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Entrevistas. M. A. Carretero.
instalara allí un equipo de Asesoría Familiar.
No contentos con ello, también privaron al Museo de la sala expositiva de la planta baja, convirtiéndola en un espacio de esparcimiento para la tercera edad.
Si el equipo multidisciplinar que atiende la Asesoría Familiar parece que tiene éxito en cuanto a la afluencia de personas que solicitan utilizar sus servicios para obtener asesoramiento en relación con la solución de sus problemas familiares, la sala destinada a nuestros mayores ha cosechado el más rotundo de los fracasos en cuanto a la ausencia total de usuarios.
La consecuencia inmediata de esta supresión de espacios ha sido la retirada de muchas de las obras que conforman la colección permanente del Museo y privar a sus visitantes de poder disfrutar de la visión de un número importante de esculturas.
Por ello, la Junta Directiva de nuestra Asociación se ha propuesto intentar que los espacios arrebatados al Museo por el Partido Popular, aprovechando su mayoría absoluta en el Ayuntamiento durante el anterior período legislativo, se reviertan al MAVA si conseguimos que todos los concejales de la oposición formen mayoría para votar una moción en un Pleno municipal que permita dicha reversión.
Pero para ello debemos conocer, grupo a grupo, su opinión respecto a la importancia que le conceden a la existencia en el Municipio del Museo de Arte en Vidrio y su disposición a
reclamar del actual equipo de gobierno la reparación de la injusticia que se produjo con la eliminación de espacios expositivos.
Porque, lamentablemente, estamos convencidos de que la presión popular que puedan ejercer los ciudadanos de este municipio para conseguir esta finalidad es muy débil, por no decir que inexistente.
Y ello nos consta por la escasa respuesta que obtuvimos de ellos, tanto a nivel individual como a nivel asociativo, en nuestra campaña de recogida de firmas en apoyo a nuestra petición dirigida a nuestro Alcalde en el mes de febrero del pasado año 2014 para que no siguiera cercenando los espacios del Museo y que le devolviera su configuración inicial.
Por todo ello, dirigiremos un escrito al Grupo Municipal Socialista, al Grupo Municipal Ciudadanos-Partido de la Ciudadanía, al Grupo Municipal Ganar Alcorcón y al Grupo Municipal de Izquierda Unida en el que les solicitaremos una reunión para tratar de conocer si existe por su parte una disposición favorable sobre dos importantes puntos: para seguir manteniendo la existencia del Museo de Arte en Vidrio y para volver a dotarle de los espacios que, de forma totalmente abusiva, le fueron arrebatados.
Esperamos y deseamos que esta vez la Cultura en general, y del arte en vidrio en particular, dentro de nuestro Municipio, de nuestro país y del resto del mundo pueda tener éxito con una resolución favorable a nuestras reivindicaciones.
Boletines
Nuestra sede:Nuestra sede:
Castillo Grande deCastillo Grande de
S.J. de ValderasS.J. de Valderas
Avda. Los Castillos, s/nAvda. Los Castillos, s/n
28925 ALCORCÓN.28925 ALCORCÓN.
(MADRID)(MADRID)
[email protected]@amigosmava.org
Boletín mensual
En este mes de septiembre y después de que pasen las fiestas patronales de Alcorcón, cuando se reinicie la actividad política en nuestro municipio, trataremos de entrevistarnos con los grupos municipales que conforman la oposición al grupo del PP que ostenta el gobierno de la Ciudad para conocer su criterio sobre la importancia que tiene para ellos el Museo de Arte en Vidrio de Alcorcón dentro de la vida cultural de nuestro Municipio, de que sea uno de los dos espacios expositivos del arte en vidrio que existen en nuestro país y de que sea un claro referente mundial cuando se trata de conocer las obras realizadas en vidrio por los más acreditados artistas de todo el orbe mundial.
Nos interesa mucho conocer su opinión para diseñar la estrategia a seguir en orden a conseguir que el Museo pueda volver a tener la misma configuración de sus espacios expositivos que tenía con anterioridad al momento en el que el anterior equipo de gobierno del Ayuntamiento inició su política de reducción de espacios cediendo la mayor parte de la segunda planta del edificio a la Comunidad de Madrid para que
Bernard Heesen
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PUNTOS DE INTERÉS
ESPECIAL :
Pieza del mes
Vidrio en La Granja
David Magán
Zwieseler 2015
Actividades en el MAVA
Noticias
Nuestras actividades
Reciclado del vidrio
Cómo lo hace
C O N T E N I D O :
Pieza del mes 3
Artistas consagrados 4
Artistas jóvenes 4
Vidrio en la Granja 5
David Magán 6
Zwieseler 2015 7
Actividades en Museos 8
Vasos y copas Li-Wai 11
La mujer más rica 12
Crystal Palace 13
Vidrieras en Huelva 14
Museo en Segovia 15
Vidrio romano en museos 16
Noticias 17
Cultura 2015 17
Urnas con vidrio 18
Impresora con vidrio 18
El vidrio en los museos 19
Reciclado 20
Visitas culturales 21
Programa Cultura 2015 21
Vidrio en el Centro Botín 22
Otras tendencias 23
Viaje por el Ródano 24
Botijos en Talavera 25
Propuesta de alta gama 26
Los techos de Milán 27
Mejor diseño en vidrio 28
Cómo lo hace 29
”Lecciones de historia” 30
Homenaje a Paolo Pinzán 31
Mosaicos con 87 años 32
Salón Nacional del Vidrio 33
La lente de Nimrud 34
El vidrio en Costa Rica 35
El cristal en el Prado 36
Fuentes de fuego lunares 37
Vidrio en México 38
Junta Directiva 39
Tema importante: LA LEY DE PROPIEDAD INTELECTUAL (XLIX) MAC. Tema importante: LA LEY DE PROPIEDAD INTELECTUAL (XLIX) MAC. Tema importante: LA LEY DE PROPIEDAD INTELECTUAL (XLIX) MAC.
Ley de la Propiedad
Intelectual
LIBRO III De la protección de los derechos reconocidos en esta
Ley
TÍTULO VI Régimen sancionador de las
entidades de gestión.
Artículo 162 bis
1. Las entidades de gestión incurrirán en responsabilidad administrativa por las infracciones que cometan con arreglo a lo dispuesto en la presente ley.
2. El ejercicio de la potestad sancionadora corresponde a la Administración competente. La inhabilitación legal para operar corresponde, en todo
caso, al Ministerio de Educación, Cultura y Deporte.
3. El ejercicio de la potestad sancionadora se regirá por el procedimiento establecido en el Título IX de la Ley 30/1992, y en su normativa de desarrollo.
Artículo 162 ter
1. Las infracciones cometidas por las entidades de gestión colectiva de derechos de propiedad intelectual se clasificarán en muy graves, graves y leves.
2. Constituyen infracciones muy graves:
a) La ineficacia manifiesta y notoria en la administración de los derechos que tenga encomendados, circunstancia que habrá
de apreciarse respecto del conjunto de los usuarios y no de forma aislada o individual.
b) El incumplimiento grave y reiterado del objeto y fines señalados en los estatutos de la entidad de gestión, cuando se realicen, de manera directa o indirecta, actividades que no sean de protección o gestión de los derechos de propiedad intelectual que tengan encomendados, sin perjuicio de la función social y del desarrollo de la oferta digital legal que deben cumplir y de las actividades vinculadas al ámbito cultural de la entidad y sin ánimo de lucro referidas en dicho artículo, siempre que estén previstas en sus estatutos.
N O T I C I A U R G E N T EN O T I C I A U R G E N T EN O T I C I A U R G E N T E
El vidrio en TVE-1.
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El día 19 de noviembre, a las 23:25 h, el programa "Fabricando Made in Spain" de TVE-1 emitirá la grabación realizada en Vicrila de la fabricación de una copa de vidrio.
Esta grabación fue realizada en Vicrila por la reportera Alba Lago, la producción corrió a cargo de Luis Carlos Sánchez Forteza, el cámara
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Sin respuesta por la Concejalía de Cultura.Sin respuesta por la Concejalía de Cultura.Sin respuesta por la Concejalía de Cultura.
17-01-13. Solicitando inventario de las piezas que componen la
colección permanente del MAVA.
11-06-13. Posibilidad de recepción por parte del MAVA de
documentación sobre el vidrio ofrecida por el Presidente de la
Asociación Española de Científicos.
11-11-13. Solicitando información sobre el convenio con la
Comunidad de Madrid para instalar unos servicios sociales en
el MAVA.
en Lamiako-Leioa donde cuenta con una planta de 89.358 m2 (equivalente a 12 campos de futbol), con una cifra de negocio de 50 a 60 M€, en donde para producir 35.000 toneladas anuales, que son unos 600.000 artículos diarios, trabaja una plantilla de unas 300 personas fijas, generando además una gran cantidad de empleo indirecto en la zona.
Las Marcas comerciales de Vicrila son HOSTELVIA para el Canal Horeca (hostelería), VINTIA para el canal Hogar (Comercio y grandes superficies) y VI&B para el canal de productos comerciales.
fue Carlos Recio de la Fuente y la realización de Juan Antonio Roldan Arnés.
Interesante grabación donde podremos ver todo el proceso de fabricación de una copa de vidrio.
Vicrila es una empresa que diseña y fabrica vasos, copas y complementos de
vidrio para la mesa
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La pieza del mes. René Roubicek.
René Roubíček
pertenece a la primera
generación de artistas
como Stanislav Libensky,
Václav Cigler o Jiri
Harcuva, que ya habían
hecho una importante
contribución a la historia
del vidrio contemporáneo
antes de que Harvey
Littleton iniciara el Studio
Glass Movement en los
Estados Unidos en1962.
Su revolucionaria obra se
pudo ver por primera vez
en el ámbito internacional
en la Expo‘58 de
Bruselas, donde mostró
una instalación realizada
con bloques de vidrio de
color, trabajados en
caliente y ensartados con
metal.
Por ella se le otorgaría el
Grand Prix.
En la Expo‘67 de
Montreal presenta una
serie de columnas
metálicas con vidrio
soplado que fueron
especialmente admiradas
por su escala, tanto por
Harvey Littleton como por
Dale Chihuly en su visita
al Pabellón Checo.
Durante una larga
temporada estuvo
soplando cabezas sin
rostro, bastante
inquietantes, y figuras
humanas poco realistas.
Durante los 80 son los
clarinetes los objetos que
reproduce hasta la
saciedad.
El clarinete tenía para
Roubícek un valor
especial. Por un lado,
porque era un
instrumento que él
mismo tocaba y amaba.
Por otro porque le atraía
mucho la similitud entre
soplar un clarinete para
improvisar música y
soplar el vidrio para
modelar un clarinete.
Además René Roubicék
siempre ha sido amante
del buen jazz.
En la misma década de
los 80 soplaba distintas
partes del cuerpo de la
mujer a gran escala,
componiendo
instalaciones cargadas de
humor.
Dedos femeninos
terminados en largas
uñas conformaron más de
una fuente en jardines
alemanes y checos.
En los 90 las columnas
clásicas completas o
fragmentadas como
homenaje a la cultura
clásica europea hacen su
aparición.
René Roubicék las
presenta por primera vez
en la exposición New
Glass in Europe, 50
Artists -50 Concepts
organizada por el
Kunstmuseum de
Düsseldolf en 1990.
En una de sus últimas
series de obras, titulada
Galería de pinturas, René
Roubicék pega o ensarta
de forma transversal
cilindros macizos de
vidrio de diversos colores
sobre una lámina de
vidrio transparente.
Los colores poseen tanta
fuerza e intensidad que
parecen escapar del
lienzo.
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Artistas consagrados. Bernard Heesen.
A partir de ese tiempo trabajó con su padre y otros sopladores de vidrio en sus propios diseños y de otros artistas del vidrio.
En 1995 se retiró su padre Willem Heesen e incorporó a la dirección de la compañía a su hijo Bernard.
En su búsqueda de la innovación Bernard Heesen encaja en la tradición de vidrio Leerdam.
Artistas emergentes. Marion Delarue.
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Nació en la ciudad holandesa de Leerdam en 1958.
Es un artista que realiza su trabajo en la fábrica de vidrio De Oude Horn de Acquoy en Leerdam.
Después de completar su educación secundaria estudió arquitectura desde 1977 a 1984 en la Universidad Técnica de Delft.
En 1984 entró en el mundo del vidrio en la fábrica de vidrio De Oude Horn, fundada en 1977 por su padre Willem Heesen.
Ayudó a su padre en el trabajo en todo el proceso de fabricación del vidrio y la construcción de hornos de vidrio.
En 1986 Bernard Heesen eligió definitivamente el arte del vidrio en De Oude Horn.
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ambivalencia de sentimientos existentes entre la atracción y la repulsión.
Intento atraer al espectador y hacer que él / ella se sienta como el uso de estos inusuales objetos seleccionando las técnicas tradicionales meticulosas, material natural o códigos estéticos reconocibles.
Y sin embargo, estas piezas hacen que los espectadores desconfíen de ellas, a veces aparecen repulsivas para ellos a causa de la utilización de partes del cuerpo humano, a veces aparecen alarmantes a causa de mi recurso a las criaturas imaginarias. La estética tiende una trampa".
Marion Delarue es una artista y joyera francesa que vive en Estrasburgo (Francia).
Ella define su práctica de la siguiente manera: "En mis creaciones, yo juego principalmente en la
Su web
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“Vidrio en todo su esplendor”.
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La Fundación Centro Nacional del Vidrio (FCNV) quiere rendir un merecido homenaje a la labor silenciosa y apasionante de la familia Serrano por haber sabido reunir, conservar y cuidar una magnífica colección de cristal de La Granja que se exhibe en el Museo Tecnológico del Vidrio.
Se trata de una selección de más de medio centenar de piezas inéditas que recorren todas las etapas de producción de los siglos XVIII y XIX, desde el reinado de Felipe V al de Fernando VII.
Las obras se dan a conocer por primera vez al público, ya que se trata de una colección privada, que se presenta, para el disfrute de todos, en el mismo lugar del que salieron hace más de dos siglos.
«Es una de las colecciones más importantes y con más relevancia de la historia de la Real Fábrica y se trata de una oportunidad única para poder disfrutar de unas piezas que son singulares», explicó Paloma Pastor, directora del Museo Tecnológico del Vidrio.
Con esta nueva muestra, que se puede visitar hasta el próximo 20 de noviembre, la FCNV desea conmemorar el II Centenario del resurgimiento de la Real Fábrica de Cristales producido en 1815, cuando el soberano Fernando VII decidió reflotar la industria de la nación, desvanecida con la Guerra de la Independencia,
con el deseo de rememorar los tiempos de esplendor de sus antecesores.
Respecto a los próximos proyectos del Museo Tecnológico, Paloma Pastor explica que «ahora mismo lo más importante es la exposición de la familia Serrano, pero en otoño se espera una exposición de vidrio portugués y más tarde, a últimos de año, la clásica de belenes».
Esta última muestra reúne todos los años más de un millar de representaciones de la Navidad y Epifanía procedentes de los lugares más remotos y en toda clase de materiales, como barro, porcelana, vidrio, metales, tejidos, e incluso papel.
En los últimos tiempos, el museo ha incorporado importantes novedades, entre ellas las visitas teatralizadas, en las que actores caracterizados de personajes del siglo XVIII irrumpen en el itinerario.
Estas visitas se realizan todos los sábados mediante reserva previa y se trata de mostrar el museo de una forma diferente.
También se realizan talleres didácticos para niños de edades comprendidas entre seis y doce años y las clásicas visitas guiadas de forma grupal o individualizada.
Mejoras
El museo es ahora mismo la
parte más rentable de la FCNV, tal y como aseguró hace unas semanas José Ramón Álvarez, secretario del patronato del Centro Nacional del Vidrio.
Para su mejora se están realizando una serie de reformas, como la que se acomete actualmente en las salas de vidrio contemporáneo.
Por estas instalaciones pasan anualmente en torno a 60.000 visitantes.
Desde 1770, año en el que se construye el gran edificio de la Real Fábrica de Cristales, declarado Bien de Interés Cultural (BIC) por la Junta de Castilla y León, se ha mantenido viva una tradición artesana que otorga un valor añadido incalculable a las piezas que producen, una a una y manualmente, los profesionales que trabajan en los puestos de soplado al horno, trabajo en frío, corte, pulido, talla, grabado o decoración a mano mediante dorado o esmaltado.
El sello de calidad de cada una de estas piezas viene de la mano de la Fundación Centro Nacional del Vidrio, que gestiona tres áreas de actividad: el Museo Tecnológico del Vidrio, el Centro de Producción y la Escuela del Vidrio.
El museo está adherido a la Red de Museos Estatales del Ministerio de Educación.
Ver fotos
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David Magán en Estrasburgo.
Progresión V estará expuesta todo el verano en la terraza del Palais Rohan, Strasbourg, como
parte de la Biennale internationale du Verre, organizada por la ESGAA - European Studio Glass
Art Association
David Magán Moreno es socio de Amigos del MAVA.
Progresión V, 2015
110 x 320 x 150 cm
Vidrio laminado y acero inoxidable
Del 26 de Junio al 29 de Noviembre de 2015
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ZWIESELER KÖLBL 2015.
El viernes 12 de agosto, tuvo lugar en el ―Kulturzentrum / Waldmuseum‖ de la ciudad alemana de Zwiesel, la inauguración y entrega de premios de la ―4ª Zwieseler Kölbl 2015”.
En dicha exposición se muestran obras en vidrio de jóvenes artistas pertenecientes a diversos países europeos.
De entre todos los aspirantes, se hace una selección previa, quedándose en la criba 71 piezas, procedentes de 13 países distintos.
Todas estas obras pueden ser contempladas en dicho museo hasta el mes de octubre del presente año.
De entre todas las piezas seleccionadas, únicamente tres son las galardonadas con un premio lucrativo.
La ceremonia comienza con diferentes intervenciones de
ilustres invitados, tales como Gerhard Frank (Presidente de la Agenda Arbeitskreis Glas), Franz Xaver Steininger (Primer Alcalde), Helmut Brunner (Ministro de Estado), Karin Rühl (directora del museo de vidrio Frauneau), entre otras personalidades del mundo del arte y periodistas.
La ciudad de Zwiesel es un enclave en lo referente al vidrio artístico, ya que es uno de los principales motores económicos de la ciudad.
Dicho certamen europeo pretende ubicar en el panorama artístico el desconocido mundo del vidrio, así como todas sus técnicas y posibilidades.
Después de una hermosa ceremonia, acompañada musicalmente en todo momento por la Escuela de Música de la Ciudad de Zwiesel, se desvelan los nombres de los tres
ganadores, siendo los siguientes:
El primer premio fue para Kalina Blanka, de Polonia, con su obra ―1989 from the cycle Banka‖. Se trata de una vidriera emplomada.
En segundo lugar, la alemana Stephanie Fredl, con sus piezas de vidrio soplado titulada ―Blossom‖.
Y el tercer premio, fue para España. Rubén Llorente del Val, con una obra en técnica mixta titulada ―El salto de mi vida‖, que trata el tema de la inmigración ilegal.
Después se hizo una revisión conjunta de la exposición, acompañado de un lunch.
Los Amigos del MAVA, como no podría ser menos, nos alegramos del reconocimiento otorgado a la obra de nuestro amigo Rubén y le enviamos nuestra más cordial enhorabuena.
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Actividades en Museos I.
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Actividades en Museos II.
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Actividades en Museos III.
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Vasos y copas Li-Wai.
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El estudio de diseno pekinés
KDSZ fundado por Chi Hsiao
-En ha ideado una colección
de vasos, copas y cuencos
de vidrio que vincula las
formas de la porcelana china
tradicional con otras actuales
más occidentalizadas.
Los objetos Li-Wai consisten
en un doble fondo de vidrio
soplado y forma tradicional
unido con gran precisión a la
envoltura exterior, más
actualizada, también de
vidrio soplado.
Los Li-Wai resultan
espectaculares rellenos con
líquidos de diferentes
colores, que parecen flotar
en el aire merced a una
ilusión óptica.
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La mujer más rica de China.
dólares en Hong Kong. Vuela a Silicon Valley y a Seúl para encontrarse con ejecutivos de Apple y Samsung, sus dos mayores clientes.
Aquel ascenso en la planta de Shenzen no fue el último. Siguió subiendo hasta convertirse en la directora de toda la operación de producción antes de fundar su propia empresa en 1993. Tenía 22 años y 3.000 dólares.
Así empezó a construir su imperio, en un taller, donde prometía a sus clientes la mejor calidad de lentes para relojes.
Hoy los vidrios que la empresa de Zhou fabrica son el corazón de una operación multimillonaria mundial que ha puesto a la segunda economía del mundo en la senda de la producción tecnológica.
Este año sus plantas esperan producir más de mil millones de pantallas de vidrio, refinadas a una fracción de milímetro.
Zhou, que afirma estar orgullosa de sus raíces, es parte de la explosión de multimillonarios chinos de la útlima década, muchos de ellos, como ella, únicos autores de su propia creación.
tenía 5 años y su padre se quedó ciego tras un accidente laboral. En su adolescencia hizo las valijas y se fue decidida a que no tendría el mismo destino de otras chicas, casadas y condenadas a morir en el mismo lugar donde nacieron.
Se fue a trabajar en una planta de procesamiento de vidrio en Shenzhen, donde su tarea era modelar vidrios para relojes. A los tres meses renunció.
Muchas horas de trabajo, puliendo vidrio. Era aburrido y ella quería aprender. Lo escribió en su carta de renuncia, agradeciendo la oportunidad. Pero ella quería más. Y se lo dieron. No la dejaron ir. La ascendieron a una división recién creada. Durante años aprendió los secretos del vidrio. Y hoy se sienta junto a sus operarios para ver qué hacen y cómo lo hacen, corrigiendo errores y dando indicaciones.
―En la aldea donde crecí, muchas chicas no tenían la opción de ir a la escuela. Se comprometían o se casaban y pasaban el resto de su vida en esa aldea. Yo elegí los negocios y no me arrepiento", dijo en una entrevista con el Times.
Y el rédito fue gigantesco. Hoy Zhou tiene una propiedad de 27 millones de
Tiene 1.700 millones de dólares en el bolsillo. Integra la lista de los chinos más ricos. Y es la mujer más rica del gigante asiático.
Se llama Zhou Qunfei. Y no por nada le dicen "Mobile Glass Queen" (la Reina del Cristal Móvil). Porque si alguna vez se te ocurrió pensar quién hizo la pantalla de tu iphone o de tu Galaxy, es ella.
Y esa es la clave de su inmensa fortuna y el epílogo de una vida que comenzó en la más profunda pobreza en la china rural.
Forbes la tiene entre los más ricos. Su historia la contó The People's Daily. Y el Daily Mail y The New York Times le dedicaron sendas notas bajo los títulos "From rags to riches" (De los harapos a las riquezas) y "How a Chinese Billionaire Built Her Fortune" .
Porque no siempre la vida de Zhou fue color de rosa. De chica trabajaba en una fábrica y ganaba menos 150 dólares al mes.
Esta mujer de 45 años, que se construyó a sí misma y cuya compañía "Lens Technology" suministra pantallas de vidrio para los dispositivos de Apple, nació en la extrema pobreza.
Su madre murió cuando ella
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Crystal Palace.
"Me contaron una vez una
historia sobre un reto. A un grupo
de constructores les pidieron
levantar una estructura de un
millón de metros cuadrados en
menos de un año. Sucedió a
finales del siglo XX y aquellos
hombres concluyeron que era
imposible‖.
Norman Foster explica que fue
entonces cuando les desvelaron
que ese mismo reto lo había
aceptado Joseph Paxton en
1850. “Un año después, concluía
el Crystal Palace‖.
Aquel palacio de vidrio,
levantado en Londres para la
Gran Exposición Mundial de
1851, se convirtió en el mayor
edificio del mundo.
―Paxton solucionó el reto
ideando un sistema constructivo
que dibujó sobre un papel
secante de color rosa‖, detalla.
El propio Norman Foster guarda
una imagen de ese croquis.
―Para poder construir su idea,
Paxton desarrolló nuevas
tecnologías. Las ideó mientras
trabajaba de jardinero,
construyendo invernaderos‖.
Por eso, lord Foster elige un
edificio favorito que, a pesar de
no existir ya, ha determinado la
historia de la arquitectura.
Él, obviamente, nunca lo visitó.
Permaneció abierto en Hyde
Park durante un año y luego fue
trasladado al sur de Londres
hasta que se quemó en 1936,
cuando Foster tenía un año.
Con todo, lo califica de ―fuente
infinita de inspiración‖. ¿La
razón? ―Su arquitectura
celebraba la confianza en el
futuro. Su espíritu idealista
empujó los límites del diseño y la
ingeniería‖.
El autor de las estaciones y
accesos del metro de Bilbao
explica que los primeros planos
para levantar el icono británico
planteaban trabajar con 17
millones de ladrillos, una hazaña
imposible con el presupuesto y
el tiempo que tenían.
―Fue entonces cuando Paxton
propuso una alternativa
revolucionaria, transparente y
ligera, fácil de montar y
económica‖.
Así, para Foster el Crystal Palace
se inscribe en una tradición de
pioneros, como Buckminster
Fuller, que defendieron la
importancia de hacer más con
menos.
Él mismo, como principal
representante del high
tech británico, tendría un puesto
en esa estirpe.
El artífice del mayor aeropuerto
del mundo, el de Pekín, recuerda
que en su tiempo también el
Crystal Palace fue mayor que
cualquier otra construcción.
Y necesitó una ―ingeniería
imaginativa‖ que minimizara el
número de elementos y aligerara
la construcción.
Para ello se produjeron paños de
vidrio de un tamaño nunca antes
fabricado.
―En tan solo ocho meses, 2.000
obreros los encastraron en un
sistema racional y modular‖.
Al final la estructura se convirtió,
por encima de todo, en el símbolo
de una nueva manera de construir.
Tanto es así que levantarlo fue un
espectáculo: ―La gente iba al
parque a verlo crecer‖. ―Fue una
hazaña efímera pero
extraordinaria, hermosa, ligera y
luminosa. Un ejemplo del que
aprender‖, opina el arquitecto.
El creador del viaducto francés de
Millau –una proeza del siglo XXI
en la que 3.000 obreros
levantaron un puente de 2.460
kilómetros de longitud y 343
metros de altura sobre el río Tarn
en cerca de tres años– considera
que el Crystal Palace encarna,
además, el mejor mecenazgo.
―Lo hicieron posible la Real
Sociedad de las Artes, el príncipe
Alberto y la reina Victoria. Esa
sociedad nació de otra que tenía
por objeto fomentar el arte entre
los fabricantes y los
comerciantes‖.
Así, el Crystal Palace fue hijo de la
unión entre una monarquía que
creía en el progreso y una
burguesía educada con ganas de
transformar el mundo.
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Vidrieras de ensueño en Huelva.
La luz es capaz de transformar espacios, de crear ambientes y generar emociones. Sin ella, las formas no tendrían alma, ni color. Un lugar en la ciudad de Huelva donde se pone en práctica esta ley básica hasta convertir en poesía la funcionalidad, es el interior del Palacio de Mora Claros.
Sin duda, el Palacio de Mora Claros es una de las construcciones que más sorprende y entusiasma a los turistas que se acercan hasta la ciudad.
Esta casa señorial cuenta con una serie de vidrieras capaces de modificar la expresión de las estancias en función de la luz natural. En conjunto, ofrecen una visión exquisita del interior coloreando los espacios con brillantes colores que centellean a cada paso.
De entre todas ellas, la más conocida es la que representa la llegada de Colón a América. encuadrada en un marco clasicista.
Esta vidriera emplomada de estilo modernista se encuentra sobre las escaleras que dan acceso al segundo piso del palacio.
Está firmada por J.H Mauméjean Hnos, una empresa regentada por una familia francesa especialista en la creación de vitrales y mosaicos venecianos. Para que podamos entender la importancia del encargo, debemos tener en cuenta que
estos maestros vidrieros llegaron a ser proveedores oficiales de la Casa Real, por lo que podemos concluir que esta residencia no se proyectó para ofrecer un resultado práctico, sino más bien para demostrar la valía de una familia influyente a través de la ostentación.
Resulta una vidriera compleja, rica en colores y llena de detalles. Fue confeccionada con vidrios de diferentes tamaños y formas unidos por tiras de plomo que se adaptan al contorno de cada pieza de vidrio.
La escena muestra el desembarco del conquistador en una playa americana, pero si se examina con detenimiento también podremos observar como el maestro vidriero simboliza la evangelización, el uso de la fuerza por parte del hombre blanco y la sumisión de los nativos que obsequian con ofrendas a los conquistadores.
Una gran vidriera que hace las veces de claraboya se abre en el techo sobre el acceso a las dos plantas del edificio. Igualmente hermosa y rica en detalles, destaca de nuevo por su firma.
Fue realizada por La Veneciana, la fábrica de vidrieras más importante de Zaragoza a principios del s. XX. Debido al éxito que obtuvieron con sus obras, la empresa se expandió fuera de Aragón a otras ciudades españolas, abriendo así en 1923 una sucursal en Sevilla.
Se podría dar el caso de que este taller sevillano fuera el responsable de la creación de dicha cristalera, aunque la firma señala el año 1920 como fecha de ejecución, tres años antes de la apertura de la sucursal en la capital hispalense.
Lo interesante de esta cristalera es que hoy por hoy son bastante desconocidos los vitrales que La Veneciana realizó para otras provincias fuera de la comunidad aragonesa, por lo que podemos considerar una suerte contar con este elemento ornamental que hace tan especial a esta construcción.
El despacho de dirección del centro cuenta con dos vidrieras. En una se representa a Santa Lucia de Siracusa con unos ojos sobre una bandeja como símbolo de su martirio; en la otra, se representan dos figuras, a San José de Nazaret con el niño y la vara de flores, y a San Juan Bautista con un estandarte terminado en cruz y un pendón que reza ―Ecce agnus dei‖.
En la planta baja encontramos la cristalera de los escudos, donde se puede leer la fecha de construcción del palacio en números romanos (1912). Arriba, en la segunda planta, hay otra conocida por el castillo que protagoniza la escena central de su conjunto. Frente a ésta, unas ventanas interiores decoradas con elegantes vidrieras, muestran un decorado floral muy colorido.
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Las obras de artes están al
alcance de unos pocos,
coleccionistas en la mayoría
de los casos, y en rara ocasión
se pueden contemplar en
algún museo.
Sin embargo, Segovia es una
ciudad muy rica es este tipo de
patrimonio cultural.
En consecuencia, hay varios
lugares que ofrecen la
posibilidad de contemplar
trabajos que tienen un largo
recorrido histórico, como es el
Museo del Palacio Episcopal
de Segovia.
Desde que el verano dio
comienzo cerca de 300
personas se adentraron por el
interior del Museo Diocesano
de Segovia.
Los días que más afluencia de
visitantes hay son los que
coinciden con puentes o días
festivos.
También el buen tiempo invita
a las personas para aislarse
por unos momentos del típico
calor veraniego.
"En las dos últimas semana se
está notando el aumento de
turistas", señala el responsable
del museo, Santiago Franco.
Museo del Palacio Episcopal de Segovia.
desde 1635 el edificio
perteneció a la familia Salcedo.
A partir de esa época, la familia
Salcedo invirtió mucho dinero
para construir la casa-palacio y
formar así la base de su
Mayorazgo.
A mediados del s. XVIII la
propiedad, que estaba ruinosa
y sin acabar, la adquirió el
Obispo de Segovia, Manuel
Murillo y Argaiz mediante un
ceso perpetuo a Manuela
Josefa de Salcedo con objeto
de construir en la propiedad un
Nuevo Palacio Episcopal.
El actual Palacio lo diseñó el
arquitecto de la Santa
Iglesia Catedral de Toledo,
José de la Sierra.
Durante su construcción, se
decidió conservar la fachada
renacentista del palacio.
Una de las partes que más
llama la atención, es la central
del palacio, ya que los arcos
que lo rodean forman una
imagen clásica del estilo
barroco.
En su conjunto, el Palacio
Episcopal es uno de los
complejos arquitectónicos más
bonitos de Segovia.
El perfil del visitante es muy
variado. Pese a que Segovia
se caracteriza por recibir a lo
largo del año miles de
asiáticos, éstos no son lo que
más se dejan ver por las
dependencias episcopales.
Aún así, según añade
Santiago Franco, "más o
menos la mitad de los que
viene a ver las obras forman
parte del turismo nacional, y la
otra mitad si que son
extranjeros".
La sala de exposiciones ocupa
la primera planta del edificio,
cuyo mobiliario, junto con su
distribución y función original,
se ha conservado.
La colección la componen tres
conjuntos, las cerámicas de
Zuloaga, otro de vidrio y cristal
de la Real Fábrica de La
Granja y un tercero de arte
religioso del Museo Diocesano
de Segovia.
Para conocer la historia del
Palacio Episcopal hay que
remontarse hasta el siglo XVI.
Originalmente la propiedad
perteneció al Mayorazgo del
Conde de Puñonrostro, pero
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El vidrio romano en los museos de Madrid (IX).
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Eduardo Alonso Cereza
Berosio, sacerdote del periodo babilónico tardío, en su obra Babiloniaca nos da cuenta de Oannes, personaje mítico que poseía cuerpo de pez y bajo cuya cabeza aparecía otra humana.
Transmitió a los hombres saberes como: la escritura, la ciencia, el arte, la creación de ciudades, la construcción de templos, la legislación, la administración de la tierra y la fabricación de instrumentos y herramientas.
De todo ello se desprende que la artesanía se encontraba muy ligada al mundo mítico-religioso.
El trabajo manual en Mesopotamia estuvo emparentado, en su evolución, con el ritmo económico de la región.
Los artesanos no estaban incluidos dentro de los estratos sociales elevados que configuraban la clase dirigente, pero con frecuencia gozaron del apoyo que les dispensaban los soberanos, como era el caso de la exención de impuestos,
porque su trabajo era necesario.
Tanto en Mesopotamia como en Egipto las actividades artesanales se transmitían de forma habitual de padres a hijos.
En determinadas ocasiones los comerciantes de esclavos llevaban a éstos últimos a formarse en un taller determinado para lograr de una manera más rápida beneficios por su trabajo.
Las leyes de Hamurabi ordenan la situación existente entre maestro y aprendiz; éste no podía ser requerido ni siquiera por sus padres y debía finalizar sus conocimientos del oficio en un periodo de tiempo que se marcaba con anterioridad.
A cada trabajo artesanal le correspondía un tiempo determinado para obtener los conocimientos.
El maestro no percibía pago alguno por enseñar al aprendiz; tenía obligación de mantenerle y poner a su disposición la vestimenta necesaria.
Los beneficios obtenidos por parte del aprendiz a través de su trabajo pertenecían completamente al maestro. Era habitual que el aprendiz, finalizado su periodo de aprendizaje, continuase trabajando con su maestro como oficial.
Los artesanos mesopotámicos se asociaban en corporaciones que estaban dirigidas por hombres que poseían autoridad suficiente para defender los intereses de la corporación ante la administración del palacio.
Los temas a tratar más habituales eran las recaudaciones de impuestos y las obligaciones militares.
El trabajo manual de los periodos neobabilónico y persa destaca por una producción en serie que era efectuada por las grandes casas comerciales y los templos; el desarrollo de este tipo de producción perjudicó a los pequeños artesanos.
La actividad artesanal estaba integrada en el mapa urbano de tal forma que los diferentes oficios tenían una correspondencia con determinadas calles y barrios.
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N O T I C I A S (I).
Cultura 2015.
Glassman Latin America.
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Barón, José Hernández, J.
Luis Sánchez, Lorenzo
Frechilla, Arcadio Blasco,
Agustín Ibarrola, Tony
Gallardo, Susana Solano, etc.
Interesa destacar el Museo de
Escultura, que acoge en un
marco de jardines muy
agradable, más de medio
centenar de esculturas, y que
son sin duda imprescindibles
para el conocimiento de la
escultura española del siglo
XX.
El pasado mes de agosto
visitamos el Museo de
Escultura de Leganés.
Se encuentra situado en dos
lugares céntricos de la ciudad:
en los jardines de la Avda. del
Museo, junto a la Plaza de ―La
Cubierta‖ y en el
impresionante patio del
Edificio Sabatini del siglo
XVIII.
La colección posee más de 80
esculturas de gran formato de
los cuales 48 están
depositados por el Museo
Nacional Centro de Arte Reina
Sofía.
Se exponen obras que
abarcan todo el siglo XX
desde sus comienzos y
algunas del siglo XXI. Entre los
artistas más destacados están
Victorio Macho, Mateo Inurria,
Álvarez Laviada, Julio Vicent,
Apel. les Fenosa, Angel
Ferrant,Amadeo Gabino,
Martín Chirino, Francisco
expertos internacionales, compañías embotelladoras, fabricantes y negocios que usan envases de vidrio para descubrir las últimas innovaciones en el ramo.
Los expositores, además de México, vendrán de Europa, Asia, Norte y Sudamérica.
Paralela a la exposición, se llevará a cabo una serie de conferencias gratuitas con catorce ponentes confirmados.
El tema central de estas charlas es ―Soluciones futuras para las industrias embotelladoras y del vidrio hueco‖.
Entre los conferencistas destacan Grupo Modelo, Gerresheimer, fabricante de vidrio para la industria farmacéutica, así como Praxair, que hablará sobre su presencia en el país a través de la planta embotelladora de Grupo Pavisa, en las cercanías de la ciudad de México.
el evento Glassman Latin America, que tendrá lugar en Guadalajara los días 22 y 23 de septiembre.
El evento enfocado en la industria del vidrio hueco, tiene como meta reunir a
Más de 85 de los proveedores líderes en tecnología para la industria del vidrio hueco visitarán México.
Reconocidas compañías mundiales estarán presentes como expositores en
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N O T I C I A S (II).
Urnas con vidrio.
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Impresora 3D con vidrio.
Esta urna de metal, que data
del siglo XIX, posee unos
vidrios pintados
representando diversos
uniformes pertenecientes a
la Real Maestranza de
Zaragoza.
Igualmente, se conservan
dos realizadas en vidrio del
El alcalde de Borja, Eduardo
Arilla, propuso utilizar una
antigua urna para la elección
del presidente de la
corporación en la toma de
posesión de los concejales,
en la constitución del nuevo
ayuntamiento resultante tras
las elecciones municipales.
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taller de La Granja.
Estas urnas eran utilizadas
para el denominado 'sufragio
censitario'.
El sufragio censitario o
sufragio restringido fue un
sistema electoral, vigente en
diversos países occidentales
entre fines del siglo XVIII y el
siglo XIX.
Está basado en la dotación
del derecho a voto sólo a la
parte de la población que
contara con ciertas
características precisas
(económicas, sociales o
educacionales) que le
permitiera estar inscrita en
un "censo electoral".
El sufragio censitario se
contrapone al sufragio
universal, que no establece
condiciones salvo mayoría
de edad y la ciudadanía
(aunque hasta el siglo XX
estaba limitado al sufragio
masculino).
aunque el proceso es radicalmente diferente.
Por ejemplo, y sin entrar en demasiados detalles que casi nadie seríamos capaces de comprender, el cartucho donde se aloja el material es más un horno que otra cosa y es que el vidrio se calentará y además a unas temperaturas muy altas.
El vidrio necesita unos 1.038 ºC para fundirse y poder trabajar con él por lo que la temperatura juega un papel fundamental en este nuevo tipo de impresión.
La impresora, por tanto y a diferencia de otras, está adaptada para resistir estas grandes temperaturas, pero por lo demás el proceso de impresión 3D, por capas, es idéntico a otros.
La impresión 3D sigue evolucionando con el paso del tiempo y hemos visto como el MIT ha conseguido desarrollar un nuevo método de impresión,
utilizando el vidrio como material principal.
Además de muy ventajoso este método es absolutamente espectacular, tal y como podemos ver en este vídeo.
El vidrio se ha utilizado desde hace muchos siglos para la fabricación de objetos, aunque la técnica era demasiado primaria.
Sin duda alguna este nuevo método permitirá que la creación de objetos con estos materiales sea mucho más sencilla, perfecta y además rápida.
Esta impresión en vidrio, englobada en un proyecto llamado G3DP, ha sido dirigida por el MIT y por la empresa Mediated Matter.
El funcionamiento de esta impresora que imprime objetos en vidrio es muy similar al de otras,
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El vidrio en los Museos: La Habana.
En la sala expositiva del Museo de Arqueología de La Habana, el público puede apreciar la variedad de objetos desenterrados por los arqueólogos en el Centro Histórico de La Habana, ejemplos del desarrollo alcanzado por los maestros vidrieros, primeramente europeos y luego norteamericanos.
Como parte de las labores de restauración que se han realizado en el Museo de Arqueología para habilitar nuevos espacios expositivos, se exhibe en la galería de la casa de Tacón 12 una exposición transitoria sobre vidrio arqueológico utilitario y algunos ornamentales.
Se puede observar la variedad de objetos desenterrados por los arqueólogos en el Centro Histórico de La Habana, ejemplos del desarrollo alcanzado por los maestros vidrieros, primeramente europeos y luego norteamericanos.
Sus producciones desde el siglo XVI hasta finales del XIX arribaron a la Isla a través del intenso trasiego comercial de la bahía habanera y otros puertos, así como por una subterránea pero muy importante ruta de contrabando.
En la colección se presentan piezas realizadas en la técnica del soplado libre, las fabricadas mediante moldes, así como por procesos semiautomáticos que derivaron en las grandes producciones totalmente automatizadas —máquina para fabricar botellas, inventada por el norteamericano Michael J. Owens, hacia 1903— del siglo XX.
Sobresalen las bases de piezas ornamentales venecianas fechadas en el siglo XVI, los fragmentos de copas inglesas con los fustes decorados con burbujas de aire o el fechado entre 1580 y 1620, adornado con caras de león.
Del siglo XVIII se destacan los vasos con diseños decorativos grabados mediante rueda abrasiva, y posiblemente introducidos en América desde Sevilla.
El siglo XIX trajo consigo numerosas elaboraciones que responden a las necesidades de los perfumistas, farmacéuticos y vinateros europeos, en especial los franceses y hacia la segunda mitad del siglo los estadounidenses, que desarrollaron una poderosa industria del vidrio.
Todos ellos encargaban frascos con los nombres de sus compañías o productos, que al ser hallados nos permiten reconstruir las antiguas rutas comerciales y acercarnos al inicio de muchas de las invenciones que hoy en día son parte de nuestra vida cotidiana, como es el agua mineral embotellada o el aceite de hígado de bacalao.
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Su web
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Reciclado. Vuelta ciclista a España.
Los ciclistas ganadores de
cada etapa de la Vuelta a
España que comenzó en
Puerto Banús (Málaga)
tirarán la botella con la que
celebren su victoria en un
contenedor verde de
reciclado.
Según un comunicado
conjunto hecho público por
la organización de La Vuelta
y la entidad sin ánimo de
lucro Ecovidrio, será ésta
última la encargada de
colocar un contenedor verde
de reciclaje en el podio para
que los ganadores arrojen
allí la botella de vidrio con la
que celebran la victoria,
como acto de sensibilización
y concienciación a los
ciudadanos para que
practiquen el reciclado de
envases de vidrio.
Javier Guillén, director
general de Unipublic,
entidad organizadora de la
prueba deportiva, considera
que "es un orgullo seguir
ampliando la familia de la
Vuelta y más teniendo en
cuenta la causa por la que
es".
El ciclista español y
campeón del Tour de
Francia en el año 2006,
Óscar Pereiro, será el
"embajador del reciclaje"
durante toda la competición,
que se desarrollará entre el
22 de agosto y el 13 de
septiembre.
La campaña "Recicla vidrio y
pedalea" tendrá, según el
comunicado, "especial
presencia" en las redes
sociales y, además,
contribuirá a la donación de
bicicletas para la Fundación
del Hospital Nacional de
Parapléjicos con objeto de
favorecer el desarrollo de la
musculatura de los
pacientes.
Según datos proporcionados
por Ecovidrio, en el año
2014, los españoles
reciclaron 694.325 toneladas
de residuos de envases de
vidrio a través del
contenedor verde: una media
de 14,8 kg por habitante y un
total de tasa de reciclado en
torno al 70 por ciento.
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Nuestras actividades.
En este apartado vamos a detallar las actividades que llevaremos a cabo en este mes y que corresponden a las visitas culturales relacionadas con el vidrio y a las sa-lidas que haremos conforme a lo previsto en el programa de CULTURA 2015.
Visitas culturales.
Programa CULTURA 2015.
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En este mes de septiembre vamos a tratar de visitar en Azuqueca de Henares la fábrica Verallia, que es la marca bajo la que se engloba la actividad de Packaging del Grupo Saint-Gobain a nivel mundial.
Verallia, líder mundial en los sectores de envases de vidrio para vinos, licores y alimentación, produce cada año más de 25.000 millones de botellas y tarros de vidrio para sus más de 10.000 clientes repartidos en 46 países de todo el mundo.
temas lo han convertido
en un pintor fundamental
que ha sido reconocido
por las corrientes
pictóricas modernas.
La muestra confrontará
su obra con la de sus
mejores discípulos,
reunidos en una de las
salas, así como con la de
su hijo, Juan de
Zurbarán, representado
por sus refinados
bodegones.
Obras de tema mitológico
y retratos completarán la
amplia producción de
temática religiosa a lo
largo de las siete salas
de la exposición,
comisariada
conjuntamente por Odile
Delenda, historiadora del
arte y especialista en el
pintor, y Mar Borobia,
Jefe de Pintura Antigua
del Museo Thyssen-
Bornemisza.
En este mes de
septiembre visitaremos la
exposición ―Zurbarán,
una nueva mirada‖ en el
Museo Thyssen, de
Madrid.
Esta exposición ofrecerá
a los visitantes del Museo
en el verano de 2015 un
selecto recorrido por la
producción del artista
extremeño desde sus
primeros encargos hasta
las obras claves de su
periodo de madurez; una
nueva visión de uno de
los pintores más
importantes del Siglo de
Oro español gracias a la
presencia de lienzos
inéditos o recuperados en
los últimos años y que no
han sido nunca
expuestos en España.
Coetáneo de Velázquez,
la visión realista y mística
de su pintura y su
peculiar manera de
abordar los distintos
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Muros cortina en el Centro Botín.
Las obras del Centro Botín continúan avanzando con el montaje de los denominados "muros cortina", las fachadas de vidrio que cubrirán las partes norte y sur de los dos volúmenes del edificio que la Fundación Botín está construyendo frente a la Bahía de Santander.
Un problema con la empresa subcontratada para el montaje de estas fachadas fue lo que causó la ralentización de las obras del Centro, un contratiempo que la Fundación y la constructora, la Ute ohl-Ascán, solucionaron con la sustitución de esa empresa.
El director de la Fundación Botín, Iñigo Sáenz de Miera, acompañado del alcalde de Santander, Iñigo de la Serna, ha explicado en rueda de prensa los avances que se están produciendo en las obras, en las que actualmente trabajan unas 90 personas.
Sáenz de Miera ha destacado los inicios en la instalación de esos "muros cortina" de acero y cristal por la fachada sur del edificio oeste.
Primero se colocarán las piezas metálicas verticales, de hasta 15 metros de longitud, que formarán el esqueleto resistente del sistema.
Posteriormente, se montará la estructura de aluminio vertical y horizontal, que soportará los vidrios de 5 por 1,8 metros y 500 kilos de peso cada uno.
Además, estas fachadas, que combinarán diferentes tipos de vidrios, requerirán de la instalación de un sistema de persianas o estores motorizados que permitan controlar los niveles de luz diurna.
En declaraciones anteriores a los medios de comunicación, desde la Fundación Botín se aseguró que, una vez concluyese la instalación de estas fachadas, sólo restarían 10 meses para la finalización de las
obras.
No obstante, en esta ocasión, Sáenz de Miera ha indicado que la Fundación no está "pensando ni en el plazo final ni en plazos intermedios" sino "en hacerlo muy bien y con la calidad del diseño del equipo de Renzo Piano.
En el edificio oeste, además, ha ensalzado que la retirada de los andamios permite a los ciudadanos que pasean por los aledaños apreciar la "funcionalidad" de este envolvente, que refleja las tonalidades de la Bahía y de los Jardines de Pereda y que cambia en función del tiempo y la luz.
Los trabajos avanzan con "normalidad" en la subestructura del auditorio, que servirá de base para los futuros paneles de madera de revestimiento, y en las tabiquerías de los aseos.
Saénz de Miera ha apuntado que, en lo que se refiere al Centro Botín en su conjunto, continúa el montaje de instalaciones de climatización, electricidad, fontanería, saneamiento, telecomunicaciones y protección contra incendios, que avanzan al 27% en el volumen este y al 52% en el oeste. Trabajos en el "muelle" y última fase de los jardines
En otro orden de asuntos, el director de la Fundación Botín ha indicado que también se continúa trabajando en el "Muelle", una zona de aproximadamente 372 metros cuadrados que será totalmente acristalada y transparente, permitiendo la vista de la Bahía.
Los paños de vidrio de dicho cerramiento (situados al este y sur) tendrá la capacidad de poder abrirse y de ser completamente retráctiles durante la temporada de verano.
Dicho espacio, albergará las entradas principales de visitantes, la tienda, el restaurante y espacios
de estancia y esparcimiento.
El área que ocupa este volumen sobre el terreno será devuelto a la ciudad en el primer nivel con una plaza pública, la denominada "Plaza de Arriba", y una serie de pasarelas que atan las escaleras exteriores y pasan a "volar" sobre la Bahía.
Por otro lado, se está empezando con los trabajos preliminares de la última fase de urbanización de los Jardines de Pereda, correspondiente al perímetro del edificio este y oeste y el entorno del Palacete del Embarcadero, de aproximadamente 9.000 metros cuadrados.
Cuestionado por un plazo de finalización de las obras, una vez que ya se ha iniciado la instalación de los "muros cortina", Saénz de Miera ha señalado que la Fundación "no tiene objetivo de conclusión ni plazo a la vista" y ha reiterado que la construcción del Centro Botín es una obra "compleja, casi artesanal".
En este sentido, ha destacado que la Fundación está haciendo "dos esfuerzos" simultáneos para, primero, llevar la construcción del Centro de Arte "a buen término" y, segundo, para que está "cueste lo que tiene que costar y no más" por "responsabilidad social".
El director de la Fundación también ha reiterado el "compromiso absoluto" de la entidad con este Centro en la Bahía de Santander y en el que, ha ensalzado, "lo más importante y divertido llegará cuando se abra".
Por su parte, el alcalde de Santander ha insistido en que el Centro Botín es "un regalo inigualable", que ha augurado que será "fundamental" en el futuro no sólo de la ciudad sino de toda la Comunidad Autónoma de Cantabria por su capacidad de atracción de visitantes.
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Otras tendencias. Historia de dos porcelanas.
La maja y el torero esperan al
visitante en sus fanales. Por
fin en el lugar de honor que
merecen estas porcelanas que
tienen su historia y su dosis de
misterio, en la Sala de los
costumbrismos andaluces del
Museo del Romanticismo.
Se trata de una pareja de
bailarines ataviada a la
romántica, con todos los
aderezos de la época: él con
su madroñera, capote de
paseo plegado, calzas
bordadas en oro; ella con
mantilla de blonda y peinado
en ―bandó‖, corpino brocado
con amplio escote parisiense,
falda tutú a tres volantes y, por
supuesto, ambos con
castañuelas encerradas en las
manos que dibujan una
manera precisa de retener el
crótalo contra la palma, remate
del braceo a la española.
Y se sabe quiénes son: Los
franceses Marie Guy-Stephan
y Marius Petipa. Los retratos
de sus caritas de loza fina no
engañan.
Guy-Stephan y Petipa fueron
pareja de baile en el Teatro del
Circo de Madrid.
Ella fue la más aclamada de
su tiempo desde San
Petersburgo a Londres o
Viena, y él se convirtió en el
coreógrafo más importante de
la historia, el creador de Don
Quijote en ballet que aún
persiste en repertorio.
Petipa hizo los dos primeros
ballets sobre Carmen de
Merimée en Madrid.
Las porcelanas son de factura
francesa y han sido atribuidas
a Jacob Petit, el famoso
modelista y pintor de origen
judío al que se considera la
cima de ese estilo llamado
Viejo París.
Las porcelanas del
Romántico no están firmadas
y se datan alrededor de 1840.
Debajo tienen una marca de
pincel que reza ―M I. E..‖.
Con toda probabilidad este
dato no lo tuvo a mano
quienes las señalan como de
manos de Petit.
Lo mismo pensaba el ex-
bailarín y coleccionista Aníbal
Navarro, que tenía una pareja
de estas figuras en el formato
miniatura, y estas sí tenían las
siglas de firma debajo: ―J. P.‖
Esas y una pareja similar a las
del museo se exhibieron en la
Calcografía Nacional de la
Real Academia de Bellas Artes
de San Fernando en 1992.
El tema del pas de deux que
representan las figuras, está
presente en los repertorios
tradicionales, que se sepa,
desde cerca de 1820.
La música que lo acompaña,
de autor desconocido y
catalogada como ―popular‖ sin
serlo, se ha copiado con
variaciones orquestales y
repeticiones al uso desde
antiguo; a veces, esta
composición aparece como El
Torero y La Malagueña, como
reza en la primera página del
manuscrito orquestado por
José Jover en 1898 en Murcia.
A veces se encuentran
arreglos para rondalla.
La coreografía también
tradicional es una de las joyas
del repertorio clásico del estilo
bolero.
La ha mantenido viva durante
generaciones la familia
sevillana de Los Pericet.
La última vez que dos de los
hermanos, Carmelita y Ángel,
bailaron esa danza en Madrid
fue en el Teatro de la Zarzuela
en 1992.
Hay datos fehacientes de que
ya en torno a 1895 Ángel
Pericet Carmona (abuelo del
otro Ángel) enseñaba La Maja
y el Torero en su primitiva
academia de la calle Espíritu
Santo de Sevilla.
Ese baile lo había aprendido
de La Campanera (a quien
dibujó Gustavo Doré para su
libro de viajes por Andalucía
hecho al alimón con Davillier) y
del maestro Segura.
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El artista francés Abraham Poincheval es un asiduo a las inmersiones extremas que ya sabe lo que es vivir dos semanas en el vientre de un oso, atravesar Francia en rigurosa línea recta, sobrevivir veinte días como un topo que excava un túnel o aislarse en la oscuridad total de una caverna durante 120 horas.
Ahora se prepara para un excéntrico periplo fluvial que tiene mucho de literario y aún más de tangible: durante dos meses y medio remontará 500 kilómetros del Ródano a bordo de una botella de vidrio de 6 metros de largo por 2 de ancho.
"Me gusta entrar en las cosas y vivirlas desde el interior, donde se confunde la frontera entre la realidad y el sueño", explica el artista tras superar un período de aclimatación en su particular navío.
Transformado en un mensaje humano en el interior de una botella, Poincheval (Alençon, 1972) ha estado afincado durante diez días en la localidad de Port-Saint-Louis-du-Rône, en la Costa Azul francesa, separado del mundo exterior por una superficie transparente de 5 milímetros de espesor y a merced de cualquiera que pasara por allí.
"La gente se acercaba a la botella, atraídos por ese objeto colocado a orillas del mar como una cápsula espacial", resume el artista, que habitualmente vive y trabaja en Marsella.
Viaje por el Ródano.
marinos en los puertos o como Penélope en la 'Odisea', de Homero", que durante veinte años esperó el regreso de su marido de la Guerra de Troya.
Plan con tintes literarios
En realidad, todo su plan tiene tintes literarios, ya que se inspira en el "país de las maravillas" de Lewis Carroll, un mundo deslumbrante al que Alicia accedía al beberse el contenido de una misteriosa botella que la hacía menguar hasta una altura de 25 centímetros.
La iniciativa de Poincheval, que produce el Centro Nacional de Artes de la Calle Citron Jaune, quedará documentada en un videoblog y un cuaderno de bitácora que podrá seguirse por internet y estará supervisada por el Fondo Regional de Arte Contemporáneo de Marsella (FRAC), campo base con el que establecerá contacto dos veces al día.
El curioso viaje se inscribe en la línea de un artista de 1,72 metros y 55 kilos consagrado a descubrir el mundo desde perspectivas inexploradas. Como cuando el año pasado se encerró en el interior de un oso disecado durante 13 días, sobreviviendo con una reserva de 30 litros de agua y a base de comida deshidratada que intentaba aproximarse a la dieta del plantígrado, como setas, semillas, insectos, pescado. Mientras, leía "Guerra y Paz", de León Tolstoi.
Un artesano de esa ciudad mediterránea fabricó la casa-botella a partir de los diseños del propio Poincheval: el tapón sirve de respiradero y puerta de entrada a un habitáculo con víveres, una cama, bombonas de agua y captores solares para generar energía y ventilar el interior.
Dispone, además, de una capa de lluvia que le concede cierta intimidad en sus necesidades higiénicas, para las que se sirve de bidones estancos.
A 47 grados en el interior
"Tenía diferentes angustias, especialmente el calor, que es lo más violento porque puede llegar hasta los 47 grados centígrados en el interior. Pero ha ido muy bien", comenta el artista, que en una franja del techo ha instalado un parasol para no derretirse.
Superada esta fase de experimentación, en los meses de julio y agosto del próximo verano se lanzará Ródano arriba, desde su desembocadura hasta Ginebra.
La botella estará conectada a una plataforma que remolcará un barco tradicional y se permitirá escalas en Arles y Lyon.
Tendrá que limitar la actividad a las mañanas y a las tardes, cuando el sol estival es menos brutal.
El resto del tiempo lo dedicará esencialmente a leer, pensar y a "fabricar una cuerda como los
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El Museo de Cerámica de Talavera
‗Ruiz de Luna‘ y más
concretamente su ampliación en el
Liceo o antigua Iglesia de San
Agustín, alberga estos días una
exposición que poco tiene que ver
con la cerámica local pero que, al
igual que esta, guarda en su
interior el arte y la capacidad de
sorprender.
Y si no, pasen y vean los 40 botijos
que se exponen en su sala central
dentro de la colección ‗En la piel
del agua‘ cuya principal
característica está en su
decoración, realizada por
importantes y diferentes artistas
contemporáneos que a nadie
dejarán indiferente.
Tanta es su importancia que, entre
otros, hay obras de Antonio
Mingote, Forges, Viola, Rafael
Canogar o el mismísimo Salvador
Dalí.
Su propietario es el cantante y
estudioso del folclore Ismael Peña,
singular coleccionista que ha
preferido ofrecer al público para su
disfrute unas 40 piezas que antes
de llegar a Talavera han pasado
por otros municipios como Alcázar
de San Juan.
En este caso, Peña combina el arte
alfarero popular con el pictórico de
diferentes creadores que
plasmaron sus impresiones hace
años en la conocida y tradicional
vasija ofrecida por el coleccionista
totalmente desnuda.
Como singular, el botijo diseñado
por el genial artista Salvador Dalí,
expuesto además junto a una
fotografía en blanco y negro con el
coleccionista. Su obra ha sido
titulada ‗El Juglar‘ y en él puede
apreciarse una vasija
prácticamente desnuda, vacía, con
un ligero dibujo donde se aprecia al
juglar protagonista tocando una
guitarra y la dedicatoria: ‗A Ismael‘.
A su lado, se encuentra el único
botijo de la muestra que no está
realizado en barro, sino en una
singular obra de vidrio conformada
por varias capas.
Es el firmado por Javier Gómez,
uno de los exponentes de la
escultura contemporánea en vidrio
de España, en cuya pieza
experimenta con el vidrio plano,
utilizando simples láminas
superpuestas, cortadas, pulidas y
pegadas.
Muy divertido es el decorado por el
sorprendente Antonio Mingote, que
consigue una de las piezas más
divertidas por temática y colorido
de toda la muestra.
Bajo el título ‗Verbena‘ recrea una
fiesta donde los protagonistas
bailan agarrados bajo el manto
verde de algún árbol. Los colores
son dignos de ser admirados.
Curioso es también el decorado por
Rafael Canogar, muy similar a la
estética de Pablo Picasso bajo el
nombre ‗Escenas Urbanas‘, así
como el del genial dibujante
Forges, quien utiliza sus siempre
inteligentes bocatas para recordar
que «El botijo en la persona,
muchos bienes proporciona».
Sus autores tampoco se parecen.
Así, las obras de José María Pérez
de Cossío, Rafael Baixeras, Antonio
Cortés o Eduardo Úrculo,
comparten sala con otras de
Ramírez de Avellano o Manuel
Viola, entre otros.
La muestra, que ya ha sido
expuesta en diferentes escenarios,
busca la unión de un elemento
humilde y tradicional como es el
botijo que normalmente sirve como
base al frescor del agua, con la
frescura de los diseños más
vanguardistas y originales.
Poca promoción. Las obras cedidos
por Ismael Peña descansan en el
centro del Liceo desde hace unos
días, aunque nadie sabe
exactamente porque la exposición
no tuvo inauguración ni tan siquiera
una ligera promoción que anunciara
de su presencia en la ciudad.
Tanto es así, que tampoco se
conoce cuándo será retirada del
museo talaverano.
Aún así y pese a no tener agua en
su interior -algo que sería de
agradecer en estos días de calor-,
los botijos de Ismael recoge en su
piel la sensibilidad de algunos de
los mejores artistas
contemporáneos de los últimos
años. Digna de ver.
Botijos en el Museo de Cerámica Ruiz de Luna.
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Una propuesta de alta gama.
Una de las determinantes de la arquitectura actual es la menor incidencia posible de los espacios construidos en el entorno natural.
Esta simbiosis adquiere más relevancia cuando se emplaza en un lugar extremo, como un bosque cerrado, una isla de difícil acceso, la cima de un risco... un acantilado que limita con el mar.
Este es el caso de la Casa Brutale, un proyecto realizado por los arquitectos Laertis Antonios Ando Vassiliou y Pantelis Kampouropoulos, miembros del taller arquitectónico OPA, como informa Catálogo Diseño.
Este proyecto se empezó a construir en medio de un
acantilado de rocas con vista hacia el mar Egeo, en Grecia.
Es una apuesta a la innovación en términos de tendencia como el medioambiente y la sustentabilidad.
El edificio posee materiales simples como la madera, el vidrio y el concreto, la convergencia de la tierra que la rodea y el agua.
El paisaje es parte integral del concepto, al prevalecer los elementos sobre la construcción.
El techo de la casa tiene una piscina de fondo de vidrio que, por un lado se prolonga hacia la infinita vista del mar y, por otro, permite iluminar el interior.
Esta claraboya, hecha de vidrio reforzado, funciona como la única ventana de la casa, difuminando la luz del sol para suavizar las superficies duras del edificio en sí y producir vistas 100% de agua.
Así se provocan juegos lumínicos sobre el hormigón, material que hace referencia al nombre a esta casa, relacionado con el brutalismo, un estilo arquitectónico impulsado por Le Corbusier y que resalta las geometrías angulares repetitivas y las texturas vistas, principalmente del hormigón.
El impacto constructivo es mínimo, ya que se dispone únicamente sobre el acantilado y no sobre el terreno.
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Los techos de Milán.
pudieron restaurar las originales.
También se ve la torre del Castello Sforzesco, en contraste con algunos modernos edificios que se levantan algo más lejos: así, hoy como ayer, como decía el novelista Luigi Capuana al hablar de la Galería, "todas las pulsaciones de la vida ciudadana repercuten aquí. Cuando parece que ha cesado todo movimiento, desde los grandes ojos de cristal del pavimento es posible darse cuenta que en sus subterráneos bulle siempre el trabajo como si en este centro vital la actividad no pudiera dormirse nunca y siguiera sin conciencia, tal como un organismo viviente que se abandona al sueño".
En honor a Pavarotti
Desde la entrada a la Highline Galleria se accede al nuevo museo y restaurante dedicado a Luciano Pavarotti dentro mismo de la Galería Vittorio Emanuele.
Es una iniciativa de la Fundación Pavarotti que durará el tiempo de la Expo Milán, pero que probablemente luego funcione en forma permanente.
Ofrece menús a partir de 15 euros, con los platos de la cocina emiliana, y se exhiben recuerdos de su carrera. www.pavarottimilano.com
Datos útiles
Entrada y horario de la Highline Gallery
Entrada 12 euros. Todos los días, de 9:00 am a 10:30 pm. Highline Galleria: Via Silvio Pellico 2, Milán.
con il cielo di cristallo (el salón con cielo de cristal, en alusión al apodo de la galería como salón de Milán por su relevancia comercial y social) el nuevo paseo completa el trabajo del arquitecto Giuseppe Mengoni.
Proyectó la obra en la segunda mitad del siglo XIX, con la apertura del tercer pasaje: es decir el que ahora recorre los techos al aire libre, además de los dos cuerpos cubiertos que conectan -bajo la cúpula vidriada- la plaza del Duomo con la Scala.
Se cumple así el sueño del arquitecto de ofrecer a los milaneses y visitantes la posibilidad de admirar Milán desde lo alto, los detalles arquitectónicos de la majestuosa cúpula de la Galería y la imponencia del Duomo.
La cúpula central tiene una altura de 47 metros y requirió -junto con el conjunto de los techos- 353 toneladas de hierro, así como miles de metros cuadrados de placas de vidrio.
Fue construida entre 1865 y 1877: más de diez años antes que la célebre Torre Eiffel, levantada para la Exposición Universal de París de 1889.
A lo largo de los 250 metros de la Highline Galleria se abren algunos espacios miradores, con una exposición al aire libre sobre Milán en los tiempos en que se construyó la Galería.
Solo desde aquí se advierte, por ejemplo, que algunas piezas de mármol que revisten el Duomo son más blancas que el resto: son réplicas colocadas en algunos lugares donde no se
Este año, hasta el 31 de octubre, los ojos de medio mundo estarán puestos en Milán. Hasta esa fecha se celebra la Exposición Universal dedicada a la alimentación y la energía, que concentra a 140 países con el desafío de pensar en un futuro sustentable.
Para acompañar el evento, Milán organiza una extensa agenda de eventos: desde un programa especial en la Scala hasta la exhibición de la Pietà Rondanini de Miguel Angel en el Castello Sforzesco.
Desde la apertura del restaurante pop up de la James Beard Foundation que presenta lo más innovador de la cocina norteamericana -y donde días atrás causó revuelo la visita de Michelle Obama- hasta la exhibición
El mundo de Leonardo, con réplicas de sus máquinas y una restauración interactiva de las obras del artista.
Pero más allá de lo temporal, algunas iniciativas están destinadas a durar y a revolucionar la perspectiva que Milán tiene de sí misma.
La principal es la Highline Galleria, una serie de pasarelas peatonales que permiten caminar sobre los techos de la Galería Vittorio Emanuele, uno de los mayores testimonios del patrimonio histórico de la ciudad, a pocos pasos de la plaza del Duomo.
Por primera vez el monumento puede ser admirado desde una perspectiva única, con una visita asombrosa sobre los techos de Milán. Bautizado como il salotto
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Mejor diseño en vidrio.
Por segundo año
consecutivo, Verallia ha celebrado su
‗Concurso de Vidrio y Creación‘ en
España con el objetivo de impulsar y
apoyar a futuros diseñadores
premiando su capacidad de creación
de cara a un nuevo reto.
En consonancia con el lema ‗Diseno
mediterráneo‘, este ano los
participantes debían diseñar un
envase de vidrio novedoso tanto para
bebidas como alimentos
característicos de la cultura
mediterránea.
Un total de 52 estudiantes han
participado en esta segunda edición
española del concurso que promueve
Verallia, aunque solamente tres –un
tarro de aceitunas, un ‗tres en uno‘
para tomar el mítico gazpacho
veraniego y una botella de agua de
clase Premium- de los 30 proyectos
presentados, han sido los finalistas de
este original y divertido concurso cuya
entrega de premios tuvo lugar el
pasado 22 de junio.
Los miembros del jurado, encabezado
por los miembros de Estudio
Moruba, Daniel Morales y Javier Euba,
valoraron muy positivamente los 30
proyectos presentados –entre los que
se encuentran, entre otros productos,
presentaciones de aceite, vino, agua
mineral o helado- y destacaron la
originalidad y el esfuerzo dedicados
así como la perspicacia invertida en
los recursos con los que contaban los
estudiantes de diseño.
―Los renders utilizados son de gran
calidad y las imágenes, muy realistas.
Se nos olvida que sólo son proyectos,
parece como si estuvieran ya
materializados en muchos casos‖,
aseguró Euba.
A la entrega de premios, además de
Morales y Euba, acudió el equipo
directivo de la firma así como otros 12
profesionales del mundo del vidrio
para alimentación y bebidas, entre los
que se encontraban diseñadores -
como Isabel Cabello y Enrique
Moreno, de ICS Studio- periodistas y
clientes de Verallia.
Además, en la entrega de premios, los
allí presentes pudieron observar los
proyectos ganadores y finalistas
gracias a la exposición de los mismos
en el lugar elegido para la
celebración: la sede de Verallia, en
Madrid.
El ranking de los galardonados es el
siguiente:
- Juan Carlos Cuéllar Nieto, de la
Universidad Europea de Madrid, fue el
ganador de este concurso gracias a
su proyecto ‗Olivia‘, premiado con
3.000 €. Se trata de un tarro de
aceitunas que, gracias a su sistema
flip-flop, permite separar el líquido de
las olivas en un sólo movimiento. Así,
con un giro de 180º, el producto
estará listo para su consumo y, tras
girar de nuevo el envase, el líquido
vuelve a su posición de inicio evitando
de esta manera la pérdida de sabor
de las olivas. El punto diferencial está
en lo lineal, estético, funcional y
versátil del producto, ya que, además,
puede destinarse a guardar otros
productos una vez agotado su
contenido.
- Ohú‘ es el título del proyecto que
recibió el segundo premio, valorado
en 1.500 €. Este ‗tres en uno‘ es un
recipiente sencillo pero
contemporáneo pensado para beber
gazpacho y otras sopas frías en
cualquier lugar, ya que cuenta con un
espacio para guardar picatostes o
cualquier condimento para la bebida
principal y con una tacita que permite
consumir esta delicia mediterránea
donde se quiera. En esta ocasión, el
premio fue a parar a ESDIR (La Rioja)
gracias al alumno de esta escuela
Adrián Jiménez Rubio, autor de este
proyecto que, además, es reutilizable
y perfecto para almacenar yogur,
batidos o cremas.
- El tercer premio, valorado en 1.000 €,
comparte destino con el segundo.
Haijun Gao, alumno de ESDIR La
Rioja, es el autor de ‗Poseidón‘, una
elegante botella de agua mineral
Premium cuya inspiración llega de las
columnas de la Antigüedad Clásica.
Esta botella, abarrotada de cultura,
historia y lujo mediterráneo, busca
cautivar con su forma y acabados no
sólo visualmente, sino sensorialmente,
ya que es una invitación a tocar y
sentir la fuerza del mar y la resistencia
de la columna. El atrevimiento a la
hora de usar los facetados y relieves
del vidrio y la apuesta por el color
negro han sido los factores clave que
han hecho que el jurado se decantara
por ‗Poseidón‘ como uno de los
proyectos finalistas.
Además de estos galardones, se
concedió un premio de Facebook por
valor de 500 € a Antoni Porras
Corbella (Elisava) por Recordis, al ser
el proyecto que ha contado con más
votos (1.059) del público en esta red
social.
Una vez más, Verallia ha llevado a
cabo este concurso, que se celebra a
nivel internacional desde el 2009 y
cumple este año su sexta entrega, en
su firme apuesta por el futuro de los
jóvenes diseñadores.
Así, los nuevos creadores pueden dar
rienda suelta a su imaginación frente a
las demandas de su futuro público y
ofrecerle soluciones en vidrio a las
mismas.
Además, Verallia va más allá con esta
iniciativa al otorgar a los participantes
la posibilidad de que su proyecto sea
desarrollado por la compañía y, por
ende, cumplir el sueño de muchos
jóvenes diseñadores de ver su
proyecto en el mercado mundial.
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Cómo lo hace.
En este mes incluimos unas fotos de la técnica practicada por Bernard Heesen.
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“Lecciones de historia”.
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―Lecciones de Historia‖,
comisariada por Octavio
Zaya y expuesta en el
Centro Atlántico de Arte
Moderno (CAAM), en Las
Palmas de Gran Canaria, se
emplaza justo en el
alarmante contexto de
pérdida de la memoria
histórica que asedia al
individuo contemporáneo.
―En esta época nuestra que
desprecia la historia –o solo
la considera para manipular,
revisar, esconder o borrar
los hechos y los sucesos
acaecidos en nombre de un
presente que se perpetúa
como omnipresencia
sociopolítica y económica
cada vez más autoritaria y
unidimensional– nos hemos
transformado en agentes sin
‗existencia histórica‘‖, explica
Zaya a propósito de la
muestra que comprende
obras de 13 artistas de talla
internacional.
Los discursos de estos
creadores están
directamente relacionados a
la recuperación del individuo
en tanto ente socio-histórico,
tomando para ello como
contexto inmediato la ola de
rebeliones populares que,
por doquier (Túnez, Egipto,
Islandia, Grecia, España,
Israel, Chile, Reino Unido,
Estados Unidos, Turquía,
Brasil, Venezuela, Hong-
Kong, entre otros) agita al
mundo contemporáneo.
Arab Spring, de Kader Attia,
recrea la destrucción del
museo de El Cairo, que
tuviera lugar durante las
protestas del 2011.
La instalación se compone
de vitrinas de vidrio contra
las que el artista arremete a
pedradas, dejando un caos
de ladrillos y vidrio sobre el
suelo.
La instalación –resultado del
performance registrado en
video por los celulares de los
espectadores y rápidamente
divulgados en la redes
sociales– es una
contundente declaración
acerca de los movimientos
de protesta en la era global,
el papel de los social
media como activos
catalizadores, así como la
institución arte en tanto
espacio semisacro
enrarecido, símbolo del
status quo de la sociedad
contemporánea.
Lecciones de Historia
comprende además obras de
John Akomfrah, Halil
Altindere, Shoja Azari,
Marcelo Expósito, Nuria
Güell, Miki Kratsman, Teresa
Margolles, Avi Mograbi, Jo
Ractliffe, Raqs Media
Collective y Fernando
Sánchez-Castillo.
―Se trata de cuestionar las
tendencias culturales
existentes (…), asumiendo
nuestra condición histórica y
liberando al pasado de ese
terror que acecha a la cultura
sin futuro‖, apunta Zaya.
―Decía George Orwell que ‗El
que controla el pasado
controla el futuro. El que
controla el presente controla
el pasado‘‖.
Lecciones de Historia es un
antídoto contra la amnesia.
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No hay duda de que uno de
los trabajos manuales más
hermosos que hay es el que
se logra a través de la
magnífica técnica del Arte
Murano, la cual —según
datos históricos— se atañe a
la isla italiana del mismo
nombre, cuna de un
sinnúmero de artesanos que
han hecho escuela y
trayectoria en esta región
que bien se ha logrado
ganar fama en todo el
Mundo, gracias a siglos y
siglos de tradición
elaborando impactantes
objetos de distinta índole en
cristal soplado.
Y en esto, como buen
italiano, el señor Paolo no ha
sido la excepción.
Europeo de nacimiento pero
con una vida entera en
Venezuela, Pinzán se asume
tan criollo como cualquiera
que haya nacido en estas
tierras; a las que arribó en el
año 1957 de la mano de sus
padres cuando apenas tenía
11 años.
El pequeño pisó suelo
venezolano justo en una
época que atrajo a un
importante grupos de
inmigrantes italianos, y a
partir de entonces, todo fue
historia.
Proveniente de una familia
arraigada en este hermoso
Arte gracias a su padre
Sergio Pinzán, no era de
extrañar que ya con algunos
años en el país, Paolo
sintiera la confianza de
arrancar su propio negocio.
Es entonces cuando en el
año 1982 funda junto a su
hermano Giuliano la
Cristalería Pagi, una
empresa familiar que se ha
mantenido hasta la
actualidad elaborando todo
tipo de objetos en vidrio, en
la cual se han formado
muchos venezolanos en
esta profesión y en donde
Paolo aprendió todo lo que
hasta el Sol de hoy, practica
a la perfección, y que
además le ha valido
diversos premios y
reconocimientos.
“Teníamos más de un año
tras su pista pues en cuanto
descubrimos varias de sus
creaciones, quedamos
enamorados de inmediato.
Cuando finalmente lo
logramos contactar, no
dudamos ni un instante en
hacerlo parte de nuestro
selecto grupo de firmas para
nuestra sección de Hogar, ya
que lo hermoso de sus
piezas, el diseño y sus
acabados, están a la altura
de lo que nos gusta ofrecer a
nuestra exquisita clientela”,
aseguró la Gerencia de
Mercadeo de esta importante
tienda, para la cual Pinzán
creó un grupo de piezas
exclusivas las cuales le
tomaron unos seis meses de
elaboración, y que ya
pueden ser adquiridas en la
sede del CC Altamira Village.
“Debemos decir que además
de la belleza, uno de los
mayores atractivos de esta
colección, es que los precios
son increíblemente
solidarios; más aún cuando
te das cuenta del valor y el
trabajo que lleva consigo
cada pieza y la historia que
hay detrás. Cada una de
ellas es única pues es
imposible replicarla
exactamente igual, y además
son objetos perfectos para
regalar, pues no pasan de
moda y su durabilidad es
infinita”, agregaron.
Homenaje a Paolo Pinzán.
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Con 87 años plasma legado en mosaicos.
Deslumbrada con el colorido de
los ventanales de las iglesias
josefinas, Rosalina Valverde
Meza decidió aprender las
bondades del vidrio para realizar
sus propias obras mediante la
técnica del mosaico.
A sus 87 años y con una
jovialidad que se desea más de
uno, esta vecina costarricense de
Palmichal de Acosta, San José,
captura las diferentes especies
de flora y fauna así como pasajes
bíblicos con el afán de
transmitirles un mensaje de
conservación del ambiente a las
nuevas generaciones.
DIARIO EXTRA la conoció
durante la feria ―Hecho Aquí‖, la
cual promovió el Ministerio de
Cultura y Juventud (MCJ) en
coordinación con el Instituto
Costarricense de Turismo (ICT)
en la Antigua Aduana.
“Desde mi juventud descubrí que
contaba con habilidades para
todo tipo de manualidades, pero
hace unos ocho años supe que
era buena para trabajar el
mosaico y los vitrales y que
quedé con ese procedimiento,
porque digamos que me llena de
salud. Es una forma de pasar el
tiempo y dejar un legado”,
resumió.
TONOS Y EXPRESIONES
De acuerdo con los expertos, un
vitral o vidriera policromada es
una composición elaborada con
vidrios de diversas tonalidades,
pintados o recubiertos con
esmaltes.
Estos posteriormente se definen
sobre superficies de madera,
cemento, metal, cristal, entre
otros.
Valverde reveló que pasa
decenas de horas en su taller,
siempre y cuando sus dolencias
en la columna y el ardor en la
vista se lo permitan.
“Primero selecciono el diseño
que más me gusta, en algunos
casos lo mando a ampliar y
seguidamente lo calco. Luego
voy cortando el vidrio y voy
pegando pedacito por pedacito.
Es mucho trabajo pero con
paciencia va saliendo poco a
poco. Cada pieza es de una
pulgada aproximadamente y eso
sí, hay que tener mucho cuidado
a la hora de colocarlo para que
sigan una dirección y nada
quede torcido”, reveló.
BOSQUE CERCANO
De sus manos brotan diseños
como por ejemplo lapas,
tucanes, loros, bueyes, peces,
flores, etcétera, bajo el sello
ambiental y estampas como la
Sagrada Familia en el portal o
imágenes de Vírgenes en el
religioso.
Con una sonrisa presumió que
nunca llevó cursos de
preparación o decoración, sino
que más bien su talento es
empírico.
“Durante muchos años acumulé
cuadros y cuadros y mis hijos -
que tengo 11 por cierto- me
regañaban porque pasaba
mucho rato en esto. Luego hace
poco me salió una oportunidad
para exponer en mi cantón y de
ahí me vieron los organizadores
de la feria para ir a exhibir mis
productos. Son caritos pero es
por el gran detalle que poseen”,
agregó.
SATISFACCIÓN Y ENTREGA
La protagonista indicó que su
mayor inspiración es la familia
aparte de los elogios de sus
amistades y clientes.
“La gente me felicita al ver los
cuadros y eso me llena. A veces
me pregunto quién me tiene en
estas a esas edades, pero Dios
tiene un propósito para esto.
Cuando lo voy decorando me
motivo a crear diseños más
complicados, pero es cansado
para mi cuerpo y para la vista. No
quiero dejarlo porque sin el arte
me muero. Le digo a la juventud
que luche por sueños y
demuestren las habilidades que
cada uno lleva por dentro”,
finalizó.
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Salón Nacional del Vidrio.
La Escuela Municipal del Vidrio, dependiente de la Secretaría de Cultura y Educación de la Municipalidad de Berazategui, invita a participar del XIX Salón Nacional de Vidrio en el Arte que se desarrollará del 5 al 27 de septiembre de 2015, en el Complejo Municipal ―San Francisco‖ ubicado en las calles 23 y 149, Berazategui.
La inscripción y recepción de obras ha estado abierta del 20 al 22 de agosto de 2015 para todos los artistas.
La actuación del jurado se ha realizado del 24 al 28 de agosto.
Aquellos que deseron participar debieron abonar un derecho de inscripción de $ 50 (pesos) por persona y los interesados han podido presentar un máximo de 2 obras inéditas en la Escuela Municipal del Vidrio, ubicada dentro del Complejo Municipal ―San Francisco‖.
Se establecen las siguientes categorías:
· Técnicas Tradicionales.
Se recibirán vitrales en varilla de plomo, bronce, cobre, alpaca, y/o cinta de cobre y vidrio (que respeten
la medida mínima de 60 x 80 cm, no se establece máxima que estén provistas con sus correspondientes sostenes), pintado con grisalla (-lete, textura, manto y esmaltes de baja temperatura), y objetos en soplado, realizados con técnicas individuales o en interacción.
· Técnicas no Tradicionales.
Se recibirán esculturas, bloques, placas, paños, relieves, en termomoldeado, vitrofusión, caída libre, pasta de vidrio, casting, laminado, vitrocemento, arenado, esmaltado, inclusiones, varilla al soplete, tallado, etc. realizados con técnicas individuales o en interacción.
· Categoría Bullseye Glass e Imagen Vitral.
Se recibirán solo obras realizadas íntegramente en vidrio Bullseye, cualquiera sea su técnica.
· Quedan excluidos los objetos utilitarios.
PREMIOS
· Gran Premio Adquisición ‖Berazategui, Capital Nacional del Vidrio‖: $ 8.000 y diploma.
· 1°Premio Adquisición ―Cristalería San Carlos‖: $ 7.000 y diploma.
· Premio Adquisición Bullseye Glass e Imagen Vitral: Una caja de 10 billets de colores a elección, en disponibilidad y diploma.
· Segundo Premio Adquisición: $ 5.000 y diploma.
• Premios por categorías:
· Primer Premio Técnicas Tradicionales: Diploma.
· Primer Premio Técnicas no Tradicionales: Diploma.
· Segundo Premio en las dos categorías antes mencionadas y diploma.
· Menciones en todas las categorías: Diploma.
Todas las obras aceptadas recibirán certificado de participación.
El gran premio adquisición no podrá ser otorgado al mismo artista dos años consecutivos.
Si podrán participar con opción a uno mayor.
Los participantes no podrán rechazar la nominación a los Premios Adquisición.
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La lente asiria de Nimrud.
La lente de Nimrud es una pieza de cristal de roca que tiene 3000 años, y que fue descubierta por John Layard en 1850 en el palacio asirio de Nimrud, en el Irak de hoy en día.
Desde su descubrimiento, hace más de un siglo, los científicos y los historiadores han debatido sobre su uso, sobre todo con un prominente profesor italiano, Giovanni Pettinato, que declaró que la lente fue utilizada por los antiguos asirios como parte de un telescopio, que explicaría entonces cómo los asirios sabían mucho sobre astronomía.
La lente de Nimrud (también llamada la lente Layard), que ha sido datada entre el 750 y el 710 A.C., está hecha de cristal de roca natural y su forma es un poco ovalada.
Fue rudamente encallada, tal vez en una rueda lapidaria. Tiene un punto focal de unos 11 centímetros desde la parte plana y una distancia focal de unos 12 cm.
Esto sería equivalente a una lupa 3x (combinada con otra lente, podría alcanzar una amplificación mucho mayor). La superficie de la lente tiene doce cavidades que estaban abiertas durante el trabajo, que podrían haber contenido nafta o algún otro líquido atrapado en el cristal puro.
Se dice que la lente puede enfocar la luz del sol aunque la zona de enfoque no sea perfecta. Hubo muchos debates sobre el uso original de la lente de Nimrud.
Algunos especularon que fue utilizada como una lupa, o como un cristal de combustión usado para prender fuego concentrando la luz solar, mientras que otros propusieron que la lente era parte de un telescopio. Sin embargo, si creemos a la descripción del
Museo Británico, la lente de Nimrud "ha sido de poco o ningún uso práctico", y aunque reconocen que "este pedazo de cristal de roca ha sido cuidadosamente trabajado y pulido, y sin duda tiene propiedades ópticas", llegan a la inusual conclusión que las propiedades ópticas eran "probablemente accidentales".
El Museo Británico terminó diciendo que: "No hay pruebas de que los asirios utilizaban lentes, ni para la ampliación ni tampoco para hacer fuego y es mucho más probable que se trate de una pieza de incrustación, tal vez para los muebles."
Sin embargo, muchos no están de acuerdo con esta afirmación. El Señor John Layard sugirió que los artesanos asirios utilizaban la lente como una lupa para hacer grabados intrincados y minúsculos, como los que han sido hallados en sellos y en tablillas de arcilla con una escritura en forma de cuña.
Pero los expertos en arqueología asiria son escépticos. Dicen que la lente es de una calidad tan baja que habría sido de poca ayuda a la visión.
Otra hipótesis es que la lente se utilizó como un cristal de combustión para encender el fuego. Los cristales de combustión eran conocidos en el mundo antiguo.
Aristófanes se refiere a "la piedra preciosa, transparente con la cual encienden fuegos" en su obra Las Nubes (424 A.C.). Plinio el Viejo (23-79 A.C.) describe cómo las bolas de cristal llenadas de agua podrían incendiar la ropa cuando se colocan en línea con el sol.
Sin embargo, no hay ninguna prueba clara que apoye la teoría de
que este era el propósito para el cual fue creada la lente de Nimrud.
El científico italiano Giovanni Pettinato, de la Universidad de Roma, ha propuesto que la lente venía utilizada por los antiguos asirios como parte de un telescopio.
Según las perspectivas convencionales, el telescopio fue inventado por el productor de espectáculos holandés, Hans Lippershey en 1608, y Galileo fue el primero en dirigirlo hacia el cielo y en utilizarlo para estudiar el cosmos, pero incluso Galileo observó que los 'antiguos' eran conscientes del telescopio.
Aunque las lentes estaban en circulación antes de la lente de Nimrud, Pettinato cree que esta fue una de las primeras en ser usada en un telescopio.
Las primeras lentes identificadas remontan hace unos 4.500 años a la Cuarta y Quinta Dinastías del antiguo Egipto, donde al parecer se usaron como estructuras esquemáticas del ojo (inserciones de pupila/iris) asociadas con estatuas funerarias.
Ejemplos de este último uso se han encontrado en Cnosos, datados alrededor de 3.500 años.
En total hay varios cientos de lentes declaradas ahora en los registros de todo el mundo antiguo, así que parece que los antiguos sabían mucho más acerca de las lentes que los que les otorgan algunos, como el Museo Británico.
Las Serpientes de Saturno
Una de las razones por la que Pettinato cree que los asirios utilizaban la lente de Nimrud como parte de un telescopio, es que algunos de sus conocimientos sobre la astronomía parecen imposibles sin el alcance de un telescopio.
Por ejemplo, los antiguos asirios veían el planeta Saturno como un Dios rodeado por un anillo de serpientes, y Pettinato la sugiere como interpretación de los anillos de Saturno vistos a través de un telescopio.
Sin embargo, otros expertos dicen que las serpientes ocurren con frecuencia en la mitología asiria y se dieron cuenta que no hay ninguna mención de un telescopio en cualquiera de las muchas escrituras astronómicas asirias sobrevivientes.
A pesar de lo que sea su propósito, como un adorno, como lupa, como un cristal de combustión o como parte de un telescopio, la lente de Nimrud ciertamente parece ser más que un "accidente". Pero tal vez nunca podremos saber exactamente cómo fue utilizada.
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El vidrio en la Universidad de Costa Rica.
La innovación en las técnicas y materiales usados en el arte son una constante para quienes se dedican a la creación artística.
Este es el caso del proyecto Nuevas posibilidades del vidrio para la investigación y la didáctica en los procesos artísticos, que está a cargo de la M.Sc. Carmen Aguilar Aguilar y la Licda. Elizabeth Castro Aguilera. Además, forma parte de los trabajos inscritos en el Instituto de Investigaciones en Arte (Iiarte) de la Universidad de Costa Rica (UCR).
La investigación pretende generar nuevas posibilidades técnicas y resolver las carencias existentes en el ámbito docente y profesional nacional en la utilización del vidrio como material creativo.
―Con esta investigación se pretende introducir la enseñanza de las técnicas básicas y especializadas del vidrio para la ejecución de obra plástica a corto plazo, dar a conocer las posibilidades expresivas del vidrio y a la vez integrarlo con las técnicas cerámicas, actualmente utilizadas como medio de expresión plástica‖, explicó Aguilar.
Agregó que el vidrio es un material de gran valor para la expresión plástica, pero que pocos artistas lo utilizan sobre todo por desconocimiento y por considerar que las técnicas de trabajo son complejas. No obstante, la tecnología permite explorar nuevas posibilidades expresivas y es precisamente lo que se quiere lograr con la investigación.
Uno de los objetivos del proyecto es la utilización de materiales de desecho como materia prima, ya que esto abarata costos. En este caso, se está trabajando con vidrio de ventana, conocido como vidrio flotado, que no se recicla y que en
la UCR se deshecha, y también con botellas.
―La idea es buscar opciones de material que le abaraten costos a los estudiantes, que logren incorporar elementos nuevos a sus creaciones artísticas y que además podamos contribuir de alguna manera con la conservación del ambiente‖, recalcó Castro.
Ambas profesoras han puesto en práctica distintas técnicas para manipular el vidrio y lograr su uso en piezas artísticas. Esto no lo han hecho solas, pues los resultados de las pruebas se aplican en los ejercicios que realizan los estudiantes del curso Taller de vidrio y plástico.
Según explicaron Aguilar y Castro, las técnicas vítreas contemplan el trabajo en frío y con calor. En el caso de las técnicas en frío se utiliza el ensamble, esmerilado, vitral, ácidos y equipos de corte y abrasión.
Por otro lado, han experimentado con técnicas de calor, especialmente vitrofusión y termoformado, que permite la fusión de piezas de vidrio o darle forma a las piezas con el uso de moldes.
Pero no todos los vidrios se comportan de la misma manera, por lo que parte de la investigación consiste en hacer pruebas para determinar qué tipos de vidrios se funden entre sí, si son compatibles o a qué temperatura se logran ciertas formas, texturas o colores, según lo que se desea obtener.
Un tercer grupo incluye las técnicas de soplado y colada, en las que el vidrio se calienta, se convierte en líquido y se le da forma. En el soplado se crea una bola de vidrio y se transforma con moldes o libremente; mediante colada el
material se vierte en una superficie o en un molde.
En ambos casos se necesita un horno especial. Las investigadoras están a la espera de que se logre la compra de este equipo, para incorporar al estudio estas técnicas y así incluirlas dentro de las guías didácticas que se publicarán como resultado de la investigación.
Para Castro, con la utilización del vidrio, la posibilidad del trabajo plástico se amplía muchísimo más. Esto le da a los artistas la oportunidad de innovar e incorporar a sus trabajos un material versátil que expandirá aún más su labor creativa.
La reutilización exitosa del vidrio flotado o de ventana resulta de gran importancia, pues aparte de ser un material fácil de conseguir, presenta mucha versatilidad, lo que abre posibilidades para su implementación en diversas áreas y lenguajes de las Artes Plásticas.
En este momento el proyecto se encuentra bastante avanzado y se han alcanzado logros en las técnicas de ensamble, esmerilado y vitral, especialmente vitrofusión y termoformado, ya que se ha podido determinar la compatibilidad de materiales, temperaturas adecuadas para lograr formas y texturas, así como la manera de utilizar otros elementos para lograr colores o acabados determinados.
Como parte de los productos que se obtendrán de este proyecto se publicarán guías didácticas sobre las distintas técnicas del trabajo en vidrio como materia prima, lo que beneficiará a docentes, estudiantes y personas interesadas en los procesos vítreos.
Con estas guías la enseñanza se facilitará y a la vez se ampliará la oferta de cursos de especialización.
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El cristal en el Museo del Prado.
Con el objetivo de mostrar al
público un concepto de arte
con el que no está
familiarizado, el Museo del
Prado prepara para el
próximo octubre la
exposición ‗Arte
Transparente.
Obras maestras de la talla
del cristal en el
Renacimiento Milanés‘ que
incluirá 14 de las piezas más
bella del llamado Tesoro del
Delfín (parte de la herencia
de Felipe V de Borbón) a las
que se unen obras de primer
rango provenientes de
Florencia y París.
Destinadas a las grandes
colecciones principescas,
estas piezas son a la vez
esculturas y objetos útiles,
invenciones insólitas
extrañas y maravillosas
cuyas proporciones
evidencian en muchos casos
un profundo conocimiento
del mundo clásico, a lo que
se une la destreza en la talla
del mineral, realizada con
métodos celosamente
guardados en un ambiente
de experimentación
constante cercano a las
ideas de Leonado da Vinci.
Desde el punto de vista
escultórico destacan por su
calidad estética y técnica, y
las representaciones en ellas
figuradas.
Como elaboraciones
intelectuales cabe
considerarlas reflejo del
pensamiento renacentista y
tardo-renacentista, llegando
incluso a interpretar
visualmente asuntos
esotéricos y mágicos…
La exposición se celebrará
del 14 de octubre al 10 de
enero de 2016 en el Museo
del Prado, de Madrid.
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Fuentes de fuego lunares.
Las diminutas perlas de vidrio
volcánico encontradas en la
superficie lunar durante las
misiones Apolo son una señal de
que en nuestro satélite hubo
erupciones volcánicas,
con fuentes de fuego como las
que exhiben los volcanes de
Hawái en la Tierra.
Para que se produzcan se
requieren compuestos volátiles
mezclados con la lava en
erupción.
Estos compuestos se convierten
en gas según asciende la lava
desde las profundidades,
favoreciendo que explote en la
superficie.
El fenómeno es parecido al de
quitar el tapón a una botella de
gaseosa agitada.
Ahora, científicos de la
Universidad Brown y el Instituto
Carnegie de EE UU han
identificado el gas volátil que
provocó esas antiguas
erupciones lunares: el monóxido
de carbono (CO).
Su trabajo se publica en la
revista Nature Geoscience.
―Hace muchos anos que nos
preguntábamos cuál era el gas
que produjo este tipo de
erupciones en la Luna, algo que
no era nada fácil de descubrir
porque el gas se va‖, explica
Alberto Saal, profesor de la
Universidad de Brown y coautor
de la investigación.
El estudio apunta que la lava
asociada con las fuentes de
fuego lunares contenía
cantidades significativas de
carbono.
Según surgió de las
profundidades, ese carbono se
combinó con el oxígeno para
formar grandes cantidades de
CO.
Este gas fue el responsable de
que las fuentes de
fuego rociaran de vidrio
volcánico zonas de la superficie
lunar.
Desde 2008, Saal y sus colegas
han detectado gotas de agua,
azufre, cloro y flúor en las perlas
volcánicas lunares, pero ninguno
de estos compuestos volátiles
eran consistentes con las
erupciones de tipo ‗fuente de
fuego‘
Por ejemplo, si el agua hubiera
sido el motor, debería haber
unas firmas mineralógicas que
no han aparecido en las
muestras.
Para esta investigación, el
equipo analizó cuidadosamente
los granos de vidrio traídos a la
Tierra con las misiones Apolo
15 y 17.
En particular, observaron
muestras que contenían
"inclusiones de fusión",
pequeños puntos de magma
fundido que quedaron dentro de
cristales de olivino.
Estos atraparon los gases del
magma antes de que pudieran
escapar.
La detección del carbono ha sido
posible gracias a la precisión
alcanzada por la técnica de
sondeo de iones desarrollada en
el Instituto Carnegie, que alcanza
unos valores tan bajos como 0,1
parte por millón.
La cantidad de carbono
detectada en las 'inclusiones de
fusión' resultó ser muy similar a
la que se encuentra en basaltos
procedentes de las erupciones
en las dorsales oceánicas de la
Tierra.
Si algunos reservorios de
compuestos volátiles en nuestro
planeta y la Luna comparten una
fuente común, esto puede ayudar
a comprender mejor el origen de
nuestro satélite, que se supone
se formó cuando la Tierra fue
golpeada por un objeto del
tamaño de Marte.
"La presencia de los compuestos
volátiles sugiere que, o bien
algunos de los de la Tierra
sobrevivieron al impacto y se
incluyeron en la Luna, o que
llegaron a los dos procedentes
de una fuente común, quizá de
un bombardeo de meteoritos
primitivos ", apunta Saal.
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Vidrio en el Museo del Virreinato.
Una de las primeras remesas que vivió México fue la del vidrio procedente de España a finales del siglo XVIII y hoy, más de 20 piezas hechas con ese material y enviadas para generar un ingreso a la Corona, se exhiben en el Museo Nacional del Virreinato en la muestra Piezas de cristal y vidrio soplado de la Real Fábrica de Cristales de La Granja.
―En esta exposición temporal apreciarán piezas que fueron enviadas a América en 1760. Por ejemplo, vasos, jarrones, botellas, floreros y frascos de boticas, con un alto valor artístico, pues la historia cuenta que fue un verdadero logro mantenerlas en buen estado durante el viaje en navío, que zarpó con destino a la Nueva España pasando por La Habana hasta llegar al puerto de Veracruz‖, explica la curadora Verónica Zaragoza.
Las piezas en exhibición forman parte de la colección de vidrio del siglo XVIII y XIX del INAH compuesta por cerca de 100 objetos, entre éstos, los procedentes de la Real Fábrica de Cristales de La Granja, industria creada por la dinastía borbónica al mando del rey Felipe V en Segovia, España. ―La fábrica se fundó aproximadamente en 1727, la intención del Rey fue crear espacios para hacer porcelana, tapices y sobre todo, cristales porque en Europa había una producción importante de vidrio de alto nivel. Lo que quiso el rey fue competir en esa industria,
lograr la calidad de fábricas reconocidas en Francia, Alemania y Bohemia‖, precisa la también investigadora.
Ante esa necesidad y después de que el rey se dio cuenta que los artesanos españoles no lograron la alta calidad del vidrio por falta de tecnología –añade Zaragoza–, la Corona contrató a artesanos de otros países y sólo de esa forma, incursionaron en las técnicas para fundir y fabricar vidrio de diferentes formatos.
―Los tres tipos de vidrio que se produjeron en la Real Fábrica fueron: vidrio plano usado para hacer espejos o ventanas, vidrio hueco para producir vasos, botellas y jarrones; y el vidrio para su uso en laboratorios y en la óptica‖, precisa.
El éxito de España en la industria del cristal, alcanzó un gran prestigio por su fabricación de vidrios con grandes tamaños que para la época, resultaba una labor compleja. ―¿Por qué es tan famoso el salón de los Espejos en el Palacio de Versalles? por el tamaño del vidrio. En ese momento hacer espejos mayores de un metro era un logro impresionante ya que no había la tecnología actual y además, era un material que sólo podían pagar los reyes‖, señala la curadora.
A mediados del siglo XVIII los españoles tuvieron una sobre producción de vidrio por lo que decidieron ―hacer remesas y enviarlas a América, una de éstas se envía a Perú y otra a México. Es decir, la realeza
empaca estos vidrios y los manda a la Nueva España para generar dinero‖, explica Zaragoza.
De acuerdo con la investigadora, al país llegaron 1,387 cajones con 328,504 piezas como espejos, vasos, coperos, floreros y botellas, sin embargo, algunas sufrieron deterioro porque llegaron en barco y su traslado duró meses.
―Ya en la Nueva Espana, las piezas se pusieron en centros de distribución y se vendieron. Lo interesante es que en el país también se hicieron intentos de fabricar vidrio con motivos históricos, por ejemplo, vasos que tenían inscrito la leyenda Viva la República acompañada con la decoración de águilas. A México llegaron piezas de vidrio opalino y transparente con decoración de flores‖.
Sobre la valoración de los objetos virreinales, Verónica Zaragoza destaca que el museo intenta un mayor acercamiento a estos siglos claves para la identidad mexicana. ―El periodo virreinal no es tan apreciado, al ser la etapa en que los españoles nos conquistaron pareciera que es un periodo oscuro para la historia de México, una etapa no deseable porque ninguna conquista es fácil. Sin embargo, existió la creación de arte, como estos objetos de vidrio‖
Piezas de cristal y vidrio soplado de la Real Fábrica de Cristales de La Granja estará hasta el mes de octubre en el Museo Nacional del Virreinato. Entrada libre.
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Castillo de San José de
Valderas.
Avda. Los Castillos, s/n
28925 ALCORCÓN
MADRID
Nuestro Boletín tiene su
redacción en:
Al vidrio por la cultura
La Asociación de Amigos del MAVA fue
constituida el 21 de junio de 2003 de confor-
midad con la ordenación vigente.
La finalidad de esta Asociación es pro-
mover, estimular y apoyar cuantas acciones
culturales, en los términos más amplios, ten-
gan relación con la misión y actividad del
Museo de Arte en Vidrio de Alcorcón.
Nuestro objetivo es desarrollar activida-
des y colaborar con otras entidades públi-
cas o privadas en la promoción, defensa y
difusión del Arte y la Cultura.
Nuestros socios pueden ser honorarios,
benefactores, numerarios y juveniles.
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Presidente honorario
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Presidente
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Vicepresidente
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Francisco Martín García
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