hombre de hoy habita mental y físicamente. Cuando mi necesidad de comprender se ha enfrentado con la vida, instintivamente he identificado todos los contrastes en el sistema de desdoblamiento de cada cosa”.
Perfomance
Historia
La historia del "performance art" empieza a principios del siglo XX, con las acciones en vivo de artistas de movimientos vanguardistas. Creadores ligados al futurismo, al constructivismo, al dadaísmo y al surrealismo, realizaban por ejemplo las exhibiciones no convencionales en el Cabaret Voltaire. Entre estos artistas se destaca la participación de Richard Huelsenbeck y Tristan Tzara.
Representantes
Joseph Beuys (1921-1986) fue un importante exponente del performance. En sus acciones de arte incluyó la acción, el movimiento, y personajes ajenos a la obra.
Características
La performance reemplaza a la acción para designar las realizaciones públicas
que proponen los artistas pertenecientes a corrientes que requieren la presencia
de espectadores para llevar a cabo sus obras. Es una forma artística que combina
elementos del teatro, la música y las artes visuales.
La performance es heredera de una larga historia: los primeros happenings de
Cage, y luego los realizados en Estados Unidos y en Europa, así como los events
del fluxus, constituyen la fuente más determinante de la performance. Ésta, que
reposa en la presencia del artista y en la utilización de accesorios y un guión más
o menos preciso, tiene relación con determinados aspectos de la situación teatral,
reivindicando una trasgresión de las formas tradicionales del arte para ahondar en
el cuerpo, los datos sensoriales, la palabra, el gesto y los comportamientos
sociales. Desde este punto de vista, Joseph Beuys es sin duda el artista más
sintomático, en el que el acto artístico sólo puede ser posteriormente difundido por
el vídeo o la fotografía.
Ejemplo
Joseph Beuys. Coyote: I like America and America likes me, 1974
Beuys lanza una poderoso ataque a la barbarie colonizadora y genocida que
durante siglos se articula en el continente Americano. El coyote es
posiblemente el símbolo que más sencillo es de adivinar, representando en lo
abstracto de la acción a ese pueblo indígena huésped de un ser extraño que
llega desde fuera. A diferencia de Hernán Cortés o Pizarro, Joseph Beuys en el
papel de explorador no trata de imponer en primer momento al coyote ningún
tipo de práctica, más bien se deja desnudar de su coraza de fieltro -que
representa para el autor el aislamiento físico y metafórico-. Con el paso de los
días el animal deha de atacarle y establecen una relación de cooperación no-
violenta.
Happening
Historia
Happening (de la palabra inglesa que significa acontecimiento, ocurrencia, suceso)
es toda experiencia que parte de la ecuación provocación-participación-
improvisación. Tiene su origen en la década de 1950 y se considera una
manifestación artística multidisciplinaria. Aunque se han relacionado con el pop-art
y el movimiento hippie, los happenings se integran dentro del conjunto del llamado
performance art.
Representantes
Tras John Cage y Allan Kaprow, se han considerado continuadores de la ideología
del happening: Georges Mathieu, Tadeusz Kantor, Joseph Beuys, George Brecht,
Bazon Brock, Jim Dine, Red Grooms, Al Hansen, Roy Lichtenstein, Youri Messen-
Jaschin, Marta Minujín, Claes Oldenburg, Yōko Ono, Robert Rauschenberg,
Marina Abramovic, Wolf Vostell, Robert Whitman y Charlotte Moorman.
Características
En un principio, el happening artístico fue una tentativa de producir una obra de arte que naciese del acto a organizar y con la participación de los "espectadores" (que abandonasen así su posición de sujetos pasivos y se liberasen a través de la expresión emotiva y la representación colectiva). Aunque es común confundir el happening con la llamada acción artística el primero difiere de la segunda en la improvisación.
El happening, como manifestación artística múltiple que pretende la participación espontánea del público, suele ser efímero. Por este motivo los happenings suelen presentarse en lugares públicos, irrumpiendo en la cotidianeidad. Un ejemplo de ello son las instalaciones del fotógrafo Spencer Tunik, con sus multitudes desnudas
Existen también happenings sobre un escenario, sin comunicación a través del lenguaje, en los que los participantes reducen éste a fragmentos aislados que no intentan una comunicación directa; happenings con separación de organizadores y participantes-espectadores, en los que éstos pueden limitarse a observar, y environments, con entornos planeados de antemano, precisando el lugar y determinando la actividad de los participantes. Los más destacados son los del grupo alemán Fluxus.