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TEATRO GRIEGO

Arquitectura Escénica En un principio la gente se aglutinaban alrededor del ruedo y una pequeña caseta hacía las

veces de vestuario.

Posteriormente se construyeron unas gradas de madera que una vez que terminaba la fiesta

se desmontaba.

Las gradas de madera quedaban pequeñas, y por el año 500 ac se hicieron gradas de piedras

más sólido y con más capacidad. Para eso se aprovechó la ladera de la colina que había

junto a la Acrópolis.

La skene, parte contigua al muro, elevada como el proscenio sobre la orquesta, seria

inicialmente el lugar reservado a los dioses.

El muro de la skene se revistió más tarde con alguna colgadura. Al principio, en el espacio

escénico no debió figurar ningún lugar extra escénico. Este debía ser creado por la

imaginación de los espectadores. Siguiendo las indicaciones del texto.

El teatro griego quedo configurado:

Un espacio circular (orquesta) en cuyo centro había una pequeña thymile destinada al dios

Dionisos. En la orquesta evolucionaba el coro.

Un hemiciclo (theatron) que se adaptaba de forma semicircular a la orquesta. Que era un

graderío donde se sentaban los espectadores. Estaba dividido horizontalmente por

corredores (diazomatos) y verticalmente por escaleras (kerkides).

Las gradas delanteras inferiores (poedrios) estaban reservadas a los sacerdotes de Dionisos,

a los aristócratas y a los invitados de honor. También se sentaban los autores y el jurado.

Imágenes sacadas del libro Historia visual del escenario de

Gómez José Antonio Editorial La Avispa. Año 2000

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Los adolescentes tenían localidades especiales y las mujeres y los esclavos tenían

destinadas las filas superiores.

Frente a las gradas estaba la skene (escena) donde los personajes interpretaban la acción. La

eskene tenía un cuerpo edificado de 6 metros de altura y en la parte delantera estaba

adosado el proscenio (Proskenion) cuya forma era alargada y poco profunda.

La skene en un principio de remato con un tejado, con el paso del tiempo se convirtió en

una especie de azotea (theologeiom) que era el lugar donde se colocaban los dioses. Se

cerraba la skene con dos edificios que avanzaban hacia la orquesta (paraskenia) usado en

ocasiones para ocultar la maquinaria (deux ex machina) que se empleaba para hacer

descender a los dioses o a los héroes situados en el theologeiom al proscenio.

Imágenes sacadas del libro Historia visual del escenario de Gómez José Antonio Editorial La Avispa. Año 2000

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La tragedia presentaba una escena de un palacio con columnas y frontones, y la comedia

tenia casas normales con balcones.

A finales del siglo IV A.C. el coro queda reducido a un papel de mirón. Esto hace que la

escena cambie de forma, anteponiéndose a la misma una plataforma (togeion) en la que se

desarrollaban las escenas más importantes.

Escenografía y Maquinaria En tiempo de Esquilo, el espacio escénico se integró en el espectáculo para sugerir los

lugares comunes de la acción (palacio, fortaleza, lugar elevado...), lo que se conseguía por

medio de un telón de fondo y de unos bastidores, llamados periactois, colocados en los

laterales del proscenio.

Sofocles introduzco por primera vez los decorados escénicos y la tramoya. Así, además de

la grúa que se usaba para hacer descender a los dioses, se empleó una trampilla para

realizar apariciones de personajes.

La máquina de truenos, las telas de enmascarar, los periaktti, eran elementos usados en la

escenografía y tramoya y en los denominados mecanopoio.

Imágenes sacadas del libro Historia visual del escenario de

Gómez José Antonio Editorial La Avispa. Año 2000

Cuando el fondo de la skene debe alterarse por exigencias de la dirección se solía ocultar

con telas pintadas con motivos, según las necesidades. También se recurría a una prisma

triangular (periaktes) que giraba sobre un pivote y que tenía dibujado en sus respectivas

caras motivos alegóricos a la acción que se representaba y que se ajustaban a las telas

pintadas del fondo.

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Imágenes sacadas del libro Historia visual del escenario de Gómez José Antonio Editorial La Avispa. Año 2000

Otro recurso escénico fue el ekklykema, era una especie de tarima sobre ruedas donde se

representaban las escenas nocturnas o que tenían lugar en interiores. Esta tarima se hacía

avanzar desde una puerta del fondo y de nuevo desaparecía cuando terminaba la escena.

Estos bastidores podían incluso girar sobre si mismos para presentar en sus caras nuevos

decorados a lo largo del espectáculo. Y a con Eurípides se disponía igualmente de una

plataforma móvil, de una polea en el techo de la skene para alzar por los aires a los dioses.

El ruido de terremotos o truenos se hacía mediante una especie de tambores metálicos o de

madera en cuyo interior se hacían rodar unas piedras. También se empleaban practicables

como estatuas, adornos, etc.

Los decorados en las obras griegas no cambiaban. Dependiendo del tipo de obra la

decoración presentaba una u otra configuración.

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Imágenes sacadas del libro Historia visual del escenario de Gómez José Antonio Editorial La Avispa. Año 2000

Vestuario Los griegos en sus celebraciones rituales usaban las máscaras o disimulaban la cara con

barro, azafrán y otros productos. La máscara opera la transmutación del actor en personaje.

El ocultar la cara simboliza el vestirse con elementos nuevos y no comunes, necesarios para

realizar el rito, era también un ritual

En Aristófanes se dan las máscaras Figurativas de animales — ranas, aves. Con el tiempo,

los artesanos consiguieron un realismo sorprendente en sus máscaras que pudo poner en

peligro la tipificación de los personajes. Pero este realismo estuvo en correspondencia con

los textos dramáticos. Como por ejemplo aquella representación de Aristófanes que hace

salir a escena al filósofo Sócrates: la fidelidad al modelo fue tal que el propio Sócrates, que

se encontraba entre los espectadores, se puso en pie para que estos no creyesen que estaba

en escena representándose a sí mismo.

La máscara al ir figurada en un casco que agranda las dimensiones normales de la cabeza

humana, hace más visible al personaje.

También permitía que un actor pudiese representar perfectamente a varios personajes con

solo cambiar de mascara.

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Imágenes sacadas del libro Historia visual del escenario de Gómez José Antonio Editorial La Avispa. Año 2000

Los coturnos: son una especie de zapatos de madera con alza que servían para dar altura al

actor. Conseguían que los personajes nobles destacasen sobre el coro y dar proporción al

actor con la gran máscara. Así el actor era enorme, con lo que el público podía verlo con

facilidad. Generalmente solo eran usados en la tragedia.

Este gigantismo conlleva un simbolismo psicológico y moral que creaba en los

espectadores efectos de sobrecogimiento propios para experimentar la catarsis de que nos

habla Aristóteles.

Imágenes sacadas del libro Historia visual del escenario de Gómez José Antonio Editorial La Avispa. Año 2000

Los trajes usados por los actores griegos resumían la moda ática de acuerdo con los

personajes que representaban.

Los trajes usados eran túnicas, cortas o medias y mantos. Según los colores de las ropas el

personaje tenía más o menos importancia, así, los colores oscuros eran para los personajes

tristes, los alegres para los importantes o los colores normales para la gente del pueblo. Las

almohadillas servían para abultar el tronco humano a fin de que guardara la debida

proporción con la altura. Los monarcas usaban una corona como símbolo de su dignidad y

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mando. La máscara hacia a veces de megáfono. Esquilo fue el inventor de la máscara.

Vistió a sus personajes con una amplia túnica rellena de cojines y los calzo con una especie

de bota de caña alta y gruesa suela llamada coturno.

Los interpretes de la obra y los miembros del coro llevaban mascaras realizadas de una

pasta de trapos moldeada o de madera tallada, pintadas y algunas rematadas con una peluca.

Cada mascara pertenecía a un tipo de personaje.

Dramaturgia – Inserción social Sobre el 600 a.c. en homenaje al dios Dionisos se organizaba en Atenas unas fiestas

denominadas “Grandes Dionisiacas”, Duraban 6 días, había una procesión, concurso de

coros y los últimos 3 días se dedicaban a representaciones teatrales.

Los actos daban comienzo con una procesión donde en un carro festivo viajaba la estatua

del dios Dionisos. Era un carro tirado por dos sátiros acompañados por danzarines y

músicos.

Imágenes sacadas del libro Historia visual del escenario de Gómez José Antonio Editorial La Avispa. Año 2000

El lugar de la celebración era junto al santuario de Dionisos situado al sur de la Acrópolis,

en una explanada en forma de terraza se disponía el ruedo donde actuaba el coro (orquesta)

y en medio de ella el altar de los sacrificios.

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Los griegos asistían a ceremonias religiosas en honor a sus dioses. Por medio de danzas y

cánticos se rendía culto a los dioses, como lo era principalmente la festividad de Dionisos.

Se sacrificaba un carnero en un altar y se cantaba el ditirambo. Un coro cantado por unos

cincuenta hombres o niños. Su contenido era más lirico que dramático. En los ditirambos se

invita generalmente a los dioses a que desciendan a la tierra para presenciar el canto del

Coro, en el que se va a agasajar muy particularmente a uno de esos dioses Dionisos. Antes

de la construcción de los teatros, los coros ditirambicos actuasen al aire libre, rodeados por

los espectadores. El teatro tenía una clara función social y cívica y las representaciones

estaban vinculadas a festividades religiosas. Las obras conservadas atestiguan la

profundidad del pensamiento griego sobre el ser humano.

Las primeras representaciones teatrales fueron tragedias y en ellas se escenificaba el

momento más dramático de la vida de un héroe. La comedia apareció posteriormente y sus

argumentos manifestaban una dura crítica a la sociedad griega de esos momentos. La

tragedia conducía al espectador a tomar conciencia de los grandes problemas de la

existencia a través del miedo; la comedia lo hacía por medio de la risa.

Todo el mundo, excepto los esclavos, podía asistir a las representaciones teatrales y la

entrada era gratuita para las personas sin recursos. El acceso al teatro se controlaba

mediante unas fichas (teorikon). Su precio era de dos Óbolos, aunque a partir de Pericles, el

acceso de los pobres era a cargo de los fondos públicos.

Imágenes sacadas del libro Historia visual del escenario de Gómez José

Antonio Editorial La Avispa. Año 2000

El teatro griego tenía como principal finalidad hacer reflexionar al espectador sobre los

problemas que atañen al ser humano, de manera que la representación de la obra sirviese de

enseñanza. El espectador, al ver los trágicos sucesos que acontecen a los protagonistas,

experimenta un sentimiento llamado catarsis (término acuñado por Aristóteles), que le

purifica, sosiega sus pasiones negativas y le hace ser mejor persona y mejor ciudadano. Con

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ello, el teatro en Grecia no es solo una diversión o entretenimiento, sino que cumple una

función de educación social.

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Sófocles - Aristóteles

Tragedia La tragedia consiste en la imitación no de objetos particulares externos, sino de acciones humanas, de la felicidad y desdicha humanas. No es posible una tragedia si no hay acción. Por medio de la acción la tragedia conduce, a través de los sentimientos de miedo y compasión, a la purificación de las pasiones. Aristóteles expone las seis partes que la componen desde el punto de vista del conocimiento: la fábula o trama, los caracteres, la dicción o elocución, el pensamiento, el espectáculo, y la melodía. Un elemento indispensable en toda tragedia es la peripecia, que es el cambio de la acción en sentido contrario. La tragedia consistía, fundamentalmente, en improvisaciones (al igual que la comedia) que se originaban con los autores de los ditirambos. A partir de ahí, la tragedia sufrió tres cambios esenciales:

1. El número de actores fue primero aumentado a dos por Esquilo, quien disminuyó la importancia del coro, e hizo que el diálogo, o la parte hablada, asumiera la misión decisiva en el drama.

2. Aparece un tercer actor y la escenografía cobra importancia (Sófocles) 3. La tragedia adquirió también su magnificencia

La unidad de acción se cumple ya que la acción está dada por un encadenamiento lógico de sucesos que siguen su orden temporal. La unidad de tiempo se cumple también ya que la acción se desarrolla en un tiempo real y único, y la unidad de lugar se cumple ya que la acción se desarrolla todo el tiempo en Tebas, en el castillo de Edipo. Podemos encontrar en la obra las partes fundamentales de cualquier tragedia griega

1. Prólogo: escena que precede a la entrada del coro en la que se expone el tema y se pone al espectador en antecedentes de lo que se va a representar.

2. Párodos: entrada del coro en escena. 3. Episodios: en ellos se desarrolla la acción. Interpretados por los actores. El corifeo

puede intervenir. 4. Estásimos: son las intervenciones del coro. 5. Éxodo: diálogo final de los actores y salida de escena del coro.

En el Prólogo se plantea la situación dramática. Los tebanos le piden a Edipo para que los libere de la peste que se ensaña con Tebas. El se compromete a ello, Luego llega su cuñado Creonte de Delfos y relata que el oráculo profetiza la obligación de encontrar al culpable de esa situación y darle muerte. El Parodo, momento que entra el coro desde el lateral izquierdo de la sala. Compuesto por ancianos Tebanos. Episodios: Uno de los primeros episodios es cuando Edipo desarrolla un monólogo en el que anhela encontrar al culpable de la muerte de Layo. En él se produce el tenso diálogo con Tiresias, el adivino ciego, que no quiere hablar, hasta que Edipo lo hace hablar con su insistencia y le da a entender que él podría ser el culpable. Edipo se hace el distraído y no

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se da por aludido. Edipo, llega a amenazarlo y lo invita a que se vaya del palacio, sugiriendo que forma parte de un complot contra él tramado por Creonte. El siguiente episodio Empieza con Creonte entrando a escena protestando aduciendo que hay una conspiración contra él, al punto que aparece Edipo y comienza una gran discusión que si no intervenía Yocasta entre ambos podría terminar en tragedia. Yocasta quiere tranquilar a Edipo, se produce la segunda peripecia, pero en vez de tranquilizarlo con el relato de la profecía del oráculo, genera en Edipo la duda cuando le dice que Layo fue muerto en una encrucijada de tres caminos. Edipo interroga a Yocasta, y ésta dice que un servidor del rey sobrevivió, es el único testigo. Edipo manda a buscarlo con el peor de los presentimientos. En el siguiente Episodio ocurre la tercera peripecia, un mensajero trae noticias de los padres de Edipo en Corinto. Pólibo, el rey, ha muerto y los tebanos esperan a Edipo. Edipo, ya más tranquilo al no ser el asesino de su padre teme que se pueda cumplir la parte del oráculo que vaticinó que se acostaría con su madre. El mensajero le informa de que Pólibo no era su padre ni Mérope su madre. Un pastor es testigo de esto, al que se manda a buscar inmediatamente. Yocasta, que ya sabía todo, advierte a Edipo a que no busque al pastor ni explicaciones. Y el último episodio es donde sale a la luz la verdad. Aparece la peripecia que va a llevar el reconocimiento de todo por parte de Edipo (anagnórisis). Aparece el pastor y relata los hechos de su rescate de niño y como llego a Corinto. Edipo al saber la verdad pega un grito de angustia. Estasimos: El primero Estasimo se da cuando el canto del coro reflexiona sobre lo que aconteció en el primer capítulo. El segundo comienza cuando el coro hace referencia a la insolencia y orgullo de Edipo y la impiedad de Yocasta. En el tercer Estasimo e alaba el nombre de Edipo y remite a un posible divino del mismo. Y por último el coro canta lamentándose de la suerte de los hombres y de la mala suerte de Edipo. Éxodo: Donde se narra la catástrofe mediante un mensajero que sale del palacio. Cuenta la muerte de Yocasta, que se ahorca, y cómo Edipo, con los broches de su vestido, se hiere los ojos. En el final, Edipo y el coro entrelazan sus cantos de dolor y desgracia. Entra en escena Creonte y Edipo le encarga el entierro de Yocasta y que cuide de sus hijas mientras él marcha al exilio. En los versos finales, el corifeo recuerda la caída de Edipo y concluye que nadie puede considerarse dichoso hasta el final de su vida.

Comedia La comedia, Aristóteles la define como una imitación de los hombres peor de lo que son; es decir, una imitación fea, ridícula. A diferencia de la tragedia, las etapas primigenias de la comedia pasaron inadvertidas. La comedia alcanzó ya ciertas formas definidas cuando empezó el recuerdo de aquellos individuos llamados poetas cómicos. La comedia difiere bastante de la tragedia. Sus temas no son elevados, sus personajes no son héroes, reyes ni dioses, y su intención es divertir y criticar ciertos aspectos de su sociedad contemporánea, en muchos casos de cierta importancia: los militares, los políticos, la justicia...

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Trama La trama Es el principio dinámico que concede vida a la obra. La trama se refiere a una acción única y completa, de modo que la perturbación en una de las partes remueva y perturbe el todo, es decir, sea necesaria. De entre las tramas mejores señala Aristóteles son aquellas en las que los acontecimientos suceden en contra de lo esperado pero en función de otros, pues de este modo se hacen más asombrosos y mueven al temor y la compasión. Clases de tramas: Aristóteles distingue entre tramas simples y complejas.

A) Son simples aquellas tramas en las que los acontecimientos se desarrollan de un modo continuo y unitario, pero en la que el cambio de fortuna se produce sin peripecia ni reconocimiento

B) Son complejas aquellas acciones en las que el cambio de fortuna implica reconocimiento o peripecia, o las dos cosas, de manera que lo que acontece después nazca probable o necesariamente a partir de lo sucedido antes. Es el elemento más importante de la tragedia. La trama bien organizada es aquella que posee principio, medio y fin. El principio se desarrolla en el momento que el pueblo se encuentra reunido, y le pide a Edipo que lo libere de la peste que lo estaba acosando por aquel entonces. El medio abarca la parte en la que se desarrolla todo el conflicto y Edipo trata de encontrar al asesino de Layo, consultando a un adivino y a los oráculos, y además abarca el momento en el que Edipo descubre su verdadero pasado. El fin abarca el descubrimiento del asesino y la locura de Edipo y Yocasta.

El Pathos Acción destructora o dolorosa, como las muertes en escena, tormentos, heridas y acciones de índole semejante. Es la parte esencial de la tragedia, el Pathos no se identifica siempre con el lance mismo ya que existen tragedias en las que no se producen hechos de carácter sangriento, sino que ha de entenderse más bien como sufrimiento psíquico o moral. Edipo al asesinar a su padre se sume en la tristeza e intranquilidad (al conocer la verdad posteriormente). Hay un sacrificio personal que da como resultado consecuencias mortales, Edipo al enfrentar su realidad entra en estado de pathos y decide desterrarse y sacarse los ojos porque no se considera digno de vivir en el que creía ser su reino. Su decisión fue autónoma y esto crea el perfecto escenario de tragedia griega.

Anagnórisis Agnición o reconocimiento, es el paso de la ignorancia al conocimiento, y ha de darse de un modo forzoso y verosímil. Aristóteles lo define en el capítulo XI de su Poética como: “Un

cambio de la ignorancia al conocimiento, y así lleva al amor o al odio en los personajes signados por la buena o la mala fortuna”. En esta tragedia podemos decir que la anagnórisis se da con Edipo cuando se da cuenta de quién es realmente. Edipo mata al rey Tebas y convierte a la reina viuda en su esposa. Es cuando Edipo se da cuenta de que no es el hijo de Polibio y Merinto si no que ha asesinado al Layo, su propio padre y en realidad se ha casado con su madre Iocasta. Ante la magnitud de la situación, Edipo se arranca los ojos de la desesperación. Con Edipo Rey se demuestra

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que la anagnórisis es el instante en la tragedia clásica griega en que ocurre ese momento crucial cuando todo se le revela y se le hace claro al protagonista. Esta revelación es por lo general siempre dramática.

Catharsis La Katharsis hace referencia a la purificación o depuración. Para Aristóteles la catarsis debe nacer del entramado mismo de los hechos. Las acciones deben ser perpetradas sin que el personaje reconozca lo que está cometiendo, hasta después de haber cometido el hechos, provocando así en el espectador un sentido de compasión por el héroe. En Edipo Rey puede provocar “catharsis” en el espectador, ya que, el espectador se siente

identificado con el personaje al ver que éste es honrado y noble, y siente compasión luego, cuando se revela la verdad, y pasa de la fortuna, a la desgracia (peripecia). Además el espectador siente terror en el momento en que Edipo se quita los ojos, y además, al oír la discusión entre Edipo y Tiresias. el momento en el que la catharsis adquiere mayor intensidad es cuando toda la desgracia cae sobre Edipo en un único momento.

Carácter Sobre los caracteres Aristóteles menciona cuatro puntos: el primero es que deben ser buenos. El segundo aspecto es la adecuación de los caracteres. En ese sentido, no es adecuado que una mujer tenga un carácter varonil y temible. El tercer carácter es la semejanza y el cuarto es la coherencia. Lo correcto del drama es buscar siempre lo necesario o lo probable; de modo que cuando tal personaje diga o haga tal cosa, sea la necesaria o probable consecuencia de su carácter. Distingue Aristóteles cuatro requisitos exigibles a los personajes de la tragedia en cuanto a su carácter:

1.- Que sea bueno, es decir, que las elecciones realizadas sean buenas o las mejores en relación al tipo de persona que se sea. (Las mujeres y los esclavos, por ejemplo, serían buenos de distinto modo).

2.- Que sea adecuado al tipo de personaje de que se trate. 3.- Que sea semejante al personaje real que pretende imitar.

4.- Que sea consistente, es decir que su carácter se mantenga constante a lo largo de la obra, siendo siempre un personaje del mismo tipo, cuyas elecciones muestren una cierta unidad.

El carácter en Edipo Rey es utilizado para describir tanto a Edipo como al pueblo y a las costumbres que el mismo poseía por aquellos tiempos. A partir del carácter nos podemos dar cuenta del respeto y la fe que el pueblo tenía para con los oráculos y los dioses. Edipo: .- “He enviado al hijo de Meneceo, Creonte, mi cuñado, a la morada de Apolo Pitio, con el fin de que se informe sobre lo que debo hacer o decidir para salvar la ciudad....”. Edipo es presentado ante su pueblo como un rey bondadoso quien se dirige a ellos con la simple y repetida palabra “hijos”, pero por otra parte orgulloso. Orgullo que se refleja en sus palabras: “yo mismo, Edipo, cuyo nombre es celebrado por todos los labios.”. Es en

esta escena inicial en la cual observamos al rey en la cumbre de su prosperidad y vemos que es adorado casi como un dios.

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BIBLIOGRAFIA

Gómez, José Antonio. (2004) Historia Visual del Escenario. Madrid. Editorial J. Garcia Verdugo Oliva, Cesar (1994). Historia Básica del arte escénico. Madrid. Editorial Cátedra Sófocles (2006) Edipo Rey. Editorial Del Cardo Aristóteles. (2000) Poética.. Clásicos del Pensamiento. España: Biblioteca Nueva