técnica y estética...
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Técnica y estética impresionista
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Objetivos
Describir los elementos que componen la estética
impresionista.
Reconocer las técnicas utilizadas por los pintores
impresionistas.
Distinguir los avances tecnológicos que impactaron
en la técnica y estética impresionista.
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Repaso
Duración del movimiento de1876 a 1886. De ahí en adelante cada artista siguió por su cuenta.
Influencias: Gustave Courbet, Edouard Manet y Theodore Rousseau.
Principales exponentes del impresionismo.
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Impresión, amanecer / Claude Monet 1872
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El almuerzo de los remeros / Pierre-Auguste Renoir 1881
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La estrella, o Bailarina en escena/ Edgar Degas 1878
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La lectura / Berthe Morisot 1869-70
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Arcoiris/ Camille Pissarro 1877
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Niños en la playa / Mary Cassatt 1884
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Estética impresionista:
Temas, composición, uso del color
Observa las dos pinturas que se muestran a
continuación y menciona algunas diferencias que
reconozcas en cuanto a:
Uso del color
Tema
Composición
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Último día de un condenado
Mihály Munkácsy
Medalla de oro en el Salón de París
1870
La playa en Trouville
Claude Monet
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Estética impresionista
La estética es una rama de la filosofía que se
ocupa de analizar y resolver todas aquellas
cuestiones relativas a la belleza y al arte en
general.
Hay tres elementos clave que nos ayudarán a
entender la estética impresionista:
Temática
Uso del color
Composición
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Temáticas
Dos corrientes principales:
Paisajes
Escenas de la vida cotidiana/ Gustos y costumbres
Ninguna de estas corrientes tiene más importancia
que la otra.
Ambas tienen en común la necesidad de captar en
la obra sensaciones de luz.
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Temáticas - Paisaje
Pintar al aire libre (en plein air) es una
característica fundamental del impresionismo.
Los artistas pintaban en el exterior directamente,
de forma rápida e intentando capturar los efectos
de la luz sobre un objeto en el menor tiempo
posible.
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Temáticas – Vida cotidiana
Los impresionistas representaron los intereses y vida
cotidiana de la creciente clase media, que ahora
tenía acceso a paseos y diversiones.
Este tema, con toda su amplitud, permitía al artista
plasmar momentos fugaces de la vida como si se
tratara de fotografías.
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Bebedores de ajenjo / Edgar Degas 1876
Escenas de la vida
cotidiana
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El té / Mary Cassatt 1880
Gustos y costumbres
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Puente de Villeneuve-la-Garenne / Alfred Sisley 1872
Paisaje 18
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Catedral de Ruan / Claude Monet 1892-93
Sensaciones de luz 19
Uso del color
Al salir al aire libre los artistas entendieron los
efectos cambiantes de la luz y los colores en los
objetos y la naturaleza.
Se consideraban realistas y querían captar las
cosas tal y como las percibían, por lo que fue
fundamental plasmar la luz en todas sus formas.
Trabaja sobre la idea de captar momentos muy
específicos en el tiempo.
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Uso del color
Los impresionistas rechazan las sombras oscuras y transparentes, el modelado tonal, los tonos sobrios y tierra típicos del claroscuro académico.
Prefieren usar imprimaciones claras y superficies uniformemente cargadas de pintura mate y opaca.
La producción mecanizada de pigmentos y el uso de tubos que se transportaban fácilmente permitió a los artistas salir y captar escenas, pero esto también modificó la forma de utilizar el color, pues al unificar la textura de las pinturas se facilitó el uso de colores que antes no eran ‘compatibles’.
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Técnicas en la pintura impresionista
La producción mecanizada de pigmentos impactó
también en la técnica.
La densidad de la pintura dificultaba trabajar las
sombras con veladuras como se hacía antes, lo que
llevó a los pintores a trabajar las sombras de
forma diferente, utilizando plastas de color opaco
y añadiendo después detalles de luz.
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Catedral de Rouen / Claude Monet 1892-93
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Técnicas en la pintura impresionista
Por otro lado, con la producción masiva de pinturas se dejó de utilizar el aceite de linaza como coagulante y en cambio se utilizó el aceite de adormidera.
La principal diferencia entre ambos aceites es que el de linaza permite un acabado liso y uniforme, mientras que el de adormidera tiene una textura cremosa que conserva la marca de las pinceladas.
La pincelada visible y las texturas que forma son parte de la estética impresionista y llegó a ser visto como un sello del artista.
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Técnicas en la pintura impresionista
Utilizan paletas de colores reducidas con las que podían trabajar más rápido.
Mezclan pinceladas de distintos colores y dejan que el ojo del espectador los perciba.
Los colores brillantes y la participación del espectador imita el efecto cambiante de la luz natural.
Uso de colores claros para representar las manchas de luz, así como reflejos de colores cálidos o fríos, dependiendo de dónde se encontrara el objeto.
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Paleta de colores reducida
Impresión, amanecer / Claude Monet 1872
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Retrato de Chocquet/ Paul Cézanne 1875
Mezcla de colores
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Mujer con sombrilla/ Claude Monet XXX
Colores brillantes imitan el efecto
de la luz natural y reflejos
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Otras influencias
Además de los cambios que trajo la mecanización
de la producción de pinturas, hay dos factores que
influyeron notablemente en la estética y técnicas
impresionistas:
La fotografía
El arte japonés
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Fotografía
Durante mucho tiempo el ideal en la pintura fue el
ejemplo de los artistas holandeses del siglo XVII,
que con sus detalles y claroscuros lograban captar
fielmente las escenas.
Sin embargo al surgir la fotografía, siendo una
herramienta tan primitiva desde el punto de vista
técnico, ésta presentaba imágenes poco detalladas
y con contrastes muy marcados entre los tonos
claros y oscuros.
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Fotografía
La fotografía no podía reproducir una gradación
tonal amplia, por lo que era común que las
imágenes se representaran con bloques de luces y
sombras, efecto que fue adoptado por los artistas
impresionistas, quienes vieron en ello una forma de
plasmar una impresión simplificada y directa del
mundo.
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Fotografía , 1845
Claude Monet, 1870
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Fotografía
Por otro lado la fotografía de entonces no era
selectiva como el ojo humano, que enfoca o
desenfoca elementos según entran o salen del
campo de visión.
La cámara plasmaba todos los elementos de una
imagen con la misma intensidad, lo que motivó una
búsqueda por un interés global en la pintura y a
incluir personajes captados en algún movimiento
inusual, como en una fotografía instantánea.
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El almuerzo de los remeros / Pierre-Auguste Renoir 1881
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El té / Mary Cassatt 1880
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Cantante con guante/ Edgar Degas 1878
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Arte Japonés
El arte japonés fue popular en Francia a partir de
1860 y constituye una fuerte inspiración para los
impresionistas, ya que ofrecía una alternativa a los
convencionalismos de la época.
Estos grabados ofrecen una forma diferente de
coloración, al presentar zonas planas de color sin
modelar con gradación de tonos.
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Arte Japonés
El arte japonés no utiliza el punto de fuga, sino que
sugiere la profundidad del espacio colocando los
elementos unos detrás de otros, y utilizando a
menudo perspectivas poco usuales.
Tampoco usa una composición centrada en un punto
de interés, sino que colocan elementos de tal forma
que el ojo ‘pasea’ por la imagen, pasando de un
punto al otro.
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Xilografías japonesas
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Arte Japonés
Siguiendo este ejemplo, muchos artistas empezaron a prescindir de la composición focal, experimentando con diseños que no mostraran alguna jerarquía.
Una posible desventaja de esta composición es que la combinación de focos de interés, el aplanamiento del espacio y la carga de colores en toda la pintura a veces hacía difícil comprender la intención del pintor.
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Perspectiva similar
1874
La clase de danza/ Edgar Degas
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1862 Música en las Tullerías / Edouard Manet
Combinación de focos de interés 42
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1865 Mujer con crisantemos/ Edgar Degas
Carga de colores y composición poco usual 43
Análisis de la obra
impresionista
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Edgar Degas - Escuela de danza, 1874
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Pierre Auguste Renoir - Moulin de la Galette, 1876
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Camille Pissarro - Boulevard Montmartre: Tarde lluviosa,1897
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Paul Cézanne - Auto-retrato con fondo rosa, 1875
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Auguste Rodin
Impresionismo en la escultura
Aunque el impresionismo es un movimiento principalmente pictórico, hay un escultor que es considerado impresionista por el papel que juega la luz en su escultura, así como por la textura que utilizó para enriquecer su obra: Auguste Rodin.
Se considera el mejor escultor de su época y un renovador de la escultura. Influido por Miguel Ángel, se interesó por las calidades de los materiales, dejando al modelar partes inacabadas para conseguir mayor expresividad y estudiar los contrastes y juegos de la luz.
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Impresionismo en la escultura
Rodin dotaba a su trabajo de gran expresividad a través del modelado y la textura. Se le considera uno de los escultores más importantes del siglo XIX y principios del XX.
Nació en París el 12 de noviembre de 1840, hijo de un oficial de policía. Estudió arte en una escuela pública para artesanos y por su cuenta en el Louvre, ya que no fue admitido en la École des Beaux-Arts.
Durante muchos años trabajó para otros escultores, incluido Ernest Carrier-Belleuse. Rodin colaboró, a principios de la década de 1870 en la realización de una escultura arquitectónica para la Bolsa de Bruselas.
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Impresionismo en la escultura
En 1875 viajó a Italia, donde se sintió atraído por el
tratamiento del movimiento y la acción muscular en las obras
de los escultores del renacimiento Donatello y Miguel Ángel.
Para Rodin, la belleza en el arte consistía en una
representación fidedigna del estado interior, y para lograr
este fin a menudo distorsionaba sutilmente la anatomía.
Su escultura, en bronce y mármol, se divide en dos estilos. El
más característico revela una dureza deliberada y donde la
textura juega un papel importante. El otro está marcado por
una superficie pulida y la delicadeza de la forma.
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Impresionismo en la escultura
Rodin produjo algunas esculturas importantes entre 1858 y 1875, incluyendo entre ellas Hombre con la nariz rota. Sin embargo, su reconocimiento llegó en 1877 con la exhibición en el Salón de su desnudo masculino La era de bronce.
Por su realismo, este trabajo levantó controversia y provocó la acusación de que Rodin había hecho moldes de yeso a partir de modelos vivos. La exhibición en 1880 de su desnudo San Juan Bautista, que resaltaba las cualidades humanas del sujeto, acrecentó su reputación.
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Impresionismo en la escultura
En este mismo año comenzó a trabajar en las Puertas
del infierno, una puerta de bronce esculpido para el
Museo de las Artes Decorativas de París. La puerta
representaba principalmente escenas del Infierno, la
primera parte de la Divina Comedia de Dante. Aunque
Rodin no completó la obra, creó modelos y estudios de
muchos de sus componentes escultóricos, siendo todos
ellos aclamados como obras independientes. Entre estos
trabajos se encuentran El beso, Ugolino, El pensador,
Adán y Eva.
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Impresionismo en la escultura
En 1886 terminó Los burgueses de Calais, un grupo en
bronce en el que se representan personajes históricos.
Rodin también produjo numerosos retratos en los que se
revelan los estados emocionales de los sujetos. Entre
ellos, trabajos de cuerpo entero de los escritores
franceses Honoré de Balzac y Victor Hugo, también
hizo bustos de los artistas franceses Jules Dalou,
Carrier-Belleuse y Pierre Puvis de Chavannes.
Murió en Meudon, cerca de París, el 17 de noviembre
de 1917.
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La era de bronce – 1875-76
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Bronce
Hombre dando un paso - 1877
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Yeso
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San Juan Bautista predicando - 1878
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Bronce
Llamado a las armas - 1879
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Bronce
Rose Beuret - 1880
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Yeso
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La sombra - 1880
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Bronce
El pensador - 1880
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Bronce
Mujer agachada – 1880-82
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Bronce
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La que fue la hermosa esposa del fabricante de
cascos – 1880-85
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Bronce
Las puertas del infierno – 1880 - 1917
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Bronce
Eva - 1881
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Bronce
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Amor fugitivo – 1881-87
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Bronce
Marsyas (Torso de hombre cayendo)- 1882-89
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Bronce
Cariátide con urna- 1883
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Bronce
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El hijo pródigo - 1884
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Bronce
Fauna hincada – 1884-86
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Bronce
Los burgueses de Calais – 1884-86
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Bronce
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Estudio para Jean d'Aire – 1884-86
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Bronce
Jean de Fiennes, Vestido – 1885-86
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Bronce
Dánae – 1885-89
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Bronce
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Dánae – 1885-89
76
Bronce
El beso - 1886
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Mármol
Pensamiento (Camille Claudel)- 1886-89
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Mármol
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Paolo y Francesca – 1887-89
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Bronce
La doliente – 1889-92
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Bronce
Iris, mensajera de los dioses- 1890
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Bronce
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28
Busto heroico de Víctor Hugo – 1890-97
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Bronce
Estudio desnudo de Balzac - 1892
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Bronce
Balzac - 1898
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Bronce
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Invocación - 1900
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Bronce
Cierre
Estética impresionista
Temas Paisaje
Vida cotidiana
Composición
Múltiples puntos de interés
Personajes captados ‘al descuido’
El ojo ‘pasea’ por la composición
Uso del color
Luz en todas sus formas
Imprimaciones claras, plastas de pintura mate y opaca
Colores brillantes que imiten el efecto de la luz natural
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Cierre
Técnica
impresionista
Manejo de
sombras
Evitan veladuras y transparencias
Aplican colores opacos y después detalles de luz
Aplicación de color
Pinceladas con textura
Manchas de colores para que el ojo los mezcle
Paleta de colores reducida que permite trabajar más rápido
Placas de color sin dar volumen con gradación de tonos
Reflejos en luces y sombras de acuerdo al entorno
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Cierre
Influencias
Gustave Courbet, Edouard Manet y Theodore Rousseau
Arte japonés
Fotografía
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Tarea
Para antes de la siguiente sesión
sube a tu blog por lo menos tres
ejemplos de fotografías o
ilustraciones comerciales en las que
sea evidente la inspiración
impresionista.
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Referencias
Técnicas de los impresionistas, Anthea Callen.
http://www.artchive.com
http://www.historiadelarte.us/impresionismo/la-
tecnica-impresionista.html
http://www.artelista.com/impresionismo.html
http://josecabello.com/impresionismo.html
http://www.epdlp.com/pintor.php?id=356
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