RELATO DE EXPERIENCIAy La Escuela de Boston

DEFINICIÓN• Dentro de este género se encuadran una serie de autores que desde los 70, y

especialmente en los 80 y 90 han desarrollado una fotografía documental centrada en el territorio de lo íntimo, en la crónica de los sentimientos. Una fotografía en la que la vida del artista y de su entorno es el centro de sus trabajos, convirtiéndose éstos en una suerte de autobiografía personal y colectiva.

• A partir de Diane Arbus y Larry Clark como precursores de una forma de enfrentarse a la realidad y de plasmar su propia vida a través de la fotografía, este género tiene mucha relación en su origen con la llamada “Escuela de Boston”.

• Tanto en concepto como en estética, y en la línea de la evolución de la fotografía documental y sus subgéneros que estamos estudiando, es importante conocer los referentes fotográficos de quienes fueron referentes de otros.

DIANE ARBUS• Diane Arbus comenzó a fotografiar junto a su marido Allan en los

años 40, en trabajos que publicaban en revistas como Glamour o Harper’s Bazaar. A lo largo de la década de los 50 inició su labor en solitario dedicada a la fotografía de calle en la ciudad de Nueva York.

• La amplitud de su curiosidad —toma como modelos a todo tipo de personajes del mundo urbano— recuerda al trabajo de Wegee o August Sander; sin embargo, fue Lisette Model, quien se convirtió en su maestra desde 1957, la fotógrafa determinante en la formación de su estilo.

A.Sander

L.Model

Weege

DIANE ARBUS• La selección de lo singular colocado en una posición de intimidad con

respecto al fotógrafo es su aportación fundamental a la historia de la fotografía. Dos años antes de su suicidio, en 1971, comenzó a fotografiar en hogares para retrasados mentales.

• En 1972 el MoMA de Nueva York realizó una retrospectiva de su trabajo. Desde entonces el público se ha acostumbrado, con autores como Mikhailov, Goldin, Morrisroe o Araki, a sentir las imágenes de los otros como no tan diferentes. Estos fotógrafos están en deuda con Diane Arbus.. En palabras de Nan Goldin: «Arbus llevó a cabo el mayor acto de valor imaginable: enfrentarse a la ansiedad de la identidad y ser capaz de expresarlo»5.

LARRY CLARK!

• Su madre era fotógrafa itinerante de niños y lo metió en el negocio familiar con 13 años. A finales de los años 60 dedicaba su tiempo a las drogas, el sexo y la violencia.

• A lo largo de su trayectoria Clark ha ido completando el relato personal de su obsesión en diferentes medios: la prostitución masculina en Times Square (Teenage Lust, 1983), las diversas facetas de la vulnerabilidad adolescente y sus peligros en una comunidad concreta (Skaters, 1992- 1995), o las exitosas y polémicas películas Kids (1995), guionizada junto a Harmony Corinne, Bully (2001) o Ken Park (2002). En Punk Picasso, publicación autobiográfica de 2003, amplió el relato original de Tulsa con de una selección de documentos personales e imágenes de aquella época que todavía permanecían inéditas.

LARRY CLARK• En 1971 Larry Clark publica su libro Tulsa, retrato intenso e íntimo, en

parte autobiográfico, del estilo de vida de sus amigos en un ambiente en el que proliferan las drogas, el sexo y la violencia.

• Las primeras fotografías de Tulsa, tomadas en 1963, retratan el día a día de tres amigos adolescentes en esa ciudad del Medio Oeste americano. Como telón de fondo, el tenso ambiente sociocultural provocado por la guerra de Vietnam, en la que el propio Clark combatió durante dos años.

• La violencia de esa realidad, precisamente por su honestidad, constituía un desafío y una confrontación con los estándares de lo que una imagen fotográfica tenía o no derecho a trasladar al ámbito de la expresión pública.

Soy muy sensible. Siempre he sentido que mi obra procedía del gran dolor y de la ira de aquel periodo de mi vida, de la adolescencia. Y de la vergüenza. No de la culpabilidad, sino de la vergüenza, de la ira y del dolor.

!Cuando, en los años 60, empecé a tomar fotos a la gente que estaba a mi alrededor, me inventaba mi

propia mitología, mi propio universo. Se trataba de una mezcla entre realidad y ficción, entre lo que veía

delante de mi y lo que quería formular a partir de esta realidad.

CONTEXTO• Boston fue el lugar de invención del flash electrónico estroboscópico o

de la fotografía instantánea Polaroid. El Instituto de Tecnología de Massachusetts (MIT) había fundado a finales de los sesenta el pionero Centro de Estudios Visuales Avanzados y un personaje local, Minor White, fue desde los años cincuenta hasta mediados de los setenta el editor de la prestigiosa Aperture.

• En cuanto a la tradición estilística, los movimientos sociales de los años anteriores habían producido un énfasis en el documental, con artistas como Elsa Dorfman, Melissa Shook o Nicholas Nixon, con un arraigado sello personal en algunos casos vinculado al diario fotográfico.

Elsa Dorfman

“Elsa´s housebook, a woman photojournal”

Elsa Dorfman

“Couples” y “En famille”

Melissa Shook

“Krissi”

Melissa Shook

“Aging”

“As time goes by”

Melissa Shook

“As time goes by”

Melissa Shook

“Streets are for nobody”

Melissa Shook

Nicholas Nixon

Nicholas Nixon “Sisters Brown”

1975 19771976

19791978

LA ESCUELA DE BOSTON• En 1995 el ICA de Boston realizó una exposición titulada Boston School1 que

recogía la obra de una serie de artistas, en su mayoría fotógrafos, que habían estudiado en Boston entre mediados de los 70 y comienzos de los 80. Su título recuperaba una denominación de finales del siglo diecinueve, que había sido aplicada a un grupo de pintores impresionistas americanos que retrataban los paisajes de Massachusetts y la vida urbana moderna de aquel entonces.

• En 1998 en Europa, la Hamburger Kunsthalle inauguraba una exposición titulada Emotions & Relations4, donde se retomaba la idea de la escuela de Boston y se acuñaba una nueva etiqueta más restrictiva: The Boston 5 (Los 5 de Boston), es decir, David Armstrong, Philip-Lorca diCorcia, Nan Goldin, Mark Morrisroe y Jack Pierson.

LA ESCUELA DE BOSTON• Shellburne Thurber y Philip-Lorca diCorcia estudiaron juntos en la

Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston a mediados de los 70.

• Nan Goldin y David Armstrong lo harían poco tiempo después, y también, ya a comienzos de los 80, Mark Morrisroe y Gail Thacker.

• En el caso de Stephen Tashjian y Jack Pierson, se formaron por las mismas fechas en el Massachusetts College of Art (Mass Art).

CONTEXTO• La contextualización de un programa plástico vinculado a la

intimidad y a la construcción de la propia subjetividad es una tarea que requiere atender también a varias perspectivas: socio-política y cultural (estética o del gusto).

• El clima político de los 60 en EE.UU, en el marco de la guerra fría, seguido de la política ultraconservadora de Ronald Reagan (1980) y George Bush (1989) da lugar al desarrollo de subculturas “como forma de protección y supervivencia a un sistema opresor”.

CONTEXTO• Trabajar con la propia biografía implica necesariamente escoger una opción

estética a partir de un repertorio.

• La subcultura del punk, popularizada por el éxito de bandas como Television, emergió fuerte a partir de 1974 en Nueva York, conviviendo en Boston con la estética de los años 50 y la elegancia dandi convertida en una subcultura más.

• El punk no fue solo una moda juvenil, sino una verdadera revolución semiótica y de los modos de producción y distribución cultural6. El DIY (Do It Yourself), es decir, hazlo tú mismo, era el modo de operación característico del movimiento.

CONTEXTO• La obra de estos artistas —documental como consecuencia del foco de

interés en el que se fijan para sus retratos y no como una metodología previa— plantea, más que una política de identidad de género, una destitución del modelo de pareja heterosexual como privilegiado. Hacer público lo privado es su manera “revolucionaria” de plantearlo.

• Existe un nuevo tipo de bohemia, una toma de partido de la diferencia como condición artística. El consumo de drogas, el vestirse con escasos medios económicos como signo de identidad, la sustitución del día por la noche y la sexualidad promiscua como juego intencional hacían cierta una consigna generacional: «Nos hemos convertido en las personas contra las que nos previnieron nuestros padres».

NAN GOLDIN• La balada de la independencia sexual (1977-1994) de Nan Goldin narra

su historia y la de su comunidad, su familia electiva, amigos unidos por una sensibilidad común. Un documento sobre la soledad, las ansiedades y las frustraciones de las relaciones amorosas, la violencia, las drogas, la sexualidad, el SIDA.

• Nan Goldin llegó a fotografiar sus momentos más íntimos con su pareja, e incluso el maltrato al que fue sometida.

• El mítico diaporama con banda sonora The Ballad of Sexual Dependency figura en colecciones como la de la Tate Modern de Londres o la del MOMA de Nueva York, con más de 700 imágenes articuladas en 40 minutos de duración.

Mi obra proviene originalmente de la estética de las instantáneas... las instantáneas las tomo con amor para recordar gente, lugares y momentos especiales. Éstas

crean historia al documentar la historia.

CONTEXTO• En este momento, también los homosexuales iniciaron un experimento

asombroso de reestructuración radical de las relaciones existentes, los conceptos de belleza y el uso del sexo como instrumento revolucionario.

• En esta misma época se desarrolló también la cultura de club, una manifestación tan importante como la escena artística que permitió la expansión de los patrones del ambiente nocturno bostoniano.

• La cultura drag que retrata Nan Goldin en sus inicios y el desarrollo de lo camp a partir de la recuperación de estéticas anacrónicas como las que aplicaba Tabboo! tuvieron una influencia subcultural sin precedentes en la década de los ochenta.

CONTEXTO• A lo largo de la década de los ochenta los efectos del sida fueron devastadores en

estas comunidades; aunque hasta 1985, con la muerte del actor Rock Hudson, no se extendió públicamente la noticiade la enfermedad, las consecuencias de su padecimiento llevaban años haciendo mella en la escena artística neoyorquina de una forma brutal.

• Nan Goldin hizo un seguimiento de la relación de una pareja de amigos homosexuales hasta la muerte de uno de ellos a causa del sida. Fue uno de sus trabajos más famosos.

• Mark Morrisroe murió en 1989, a los treinta años de edad, a consecuencia de las complicaciones causadas por el VIH. Ese mismo año, Nan Goldin, recién salida de un proceso de rehabilitación, comisarió una exposición en el Artists Space contra el silencio a su alrededor: Witnesses: Against Our Vanishing.

MARK MORRISROE• Hijo de una drogadicta, nació y vivió en un suburbio en ambientes marginales.

Comenzó a prostituirse con 15 años. Acudió a la Escuela Museo de Bellas Artes de Boston, donde hizo amistad con Nan Goldin, David Armstrong y Lorca di-Corcia. Fue novio de Jack Pierson. Enfermó de sida y murió en 1989 a los 30 años de edad.

• Las fotografías de Morrisroe casi siempre son retratos (excepcionalmente hizo algún paisaje o alguna foto exterior) que poseen un destacado componente autobiográfico.

• Su obra es un testimonio de vida y autoafirmación: muestra comportamientos mal vistos por la sociedad (homosexualidad, drogas, prostitución) con un nuevo tipo de realismo que influirá poderosamente en el desarrollo de la fotografía.

DAVID ARMSTRONG• David Armstrong (1954, Massachusetts), entró en la Escuela del Museo de Bellas

Artes de Boston como estudiante de pintura, pero pronto cambió a la fotografía después de estudiar junto a Nan Goldin, con quien tenía amistad desde los 14 años.

• Armstrong recibió por primera vez atención de la crítica por sus retratos íntimos de hombres, amantes o amigos. Tras 40 años realizando este tipo de retratos, su inconfundible estilo le ha valido el encargo de numerosos proyectos comerciales de moda para prestigiosas marcas.

• No obstante, dentro del panorama de la Escuela de Boston y como documentalista de la realidad que vivieron, no ha sido uno de los fotógrafos más reconocidos, habiéndose adaptado más a lo comercial que a lo reivindicativo y transgresor.

JACK PIERSON• Jack Pierson comienza en los 90 su faceta de fotógrafo, captando imágenes de

famosos, flores, amigos, hoteles o playas en las que fusionaba lo público y lo privado, todo ello cubierto con un halo nostálgico e intimista en el que el artista parece un mero observador de la realidad.

• La producción artística de Pierson se manifiesta tanto en fotografías como en collages, instalaciones, dibujos y libros de artista. Trabajó durante varios años en publicidad, fotografiando a alguna de las modelos más famosas del mundo.

• Pero su prestigio a nivel mundial  vino de la  mano de sus famosas word sculptures. Concebidas para expresar la nostalgia del sueño americano, son letras procedentes de antiguos letreros de publicidad, restaurantes, cines, cabarets, consideradas por el artista como reliquias del paisaje americano.

PHILIP-LORCA DICORCIA• Estudió en Boston y Yale entre 1970 y 1979. Trabajó en Los Ángeles (mundo cinematográfico) y

Nueva York (mundo publicitario). Trabajó para las revistas Fortune, Esquire y Condé Nast.

• En Los Ángeles, sobre todo en el Boulevard de Santa Mónica, retrató tipos cuyas vidas se encontraban al límite, como estafadores, prostitutas y perdedores.

• Al principio de su carrera, diCorcia fotografiaba a amigos y familiares en retablos interiores ficticios. Más tarde cambió su atención hacia el exterior, fotografiando a desconocidos en espacios urbanos: Berlin, Calcuta, Hollywood, Nueva York, Roma, Tokio y utiliza iluminación adicional para dar un aspecto más dramático. Cada una de sus series: Hustlers, Streetwork, Heads, A Storybook Life y Lucky Thirteen se puede considerar exploraciones progresivas formales y conceptuales.

• La calle llena sus últimas fotografías. Tras una primera etapa de retratos domésticos “ficticios”, abandona las fotografías condicionadas que él mismo califica de “aburridas”, para volcarse en imágenes donde captura la esencia del “otro”, de “los otros”, dejando actuar al azar.

CONTEXTO• Cada historia de esta llamada escuela de Boston es la personal de cada artista

y de sus afinidades. Parte de su obra se refiere a un relato emocional.

• La historia de este grupo de artistas ha sido la de la fabricación de una comunidad en un momento irrepetible y en permeabilidad con un ambiente determinado.

• El modo de representar la intimidad, personal o ajena, era el centro de reflexión de estos artistas. Los artistas de la escena de Boston, y más tarde del downtown neoyorquino, colaboraron en una puesta en circulación de nuevos modos de subjetividad sin precedentes, precisamente por la existencia de un “contrapúblico”.

ROBERT MAPPLETHORPE• En la misma línea estaría el trabajo de Robert Mapplethorpe con sus autorretratos y retratos de su

círculo de amigos y conocidos. El contenido sexual de algunos de sus trabajos, calificados de pornografía, generó más de una polémica durante su carrera (desarrolló desde su adolescencia un interés hacia el homoerotismo).

• Estudió en Brooklyn donde produjo obras de arte en diversos medios de comunicación. Empezó su carrera como cineasta independiente y artista, influenciado por Warhol y el mundo de la fotografía, que utilizaba a modo de collage y en sus pinturas. Sus primeras fotografías fueron con una Polaroid.

• A mediados de la década de 1970, adquirió una cámara Hasselblad de formato medio y comenzó a tomar fotografías de un amplio círculo de amigos y conocidos, incluidos artistas, compositores, y gente de la alta sociedad, así como actores pornográficos y miembros de la comunidad sadomasoquista underground.

• En la década de 1980 se refina su estética, realizando fotografías de desnudos de aspecto escultural, tanto de hombres como de mujeres, delicados bodegones de flores, y retratos de artistas y celebridades con un énfasis en la belleza formal clásica.

“Yo vengo de la América suburbana. Se trata de un entorno muy seguro, y es un buen lugar para haber venido de él, en el sentido de que era un buen lugar para salir de casa”.

ROBERT MAPPLETHORPE• En sus comienzos, Robert Mapplethorpe no se consideraba fotógrafo. «Nunca me gustó

la fotografía», llegó a citar. A lo que puntualizó: «no la fotografía en sí. Me gusta el objeto. Me gustan las fotos cuando las tienes en la mano».

• Sus primeros trabajos con una cámara fueron autorretratos realizados en Polaroid y una serie de retratos de Patti Smith, amiga de Mapplethorpe, para la que realizó para la que además realizó la portada de su álbum Horses. Estas series se presentaban en marcos cuyas formas y pinturas eran tan importantes para el acabado de la pieza como la propia fotografía.

• Mapplethorpe continuó desafiando la definición de fotografía mediante la introducción de nuevas técnicas y formatos para su obra: fotografías Polaroid en color, fotograbados, platino impreso en papel y lino, Cibachromes e impresiones de tinta de color transferida, así como sus anteriores impresiones de gelatina de plata en blanco y negro.

NOBUYOSHI ARAKI• En 1971, Nobuyoshi Araki publica Sentimental Journey, una monografía que marcó

época, con retratos de su esposa Yoko durante su luna de miel. Le seguirá en 1991 Winter Journey, con fotografías tomadas a Yoko, enferma de cáncer, durante su enfermedad y funeral. Ambos se convirtieron en un documento fotográfico, tierno y desolador, sobre la vida, la enfermedad y la muerte de su esposa.Sus trabajos siempre le han aportado una gran notoriedad entre el público japonés e internacional.

• Sus fotografías, siempre acompañadas de textos en forma de diario íntimo, fueron precursoras e innovadoras dentro de las tendencias artísticas del momento. Más tarde, bien conocido por las fotografías que documentaban la industria sexual japonesa y enfocando el barrio de Kabukichō de Shinjuku en Tokio en 1980, Araki publica Tokyo Lucky Hole.

“Fotografiar es parar el tiempo en un solo momento, enfocarlo todo en un instante forzado. Pero si continúas creando esos instantes, forman una línea que refleja tu vida”.

“La fotografía es amor y muerte. Ese será mi epitafio”

ALBERTO GARCÍA-ALIX• El trabajo de Alberto García-Alix va unido a la llamada “Movida” de los años 80 en Madrid. Sus

fotografías son una crónica de su tiempo y discurren en paralelo a sus experiencias vitales.

• Posteriormente, García-Alix, al igual que otros fotógrafos como hemos visto, ha tomado una línea fotográfica más unida al retrato documental e incluso psicológico, lejos de esa primera etapa de relato de experiencia que representó en los 80 lo que en los 70 fue el estallido de la cultura punk como respuesta a la represión en las fotografías de la Escuela de Boston.

• Obviamente, en cuando a situación político-social, España, debido a la dictadura, fue más tardía en su respuesta a la represión. Cabría preguntarse si esa cultura “transgresora” del underground, tanto en EE.UU como en nuestro país, supuso un mayor adormecimiento (“drogas, sexo, rock and roll”) en vez de una postura verdaderamente revolucionaria, como pretendían en un principio estos abanderados de las subculturas. Cabría preguntarse, también, qué sentido tiene, en el ámbito de la fotografía actual, copiar este tipo de temas y estéticas que hoy día nos quedan alejadas del contenido que les supuso en su época ser considerados originales , pioneros, o “revolucionarios”.

BORIS MIKHAILOV• Comenzó a hacer fotografías a los 28 años. Tuvo que

abandonar su trabajo de ingeniero al considerar la KGB como pornografía unas fotografías que había realizado de su mujer desnuda, por tanto desde finales de la década de los sesenta se dedicó de modo exclusivo a la fotografía.

• Su obra se encuentra próxima a una fotografía conceptual opuesta al realismo socialista que existía en la Unión Soviética; en sus series ha empleado escenificaciones, fotografías coloreadas o imágenes antiguas con un tratamiento nuevo.

ED TEMPLETON• Skater profesional, fotógrafo, pintor y escultor. Con una

perspectiva ligada a sus años de skate y la cultura americana, Templeton ha sido parte de documentales como “Beautiful Losers” y ha participado en múltiples exposiciones, libros y revistas alrededor del mundo

• Su trabajo, además de ser puramente autobiográfico, va más allá de tocar en diversos problemas sociales y políticos.

WOLFGANG TILLMANS• Wolfgang Tillmans (1968) es un fotógrafo y artista conceptual alemán que trabaja en

Londres y Berlín. Su obra emplea la investigación sobre los conceptos básicos de la fotografía y la realización de instalaciones. Reivindica lo directo y lo auténtico.

• Comenzó su trabajo investigador empleando la fotocopiadora sobre imágenes fotográficas y poco después empezó a documentarse sobre la subcultura rave. Durante estos años estuvo publicando sus fotografías en las revistas i-D, Tempo, Spex y Prinz. En sus exposiciones suele colocar las imágenes sin destacar las obtenidas mediante una cámara fotográfica de la procedente de cualquier otro medio de reproducción como por ejemplo una fotocopiadora.

• La muerte de su compañero Jochen Klein en 1997 a causa del sida hizo que le dedicara una serie de fotografías como su “última comida o la ventana del hospital”.

Palais de Tokio, París, 2007

“Mi obra pretende crear un mundo en el que a mí me gustaría vivir. En consecuencia, se trata de crear ideales con la ayuda de técnicas realistas. Mi motivación esencial es el deseo de unidad, fusión y sentido de la comunidad”.!

SALLY MANN• Esta artista está considerada una de las grandes fotógrafas de nuestro tiempo.

Vive en ese particular Olimpo que ocupan también Cindy Sherman o Nan Goldin, y desde hace cuatro décadas construye una propuesta artística ambiciosa, honesta y, muchas veces, arriesgada y controvertida. Pero todo lo ha hecho a partir de una trascendente mirada sobre la arquitectura, los paisajes del sur de Estados Unidos, las naturalezas muertas, los autorretratos o su propia familia.

• Precisamente se hizo conocida en el mundo del arte, y fuera de él, por las fotos que recogen algunos momentos de la vida en su granja de Lexington (Virginia) con sus tres hijos (Jessie, Virginia y Emmett), cuando no superaban los 12 años. Son imágenes fechadas a finales de los ochenta y principios de los noventa.

“At Twelve: Portraits of Young Women”,1988

“Estas fotografías son naturales a través de los ojos de una madre, que ha visto a sus hijos en todos sus estados: felices, tristes, bulliciosos, ensangrentados, enfadados e incluso desnudos”

“Immediate Family”,1993.

Su último trabajo, Proud Flesh, le ocupó más de seis años, y es una mirada al sufrimiento. Sally Mann fotografía a su marido, Larry, un conocido abogado de Lexington, que sufre un estado avanzado de distrofia muscular. Su espalda, sus brazos –ambos interpretados como si fueran una arquitectura–, su dolor; la descarnada puesta en evidencia de su vulnerabilidad son captadas con la precisión de un cirujano. !

TINA BARNEY• Tina Barney (1945, Nueva York) es una fotógrafa y artista estadounidense conocida por los

retratos en gran formato que ha realizado a los miembros de su familia y amigos cercanos, muchos de los cuales pertenecen a la clase alta de Nueva York y Nueva Inglaterra.

• El retratado se encuentra en su hogar, no hay maquillaje para la sesión ni se busca el decorado perfecto. Los gestos van desenmascarando a los protagonistas y muestran su personalidad, independientemente de todos los elementos que le rodean (muebles de diseño o la firma de su vestuario). De esta manera, el lujo de las fotografías de Tina van destilando un estudio social y autobiográfico.

• El resultado es un “teatro de la conducta” como la propia autora define su trabajo, que también podríamos traducir como de “los modales”, teniendo en cuenta la relevancia de éstos en el marco social descrito. Un álbum de familia que representa toda una clase social, un ámbito confortable que sin embargo deja traslucir cierta desazón a través de las expresiones de los rostros de sus protagonistas.

LARRY SULTAN• Pictures from home es un proyecto que ha durado una

década. Se inició cuando su padre se jubiló de forma forzosa de una gran empresa. El proyecto comenzó con la intención de hablar de cómo las grandes empresas retiran a sus empleados no jóvenes y de cómo las frustraciones y sentimientos de debilidad acaban encontrando su camino en las relaciones familiares. Habla del papel del hombre en la sociedad actual, del sueño americano y de los grandes mitos.

“Soy un artista americano porque retrato este país, pero me siento muy alejado de su escena artística. Quiero enseñar la verdad de este extraño lugar donde vivo, llamado América. Buscarle las cosquillas al American Dream, mostrar sus contradicciones, quitarle la carita sonriente. Mi intención no es mostrar la parte trágica, no quiero hacer fotos tristes, pero sí complicadas. Siempre he querido retratar la vida tan complicada como realmente es.”

FLORENCIA BLANCO• Florencia Blanco Cutuk  nació en Montpellier (Francia) en

1971. Residió desde ese mismo año en Bahía Blanca y Pedro Luro, provincia de Buenos Aires y poco más tarde en Salta. A partir de 1989, alterna entre esta última ciudad y Buenos Aires, donde actualmente vive y trabaja.

• A partir de 1997 trabaja en ensayos fotográficos, que regularmente expone en Argentina y en el extranjero. Algunos de ellos son: Salteños. Quinceañeras. Aproximación. Fotos al óleo y Hogar.

IRINA WERNING• Irina Werning  es una fotógrafa argentina que juega con el concepto de álbum

familiar dentro de lo que consideramos el género de “relato de experiencia” pero también de la “fotografía ficcionalizada”. Trabajando con recuerdos y fotografías ya realizadas, recompone de manera idéntica las fotografías del álbum familiar con los personajes ya adultos, identificando de esta manera la memoria personal con la familiar.

• Dentro de la construcción del álbum de familia hay más autores y experiencias interesantes que investigar, aunque no he querido incluirlas en esta presentación de manera más amplia por escaparse un poco del tema que nos ocupa.

• “Regreso al futuro” es el título de este trabajo: http://irinawerning.com/back-to-the-fut/back-to-the-future/

ELINA BROTHERUS• Introduzco esta autora como ejemplo de una tendencia de la fotografía actual que parece

provenir, en parte, de este género que introduce lo privado en la fotografía documental y artística. Habría que diferenciar, por tanto, según qué autorretratos, como género aparte de éste que nos ocupa. Hay autorretratos espontáneos que forman parte de nuestra “experiencia” cotidiana y otros ficcionalizados, que están más cerca del Studium, que diría Barthes, que del Punctum.

• Perteneciente a la “Escuela de Helsinki”, que estudiaremos más ampliamente más adelante, Brotherus es un ejemplo de ese documentalismo conceptual del territorio de lo íntimo. Este tipo de imágenes, poéticas y más cercanas a la ficción que al documento, habitualmente no nos dicen nada de la época e incluso del fotógrafo, sólo se acercan a la estética y a la búsqueda del yo muy relacionadas con el neorromanticismo que vivimos en la sociedad actual.

• No se trata de relato de experiencia, ni supone nada transgresor, pero no deja de recordarnos a esos adolescentes de la Escuela de Boston que se buscaban a sí mismos a través de la cámara fotográfica.