CAMPOS DE ACCIÓN:

ENTRE EL PERFORMANCE Y EL OBJETO, 1949-1979

Paul Schimmel, compilador

SALTO AL VACÍO: EL PERFORMANCE Y EL OBJETO

La fragilidad del hombre ante las posibilidades destructivas de la guerra, hicieron que éste

reflexionara más sobre su existencia, esta reflexión permeo también el mundo del arte.

En el periodo de la postguerra, diversos artistas que comenzaron a radicar en otros

países mostraban sus creaciones a las masas, esto debido a la globalización de los medios

de comunicación, con esto se mostró al mundo las distintas manifestaciones de arte que

estaban sucediendo en ese entonces.

La creación y la destrucción fueron temas centrales del arte durante este periodo,

quizás efímero, pero poderoso y reflexivo, en el que más que la obra final, lo que importaba

era el acto.

El proceso en el cual la acción creativa tiene más dominio que el objeto creado, fue

resultado del trabajo de los artistas de la década de los 50's hasta los 70's, donde incluso el

público ya es parte de la obra. La experiencia del espectador involucrado en el acto artístico

inicia una reflexión revolucionaria del arte, es aquí donde nacen colectivos y movimientos

de la acción, del performance, del happening, etc.

ORÍGENES: POLLOCK, CAGE, FONTANA, SHIMAMOTO

La postguerra y sus consecuencias deja en varios artistas una sensación de ruptura en lo que

se practicaba dentro de su ámbito, iniciando un cambio dentro del mismo, el de tener más

atención en el acto creador que en el resultado final.

Estados Unidos, Europa y Japón son la cuna de artistas que serán clave para este

cambio: Jackson Pollock, John Cage, Lucio Fontana y Shozo Shimamoto.

Sobre Pollock se crea una mitología en torno a su figura y su trabajo, (si era un

trabajo premeditado o totalmente libre, si fue el único que trabajó el action painting y el

dripping, etc.), rumores que sin duda acrecentaron su culto y que dieron el parteaguas para

lo que sería uno de los máximos representantes del expresionismo abstracto y precursor del

arte performativo, llevando esto más allá de la pintura.

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La documentación del proceso creador tiene un gran peso también para la

mitificación de Pollock, la fotografía y el video formarán parte fundamental para entender

lo que posteriormente será el happening y las demás ramas del arte de acción.

Pollock tuvo el poder de ser él mismo la obra, de perderse en el lienzo y llevar la

pintura a un estatus de meditación del acto, no solo por medio de la vista, sino de los

sentidos en su totalidad.

La pintura de acción va principalmente hacia el trasfondo del acto pictórico y en

menor medida al resultado, que, sin duda, también tiene un impacto en el espectador.

John Cage también tuvo un gran peso para lo que vendría. Músico y compositor, sus

obras contienen el azar y la incertidumbre, elementos fundamentales para la creación de

acción.

Su obra Theater Piece Nº1, involucró de forma directa al espectador como parte de la

misma, acción primigenia que retomaron los colectivos performativos que le siguieron,

además Cage incluye en otras de sus obras (Water Music, por ejemplo), elementos que

tienen que ser vistos en lugar de oídos, dando importancia al elemento visual y no tanto al

musical.

El trabajo de Cage busca la libertad creadora de todos los elementos que componen

sus obras y además quita las jerarquías dentro de la misma, todos los partidarios son

equitativamente iguales en libertad y creación.

Lucio Fontana transgrede la pintura desde su formalidad y materialidad, creando una

reflexión del espacio y de sus límites en lo pictórico, y partiendo desde la primicia de la

destrucción, cosa que impactó a los nuevos artistas. Fontana "creaba espacio" en lugar de

representarlo, con esto deshacía el canon de que la obra pictórica debe permanecer intacta

en el tiempo y en el lugar, y esto lo hacía desde la acción, por ejemplo, de rasgar sus

lienzos.

Shozo Shimamoto parte del accidente y del azar para hacerlos recursos esenciales de

su obra, además de, como lo hizo Cage, integrar al público en sus creaciones como un acto

lúdico con el cual interactuaba en comunión y comunicación artista-obra-espectador. Su

acción pictórica era más dramática, y sobre todo efímera, descontrolada y más "destructiva"

que las obras de Pollock, Cage y de Fontana, esto llamó la atención de la sociedad de su

entorno y llevó a Shimamoto hasta los medios de comunicación masiva, donde el registro

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de sus actos tomaron gran importancia para la posteridad de su trabajo, como sucedió con

Pollock.

Estos cuatro artistas cambiaron las perspectivas del arte desde la reflexión

existencialista que les dejo la postguerra, la de cambiar y transgredir el concepto general

del éste (el arte), pasando a una especie de "destrucción" del mismo y convirtiéndolo de un

acto perenne a un acto efusivo, que dejaba en sí lo indeterminado, el azar y sobre todo el

acto, el proceso, como parte fundamental de su pensamiento, el pensamiento de ir a lo

desconocido, de "saltar al vacío".

GUTAI

El colectivo japonés creado por Jiro Yoshihara en 1954, tenía como doctrina la naciente

abstracción en la pintura y la libertad de las reglas artísticas establecidas, aunado a esto,

también mantenían parte de sus tradiciones en su misma ideología tradicionalista, como el

uso de la caligrafía y, en algunos casos, el teatro Kabuki.

La finalidad que tenían en su hacer, era el de convertir a la pintura no en un fin, sino

en un proceso. Uno de los miembros del colectivo tuvo gran impacto en lo que

posteriormente serían algunos movimientos performativos como, por ejemplo, el caso del

accionismo vienés, su nombre: Kazuo Shiraga.

Shiraga se apoyó en el video como medio de registro para sus acciones y la

teatralidad violenta con la que los realizaba, llamaba aún más la atención de los medios con

los que se relacionaba.

Su técnica de "pintar con los pies", también la descubre del azar y del accidente, (que

quizás se podría traducir como un "acto libre"), tal como sucedió con Shimamoto, ese acto

accidentado también lo utiliza como recurso principal para la elaboración de sus pinturas.

Akira Kanayama trabajaba su pintura desde procesos más mecánicos y Saburo

Munakami desde técnicas más dinámicas y transgresoras en una parodia de la guerra y su

devastación. Además de esto Munakami realizó obras conceptuales que involucraban al

público para el desarrollo de la misma.

Atsuko Tanaka fusiona la tecnología con el arte en su Electric Dress de 1956, donde

realiza un vestido en el cual se le han aplicado focos de distintos colores, los cuales se

encienden cuando la obra este expuesta, esto es un parteaguas para lo que sería el arte

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feminista.

La influencia del colectivo Gutai es parte fundamental para entender el acto del

performance y las otras expresiones artísticas de acción que aparecerían en los años futuros,

tanto por el acto de transformar la pintura hasta el de poner a la acción sobre el objeto.

NOUVEAU RÉALISME

Existió un elemento clave para el arte de principios de los 60's y éste fue el de los medios

masivos de comunicación, sin ellos quizás varios de los exponentes del arte de la

postguerra no tendrían la importancia que los identifica.

Uno de estos artistas, que supo aprovechar a los medios para su "autopromoción", fue

el pintor Georges Mathieu, miembro del movimiento Nouveau Réalisme que nace en 1960

y estaba constituido principalmente por artistas franceses. Las características del Nouveau

Réalisme fueron las de conjuntar el proceso de creación, la obra finalizada y expuesta,

además de la utilización de los medios como recursos para la documentación y promoción

mediática.

Otro miembro importante, sino es que el más característico del movimiento Nouveau

fue Yves Klein. Klein tenía una motivación artística que nace con su viaje a Hiroshima en

el 54', donde observa la imagen de una silueta marcada en una superficie rocosa, producto

del impacto de la bomba a uno de los habitantes de la ciudad destruida. Esta experiencia

impacta tanto a Klein que desde ese momento tomaría como referencia lo sucedido para sus

obras: las antropometrías.

Klein toma a sus modelos y los convierte en "pinceles vivientes", los llena de pintura

y, en una acción controlada, los va dirigiendo sobre el lienzo para crear estas pinturas de

cuerpos, esto lo hacía en un ejercicio performativo que Klein había ensayado antes de la

presentación en público, haciendo un acto, que, se podría decir era "controlado pero

incontrolado", pues no se sabía el resultado final concreto del hecho.

El "salto al vacío" de Klein, fue una de sus acciones más distinguidas, mitificadas y

criticadas, pero sin duda, fue la que congeló la ideología del artista, la de la acción

premeditada que no conoce su fin. Esta ideología de la incertidumbre fue clave para lo que

sería en su tiempo el performance.

Tinguely introduce a las maquinas en el arte, maquinas creadoras y destructoras,

analogías del ser humano, su obra también estuvo respaldada por la sociedad del

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espectáculo, que levantó al artista a ser un activo de los medios de comunicación.

Saint-Phalle introduce una nueva forma de creación pictórica en donde utiliza, en una

metáfora de la violencia, pistolas con las cuales creaba sus "tirs", disparaba hacia globos

llenos de pintura montados sobre bastidores, los cuales reventaban con el disparo,

convirtiéndose en formas abstractas de color.

Spoerri, otro de los miembros del grupo, convierte el acto rutinario de comer, en un

acto performativo y artístico.

Rauschenberg va más allá, se introduce más en la idea de la acción creativa, de la huella

que deja la misma acción, de dar una importancia significativa a la experimentación del

acto, cosa que influyó bastante a las siguientes generaciones.

DE MANZONI AL ARTE POVERA

Piero Manzoni retoma el elemento gráfico de la línea como medio formal de la creación

artística (pictórica, sobre todo) de Rauschenberg, pero la lleva a cuestiones más profundas,

poniéndola como ejemplo de la vida misma y del infinito, de la eternidad. Sus "Linees"

constituían una acción performativa, la creación misma de una línea era la finalidad del

acto.

Manzoni comienza a utilizar su cuerpo como medio para hacer arte, obras como

"Fiato d'artista" y "Merda d'artista" hacen de la materia que se deshecha en arte, esto lo

traduce Manzoni como "ser realidad", ser existente, el artista, y "ser el vacío", la materia

que se deshecha, el excremento y el aire.

Manzoni también comienza a trabajar con su público para hacer su obra, los

convierte en arte partiendo de las acciones realizadas en sus exposiciones.

Pinot Gallizio, pudo ser un referente para Tianguely, puesto que creaba sus "pinturas

industriales" con el uso de máquinas que, de manera autónoma y controlada al mismo

tiempo, creaban obras monumentales, las cuales en ocasiones las utilizaba como atuendo

para modelos en sus exposiciones.

Kounellis manejaba elementos efímeros en sus obras, partiendo de la ideología del povera,

después introdujo en su obra pictórica el uso de letras y números, el acto de performance

consistía en que el pintor cantaba al pintar, quitando la formalidad en la obra, ese fue el

primer experimento que realizó con esta finalidad, después introdujo cuestiones de acción

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para una finalidad artística que consistía más en el ejercicio que en la finalidad.

Otro artista povera, Michelangelo Pistoletto, experimentó con la materia y el público

para realizar acciones que tenían que ver con la cotidianeidad y la interacción social, con

esto Pistoletto marca una tendencia que va más allá del manejo del material, y manipula el

acto público como forma de hacer arte de performance, esto lo trabajaría de manera más

integral con El Zoo, su grupo teatral.

DOS ARTISTAS ENTRE LOS INTERSTICIOS

Dentro del contexto artístico de la época de la posguerra, fueron muchos los artistas que

llegaron a ser reconocidos gracias a los medios de comunicación, más sin embargo de entre

todos estos actores, algunos no tuvieron la suerte de llegar a tan altos niveles mediáticos,

uno de ellos fue el británico John Latham. Latham manejó el libro como la pieza base para

su actividad artística, de manera metafórica construía su obra partiendo de la idea del libro

como medio impreso del conocimiento a través de la lectura del mismo.

Pero quizá la idea del artista iba más allá de eso, de hacer de esta materia un objeto

para elaborar o recrear una nueva realidad al espectador, que también en algunas acciones

del artista se volvió parte de la obra, por medio de la participación activa del público.

Se podría decir que "des-cosifico" el libro y lo llevó al campo artístico de forma

inteligente.

Otro de estos "artistas desapercibidos" fue el norteamericano James Lee Byars, quien

llevó el acto performativo de la mano del papel como medio para la acción. Igual que

Latham, utilizó la materia común para sacarla de su contexto y llevarla a campos narrativos

y reflexivos por medio del proceso artístico.

LOS HAPPENINGS

Las actividades artísticas de los 50's comenzaron a involucrar cada vez más la participación

del público para crear la experiencia estética, uno de estas actividades, que tuvieron gran

repercusión para los performances, fue el happening.

Allan Kaprow fue el pionero de esta forma de arte de acción, partiendo de la pintura

y pasando por la instalación con diversos materiales, comenzó un proceso en el que aterrizó

en esta forma de creación. En sus happenings manejaba al público por medio de

instrucciones, para que el proceso fuera un poco más controlado, pero, que al final, tenía

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este elemento del misterio, de que no se sabía que sucedería o como acabaría la acción, esta

idea la tomo en parte, de Cage.

Red Grooms partía también de la pintura expresiva abstracta y además utilizó el

teatro para realizar su propuesta de happening.

El juego y la parodia también fueron fundamentales para el happening, como lo uso

Jim Dine en sus obras, donde, de manera lúdica, representaba actos violentos y chocantes

con los cuales operaba sus actos artísticos.

Esto también lo trata Oldemburg en su obra, pero de manera más crítica, en donde el

objeto y el proceso por el cual pasa para convertirse en un residuo era lo que el artista

utilizaba como mensaje de su obra, además de utilizar la cuestión del mercado y del

capitalismo para realizar sus happenings.

FLUXUS

Cage intervino de manera radical en la realización de los actos performativos, Fluxus fue

uno de los movimientos artísticos que retomó la ideología del músico para lo que sería su

propuesta. Fluxus incorporó artistas de varios lugares y tendencias que tenían en su

contexto general la materia del impulso natural, del flujo, como manera de contextualizar

su trabajo.

George Bretch, miembro del grupo, comienza con la experimentación musical

fusionada con la actividad grupal.

Ben Vautier partiendo de la problemática de llamar la atención del público para que

consumiera los productos que vendía, utilizó el happening como publicidad, de ahí

evoluciono a cuestiones más experimentales donde cuestionaba al artista como medio

formal de la misma y también involucró el tema del comercio en su obra artística, al igual

que sus colegas realizó acciones que requerían del público para que la obra se creara.

El videoartista Nam June Paik también comenzó desde la cuestión musical

experimental y del neodadaísmo, sus primeras obras fueron piezas musicales con gran

similitud a la obra de Cage. Fue en su performance Exposition of Music Electronic

Television, donde introdujo la televisión a su obra, objeto que tendría gran repercusión para

lo que sería su trabajo más conocido en el ámbito del videoarte.

Yoko Ono es, por lo general, el más conocido miembro de Fluxus, esto por su

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participación con los medios de comunicación y por su famosa relación con Lennon, quizás

por esta cuestión es por lo que más se reconoce públicamente y no tanto por su carrera

artística en Fluxus y en lo que haría después. Ono venía también de la rama musical y como

los demás artistas de Fluxus, estaba influenciada por Cage y las acciones grupales.

Los trabajos de Yoko Ono se vieron remarcados por su presencia mediática, la cual

supo aprovechar para exhibir su obra.

El Hi Red Center, formado por Genpei Akesegawa,Natsunuki Nakanishi y Jirô

Takamatsu, centraba su argumento artístico en el uso de objetos como medios para llegar a

involucrar al público en el acto, además de ligar la cuestión del humorismo y la ironía en

sus acciones, las cuales los llevaron a tener varios problemas con la policía, gracias a estos

"escándalos", los artistas aseguraron su fama, los espectadores se centraron en ellos, de

hecho el grupo aprovechó esto y lo convirtió en una especie de evento artístico (por

ejemplo el juicio a Akasegawa en agosto de 1966).

Una gran ayuda para los grupos de arte de acción y happenings fue Wolf Vostell,

quien difundía la obra suya y la de estos grupos integrando también los acontecimientos

artísticos de su medio en la revista de su autoría "Dé-collage: Bulletin aktueler Ideen".

Vostell integraba las ideas de la ciudad moderna y su progreso con la destrucción y el

caos, apropiándolos al contenido del happening.

Joseph Beuys fue quizá una de las piezas más importantes de Fluxus, ya que sus

acciones, que implicaban el terreno de la política y los medios de comunicación, constituyó

una fuerte experiencia que cambió el mundo del arte en su tiempo. Beuys introduce una

especie de mística en su obra, son actos sistematizados y casi rituales, donde también hay

una conexión directa con el espectador, además de la redefinición simbólica del objeto y

del acto, influencia directa de Duchamp.

EL ACCIONISMO VIENÉS

Nacido en 1956, el Weiner Aktionsruppe, comenzó con una forma de pintura de acción y

teatro que involucraba al performance.

Los performances de los accionistas vieneses integraban el simbolismo, la violencia

y la mística como trasfondo de sus obras.

Hermann Nitsch, uno de sus fundadores, es hasta hoy el icono del movimiento,

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utilizando la pintura y el performance como medio de expresión y acción, recalca de

manera más personal sus intereses desde los fenómenos de los rituales católicos y la

fascinación que la violencia y el caos causa en los ámbitos sociales y psicológicos.

Nitsch se vale de la sangre a manera simbólica para reiterar el mensaje ritual que

conlleva en su trabajo.

Otto Muehl, otro de los fundadores del movimiento, trabajaba desde los objetos y la

acción, la documentación de su trabajo fue fundamental para entender su obra.

Gustav Metzger promovió el trabajo de los accionistas y otros movimientos, además

creo obra en la cual se apropia de la destrucción y de la belleza creada desde ella, la

"creatividad de la destrucción".

ESCULTURA PERFORMATIVA DE LOS SESENTA

Robert Morris, partió de la inquietud de la danza y del minimalismo para crear sus

esculturas performativas, influenciado por el trabajo de Ann Halprin y Simone Forti.

Morris se integraba a sus esculturas, las cuales tenían el carácter simplista y de escala

a tamaño de cuerpo humano, y después realizaba acciones con ella, integrando el acto

performativo.

Bruce Nauman se vale de la escultura y la instalación, añadiendo el performance para

expresar sus ideas, también aprovechó sobre todo a la fotografía para documentar y crear

obra, como en "Light Trap for Henry Moore Nº1" de 1967.

Neuman incluye al público desde la periferia, en un acto de acción en donde él

participa y el espectador vive la experiencia desde la distancia.

LA PERFORMANCE DE LA DÉCADA DE LOS SETENTA

La presencia de Vito Acconci en el mundo del performance es sin duda clave para entender

el contenido del mismo y de su desarrollo. Integrando la psicología y la operación radical

en sus actos se volvió una figura central referente para el arte de acción.

Acconci practicaba un proceso en el cual el público y él estaban ligados de maneras

abstractas y presenciales, daba una importancia mayor al espectador, incorporándolo dentro

de su acción o fuera de ella, lo retaba, lo alababa, pero de cualquier forma, el observador

participaba en la realización activa de la obra.

Chris Burden expuso su cuerpo a acciones violentas y peligrosas que contenían una

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crítica social fuerte, en donde el asistente al verlo en tales situaciones, lo convertía en una

especie de cómplice de la obra, introduciéndolo en una situación psicológica que quizás era

impactante para el mismo.

El acto de destrucción y mutilación como metáfora para el lenguaje artístico también

formo parte de la obra de Gina Pane, las heridas causan una fascinación morbosa al

espectador, lo atraen.

Marina Abramovic fue más allá en lo que lo radical y peligroso se entiende,

exponiéndose a situaciones en las cuales pudo acabar de manera fatal, llevando el contexto

del artista a límites que ponían a reflexionar de otra manera la función del artista de su

tiempo, su colega Ulya también ayudó a crear la imagen de Abramovic en el ámbito

artístico radical que involucraba al público en el proceso.

Paul McCarthy maneja la gravedad para sus primeras acciones, luego evolucionó su

trabajo en eventos donde de manera grotesca hacía una crítica mordaz partiendo de

elementos comerciales consumidos por la sociedad, poniéndose a prueba en tales actos,

arriesgándose para crear.

La reflexión hacia la salud y la muerte es parte del trabajo de Rebeca Horn,

trabajando con elementos de cirugía quirúrgica que remiten a las cuestiones antes

mencionadas (salud y muerte), donde el público es elemento participe de la obra.

Gordon Matta-Clark involucró más al espectador para la realización procesual de sus

obras, elaborando instalaciones, invitaba a la gente a que "deconstruyera" la misma

instalación, haciendo que cada persona, al ir quitando elementos de la obra, se convirtiera

en un artista por un momento.

De la zona de la bahía de San Francisco, salieron tres artistas que tendrían un hito

dentro del performance: Paul Cotton, Terry Fox y Howard Fried.

Cotton trabajaba desde los actos públicos con una manera sarcástica e irónica, donde

retaba y se burlaba de las instituciones y de la materia patriota.

Fox trataba con la marginación y la mística, utilizando también acciones radicales

donde llevaba su cuerpo a límites tortuosos.

El trabajo de Howard Fried, consistía en la combinación de individuos en grupos sociales

distintos y de cómo sucedían los fenómenos psicológicos de los mismos expuestos en

ciertas situaciones.

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Otro de los artistas de esta zona, Tom Marioni, exploraba desde el proceso de actos

cotidianos, como el de tomar cerveza con sus amigos, pero en una galería, y ver en los

residuos del mismo evento, la obra.

La obra de Mike Kelley va hacia el asunto de la percepción en general, donde

confunde estas formas de captación sensorial.

CONCLUSIÓN

El acto performativo involucra muchas cuestiones y de todo tipo, desde las más banales y

desapercibidas hasta las más notables y significativas, esto hace que ésta manifestación

artística sea de las más importantes del siglo XX y años venideros. Sin la aparición de esta

rama quizás muchos de los actores del ámbito del arte no serían lo que son hasta ahora y

muchas obras no tendrían la importancia que tienen hoy.

La inquietud de llevar la obra más allá de sus soportes tradicionales, de poder

convertir temas como la pintura y la escultura, por ejemplo, en ejercicios y no en objetos,

condujo a los creadores a desarrollar procesos en los cuales la acción se sitúa por arriba de

la finalidad, con esto, el arte tiene otra reflexión más profunda y más vívida que la simple

observación de una pintura montada en una galería o una pieza musical grabada y

reproducida millones de veces.

El "artista formado" ya no es tanto el creador de la pieza, tiene que involucrar al

público en el proceso para que el mismo personaje que esta fuera del contexto artístico viva

la experiencia de el mismo ser arte, de crear arte sin tener que ser artista.

Involucrar sentimientos, situaciones, emociones desde el público hacia la obra, le da

un plus, le da mayor fortaleza, a pesar de que quizás la obra sea destruida, como en la

mayoría de los ejemplos que observamos en el texto, el proceso de destrucción es mucho

más fuerte que el de la misma creación.

El asunto de la documentación también es parte importante dentro del performance,

los registros hacen que la obra quede para la posteridad y se entienda y se siga estudiando

durante los años próximos.

En lo personal, quizá lo que más ha marcado mi obra en relación con la cuestión

performativa, con la cual no he trabajado de manera formal, es la obra de artistas del

movimiento de accionismo vienés, sobre todo el trabajo de Nitsch, quien aborda la cuestión

de la mística y la religión católica desde perspectivas iconoclastas y provocadoras.

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El uso de la sangre en su obra y de simbología sagrada marco mucho de lo que sería

mi trabajo y mi tema.

Además de Nitsch, las acciones de Marina Abramovic, Gina Pane y Chris Burden

también han marcado mi ideología con la materia de la destrucción, la violencia y el morbo

como contexto crítico para mi obra.

La creación artística conlleva la experimentación y la prueba y el error dentro de lo mismo,

el “salto al vacío”, el no saber que va pasar cuando se realice tal o cual movimiento, el

asunto del misterio y de la intriga también forman parte de la realización, eso es también lo

interesante de crear, quizás uno como creador tenga una imagen y un proceso definido

dentro de su cabeza, pero la misma acción y el final serán otra cosa, hay que saber arriesgar

y caminar otros senderos para poder aprender y para llegar a formarse en este ámbito.

Sergio Arturo Velasco de Loera 01/12/15

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