xv festival de jazz de san javier - laverdad.es...
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XV FESTIVAL DE JAZZ DE SAN JAVIER 2012PROGRAMA
Viernes 6 Giovanni Mirabassi Trio Renegade Creation (Michael Landau, Robben Ford, Jimmy Haslip, Gary Novak)
Sábado 7 Tingvall Trio Jorge Salan e Invitados
Martes 10 Jethro Tull’s Ian Anderson “Thick As A Brick 1 & 2”
Miércoles 11 Frank Harrison Trio + Alyth McCormack John Hiatt
Viernes 13 Tom Harrell Quintet Dana Fuchs
Sábado 14 Dayna Kurtz Terri Lyne Carrington “The Mosaic Project”. Invitada especial: Dianne Reeves
Viernes 20 Ximo Tebar & IVAM Jazz Ensemble (featuring Roque Martínez) Keb’ Mo’
Sábado 21 Dorantes Cuarteto. Invitada especial: Esperanza Fernández Toquinho
Miércoles 25 Miles Smiles (Wallace Roney, Larry Coryell, Joey DeFrancesco, Rick Margitza, Omar Hakim y Darryll Jones)
Viernes 27 Luis Salinas Cuarteto Travellin’ Brothers Big Band
Sábado 28 José Luis Gutiérrez Quinteto. Invitada especial: Lucrecia Eliane Elias
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GIOVANNI MIRABASSI TRIO
Giovanni Mirabassi es un pianista italiano, nacido en Perugia y afincado en París. Autodidacta, aprendió escuchando a Bud Powell, Art Tatum y Oscar Peterson y ha estado muy influenciado por Enrico Pieranunzi. A los 17 años, después de varias experiencias musicales de enorme importancia (tocó con Chet Baker en 1987 y con Steve Grossman en 1988), marchó a Pa-rís en 1992.
En 1996, sacó a la luz su primer álbum con Pierre-Stéphane Michel al contrabajo y Flavio Boltro a la trompeta, que obutvo el “grand prix” al Mejor Solista en el Concurso Internacional de Jazz de Avignon, presidido por Daniel Humair.
En 2001, Giovanni Mirabassi editó su primer álbum como solista, Avanti!, una colección de canciones sobre la Revolución, que había madurado durante varios años. Este disco fue un hito importante en su carrera (Django d’Or al Mejor Joven Talento). Mirabassi comenzó a hacer giras de forma regular, en formación de trío o a piano solo. En los últimos años se ha convertido en un músico muy popular, especialmente en Japón.
A fines de 2005, grabó su nuevo CD, Prima o poi, con formación de trio y cuarteto, con el sello Minium. Un año después, grabó un nuevo album con standards de la “chanson” francesa, Cantopiano. Estos dos CDs, todavía buscados por el pco y valorados por los medios, lo colocaron en un lugar preminente dentro del jazz europeo. Durante un periodo de diez años ha producido una docena de CDs y DVDs (algunos de ellos con grabación de conciertos en Japón) y ha tocado por todo el mundo.
En 2008, grabó el CD Terra furiosa, en 2009 Out of Track y en 2010 el concierto Live @ The Blue Note, Tokyo. Recientemente ha sacado su último álbum ¡Adelante! (2001).
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RENEGADE CREATIONMichael Landau, Robben Ford, Jimmy Haslip y
Gary Novak
Michael LandauTo cover Michael Landau´s career takes a long time. He is one of the most used sessionplayers, he is a fantastic musician.
Musician and composer Michael Landau was born and raised in Los Angeles California. He grew up with the music of The Beatles, Jimi Hendrix, Led Zeppelin, Cream and The Band. His grandfather Ernani Bernardi arranged and played the alto sax and clarinet during the "swing era" with the Dorsey Brothers and Benny Goodman. Michael began playing the guitar at age 11. As a teenager he quickly became very interested in jazz and electric jazz music. Weather Report, Pat Martino and Jaco Pastorius were some of his early obsessions.
In the mid '70s Michael played in the L.A. dance clubs with an R&B band and toured the west coast with The Robben Ford Band, which included members of the Yellow Jackets, Jimmy Haslip and Russell Ferrante.
At age 19 he joined Boz Scaggs for a world tour and by the age of 20 he started to do session work with the help of Steve Lukather and Jeff Porcaro. Some session highlights over the coming years would include Pink Floyd, Miles Davis, Joni Mitchell, BB King, James Taylor, Seal, Ray Charles and Rod Stewart. There is a complete session discography at allmusic.com with over 500 records and soundtracks listed.
In 1984 Michael toured again and recorded with Joni Mitchell. This tour was called "The Refuge Of The Roads" with Vinnie Colaiuta, Larry Klein and Russell Ferrante.
In 1989 he released his first solo studio album "Tales from the Bulge", an instrumental record initially released in Japan and on "Creatchy" records in the states. Wayne Shorter, Steve Tavaglione, Vinnie Colaiuta, Carlos Vega, David Garfield and Jimmy Johnson were among some of the players on this release.
In 1990 he formed the blues-rock band Burning Water with his brother Teddy Landau, David Frazee and Carlos Vega. They put out 4 discs of original material and played in Japan and locally in L.A. It was also around this time that he started to record and tour with James Taylor.
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In 1993 he won the readers poll for "Best Studio Guitarist" in "Guitar Player Magazine".
In 1994 Michael formed The Raging Honkies, a spicy rowdy rock band with Teddy Landau and Abe Laboriel Jr. They released 2 discs and toured in Europe and the US.
In 2001 he released a double live album of original material and a studio album "The Star Spangled Banner" on his own label "Unconscious Records".
Michael has also produced and or mixed some selected artists and side projects including: Scott Henderson, The Jazz Ministry, Stolen Fish and Freak Juice.
He currently tours and performs with The Michael Landau Group, The Wreckers, Robben Ford, The Jazz Ministry, Stolen Fish, Hazey Jane and James Taylor.
His most recent project, a double live album will be released on "Tone Center" records in the states, "Mascot Records" in Europe, and "Vega Music" in Japan.
Words from Jazz Network
Robben FordRobben Ford (nacido el 16 de diciembre de 1951) es un guitarrista de blues, jazz y rock.
Nació en Woodlake, California y creció en Ukiah. Comenzó a tomar clases de guitarra a los 13 años en 1965, comprando su primera guitarra con 19 años en 1969. Charles Ford, su padre, tenía su propia banda de blues, Charles Ford Blues Band en la que figuraban como músicos Robben y sus hermanos.
La fama mundial como guitarrista le llegó en 1986, año en el que figuro como guitarrista en el staff de la gira de Miles Davis, por fusionar de manera genial jazz y blues de un modo innovador. Robben Ford también ha tocado en directo y colaborado en albums con Jimmy Witherspoon, George Harrison, Joni Mitchell con Tom Scott´s L.A. Express, y los Yellowjackets.
Ford compuso su primer álbum en solitario en 1972, titulado Discovering the Blues. A este último le sucedieron Schizophonic (1976) y su mejor álbum The Inside Story (1979) el cual fue disco de oro en 1980.
Tras un periodo de cuatro años sin ningún nuevo release, en 1983 editó Words and Music, al que siguió su álbum homónimo Robben Ford en 1986.
En al año 1988 compuso Talk to Your Daughter, que también fue disco de oro 1989. Su mejor trabajo de los noventa incluye los discos Handful of Blues, Blues Connotation y Tiger Walk los cuales constituyen un regreso a sus raíces bluseras.
Jimmy Haslip
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Jimmy Haslip es un bajista estadounidense de jazz y jazz fusión.
Nacido en el Bronx de Nueva York, creció en un entorno musical. De niño aprendió a tocar la percusión, e inició pronto sus estudios musicales, empezando con la trompeta. Con 15 años, probó por primera vez un bajo eléctrico, instrumento del que se declara prácticamente autodidacta, aunque recibió clases del legendario Jaco Pastorius, lo que supuso un paso de gigante en su carrera. En 1977, junto a Robben Ford, Russell Ferrante y Ricky Lawson, forma The Robben Ford Group, banda que más tarde sería rebautizada como The Yellowyackets.
Una de las particulridades técnicas de Haslip es que, a pesar de ser zurdo, no cambia la posición de las cuerdas de sus instrumentos, por lo que su técnica de ejecución resulta radicalmente alejada de la técnica estándar. Aun así, Haslip es uno de los grandes especialistas del bajo fretless, en el que ejecuta frecuentes y complicados solos, pero despliega su virtuosismo también en el bajo acústico, el contrabajo eléctrico y en el bajo eléctrico. Su asombroso dominio técnico le sitúa entre los principales exponentes del instrumento dentro del complejo género del jazz fusión, y le ha valido 2 premios Grammy y 11 nominaciones.
Jimmy Haslip ha colaborado, entre otros artistas con David Sanborn, Rod Stewart, Joe Cocker, Chaka Khan, Eric Marienthal, Al Jarreau, John Scofield, Crosby, Stills & Nash, Bo Diddley, Dori Caymmi, Ivan Lins, Airto Moreira, Larry Carlton, Booker T. Jones, Kiss, Tommy Bolin, Milton Nascimento, Roy Ayers, Lee Ritenour, Walter Becker, Randy Crawford, Diane Reeves, Bonnie Raitt, Pat Metheny, Branford Marsalis, Blackjack, Michael Bolton, Kenny G, Randy Brecker, Bob James, Vinnie Colaiuta, Nana Vasconcelos, Diana Ross, Toots Thielmanns, Harvey Mason, Paulinho Da Costa, Alex Acuña, Peter Erskine, Dennis Chambers, Joe Sample, David Benoit, Ron Wood, The Rippingtons, Robben Ford, Joshua Redman, Michael McDonald, Phil Perry, Andy Summers, Bela Fleck, Bobby McFerrin, Take 6, Anita Baker, Donald Fagen, Kenny Garrett, Chuck Loeb, Kurt Elling, Terri Lynn Carrington, Patrice Rushen, o George Harrison.
Gary NovakBorn and raised in Chicago, Gary Novak was practically born with drum sticks in hand. Coming from parents of great musical talent, it is no wonder that Gary began playing the piano at the tender age of 8. While most musicians find their musical inspiration outside the home, Novak's influence came from his parents. His mother, Carol Novak, also a pianist, played with her trio at the London House. His father, Larry Novak, the famous Chicago pianist, not only encouraged the career of his son but also put him to work. From the age of 10 to 12, Novak would work with his father's trio in all the Chicago clubs, including Mr.
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Kelly's, gaining the insight and experience that would lead to several musical milestones obtained at a very young age.
During high school, Novak worked with the jazz clarinet master Buddy Defranco as well as such notables as Joe Williams, Milt Hinton, Kenny Burrell, Barney Kessel and the great Louis Bellson. Novak's blossoming reputation lead to the opportunity to represent Yamaha drums and Zildjian cymbal through endorsements at the age of 17.
At 19 years old, Novak moved to Los Angeles - an important step forward
for Novak bringing many opportunities most could only dream of getting. Not only did Los Angeles bring him his first road job with Maynard Ferguson, but it marked a year of great exposure. Novak would come to work with Brandon Fields and record on his latest LP. He worked with such musical greats as Michael McDonald, Natalie Cole, David Sanborn and Anita Baker.
He teamed up with guitarist Lee Ritenour who employed him for his solo tour and the GRP All-Star tour in 1991.
Novak continued to tour throughout ’92, this time with George Benson. Although he had been working for the greater part of his life, he was not about to slow down. At 28, he joined Chick Corea’s newest band. After leaving it, he toured with other great musicians, such as Bob Berg and Allan Holdsworth. In 1998 he joined Canadian pop star Alanis Morissette’s band, recording and touring with her for over a year.
One must wonder what will be left for Gary Novak to do, having accomplished so much in such a short time....
Gear: In 2008 Gary switched from DW to YAMAHA...
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TINGVALL TRIO
Este magníficio trío, fundado en Hamburgo en 2003, está compuesto por tres músicos de nacionalidades distintas: el pianista sueco Martin Tingvall, el contrabajista cubano Omar Rodríguez Calvo y el baterista alemán Jürgen Spiegel.
En su estilo predominan las influencias del folk nórdico aplicadas a un nuevo concepto de jazz, dos estilos musicales que a primera vista pueden parecer distantes y que mezclan con extraordinario talento y originalidad, concibiendo los temas sobre la base de un sonido homogéneo, cálido y sin fisuras. En varias ocasiones en sus interpretaciones ese concepto de jazz nórdico se funde con otros estilos más cercanos al sur de Europa.
El fundador de la banda, Martin Tingvall, es un gran pianista y compositor en la estela de pianistas nórdicos como Niels Lan Doky o Esbjorn Svensson. A él pertenecen todos los temas del trío y es él quien marca la línea más lírica y melódica en la formación.
Son artistas que han avanzado a una categoría superior en su género muy poco tiempo Con su primer álbum Skagerrak, (2006), mientras que los medios de comunicación seguían delirando acerca de la calidad constante en todo el CD, "... impresionante, principal testimonio de la musicalidad", la realización ya estaba cristalizando entre los aficionados, radio y prensa escrita, que el sonido inconfundible del grupo se había vuelto aún más homogéneo con su álbum sucesor: Norr (2007) (un merecido "CD de Jazz de la semana" en las 5 cadenas públicas en Alemania).
Además de exitosos conciertos en Alemania, el trío ha conseguido ganar numerosos seguidores en los países escandinavos, Austria, Polonia, España, Italia y los países del Benelux. En Japón, el número de copias de vinilo para audiofilos fue sorprendente y refleja la popularidad de los músicos. Tingvall Trío se ha convertido en uno de los principales tríos de piano en Europa, en la onda de Esbjörn Svensson Trío. Sin embargo, a diferencia del trio sueco, que utilizaban sonido electrónico y efectos, Tingvall Trío son puramente acústicos.
En el año 2009 publicaron su CD Vattensaga, donde madura el sonido de la banda. Este trabajo está basado en cuentos que giran alrededor del agua, el elemento básico más importante (el compositor Martín Tingvall vive parte del año en el sur de Suecia, muy cerca de los lagos y el mar) y parte de las ganancias de las ventas de CD se va a Viva Con Agua, una organización que financia purificación de pozos de agua potable en todo el mundo.
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En el año 2011 han editado su nuevo álbum titulado Vägen, con el que han conseguido estar en el TopTen de las listas alemanas de música de Jazz.
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JORGE SALAN E INVITADOS
Jorge nació en Madrid en abril de 1982 y desde siempre tuvo en su mente la música. Con 8 años tuvo su primera guitarra y, con ocho años, inicia sus estudios de solfeo y guitarra clásica. Influenciado por la película Cruce de Caminos de Walter Hill, donde descubre a Ry Cooder y Steve Vai, cambia sus estudios de música clásica por los de guitarra eléctrica. Con 17 años, el Berklee College of Music le concede una beca de 4 años para estudiar en EEUU.
Pasa un año en Boston, rodeado de esa diversidad musical y cultural tan característica de Berklee, y compone algunos de los temas que recoge su primer álbum. Uno de ellos “Driving through the tunnel” es elegido por Mariano Muniesa como sintonía de su programa “Rock Star” de la cadena 40 principales.
Su primer disco, The Utopian Sea of Clouds (2002) es el resultado de todos estos años de trabajo y dedicación a la música, que Muniesa definió en una sola frase: “Con apenas veinte años, Jorge Salán, se ha revelado como el músico más innovador, hábil y original de la nueva escena del Rock español con su álbum debut. Un trabajo llamado a ser un clásico que creará escuela, que inspira con la magia propia de los grandes, de los verdaderamente grandes, toda su música”. Este disco le supuso el reconocimiento de la crítica musical y del público, como mejor guitarrista de Rock y HardRock de este país. Con su segundo álbum From Now On (2004), contnúan los elogios a sus composiciones y la frescura de sus temas, sorprendiendo a los más incrédulos y exigentes con un sonido espectacular y un estilo inclasificable, por la diversidad de raíces y culturas musicales que contiene. Por no hablar de sus directos, donde siempre deja un delicioso sabor de boca a todos aquellos que han podido disfrutarlos. En 2005 entra a formar parte de una de las bandas españolas con más éxito del momento, Mago de Oz, permaneciendo en el grupo durante cuatro años.
En 2007 presenta su tercer disco en solitario Chronicles of an Evolution, con colaboraciones de algunos de los músicos mas reputados de la escena mundial del Rock, como Bob Daisley (Gary Moore, Ozzy Osbourne, Rainbow), Jeff Scott Soto (Talismán, Journey, Yngwie Malmsteen), Danny Vaughn (Tyketto, Waysted) o Carlos Escobedo (Savia, Sober).
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Jorge participó, como invitado, en la grabación del directo en DVD del grupo aragonés Tako en Zaragoza. Igualmente, en Vigo, fue invitado por el guitarrista Javier Vargas a tocar con su grupo. El concierto fue grabado en DVD y también contó, como artistas invitados, con Raimundo Amador y Devon Allman, entre otros. En 2009 se pone a la venta su cuarto disco de estudio titulado Subsuelo en el que participan como músicos invitados: Miguel Rios, la figura más carismática de la música rock de nuestro país y por el que Jorge siente una profunda admiración desde pequeño, Danny Vaughn (Tyketto), que vuelve a unirse de nuevo a este proyecto de Jorge y Ramón Arroyo (Los Secretos), que ha grabado su inconfundible sonido de guitarra en una de las canciones. El tema “Subsuelo” lo incluyó Miguel Ríos en su disco Solo o en compañía de otros, del año 2008. De esta canción, Miguel comentó: “Subsuelo, la canción de Jorge Salán, me recordaba, vagamente, una época en la que estuve cercano al heavy, cuando hacía canciones con Salvador, antes de que naciera Jorge. Incluso el texto, en el que colaboro, tiene ese ambiente. Él es uno de los jóvenes creadores con más futuro del momento.” Jorge ha compartido con Miguel Ríos momentos inolvidables, como su participación en el concierto de Gredos “Músicos en la Naturaleza”, rodeado de artistas que sienten por Miguel Ríos la misma admiración que él. Además de sus conciertos en España, Jorge gira por toda Europa y Sudamérica como guitarrista de Jeff Scott Soto, y graba su primer directo en la Sala Heineken de Madrid, en un concierto doble, donde Jeff también fijaría su actuación, para su posterior edición en DVD.
En 2010 lanza su quinto álbum, titulado Estatuas en la Calle y publicado en un mismo pack con el DVD Directo al Subsuelo. En este disco, Jorge se decide a cantar por primera vez en castellano, versionando canciones de sus cuatro discos anteriores, y contando con colaboraciones de lujo, como Patricia Tapia y Carlos Escobedo, y añadiendo un nuevo título para la ocasión “Mar de la adicción”. El DVD contiene la grabación de su directo en Madrid, con la participación de Miguel Ríos, Javier Vargas y Jeff Scott Soto.
Días antes de este lanzamiento, se pone en marcha el “Live Guitar Night”, un espectáculo de alta calidad, que reúne a Jorge Salán y Javier Vargas, Vargas Blues Band, en un directo único para los amantes del Rock y del Blues y cuyo primer concierto en Madrid se convirtió en un éxito total.
Y es que Jorge no se limita en absoluto a ser un maestro en su instrumento. Es, además, un compositor con una frescura casi olvidada en estos tiempos, un innovador nato, que da a sus creaciones la pincelada adecuada que hace que escuchar cada una de sus canciones sea algo absolutamente nuevo y sorprendente a la vez.
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JETHRO TULL’S IAN ANDERSON “THICK AS A BRICK 1 & 2”
Jethro Tull es el nombre de una original banda de rock progresivo escocesa, que comenzó su andadura en 1968 y que, desde entonces, ha trabajado de forma ininterrumpida hasta el día de hoy siendo, tras Rolling Stones (1962) y Le Orme (1966), entre otros, uno de los grupos de rock más antiguos todavía activo.
El nombre de la banda, extraño como suena, tiene un origen no menos particular. Su agente revisó libros de historia y llegó con el nombre de Jethro Tull, un agricultor inglés que había inventado un sistema revolucionario para la siembra.
Desde sus inicios, ha sido liderada por el virtuoso flautista Ian Anderson. La banda logró mucha popularidad en la primera mitad de los años setenta con álbumes históricos como Thick As A Brick y Aqualung, y llegó a convertirse en un grupo de culto.
Su primera formación estuvo integrada por Ian Anderson (voz, flauta y guitarra acústica), Glenn Cornick (bajo), Clive Bunker (batería) y Mick Abrahams (guitarra eléctrica). Su álbum de debut fue This Was. Al poco tiempo, Mick Abrahams se separó del grupo y fue sustituido por Martin Lancelot Barre, que forma parte del grupo desde entonces.
Su música, encuadrada en el rock progresivo, constituye una mezcla muy original de blues, folk inglés y hard rock, con pinceladas de música barroca, música medieval inglesa e incluso renacentista. El grupo desarrolla además una vertiente dedicada a originales canciones acústicas de difícil clasificación. En su sonido, destaca de forma particular la flauta de Ian Anderson, tocada de una forma magistral, que ha sido y sigue constituyendo una de las inconfundibles características de la banda, así como el sonido desgarrado de la guitarra eléctrica de Martin Barre, finamente entrelazado con el de la flauta de Anderson.
Durante algunos años, el grupo incluyó dos teclistas conjuntamente, con lo que obtuvo un sonido de particular colorido: los geniales John Evan y David Palmer. Este último realizaba
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además los arreglos orquestales. La formación también ha utilizado una gran variedad de instrumentos, barrocamente combinados, en su mayoría tocados por el propio Ian Anderson, como el laúd, la mandolina, la balalaica, el saxofón, la armónica, la gaita, el acordeón y diversas clases de flautas. Salvo contadas excepciones, todas los temas interpretados por el grupo han sido compuestos por Ian Anderson, auténtico líder y factótum del grupo. Anderson es un personaje camaleónico, tanto en su aspecto como en su capacidad para reinventar continuamente su propia música, lo cual ha permitido a Jethro Tull mantenerse joven a pesar de los años. El grupo ha pasado por diversas formaciones y estilos.
http://www.lastfm.es/music/Jethro+Tull/+wiki
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Ian Anderson, known throughout the world of rock music as the flute and voice behind the legendary Jethro Tull, celebrates his 44th year as an international recording and performing musician in 2012.
Ian was born in 1947 in Dunfermline, Fife, Scotland. After attending primary school in Edinburgh, his family relocated to Blackpool in the north of England in 1959. Following a traditional Grammar school education, he moved on to Art college to study fine art before deciding on an attempt at a musical career.
Tull formed in 1968 out of the amalgamation of the John Evan Band and McGregor's Engine, two blues-based local UK groups.
After a lengthy career, Ian Anderson and Jethro Tull have released 30 studio and live albums, selling more than 60 million copies since the band first performed at London's famous Marquee Club in February 1968.
After undertaking more than 3000 concerts in 40 countries throughout four decades, he has typically played 100-plus concerts each year to longstanding, as well as new fans worldwide. Widely recognized as the man who introduced the flute to rock music, Ian Anderson remains the crowned exponent of the popular and rock genres of flute playing. So far, no real pretender to the throne has stepped forward. Ian also plays ethnic flutes and whistles together with acoustic guitar and the mandolin family of instruments, providing the acoustic textures which has been an integral part of most of the Tull repertoire.
Anderson has so far recorded four diverse solo albums in his career: 1983's "Walk Into Light", the flute instrumental "Divinities" album for EMI's Classical Music Division in 1995 which reached number one in the relevant Billboard chart, and the more recently recorded acoustic collections of songs, "The Secret Language of Birds", and “Rupi’s Dance”. New recordings are scheduled for release in 2012 and 2013.
In recent years, he has toured more and more under his own name in solo concerts with orchestras, string quartets, featured soloists and in his other eclectic acoustic shows. Most of the concerts scheduled for 2012 and 2013 will feature the Thick As A Brick sequel, TAAB2 – Whatever Happened To Gerald Bostock? as well as the original Thick As A Brick
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album, both performed in their entirety live or, on some shows, various other repertoire staples and favourites.
Anderson lives on a farm in the southwest of England where he has a recording and rehearsal studio and offices. He has been married for 36 years to Shona who is also an active director of their music and other companies. They have two children - James and Gael – and two grandchildren. Gael is married to actor Andrew Lincoln, currently shooting more episodes of the hugely-acclaimed zombie thriller, The Walking Dead, for TV broadcast in 2012 and 2013.
His hobbies include the growing of many varieties of hot chile peppers, the study and conservation of the 26 species of small wildcats of the world and the appreciation of mechanical watches, fountain pens and vintage cameras. He reluctantly admits to owning digital cameras and scanners for his work on the photographic promotional images related to Tull as well as his solo career.
In 2006, he was awarded a Doctorate in Literature from Heriot Watt University in Edinburgh, the Ivor Award for International Achievement in Music and, in the New Years Honours List 2008, an MBE for services to music. In 2011, he received another Doctorate in Literature from Dundee University.
Ian owns no fast car, never having taken a driving test, and has a wardrobe of singularly uninspiring and drab leisurewear. He still keeps a couple of off-road competition motorcycles, a few sporting guns and a saxophone which he promises never to play again.
He declares a lifelong commitment to music as a profession, being far too young to hang up his hat or his flute, although the tights and codpiece have long since been consigned to some forgotten bottom drawer.
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FRANK HARRISON TRIO con Alyth McCormack
Frank Harrison took up the piano at 11, and began playing gigs when he was 15. After taking up a scholarship at Berklee School Of Music, Boston, he returned to the UK and joined Gilad Atzmon’s band. In 2000 they started the Orient House Ensemble, with whom Frank has recorded seven albums, including BBC Jazz Album Of The Year 2003, Exile. The band regularly tours Europe, playing at major Jazz and World music festivals. Frank has also performed with Peter King, Julian Arguelles, Julian Siegel, Don Weller, Alan Barnes, John Etheridge, Louis Stewart and Iain Ballamy.
In 2006 Frank formed a trio with drummer Stephen Keogh and bassist Aidan O’Donnell. Their debut album, First Light, launched to critical acclaim and they have since toured regularly in Europe and the Far East, as well as collaborating with special guests such as Louis Stewart and Tina May. Frank's new trio features Davide Petrocca on bass and Stephen Keogh on drums.
“Frank Harrison is one of the most talented young musicians I have heard” Ronnie Scott
“His talent shines among his peers” Julian Joseph
Alyth McCormackBetter known as Alyth (born c. 1970) is a Scottish singer and actress. She was brought up on the Isle of Lewis in the Scottish Outer Hebrides.
As a young child in the 1970s, Alyth was immersed in the culture of Hebridean Scotland. She went on to study classical singing and drama at the RSAMD in Glasgow. Since then, she has worked on a string of collaborations, with folk, jazz, classical and indie musicians.
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During this time she recorded with various artists, appearing on over 16 albums between then and 2007, and in 2000 released her début solo album 'An Iomall' (Scottish Gaelic: The Edge) on Vertical records.
In 2004, she began touring with On Eagles' Wings, and toured again in 2007. Throughout 2007 and 2008, she performed worldwide with The Chieftains, appearing at venues such Boston Symphony Hall and Carnegie Hall. She toured with Moving Hearts during their UK Tour in 2008, and appeared at the Liverpool Philharmonic.
Alyth performed a concert for Sanctuary alongside Moya Brennan and Nóirín Ní Riain. She is a member of The Island Tapes, Shine and other bands. In 2009, Alyth released her second solo album, People Like Me, which featured members of the Scottish band Lau.
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JOHN HIATT
“Dirty jeans and mudslide hymns”, John Hiatt. El hombre tranquilo del rockKepa Arbizu / Tercera Información / 03-09-2011
Quizás el mejor camino para llegar a tener una carrera profesional dentro de la música longeva y respetada por todos (tanto desde de la industria como por parte de los seguidores) sea avanzar a pasos cortos, seguros, sin altibajos y alejado de los focos mediáticos. O tal vez este sea sólo el consuelo para aquellos que no logran triunfar, en el sentido cuantitativo de la palabra. Sea como sea, John Hiatt, aparezca o no en las portadas de gran tirada, es uno de los hombres claves dentro del rock de los últimos años.
El norteamericano lleva nada más y nada menos que casi 40 años dedicándose a sacar estupendos discos y a consagrarse como referente de un tipo de música, y también de actitud, que en nada tiene que envidiar a la de nombres, por otra lado de indudable calidad, como Tom Petty o Bruce Springsteen.
De extensísima discografía, abarca desde mediados de los setenta hasta la actualidad, sobresale entre las creaciones de John Hiatt el magistral y esencial Bring the family (1987), un disco de puro sonido de raíces de asombrosa perfección en todos los registros que abarca, gracias en buena medida también a la banda de la que se rodeó, formada entre otros por Ry Cooder o Nick Lowe.
Dirty jeans and mudslide hymns, su nuevo álbum, es otra pieza más dentro de lo que se podría llamar esta última etapa del músico norteamericano. Aquella que se inició con Master of disaster (en esa ocasión flanqueado por los North Mississippi Allstars) y en la que
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realiza un rock americano sobrio, contenido y de alto calado emocional. En esta ocasión, y junto a su banda habitual de los últimos años (Doug Lanco, Patrick O’ Hearn y Kenneth Blevins), ha contado para las labores de producción con Kevin Sherley (Joe Bonamassa, Black Crowes, Aerosmith o Led Zeppelín) que ha supuesto implementar el tono dramático a sus composiciones, cosa que dicho de paso les viene a las mil maravillas.
“Damn this town”, encargada de abrir disco y en la que narra todo un catálogo de desgracias, es una auténtica joya que sirve también como una demostración de músculo. Estamos ante un sonido denso pero compactado con tremenda fuerza, a lo que ayuda su tono de voz profundo y crudo, que le emparienta con Bob Dylan o el Graham Parker actual. “I love that girl” es otra muestra de contundencia instrumental, aunque esta vez con un ritmo más alegre en la que el country-rock se encuentra con momentos pop y que podría ser firmada por cualquier potente banda del llamado alt-country.
Una parte importante del grueso de esta álbum lo forman canciones lentas o medios tiempos. Es el caso de “Till get my lovin back” o “Don’t wanna leave you now”, con un aire country, mención especial para la pedal steel de Russ Pahl, aderezado con leves gotas de soul. “Hold on for your love” y “Down around my place”, enfocadas desde un punto de vista mucho más rockero y con una épica maravillosamente conseguida principalmente por el potente sonido de las guitarras, protagonistas en ambas composiciones.
Además de todo esto, y recordando que estamos ante un compositor que siempre se ha movido por todos los palos de lo que se entiende por música de raíces, hay momentos también para el country nostálgico de “Adios california”, el rock and roll mestizo, al estilo de Delbert McClinton, de “Detroit made”, el blues rock sosegado de “Train to Birmingham” o “All the way under”con su pura esencia a Nueva Orleans.
John Hiatt, al igual que otros veteranos con no demasiada repercusión como Buddy Miller o Guy Clark, demuestra su fuerza y su talento a cada paso que da en forma de discos de una asombrosa perfección y en la que la música tradicional americana la representa con iguales dosis de sensibilidad, fuerza y épica, decorado todo ello con la imaginería habitual de este tipo de estilos y donde los dramas, las largas carreteras o el desamor, construyen un mapa crudo y real que supera con mucho cualquier interpretación localista para llegar hasta la esencia del ser humano.
http://www.tercerainformacion.es/spip.php?article28274
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TOM HARRELL QUINTET
Thomas Harrell (Urbana, Illinois, 16 de junio de 1946) es un trompetista, fliscornista y compositor estadounidense de jazz.
Su infancia transcurre en California, donde empieza a tocar la trompeta con sólo nueve años. tras sucesivas crisis nerviosas, se diagnostica como esquizofrénico en 1967, y desde entonces, permanece en continuo tratamiento. A comienzos de los años 1970, trabajará en la big band de Woody Herman y en los grupos de Horace Silver, Arnie Lawrence y Chuck Israels, además de convertirse en un reputado músico de sesión, colaborando con Lee Konitz, Sam Jones, Bill Evans, George Russell y otros. También formó parte de la sección de viento de bandas de jazz rock, como Malo, donde coincidió con los también trompetistas Forrest Butchel y Luis Gasca. En 1983, se incorpora al cuarteto de Phil Woods, con quien permanecerá hasta 1988.
Desde 1989, Harrell dirige sus propias formaciones como líder, especialmente el quinteto que mantiene entre 1996 y 2003, registrando un buen número de álbumes para RCA / BMG. Ha compuesto además un gran número de temas para otros músicos y realizado arreglos para bandas y artistas reconocidos. Su obra compositora se ha publicado en diversos libros, por Hal Leonard. Jamey Aebersold, Sher Music, y "Gerard and Sarzin". También ha grabado con Charlie Haden y Joe Lovano.
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DANA FUCHS
Dana Fuchs is a phenomenon, a singer whose mesmerizing voice and presence has led critics to compare her to Rock Legends from Janis to Jagger. Dana’s portrayal of “Sadie” in Sony Pictures’ highly acclaimed film Across the Universe has exposed her considerable talents to a wider, international audience.
Dana and her band spent time in 2010 successfully harnessing the energy & power of her live show in the studio for their new album, Love To Beg (Ruf Records), released April 2011. “I’m really excited about the new material and the energy we captured in the studio,” says Dana. “Jon and I wrote most of the tunes while touring for pretty much the past year and we feel this new album really captures all of our influences in a sincere and powerful way.”
Since then, Dana has been touring the globe non-stop bringing her high energy “Rock & Roll Church of Love” to audiences far and wide. Love To Beg is a combination of Rock, Soul, Gospel and Blues that captures the visceral energy she brings to the stage every night. “Honestly, we recorded this collection of songs for ourselves and our fans,” says Dana. “We weren’t thinking about having a 3-minute song with ‘hooks’ or worrying about the often dark nature of the lyrics. We just trusted our own musical instincts and let it rip. I can’t wait for the world to hear the new CD and I can’t wait to bring it to life onstage.”
But Dana has been honing her craft and creating vibrant music from an early age...
The youngest of six musical children, Dana was raised in a small town in rural Florida surrounded by music –her older siblings’ band playing classic rock in the garage, Ray Charles and Hank Williams on her parents’ turntable and a big dose of 70’s and 80’s funk at
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school. At age 12, she joined the First Baptist Gospel Choir and was singing, shouting and praising the lord every week in a small black church on the outskirts of town. “The best advice I ever got was from a matronly African American woman who told me to just let ‘Mama Music’ take over. I felt inspired, liberated and scared!”
At 16, she was fronting a popular local band at a roadside Holiday Inn. It was the beginning of a hunger for singing and the stage that Wildwood, Florida couldn’t possibly satiate. Soon she was headed north, telling friends and family she was “going to New York to sing the blues”.
Arriving in NYC alone and broke at the age of 19, Dana soon found herself down-and-out on Manhattan’s Lower East Side. After the wake-up call of her older sister’s suicide (Donna was Dana’s first musical mentor), Dana pulled herself together and was determined to reconnect with her passion for music. She began hitting the local blues jams with a vengeance and it was at one of these sessions that she met Jon Diamond, an established NYC guitarist who toured with Joan Osborne and Debbie Davies.
Immediately recognizing a musical chemistry, they formed the Dana Fuchs Band. Within a year, the band was a feature act in New York City’s best clubs, often sharing the stage and performing with the likes of John Popper, James Cotton, and Taj Mahal. For another year Dana immersed herself in the blues, playing three long sets a night, four nights a week – until sunrise – honing her formidable vocal power and performance style, all the while building a large, loyal following.
After a couple of years working the blues circuit, Dana knew it was time for a change and decided to tell her own story and create her own music. She and Jon began writing intensively and putting together a solid body of original rock songs. “I didn’t grow up on Tobacco Road, so my personal ‘blues’ had a different story and I needed to tell it. I also needed to explore and express my rock and roll side more.”
Soon Dana was back on the Lower East Side again, only this time on stage with the band, debuting her songs to a packed house at Arlene’s Grocery. The fan response was overwhelming. The band was soon selling out shows at The Mercury Lounge, The Stephen Talkhouse and BB King’s, sharing the bill with luminaries including Little Feat, Marianne Faithfull, and Etta James to name just a few.
Shortly thereafter, the producers of the off-Broadway hit “Love, Janis” hearing raves about Dana from various cast and crew-members, asked her to come in for an audition. Dana went in, sang a few bars of “Piece of My Heart,” and was offered the role of Janis Joplin on the spot. “I had 8 days to learn 20 Joplin tunes and 52 pages of dialogue. One of the most exciting challenges of my life!” Playing Janis four nights a week garnered Dana a whole new audience who were soon regulars at her band’s shows listening to Dana performing her own music.
The Dana Fuchs Band has released several acclaimed albums, from their studio debut Lonely for a Lifetime to their 2008 internationally distributed Live in NYC CD and DVD. According to Dana, “Live performance is the way I get to truly spill my soul and connect with an audience. I love being in the studio but in live performance every second is a new creation.”
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Perhaps Stereophile Magazine said it best: “Imagine a sultry, more emotive Janis Joplin, backed by a higher energy version of the late 60s Rolling Stones... Rock n’ Roll doesn’t get any better.”
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DAYNA KURTZ
Dayna Kurtz is the kind of artist who inspires wild-eyed zealotry among her fans, and there are three reasons for it: One, she's an artist's artist, one whose whiskeyed, determined alto often earns her comparisons with Nina Simone; two, while Europeans adore her, she's obscenely underappreciated in her own country; and three, her songs, which straddle a difficult space between jazz, rock, and folk, are pure poetry. Another Black Feather, her third full-length, merits still more whipping up of the faithful. Each of these 11 tracks arrives swathed in soul-derived, deeply held meaning, and each follows lyrical twists that deliver a listener to places in her own heart she might not have had occasion to visit otherwise. There is sadness ("It's the Day of Atonement, 2001"), regret ("Venezuela," "Nola"), and tenderness ("All Over Again"), but most of all there is beauty; a common thread. Kurtz chooses her backing players as carefully as her words, and here they display an audible knowingness of her character -- when her mood shifts, they match it with idiosyncratic mastery. Another Black Feather owes its artist instant stardom. If that's unattainable, it should at least earn her the one descriptor all serious artists strive for: important.
Tammy La Gorce
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TERRI LYNE CARRINGTON “THE MOSAIC PROJECT”Invitada especial: Dianne Reeves
Drummer, composer, producer and clinician, Terri Lyne Carrington, was born in 1965 in Medford, Massachusetts. After an extensive touring career of over 20 years with luminaries like Herbie Hancock, Wayne Shorter, Al Jarreau, Stan Getz, David Sanborn, Joe Sample, Cassandra Wilson, Clark Terry, Dianne Reeves and more, she recently returned to her hometown where she was appointed professor at her alma mater, Berklee College of Music. Terri Lyne also received an honorary doctorate from Berklee College of Music in 2003.
After studying under full scholarship at Berklee, with the encouragement of her mentor, Jack DeJohnette, Terri Lyne moved to New York in 1983. For 5 years she was a much in-
demand musician, working with James Moody, Lester Bowie, Pharoah Sanders, and others. In the late '80s she relocated to Los Angeles, where she gained recognition on late night TV as the house drummer for the Arsenio Hall Show, then again in the late '90s as the drummer on the Quincy Jones late night TV show, VIBE, hosted by Sinbad.
In 1989, Ms. Carrington released a GRAMMY® nominated debut CD entitled Real Life Story, which featured Carlos Santana, Grover Washington Jr., Dianne Reeves, Wayne Shorter, Patrice Rushen, Gerald Albright, John Scofield, Robert Irving III, Greg Osby, Don Alias and Hiram Bullock. Other solo CDs include 2002's Jazz is a Spirit, which features Herbie Hancock, Gary Thomas, Wallace Roney, Terence Blanchard, Kevin Eubanks, and Bob Hurst, and 2004's Structure, a cooperative group which features Adam Rogers, Jimmy Haslip and Greg Osby. Both CDs were released on the Europe-based ACT Music label, and enjoyed considerable media attention and critical acclaim in the European and Japanese markets.
Her production and songwriting collaborations with artists such as Gino Vannelli, Peabo Bryson, Dianne Reeves, Siedah Garrett, Marilyn Scott have produced notable works as well, including a special song commissioned by the Atlanta Committee for the 1996 Olympic Games, "Always Reach for Your Dreams," (featuring Peabo Bryson), and her production of the Dianne Reeves GRAMMY®-nominated CD, That Day, which hovered at the top of the music charts for many months.
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Terri Lyne has played on many recordings throughout the '80s and '90s thru today. Notable examples of her work include Herbie Hancock's GRAMMY® Award winning CD Gershwin's World, where she played alongside Joni Mitchell and Stevie Wonder. She has toured with each of Mr. Hancock's musical configurations (from electric to acoustic) over the last 10 years and is featured on his Future2Future DVD.
After a hiatus from the U.S. recording scene as a solo recording artist, Terri Lyne returned in 2008 with More To Say... (Real Life Story: NextGen). She performs with friends and colleagues with whom she has been working with in her 20-year-plus career. Joining Carrington on More to Say is an impressive all-star cast of jazz and contemporary jazz instrumentalists, including George Duke, Everette Harp, Kirk Whalum, Jimmy Haslip, Greg Phillingaines, Gregoire Maret, Christian McBride, Danilo Perez, Patrice Rushen, Robert Irving III (who also serves as co-producer), Chuck Loeb, Tineke Postma, Ray Fuller, Dwight Sills, Anthony Wilson, Les McCann and a special appearance by her dad, Sonny Carrington, on tenor. In addition, Terri Lyne collaborates with esteemed vocalist Nancy Wilson for the song, "Imagine This."
In July 2011, Terry Lyne releases The Mosaic Project, her fifth recording overall and first on Concord Jazz. Her new album once again gathers a myriad of voices and crystallizes them into a multi-faceted whole that far outweighs the sum of its parts. She produced the 14-song set which features some of the most prominent female jazz artists of the last few decades: Esperanza Spalding, Dianne Reeves, Dee Dee Bridgewater, Sheila E., Nona Hendryx, Cassandra Wilson, Geri Allen and several others. Terri Lyne says the emergence of so many great female jazz artists is what finally makes an album like The Mosaic Project possible, more so now than in decades past.
Dianne ReevesDianne Reeves está considerada como una de las más importantes cantantes femeninas de jazz de nuestro tiempo.
Descubierta por el trompetista Clark Terry cuando todavía iba al colegio, Dianne comenzó a cantar en la banda de su escuela, y con ella recibió un premio durante la Citywide Big Band, una competición escolar celebrada en Denver. Aquél premio le sirvió para asistir a la conferencia de la National Association of Jazz Educators en Chicago. Terry la escuchó durante la conferencia y decidió ayudarla. Dianne Reeves ha cantado con el trompetista cuando aún estaba en la Universidad de Colorado. Inició su carrera en Los Ángeles en 1976.
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En California, Dianne Reeves descubre el trabajo en estudio, y se empapa de cultura musical. Graba con Lenny White, Stanley Turrentine, Alphonso Johnson y The Latin Ensemble.
Entre 1978 y 1980 conoce a Billy Childs y comienza una relación artística que durará diez años; con Childs, Dianne aborda el período de desarrollo musical más importante de su vida. Acompaña al grupo Night Flight en el conocido "circuito de las playas" americanas, dándose a conocer en todo el sur de California En 1981 trabaja con Sergio Mendes y con el compositor Phil Moore y comienza ya a recibir los primeros elogios de la crítica y las primeras muestras de reconocimiento del público. Al año siguiente, Dianne y Billy producen su primer álbum para el sello Palo Alto titulado: Welcome To My Love. En 1986 se instala en Nueva York y tras grabar su segundo álbum, Fore Every Heart, en el que se aprecia mucho la influencia de Harry Belafonte, regresa a la costa Oeste donde ambos deciden formar un trío con el que realizan una amplia gira por los Estados Unidos.
En 1987, Dianne Reeves interviene en el concierto Echoes of Ellington en Los Ángeles, en homenaje al gran compositor y pianista. Esa noche Bruce Lundvall, presidente de Blue Note Records, está entre el público y tras escucharla la invita a entrar en su discográfica, una decisión que reforzará definitivamente su carrera. Su primer álbum para el sello de la etiqueta azul, Dianne Reeves (1987) incluye un arreglo del tema de Ellington "Better Days", que se convierte en un enorme éxito. Tras el éxito de ésa primera grabación, Dianne inicia una gira por Estados Unidos y Asia que se prolonga hasta 1989. Sus grabaciones se suceden año tras año y su voz es muy apreciada por los entendidos y el público de jazz.
En 1991 graba I Remember para Blue Note y el disco permanece durante más de tres meses en la lista de jazz vocal más vendidos de los Estados Unidos. A ése enorme disco le siguen Art and Survival (EMI, 1994). Un nuevo álbum al año siguiente para Blue Note Quiet After The Storm fue nominado para el Grammy por la mejor interpretación vocal de Jazz. Ya subida en la cresta de la ola, graba un disco con los grandes del jazz entre los que se encuentran: Joe Williams, Clark Terry, Harry "Sweets" Edison, James Moody, Phil Woods, Toots Thielemans y Kenny Barron. The Grand Encounter constituyó un enorme éxito.
Dianne Reeves, sigue en la actualidad grabando discos para Blue Note y está afianzada como una de las voces más cualificadas en el mundo del jazz vocal contemporáneo y sus admiradores suelen disfrutar con enorme interés cada actuación, concierto o disco que saca al mercado.
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XIMO TEBAR & IVAM JAZZ ENSEMBLEFeaturing Roque Martínez
Ximo Tebar nace en Valencia (Spain) en 1963, comienza a tocar la guitarra los siete años y a los diecisiete decide dedicarse profesionalmente a la música. Desde entonces, ha realizado giras y grabaciones por España, Europa y América liderando su propio grupo o junto a prestigiosos solistas como: Johnny Griffinn, Benny Golson, Joe Lovano, Tom Harrell, Tete Montoliu, Anthony Jackson, Lou Bennett, Lou Donaldson, Louie Bellson, Joey DeFrancesco, Jan Ackerman, etc.
Ha participado en la mayoría de los mas importantes festivales de jazz del mundo
como: Vitoria-Gasteiz, San Sebastian Jazzaldia, North Sea, Montreux, Latin in Manhattan, Pori Jazz, Midem Cannes, Apolo Theater New York, Jazz at Lincoln Center NYC, Buenos Aires, Panama, Moscow, Leningrad, Jordania, Libano, EEUU, San Javier, Madrid, Barcelona, etc.
Ximo Tébar es el músico español que más premios a obtenido en los últimos años, de entre ellos, cabe destacar el premio al MEJOR SOLISTA de la Muestra Nacional de Jazz, otorgado por el Ministerio de Cultura, durante dos años consecutivos (1989-90).
En Diciembre de 2003 se traslada a Nueva York fijando su residencia en Manhattan y comienza a introducirse en la escena jazzistica neoyorkina tocando con Michael P. Mosmman, Dave Schnitter, Anthony Jackson o Arturo O'Farril por los jazz clubs como Birland, Smoke, Dizzy’s Jazz At Lincoln Center, etc. En Febrero de 2004 firma un contrato en Nueva York con Sunnyside Records y comienza a trabajar, de la mano de Arturo O'Farril con la Chico O'Farril Afro Cuban Jazz Orchestra actuando cada domingo en el Birland Jazz Club. También comienza a trabajar con Joe Lovano, Tom Harrel, Dave Samuels, etc. y como productor en grabaciones.
Considerado por la crítica internacional especializada como el creador del Son Mediterráneo, su extensa discografía, 14 discos, consta de discos de corte jazzistico tradicional como su estupenda colección de discos “The Jazz Guitar Trios”, (4 volumenes grabados junto a los mejores organistas y baterías del mundo, Joey DeFrancesco, Dr. Lonnie Smitt, Lou Bennett, Idris Muhammad, Billy Brooks, etc.). Su faceta mas original e innovadora la muestra en sus discos de fusión como, “Son Mediterráneo” (Wea 1992) Disco considerado como uno de los 100 mejores albumes de jazz de la década de los 90, “Homepage” (Wea 1998) Nominado "Mejor Album de Jazz" en los Premios de la Música 1999 y primer disco de jazz español que ha entrado en las listas de éxitos. “Embrujado” (Omix 2003), la critica destaca el disco como: "Una obra total y plena. Jazz imaginativo con
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geniales particularidades". En su faceta más vanguardista, sus discos “Eclipse” (Omix 2006) y “Steps” (Omix 2008) han sido valorados como los mejores discos del año por la revista All About Jazz New York. Su último disco “Celebrating Erik Satie” (2009) es un trabajo basado en la música del genial compositor francés Erik Satie en clave de jazz contemporáneo.
Actualmente Ximo Tebar reside entre Valencia y Nueva York y comparte sus giras, grabaciones, producciones discográficas y Master Clases en Seminarios, con la dirección de su sello discográfico Omix Records y la dirección artística de uno de los proyectos más innovadores de España; el IVAM JAZZ ENSEMBLE, una iniciativa del IVAM (Museo de Arte Moderno de Valencia) que promueve programas de creación y experimentación en torno a la música moderna y el jazz de forma continuada como parte integrada de las actividades del museo.
IVAM Jazz Ensemble: un sueño hecho realidadBy Jose Mª García Martínez / Diario El País, Cuadernos de Jazz
Reflexionar en torno al hecho jazzístico; interpretar el pasado de nuestra música desde una imprescindible perspectiva histórica, siempre mirando al futuro (“Ancient to the Future”)… no hace mucho que el jazz ha cobrado consciencia de su propia historia. Para ello, ha sido necesario el concurso de quienes han promovido las herramientas imprescindibles a tal efecto, instituciones y músicos, principalmente.
Lo que en nuestra vieja Europa son la formaciones sinfónicas estables dependientes en un grado u otro de la Administración, lo es, en los Estados Unidos, la orquesta “Jazz at The Philarmonic”, institución sometida a toda suerte de críticas, la mayoría fundadas, por su discutible forma de entender la interpretación del pasado a pié de la letra. Los tiempos han cambiado y JATP parece haber emprendido un nuevo camino más acorde con los tiempos al haber dado entrada en su programación a las así llamadas “vanguardias”, bien está que así sea.
En Europa es la Viena Art Orchestra (VAO), primera entre las orquestas de repertorio surgidas en los últimos 20 años en el Viejo Continente, verdaderos buques escuela para los músicos de jazz en ciernes (y una formidable oportunidad de trabajo para los consagrados). Cada país tiene la suya; en Francia, la Orquesta Nacional de Jazz; en Italia, la Orquestra Inestabile. Aquí, por fin, tendremos la nuestra: el “IVAM Jazz Ensemble”. Hemos tenido que esperar, lo propio de un país que dejó morirse a un genio universal del jazz –Tete Montoliu- sin dedicarle el menor reconocimiento, nada se diga del Premio Nacional de la Música. Las comparaciones, a veces, son odiosas…
No es casualidad que el IJE nazca en Valencia, tierra de jazzistas donde se escucha mucho y buen jazz. Para los que habitamos regiones menos dadas al asunto, la ciudad y su comarca constituyen una especie de reserva jazzística de la península, con perdón; como tampoco es casualidad que tenga como director artístico a Ximo Tébar, a quien uno no va a descubrir a estas alturas. Que si alguien reunía las condiciones para poner en marcha semejante proyecto, no cabe duda de que era él.
El programa que se anuncia para la primera temporada de la IJE es todo lo ambicioso que puede esperarse de un proyecto de tales características. Para empezar, los músicos que
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integran el “ensemble” pertenecientes todos ellos a la primera división del jazz nacional e internacional. Eso es lo más importante: el resto vendrá por añadidura.
Hasta donde a uno se le alcanza, todo será música compuesta o arreglada para la ocasión, que en esto no valen las imitaciones. Y, en tercer lugar, el temario, acaso lo más sugerente de cuanto se anuncia. De haber tiempo para ello, y según se adelanta, se dedicarán sucesivas sesiones monotemáticas al jazz y el flamenco (un “must”), el jazz electrónico, la “fusión”, el blues, el jazz con denominación de origen valenciano, la libre improvisación, el jazz “afrolatino” y el jazz experimental. Eso, para empezar.
La semilla ya está plantada. Ahora es momento de comenzar a saborear los frutos.
http://www.jazzspain.net/web/ivamjazzensemble
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KEB’ MO’
Mo's music is also a purely post-modern expression of the artistic and cultural journey that has transformed the blues, and his own point of view, over time. His distinctive sound embraces multiple eras and genres, including pop, rock folk and jazz, in which he is well-versed. In total, it owes as much to contemporary music's singer-songwriter movement, encompassing his longtime friends and collaborators Bonnie Raitt and Jackson Browne, as to the spirit of blues godfather Robert Johnson that dwells in his work. For Keb' Mo', the common bond between these influences is the underlying storytelling ethic, the power of song to convey human experience and emotional weight.
The Reflection is the first new studio album by Keb Mo since Suitcase in 2006. These twelve songs are the product of an important period of personal and professional growth for the artist formerly known as Kevin Moore. In that time, he started a new family; moved from Los Angeles to Nashville; built a state–of–the–art home studio, and founded his own label, Yolabelle International, distributed by Ryko and the Warner Music Group.
Keb Mo is a three–time Grammy Award winner for Best Contemporary Blues Album; and a key figure in the acclaimed 2003 PBS series Martin Scorsese Presents The Blues. But The Reflection is not, in essence, a blues album. In sound and spirit, it’s closer to the work of African–American "folk soul" singer/songwriters like Bill Withers, Bobby Womack, and Terry Callier.
Indeed, tracks like "My Shadow" and "Crush On You" would have fit neatly into Urban radio’s "Quiet Storm" format at almost any time in the past 25 years. The Reflection brings together all of this singular artist's diverse influences – pre–disco R&B, American folk and gospel, rock, blues, and more – in a sound that is truly and uniquely his own.
"I worked on this record for the better part of two years," says Keb. "It took me some time as this was an educational process for me and my engineer John Schirmer. I didn’t want to let it go until I had something that I was proud to share with the public. It’s the culmination of all of my influences throughout my career."
Through all the changes of the past several years, Keb Mo found time to play a couple of hundred shows on several continents. He composed and recorded music for the acclaimed TNT series "Memphis Beat," starring Jason Lee and Alfre Woodward. And he wrote some of the best songs of his career for The Reflection – material strong enough to attract such notable guests as country music superstar Vince Gill ("My Baby’s Tellin’ Lies"), nouveau–
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soul chanteuse India.Arie ("Crush On You"), saxophonist Dave Koz ("One Of These Nights"), and veteran session guitarist David T. Walker ("All The Way," "The Reflection," "The Whole Enchilada").
AWARDS- Grammy Awards:Contemporary Blues Album "Keep It Simple" 2005Contemporary Blues Album "Slow Down" 1999Contemporary Blues Album "Just Like You" 1997 - Grammy Award Nominations:Blues Album of the Year "The Reflection" 2011Contemporary Blues Album of the Year "Suitcase" 2007Contemporary Blues Album of the Year "Big Wide Grin" 2002Contemporary Blues Album of the Year "The Door" 2001Country Song of the Year "I Hope" 2006 - Gold Record certified by RIAA for "Keb' Mo'" 2005 - 2002 Orville Gibson Awards- Best Blues Guitarist- 2008 Elevate Film Festival - Best Music Artist- 2008 Elevate Film Festival - Best Music Video- Hollywood Rock Walk Induction - June 16, 2007- WC Handy Blues Awards:1999 Song of the Year - Soon As I Get Paid1994 Country/Acoustic Blues Album of the Year - Keb' Mo' album1999 & 2000 Contemporary Blues Male Artist of the Year1997-2002 Acoustic Blues Artist of the Year
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DORANTES CUARTETOInvitada especial: Esperanza Fernández
En la luminosa campiña lebrijana, al sur de la provincia de Sevilla, nace David Peña Dorantes, en el seno de una familia que vive y siente, en lo mas hondo de sus entrañas, el cante y la música de Andalucía. Miembro de una legendaria familia que supo expresar como nadie el sentimiento de los cantes del Sur, de extraordinaria cultura musical, entre sus ancestros cuenta con numerosas figuras muy significativas en la historia del flamenco. Por mencionar algunas: su abuela María “La Perrata”; su
padre Pedro Peña; su tío carnal Juan Peña “El Lebrijano”; Fernanda y Bernarda de Utrera, Diego Carrasco, El Turronero, Pedro Bacán, Bambino, etc., llegando, por ejemplo, sus raíces hasta los legendarios Mercé La Serneta y Tomás “El Nitri».
Dorantes, tras haber absorbido la cultura musical de su familia, realiza estudios de piano, armonía y composición en el Real Conservatorio Superior de Música de Sevilla. Todo este bagaje incide en procurarle una sólida formación, además de un amplio conocimiento acerca de las diversas estructuras musicales: desde las más clásica hasta las más vanguardistas.
Comienza con la guitarra flamenca con la que gana varios concursos y siendo aún muy joven descubre el piano que lo enamora y decide dedicarse a él por completo. Su primera actuación pública como pianista solista fue en 1991 en los Reales Alcázares de Sevilla ante sus Majestades los Reyes de España y en el año 1996, apoyado entre otros, por Sir Yehudi Menuhin, Dorantes presenta su opera prima, “Orobroy”, en el Festival d´Art Flamenco de Mont de Marsan, Francia. Tres meses después, tras cosechar un gran éxito con su actuación en el prestigioso Festival francés, la Bienal de Flamenco de Sevilla organiza su primer concierto en España. La unanimidad con que, tanto la crítica especializada como los espectadores, aficionados, puristas y vanguardistas, aplauden el estreno de su obra y presentación en Sevilla, le valió por entonces para ser denominado “Artista Revelación” y conseguir el “Premio Demófilo” otorgado por la Fundación Machado de Sevilla como al mejor espectáculo de Flamenco realizado entre los años 1995 y 1996.
Entre 1997 y 1998, graba su primer disco que, al igual que su primer espectáculo, lo titula Orobroy. Una vez más, no cesan los elogios y los premios, entre los que se encuentra el “Premio Flamenco Hoy 1999” a Orobroy como al mejor disco instrumental que le otorga la Asociación de Críticos de Flamenco de España. Ya por entonces se le empieza a reconocer como al Músico Flamenco del Siglo XXI.
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De 1998 al año 2002, realiza multitud de actuaciones por todo el mundo, desde La Habana hasta Tokio, compartiendo cartel con prestigiosos artistas del Latin Jazz (Michael Camillo o Chucho Valdés), la Música Clásica, World Music (Musafir), etc. Su presencia es solicitada en los más importantes Festivales Internacionales de Música. En el año 2000, el Ballet Nacional de España le propone una colaboración especial, en calidad de artista invitado junto a Aída Gómez y Antonio Canales, con quienes llaga a realizar más de cuarenta funciones en el Teatro de la Zarzuela de Madrid. En el año 2002, saca al mercado su segundo trabajo discográfico, Sur, grabación que lleva a cabo entre la ciudades de París (Francia), Sofía (Bulgaria), y Sevilla. Donde colaboran, entre otros, la Orquesta Nacional de Radio Sofía y grandes músicos como Theodosii Spasov, la cantaora Esperanza Fernández, el percusionista Tino di Geraldo y el compositor y arreglista, discípulo de Astor Piazzola, Thomas Gubitsch. Al igual que hiciera con su anterior trabajo, al nuevo espectáculo lo titula como al nuevo disco: “Sur”.
El estreno de “Sur” en España, lo realiza dentro de la XII Bienal de Flamenco de Sevilla. Estreno y actuación por el que le otorgaron tres Premios, “Giraldillos”, y lo erigieron en el triunfador absoluto de la edición citada: Premio del Público (mejor espectáculo); Premio a la Mejor Música (mejor música original) Premio al Mejor Intérprete Solista. A Sur, tal y como le ocurriera a Orobroy, también le ha sido otorgado el “Premio Flamenco Hoy 2003” como mejor disco Instrumental. Con este espectáculo es llamado para el concierto inaugural del Womex y la Feria Mundial de flamenco en el 2003.
Sus obras, desde entonces, se utilizan en teatro, ballet clásico y flamenco, cine… y artistas de la talla de Antonio Canales, Rafael Amargo, Antonio el Pipa, Eva La Hierbabuena, Belén Maya… bailan sus composiciones. Colabora además con artistas tan variados como Susheela Raman, Esperanza Fernandez, El Barrio, Jose Manuel Hevia, Paco Fernandez, Juan Peña “El Lebrijano”…
En el 2004 y junto a Tino di Geraldo, Carlos Benavent, Jorge Pardo y Diego Carrasco sale al mercado Flamencos del Siglo XXI, grabado en directo en el Festival de Etnosur donde actuó ante más de dos mil personas. Es reconocido como el “mejor Dvd flamenco del 2004” por la asociación de críticos de España.
Además es un artista comprometido con su sociedad, y ofrece multitud de conciertos benéficos, para la erradicación del chabolismo, para “Save the Children” en el Royal Albert Hall (Londres), para la ayuda contra sida infantil (festival de ”Sevilla en el corazón de Sudáfrica”)…
En el 2005 realiza la composición musical de la obra Lisístrata para el ballet flamenco nacional de Tokio con el que realiza una gira por los mejores teatros japoneses.
En el año 2006 vuelve a recibir un Giraldillo en la Bienal de Flamenco de Sevilla, esta vez al Momento Mágico, gracias a una actuación junto al cantaor Miguel Poveda. Recientemente ha sido alagado con el honor de ser Pregonero de la prestigiosa y tradicional Velá de Santiago y Santa Ana en el barrio Sevillano de Triana.
En 2008, el artista sevillano se embarca en una exitosa experiencia al unirse con la Orquesta Nacional de Tokio para representar su obra Sur. Los asistentes a este espectáculo,
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que recorrió Japón durante un mes, aclamaron al compositor obligándole a hacer varios bises en todas sus representaciones.
Dorantes se encuentra ahora inmerso en la elaboración de su tercer disco, que saldrá a la venta este año y cuyo contenido permanece en secreto, por expreso deseo de su autor. Dorantes es, a día de hoy y sin duda, uno de los mejores y más populares embajadores de la música andaluza.
Esperanza FernándezGitana nacida en el barrio de Triana que ha recibido la herencia flamenca de una familia de importantes cantaores, guitarristas y bailaores.
Dotada de una privilegiada condición para cantar, interpreta distintos y variados estilos. A los dieciséis años se presentó por primera vez como cantaora de un importante espectáculo, "El Amargo" de Mario Maya, y desde entonces ha protagonizado un progreso continuo compartiendo escenarios con artistas como de Paco de Lucía, Camarón de la Isla, Rafael Riqueni o Enrique Morente.
Su sentido del compás, su afinación y una voz rica en matices, le permiten abrirse paso tanto por los caminos más tradicionales del flamenco como por otras experiencias cercanas a la fusión y al mestizaje. En 1994 protagonizó, junto a Morente, el espectáculo " A Oscuras". En el año 2000 se presenta en la Bienal de Sevilla con Gerardo Nuñez y la New York Flamenco Reunion (fusión de jazz y flamenco con el batería Marc Miralta y el contrabajista Javier Colina, entre otros).
http://www.flamenco-world.com/tienda/autor/esperanza-fernandez/33/
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TOQUINHO
Antonio Bondeolli Pecci Filho (São Paulo, 6 de julio de 1946), conocido como Toquinho, es un guitarrista y cantautor brasileño.
A los 14 años comenzó a tomar lecciones con el guitarrista Paulinho Nogueira. Con Edgard Janulo enriqueció su conocimiento de armonía y mejoró este conocimiento en su amistad con Oscar Castro Neves. El estilo de Baden Powell llegó a ser irresistible a Toquinho, que comenzaba en el ámbito musical. Para tener la personalidad apropiada como guitarrista, buscó en Isaías Sávio la técnica necesaria de la guitarra clásica.
Ya compositor, hizo un curso de armonía y orquestación con Leo Peracchi y el maestro argentino Carmelo Taormina (quien en esa época se había radicado en São Paulo). En los años sesenta empezó a acompañar a varios artistas profesionales entre los que estuvieron Elis Regina, Chico Buarque, Zimbo Trio, Señales De Valle, Trío de Jazz de Bossa, Tayguara, Ivete, Tuca,
Cuña de Geraldo, entre otros, en el escenario del teatro Paramount.
Este escenario fue el principio de la carrera profesional de Toquinho, todavía solamente como instrumentista acompañante, aunque rápidamente pasó a otros escenarios. Participó en En la onda de la oscilación (costa de Maria Della del teatro, 1964), al lado de Tayguara, de las heces de Thommas, del flautista y del trío de Manfred Fest; en Libertad, Libertad (Costa se Maria Della del Teatro, 1965), con Pablo Autran, Theresa Raquel, Oduvaldo Viana Filho y Cláudia, bajo la dirección musical de Toquinho y en Este mundo es la mía (1965), que incluyó a Sergio Ricardo, Toquinho y Manini.
Toquinho cultiva hasta hoy una fuerte amistad con Chico Buarque, iniciada a los 17 años, cuando compusieron la canción Luna llena, la primera melodía de Toquinho que recibió una letra. Buarque la incluyó cuatro años después en su LP Chico Buarque de Holanda (volumen 2) (1967).
En 1966 grabó su primer LP instrumental: O violão de Toquinho (la guitarra de Toquinho), registrado para Fermata. Más adelante participó en comedias musicales de la TV y de importantes festivales de la canción popular. En 1968 compuso con Pablo Vanzolini Boca da noite (‘La boca de la noche’).
En mayo de 1969 viajó a Italia por más de seis meses con Chico Buarque. Durante este período realizó numerosas presentaciones en los lugares más inusuales de la península, desde castillos medievales hasta cantinas suburbanas. Regresó a Brasil a principios de
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1970 y allí grabó su segundo LP para RGE, en el cual apareció su primer gran éxito: Qué maravilha, realizado en sociedad con Jorge Ben.
Basado en este trabajo del guitarrista, Vinícius de Moraes lo invitó en junio de 1970 a seguirlo al lado de María Creuza en una serie de conciertos en el café-concert La Fusa de Mar del Plata (provincia de Buenos Aires). Esta reunión profesional entre Vinicius y Toquinho duraría 11 años y encantaría a Brasil y al mundo con una productividad constante. Crearon cerca de 120 canciones, grabaron alrededor de 25 discos en Brasil y en el exterior y realizaron más de 1000 actuaciones en escenarios brasileños, europeos y latinoamericanos.
A partir de 1971, inauguraron un circuito por las universidades del paísde norte a sur. Momentos importantes de esta sociedad de Toquinho/Vinicius:
La Voglia del LP RGE La pazzia, l'incoscienza, l'allegria (1976), grabado en Italia con la participación de Ornella Vanoni;
El show del Canecão, en Río de Janeiro, en 1977, com Tom Jobim, Vinicius, Toquinho e Miúcha (Heloísa Maria Buarque de Hollanda), un espectáculo que mantiene hasta hoy la marca de público y de duración (7 meses en cartel);
El show Dez anos de Toquinho e Vinicius, en 1979.
En 1980 lanzaron su último trabajo conjunto, Um pouco de ilusão, por Ariola.
Aparte de su relación con Vinicius de Moraes, Toquinho cultivó otras agrupaciones. En 1971 hizo música con Gianfrancesco Guarnieri Castro Alves pede passagem (Castro Alves pide pasaje) y, en 1973, Um grito parado no ar (un grito parado en el aire) y Botequim. Las músicas de esas tres piezas fueron condensadas en el LP de RGE, Botiquín (1973).
En 1974 se lanzó en Brasil el disco RGE Boca da noite, y, en 1976, graba en Itália un disco de solos de guitarra: Toquinho: il Brasile nella chitarra. Los años de 1977 y 1978 fueron marcados por dos LP de Philips: Toquinho Tocando, instrumental, y Toquinho Cantando, teniendo como compañeros, en este último, a Carlinhos Vergueiro e Belchior. En 1979, para conmemorar los diez años de trabajo con Vinicius, en función del concierto que hacían, se lanza el disco Philips Dez anos de Toquinho e Vinicius.
En 1980, Toquinho, Francis Hime y Maria Creuza viajan por Brasil, en más de 90 presentaciones. Al final de ese mismo año, Toquinho se presentó en Buenos Aires y en varias ciudades de Argentina. Durante el invierno de 1981, con la cantante Jane Duboc, actuó en Roma, Milán, Florencia y Turín. En el mismo año, participó en el Festival de Montreux y, desde allí, partió a la temporada estival de Francia, donde actuó en el Olimpia de París. Aún en 1981, viajó por Brasil al lado de Jane Duboc con el show Doce Vida y grabó el disco con el mismo nombre con la discográfica Ariola.
A principios de 1982 Toquinho ofreció varios conciertos en Bogotá y Cali y, en el segundo semestre, fue a Italia para una serie de funciones. El mismo año, Maurizio Fabrizio, compositor italiano, fue a Brasil y compuso con Toquinho algunas canciones para el LP Acquarello, para la compañía Maracanã, lanzado en San Remo y que dio a Toquinho un
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disco de oro, convirtiéndose en el único artista brasileño en conseguirlo en el extranjero. Aún en 1982 vuelve a presentarse en el festival de Montreux junto a otros artistas brasileños.
En 1983 grabó en Brasil el LP Aquarela para Ariola, que fue el disco número 35 de su carrera. En ese mismo año condujo el espectáculo Canta Brasil en el Teatro Sistina de Roma, mostrando la historia de la música popular brasileña, con la participación de grandes músicos como Blanco de Nieve, Papete, Marçal Velho de Portela, Mutinho, Luizão, Rafael Rabelo, Luciana Rabelo, Dominguinhos y un coro formado por las voces de Guadalupe, Silvia Maria, Bel y Eliana Estevão. Más tarde ese mismo año concluyó, junto al baterista Mutinho, un nuevo trabajo dedicado a los niños, el LP Casa de Juguetes.
En 1984 lanzó Sonho dourado (Sueño dorado), un disco producido por Barclay y un espectáculo con el mismo nombre. En 1985, Toquinho compuso el LP A Luz do Solo, para Barclay, un trabajo esencialmente instrumental. En 1986 editó el LP Coisas del Corazón, también para Barclay, y actuó en Italia, Colombia, Córcega y Japón, dónde hizo varias presentaciones al lado del saxofonista japonés Sadao Watanabe. En ese mismo año produjo, en sociedad con Elifas Andreato, 10 canciones que tratan sobre la Declaración Universal de los Derechos del Niño y que fueron editadas en el LP Canción de todos los niños.
En 1987 volvió a Japón para una serie de muestras en Osaka, Kōbe, Kioto y Tokio. Entró en la Fiesta del Club Enfadada, promovida por Watanabe, al lado de Vicktor Lazio, el Andy Narell Group, el Bill Brufford Quartet, la Semana Activa, Pierre Borrough, Karizana, el Jeff Lorber Group, Nick Plyntas, las Chaquetas de Yelllow. Lanzó el LP Go Juntos, grabado durante las muestras en el Club Enfadado, con la participación de Sadao Watanabe. 20 días después viajó a España para tocar en Madrid, Barcelona, Avilés, Zaragoza, Pamplona y otras ciudades.
Grabó una versión de Acuarela en español a dúo con la cantante mexicana Guadeloupe. En 1987 fue tres veces a Chile, entrando en Santiago y Viña del Mar. Una de las muestras fue transmitida por la Televisión Nacional de Chile para toda América Latina durante el concurso de Señorita Chile.
En 1988 realizó una gira por todo Brasil e hizo un concierto en la Plaza de Maksoud. Realizó conciertos en Santiago y Caracas. Con la muestra Hecha en el Corazón entró en el circuito nacional, con la prominencia para una estación de dos semanas en el Palacio (en São Paulo).
En 1989 se presentó a bordo de la nave Eugênio C y entra en varias capitales de Brasil y en Puerto Rico. En julio viajó a Japón, actuando en Kyoto y Tokio, y grabó un especial para la televisión japonesa, Fuji. A fines de julio, embarcó a Europa para actuar en Barcelona, Sevilla y Córdoba. En París participó de la conmemoración del bicentenario de la Revolución francesa.
En agosto de 1990 lanzó su disco número 42: A la Sombra de un Jatobá. En ese disco, mezcló varios estilos musicales, de baladas a la Steve Wonder, hasta la samba e Clara Nunes. Tuvo la participación especial de Raimundo Fagner y Eliana Estevão. También 1990 realizó una gira por todo Brasil y volvió a Italia.
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Empezó 1991 con una nueva gira por Italia. En Brasil logró un show de 5 semanas en el Palladium de San Pablo, además de varias presentaciones en el resto del país. A fines de ese año sacó en Italia el disco El viajero del sueño, para BMG-Ariola. En 1992 lanzó El viajero del sueño en España, en América Latina y en Brasil.
En 1993, BMG-Ariola produjo para el mercado italiano una colección organizada para propio Toquinho y el director de RCA, Angelo Franchi, que incluyó 20 grabaciones representativas de la carrera de Toquinho. En 1995 grabó un vídeo para el mercado japonés con música de bossa-nova, con la participación de Tom Jobim, João Gilberto, Chica Costa y Lyra, entre otros.
Entró con Sadao Watanabe en la muestra de los 100 años de amistad Brasil-Japón. A fines de 1995 presentó el especial Toquinho 30 Años de Música en la Rede Manchete, con la participación de Chico Buarque, Gilberto Gil, Jorge BenJor, Lúcio Dalla, el Cuarteto en Cy y Oswaldinho de Acordeon.
En 1997 saca para Paradoxx, después de 7 meses de preparación, dos productos: un CD inteactivo de canciones y un CD doble con sus 30 (treinta) las canciones favoritas. En febrero empezó la grabación del CD Herdeiros do Futuro, por Movieplay, basado en los diez derechos universales del niño. Este proyecto, en su versión teatral, se presentó en el Teatro Gazeta de São Paulo, con éxito de público y crítica.
En enero de 1999 participó como jurado en el Festival de San Remo, junto a José Carreras y Ennio Morricone. Ese año partició en los siguiente discos:
Songbook de Chico Buarque, con la música Time BuenoImplicated del grupo Los JamonesLa mitad del mundo, de María Creuza.
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MILES SMILESWallace Roney, Larry Coryell, Joey DeFrancesco,
Omar Hakim, Darryll Jones y Rick Margitza
Wallace RoneyWallace Roney (Philadelphia, 1960) saltó a los escenarios al mismo tiempo que su contemporáneo, Wynton Marsalis, y sus comienzos fueron de la mano del gran Sonny Stitt. Trabajó con los Jazz Messengers y su progresión fue tal que pronto fue considerado uno de los grandes trompetistas del jazz actual.
A lo largo de varios años, trabajó con el quinteto del batería Tony Williams y participó en una sesión homenaje a Miles Davis en 1992. En su papel interpretando a Miles Davis, Wallace Roney, consiguió una gran aceptación de la critica cuando recreó el ambiente de su popular quinteto. Fue justo su participación con el trompetista de Alton, en el Festival de Jazz de Montreux, lo que hizo que saltara a la fama. El disco testigo de aquel hecho, se titula Miles Davis and Quincy Jones at Montreux (Warner Bross, 1991).
En su todavía corta carrera discográfica, Wallace Roney, ha grabado mas de una docena de álbumes para los sellos Muse, Warner y últimamente con Concord Jazz con quien grabó en el año 2000 un excelente registro titulado No Room for Argument. (Apoloybaco.com)
Joey DeFrancesoJoey DeFrancesco (born April 10, 1971) is an American jazz organist, trumpeter, and vocalist. Down Beat's Critics and Readers Poll selected him as the top jazz organist every year since 2003.
DeFrancesco was born in Springfield, Pennsylvania. His grandfather was multi-instrumentalist Joe DeFrancesco, of Italian descent; his father is Hammond B3 player "Papa" John DeFrancesco, who took his son to jazz clubs from the age of seven. Joey DeFrancesco started playing the piano at the age of four, switching to the B3 shortly after. By age six, he was sitting in on his father's gigs. By age ten, he was enrolled in the Settlement Music School Jazz Band. Under the direction of Lovett Hines, he learned and performed with the Jazz Band with the likes of saxophonist Robert Landham, drummer Kevin Outterbride, bassist Leonard Richardson Sr. and guitarist Kelvin McDaniel, playing out on his own, as well as sitting in with organ legends like Jack McDuff and Richard "Groove" Holmes. DeFrancesco went to high school with bassist Christian McBride, where the two were often scolded for altering their big band charts. While in High school, he was also in a local jazz trio called Strictly Business with drummer Leon Jordon Sr. and bassist Leonard Richardson Sr.
When DeFrancesco was seventeen years old, Miles Davis asked him to join his band. DeFrancesco toured Europe and recorded Amandla with Davis. He became well known in the 1990s, however, through his work with John McLaughlin's trio Free Spirits. He has also
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played with jazz guitarists Pat Martino, Paul Bollenback, Jimmy Bruno, Dave Stryker, Danny Gatton as well as trumpet player Big Jim Henry and many others.
DeFrancesco's own recordings as leader, first with Columbia, and later with labels such as Muse and Big Mo, established what Chris Parker has referred to as "his importance as one of the most unfussily virtuosic torch-bearers of contemporary organ jazz."
DeFrancesco listened to and learned from Jimmy Smith, to whom he pays homage in his 1999 High Note release, The Champ. In 2000 he recorded the album Incredible! with Smith. He also pays tribute to Don Patterson in Tribute to Don Patterson: The Philadelphia Connection released in 2004. DeFrancesco also learned from McDuff, and recorded with him as well. DeFrancesco paired with Jimmy Smith on Smith's last effort, called Legacy, finished just days before Smith died in 2005.
Today, Joey DeFrancesco plays an average of 200 nights a year on the road with various musicians. His core bands include Byron Landham (drums), Paul Bollenback (guitar) or Pat Bianchi (keyboards). When not on the road, he resides in Arizona with his mother, father and daughter Ashley Blue Defrancesco.
Darryll JonesDarryl Jones (nacido el 11 de diciembre de 1961) es un bajista afroamericano oriundo de Chicago, Illinois.
Ha colaborado con artistas de jazz como Herbie Hancock, Miles Davis, Mike Stern, John Scofield, y Steps Ahead. También colaboró con artistas de pop y rock como Sting, Peter Gabriel, Madonna, Eric Clapton y Joan Armatrading.Jones toca con The Rolling Stones desde el año 1993, cuando el bajista y miembro histórico de la banda Bill Wyman renunciara después de 30 años de participación.
Omar HakimOmar Hakim (Nueva York, 12 de febrero de 1959) es un destacado baterista estadounidense que ha desarrollado su carrera en el campo del jazz, del jazz fusion y de la música pop.
Hakim señala al vibrafonista de jazz Mike Manieri como la persona que le introdujo en la escena en 1980; El baterista apareció en un video con Manieri titulado The Jazz Life y comenzó a trabajar con la cantante Carly Simon a través de una recomendación de él. Hakim obtuvo una tremenda notoriedad cuando pasó a formar parte de Weather Report y, después, de la banda de acompañamiento de Sting, apareciendo en el film Bring of the Night.
En 1984 grabó la mayor parte de las pistas de batería del álbum Brothers in Arms, del grupo británico Dire Straits, cuando los productores decidieron desechar las grabaciones del baterista original del grupo, Terry Williams, con la mayoría de los temas ya terminados. Hakim regrabó todo el álbum en sólo dos días para marcharse y ceder de nuevo el puesto a Williams.
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Entre 1988 y 1989 Omar Hakim apareció regularmente como miembro de la banda del programa norteamericano "The Sunday Night" de la cadena NBC. Tras ser reemplazado temporalmente por el baterista J. T. Lewis durante la segunda mitad de la tempoarada de ese año, Hakim volvió a la banda a finales de 1989, cuando el programa cambió su nombre por el de "Night Music".
Entre los artistas más destacados para los que el músico ha grabado o a quienes ha acompañado se encuentran Anita Baker, Sting, Weather Report, Mariah Carey, Madonna, David Bowie, Miles Davis, Chic, Everything but the Girl, Marcus Miller, o Kazumi Watanabe, entre otros muchos.
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LUIS SALINAS CUARTETO
Luis Salinas es un guitarrista y compositor nacido el 24 de junio de 1957, en Monte Grande, al sur del gran Buenos Aires, Argentina.
La influencia de su padre y de su padrastro, ambos músicos, lo animaron a tocar la guitarra desde muy pequeño, “el gusto por tocar todos los géneros viene de ahí”, explicó. Pese a haber comprado su primera guitarra a los 27 años, esta pasión venía desde la cuna.
El lugar que marcaría un antes y un después en su carrera fue “El papagayo”, célebre pub, donde tocó durante ocho años.
Es un músico autodidacta, el cual no estudió en ningún conservatorio, gran improvisador, de original capacidad interpretativa. Compartió experiencias con varios grandes del folklore y del tango, como Adolfo Ábalos y Horacio Salgán. También tocó con Egle Martin, Jaime Torres y grabó un disco de tango con María Graña.
Lleva grabados nueve discos, entre ellos, Música Argentina 1 y 2 donde tocando la guitarra criolla hizo un recorrido por el folklore y el tango, Ahí va, por el que recibió su segundo premio Gardel, en el cual vuelve al sonido eléctrico del latín jazz. Luis Salinas y amigos en España, se grabó en 2004 en Barcelona junto a músicos de la calidad de Tomatito, Horacio Fumero, Oscar Giunta, Javier Colina, Jorge Bonell, Jorge Pardo y Perico Sambeat entre otros. En mayo de 2006 presentó su cd doble, Muchas cosas. Durante su carrera tocó con grandes guitarristas como el mismísimo B.B. King y músicos de la talla de Hermeto Pascoal.
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TRAVELLIN’ BROTHERS BIG BAND
Los grandes bluesman y las grandes bandas de Blues, a lo largo de la historia han tenido una estrecha relación con las riberas y los deltas de los ríos. En el caso de Travellin’ Brothers no es una excepción, formados a finales del año 2003 junto a las orillas de la ría de Bilbao, en la localidad bizkaina de Leioa, reciben una gran inspiración del río Nervión. Seis Amigos, Seis Hermanos forman la banda, esta unión familiar es una de sus grandes virtudes, fácilmente palpable en su actitud sobre los escenarios.
Travellin’ Brothers tienen un gran bagaje musical, en estos ocho años su actividad ha sido frenética y en continuo ascenso y compromiso por la auto-superación. Tres discos y más de 350 conciertos avalan su trayectoria.
Camaleónicos como pocos, son capaces de tocar tanto en pequeños clubs y salas o en los más grandes festivales. Como ejemplo sus continuas participaciones en Cazorla Blues Festival, Hondarribia Blues Festival, Bejar, Cáceres, Barcelona, Yeclajazz en Murcia, Blues Sur Seine en Paris o Cahors Blues Festival también en Francia, la lista es interminable. A lo largo de estas participaciones han tenido la suerte y el honor de compartir escenario con auténticas leyendas del género como Buddy Guy, Koko Taylor, John Mayall, Canned Heat, Ike Turner, Robben Ford, Susan Tedeschi, Junior Watson, Johnny Winter, Carey Bell, etc, etc.
En el año 2010, tras convertirse y afianzarse como una de las bandas punteras del blues nacional, deciden dar un paso más en su carrera y acometer un nuevo y ambicioso proyecto, el cual exigirá el máximo esfuerzo e implicación por parte de todos los miembros del grupo. Tras un año de duro trabajo en la trastienda, con largos ensayos, composiciones, arreglos, etc, nos presentan su nuevo proyecto: Travellin’ Brothers Big Band. Grabado en
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directo en el Auditórium KulturLeioa, con una Big Band de lujo compuesta por 2 trompetas, 2 trombones, una tuba y 4 saxos, además de la colaboración de 2 coristas ataviadas de violín y guitarra acústica. Un repertorio que en su mayoría son composiciones propias y completado por grandes clásicos y homenajes que la banda tributa a sus ídolos. Excelentes e inéditos arreglos de Big Band compuestos para la ocasión por el saxofonista de la banda, el Maestro Alain Sancho. A los mandos técnicos el prestigioso productor Kaki Arkarazo y en la dirección del DVD el tandem de realizadores Igor Legarreta & Igor Urdaniz, los cuales además de la realización del concierto integro, facturan un documental en el que recorren la historia del grupo y nos muestran imágenes de la gestación de este proyecto.
Este formato de Big Band además de ser un proyecto muy ambicioso, es un formato novedoso, algo inédito entre nosotros. Inspirados en las big band modernas de Brian Setzer o del canadiense Colin James y desde luego en las grandes big band clásicas como las de Count Basie, Duke Ellington o Cab Calloway.
Durante el 2012 el objetivo primordial es llevar este formato al directo, recorrer teatros y festivales y mostrar al público de lo que son capaces y hacer disfrutar y vibrar tanto como ellos lo hacen.
Otro de los objetivos de Travellin’ Brothers tras ganar el concurso “Road to Menphis” y la posibilidad que les da de cruzar el charco por primera vez, será mostrar y medir su capacidad en la cuna del blues, disfrutar de la experiencia y por qué no, intentar ganar la batalla mundial de bandas en el “28 International Blues Challenge”.
Por estas y otras sorpresas más, el año 2012 se presenta realmente prometedor.
Sin duda, si pasan por tu ciudad no lo dudes, no te pierdas este gran espectáculo.
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JOSÉ LUIS GUTIÉRREZ QUINTETOInvitada especial: Lucrecia
José Luis Gutiérrez es uno de los músicos más innovadores y refrescantes de la escena española. Su música es apasionada, intensa y personal como pocas, “el silencio asesino” como le llama el compositor López de Guereña.
Una de las características más importantes de su música son las influencias de las músicas ibéricas, que se unen con maestría a la libertad de las músicas improvisadas. Surgiendo así un particular estilo denominado “Iberjazz”. Una recuperación y actualización de las músicas ibéricas, de alta calidad y verdadera originalidad.
Su primer disco: Núcleo fue considerado el mejor álbum de jazz del año en España. Este hecho impulsó de forma definitiva la carrera de José Luis Gutiérrez. A partir de entonces fue considerado uno de los músicos referentes y de mayor proyección del jazz español.
En 2011 presenta su último disco Fruit Salad que ahonda aún más en las enormes posibilidades creativas que se abren en la unión de las músicas ibéricas y el jazz.
Ha dirigido sus proyectos en multitud de lugares alrededor del mundo: Roma, Tallin, San Sebastián, México, Caracas, Río de Janeiro, Casa Blanca, etc.
Ha colaborado con maestros de la talla de: Jorge Pardo, Chano Domínguez, Jerry González, Paquito D'Rivera, Javier Colina, Carlos Barreto, Tommy Caggiani. también ha sido profesor de saxofón en el conservatorio de música de Zamora. Miembro del jurado de diferentes certámenes musicales. Ha escrito artículos musicales en varios periódicos y revistas.
Es el director artístico de los Festivales Internacionales de Jazz:Universijazz y La Granjazz.
LucreciaNacida en Cuba, cuna de grandes maestros, supo desde niña que su vida estaba marcada por el sonido de su tierra. Comenzó sus estudios de piano y canto en el Instituto Superior de Arte de Cuba, recibió clases de canto con Isolina Carrillo y se acabó licenciando en música en la especialidad de Piano.
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Su inserción en la música popular cubana se produjo cuando ingresó a la famosa orquesta femenina Anacaona donde se encargó tanto de las voces y los teclados como de algunas orquestaciones. Obtuvo premios como vocalista en diferentes concursos. 1993 fue el año de su confirmación y reconocimiento en Cuba como artista, situando sus canciones en el hit
parade de radio y televisión. Llegó de gira a España, país al que más tarde regresaría para instalarse en Barcelona.
En su trayectoria cinematográfica destaca su banda sonora para el documental Balseros, dirigido por Carles Bosch y Josep Maria Doménech y que obtuvo una nominación en la edición de los Oscars 2003.
Siguiendo sus pasos en el mundo del cine, su canción “Cubáname” fue seleccionada como tema principal de la película Segunda piel (1996), del director Gerardo Vera, con un reparto encabezado por Javier Bardem, Jordi Mollŕ y Ariadna Gil. Para la grabación de "Cubáname", contó con la colaboración de
grandes profesionales como Chavela Vargas o Paquito D’Rivera.
Por lo que respecta a su discografía, Lucrecia ha publicado más de diez discos. Productora musical y ejecutiva del disco Me debes un beso (1994), antecesor de Prohibido (1995), publicado un año después y que significó su debut como compositora. En 1996 grabó Mis Boleros, participó en la gira “3 Generaciones De Músicos Cubanos” junto a Paquito D’Rivera y Patato Valdés y formó parte del festival Womad.
Al año siguiente grabó Pronósticos, y musicalizó el documental Balseros.
La maternidad le proporcionó un estado idóneo para su disco Agua (2002) y la canción “Mi Gente” obtuvo el Premio de la Música "Mejor Tema Dance y Hip hop", de la SGAE.
Con Mira las Luces (2006), quiere homenajear a Celia Cruz, con la que le unía una gran amistad. Su último álbum hasta la fecha, Álbum de Cuba (2009), cuenta con la presencia en el disco de Celia Cruz y Andy García, editado en Europa, América Latina y EEUU.
Entre sus colaboraciones musicales, destaca la gira Pasión Cubana 2002 y la gira Pasión Cubana 2001, en la que Lucrecia actúa junto a Celia Cruz, Paquito d´Rivera y Manzanita. Además ha compartido escenario con artistas tan importantes como Chavela Vargas o Lluís Llach, entre otros.
La artista ha compaginado su faceta musical con la televisión. Ha intervenido en programas de gran éxito. Actualmente es presentadora del programa infantil del Televisión Española Los Lunnis, por quinto año consecutivo, acumulando numerosos premios, entre ellos tres TP de Oro, un Micrófono de Oro, diversos discos de platino y oro y una nominación a los premios Emmy.
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ELIANE ELIAS
Multi-GRAMMY® Award nominee, Brazilian pianist singer composer and arranger Eliane Elias is known for her distinctive and immediately recognizable musical style which blends her Brazilian roots, her sensuous, alluring voice with her impressive compositional and piano skills. All her recordings went top five on Billboard and top five on the radio charts in the U.S., with many reaching number one. In Japan, four of Eliane’s recordings received the Gold Disc Award from Swing Journal, (including consecutively her last three releases). Her 2007 release, Something for You, received the Best Vocal Album of the Year Award in Japan. In 2008, Eliane
was the number two artist in CD sales in France on the Annual Jazz Charts.
Her latest album, Light My Fire – released on May 31, 2011 on Concord Picante, a division of Concord Music Group – debuted at #3 on Billboard’s Jazz Chart and so far, has reached #3 on iTunes and #4 on Amazon’s Jazz Charts. Eliane and Light My Fire are receiving great praise and unanimously amazing reviews. Eliane’s song “What about the Heart” (Bate Bate) just received a Grammy nomination for Best Brazilian Song. The CD features Eliane on vocals and piano, her arranging, and four compositions written or co-written by Eliane herself. It also includes covers of familiar works by songwriters as diverse as Jim Morrison and the Doors, pop icon Stevie Wonder and jazz saxophonist Paul Desmond. Backing her is a crew of twelve high-caliber players, including special guests such as guitarist/vocalist Gilberto Gil and trumpeter Randy Brecker.
With a highly successful international career, Eliane performs concerts around the world. In her work she has documented dozens of her own compositions. Her outstanding piano playing, arranging, and beautiful vocal interpretations have solidified her place in the pantheon of music giants. Demonstrating her unique gifts as a pianist, singer, composer and arranger as well as melding her immense talents in jazz, pop, classical and Brazilian music, she is, as Jazziz magazine recently called her, “A citizen of the world” and “An artist beyond category.”
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