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Inspirados por el arte

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1.IntroducciónMi proyecto ‘Inspirados por el arte’ surge a partir de mi interés por el retrato concebido en un sentido clásico. Me interesa obtener imágenes depuradas, profundas, contenidas en sí mismas, que transmitan la nobleza del ser humano y los valores universales inherentes a la condición humana: dignidad, sosiego, armonía...

Lo integran un conjunto de fotografías que son retratos de mis amigos, familiares y compañeros de clase, realizados a la manera de los retratos que pintaban los grandes maestros del pasado, con el fin de presentar al retratado en todo su esplendor.

Utilizo un lenguaje visual sencillo, desprovisto de ornamentos. Solo me interesa la figura o el rostro, la pose y la compostura. Busco un paralelismo mediante la pose, la actitud del modelo y el cromatismo con los cuadros de la historia del arte escogidos.

Los vestidos y complementos que llevan los modelos, evocan pero no copian ni sustituyen, es un tema más de esencias que de apariencias. Juego con el bagaje visual del espectador. Mi in-tención es activar conexiones inconscientes que remiten a la memoria, para otorgar a la imagen una significación que sea descifrada en clave del archivo de imágenes de la historia del arte que poseemos.

Me interesa la capacidad de la fotografía para ennoblecer al modelo. Mis modelos pertenecen a una clase social media, son personas que tienen vidas normales y que tienen que esforzarse en perseguir sus sueños El retrato los eleva por encima de este devenir de pequeñas miserias y luchas cotidianas.

Según la escritora y filósofa Cynthia Freeland, los tres rasgos esenciales de un retrato son un rostro reconocible, la pose y “vida interior” (alguna suerte de temperamento o estado mental y psicológico). He intentado que mis retratos incluyan estos tres aspectos.

2.Tratamiento de la luzMe interesa trabajar con la luz, y en concreto el claroscuro, aprovechando las posibilidades que ofrece el estudio de fotografía de la Facultad de Bellas Artes.

Los fondos de los retratos son oscuros, con la intención de subrayar los primeros planos o planos medios, de modo que toda la atención se centre en el modelo y se pierda el contexto para volver-los atemporales.He ensayado distintos esquemas de iluminación hasta encontrar el más adecuado para cada uno de los retratos de mi proyecto.

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Básicamente la iluminación ha consistido en una luz principal cálida (he elegido uno de los focos que reproducía con mayor fidelidad la luz diurna) y otra luz de relleno, colocando un difusor grande a uno de los focos que cuelgan del techo, de manera que la luz envolviera a la figura, tratando de evitar que desaparecieran totalmente los contornos en el fondo negro.

He situado a los modelos delante de un fondo negro y he colocado pantallas oscuras a ambos lados del modelo para que las luces utilizadas no iluminaran el fondo en exceso.

En algunos de los retratos he utilizado una luz principal para aumentar el contraste, caso de la ilumina-ción Rembrant, empleando reflectores cuando me ha interesado iluminar alguna parte excesivamente oscura.

En las fotografías inspiradas en los cuadros de Vermeer he utilizado la luz que entra por la ventada del estudio de fotografía, un sistema de láminas permite regular su intensidad con precisión. En lugar de luz de relleno he utilizado reflectores para acentuar algunos detalles del modelo.

Habitualmente me he situado delante del modelo a fotografiar, unas veces con la cámara a la altura de los ojos del modelo, otras adoptando un punto de vista bajo para dotar de mayor monumentalidad a la figura.

3.ReferenciasMe ha servido como inspiración y referencia para el proyecto la exposición “Seduïts per l’Art. Passat i present de la Fotografía”, que ha tenido lugar en Caixaforum desde el 22 de febrero al 19 de mayo del año actual, en la que fotógrafos actuales revisan los temas clásicos, introduciendo elementos cotidianos y lecturas críticas, eliminando los prejuicios ideológicos respecto al arte académico.

También he tomado como ejemplo los retratos realizados por pintores clásicos de distintas épocas y el trabajo de algunos fotógrafos contemporáneos, que menciono en los apartados siguientes.

PintoresHe tomado como referencia para mis fotografías, retratos realizados por los pintores siguientes, todos ellos pertenecientes al arte clásico:

Hans Holbein el Joven. (Augsburgo, 1497?- Londres, 1543). Fue un artista alemán que se enmarca en el estilo llamado Renacimiento nórdico. Es conocido sobre todo como uno de los maestros del retra-to del siglo XVI. Me interesa la nobleza que infunde a sus retratados.

Van Dyke. (Amberes, 1599 – Londres, 1641). Fue un pintor flamenco especialmente dedicado a la ela-boración de retratos. Es universalmente conocido por sus retratos de la nobleza genovesa y de Carlos I, rey de Inglaterra, de los miembros de su familia y de su corte. Con su método de pintura de una elegan-

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cia relajada, influyó en los retratistas ingleses posteriores.

Velázquez. (Sevilla, 1599 – Madrid, 1660) Pintor barroco, considerado uno de los máximos exponentes de la pintura española y maestro de la pintura universal. Instalado en la Corte madri-leña, Velázquez pintó algunos retratos memorables y no sólo del Rey o de los príncipes e infantes sino también de intelectuales, poetas y de gente del pueblo.

Como uno de los mejores retratistas de la historia que es, Velázquez se preocupa por mostrar al espectador la personalidad de su modelo, su alma, este es el aspecto que más me interesa para mi proyecto, junto a la iluminación que aplica a los rostros, que permite definir muy bien las faccio-nes.

Rembrant. (Leiden, 1606 – Ámsterdam, 1669). Fue un pintor y grabador holandés. La historia del arte le considera uno de los mayores maestros barrocos de la pintura. Su aportación a la pin-tura coincide con lo que los historiadores han dado en llamar la edad de oro holandesa, el consi-derado momento cumbre de su cultura, ciencia, comercio, poderío e influencia política.

Me interesa la iluminación que hace de los rostros, en especial el uso del claroscuro. El claroscu-ro es una técnica de pintura que consiste en el uso de contrastes fuertes entre volúmenes, unos iluminados y otros ensombrecidos, para destacar más efectivamente algunos elementos. Aplica-da a la fotografía, permite dotar de cierto misterio y profundidad a los rostros.

Vermeer. (Delft, 1632 – 1675). Pintor holandés especializado en interiores domésticos, retratos y vistas urbanas, considerado uno de los pintores mas grandes de todos los tiempos.

Me interesa especialmente a efectos de mi proyecto, la sutileza con que plasma la luz que se filtra a través de una ventana, y su búsqueda de una especie de perfección espiritual en los personajes que retrata.

Goya. (Zaragoza, 1746 – Francia, 1828). Pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. A lo largo de toda la década de 1780 entra en contac-to con la alta sociedad madrileña, que solicita ser inmortalizada por sus pinceles, convirtiéndose en su retratista de moda .En todas estas facetas desarrolló un estilo que inaugura el Romanticis-mo.

El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la Pintura contemporánea, y se considera pre-cursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX.

Ingres. (Montauban, 1780 – París, 1867), Pintor francés, Ingres resulta a la vez clásico, román-tico y realista. Constituye un claro exponente del romanticismo en cuanto a los temas, el trazo abstracto y las tintas planas de intenso colorido. Algunas de sus obras se enmarcan en el llamado «Estilo trovador», inspirándose en el ideal estético griego y gótico. Ingres se convirtió en el retra-tista refinado de la nobleza y la alta burguesía.

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FotógrafosEn cuanto a los fotógrafos, cuyo trabajo me ha ayudado a contrastar mis fotografías y afinar el plantea-miento, se encuentran los siguientes:

Pierre Gonnord. Nacido en 1963 en Francia, se trasladó a España en 1988. Aplica una visión pictórica a su fotografía.

Su trabajo se centra en fotografiar rostros. En palabras del propio autor:

“El retrato, como el paisaje, no es una realidad, sino una visión. El rostro puede ser una idea, un campo desde donde decir muchas cosas. Un ensayo contra el olvido. Una visión de la vida a través de una hen-didura. Es en cierto modo, una forma de desnudar el alma, sin quitarse nada”

Sus fotos se parecen, a primer golpe de vista, a cuadros de Velázquez, Ribera o Rembrandt, pintores del siglo XVII cuyas obras están dotadas de una gran carga psicológica por su gran economía de medios.

Maud Sulter. Nacida en Ghana en 1960, posteriormente se trasladó a Inglaterra, donde vivió hasta su fallecimiento en el 2008. Su práctica fotográfica normalmente está referida a personajes históricos y míticos. Sus obras se han expuesto en el Museo Victoria and Albert en 1987; la bienal de Johannesburg (1996); y en la Scottish National Portrait Gallery entre otros lugares.

Richard Learoyd. Nacido en 1966 en Lancashire, Inglaterra. Sus fotografías son simples, inadultera-das, invitan a examinar los detalles mas insignificantes. Se han realizado con una cámara obscura, uno de los procedimientos fotográficos mas antiguos, que ha fabricado el propio Learoyd del tamaño de una habitación.Los modelos se situan en la habitación adyacente, las fotografias son generalmente muy grandes (4 me-tros de ancho por 4 de alto). Transmiten una sensación de calma y sensualidad como la de los antiguos maestros del siglo XVII de la Escuela Holandesa, en particular Vemeer, que fué capaz de capturar este tipo de luz en sus cuadros.El propio autor dice acerca de su proceso:

‘Every artist, whatever their medium, has to deal with the rules of the universe. I think the secret is to accept it and move on. For me, in my work, the implication or meaning of this shift between extreme sharpness and blur is an emerging and submerging of a person’s consciousness, and emphasis of their immediate presence.’

Maisie Broadhead. Nacida en 1980 en Londres. Broadhead se graduó en el Royal College of Art en 2009, con un master en joyería. Es una artista que recrea en sus fotografías todo el ambiente y esceno-grafía de cuadros clásicos que utilizan piezas de joyería como parte intrínseca de su significado, aunque sus obras ya tienen una enorme potencia por sí mismas.

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4. Proceso de trabajo y dificulta-des encontradasEl desarrollo de mi proyecto tiene lugar en el Estudio de Fotografía de la Facultad de Bellas Artes. He podido utilizar el estudio durante las horas de docencia de la asignatura, donde me he familiarizado con los aspectos técnicos y he practicado distintos esquemas de iluminación y poses del modelo a medida que avanzaba el curso y el profesor nos iba proponiendo ejercicios para desarrollar.

Adicionalmente he reservado el estudio para trabajar en mí proyecto los días que se indican en la tabla siguiente, algunos de ellos compartiéndolo con compañeras con las que he colaborado, o bien ayudándonos en la iluminación o bien haciéndonos de modelos mutuamente:

Día Horas17/04/2013 de 15 a 19 h.18/04/2013 de 10 a 14 h.24/04/2013 de 15 a 17 h.25/04/2013 de 10 a 14 h.de 15 a 17 h.8/05/2013 de 17 a 19 h.15/05/2013 de 15 a 17 h.16/05/2013 de 12 a 14 h.

Previamente a cada sesión he planificado su desarrollo, tomando decisiones respecto a:- Qué cuadros de la Historia del Arte se toman como referencia.- Qué personas dentro de mi ámbito de influencia, pueden hacer de modelos- Qué esquema de iluminación es el más adecuado

El equipo utilizado se compone de una cámara de fotos digital Nikon D3100, un trípode, y el or-denador doméstico, donde reviso las fotografías y si es preciso las retoco con Adobe Photoshop.

Las principales dificultades han sido de tipo técnico, pues me ha costado bastante controlar la iluminación del estudio fotográfico para obtener los resultados deseados. En este sentido ha sido de ayuda el maestro de taller, Jordi, que pacientemente me ha ayudado a resolver algunas difi-cultades a medida que surgían y me ha dado indicaciones sobre cómo mejorar los resultados en base a mi proyecto.

Inicialmente he utilizado tanto el flash como la luz continua como fuentes de iluminación princi-pal, pero el resultado de la iluminación con flash no me ha satisfecho, puesto que se han produci-do unos brillos en los rostros que no he sabido resolver, por lo que en un momento determinado he decidido utilizar únicamente fuentes de luz continua.

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También me ha resultado difícil conseguir fondos oscuros sin sombras y al mismo tiempo que el mode-lo se separara del fondo. Poco a poco lo he conseguido situando al modelo a mayor distancia del fondo y poniendo paneles oscuros a ambos lados del escenario, que evitaran reflejos de la luz sobre el fondo y la proyección de sombras.

He utilizado el retoque digital en algunos casos para mejorar la textura de la piel y eliminar algunas im-perfecciones, pero con mucha cautela para no alterar la naturalidad del retratado. No me ha interesado tanto obtener un cutis perfecto, sino más bien capturar la personalidad.

He corregido los niveles, los tonos, la saturación y el equilibrio de color, cuando la imagen lo ha requeri-do y también la he reencuadrado en algunas ocasiones.

A lo largo de las sesiones he obtenido un gran número de fotografías, que he revisado y he seleccionado las más adecuadas y mejor resueltas para mi proyecto. Las fotografías han ido mejorando a medida que avanzaba el curso, por lo que he incluido un mayor número de imágenes de la última sesión.

5. Selección de imágenesEn el momento de iniciar el proyecto seleccioné los cuadros de referencia, pensando también en los posibles modelos de que podía disponer.

A medida que ha ido avanzando el proyecto algunas imágenes se han sustituido por otras, bien porque no he encontrado modelos adecuados, bien porque no he conseguido un resultado suficientemente bueno, como en el caso de Hombre leyendo un libro (1916) de J.C. Leyendecker, que aunque he intenta-do reproducir el cuadro con diferentes modelos que han posado amablemente, no he conseguido ningu-na fotografía bastante buena para incluirla. En otros casos ha sucedido al revés, buenas fotografías me han llevado a buscar su equivalencia en los retratos clásicos, confirmando la idea que de un modo tanto consciente como inconsciente, llevamos un bagaje cultural que determina un modo de ver y hacer.

La impresión de las imágenes se ha realizado en Impressionart. He elegido diez imágenes para imprimir en tamaño DIN A3, siete con papel de calidad fotográfica básica (Enhanced Matte Paper) y tres con papel de una calidad superior (Whatercolor Paper Radiant White)

En la Anexo I se adjuntan las imágenes elegidas y las calidades de impresión utilizadas.Además de las imágenes elegidas para su impresión en tamaño grande, se incluyen en el Anexo I las imágenes que también son adecuadas para el proyecto, pero que por un tema de coste se decide impri-mir en tamaño DIN A5.

Los compañeros que han colaborado posando pacientemente, a quienes expreso mi agradecimiento son: Marimar, Silvia, Mikel, Georgia, Melani, Cristina y Ramón.

Por parte de mi familia han colaborado mi marido y mis dos hijos, Jordi, Adrià y Martí.

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6. ConclusionesEn estos momentos, a punto de concluir el curso, creo que he avanzado mucho en mis conoci-mientos del retrato de estudio y que soy capaz de planificar los esquemas de iluminación para obtener un resultado determinado.

He comprendido la importancia de la luz en la fotografía digital, he mejorado mis conocimientos en la captura de las imágenes digitales y en la gestión del color. He comprobado la necesidad de disparar en RAW, para poder retocar las imágenes sin que se deprecie su calidad. He aprendido a retocar y mejorar fotos con diferentes métodos, mejorando mis conocimientos de Adobe Pho-toshop.

He conocido nuevos artistas del campo de la fotografía (Pierre Gonnord, Maud Sulter, Richard Learoyd, Maisie Broadhead), cuya obra me ha ayudado a plantear mi proyecto.

El proceso de trabajo me ha permitido ir acotando los aspectos conceptuales del planteamiento inicial, de modo que he seleccionado las imágenes con un doble criterio, por un lado que sean relevantes en mi proyecto y por otro que proporcionen buenos resultados plásticos.

He disfrutado con el proceso de aprendizaje de la iluminación de estudio y puedo afirmar que mi modo de ver y observar los matices de luz en los rostros de las personas, las pequeñas variacio-nes en su expresión y capturarlos mediante la fotografía es más agudo y preciso que al inicio del curso.

7. BibliografíaEISMAN, K (2006): “Adobe Photoshop Restoration, and Retouching”. Bekerley. CA: New Riders.

HUNTER, Fil; BIVER, Steven y FUQUA, Paul: La iluminación en fotografía. Anaya Multimedia, Col. diseño y creatividad. Madrid, 2008.

“Seduïts per l’Art. Passat i present de la Fotografía”. Fundació La Caixa, 2013

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ANEXO I: Retratos(1) Fotografías con que se presentan en carpeta aparte por ser de tamaño DIN A3

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Johannes Vermeer. La joven de la perla. c . 1665

Museo: Mauritshuis, The Hague, Netherlands

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Johannes Vermeer. La joven de la perla. c . 1665

Museo: Mauritshuis, The Hague, Netherlands

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Hans Holbein the Younger. Portrait of a Member of the Wedigh Family. 1532Probably Hermann Wedigh Oil on Wood, 42.2 x 32.4 cm. Metropolitan Museum of Art, New York City

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Hans Holbein the Younger. Portrait of a Member of the Wedigh Family. 1532Probably Hermann Wedigh Oil on Wood, 42.2 x 32.4 cm. Metropolitan Museum of Art, New York City

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Hans Holbein el joven. Sir Thomas Wyatt the younger, (c. 1540-42),

32 cm diámetro. Colección Privada.

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