Pintura renacentista:o La pintura renacentista italiana se ve sometida a un gran número de obras

y de autores y, al mismo tiempo, una continua evolución.o Tomando como punto de partida la evolución, vamos a observar los

cambios que se producen en los siglos XV y XVI para posteriormente pasar a los maestros de cada siglo.

o La evolución de la pintura en el Quattrocento (siglo XV): La pintura en este siglo evoluciona desde el precedente claro

marcado por Giotto principal maestro del Trecento. El Quattrocento se desmarca claramente del Gótico en cuanto a

pintura se refiere. No se realizan retablos con lo cual el artista no se siente sometido

al marco y además se van a pintar obras unitarias dado que ya no se hacen distintos cuadros cuyo tema no tiene nada que ver con los otros.

La temática religiosa sigue siendo muy importante pero ahora los temas religiosos van a contar con paisaje, desnudos de belleza idealizada, volúmenes y, sobre todo, un sentido espacial creado a través de la perspectiva.

En el siglo XV tiene todavía una gran importancia el dibujo, lo cual permite observar al espectador el carácter del artista: sereno, tranquilo en el caso de Fra Angélico y nervioso en el caso de Botticelli.

Además, el dibujo también contribuye a otorgar un carácter escultórico a las figuras mediante el remarcado de los contornos.

Con respecto a la luz, se gana en perfección aunque todavía se utiliza para resaltar los distintos planos y, por lo tanto, la profundidad.

El paisaje gana cada vez más importancia, no se trata de un paisaje muy minucioso pero sirven para encuadrar a las figuras en la composición y lograr profundidad.

Por último, con respecto a la composición, ésta se complica ya que, en muchas, ocasiones, suele presentar varias escenas en un solo cuadro o bien varias figuras principales en distintas actitudes o posiciones.

o La evolución de la pintura en el Cinquecento (siglo XVI): En este siglo la evolución es mucho más apreciable. El uso del color gana soltura y, por lo tanto, el dibujo deja de

tener tanta importancia y se pasa a hacer contornos más suaves o sueltos.

El uso del color también conlleva la introducción del claroscuro de luces y sombras que otorga a las figuras un volumen más redondeado rompiendo la plenitud.

Aparte del sombreado, el volumen también se logrado situando los brazos en primer plano lo cual da la sensación de que el cuerpo se echa hacia atrás lo cual es algo que se deja ver en la Gioconda de Leonardo Da Vinci.

La profundidad se logra con perspectiva pero, sobre todo, con la alternancia de luces y sombras y de planos iluminados y en penumbra.

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El paisaje va a ganar también con la representación de praderas primaverales con plena luz en el caso de Rafael pero también con paisajes de niebla, roca, anocheceres, más presentes en la obra de Leonardo.

La composición está ahora muy definida, normalmente se utiliza una composición triangular en la cual las figuras está conectadas entre sí a través de la mirada y de las manos y, sobre todo, cabe destacar que cada cuadro es una sola escena en la que destaca claramente la figura principal.

o Maestros del Quattrocento: El primer gran maestro del siglo XV es Fra Angélico, el cual va a

desarrollar principalmente su obra en Florencia y supone, en la historia del arte, un artista puente entre el Gótico y el Renacimiento ya que todavía presenta unas figuras de canon alargado, contrastes entre rojos y azules y fondos dorados típicos del Gótico internacional y de la Escuela Sienesa.

Fran angélico presenta ya una novedad renacentista que es la de resaltar volúmenes rompiendo con la plenitud del Gótico.

Un tema recurrente en la obra de Fra Angélico va a ser la Anunciación, una de las cuales se encuentra en El Prado.

En este cuadro destaca una línea tranquila en la que destaca la línea horizontal vertical lo cual otorga equilibrio y quietud a la escena y dicha tranquilidad también se manifiesta en paisajes y colores.

La mayor parte de las obras van a ser frescos realizados en el Convento de San Marcos, donde vivió prácticamente toda su vida.

Contemporáneos de Fran Angélico pero con estilo completamente diferente, se encontrarían Masaccio y Paolo Ucello.

Masaccio es el encargado de dar un paso más en la representación de volúmenes y Ucello representa por la profundidad del paisaje.

Estas novedades las encuadran directamente en el nuevo estilo renacentista.

De Masaccio destaca, sobre todo, el fresco en la Capilla Brancacci, de la Iglesia del Carmine en Florencia en la cual el volumen de las figuras le otorgan un carácter escultórico y sensación de peso.

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Posterior a estos dos artistas ya plenamente renacentistas encontramos a Filippo Lippi y su obra, La Virgen y el Niño en la cual ya va a dar un paso más en la representación de sentimientos que se insertan dentro del Humanismo que domina en la época.

Presenta un dibujo muy nítido, todavía bastante marcado y una gran profundidad lograda a través del paisaje, un paisaje que en la mayor parte de las ocasiones va a ser idealizado dado que no representan en absoluto la realidad de la Toscana encontrándose en la línea de un paisaje centroeuropeo.

El otro gran maestro del siglo junto a Fran Angélico es Sandro Botticelli, el cual va a destacar por el nerviosismo de su dibujo sinuoso lo cual otorga la sensación de un movimiento continuo que contrasta, sin embargo, con la melancolía o tristeza que presentan los personajes.

Junto a estas características destaca la presencia de paisajes primaverales y una idealización de la belleza del cuerpo humano a través de los desnudos que realiza bajo la justificación de los temas mitológicos.

Dentro de esta línea destacan El Nacimiento de Venus, Alegoría de la Primavera, la Calumnia o Las Tablas de la Historia de Nastagio degli Onesti.

En Botticelli se observa la maravilla de la evolución de la pintura desde Fran Angélico.

El movimiento, la belleza, los sentimientos intensos, profundidad paisajística, telas vaporosas que se mueven al viento.

En medio de esta evolución van a irrumpir artistas que van por libre, sin tener un estilo indefinido como es el caso de Piero Della Francesca, el cual había sido discípulo de Fran Angélico pero rápidamente se desmarca del estilo de su maestro tal y como lo

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demuestra en La Leyenda de Santa Cruz de Arezzo y, sobre todo, a través del manejo de la luz proveniente de la posterior del cuadro.

Más rompedor resulta Mantegna, con su representación de telas duras, figuras escultóricas con mucho volumen y, sobre todo, el uso repetitivo del escorzo, lo cual siempre va a otorgar profundidad a las imágenes como se puede observar en obras como El Cristo Yacente o El Tránsito de la Virgen.

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Por último, dentro del Quattrocento, destacar a Perugino, el cual no es un pintor demasiado innovador pero destaca, sobre todo, por la nostalgia que representa en los rostros y una concepción espacial que precede claramente al estilo de Rafael Sanzio.

Esto se puede observa en obras como La Entrega de las Llaves a San Pedro, que se encuentra en los muros laterales de la Capilla Sixtina, anterior a la pintura de la bóveda realizada por Miguel Ángel.

o Maestros del Cinquecento: Los pintores del siglo XVI se reparten según los encargos que

reciben entre Florencia y Roma dado que Florencia continúa siendo la cuna de los principales artistas donde se forman como pintores pero posteriormente acuden a Roma atraídos por el mecenazgo papal.

Generalmente en todos ellos se aprecia una gran importancia otorgada al dibujo y destacan por encima del resto tres maestros: Leonardo Da Vinci, Rafael Sanzio y Miguel Ángel Buonarroti.o Leonardo Da Vinci:

Representa el arquetipo de hombre del Renacimiento. Su conocimiento científico, sus obras de cultura clásica

y, sobre todo, sus obras de arte nos hablan de un fuera de serie.

De hecho, dos de sus cuadros están entre las principales obras de arte de la historia: la Gioconda y La Última Cena aunque anterior a estas dos pintó otros muchos cuadros de gran calidad, como, por ejemplo, La Virgen de las Rocas en la cual ya deja demostrado su manejo de la composición triangular y los juegos de luces y sombras que dan lugar a la técnica denominada sfumatto.

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Dicha técnica conlleva un difuminado del dibujo a través de la utilización de luces y sombras que otorgan un gran volumen a las figuras y, al mismo tiempo, contribuye también a crear un ambiente enigmático.

La obra más emblemática, que pintó Leonardo es La Gioconda o Mona Lisa la cual ofrece múltiples interpretaciones al respecto de la expresión del personaje.

Se trata de un retrato de la mujer de un poderoso local, un gioconde, de donde toma el nombre.

Es un cuadro de pequeño formato que inició en el año 1503 y cuya fecha de finalización no queda muy clara dado que siempre lo llevaba consigo y realizó varios retoques.

Uno de los retoques principales que realizó fue darle una capa protectora con un barniz especial lo cual ha contribuido a su buena conservación.

Técnicamente hablando se trata de un retrato de busto en el cual las manos, en primer plano, alejan el resto del cuerpo del espectador y el fondo se difumina siguiendo la técnica del sfumatto con zonas de luces y sombras.

La otra obra maestra La Última Cena lamentablemente no se ha conservado tan bien.

Se trata de una pintura al fresco sobre muro que se encuentra en el Convento de Santa María de las Gracias, en Milán, el cual se encuentra en un estado ruinoso dado que los monjes no han hecho mucho por su conservación y además también influye una sustancia que el propio Leonardo aplicó para otorgar más brillo y que ha acabado disolviendo la roca caliza.

Se trata de una composición sencilla, en dos grupos parejos y cuyo eje de simetría lo constituye la propia figura de Cristo.

Dicha figura presenta una gran quietud lo cual contrasta con el movimiento violento e incluso casi desordenado de los dos grupos.

Se trata de una obra que le llevó mucho tiempo dado que llevó a cabo un minucioso estudio sobre cada una de las figuras que iba a representar.

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o Rafael Sanzio: Es el pintor más prolífico de todo el Renacimiento con

lo cual un gran número de obras se atribuyen a su taller y no a él directamente lo cual en ocasiones le ha beneficiado dado que algunas no son tan brillantes.

Entre su temática destaca, sobre todo, el tema religioso Anunciaciones, Sagrada Familia, etc.) a lo que habría que unir retratos y grandes composiciones.

Destacan sus Madonnas, que son representaciones de la Virgen con el Niño, en las cuales va a desarrollar grandes efectos de luz y composición, todo ello sobre un paisaje muy colorido, con grandes contrastes entre azules y verdes que ayudan a crear un gran espacio y profundidad.

En otras ocasiones consigue la profundidad gracias a la creación de un espacio arquitectónico fingido como, por ejemplo, en las grandes composiciones de La Escuela de Atenas o La Disputa del Santísimo Sacramento, ambos situados en las logias (naves laterales) del Museo Vaticano.

En ambos cuadros destaca, sobre todo, el tratamiento de una composición muy complicada, con numeroso personajes en distintas actitudes lo cual ya comienza a hablar un poco de las grandes composiciones del Barroco en los que da la sensación de que la escena continúa más allá de los márgenes del cuadro.

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o Miguel Ángel: Tras ver al Miguel Ángel arquitecto y al

sublime Miguel Ángel escultor, destacamos también su labor como pintor.

En pintura, Miguel Ángel va a retener toda la energía que demostraba en la escultura y la va a mostrar a través del dibujo y la inquietud por la representación del movimiento.

Su obra principal como pintor, sin ninguna duda, son los frescos de la Capilla Sixtina tanto en la bóveda como en el muro que se encuentra tras el altar.

Para la bóveda se reserva escenas bíblicas de la creación mientras que en el muro representa la imagen del Juicio Final.

En su conjunto la obra pictórica de la Capilla Sixtina es una de las más dinámicas que ha dado la Historia del Arte en la que gigantes musculosos se mueven y se retuercen en un reducido espacio dando la sensación de angustia.

A la expresividad también contribuyen los grandes contrastes de colores (rojos, azules brillantes) y a todo ello habría que unir un gran sentido de la perspectiva y también la creación de arquitectura fingida a través de la pintura.

Todo ello habla sin duda ya de un nuevo lenguaje artístico en pintura dado que muchos historiadores del arte conciben esta obra dentro ya del Manierismo.

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o Escuela Veneciana: En Venecia la pintura sigue una línea

distinta a lo que se hacía en Florencia o Roma.

Sin embargo, no por ello, va a dejar de ser influyente en la historia de la pintura

Esta escuela comienza con dos pintores: Bellina y Carpaccio, los cuales vana poner las bases de una pintura en la que domina claramente el color sobre el dibujo, de hecho, en la Escuela Veneciana, el dibujo llegará a desaparecer.

En el Cinquecento van a surgir varios maestros de renombre que van a elevar la Escuela Veneciana al máximo nivel.

Estos grandes artistas son Tiziano, Veronés (o El Veronés) y Tintoretto, los cuales van a dejar el camino preparado para el Barroco.

En Venecia se desarrolla este nuevo estilo pictórico debido, en gran parte, a las propias condiciones climáticas de la ciudad, con un ambiente neblina, brumoso, que hace que los contornos se difuminen perdiendo fuerza a favor del color, un color que, en el caso de Venecia tiene una explicación histórica dado que Venecia es una república comercial lo que ha

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provocado que sea un lugar visitado por numerosos y variados personajes, muchos de ellos ataviados con todo tipo de prendas llamativas como turbantes, túnicas, todas ellas en seda brillante y colores vistosos.

Por último, habría que decir que Venecia es una ciudad festiva, con procesiones, banquetes, carnavales, lo cual también se va a representar en la pintura dando lugar a un estilo muy dinámico y con una gran sensación de movimiento.

Características generales de la Escuela: Culto al color, en el que el

cromatismo se impone claramente a la línea florentina y además la utilización de tonos cálidos que otorgan sensación de belleza y un ambiente opulento o de lujo.

Otra característica es el hecho de cómo se destacan los temas secundarios, muchos de ellos, anecdóticos, pero que gozan de la misma atención que el tema principal, el cual en muchas ocasiones incluso queda desplazado.

La exaltación de los detalles lujosos: elementos arquitectónicos, cortinajes, palacios, etc.

Paisaje poético con mucha luz que adelanta ya el paisaje romántico tal y como aparece en las obras de Tiziano y Giorgione.

Tiziano: Destaca, en primer lugar, como

retratista de hecho va a ser contratado por los grandes personajes del momento para ser retratados entre los cuales se encuentra el emperador Carlos V.

A Carlos V le retrata a caballo en la batalla de Mühlberg así como los de su mujer, Isabel de Portugal.

En dicho retrato se puede observar una gran profundidad de paisaje así como los detalles suntuosos o lujosos de los ropajes y, sobre todo, destaca el tratamiento psicológico del personaje, dejando ver al espectador su mundo interior.

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Tiziano también cultiva el tema mitológico para lo cual va a utilizar una representación de formas blandas y redondas que obtienen un gran volumen lo cual va a ejercer una gran influencia sobre el posterior

Rubens. Entre los cuadros mitológicos

destaca Venus y el Amor, Danae, y su cuadro más famoso se encuentra en el Museo del Prado, es La Bacanal.

En éste último el tema mitológico es tratado como una fiesta alegre, campestre y como es un tema mitológico le permite tratar los desnudos pero además también destaca por la representación de la calidad de telas, vidrios, etc.

Se trata de un cuadro en el que Tiziano realiza un estudio anatómico de las diferentes edades pasando de la niñez a la vejez todo ello bajo un cielo azul intenso que contrasta con el verde del bosque, todo ello inundado de luz.

Posteriormente su técnica va a cambiar pasando a una pincelada más pastosa, menos nítida, que le lleva a la mancha lo cual provoca que la forma se deshaga.

Esto se deja ver, sobre todo, en sus últimas obras como su Autorretrato, ya anciano, que se encuentra en el Museo del Prado y el cual ya adelanta en gran medida al posterior tenebrismo.

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Veronés: Verdones es probablemente el

mejor representante en cuanto a la plasmación del lujo y de lo suntuoso tales como mármoles, columnatas balaustradas, jardines y personajes vestidos con sedas, joyas, etc.

Estas características se dejan ver en la obra Venus y Adonis, en la que la diosa aparece semivestida pero con broches y pulseras de oro y sedas.

También destaca la importancia que otorga a los temas secundarios llegando al extremo de esta característica dentro de la escuela.

Un ejemplo de esta característica es el cuadro de Las Bodas de Caná en el Louvre en el cual se puede encontrar prácticamente de todo: perros, músicos, criados, comida, etc., y todo ello a la misma altura o misma importancia que el tema principal.

Toda esta escena está enmarcada en un ambiente arquitectónico de máxima calidad con mármoles, columnas clásicas, etc., que, al mismo tiempo, otorga una máxima sensación de profundidad.

La composición está organizada en dos niveles en línea horizontal que otorga al mismo tiempo equilibrio y también movimiento dadas las diferentes actitudes y posiciones de los personajes.

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Tintoretto: Significa el epílogo del Renacimiento

presentando unas composiciones claramente manieristas dentro de las cuales destacan luces intensas que contrastan con sombras, escorzos, sensación de inestabilidad, paisaje romántico, profundidad lograda mediante perspectiva y claro-oscuro, en fin, un lenguaje en la línea del posterior Barroco.

Entre sus obras destaca El Lavatorio de los Pies, que se encuentra en El Prado.

Es un cuadro que presenta todas las características citadas a lo que habría que añadir esa tendencia de la Escuela Veneciana de subordinar el tema principal ante temas anecdóticos o secundarios.

Además, en Tintoretto se puede observar una gran calidad técnica y una mayor expresividad que en el resto de los pintores venecianos lo cual se deja ver en su extensa obra (más de 50 cuadros) entre los que destacan múltiples obras para la Iglesia de San Rocco en Venecia, entre las que destacan las series del El Nacimiento y El Calvario.

En estas obras, Tintoretto, hace descender el punto de vista a ras de suelo, loo cual provoca la sensación de que el fondo se aleje del espectador

dado que se encuentra al mismo nivel. Esto va a influir de forma definitiva

posteriormente en El Greco.

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Difusión del Renacimiento por Europa: Durero.o La realidad es que, aparte de España, el Renacimiento italiano no tuvo

mucha expansión por Europa con lo cual cabe destacar a Alberto Durero (†1528) en Alemania que, junto a su inquietud y curiosidad por todo tipo de expresión artística, está su afición por los viajes que le llevan a enamorarse de Italia.

o Por lo tanto, en su estilo va a unir su fantasía interior con el lenguaje artístico del Renacimiento.

o Destaca un dibujo milimétricamente tratado dado que intentaba lograr la belleza a través de la lógica matemática lo cual le llevó a escribir varios tratados sobre proporciones humanas y medidas idóneas para la arquitectura.

o El tratamiento minucioso del dibujo lo adquiere en su época de grabador y va a ser un dibujo que no sólo afecta a las figuras humanas sino que también lo traslada a la representación de animales y plantas con un naturalismo extremo.

o Pese a que, como pintor al óleo sobre lienzo destaca, lo cierto es que es su dimensión como grabador lo que le convierte en un maestro de la Historia del Arte.

o Dentro del grabado destaca por la técnica de la xilografía que se basa en una talla sobre madera, posteriormente esta plancha de madera se entinta y da lugar a numerosas series.

o Con esta técnica realiza tres series principales, La Pasión, La Vida de la Virgen y El Apocalipsis.

o Además de la xilografía también utiliza el grabado calcográfico, realizado sobre planchas de cobre que permiten una mayor producción.

o En sus viajes a Italia va tomando influencias de Mantenga y de Bellini, lo cual le hace cambiar en cuanto a la composición pasando de una composición concentrada a otra más ligera como, por ejemplo, el cuadro Adán y Eva, el cual se encuentra en el Museo de Prado.

o Sin embargo, en 1520 la Reforma está en pleno apogeo en Alemania y Durero, que es un protestante profundo, vuelve de nuevo a su estilo más reflexivo y severo utilizando colores más apagados, fondos austeros, en definitiva, pierde la alegría cromática que había perdido en Italia.

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Manierismo:o Se desarrolla, sobre todo, a partir de los años 30 del siglo XVI y surge a

raíz de un omento de crisis en los ideales de belleza que se habían defendido hasta el momento, creando una tendencia que se podrías denominar como “anticlasicista”.

o Rasgos generales del Manierismo:1. Se abandona el canon de belleza clásico lo que provoca que se

acabe el equilibrio y, en su lugar, se pase al movimiento, a la tensión, elementos que ya estaban presentes en algunos maestros del renacimiento como Miguel Ángel.

2. Alejamiento de la realidad llegando incluso al irrealismo y la abstracción olvidando la relación entre personajes y escenario.

3. Convencionalismo en el uso del color y postura de las figuras tanto en escultura como en pintura.

o En cuanto a la arquitectura manierista:1. Se altera la correspondencia entre las partes y el conjunto del

edificio rompiendo con la lógica de relaciones espaciales que se daba en la estructura renacentista.

2. Se prefieren los espacios longitudinales y estrechos que favorecen la perspectiva.

3. Se pierden los ejes de simetría o axiales, que ordenan los edificios en partes iguales.

o En cuanto a la escultura:1. Destaca Juan de Bolonia (1529-1608) el cual va a aportar un gran

movimiento a sus obras multiplicando los puntos de vista como, por ejemplo en su obra El Rapto de las Sabinas, que es una composición llena de tensión y de dolor lo cual ya está en la línea de la teatralidad posterior barroca.

2. Otro escultor es Benvenutto Cellini (1500-1571) que, en la misma línea de Juan de Bolonia, destaca por una escultura llena de dramatismo como La Cabeza de Medusa en la línea de la época helenística y adelantando también el posterior lenguaje barroco

o En cuanto a la pintura:1. Destaca la arbitrariedad o libertad a la hora de elegir la temática,

color y proporciones.2. Como consecuencia de esto, las figuras se alarga, como en el caso de

La Madonna del Cuello Largo, obra de Parmigianino, una obra en la cual ya aparecen numerosos escorzos y personajes que se retuercen para expresar un dramatismo en un marco cerrado que inspira una gran angustia. Destaca, sobre todo, las dimensiones y falta de

proporción en la representación del Niño Jesús y, tal y como el nombre de la obra indica, el cuello de la Virgen, el cual es desmesuradamente largo, aspecto que ahonda en el intento de huir de la realidad.

3. Junto a estas distorsiones del Renacimiento aparecen ya claramente rasgos barrocos, sobre todo a través de la utilización de fondos oscuros o en penumbra y un foco de luz único que ilumina el primer plano lo cual habla ya de los inicios del Tenebrismo de Caravaggio.

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