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RESÚMENES DE HISTORIA DEL ARTE DE 2º BACHILLERATO.
Parte 1ª
Tema 2.- Arte Clásico: Grecia
Contexto histórico.
El arte clásico griego se desarrolla durante los siglos V y IV a C, etapa comprendida entre el final
de las Guerras Médicas contra los persas y la muerte de Alejandro Magno. Es el momento de
máximo esplendor de Atenas con Pericles como estratega.
La economía es comercial (importancia de la cerámica) y la sociedad patriarcal, desigual y
soporta un gran número de esclavos. Políticamente, Grecia no es una unidad sino un conjunto
de polis (ciudades estado independientes), donde Atenas ha sentado las bases de una
democracia (restringida a los ciudadanos). Sin embargo, todas las polis comparten una cultura e
idioma común y una manera antropocéntrica de entender el mundo que se refleja en sus
edificios, siempre hechos a la medida del hombre.
Sin embargo, la arrogancia de Atenas, condujo a las Guerras del Peloponeso y a la caída del
mundo clásico. Alejandro Magno unificará el mundo griego, pero tras su muerte en el 323 a.C.
un nuevo mundo nacerá: son los reinos helenísticos, cultural y artísticamente prósperos.
Características Generales de la arquitectura griega.
Los edificios griegos eran construidos a la medida del hombre y eran concebidos para ser
admirados desde el exterior, por lo que dan menor importancia a los interiores.
Estudiaron el orden y la armonía visual. Ejemplo de está última es el éntasis de las columnas.
Entre los edificios públicos destacan el templo y el teatro.
Los templos griegos comenzaron a construirse en madera, pero a partir del siglo VII a.C se
generaliza el uso de la piedra, especialmente del mármol policromado.
En planta, el templo griego suele ser rectangular y se estructura en tres dependencias: pronaos,
naos y opistodomos. Existen también templos de planta circular llamados tholos.
El alzado se configura en base a los tres órdenes clásicos: Dórico; Jónico; y Corintio.
La arquitectura griega es arquitrabada o adintelada: es decir, dominan las líneas rectas, tanto
horizontales como verticales.
La cubierta es a dos aguas y conforma un entablamento.
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El teatro se estructura en cavea, escena, proscenio y orquesta.
Características Generales de la escultura griega.
La escultura griega se realizó fundamentalmente en bronce y en mármol, aunque también se
usaron otros materiales como la madera, el oro y el marfil.
Encontramos esculturas exentas o de bulto redondo y relieves.
En sus orígenes, Época Arcaica, en los siglos siglo VII al VI a.C., la escultura griega adopta el
hieratismo, la frontalidad, la simetría, las formas geométricas, la claridad e idealización del arte
egipcio y asirio. Su máxima representación son las estatuas arcaicas del estereotipo masculino y
femenino (llamados kuroi y korai, respectivamente).
A partir de la Época Clásica, siglos V y IV a.C., las principales características de la escultura griega
son: antropocentrismo (mitología y atletas); belleza ideal, expresión serena y proporción o
canon, aunque en se producirá una evolución a lo largo del tiempo.
En la Época Helenística, siglos III y II a.C., se rompe con la serenidad clásica y surgen grupos
dinámicos (Laoconte y sus Hijos), también proliferan el retrato y la anécdota (El Niño de la
Espina) y el idealismo de los siglos V y IV a. C. deja paso al realismo.
Características generales de la cerámica griega.
La cerámica en el arte griego (una de las artes menores) constituye el mejor ejemplo de lo que
pudo ser la pintura griega, prácticamente desaparecida por el paso del tiempo.
En la época arcaica predomina la cerámica geométrica en bandas.
A partir del siglo VI a.C. lo narrativo desplaza a lo geométrico y aparece la figura humana
silueteada en negro sobre fondos rojos.
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Posteriormente, ya en época clásica triunfan las escenas de figuras rojas sobre fondo negro. Se
logran efectos de perspectiva y realidad espacial.
Láminas.
Partenón
Erecteión
Templo de Atenea Niké
Teatro de Epidauro
Kouros y Kore
El Auriga de Delfos
Discóbolo
Doríforo
Metopa 27 del Partenón
Hermes con el Niño Dionisio
Apoxiomeno
Victoria de Samotracia
Venus de Milo
Friso del Altar de Zeus en Pérgamo
Autores:
Mirón fue un escultor y broncista de mediados del siglo V a. C.y uno de los más conocidos
autores del arte griego, cuyas aportaciones escultóricas supusieron la transición al periodo
clásico.
Trabajó fundamentalmente con el bronce y aunque hizo algunas estatuas de dioses y héroes, su
fama descansa principalmente en sus representaciones de atletas, en los que hizo una
revolución, al introducir una mayor audacia en la pose y un ritmo más perfecto, subordinando
las partes al todo.
Su gran mérito consistió en saber captar como nadie el movimiento. Sus obras más famosas se
caracterizan por la representación fidedigna de las tensiones del cuerpo humano en
movimiento, como se aprecia en su conocido Discóbolo, y el realismo en sus esculturas de
hombres y animales.
Policleto (siglo V AC): Escribió un tratado teórico, llamado Canon, del que solo se han conservado
breves fragmentos por lo que se desconoce gran parte de su contenido pero los pasajes
conservados se considera que el tratado daba una definición de belleza y la relacionaba con
exactitud y proporción.
Sus obras más conocidas son el Doríforo y el Diadumenos.
Fidias (Atenas, hacia 500 a. C. – Olimpia o Atenas, h. 431 a. C.) fue el más famoso de los
escultores de la Antigua Grecia.
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Vivió en la época de Pericles, que fue su principal protector y le encargó la dirección de su gran
proyecto de la reconstrucción de la Acrópolis de Atenas. Se encuadra en la etapa conocida como
«primer clasicismo griego».
Sus obras más célebres fueron la estatua de la diosa Atenea del Partenón (Atenea Partenos) y la
estatua de Zeus en Olimpia, ambas de madera revestida con fragmentos de oro y marfil, que se
convirtieron en modelos de perfección de la representación de divinidades, pero también se le
atribuyen otras estatuas, tanto criselefantinas como de bronce o mármol, que gozaron de fama,
como la Atenea Promacos y la Atenea Lemnia.
Famoso por la técnica de paños mojados.
Praxíteles. Con la obra de Praxíteles la escultura griega evoluciona desde el clasicismo hacia una
especie de anticipado manierismo, al acentuar el sensualismo. Sus obras están caracterizadas
por la llamada karis (gracia) ática y la llamada «curva praxiteliana» consistente en un elegante
contrapposto.
Una supuesta relación entre Praxíteles y su bella modelo, la cortesana tespia Friné, ha inspirado
especulación e interpretación en obras de arte que van desde la pintura (Gérôme) a la opereta
(Saint-Saëns) o las marionetas (Charles Maurice Donnay).
Lisipo: Considerado junto a Scopas y Praxíteles el trío de grandes escultores de la segunda fase
del clasicismo (siglo IV a.C), época de transición entre la era griega clásica y el helenismo. Al
estudioso de su obra se le plantean una serie de problemas de método por la supervivencia sólo
de copias. Fue el reformador del canon de Policleto (que alarga) y gran innovador con respecto
a los convencionalismos heredados.
Su obra más importante es el Apoxiomenos.
Tema 3.- Arte Clásico: Roma.
La civilización romana, heredera de la tradición griega y etrusca, recogió los logros artísticos de
las civilizaciones precedentes y las adaptó a su mentalidad pragmática: siempre fueron más
ingenieros que artistas.
Podemos establecer varias etapas en la historia de la antigua Roma:
La monarquía: son los antecedentes etruscos (s.VIII a. de C. -509 a de C.)
La Roma Republicana (509-27 a de C.). Es al final de esta etapa, a partir de s. II a de C., cuando
podemos hablar de un estilo propiamente romano, continuador del clasicismo griego, pero no
imitador del mismo.
La grandeza militar y artística del mundo romano alcanzó su cenit en el llamado “Alto Imperio”
(s. I-III).
Con la crisis del Bajo Imperio (s. III-IV), algunos emperadores trataron de mantener el prestigio
del Estado mediante la construcción de edificios colosales. Pero estos gigantescos decorados
apenas podían esconder la realidad de una civilización en decadencia.
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Con el Edicto de Milán del año 323 y la construcción de basílicas cristianas, comenzamos a hablar
de Arte Paleocristiano.
Características Generales de la Arquitectura romana.
Es una arquitectura caracterizada por la monumentalidad, no sólo por el espacio que ocupa sino
también por su significado. Esto viene dado también por la idea de la inmortalidad del Imperio.
Es una arquitectura utilitaria y práctica, con un gran desarrollo de la arquitectura civil y militar:
puentes, acueductos, basílicas, termas, etc.
Es una arquitectura dinámica., como consecuencia del empleo de algunos elementos
constructivos como el arco y la bóveda, que nunca usaron los antiguos griegos.
Los materiales utilizados son muy variados: piedra cortada en sillares regulares y dispuesta a
soga y tizón, hormigón, ladrillo, mampuesto, madera... Cuando el material era pobre se solía
revestir con estucado, placas de mármol o con ornamentación de mosaicos o pintura.
Se usa el orden toscano y también el jónico y el corintio. Aunque lo más significativo fue el uso
del elegante orden compuesto. También fue muy frecuente la superposición de órdenes en
edificios muy altos. Normalmente en el piso bajo se empleaba el orden toscano, en el medio el
jónico y en el superior el corintio. Los capiteles, en general, presentan motivos con mayor
libertad que en Grecia y hay algunos con figuración.
Aparecen las guirnaldas, los casetones, los tondos, y los bucráneos como elementos decorativos.
Características generales de la escultura romana.
Los materiales más utilizados fueron el mármol y el bronce.
Parten de los logros de la escultura griega pero siempre con un espíritu más realista, aunque hay
una evolución en el tiempo.
Los romanos cultivaron preferentemente el retrato. Podían ser estatuas de cuerpo entero (de
pie, sedentes, ecuestres) o sólo bustos. El retrato estaba policromado.
Otra gran aportación artística de Roma fue el relieve histórico narrativo, nacido de la fusión de
la tradición latina con el naturalismo helenístico. Los relieves decoraban edificios (arcos de
triunfo, columnas conmemorativas, sarcófagos) narrando los hechos bélicos y civiles
importantes de la historia de Roma con una finalidad docente.
La escultura, además de adornar las casas y lugares públicos, era un instrumento al servicio de
la política, de propaganda para mostrar el poder de Roma y el prestigio de los emperadores y
clase nobiliaria.
Características Generales del mosaico romano (Musivaria).
Los romanos construían los mosaicos con pequeñas piezas llamadas teselas, de ahí que se
refiriesen a ellos también como opus tessellatum. Las teselas son piezas de forma cúbica, hechas
de rocas calcáreas o material de vidrio o cerámica, muy cuidadas y elaboradas y de distintos
tamaños.
Adornaban los suelos (en artes posteriores recubrirán, en general, los muros).
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Características Generales de la pintura romana.
La pintura romana se clasifica en cuatro estilos en base a las pinturas conservadas en Pompeya.
Incrustación: Es así llamado porque imita la decoración de mármoles que se aplicaban en época
helenística. Es un estilo muy colorista, de aspecto muy suntuoso. El muro suele estar dividido en
tres: un zócalo pintado imitando granito, una zona media imitando mármol y un remate a modo
de cornisa realizada en estuco.
Arquitectónico: Se desarrolla durante el s.I a.C, en la época de César. Es llamado estilo
arquitectónico porque imita no sólo revestimientos sino también arquitecturas.
Ornamental: Se caracteriza por la representación de elementos ornamentales muy ligeros,
apareciendo también edificios fantásticos, frisos con niños, elementos vegetales muy
estilizados, figuritas de animales...
Ilusionista o escenográfico: Se trata de la pintura que se manifiesta desde la época de Nerón, en
la primera mitad del siglo I, hasta el final de este siglo. Toma elementos del segundo y tercer
estilo.
Láminas.
Maison Carrée
Panteón de Roma
Teatro romano de Mérida
Coliseo de Roma
Basílica de Majencio
Puente de Alcántara
Acueducto de Segovia
Arco de Tito
Columna Trajana
Estatua ecuestre de Marco Aurelio
Relieves del Arco de Tito
Augusto de Prima Porta
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¿Qué es el Arte Paleocristiano?
Se denomina arte paleocristiano al estilo de arte que se desarrolla durante los cinco primeros
siglos de nuestra era, desde la aparición del cristianismo, durante la dominación romana, hasta
la invasión de los pueblos bárbaros, aunque en Oriente tiene su continuación, tras la escisión
del Imperio, en el Arte Bizantino.
Tema 4: Arte Bizantino
Contexto Histórico.
El Imperio Bizantino es el heredero del Imperio Romano en la parte oriental, que no fue
conquistada por los pueblos bárbaros. Sus mil años de historia (476-1453) abarcan toda la Edad
Media y fueron el referente artístico y cultural del periodo.
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Aunque se consideraron los herederos de Roma, su capital se había trasladado a Constantinopla
(actual Estambul en Turquía) y su idioma ya no era el latín sino el griego. Igualmente, su arte y
cultura sufrieron una orientalización.
El momento artístico más interesante coincide con el reinado del emperador Justiniano (Santa
Sofía de Estambul; mosaicos de Justiniano y Teodora en San Vital de Rávena); la crisis iconoclasta
de los siglos VIII y IX conllevo la destrucción de muchas imágenes; el final del imperio coincide
con la expansión de su arte más allá de sus fronteras: por ejemplo, iglesias de arte bizantino en
Rusia (Catedral de San Basilio) o Venecia (Basílica de San Marcos).
Características generales de la arquitectura bizantina.
Utilizan, igual que el arte romano y paleocristiano, todo tipo de materiales que recubren con
tapices, mármoles, frescos y, sobre todo, mosaicos. Porque los mosaicos que Roma colocaba en
los suelos, en Bizancio cubren los muros.
Adaptó, hasta el siglo VI, el modelo tardorromano o paleocristiano de planta basilical aunque
con un mayor desarrollo de la cabecera. Posteriormente, prefieren plantas centrales.
En alzado, destacan sus grandes cimacios.
En cubierta, sus fantásticas cúpulas sobre pechinas.
Características generales del mosaico bizantino.
Religioso, de colores planos, hierático, con tendencia a la frontalidad y sin perspectiva.
Láminas.
Santa Sofía de Constantinopla, obra de Antemio de Tralles e Isidoro de Mileto.
Mosaico de la Déesis de la Basílica de Santa Sofía en Estambul.
Mosaico de Teodora en San Vital de Rávena.
Autores.
Isidoro de Mileto fue un arquitecto griego bizantino, célebre por ser el autor, junto a Antemio
de Tralles, de la basílica de Santa Sofía de Constantinopla.
La construcción de la basílica se realizó del 532 al 537, aunque debido a un derrumbamiento de
la cúpula en el 562 hubo que retocarla. El encargo vino de mano del emperador bizantino
Justiniano I. Lo más destacado de la obra es su cúpula, que descansa en un gran cuadrado sobre
cuatro pechinas y acaba en cuarenta ventanas que dan la apariencia de sostener la cúpula en un
mar de luz.
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5.- Arte Islámico y arte mudéjar.
Contexto histórico.
En el año 711, se inició la invasión musulmana de la Península Ibérica que, en tan sólo siete años,
dominó lo que había sido el reino visigodo, a excepción de las zonas montañosas cántabras y
pirenaicas, que pronto iniciaron la llamada Reconquista.
Al-Ándalus, nombre con el que se conoce el territorio islámico de la Península Ibérica, desarrollo
un arte propio, que pervivió ocho siglos, hasta que en el año 1492, los Reyes Católicos ocupen
Granada.
En los territorios reconquistados por los cristianos continuó presente la huella musulmana a
través de un estilo artístico que se desarrollo en paralelo con el Románico y el Gótico: el arte
mudéjar, estilo que es propio sólo de la Península Ibérica y que es el resultado de la fusión de
elementos artísticos musulmanes y cristianos.
En lo cultural, Al-Ándalus aportó avances en todos los campos: astronomía, medicina,
matemáticas, geografía, ingeniería… y fundó escuelas importantes en las mezquitas.
Características generales de la arquitectura hispanomusulmana.
La principal manifestación del arte es la arquitectura, las creaciones pictóricas y escultóricas
quedan relegadas a un segundo plano por el carácter anicónico de la civilización.
Es una arquitectura ecléctica ya que fusionan las aportaciones artísticas de los pueblos que
conquistan y las hacen suyas: arcos de herradura (visigodos), columnas, arcos de medio punto
(romanos), cúpulas y mosaicos (bizantinos), arcos lobulados y apuntados (Oriente).
Arte fuertemente ligado a la religión, el edificio símbolo es la mezquita, el templo de los
musulmanes, que se reproduce por todo el imperio siguiendo la misma tipología e inspirándose
en la casa de Mahoma en Medina .
Es una civilización urbana frente al mundo rural cristiano, los musulmanes construyen ciudades
laberínticas que giran en torno al zoco, a la alcazaba. Los edificios principales son: mezquitas,
palacios, baños, madrazas, torres albarranas, etc
Construyen con materiales pobres, de fácil ejecución: ladrillo, adobe, madera, yeso y materiales
reutilizados (columnas mezquita de Córdoba) profusamente decorados.
Los pobres materiales de los muros se ocultan con mosaicos, tapices, frescos y, sobre todo,
estucos con los que se elabora una lujosa decoración epigráfica, de lacería, de ataurique, o con
mocárabes.
Durante la época almohade (siglo XII), los exteriores se decoran con redes de rombos realizadas
en ladrillo: paño de Sebka. Un buen ejemplo, es la Giralda de Sevilla.
Los edificios son de poca altura, a escala humana y en armonía con el paisaje.
Predominan las líneas horizontales, esta horizontalidad se rompe en las mezquitas con los
minaretes.
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Logran una perfección matemática. Predominan los volúmenes geométricos, destacan los
volúmenes cúbicos sobre los que descansan cúpulas.
Fusión de luz, agua y vegetación, especialmente en los palacios: Alhambra de Granada.
Características generales de la arquitectura mudéjar.
Se caracteriza por el uso del ladrillo como material principal.
A diferencia del gótico o el románico, no creó estructuras propias sino que reinterpretó las
plantas y estructuras de los edificios cristianos (iglesias y palacios) a través de una perspectiva
musulmana.
El carácter geométrico, distintivo de Islam, aparece en las artes accesorias, empleando
materiales baratos – azulejo, ladrillo, madera, yeso, metales – trabajados de forma elaborada,
destacando el artesonado de las cubiertas interiores.
Incluso después de que los musulmanes ya no fueran empleados en la construcción, sus
contribuciones se mantuvieron como parte integral de la arquitectura española hasta el siglo
XIX y principios del XX, se llama entonces neomudéjar: plaza de toros de las Ventas en Madrid.
Láminas.
Mezquita de Córdoba.
Palacio de la Aljafería en Zaragoza.
La Giralda de Sevilla.
La Alhambra de Granada.
6.- Arte Prerrománico.
Contexto histórico.
El Imperio Romano de Occidente desapareció en el año 476. A partir de entonces, el epicentro
de la política romana se desplazó hacia Constantinopla y el Imperio Romano de Oriente o
Imperio Bizantino se constituyó en heredero de la cultura antigua. Luego, una serie de invasiones
de pueblos germánicos dieron lugar a la creación de nuevos estados en Europa Occidental con
sus particulares estilos artísticos. En la Península Ibérica y por orden cronológico son: arte
visigodo (siglos VI y VII); arte asturiano (siglos VIII y IX); y arte mozárabe (siglos X).
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Así, el arte prerrománico es la denominación historiográfica del primer gran período del arte
medieval en Europa Occidental, coincidente en el tiempo con la Alta Edad Media (siglos VI al X).
Fue acuñada por Jean Hubert en 1938 (L'Art préroman).
Estilísticamente no designa un movimiento estético con formas artísticas bien definidas, sino
que es más bien una expresión genérica que engloba la producción artística de la cristiandad
latina entre el arte paleocristiano y el arte románico.
Características generales de la arquitectura prerrománica.
En la Alta Edad Media (siglos V al IX), la Iglesia, como institución, tiene una función fundamental,
porque ejerce de mecenas y posibilita la producción artística de esta época. Así, son las iglesias
y la arquitectura la principal manifestación artística, mientras que la escultura y pintura tienen
la función de decorar estas iglesias. Hay pocas esculturas exentas y las manifestaciones
pictóricas fuera de los templos son también escasas, aunque cabe reseñar las miniaturas de los
libros.
Son artes herederas del arte romano, aunque técnica y materialmente empobrecidas por las
circunstancias del momento (invasiones).
Materiales: El arte visigodo y el asturiano prefiere la piedra; el mozárabe piedra y ladrillo (por
influencia árabe). Son gruesos muros en pequeños edificios de poca altura.
Planta: suelen tener planta de cruz latina como las paleocristianas. El arte mozárabe construye
unos característicos ábsides que interiormente tienen forma de herradura.
Alzado: reutilizan columnas romanas y simplifican el capitel corintio: capitel de pencas. En
cuanto a los arcos, los tres estilos usan el arco de medio punto (como en Roma) y además el
visigodo introduce en la península el arco de herradura, que después recogerá el arte
hispanomusulmán. El arte asturiano usa también el arco peraltado.
Cubierta: Interiormente cubren con artesonados y bóvedas de cañón. Exteriormente son tejados
a dos aguas.
Láminas.
Santa María del Naranco en Oviedo. (Arte asturiano).
San Pedro de la Nave en Zamora. (Arte visigodo).
San Miguel de la Escalada en León. (Arte Mozárabe).
Vocabulario 1ª evaluación.
1.- ábside: recinto en forma semicircular en que termina un aposento o una nave. La cabecera
de las iglesias suele tener forma de ábside desde el arte paleocristiano.
2.-acrópolis: lugar más alto y fortificado de las polis griegas. Allí, se situaban los templos
importantes como el Partenón de Atenas.
3.- alfiz: en la arquitectura musulmana, moldura que enmarca un arco.
4.- arco de medio punto: arco formado por una semicircunferencia. Es típico del arte romano y
del románico.
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5.- artesonado: techo realizado con maderas trabajadas y entrecruzadas, a menudo pintadas. Es
propio del arte árabe y mudéjar.
6.- ataurique: decoración vegetal del arte hispanomusulmán.
7.- basílica: edificio rectangular romano en el que se impartía justicia (Basílica de Majencio).
Posteriormente, los cristianos la adaptaron como templo (Basílica de San Pedro del Vaticano).
8.- bóveda de cañón: bóveda cuya cubierta es una media circunferencia. Propia del arte romano
y del románico, aunque aparece en otros estilos.
9.- capitel: parte superior de una columna, pilar o pilastra, sobre la que se asienta el arquitrabe.
10.- cariátide: figura femenina oriunda de Caria que a modo de columna sostiene el arquitrabe.
Son famosas las cariátides del Erecteion de Atenas.
11.- cávea: gradería destinada a los espectadores en los teatros, anfiteatros y circos de la
arquitectura griega y romana. En España, es muy conocida la cávea del teatro de Mérida, donde
todavía hoy se sienta espectadores para ver representaciones.
12.- cimacio: pieza que remata los capiteles y que en el arte bizantino alcanza grandes
proporciones, en forma de pirámide truncada invertida. Son famosos los de Santa Sofia de
Estambul.
13.- claristorio: fila de grandes ventanales que forman el piso superior de la nave de una iglesia.
Comienza a utilizarlo el arte paleocristiano para iluminar la nave central.
14.- corintio: uno de los tres órdenes arquitectónicos de la Grecia Clásica y, sobre todo,
Helenística. El capitel está adornado por hojas de acanto.
15.- dórico: uno de los tres órdenes arquitectónicos de la Grecia Clásica. De orden dórico es el
Partenón de Atenas.
16.- entablamento: parte superior que remata un edificio clásico. Se compone de arquitrabe,
friso y cornisa.
17.- éntasis: ensanchamiento que presentan algunas columnas en la parte central del fuste. Es
muy conocido el éntasis de las columnas del Partenón de Atenas.
18.- haram: sala de la mezquita destinada a la oración. El haram de la Mezquita de Córdoba es
un bosque de columnas con soluciones constructivas muy novedosas.
19.- iconoclasta: contrario a la representación de imágenes sagradas o iconos. Fue un
movimiento muy importante en el Imperio Bizantino durante los siglos VIII y IX: Crisis
Iconoclasta.
20.- jónico: uno de los tres órdenes arquitectónicos clásicos. En el orden jónico el capitel está
formado por dos volutas muy características. De orden jónico es el Erecteion de Atenas.
21.- kouros: escultura masculina de la época arcaica del arte griego. Representa a los vencedores
de los juegos olímpicos y presentan un marcado hieratismo y frontalidad. Ejemplo, Kouros de
Anavyssos.
22.- kore: escultura femenina de la época arcaica del arte griego, presenta un marcado
hieratismo y frontalidad. Ejemplo, Kore del Peplo.
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23.- mihrab: espacio en forma de nicho que constituye la parte más importante de la mezquita,
porque marca la dirección a La Meca, lugar sagrado del Islam. Ejemplo: el mihrab de la Mezquita
de Córdoba cubierto con cúpula de arcos entrecruzados.
24.- minarete: torre de la mezquita utilizada para llamar a los fieles a la oración. También se
llama alminar. En España, es muy conocida la Giralda de Sevilla del siglo XII, cuyo autor es Ben
Baso.
25.- mocárabe: prismas que cuelgan del techo, como las estalactitas. Sirven de decoración en el
arte islámico. Muy empleados en la Alhambra de Granada del Periodo Nazarí.
26.- planta de cruz latina: también llamada planta basilical, designa la planta de una iglesia en la
que el transepto divide la nave principal en dos partes desiguales, siendo la del ábside más corta.
La comienza a utilizar el arte paleo cristiano: por ejemplo, en San Pablo de Extramuros en Roma.
27.- Sebka: red de rombos realizados con ladrillos que decora los muros del arte hispano
musulmán, especialmente en el periodo almohade. Ejemplo: la decoración exterior de la Giralda
de Sevilla.
28.- tesela: cada una de las pequeñas piezas de color, generalmente cuadrangulares, utilizadas
en los mosaicos. Suelen ser de barro vidriado y policromado.
29.- toscano: orden arquitectónico de origen etrusco muy empleado por los romanos. El fuste
de la columna es liso aunque el capitel puede ser Dórico o Jónico. Orden toscano encontramos
en el primer piso del Coliseo de Roma.
30.- trépano: instrumento para perforar que se utiliza en la escultura para producir incisiones
profundas, que producen un efecto dramático de sombras. Por ejemplo, en la escultura
helenística de Laoconte y sus Hijos.