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PROYECTO DE GRADUACION Trabajo Final de Grado
Drap-Art, otra opción de reciclaje Proyecto editorial para difundir el reciclaje artístico
Jason David Ortega Ruiz Cuerpo B del PG
25 de Febrero de 2016 Licenciatura en Diseño Creación y Expresión
Diseño y Producción de Objetos, Espacios e Imágenes
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Índice
Introducción 4 Capítulo 1. Arte y Diseño en el siglo XXI 15 1.1 Origen del arte plástico 17 1.2 La revolución industrial y el origen del diseño 19 1.3 Definición de arte y diseño 20 1.3.1 Revolución industrial 21 1.3.2 Modernismo 22 1.3.3 Posmodernidad 23 1.4 Drap-Art, más allá del functional art 24 1.5 Situación actual 24 Capítulo 2. Tiempos posmodernos 29 2.1 De la modernidad a la posmodernidad 30 2.2 Sociedad Actual 34 2.3 La obsolescencia programada y la sociedad de consumo 36 2.4 La basura como un problema emergente 38 2.5 La opción de reciclar 40 2.6 Cuando el objetivo ya no es vender 42 Capítulo 3. El arte reciclado de Jorge Tovorovsky 44 3.1 El reciclaje artístico en el mundo 45 3.2 El reciclaje artístico la Argentina 47 3.3 El arte a partir de fragmentos de Jorge Tovorovsky 48 3.3.1 Biografía 49 3.3.2 Concepto y estilo 49 3.3.3 Proceso de creación, materiales y herramientas 51 3.3.4 Obra 52 Capítulo 4. El mensaje impreso 54 4.1 La comunicación visual 55 4.2 El diseño gráfico como herramienta de comunicación 56 4.3 El diseño de información 58 4.4 El diseño gráfico editorial 59 4.5 El mensaje social en el medio impreso 60 4.6 La importancia del medio impreso 61 4.7 La publicación impresa frente a la publicación digital 63 4.8 Diseño gráfico para promover el Drap-Art 64 Capítulo 5. Diseño del catálogo Arte a partir de fragmentos 66 5.1 Brief de diseño 67 5.1.1 Antecedentes 67 5.1.2 El producto o servicio 68 5.1.3 Grupo objetivo 69 5.1.4 Competencia 69
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5.1.5 Diagnóstico y objetivos comunicacionales 70 5.1.6 Selección de beneficios 70 5.1.7 Definición de concepto y plan estratégico 71 5.2 Selección de formato 71 5.2.1 El libro 72 5.2.2 El catálogo 73 5.3 Selección de estilo 74 5.3.1 La retícula o grilla 76 5.3.2 El color 77 5.3.3 La tipografía 77 5.3.4 La Imagen 78 5.3.5 La impresión 79 5.3.6 La encuadernación 79 5.3.7 Terminaciones gráficas 80 5.4 Producto Final 81 Conclusiones 82 Lista de referencias bibliográficas 86 Bibliografía 92
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Introducción
El Proyecto de Investigación y Desarrollo (PID) con título Drap-Art, otra opción de
reciclaje, Proyecto editorial para difundir el reciclaje artístico se enmarca dentro
de la Categoría Creación y Expresión, porque plantea mediante la creación de
una pieza editorial, dos objetivos, primero, dar a conocer a un artista plástico
local, y segundo, vinculado a la obra del artista, promover una actividad que
contrarresta la contaminación y daño al medio ambiente producto de los cambios
en el actual modelo social. La Línea Temática escogida es Diseño y producción
de objetos, espacios e imágenes, en tanto que se pretende crear por medio de un
lenguaje gráfico una pieza editorial que se acomode al mensaje y de forma
creativa, exprese el estilo determinado por el diseñador, estilo que deberá ser
definido luego de investigar tendencias actuales, experimentaciones, reflexiones
creativas, en cuanto a lo estético y por otra parte deberá estar en armonía a los
contextos históricos, políticos, económicos actuales, entre otros que influyen con
el objetivo de difundir un artista plástico en la sociedad.
La pregunta problema que origina este PID es ¿de qué manera puede el diseño
gráfico promover el reciclaje artístico en una sociedad posmodernista de la
ciudad de Buenos Aires? El planteamiento de esta pregunta surgió luego de
analizar el estado actual de la profesión, la relación con el arte y las
problemáticas sociales que afectan a la humanidad como la obsolescencia
programada, el consumismo, la producción masiva de productos desechables,
entre otros factores que son la principal causa del exceso de basura, y es
precisamente la finalidad de este PID, difundir la obra plástica de un artista
bonaerense que convierte estos desechos en esculturas y en algunos casos
objetos con una función secundaria para la que no fueron creados con el fin de
reinsertarlos en la sociedad. El objetivo principal es proponer un catálogo de arte
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reciclado con la intención de incentivar en la población bonaerense practicar
actividades de reciclaje a través del arte. Los objetivos específicos son, primero,
analizar las situaciones que enfrentan el arte y el diseño en la posmodernidad;;
segundo, relacionar el diseño gráfico con el reciclaje artístico como una
herramienta de comunicación para la creación de un catálogo y tercero, proponer
el diseño y producción del producto final.
El escenario actual en el cual se desarrolla este PID, es el año 2015, en la
ciudad de Buenos Aires, Argentina, enmarcada en la posmodernidad como
modelo social, el cual ha provocado cambios significativos como el asentamiento
del capitalismo como sistema político, el consumismo en la economía, la
globalización de información, el desarrollo de nuevas tecnologías, la
individualidad del ser humano, el origen de la sociedad de espectáculo, entre
otros factores secundarios que afectan a la humanidad en general y que están
relacionados directamente con el arte y el diseño. Es por esta relación, que es
necesario que el diseñador investigue e informe al lector las actos inconscientes
que realiza diariamente, las consecuencias negativas que acarrea sin darse
cuenta y la forma como sería posible contrarrestarlas desde la profesión.
Este PID pretende promocionar por primera vez a un artista, que se ha percatado
de la problemática del exceso de basura y la utiliza como materia prima para
realizar obras planas y volumétricas, que se enmarcan en un tipo de arte plástica
poco conocida hasta el momento, por ser una alternativa artística que surgió ante
una problema medioambiental del siglo XXI. Además el producto final pretende
incentivar a que las personas realicen sus propias obras de arte como una
actividad de reciclaje y entretenimiento. Cabe mencionar que este PID no tiene
fines de lucro para el diseñador, en tanto que una vez terminado el producto
final, puede ser comercializado por el artista por ser el dueño de los objetos que
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se exhiben y posiblemente financiado por alguna editorial local. El beneficio para
el diseñador del catálogo, es publicitar su profesión, el diseño gráfico, que si bien
no se observa de manera explícita, está plasmado para que entidades vinculadas
al área específica lo puedan apreciar, como casas editoriales, agencias de
diseño, imprentas o algún particular en busca de producir material similar.
La propuesta consiste en realizar una pieza editorial, que deberá determinarse de
acuerdo a la cantidad de información del contenido, y que en primera instancia
sería un catálogo, que se seleccionó porque es el medio gráfico más utilizado
para presentar información de tipo artístico. Tendrá una versión física tradicional
y una versión digital para difundir gratuitamente a través de Internet. Actualmente
existe una cantidad innumerable de publicaciones, de diferentes tamaños y
formas. Sin embargo, el artista no cuenta con un producto similar, por lo cual no
existirá similitud con algún producto o proyecto existente, y se diferenciaría de
los demás por enseñar información que no está actualmente recopilada en algún
otro material, llamando así desde la gráfica la atención de las personas
vinculadas al arte y arquitectura, entre otras profesiones relacionadas al diseño.
La metodología para desarrollar el PID será exploración bibliográfica, la cual
permitirá definir conceptos del campo profesional, además permitirá analizar el
posmodernismo según varios autores, y por otra parte, se empleará diseño de
campo mediante la herramienta entrevista para recopilar la información del
artista, considerándolo un informante clave para la elaboración propuesta. Por
ser un PID de la categoría Creación y Expresión, la información a considerar se
organizará en: el estado actual del tema a tratar, la problemática, la
investigación, la relación con el campo disciplinar del diseño gráfico y desarrollo
del producto final.
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En cuanto al estado actual del tema, se explicará al lector el origen y significado
del arte, el origen y significado del diseño, cuál es la relación que existe entre
estas dos disciplinas y el estado actual que enfrentan. En seguida, se explicará
el contexto del tema a investigar, es decir, qué es un modelo social, los
principales cambios de la modernidad a la posmodernidad, como se relacionan
estos con el arte y el diseño, la obsolescencia programada y el consumismo
como características principales que han llevado a la sociedad a convertirse en
responsable de la contaminación, y por otra parte se profundiza en las
alternativas que ha tomado el ser humano para tratar esta problemática como el
reciclaje, y más específicamente desde el arte, con el arte reciclado o Drap-Art.
En la investigación, se profundiza en el Drap-Art, haciendo un recorte desde el
panorama mundial a un ámbito local, es decir, a la ciudad de Buenos Aires,
enfocándose en el Artista Jorge Tovorovsky, para lo cual se plantea realizar una
entrevista en donde se podrá recopilar información de su vida, el concepto y
estilo de arte que practica, las herramientas y materiales que ocupa. Asimismo
cuál es el proceso de creación y la documentación de sus principales obras.
Con respecto a la relación con el campo disciplinar del diseño gráfico, se
explicará al lector que es la comunicación visual, el uso de esta disciplina como
una herramienta de comunicación, la especialidad técnica que requiere el PID, el
impacto que tiene un mensaje a través del diseño editorial y finalmente la
importancia del material impreso sobre otros soportes.
Por último, en la etapa de desarrollo del producto final, este PID, se enfoca en
explicar cuál fue el proceso profesional para ejecutar la pieza editorial, la
elaboración de un brief de diseño para ayudar a conceptualizar la idea rectora del
producto, la selección del formato, así como el estilo gráfico, es decir, el uso de
una grilla, del color, de la tipografía, de la imagen, la diagramación utilizada,
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también se justificará el tipo de impresión, encuadernación y terminados gráficos,
por ultima se realizara un análisis formal del producto final obtenido.
El desarrollo de los capítulos será de la siguiente manera, en el primer capítulo
del PID el objetivo principal es introducir al lector al tema que se pretende
abordar, que es el arte y el diseño, considerando que posiblemente es una
persona que no pertenece al medio y desconoce del tema, los objetivos son: en
primer lugar, definir explicar el origen y significado tanto del arte como el diseño;;
segundo, definir la relación que guardan estas dos disciplinas y por ultimo
argumentar el estado actual de cada una.
En el capítulo dos se propone analizar la problemática que da origen a este PID,
es decir, plantear una solución a los problemas medioambientales desde el arte y
el diseño, los objetivos son: primero, establecer los cambios que han ocasionado
el actual modelo social, después, analizar cuáles han sido perjudiciales para la
sociedad y el medio ambiente y finalmente, establecer las alternativas que
propone el arte plástico con el Drap-Art.
En el capítulo tres, “Aplastalalata”, se vuelca la investigación y recopilación de
datos acerca del Drap-Art en el ámbito local, es decir, en la Ciudad Autónoma de
Buenos Aires, para lo cual los objetivos son: primero, investigar el panorama
mundial y recortarlo a artistas argentinos, segundo, planificar entrevistar al
Arquitecto Jorge Tovorovsky, docente de la Universidad de Palermo, quien
practica el Drap-Art hacía varios años, y tercero, realizar el procesamiento de la
información, para explicar de forma clara y concisa el concepto y metodología
que utiliza el artista en sus obras.
El capítulo cuatro, relacionará el diseño gráfico con el Drap-Art, del cual se
desprenden tres objetivos específicos, primero explicar brevemente al lector que
es el diseño gráfico, enfocado a la área editorial, segundo, justificar el uso del
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diseño gráfico editorial como una herramienta de comunicación y tercero,
plantear la solución a la problemática planteada en el capítulo dos mediante el
campo disciplinar del autor de este PID.
Finalmente, el capítulo cinco, “Diseño del catálogo Arte a partir de fragmentos”,
desarrollará el producto final. Como sub objetivos están, primero, realizar la
conceptualización y planificación de diseño mediante un brief, segundo, el
proceso de diseño y tercero, la impresión y terminados gráficos del catálogo.
Además de los libros básicos para desarrollar el proyecto, se indaga la temática
en los Proyectos de Graduación de la Universidad de Palermo, a modo de
establecer el estado del arte o estado de la cuestión. En primer lugar se identifica
el escrito desarrollado por Valverde, J. (2013). Impreso vs, Online, El diseño
editorial en diferentes soportes. Proyecto de Graduación. Facultad de Diseño y
Comunicación. Buenos Aires: Fundación Universidad de Palermo. En este
proyecto, la autora plantea los cambios en el diseño editorial de un periódico
publicado a través de un medio impreso a un medio digital, tomando como caso
de estudio el diario La Nación. Las fortalezas y debilidades de cada uno de los
medios, la evolución a nuevas tecnologías, la percepción del espectador y las
nuevas audiencias, es información que este Proyecto aporta sobre comunicación
digital, también, diagramación para soportes digitales y diseño funcional, que es
uno de los puntos a considerar para el proyecto actual, y además, está
relacionado por que comparten el mismo campo disciplinar, el diseño editorial.
Por otro lado, se encontró el trabajo de Navarro, P. (2013). Sé Colombia, El
Diseño Editorial y la diversidad de un país. Proyecto de Graduación. Facultad de
Diseño y Comunicación. Buenos Aires: Fundación Universidad de Palermo. En
este Proyecto de Grado, la autora crea un pieza editorial, específicamente un
libro con contenido acerca del país Colombia y la forma de publicitarlo con una
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mirada al día a día de sus costumbres, formas de vivir, productos, personas,
entre otras características. Aporta en el proyecto actual por que la finalidad es
similar, una pieza editorial con distinto contenido y estilo, lo que permite tener un
antecedente de información acerca del diseño editorial y la metodología a
aplicar. Este proyecto se relaciona con el actual por que comparte la misma
categoría y línea temática, esto permite tener una base esquemática del
proyecto.
En tanto que el Proyecto de Grado de Damia, M. (2013). Diseño editorial para la
salud, Diseño de libros coleccionables sobre patologías crónicas para el Hospital
Italiano. Proyecto de Graduación. Facultad de Diseño y Comunicación. Buenos
Aires: Fundación Universidad de Palermo. La alumna plantea resolver un
problema de comunicación del Hospital Italiano con sus pacientes mediante la
creación de piezas editoriales que faciliten el acceso a la información de
enfermedades crónicas y preguntas frecuentes. Aporta en el actual Proyecto por
que presenta información especializada de cómo diagramar piezas editoriales,
como columnas, interlineas, márgenes, foliado entre otras cosas. Se relaciona
con este proyecto por que comparte en mismo campo disciplinar, el Diseño
Gráfico.
Por otra parte la Alumna González, L. (2013). RSA, El diseño editorial a
disposición de la comunidad. Proyecto de Graduación. Facultad de Diseño y
Comunicación. Buenos Aires: Fundación Universidad de Palermo. En el Proyecto
RSA, la autora desarrolla el diseño de una revista que comunica y fomenta la
importancia de la responsabilidad social de las empresas enfocando hacia el
interés personal sobre el interés grupal, el proyecto intenta demostrar que el
Diseño Editorial es más que una pieza de comunicación y que es la herramienta
necesaria y fundamental para unir a la sociedad en buenas acciones que ayuden
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a la comunidad. Aporta al proyecto con información de modelos de comunicación,
tipos, definición, fines y cómo encarar la información del proyecto actual, es decir
el contenido del libro a producir. Este proyecto se relaciona con el actual por que
comparten la misma línea temática, diseño y producción de objetos, espacios e
imágenes y el mismo campo disciplinar el diseño editorial.
Otro Proyecto editorial de referencia es el de Pagani, M. (2014). Nueva revista
joven, Atrayendo a los adolescentes hacia otra lectura. Proyecto de Graduación.
Facultad de Diseño y Comunicación. Buenos Aires: Fundación Universidad de
Palermo. En este Proyecto se desarrolla una revista adolescente denominada
Forever Teens, enfocada en una propuesta con fines educativos y cuyo fin sea
atraer a jóvenes hacia otro tipo de lectura, diversas temáticas y textos con mayor
longitud para mejorar la calidad de lectura. Este proyecto aporta al actual con
antecedentes sobre medios de comunicación en la actualidad y la importancia de
estos en la vida de los seres humanos, el cómo las revistas pueden convertirse
en coleccionables u objetos decorativos y medio para que los diseñadores
difundan ideas innovadoras y creativas. Este proyecto se relaciona con el actual
por que comparten la misma categoría y línea temática, creación y expresión, y,
diseño y producción de objetos, espacios e imágenes, respectivamente.
Dentro de los Proyectos acerca del medioambiente, esta es de Slemenson, A.
(2012). El futuro del Papel, ¿Extinción o Supervivencia?. Proyecto de
Graduación. Facultad de Diseño y Comunicación. Buenos Aires: Fundación
Universidad de Palermo. En este Proyecto de Grado, el autor plantea las
diferentes posturas existentes sobre el uso del papel para publicaciones
editoriales, en la actualidad, varias editoriales han contemplado la posibilidad de
lanzar sus publicaciones solo en formato digital, sobre todo por la tendencia
ecologista, Este ensayo aporta al proyecto actual por que brinda información
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histórica del papel como soporte de impresión y si se debe contemplar si el
producto final debe ser impreso, digital o las dos cosas. Este proyecto está
relacionado por que comparten el mismo campo disciplinar, el diseño editorial.
En la misma línea de pensamiento, se encontró el Proyecto de Villamizar, M.
(2012). Brief la revista, La dirección de arte en las nuevas tecnologías. Proyecto
de Graduación. Facultad de Diseño y Comunicación. Buenos Aires: Fundación
Universidad de Palermo. En este Ensayo, el autor desarrolla una revista digital
con contenido especializado en Dirección de Arte y temas afines, y comparte
información del uso de nuevas tecnologías como espacios de expresión. Aporta
al Proyecto actual con antecedentes de la dirección de arte en impresos y
editorial, y el uso de la Web 2.0 como plataforma, lo que permitirá encontrar un
estilo grafico adecuado para desarrollar el actual Proyecto, y si este debe
difundirse física o digitalmente. Este proyecto se relaciona porque comparte la
misma categoría de creación y expresión, además del mismo campo disciplinar.
También está el Proyecto de Tourne, J. (2012). Entre Tinta y Pixel, el apego al
libro impreso frente a la dominación de pantallas. Proyecto de Graduación.
Facultad de Diseño y Comunicación. Buenos Aires: Fundación Universidad de
Palermo. En este Proyecto de Grado, el autor expone un análisis del por qué el
libro impreso aun está vigente frente a los medios digitales, El valor de este, su
rol en la sociedad, su idealización, los beneficios de la tecnología, entre otros.
Aporta con el concepto de diseño de un libro impreso y el soporte ideológico del
por qué deben seguirse diseñando y manteniendo este tipo de piezas editoriales.
Se relaciona con el Proyecto actual por que comparten el mismo campo
disciplinar el Diseño editorial.
Además de los Proyectos de conciencia medioambiental, están los proyectos de
nuevas tecnologías como el de Pérez, J. (2012). Entre picas y píxeles, La
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influencia de las nuevas tecnologías en el diseño editorial. Proyecto de
Graduación. Facultad de Diseño y Comunicación. Buenos Aires: Fundación
Universidad de Palermo. En este Proyecto, El alumno Pérez plantea el avance
del Diseño Editorial y el momento de profundos cambios que está aconteciendo
actualmente tanto para el lector como para el diseñador gráfico. El aporte de este
ensayo son las conclusiones y propuestas que hace el autor que basadas tanto
en la bibliografía y documentación, que facilita el proceso de preparación y
adaptación a nuevos medios, además de antecedentes del diseño gráfico y
editorial. Este Proyecto se relaciona con el actual por que comparten el mismo
campo disciplinar, el Diseño Gráfico Editorial.
Y también, el Proyecto de Machado, M. (2014). Del papel al iPad, un nuevo
diseño editorial. Proyecto de Graduación. Facultad de Diseño y Comunicación.
Buenos Aires: Fundación Universidad de Palermo. Este proyecto se enfoca en la
nueva tendencia de diseño editorial que varias revistan ya están utilizando como
alternativa, los medios digitales. Este proyecto aporta con información
actualizada y a manera de ensayo el autor desarrolla una serie de reglas que
permita a diseñadores gráficos contar con una manera correcta de diseñar
digitalmente. Este proyecto tiene relación con el actual por que comparte el
mismo campo disciplinar, el diseño editorial.
Con respecto a este PID, se realiza un aporte en el campo social y en el
profesional del diseño gráfico, en el primero y como se ha manifestado
anteriormente, el análisis acerca de las problemáticas de la posmodernidad es un
tema actual que debe considerarse y hacer una reflexión hacia el futuro que se
encamina la humanidad, por otra parte en el campo profesional, aporta a la
profesión, una recopilación de información que servirá como base para cualquier
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otro proyecto editorial a estudiantes y profesionales del diseño, además de ser
un proyecto de referencia.
La elección del tema se realiza en el marco de las problemáticas
medioambientales en cual el autor de este PID se ve afectado directamente en
dos sentidos, primero por ser parte de la sociedad afectada, y segundo por ser el
productor del problema, es decir ser un productor de basura. Y es mediante este
PID, que surge una concienciación personal que se plantea difundir a la demás
las personas.
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Capítulo 1. Arte y Diseño en el siglo XXI
En este capítulo el objetivo principal es introducir al lector al tema que se
pretende abordar, que es el arte y el diseño, considerando que posiblemente el
lector no pertenece al medio y desconoce del tema, los objetivos específicos son:
en primer lugar, definir y explicar el origen y significado tanto del arte como el
diseño;; segundo, definir la relación que guardan estas dos disciplinas y por
ultimo argumentar el estado actual de cada una.
Aunque pareciera que definir el significado del arte y diseño es sencillo, dentro
de estos dos campos, existen varias definiciones según la mirada de cada
profesional que ha ocasionado varios debates a lo largo de la historia, por lo cual
es necesario recopilar información de varios autores que permitan explicar de
manera específica y justificada la definición que tenga mayor relación con este
proyecto y que servirá también para el lector saque sus propias conclusiones al
respecto.
Para desarrollar el primer capítulo, arte y diseño en el siglo XXI, se tomará como
referencia en primer lugar el libro Arte ¿? Diseño, de Calvera (2005) que fue
seleccionado por que la autora integra el pensamiento de varios diseñadores y
artistas con relación al arte y el diseño, que es principalmente lo que se pretende
explicar, en segundo lugar, se seleccionó el libro de Tolstoi (2012), ¿Que es el
arte?. Este libro brinda la información adecuada para explicar el arte y su origen
años atrás. Para analizar el estado actual, se ocupara el libro ¿Qué es el arte
contemporáneo?, del autor Smith (2012), quien brinda una mirada moderna del
arte en tiempos de globalización y tecnología. Con respecto al diseño, el libro de
referencia es Como nacen los objetos, del diseñador Munari (1974), quien
identifica claramente a la disciplina y la separa del arte.
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El debate que existe entre el arte y el diseño data ya de varios años, algunos
artistas mencionan que el diseño es el hijo del arte, otros en cambio, argumentan
que el diseño surgió con la revolución industrial y es muy diferente al objetivo
que persigue al arte (Calvera, 2005). El problema que se origina entre estas dos
disciplinas, es que comparten una característica común, la estética, entendida
como un nivel de belleza, que en el arte se relaciona al estilo y nivel que refleja
la obra, y por otra parte, el diseño explica que la estética de cada pieza, es el
resultado de un análisis de variables, como la función, los materiales, las
herramientas y tecnología. Es precisamente este tipo de debate, asociado a lo
que se entiende por lo que es o no es arte, que este capítulo es necesario para
encaminar al lector a los siguientes capítulos.
La noción del arte y del diseño se ha ido resignificando con el pasar del tiempo,
según la cultura, la época, la sociedad y la tecnología. Para la mayoría de las
personas, la palabra arte hace relación a la arquitectura, la escultura y la pintura,
para los profesionales vinculados a este campo, conocen que estas actividades
pertenecen a una clasificación al igual que la música, la literatura, la danza, el
cine, la fotografía, la historieta, entre otras. Y para los profesionales en el tema
social, el termino arte es más amplio y abarca todo cuanto la humanidad es
capaz de crear, es decir, generar algo que no existía antes y que supone un
aporte para al bagaje cultural humano. Según Casares (2001) el arte tiene cuatro
posibles significados: primero, el arte es la habilidad para hacer una cosa;;
segundo es todo lo que se hace por la industria o habilidad del hombre;; tercero,
es el conjunto de reglas para hacer bien una cosa;; y cuarto, es un acto mediante
el cual imita o expresa el hombre lo material o lo invisible valiéndose de la
materia y de sus propiedades sensibles.
Tomando el significado literal de estas cuatro definiciones, la mayoría de
actividades realizadas por el hombre pueden considerarse arte, como cocinar,
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construir casas, pintar cuadros, practicar la medicina, entre otras. De aquí que
existe un debate tanto en el significado del arte, como lo que se considera arte o
no.
En cuanto al diseño, Casares (2001) lo define como la concepción original de un
objeto u obra destinados a la producción en serie. Por otra parte, los profesiones
del diseño como Víctor Papanek (1970), Diseñador Austriaco, argumenta que un
proyecto de diseño constituye la planificación y estructuración de cualquier acto
hacia un fin deseado y previsible. Estas dos definiciones, son al igual que el arte,
dos puntos de vista entre tantos existen y que son validados por la humanidad.
Como se puede apreciar, las dos palabras tienen significados bastante amplios,
abiertos y subjetivos según el campo en que se estén tratando, es por eso que
resulta imperante que el lector conozca el devenir del significado tanto del arte,
en este caso arte plástico, como del diseño.
1.1 Origen del arte plástico
En relación a la cuarta definición del arte, mencionada anteriormente, el
Diccionario Der Grosse Brockhaus, especializado en arte y cuya primera edición
data de 1796, define al arte como la configuración que adquiere una capacidad
anímico-espiritual a través de una forma propia, según determinadas leyes. Los
medios estructurales y las leyes para su utilización son diferentes para cada arte.
En cualquier caso, la Estética ha creado ciertos elementos formales generales,
como la proporción, el ritmo, la armonía o la belleza. El producto así formado se
denomina obra de arte (Brockhaus, 1983).
Aunque esta definición tiene algunos años, es considerada correcta para el punto
de vista de este proyecto. El origen del arte inicia en la antigua Grecia, en donde
el termino arte viene del latín ars y su equivalente en griego téchne
(Tatarkiewicz, 1989), que para ese tiempo se aplicaba a toda producción
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realizada por el hombre y el saber cómo ejecutarla, esta definición era muy
amplia por lo cual hacía falta buscar una clasificación, la primera clasificación de
arte entonces, era la habilidad sujeta a reglas, a normas que la hacen objeto de
aprendizaje, de evolución y perfeccionamiento, como por ejemplo la capacidad
de convencer a un público, comandar un ejército en la guerra, en este
clasificación no entraban actividades como la poesía, el canto, la pintura, ni
ninguna actividad que venga de la inspiración.
A partir del origen de este término se han debatido en innumerables ocasiones el
significado del arte y se usado distintas clasificaciones para quitar y agregar
actividades y profesiones, como la astronomía, la matemática, la arquitectura, la
escultura, la poesía, la danza, entre otras actividades. La explicación de este
debate requiere de un largo análisis, el cual como se mencionó antes es
subjetivo según el pensador de cada época.
En cuanto la clasificación que corresponde a este proyecto, se toma en un inicio
a las bellas artes, término que se popularizo en el siglo XVII para referirse a las
actividades vinculadas con la estética y el gusto. El Primer libro que se conoce
en utilizar este término es Les Beaux-Arts réduits à un même príncipe de Batteux
(1747), filosofo, humanista y retorico francés, que en 1747, incluía en un inicio a
la poesía, la pintura, la música, la escultura y la danza, cinco actividades a las
que posteriormente se agregaría a la arquitectura y la oratoria.
Los cambios sociales, culturas, tecnológicos, como consecuencia de la evolución
humana, siguen redefiniendo y volviendo a clasificar al arte, para el siglo XIX y
XX, se ha intentado abarcar la teoría como la práctica de nuevas actividades
como la fotografía, el cine, el comic, y nuevas actividades vinculadas a nuevas
tecnologías que agregan elementos como sonido, video e informática
(Tatarkiewicz, 1991). Esta situación provoca volver al inicio de todo, es decir, la
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indefinición del arte, en donde hoy es un término interpretable, con varios
conceptos, en los cuales deben caracterizarse cualidades estéticas y expresivas,
así como la creatividad.
La lista actual de actividades que pertenecen al arte fue definida al final del siglo
XIX, en donde se incluyen a la arquitectura, la escultura, las artes visuales que
agrupa la pintura y el dibujo, la música, la literatura refiriéndose a la poesía, las
artes escénicas agrupan al teatro, la danza, el mimo y el circo, la cinematografía,
la fotografía y la historieta (Tatarkiewicz, 2002).
Otra clasificación contemporánea, establece a las artes plásticas a aquellas
actividades que utilizan diferentes materiales llamados recursos plásticos,
capaces de ser moldeados o intervenidos por el artista para crear una obra que
refleja la visión de la realidad partir de su imaginación (Tatarkiewicz, 2002). Esta
clasificación separa a la arquitectura, escultura y artes visuales de las otras artes
denominadas artes escénicas.
1.2 La revolución industrial y el origen del diseño
Según el Diseñador Industrial Ricard (2005), al arte solo accedían quienes tenían
cubiertas las necesidades básicas, ya que solo así, es posible atender otras
necesidades más sutiles del alma. Esto lleva a pensar que no solo el arte existe
como un medio de expresión del ser humano, también existen otras actividades
que comparten este criterio, pero lo llevan implícito para lograr otras finalidades.
Con esta breve introducción, está claro que la creatividad humana no solo está
en el arte, y de hecho se ha desarrollado en otro tipo de actividad popular,
vinculada a utilidad y practicidad de la vida cotidiana: la artesanía. Esta
actividad, en un inicio, requería de la imaginación y la habilidad humana para ir
solventando problemas que surgían a diario, y que permitiera mejorar la calidad
de vida, no solo de una persona, sino de una sociedad (Calvera, 2005). La
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artesanía al igual que el arte comprendía varias ramas que con el pasar de
tiempo fueron acumulando conocimiento y perfeccionando técnicas cada vez más
complejas que con el desarrollo de la ciencia y la tecnología, tuvieran su mayor
auge durante la Revolución Industria en el siglo XIX.
Es en este momento histórico, ante la necesidad cada vez mayor de tener
objetos que faciliten la vida, que estos cambian su modo de producción, de ser
objetos con producción limitada, creados prácticamente por una sola persona, a
ser el resultado de un proceso metodológico, denominado industrial, en el cual
participan varias personas y que puede ser repetido cuantas veces sea necesario
(Calvera, 2005). Como consecuencia de este proceso industrial, surge un nuevo
movimiento cultural para orientar la creatividad hacia la creación de estos
productos, al cual se denominará Diseño y según Ricard (2005) es la disciplina
creativa de la era industrial.
Esta naciente actividad llamaría la atención de artistas, arquitectos y varios
profesionales que crearían movimientos e instituciones como el grupo de Stijl y la
Bauhaus (Calvera, 2005). Siendo esta última, la que tuviera mayores avances e
influencia, promoviendo ideas y principios sobre formas rectilíneas, el uso
honesto y directo de los materiales, todo ello en coherencia con la estética
mecanicista propia de la nueva era industrial. A diferencia del artesano que
realiza el ciclo completo de producción de un objeto, es decir, la concepción,
elaboración y distribución, el concepto de diseñador está limitado a la primera
fase: la conceptiva.
1.3 Definición de arte y diseño
El arte y el diseño, son dos disciplinas que siempre han mantenido un disputa por
alejarse la una de otra, sin embargo comparten una característica que es muy
difícil de adjudicar a una sola, que es la estética, termino con distintos
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significados y estudios, entendido para este ensayo y según Léveque (2002)
como la armonía y apariencia agradable a la vista, que tiene alguien o algo desde
el punto de vista de la belleza. Según Calvera (2005) en estas disciplinas se han
ido resignificando con los cambios de modelo social y avances tecnológicos, y de
los cuales es necesario rescatar las definiciones en tres momentos importantes.
1.3.1 Revolución industrial
En esta etapa, se hace relación al origen del diseño como profesión, y sus
primeros practicantes, a quienes Calvera (2005) denominara diseñadores
fundadores, son los responsables de establecer el primer significado, y las
diferencias entre las dos disciplinas, Uno de ellos, Zimmermann (2005),
Diseñador Gráfico, establece que el arte es un acto mediante el cual el hombre
imita o expresa lo material o lo invisible, valiéndose de la materia y de sus
expresiones, y que cuando esta expresión adquiere un objetivo funcional y
comercial, pasa a ser un nuevo tipo de arte llamado arte aplicado, y según su
actividad se agrupa en diseño gráfico, diseño industrial, diseño textil, entre otros,
el principal ejemplo describe Zimmermann (2005), fue cuando los pintores
empezaron a realizar carteles, para vender productos de empresas o para
promocionar obras de teatro.
Otro de los diseñadores fundadores fue Bruno Munari, Diseñador Industrial,
quien define con más claridad la función de cada disciplina, para Munari el
artista es:
Un autor de obras poco frecuentes, o incluso de piezas únicas, hechas siempre con sus manos. Trabaja de manera muy personal, intentando expresar -con lenguaje caracterizado siempre por un estilo propio- aquellas sensaciones que nacen en el de acuerdo con los estímulos que recibe del mundo en que vive: trabaja para sí mismo y para una elite que le pueda comprender (Munari, 1974, p. 37).
22
En tanto que el diseñador es “un proyectista dotado con sentido estético que
trabaja para la comunidad. El suyo no es un trabajo personal sino de grupo: el
diseñador organiza un grupo de trabajo según el problema que tiene que
resolver” (Munari, 1974, p. 38). Para Munari y Zimmermann existe diferencias
muy marcadas por lo cual el arte y el diseño no son lo mismo, el artista proyecta
una obra sin encargo y con un estilo propio, entretanto el diseñador siempre
recibe su obra por encargo, debe prescindir de todo estilo y el resultado final
debe ser el resultado lógico de un análisis de materiales, técnicas y
experimentación.
1.3.2 Modernismo
Aunque Zimmermann, Munari, y otros diseñadores insistían en separar el arte y
el diseño, se veían en conflicto al notar que las dos disciplinas comparten el
misma metodología, los diseñadores de la siguiente generación, a los que
Calvera (2005) denomina Diseñadores intermedios, tienen otra mirada de la
relación arte y diseño, de hecho no buscan separarlas, sino realizar diseño con
una base estética proveniente del arte. Ricard, quien pertenece a este periodo,
argumenta que al diseño pertenecen aquellas obras que utilizan formas e imágenes
para culminar alguna función práctica. Ello no significa que en las obras de diseño
forma e imagen no expresen también la sensibilidad de su autor, pero nunca en
detrimento de la función. La carga expresiva que aquellas obras tengan, será una
consecuencia colateral, no una finalidad. (Ricard, 2005)
En esta etapa, el arte y el diseño inician una relación afectiva, los artistas ante el
auge de la revolución industrial dejan de lado los soportes tradicionales como el
lienzo, la piedra o el metal y empiezan a utilizar objetos de la vida cotidiana como
una silla, una lámpara o una tetera, para manifestar su actividad, a esto Ricard
(2005) lo define como functional art, un punto en donde el arte y el diseño se
23
asemejan, “el diseño ha olvidado la función y adopta la expresividad, en tanto
que el que el arte expresa una aparente funcionalidad” (Ricard, 2005, p. 94).
1.3.3 Posmodernidad
Diseñadores contemporáneos como Isabel Campi o Roxana Meygide, han
tomado otra mirada de esta relación, están de acuerdo con Ricard, en la
afirmación de que arte, es crear, y en este contexto, diseñar es arte o una de las
artes, como también lo son la fotografía, el cine, el comic, la ilustración, la
publicidad, entre otras disciplinas. Pero para adquirir este reconocimiento, Campi
(2005) afirma que es necesario alcanzar un cierto grado de consenso social,
determinado por especialistas e instituciones. Uno de estos especialistas es
Tatarkiewicz, filósofo polaco, investigador de historia de la filosofía, del arte, y de
estética, y es aquel que encontró la definición más amplia de arte y en la que en
algunos puntos es idónea para el adoptar al diseño: “El arte es una actividad
humana consciente, capaz de reproducir cosas, construir formas o expresar una
experiencia si el producto de esta reproducción, construcción o expresión puede
deleitar, emocionar o producir un choque” (Tatarkiewicz, 2002, p. 67).
Meygide (2005), por su parte argumenta que el diseño será arte, y el arte será
diseño, según el discurso de su autor, por ejemplo, un trazo de pincel puede
servir con un objeto de identificación y comunicación, en tanto que un exprimidor,
será único y expresará una crítica social desde el punto de vista de su creador,
en referencia a la obra del Diseñador francés Philippe Starck, Juicy Salif.
Además, Meygide afirma que el conocimiento previo y las experiencias del
espectador o usuario que percibe la obra u objeto, son importantes para
respaldar el discurso del creador. Al ver una imagen, cada destinatario, en tanto
lector competente, pone en marcha el proceso de interpretación, toma una posición
de reconocimiento: para ello moviliza conocimientos, actualiza anteriores lecturas y
24
experiencias almacenadas en su memoria sensible y cognitiva con las que da sentido
a la pieza (Meygide, 2005).
1.4 Drap-Art, más allá del functional art
Como manifiestan los diseñadores contemporáneos, en la actualidad la definición
del arte y diseño dependerá tanto del autor como del espectador, para este PID
se comparte el pensamiento de los diseñadores contemporáneos, en donde el
diseño es una práctica que crea objetos funcionales con un sustento estético de
las artes plásticas. En este contexto el Drap-Art se origina como un variación del
functional art, en donde su material prima son objetos desechados, que intentan
ser reciclados para lograr una segunda vida, en algunos casos funcional en otros
decorativo, el Drap-Art se origina en Barcelona, España en el año 1995 por Tanja
Grass (2012), quien lo define como una plataforma emergente para artistas,
diseñadores, artesanos y otros profesionales creativos de Europa y de otras
partes del mundo que encuentran en la basura sus materias primas y que
funciona como una campaña de sensibilización que invita a consumir de forma
más responsable y a respetar el lema de las tres erres, reducir, reutilizar y
reciclar.
La filosofía del Drap-Art, se ha contagiado no solo entre artistas, diseñadores y
profesionales, también ha incluido a personas no vinculadas al arte a crear
objetos como una actividad extracurricular de entretenimiento, inclusive ha
involucrado a escuelas infantiles y secundarias como una alternativa al desarrollo
creativo y de conciencia social.
1.5 Situación actual
La situación actual del arte es más compleja de lo que parece, Calvera (2005)
enumera dos problemas importantes, la crisis del arte contemporáneo y la
estetización de la vida cotidiana. La diseñadora menciona que esto es debido a
25
los cambios en las condiciones de vida, en las estructuras sociales y sobre todo
en los referentes culturales, este último aspecto ha dejado obsoleto todo los
instrumentos de análisis conocidos para enfrentarse a la nuevas manifestaciones
de arte como la fotografía, el cine, los comics, inclusive la publicidad, es por eso
que algunos artistas han abandonado la noción de las artes plásticas y prefieran
usar el concepto de artes visuales o hacedores de imágenes.
Abordando el primer problema, Calvera (2005) plantea que debido a esta libertad
que ha tomado el arte con respecto a cánones y reglas ha llevado a que
cualquier cosa, pueda ser reconocida como arte, pero esto no es un problema
actual, ya desde el 1915, Duchamp (1967), planteaba el significado de lo que es
o no arte, y acuña el termino ready-made para referirse a objetos cotidianos que
no son considerados artísticos, pero que toman otra significación cuando un
artista los interviene. Para la exposición surrealista de objetos de 1936 en las
New Burlington Galleries de Londres existían varias clasificaciones para este tipo
de objetos como objetos encontrados o found objects, preparados o ready-
mades, perturbados o perturbed, matemáticos, naturales, naturales interpretados,
naturales incorporados, oceánicos, estadounidenses y surrealistas. Breton
(2012), líder surrealista organizador de la exposición, en acuerdo con Duchamp
(2012) afirmaría que los objetos preparados o ready-mades son objetos
manufacturados elevados a la dignidad de obras de arte a través de la elección
del artista. Con esta misma lógica, que se plantea anteriormente desde el
significado del arte y el diseño según el discurso, han aparecido distintos tipos de
arte además de los anteriores, en la década de 1980 aparece una variación
llamada escultura de materia prima o commodity sculpture, haciendo relación al
arte como elemento del marketing. En esta última etapa y antecesor al Drap-Art
está el arte basura, trash art o junk art, formado a partir de componentes que han
sido tirados.
26
Haciendo alusión al discurso pueden existir cuantas artes como maneras de
pensar, lo que hacia la diferencia en el arte que proponía Duchamp (2012) era
considerarla como un pretexto para activar una serie de ideas, donde lo central
es reflexión por el contexto de la obra, idea que revoluciona la tradicional lectura
de obra. En esta lógica, lo que determina finalmente que simples objetos pasen a
constituirse en arte, es la pérdida de la función de uso del objeto. El ready-made
rompe con la idea de factura del artista, incorporando el gesto del artista;; el
objeto seleccionado al azar genera una disfunción donde se materializan una
serie de significaciones
En un contexto post revolución industrial y un sistema de producción seriado y
racional, Duchamp (2012) lo que pretendía, era criticar el sistema social y el
origen de la sociedad de consumo. Llevado esto al Drap-Art, más que una crítica,
lo que se busca es fomentar conciencia hacia el abuso de los recursos naturales,
la contaminación y el descuido por el medio ambiente.
En cuanto al segundo problema, Gianni Vatimo (2005), filósofo italiano
argumentaba ya desde los años ochenta, que para la población resulta más
interesante mirar un spot publicitario o un audiovisual, que visitar una galería de
arte, y a lo cual Calvera (2005) afirma que existen otro lugares y ocasiones para
el disfrute y la contemplación de imágenes que las que ofrece el arte que no
tienen una consideración artística pero se expresan como manifestaciones
estéticas, que son acogidas por el público como un referente visual y asociado al
intercambio de contenido a través de los media, que han provocado la
estetización de la vida cotidiana.
Esta estetización de la vida cotidiana o estetización difusa, como define Calvera
(2005), ha transformado la realidad cultural, y se refleja en tres factores: el
embellecimiento estético de la realidad, la aparición del hedonismo como nueva
27
matriz de la experiencia cultural y la conversión de la estética en una estrategia
económica. Estas transformaciones han ayudado sin duda a aceptar las nuevas
manifestaciones de arte, pero por otro lado, y como afirma el arquitecto Neil
Leach “cuando todo se hace estética, ya nada es bello ni feo, y el arte en sí
mismo desaparece” (2001, p. 21). Norberto Chávez (2005), profesor de
semiología, teoría de la comunicación y del diseño, establece que el arte en este
punto esta degradado y si se coloca al mismo nivel que los cambalaches, este
pierde su carácter como tal y queda reducido a una mera estética del producto
industrial, instrumentada como incentivo a su consumo, es decir, el arte es solo
utilizado como un adorno, que en algunos casos sirve como una característica
que brinda una carga simbólica que atrae al consumidor.
Por otra parte, el Diseño en la actualidad se encuentra encasillado como la
disciplina responsable del origen de los objetos, a lo cual Calvera (2005)
argumenta que en una sociedad industrial que no cesa de producir más y más
productos, un diseño responsable es hoy esencial, como alguna vez dijo Gui
Bonsieppe “no ya para obtener siempre lo mejor, sino para impedir lo peor”
(2005, p. 93), para lo cual se han desarrollado tres metodologías relacionadas
entre sí.
La primera asociada al diseño industrial, es el eco diseño, la cual tiene en cuenta
la incidencia material y potencial de un producto sobre el medio ambiente, en
todas sus etapas de vida como la concepción, tratamiento, uso y también como
residuo, en donde se plantea su reutilización como materia prima o bien
generando un segundo uso, esta metodología promete reducir el deterioro del
ambiente de un 30 a 50% según Ecolan (2015), empresa de ingeniería y
consultoría Ambiental. La segunda es el diseño sostenible, y abarca desde el
diseño de un objeto cotidiano, el diseño de un edificio, inclusive de un ciudad
pero a diferencia del eco diseño tiene un visión más amplia que solo la creación
28
del objeto e involucra todas las disciplinas que estén relacionadas como las
ciencias económicas, sociales, ecológicas, entre otras (Canale, 2009). Por
ejemplo en lo económico se toma en cuenta el uso de tecnología, el circuito de
producción-consumo, la relación entre el producto, los proveedores, las partes
interesadas y factores económicos y sociales externos, para en una primera
etapa de análisis de diseño, proponer soluciones creativas que además de tener
en cuenta resolver una necesidad, también incluya el menor uso de energía,
dinero y sobre todo el impacto con el medio ambiente.
Para la tercera metodología, Terry Irwin (2015), diseñadora y profesora de la
universidad estadounidense Carnegie Mellon, consecuente del estado actual ha
acuñado el término Diseño en transición, para referirse a la interdisciplinaridad
que ha tomado la profesión, para contribuir a problema que enfrenta el mundo en
el siglo XXI.
El enfoque que promueve Irwin es de tipo social, y sostiene que el diseño no está
centrado en la creación de objetos, y coloca al diseñador como un catalizador
para el cambio social y medioambiental, con la capacidad de diseñar soluciones
que integren los sistemas sociales y naturales, con la sensibilidad de intervenir
en dichos sistemas;; para idear soluciones que tengan en cuenta horizontes
cortos, medianos y largos de tiempo y en todos los niveles de la escala de la vida
cotidiana, y la capacidad de identificar las potencialidades para la transición en la
vida cotidiana;; la capacidad de diseño para resolver las necesidades de
determinados grupos de personas en lugares particulares (Irwin, 2015).
Está claro que estas tres metodologías tienen un objetivo compartido, que es
mejorar la relación con el medio ambiente y promover la existencia humana en un
futuro con un escenario de agotamiento natural, fisco y existencial.
29
Capítulo 2. Tiempos posmodernos
El objetivo general del capítulo dos es analizar la problemática que da origen a
este PID, para luego plantear una solución a los problemas medioambientales
desde el arte y el diseño. Los objetivos específicos son: primero, establecer los
cambios que han ocasionado el actual modelo social, después, analizar cuáles
han sido perjudiciales para la sociedad y el medio ambiente, y finalmente,
establecer las alternativas que propone el arte plástico con el Drap-Art.
Para desarrollar este capítulo se propone la visión de Bauman (2000), quien
establece las principales características de postmodernismo y acuña términos
como cultura de bajo costo, para hacer referencia a términos como la
obsolescencia programada y el consumismo. Jameson (1991), explica la
posmodernidad desde el punto de vista económico y político del capitalismo.
También se considera a Baudrillard (1978), quien argumenta lo contraproducente
de la tecnología y la comunicación globalizada. Con relación al arte, y en este
contexto se toma de referencia a Grass (2012), fundadora del movimiento Drap-
Art, quien es la autora de varios escritos visibles en su sitio web.
Con el respaldo teórico suficiente obtenido de la bibliografía en este capítulo se
analiza la posmodernidad, su origen a partir del modelo social anterior, los
beneficios y perjuicios que ha ocasionado, siendo estos últimos, el principal tema
de análisis, específicamente el agotamiento de los recursos naturales, y el
exceso de basura producido por la humanidad, consecuencia de distintos
factores a detallar en lo largo del capítulo como la problemática de este proyecto,
A su vez se plantea y argumenta al Drap-Art como práctica emergente de
artistas, diseñadores, artesanos y otros profesionales creativos orientadas al
reciclaje artístico donde se transforman los desechos en objetos y esculturas.
30
Los grandes cambios y avances en la distintas áreas como la tecnología, el
comercio, la cultura, la política, la economía, entre otras, han dado origen a
distintas etapas definidas como modelos sociales, el actual término
posmodernidad es difícil de delimitar porque presenta múltiples significados
según el campo disciplinar. A la vez la humanidad está en cambio permanente,
un suceso muy diferente a los modelos anteriores, y por lo cual la posmodernidad
aún no se puede conceptualizar.
2.1 De la modernidad a la posmodernidad
Para intentar dar una definición de posmodernidad, es necesario definir primero
la modernidad, puesto que la primera se considera una crítica de la segunda. La
modernidad surge a partir del renacimiento, etapa marcada por la crisis de la
iglesia y el intento de abarcar todo el conocimiento humano. Uno de los grandes
pensadores del renacimiento y precursor de la modernidad fue Galileo Galilei,
quien planteo la ley de los movimientos de los planetas y a quien se debe la frase
en relación a que todo el conocimiento tiene otra explicación diferente a la que
propone la iglesia:
“Hasta las verdades más respetadas son puestas en tela de juicio, y ha empezado a soplar un viento que levanta las doradas vestiduras de príncipes y prelados, dejando al desnudo piernas más gordas o más flacas, pero exactamente iguales a las nuestras” (Galilei, 2008, p. 33)
Rene Descartes en acuerdo con el planteamiento de Galileo argumenta que: “Me
he dado cuenta de que desde mis primeros años había admitido como
verdaderas una cantidad de opiniones falsas y que lo que después había fundado
sobre principios tan poco seguros no podía ser sino muy dudoso e incierto”
(2008, p. 34), con el avanzar de las ciencias sobre todo la observación, la
humanidad empieza a plantearse que la verdad que conocían no era tan real y se
hace necesario empezar de nuevo, Descartes (2008) en este plano argumenta
31
que si duda, y es capaz de pensar, entonces existe primera verdad de la filosofía
moderna, que separa a Dios de un sujeto que es autónomo.
Como es conocido, a partir de este momento, la humanidad experimentará un
cambio relevante en todos los aspectos que lo vinculan;; profundizar en el
significado de la modernidad, es materia de un investigación profunda, para el
caso de este PID, la definición más acorde a lo que se quiere dar a entender, es
aquella planteada por Berman (1988), quien sostiene que la modernidad es un
proyecto de emancipación de la humanidad y del sujeto, que se caracteriza
superficialmente por los aspectos que se indicarán a continuación.
El primer aspecto o el más importante plantea Berman (1988) es la racionalidad
de mundo natural, la naturaleza está regida por un orden racional, ese orden no
es divino, no es externo a la naturaleza sino propio de ella. Es decir, la
modernidad plantea que mediante el intelecto humano, la humanidad puede
explicar y predecir todos los hechos de la naturaleza y esto a su vez le permite
dominarla.
El segundo aspecto es el orden social, las agrupaciones humanas y su devenir
histórico tienen un orden y este está sujeto a leyes y principios (Berman, 1988).
Una vez que la sociedad se aleja de la iglesia, y con la observación de la
naturaleza, los filósofos entienden que el ser humano al ser parte de esta,
también está sujeto a leyes que controlen su comportamiento, estas leyes no
vienen de Dios sino que forman parte de la misma sociedad, pueden conocerse y
modificarse.
El tercer aspecto es el entendimiento del hombre como unidad fundamental,
refiriéndose a que todos los hombres nacen libres (Berman, 1988). El
pensamiento moderno sostiene que cada persona debe tener el dominio absoluto
de sus actos, puede realizar críticas a las sociedades para procurar su
32
realización plena. Este es uno de los puntos más polémicos, sobre el cual varios
pensadores llamaran a la modernidad como un proyecto inconcluso, puesto que
en la realidad en la sociedad no existen igualdades ni libertades plenas.
El cuarto aspecto, vinculado a la política y explicación de gobierno, es el principio
de legitimidad moderna, el cual postula que el individuo cede parte de su
soberanía a un tercero, en este caso el Estado, el cual representa el bien común
y al cual todos los individuos deben obedecer (Berman, 1988). De aquí aparecen
dos conceptos básicos del pensamiento moderno, la esfera pública y la esfera
privada, la primera se entiende como todos los aspectos de la soberanía
individual que fueron cedidos a un tercero para lograr un beneficio común en la
sociedad, mientras que el segundo corresponde a la soberanía que no se
enajena.
El quinto y último aspecto de la modernidad, corresponde a la educación como
programa emancipatorio, la difusión del conocimiento sobre la naturaleza le
permite a la humanidad emanciparse de las explicaciones sobrenaturales acerca
de su funcionamiento y participar en su transformación (Berman, 1988). La
modernidad plantea entonces que la capacidad de conocimiento existe en
potencia en cada individuo, pero que se necesita un medio, para poder motivarlo
y desarrollarlo, y este será la educación.
El principal factor a rescatar de la modernidad para este PID, es que abordar el
conocimiento por el uso de la razón, la observación y la experiencia, llevaría a la
sociedad a dar grandes avances tecnológicos (Lazo, 1984). Los denominados en
esta época científicos serían los responsables de crear los fundamentos de las
ciencias modernas de la astronomía, la física, las matemáticas, la química y la
anatomía, y darían paso a las nuevas disciplinas como preámbulo de la
Revolución Industrial, que se define como el proceso en cual la economía rural
33
basada principalmente en la agricultura y el comercio pasa a una economía de
carácter urbano, industrializada y mecanizada (Chaves, 2004).
La Revolución Industrial entonces sería la responsable de que gran parte de la
población que vivía en el campo, se mude a la ciudad, y aparezcan nuevas
clases sociales como el proletariado, las personas que trabajaban y la burguesía,
que eran las personas dueñas de los medios de producción (Rubel, 1970). La
mudanza de personas a la ciudad en busca de nuevas oportunidad en
contraposición a la automatización de las empresas, fue lo que provocó grandes
problemas sociales y nuevas ideologías que favorecen al más débil como el
sindicalismo, el socialismo, el anarquismo, el comunismo entre otras.
Después de un gran avance en lo científico y tecnológico aparece la
posmodernidad como critica a la modernidad, conocida según Obiols (2006)
como la época del desencanto, el fin de las utopías, de la ausencia de los
grandes proyectos que terminan con la idea de progreso. Lo que principalmente
lleva a este desencanto y que según Díaz (1988) las conmociones sociales y
culturales de las últimas décadas pueden contradecir se relaciona a las ideas
fracasadas del bienestar para toda la humanidad, la consideración de la ciencia
como método para encontrar la verdad, el arte como forma de vida y la moral
como fundamento ético.
Jameson, crítico norteamericano, reconocido por su análisis de las tendencias
modernas en la cultura contemporánea, hace la definición más amplia de la
posmodernidad, como la atmósfera simbólica de nuestro tiempo, determinada por
el dominio mundial del capital financiero y la unificación electrónica del planeta
(Jameson, 1991). En tanto que Bauman, sociólogo, filósofo polaco, define que la
posmodernidad también es una señal cultural que refleja un cambio en el
pensamiento existencial de las personas, la sociedad en este tiempo se
34
desenvuelve únicamente en el presente sin una visión clara del pasado o futuro,
en un constante duda de la razón, que anula todo los fundamentos y principios en
los que se basada la modernidad para dar cabida a otra época en la que prima la
indeterminación, la discontinuidad y el pluralismo (Bauman, 2007). Estas son dos
definiciones de una cantidad innumerable propuestas por varios filósofos
contemporáneos y dan una clara idea de la complicada definición de la
posmodernidad en lo general y particular de la sociedad, lo cual lleva a definirla
como una etapa de complejidad y contradicción en donde la sociedad busca la
seguridad en la apariencia ante una crisis existencial, que a su vez la lleva a
confundir su identidad cultural por identidad de consumo.
2.2 Sociedad Actual
Según Obiols (2006) la modernidad había significado la emancipación del
individuo a la familia y la sociedad, con nuevas consideraciones y el respeto de
sus derechos, pero que contribuía a los proyectos colectivos, en la
posmodernidad el individuo acentúa su emancipación al nivel de egoísmo, en la
misma línea de pensamiento Lipovetzky (1986) argumenta que el individuo en la
actualidad atraviesa un proceso de personalización que por un lado significa, la
poca o nula participación con la sociedad y por otra lado el nacimiento de una
sociedad flexible basada en la información y en la estimulación de necesidades,
además de la individualización del sujeto, a este también lo acompaña la
ausencia de fe, tanto religiosa como de un mejor porvenir.
En otras palabras, para Lipovetzky (1986), la sociedad moderna, es aquella en
donde reina la indiferencia de masas, donde predomina el sentimiento de
reiteración y estancamiento, en que la autonomía privada no se discute, donde lo
nuevo se acoge como lo antiguo, donde se banaliza la innovación, en la que el
futuro no se asimila ya a un progreso ineluctable. La sociedad moderna era
35
conquistadora, creía en el futuro, en la ciencia y en la técnica, se instituyó como
ruptura con las jerarquías de sangre y la soberanía sagrada, con las tradiciones y
los particularismos en nombre de lo universal, de la razón, de la revolución. En
cambio ahora, es contra esos principios futuristas que se establecen nuestras
sociedades, ávidas de identidad, de diferencia, de conservación, de tranquilidad,
de realización personal inmediata;; se disuelven la confianza y la fe en el futuro,
ya nadie cree en el porvenir radiante de la revolución y el progreso, la gente
quiere vivir enseguida, aquí y ahora, conservarse joven y no ya forjar el hombre
nuevo. (Obiols, 2008). Para Lipovetzky (1986), la sociedad moderna es vacía, no
hay ojos ni tabúes, tampoco tragedia, no hay lugar para revolución, ni
compromisos políticos, y la idea de buscar una alternativa no se le ocurre a
nadie.
Otros autores, como el antropólogo francés Augé (1992), en una línea afín con
Lipovetzky, ha señalado, que no hay una posmodernidad, sino más bien una
sobre modernidad, expresión con la que se quiere indicar que las sociedades
posindustriales viven los desarrollos o excesos de la modernidad, exceso de
acontecimientos, saturación de imágenes que permiten visualizarlo todo, desde
las calles de San Francisco hasta los desiertos de África, y exceso de
individualización.
Para Finkielkraut (1986), en afinidad con Augé y Lipovetzky plantea que en la
posmodernidad se vive en la hora de los feelíngs o sentimientos: ya no existe
verdad ni mentira, estereotipo ni invención, belleza ni fealdad, sino una paleta
infinita de placeres, diferentes e iguales. La democracia que implicaba el acceso
de todos a la cultura se define ahora por el derecho de cada cual a la cultura de
su elección o a denominar cultura su pulsión del momento.
36
Con respecto al egoísmo que plantea Lipovetzky, Obiols (2006) argumenta que el
individuo aunque establezca lazos con otras personas, este se halla en su
interior solo, al igual que otros individuos que buscan su propia satisfacción, vive
su existencia en el presente, con un pasado con recuerdos de la frustración del
modernismo y un futuro que solo se concibe como un juego de nuevas necesidad
y satisfacciones. En consecuencia este individuo busca el consumo, el confort, el
dinero y el poder, elementos con los que puede satisfacer las necesidades del
presente, lo cual dará origen a la llamada sociedad de consumo, y al estereotipo,
soy lo que tengo.
2.3 La obsolescencia programada y la sociedad de consumo
El consumo siempre ha estado de la mano de la industrialización y para un
correcto entendimiento de esta relación, que sobre todo es económica, es
importante recordar que los productos para la época de la revolución industrial
eran fabricados bajo una consigna de calidad y durabilidad, con materiales
innovadores y una vida útil larga, valores que la sociedad sigue pensando de los
fabricantes hasta la actualidad, pero contrario al pensamiento del cliente, los
comerciantes notaron que el mercado local estaba saturado y si los productos
duraban por años, las personas no volverían a comprar el mismo producto a
menos que se estropee, lo cual era poco probable a corto plazo a menos que sea
intencional. Aparece por primera vez el concepto de obsolescencia programada
entre el año 1920 y 1930, cuando un grupo de empresarios se dieron cuenta que
cuanto más duraban sus productos, menos dinero ganaban (Latouche, 2012).
Contrario al pensamiento de Thomas Edison de crear productos con un larga vida
útil, los empresarios se proponen fijar y planificar una vida útil a los productos, en
la que cada objeto tendrá un funcionamiento óptimo, y después de esta fecha, el
objeto tendrá que ser remplazado por otro nuevo, en el inicio este concepto
37
estaba relacionado a características de desempeño, seguridad y uso, hoy en día
se ha demostrado que los objetos siguen funcionando perfectamente pasado esta
vida útil, y solo deben cambiarse las partes que se han deteriorado por desgaste,
por lo tanto el objetivo de la obsolescencia es únicamente reactivar el circuito de
consumo o cadena productiva, que a su vez provoca que los productos que ya no
sirven se conviertan en basura.
Esta estrategia de influir en la compra de productos desencadenaría al cambio de
una sociedad de productores a una sociedad de consumidores (Castells, 2006),
es decir, debido a la producción masiva de bienes y servicios correspondientes a
una etapa avanzada del desarrollo industrial capitalista, la sociedad de
consumidores busca como principal actividad de entretenimiento la compra de
productos, este hecho y la tecnología de los medios de comunicación, ha
provocado que las marcas tengan relación directa con el cliente, y puedan
promover más rápido estereotipos y modas con una mayor libertad de
movimiento que incita al consumo, ya no por una necesidad, si no para lograr una
satisfacción momentánea, además de distinguirse de las demás personas,
evidenciando aún más el sistema de clases sociales que forma la sociedad hoy
en día y creando una nueva relación entre el consumidor y los objetos.
Según el sociólogo Bauman (2007), afirma que además de la corta vida útil que
han adquirido los objetos, los seres humanos han tomado el hábito de usar y
tirar, creando una sensación de que todo es efímero, empujados por lo nuevo, lo
que brinda más velocidad, más estilo o simplemente un deseo inexplicable de
cambio. Bauman afirma que una nueva cultura ha emergido como consecuencia
de la posmodernidad, denominada cultura del bajo coste, personas que tienen
como habito la compra de productos baratos, de dudosa calidad, que está
relacionada con satisfacer deseos efímeros como el cambio rápido de la moda o
38
moda rápida, la globalización de tendencias, bajo un concepto global de
producción y comunicación.
Según Claudio (2008) el proceso que describe Bauman de moda rápida, provoca
que la mayoría de los objetos pierdan rápidamente su lustre y su atractivo, y lo
más probable es que terminen en la basura incluso antes de haber producido
alguna satisfacción, lo que ella denomina cultura de lo desechable. La producción
masiva de productos ha llevado a crear paralelamente una gran cantidad de
basura, que al inicio de la era industrial no era un problema, porque era botada
en cualquier lugar, pero en esta cultura de lo desechable, los rellenos sanitarios
se han saturado y los materiales desechados tardan miles de años en
descomponerse.
2.4 La basura como un problema emergente
La producción de la basura es una actividad que siempre ha estado en la vida del ser
humano, de hecho, los restos y rastros dejados por la humanidad a través del tiempo,
ha permitido a la arqueología, estudiar como vivían otras generaciones. En un tiempo
se considero a la basura como objetos temporalmente fuera de su lugar, sin embargo
según Coromines (1980) este tiempo ha terminado, por que su acumulación genera
grandes problemas. Bajo del argumento del saneamiento de las ciudades, surgió el
objetivo de alejarla de la ciudad, en un inicio desarrollaron un serie de técnicas de
eliminación de aguas negras y de remoción de los desechos solidos (Robert, 1992) y
no fue hasta el sigo XIX, mediante el aburguesamiento simultáneo de la aristocracia
y el campesinado que pudo nacer el concepto moderno de higiene.
Esta conceptualización ha permitido a científicos clasificar de distintas formas a la
basura. Así por ejemplo, Parra (1992), define al desperdicio como derroche,
despilfarro, residuo que no se aprovecha. Esta definición enfatiza las acciones
negativas de comprar objetos que no se utilizan, consecuencia de las sociedades
39
donde el desarrollo económico basado en el consumo y el establecimiento de
sistemas de crédito, convirtió en obsoleto al ahorro, no solo económico, sino que
tampoco es necesario el aprovechamiento al máximo de los productos, por el
acortamiento de la obsolescencia programada.
Pero este derroche y despilfarro, actualmente ha cambiado con el agotamiento de los
recursos, entre ellos la crisis del petróleo, que incremento la búsqueda de opciones
tecnológicas para utilizar las partes que no se aprovechan, además de disminuir los
problemas de contaminación. Así aparece el termino residuo, al cual Parra (2012)
define como lo que queda de un todo después de haber quitado una o más partes, es
decir, material que queda como inservible después de haber realizado algún trabajo.
Otras de las clasificaciones de la basura que tienen mayor difusión, es aquella que
está en función del sistema de gestión de basura que la trata como residuos inertes,
combustibles y fermentables.
Por otra parte, el creciente consumo humano esta llenando de desechos al planeta,
la cantidad de estos, aumento en relación al ingreso económico y viceversa, es decir
cuando hay recesiones, la producción de desechos también disminuye. En el caso de
los países, los pobladores de países industriales generan hasta 100 veces más
basura que los países en vías de desarrollo, sin embargo en los países más pobres,
la basura es un aumento, debido según Corral-Verdugo (2000), que si bien el
consumo individual es menor, la tasa de crecimiento poblacional es mayor a la de los
países favorecidos económicamente, entonces el consumo total compensa las
cantidades menores de productos consumidos per cápita
Para Otero (1992) la cantidad de residuos producidos por una sociedad es muy
variable y depende de un gran número de parámetros, como el nivel de vida de la
población;; la época de año, notándose que el verano disminuya;; el modo de vida,
influenciado por la migración diaria entre el centro de la ciudad y la periferia;; el
40
movimiento de la población durante periodo de vacaciones, fines de semana y días
feriados;; los nuevos métodos de acondicionamiento de mercancías aumento de
envases y embalajes sin retorno.
Por otro lado, Irigoyen (1992) argumenta que en las poblaciones se han producido
una seria de hechos socio-económicos que influencian de modo directo en el tipo de
basura que se genera, entre estos hechos esta la incorporación de la mujer en el
mercado laboral, lo que conllevo al aumento de la compra de alimentos ya
preparados, que si bien no producen basura orgánica en su preparación, el problema
esta en los grandes envases que la contienen como empaques de conserva, vidrios,
papeles, cartones, entre otros.
Otros de los hechos son: la disminución de la venta a granel o si envasar, y el
aumento de envases argumentando la salubridad de los productos;; la aparición de la
cultura de comprar y tirar mencionada anteriormente;; la importancia del consumidor
individual frente a los consumidores familiares;; el uso indiscriminado de bolsas en los
supermercados;; el florecimiento de la electrónica e informática, entre otros (Irigoyen,
1992).
2.5 La opción de reciclar
Con la revolución industrial, y la idea de encontrar el estado de bienestar, de fabricar
más al menor costo, la industria encontró que en el ciclo de producción, se
desperdiciaban los desechos como: aserrín, bagazos, viruta y que al convertirlos en
sales, ácidos, celulosa o materiales, se podían volver a utilizar y reintroducirlos en el
ciclo de producción, es decir, re-ciclar (Luna, 2003). Ya en el 1893, la industria se
esforzaba en reutilizar todos los desechos, en lo medida de lo posible, a medida que
avanza la tecnología, la industria petroquímica empezó a aprovechar distintos
procesos para dar paso a nuevos materiales, entre ellos el cloruro de polivinilo
(PVC), el cual se diversifico hasta formar parte de más de mil productos diferentes,
41
con la objeción de encontrar tiempo después a este tipo de material, resultado del
reciclaje, tóxico, lo que conllevo a una amenaza a la salud y al entorno (Tello, 1995)
Otra acontecimiento que redujo la practica del reciclaje, fue la el auge económico que
se dio en Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial, donde empezó la
idea de que tirar la basura lejos de las ciudades es más barato que tratar de
recuperarla, el resto del mundo adopto la idea sin pensarlo, lo que posteriormente
provoco una gran cantidad de basura, principalmente de tecnología propia de esa
época.
Por otro lado, la toxicidad de los residuos, también reduce la capacidad de
reciclarlos, por ejemplo, las baterías de los autos, pilas, productos de limpieza,
disolventes, pinturas, farmacéuticos, entre otros que han aparecido con la promesa
de ahorrar tiempo y minimizar trabajo, esto reduce el esfuerzo humano, pero
perjudica notablemente al medio ambiente.
La expansión de los mercados y la globalización, también ha conllevado la
producción de objetos que puedan desplazarse a lugares más alejados, para lo cual
ha sido necesario también producir envases y embalajes, que cumplan la función se
transportar y contener, pero una vez cumplido su objetivo, se convierte en basura
muy difícil de tratar, por ejemplo, los envases tetra-brick, son envases fabricados en
tres capas, una de cartón, otra de aluminio y otra de plástico, de la cual solo se
puede reciclar el cartón y los otros materiales se descartan (Sabater, 2000).
La producción de envases y embalajes ha llevado a que la humanidad produzca
basura desde el momento que compra un objeto, es decir, antes los residuos
aparecían hasta el momento en que el producto cumplía su vida útil o se desgasto.
Según estudio de La Entidad de Medio Ambiente de Barcelona (1998), se obtuvo que
los envases representan el 60% de los residuos en cuanto a volumen y el 30% en
cuanto al peso, Cave mencionar que la función del empaque es una característica
42
que no se puede eliminar, por el contrario es una tendencia que va en aumento con
el concepto de conquistar la confianza del consumidor hacia sus productos consiste
en dotarlos de una personalidad propia (Cervera, 1998). Con esto, abarcar un mayor
mercado, implica múltiples empaques para distintos sectores.
2.6 Cuando el objetivo ya no es vender
Como consecuencia de todos estos sucesos industriales y sociales, la relación
entre los seres vivos y la naturaleza se ha deteriorado, en la actualidad se vive
una emergencia medioambiental consecuencia de la sobrepoblación, la
explotación de recursos naturales y sobre todo la gran acumulación de basura
consecuencia del consumismo, la obsolescencia programada, el cultura de
comprar y votar, entre otros problemas antes mencionados.
Esto ha provocado que la sociedad tome conciencia acerca del uso de los
objetos, los desechos y la separación de residuos. El reciclaje ha tomado fuerza
como un proceso que pretende convertir los desechos en nuevos productos para
prevenir el desuso de materiales todavía útiles, reducir la extracción de materia
prima, reducir el uso de energía, reducir la contaminación del aire y el agua, y
reducir la emisión de gases. Dentro del reciclaje, existen dos formas de
realizarse, primero utilizando un objeto usado para recuperar los materiales de
los que está compuesto y volver a producir la misma clase de materia prima, y
segundo, mediante la producción de nuevos productos a partir de otros ya
utilizados. (Domínguez, 1997). La práctica de la segunda actividad de reutilizar
materiales, que es a la cual se orienta en Drap-Art, que no es nueva y ha existido
en toda la historia de la humanidad, desde la utilización de los huesos de
animales para crear herramientas, el uso de pieles para resguardarse del frio,
hasta reutilizar antiguas edificaciones para dar lugar a nuevas. (Martí, 2000)
43
Aunque el auge del Drap-Art es relativamente nuevo, en los países menos
desarrollados, especialmente en África, existe hace muchos años una importante
actividad artesanal no mediática que reutiliza, con recursos de las tradiciones
locales, todo tipo de materiales de desecho para fabricar objetos de regalo y de
decoración, que promueve principalmente una relación más cercana con la
naturaleza, al igual que los pueblos indígenas americanos, en donde existe un
respeto que preserva la existencia entre estas dos partes (Pardo, 2010). El Drap-
Art en este punto se puede plantear como una opción que se ha popularizado
gracias a los medios de comunicación y que ayuda al medioambiente frente al
exceso de basura y a los desechos, consecuencia de la sobreproducción y
consumo de objetos industriales, que promueve la concientización del ser
humano para establecer una mejor relación con la naturaleza.
44
Capítulo 3. El arte reciclado de Jorge Tovorovsky
En este capítulo, el objetivo principal es la investigación y recopilación de datos
acerca del Drap-Art en el ámbito local, es decir, en la Ciudad Autónoma de
Buenos Aires, para lo cual los objetivos específicos son: primero, investigar el
panorama mundial y recortarlo a artistas argentinos, segundo, planificar
entrevistar al Arquitecto Jorge Tovorovsky, docente de la Universidad de
Palermo, quien practica el Drap-Art hacía varios años, y tercero, realizar el
procesamiento de la información, para explicar de forma clara y concisa el
concepto y metodología que utiliza el artista en sus obras.
Actualmente son muy pocos los libros que traten el Drap-Art, especialmente en
latino américa, por lo cual la referencia es el escrito Reciclaje artístico,
transformación de desechos, de Morales, Herrera y Meineri (2013), que se puede
encontrar en el libro número 58 de Proyectos Jóvenes de Investigación y
Comunicación, Proyectos de estudiantes desarrollados en la asignatura
Comunicación Oral y Escrita Primer Cuatrimestre 2013 de la Universidad de
Palermo y en el cual se realiza una breve investigaciones de artistas locales que
practican el Drap-Art. Otro libro de referencia es Nunca fue tan hermosa la
basura de Pardo (2010), quien habla de los desechos como materia prima para el
arte, en cuanto a la información para realizar una entrevista adecuada, se tomó
como referencia el libro Metodología de la Investigación de Fernández (1998).
En este capítulo se entrevista al Arquitecto Jorge Tovorovsky para conocer
acerca de su vida, como se inició en el Drap-Art, el concepto de su obra, cuál es
su metodología para iniciar cada proyecto, la recolección de los materiales y
como los interviene para dar una crear un nueva forma, también será la etapa en
donde se realizará la producción de fotografía de las obras que actualmente
posee el artista y que serán las que se presentarán en el producto final. Además
45
el lector podrá encontrar la información del artista acerca de su obra en forma
clara, después de un procesamiento adecuado de los datos obtenidos en la
entrevista cuya desgravación se encuentra en el Cuerpo C de este PID.
El Drap-Art o reciclaje artístico ha motivado a que artistas de distintas partes del
mundo expresen más que su nivel profesional y artístico, su aporte hacia el
medio ambiente y la manera cómo vincular la sustentabilidad con el arte. En este
contexto, han decido cambiar los materiales tradicionales por desechos que se
han convertido en obras de arte, en donde resalta sobretodo la reutilización de
los materiales.
3.1 El reciclaje artístico en el mundo
Cuando se hace referencia al reciclaje artístico, se asocia inmediatamente al
Drap-Art, que más que una clasificación o estilo de arte, Drap-Art es un
asociación que promueve el reciclaje artístico con la organización de festivales,
exposiciones, mercados y talleres (Grass, 2012), el primer festival se dio en el
año de 1996 con la Maratón de Creación y Reciclaje de Barcelona, haciendo un
llamado a artistas locales. La segunda edición realizada en el 2007, convocó a
20.000 personas, la popularidad de este movimiento produjo que en ese mismo
año el Drap-Art se conozca en Europa a través del Recykl Art Fest, festival de
intercambio entre artistas yugoslavos y españoles en el marco de la bienal de
Montenegro.
En 1998 se realizaron dos talleres de intercambio en Jerusalén y Barcelona, con
el nombre Dime lo que tiras y te diré quién eres y Evil Empire, respectivamente.
A partir del año 2004, Drap-Art creó su propio centro de operaciones, el espacio
Drap-Art que agrupa sus oficinas, sede social, centro de documentación y sala de
exposiciones, en donde ha albergado distintos eventos relacionados, como el
46
Festival Internacional de reciclaje artístico de Cataluña y el mercado de reciclaje
artístico y consumo sostenible. (Grass, 2012)
Además la asociación Drap-Art organiza muestras colectivas internacionales
itinerantes en donde se da a conocer el concepto a lograr, una de ellas es
Reciclaje artístico, Nada desaparece, todo se transforma, realizada en Pekín,
Shanghái y Tokio. Otra es la llamada From Waste to Resource. Recovering
Sustainable titudes. Realizada en Alemania, Hungría, Italia y Francia. (Grass,
2012)
Para el XI Festival Internacional de reciclaje Artístico de Cataluña realizado
durante el 2015, se han sumado varios artistas como el austriaco Klaus Pichler
quien con su último proyecto One third, hace una crítica al derroche de alimento
en Europa (Pichler, 2015). Otro de los artistas reconocidos es el también
austriaco Robert Staudinger, quien captura fotográficamente objetos como
urinarios o espacios abandonados en donde la naturaleza ha vuelto a nacer para
decorar estos elementos olvidados. (Staudinger, 2015).
Alberto Carvajal, Diseñador de espacios español, también está incluido en la
última selección del Festival, y plantea que su arte está compuesta por los
elementos que sobran de sus estructuras para trabajos realizados por encargo,
los cuales agrupa y en su taller les encuentra distintas formas. (Carvajal, 2015).
Otro artista, es el belga Jorge Castro, quien a partir de tapones o soldados de
plástico, reflexiona sobre la moda, el tráfico de armas o la guerra. (Castro, 2015)
Por otra parte, el italiano Danilo Marchi, crítica a lo sociedad de consumo
formando figuras de animales a partir de botellas de plástico. (Marchi, 2015).
El grupo de artistas que aportan al Drap-Art aumentan cada día más, en el 2015
además de los ya mencionados, también están José Flórez de Perú, Alejandro
47
Tobón de Medellín, Colombia, Rafael Arroyo y Carles Piera de España, entre
muchos otros. (Ayensa, 2015)
3.2 El reciclaje artístico la Argentina
En Argentina aunque pueda parecer una propuesta nueva, existen artistas que
vienen desarrollando obras en este estilo hace varios años, el referente con
mayor importancia es el rosarino Antonio Berni, a quien se considera uno de los
artistas argentinos más importantes del siglo XX (Malba, 2014). Berni para el año
1962 terminaba su obra La gran tentación o La gran ilusión, del cual el Malba
argumenta: “Preocupado por la eficacia de su mensaje, el artista da testimonio de
los márgenes de esta sociedad industrial con pedazos de esa misma realidad”
(Malba, 2014, p. 3), es decir, Berni utiliza la técnica de ensamblaje y materiales
como la madera, metales, telas, papeles, cartones entre otros materiales de
descarte para realizar una crítica a la época industrial.
Entre los artistas contemporáneos están Cristina Pino y Gustavo Suasnábar,
bonaerenses, quienes proponen un arte orientado al trabajo con diferentes
materiales desechados como el vidrio, plástico, papel, madera, elementos de
electrónico, entre otros (2014). Con cada uno de estos materiales han
investigado y desarrollado técnicas especiales para lograr piezas híper realistas.
Los dos plantean tener la convicción de que a través del arte se puede
sensibilizar al espectador sobre temas tanto sociales como medioambientales.
En cuanto al campo del Diseño, Alejandro Sarmiento, originario de la provincia de
Buenos Aires, es reconocido mundialmente por sus objetos a partir de materias
primas insospechadas y de los cuales argumenta: “La idea de trabajar con
desechos requiere entenderlos como una materia prima gratis. Y muchas veces,
con procesos tecnológicos resueltos.” (Sarmiento, 2008. p. 46). Sarmiento es el
creador del proyecto Contenido Neto, un proyecto de reciclaje de botellas de
48
polietileno tereftalato (PET) de las cuales extrae la materia prima para realizar
cepillos, escobillones, saleros y pimenteros, individuales, manteles, cortinas,
tendederos de ropa, corrales de aves, bolsos, carteras, bisutería, juguetes,
lámparas y distintos muebles como sillas, mesas y banquetas (pagina12, 2003).
3.3 El arte a partir de fragmentos de Jorge Tovorovsky
Jorge Tovorovsky se vincula a este PID, por ser catedrático de la Universidad de
Palermo, Docente de la materia Desarrollo Profesional, con quien el autor de este
PID tuvo la oportunidad de cursar y en la cual Tovorovsky pudo exhibir su obra
llamada Aplastalalata, arte que practica como una actividad que le permite
expresar su creatividad y reciclar materiales de desecho.
Observar el arte plástico que practica Tovorovsky, y participar de otras materias
de la Licenciatura en Diseño de la Universidad de Palermo, como Proyecto y
Critica I y II e Historia del Diseño I y II, concienciaron y motivaron al autor de
este PID a investigar acerca del arte reciclado y del cual se encontró que aunque
existe información, su difusión es poca. De aquí nace la idea de realizar un
catálogo que difunda a Jorge Tovorovsky, el arte que práctica y a su vez a crear
conciencia en otras personas.
Aunque Tovorovsky lleva algunos años practicando su arte, es conocido por su
profesión de arquitecto o docente, pero no de artista. Para poder abordar la
actividad artística de Tovorovsky, se decidió oportuno investigar su propuesta a
través de la entrevista. Esta interacción cara a cara se llevó a cabo el Jueves, 27
de agosto de 2015, en las instalaciones de la Universidad de Palermo. Se realizó
un cuestionario con 21 preguntas de tipo abiertas, en las cuales se dejó al
investigado la libertad para responder. Con la información recolectada, se
procedió a redactar los textos con información acerca del Arquitecto Jorge
Tovorovsky.
49
3.3.1 Biografía
Jorge Tovorovsky nace en Buenos Aires, República Argentina en el año de 1949.
Realizo sus estudios primarios y secundarios en colegios del Estado,
recibiéndose de bachiller especializado en Ciencias Físico Matemáticas en el
Colegio Nacional Nº 4 Nicolás Avellaneda, ubicado en barrio de Palermo.
Luego de cursar dos años por la Universidad de Buenos Aires en la facultad de
Ingeniería, se retira y decide cambiarse a la Universidad de Palermo,
específicamente a la Facultad de Arquitectura, de la cual se recibe en el año de
1979, actualmente Jorge pertenece a un importante estudio de Arquitectura de la
ciudad de Buenos Aires, en el cual desempeña su profesión en el área de
Dirección de Obras, paralelamente al ejercicio de su profesión, también es
Docente de varias cátedras en la Universidad de Palermo.
En referencia al arte, Tovorovsky (comunicación personal, 27 de agosto, 2015)
argumenta que su actividad plástica empezó desde temprana edad, la cual se
incentivó durante su paso por la Facultad de Arquitectura, en la cual practicaba
especialmente la pintura, y desde la década de 1990, se inició en la creación de
arte con materiales de desecho.
3.3.2 Concepto y estilo
El Arte que practica Tovorovsky se denomina Aplastalalata, unión de las
apalabras aplasta la lata, haciendo referencia a uno de los varios procesos que
ejecuta en sus obras y de la cual menciona “no la practico, creo que es una
pulsión que me practica a mi” (comunicación personal, 27 de agosto, 2015),
haciendo referencia a la satisfacción que obtiene de cada obra concluida.
Aplastalalata es entonces, el nombre general que toma la creación de collages
montados sobre soportes planos y en otros casos piezas volumétricas, es decir,
50
esculturas, a partir de materiales de desecho, y aunque en un inicio no empezó
como un proyecto de reciclaje, esta característica ha ido tomando valor en cada
obra hasta el punto de enmarcarse dentro del arte reciclado.
El concepto de Aplastalalata según Tovorovsky consiste en brindar una vida a
elementos que están tirados y olvidados en la calle, los cuales al recolectarlos y
agruparlos se interrelacionan entre sí, se muestran y sirven de inspiración propia
para mediante procesos artesanales extraer toda su potencialidad expresiva
como el color, la textura, la gráfica, el óxido, entre otras características propias
de cada elemento. El significado o mensaje de cada obra está determinado por
los elementos que la componen y de los cuales Tovorovsky plantea que siempre
que hay imagen, hay mensaje consciente o inconsciente. “Los materiales y
elementos con su desgaste, las fotos de personajes que miran desde más allá
del tiempo, de por sí despiertan interrogantes;; prefiero generar una obra que
pregunte a una obra que responda”, es decir, son obras que dejan libre
interpretación al espectador, y serán tantas como elementos tiene cada obra
(Comunicación personal, 27 de agosto, 2015).
Con respecto al reciclaje y la relación con el medio ambiente, Tovorovsky hace
una comparación de la ciudad actual con la ciudad fantástica de Leonia, descrita
en el texto Las ciudades invisibles del escritor Italiano Italo Calvino en la cual
describe a Leonia como una ciudad en donde abunda la basura, no solo tubos de
dentífrico vacíos, periódicos, envases, entre otros materiales de desecho, sino
también, enciclopedias, pianos, juegos de porcelana (1972). La opulencia de la
población no se mide por cosas que fabrican, compran o venden, se mide por las
cosas que cada día se tiran para ceder lugar a cosas nuevas. Según Calvino
(1972), la satisfacción de las personas no está en usar las cosas nuevas y
diferentes, sino en comprar para tirarlas. En esta ciudad los basureros con
51
acogidos como ángeles y el proceso de recolección es como un rito que inspira
devoción, por el hecho de ser los encargados de remover los restos de la
existencia del ayer, ya que una vez desechadas, nadie quiere tener que pensar
en ellas.
Con respecto a la relación que hace Tovorovsky con la ciudad de Leonia, él se
distingue como el encargado de retirar los elementos de la calle, no para
amontonarlos en el exterior de la ciudad, si no para reinsértalos con una nueva
función.
3.3.3 Proceso de creación, materiales y herramientas
El proceso inicia con la recolección de elementos en el yacimiento de la calle,
algún hierro oxidado, tapas de cerveza extraídas del asfalto de alguna esquina,
latas de gaseosa, latas de energizantes, alambre de cables, fragmentos de
espejo biselado, malla de fibra de vidrio de los volquetes, chapadura del que
dejan en la vereda los recolectores de botellas, masilla de durlero con arena,
fondos de botellas rotas, plaquetas de computadoras obsoletas, fotos de una caja
vieja, clavos usados caídos de las obras en construcción o arrancados de los
pallets, pedacitos de juguetes, cemento, tablitas de cajón de fruta o palo de
escoba, entre otros que llaman su atención, haciendo referencia a sus últimos
proyectos menciona “a veces compro fotografías antiguas en las ferias de fin de
semana, calcomanías de Hello Kitty, malla de fibra de vidrio, y lo que voy
encontrando” (comunicación personal, 27 de agosto, 2015).
Cuando inicia su fin de semana, el artista se adentra en su taller, el cual describe
como un pequeño patio lavadero techado con estantes, en el cual tiene sus
herramientas: tijeras, martillos taladros, sierra, corta vidrio, pulidora, varios
pinceles, espátulas, varias pinturas acrílicas, siempre uno o dos proyectos
encaminados, una grabadora y mate, que no pueden faltar como el mismo
52
Tovorovsky menciona “Fin de semana, mate, música, tallercito y a martillar...”
(Ver cuerpo C, figura 1).
Una vez instalado se deja llevar por el trabajo minucioso de clasificar,
seleccionar y preparar los elementos a utilizar, dependiendo de las
características de cada elemento, se realiza un proceso diferente, las latas
generalmente se cortan, y al igual que los otros elementos se modifican para
crear superficies planas que permitan ser clavadas o pegadas al soporte plano,
para las esculturas, los elementos se van agregando para formar en algunos
casos obras figurativas y en otros casos, obras abstractas.
3.3.4 Obra
Las obras que pertenecen a Aplastalalata, son muy extensas, algunas de ellas ya
no están disponibles, debido a que se han obsequiado como agradecimiento a
instituciones que han albergado muestras, otras a familiares. Las recopiladas
para este proyecto son 32 obras que exhiben la historia del artista entre los años
2011 al 2015 (Ver cuerpo C, figura 2).
Dentro de las que destacan en orden histórico son Seres, una colección de nueve
collages, en cada uno de los cuales se pude observar formas figurativas que
representan animales, humanoides, y en algunos casos la mezcla de los dos.
Otra obra es la colección Tridimensión, la primera propuesta en volumetría. El
pez es una obra articulada la cual se plantaba incorporar algún accionamiento
mecánico para el movimiento de la boca y la aleta, sin embargo requería un
trabajo más complejo, por lo que terminó con sistema móvil manual.
La obra Cinco pájaros resalta en las otras, por contener dentro de sus elementos
fotos antiguas en blanco y negro, de personas que no tienen vinculación entre sí,
pero en el contexto de la imagen intentar dar un mensaje del pasado. En la obra
53
Wunderkamer, animalia, vegetalia, mineralia, el artista vuelve a utilizar fotos
antiguas de personas y menciona “Los materiales de desecho, además de
baratos tienen propiedades mágicas y poéticas. Se trata de objetos abandonados
y después encontrados, que vinculan a personas que no se conocen”
(comunicación personal, 27 de agosto, 2015).
En las obras Tridimensión dos, Fobot, Contraluz y Oxímoron, el artista retoma la
volumetría para crear objetos abstractos en cuales resalta elementos
procedentes de la obsolescencia programada como plaquetas electrónicas,
bombillas y elementos de herramientas técnicas como discos de pulir (Ver cuerpo
C, figura 3).
54
Capítulo 4. El mensaje impreso
Este capítulo tiene como objetivo principal relacionar el diseño gráfico con el
Drap-Art, del cual se desprenden tres objetivos específicos, primero explicar
brevemente al lector que es el diseño gráfico, enfocado a la área editorial,
segundo, justificar el uso del diseño gráfico editorial como una herramienta de
comunicación y tercero, plantear la solución a la problemática planteada en el
capítulo dos mediante el campo disciplinar del autor de este Proyecto de
Investigación y Desarrollo.
El libro de referencia para este capítulo es Diseño gráfico y comunicación de
Frascara (1998), quien argumenta que el diseño es una herramienta de
comunicación, información y persuasión, que es precisamente lo que se quiere
demostrar, de igual manera que con el libro de Gombrich (2003), Los usos de las
imágenes, estudios sobre la función social del arte y la comunicación visual y el
de Eco (1991), Tratado de semiótica general quienes argumentan el aporte que
realiza la imagen al texto, para enfatizar el mensaje o cambiar su significado.
Como se mencionó anteriormente, este capítulo pretende explicar y justificar la
actividad del Diseñador Gráfico en la sociedad, quien es una parte importante en
el proceso de comunicación. Su objetivo radica en la codificación o interpretación
de un mensaje para que sea recibido de manera adecuada por el lector o
espectador. Para esto el diseñador debe planificar y estructurar sus ideas para
ser sensible y coherente con el uso contenido. La persona ajena al medio gráfico,
desconoce que el diseñador requiere un nivel avanzado de conocimientos
interdisciplinarios como fotografía, dibujo a mano alzada, dibujo técnico,
geometría descriptiva, psicología de la percepción, psicología de la Gestalt,
semiología, tipografía, tecnología, comunicación, entre otras disciplinas. Es por
esta razón que se propone este capítulo para explicar de dónde surge esta
55
profesión, el gran aporte que brinda a la comunicación y en este caso por qué
puede utilizarse para fomentar un práctica que resuelve una problemática social y
profesional.
4.1 La comunicación visual
Desde que el ser humano nace, sus ojos o el sentido de la vista registra,
interpreta y coordina todo lo que observa o percibe, estas percepciones de
acuerdo al modelo mental del observador, es decir, todo el conjunto de
conocimientos y experiencias que tiene cada persona (Luquet, 1927) en
asociación con la edad, va a tener un significado diferente, como aprender un
conocimiento nuevo o rememorar imágenes y asociaciones emocionales.
Cuando la vista en conjunto con el cerebro es capaz de recibir información, se
produce la comunicación visual, según Munari (1985), la definición es
prácticamente todo lo que ven los ojos, desde un color plano, hasta el arcoíris en
el cielo. La comunicación visual para Munari (1985) se divide en dos, casual o
intencional, la primera está definida por la percepción visual que se presenta sin
ninguna intención, de manera espontánea, sin ningún mensaje concreto
establecido por un emisor y de libre interpretación para el observador, por
ejemplo un cielo sin nubes. La segunda clasificación, hace relación al tipo de
comunicación visual que persigue un objetivo, transmitir un mensaje concreto,
por ejemplo una señal de tránsito, un cartel, una revista, una obra de arte, entre
otras piezas.
Dentro de la comunicación intencional, Munari (1985) establece dos
características para la información del mensaje, la practicidad y la estética.
Utilizadas por separado, la primera hace relación a un mensaje en dónde la
información no requiere estética, sino la funcionalidad y claridad de la
información, por ejemplo la señalética de una institución, en el segundo caso, la
56
estética hace relación a un mensaje que está estructurado por principios gráficos
que permiten al mensaje además de ser funcional, sea agradable a la vista,
siendo este mejor captado por el receptor, por ejemplo, un cartel o publicidad de
una película.
4.2 El diseño gráfico como herramienta de comunicación
Entendido que es la comunicación visual, el diseño gráfico según Gorb (1978) es
una actividad y la define como la acción de concebir, programar, proyectar y
realizar comunicaciones visuales, producidas en general por medios industriales
y destinadas a transmitir mensajes específicos a grupos determinados, entonces
un diseño gráfico es un objeto creado por esta actividad. Para Rand (1984) un
diseñador gráfico es alguien que crea las ideas, manipula palabras o imágenes, o
las dos, y generalmente resuelve problemas de comunicación, es decir, el
diseñador gráfico es el responsable de la interpretación, ordenamiento y
presentación de los mensajes utilizados en la comunicación visual. Según
Frascara (1988) es una disciplina intelectual, estética y práctica, que compromete
todos los niveles de la actividad humana, y requiere de su poder de análisis,
flexibilidad mental, claridad y juicio, sensibilidad visual, conocimiento técnico y
destreza manual.
Además de su amplia definición Frascara (1988) argumenta que el diseño gráfico
participa del arte, por lo intuitivo, expresivo y estético;; de la ciencia, por los
conocimientos necesarios para solucionar una serie de aspectos específicos en
el proceso de diseño;; de la artesanía, por la destreza necesaria para visualizar y
preparar los trabajos para reproducir;; y de la tecnología, por los procesos
utilizados para la preparación y la reproducción industrial del producto final.
Las tres definiciones se justifican desde el punto de vista de cada diseñador,
para el caso de este PID, y en síntesis del concepto, se hace uso de aquella
57
planteada por Rand, y que se acopla a la definición de Munari de la comunicación
visual.
Frascara (1988) divide el campo del diseño gráfico en cuatro áreas
fundamentales basadas en la noción de que cada área requiere una preparación
y un talento especial, las áreas propuestas son: el diseño para información, el
diseño para persuasión, el diseño para educación y finalmente el diseño para
administración.
El diseño de información argumenta Frascara (1988) requiere habilidad para
procesar, organizar y presentar información, requiere conocimiento de problemas
de legibilidad de letras, palabras, frases, párrafos y texto corrido, a su vez
requiere conocimientos de comunicación a través de la imagen y la relación de
forma y contenidos con textos, en esta clasificación se encuentra el diseño
editorial, el diseño de tablas alfanuméricas, gráficos y diagramas, material
didáctico, instructivos, informes, programas, prospectos, exposiciones,
señalización, mapas y planos.
El diseño persuasivo según Frascara (1988) está destinado a influir sobre la
conducta del público e incluye tres áreas: publicidad, propaganda y comunicación
de interés social. En tanto que el diseño para educar, aunque incluye elementos
persuasivos e informativos, y es indispensable la participación activa del usuario,
es decir, se motiva al usuario a pensar, juzgar y desarrollarse.
El diseño para la administración, aclara Frascara (1988), no implica persuasión,
información o educación, sino que contribuya a organizar ciertas comunicaciones
dentro de sistemas, se incluyen en esta clasificación el diseño de formularios,
boletos de transporte, entradas para espectáculo, facturas de compra e inclusive
el diseño de valores, billetes, sellos de correo, etc.
58
Aunque Frascara (1988) clasifica el diseño editorial en el diseño para la
información, es notorio que según el objetivo este se extenderá a las demás
clasificaciones, como argumenta Zappaterra (2007), una publicación editorial
además de informar, puede entretener, instruir, comunicar, educar o desarrollar
una combinación de las anteriores acciones. Profundizando la función del diseño
editorial, Zappaterra (2007), establece que cuando el diseño opera en un medio
editorial, puede desempeñar varias funciones como dotar de expresión y
personalidad al contenido, atraer y retener la atención de los lectores o
estructurar el material de una forma más comprensible.
4.3 El diseño de información
Complementando la definición de Frascara, para Sexe (2001) la información es
todo proceso en que se envía un mensaje se forma unidireccional a destinatarios
dispuestos a una libre interpretación. Esto quiere decir que no hay
retroalimentación en el proceso de comunicación, no se busca tener respuesta, y
que, por otro lado, se basa en generar una interpretación limitada. Sin embargo
el diseño de información tiene como idea rectora enviar un mensaje determinado
a un público para que lo reciba y lo entienda de forma concreta y precisa.
Para Costa (1998) la información está en el mensaje, y para que esta sea
adecuadamente recibida el mensaje tiene que ser mono sémico, es decir, que no
se abra a interpretaciones variadas que no sean las deseadas, para lograr esta
segmentación de la interpretación, Costa (1998) propone tres criterios de diseño:
la capacidad de atención disponible, la duración de la transferencia del mensaje
y el nivel cultural del destinatario. Además agrega que el diseño de información,
pretende transformar al público pasivo en intérprete y actor protagonista.
Por otro lado Valdés de León (2010) argumenta que el material impreso producto
del diseño de la información sirve durante el tiempo que es leído y en cuanto esto
59
se acaba, se termina el proceso de información. Lo cual permite entender que
cada material o pieza debe contemplar e intentar atraer la mirada del lector la
mayor parte del tiempo posible, mantener la atención y el tiempo suficientes para
que toda la información sea asimilada.
Otro punto relevante en el diseño de información y en el proceso de
comunicación, es el uso adecuado del código, entendido como el sistema
utilizado por el emisor para construir el mensaje. Kerbrat-Orecchioni (1997)
explica el problema de la homogeneidad del código, que ocurre cuando el código
entre participantes de una comunicación es inexacto, por ejemplo, dos personas
que hablan el mismo idioma pero que son de distintos países presentan
diferencias culturales que no permitirán transmitir el mensaje de un extremo a
otro sin sufrir alteraciones. Otro problema que menciona Kerbrat-Orecchioni
(1997) es la exterioridad del código, el cual hace referencia al significado del
mensaje para el emisor y el significado producto de la interpretación en el
público. Con respecto a esto, algunos autores se basan en que el código que
debe predominar en el diseño de información es el del destinatario y este deberá
apropiarse el emisor para la construcción del mensaje.
4.4 El diseño gráfico editorial
El diseño editorial, como se mencionó anteriormente es una rama del diseño
gráfico, y según De Buen (2000), es la que se especializa en la maquetación y
composición de distintas publicaciones como libros, revistas, periódicos,
catálogos, entre otros medios impresos. La maquetación comprende la
realización de la gráfica interior y exterior de los textos, siempre teniendo en
cuenta la estética ligada a un concepto que caracteriza a la publicación, y la
composición hace referencia a buscar la unidad armónica entre texto, la imagen y
diagramación.
60
Según Manjarrez (2003), todo el material impreso busca comunicar, pero no
todos se aseguran que su mensaje sea entendido en su totalidad. Para lograr
este objetivo el diseño editorial observa la forma, el formato, la efectividad y
funcionalidad del medio para transmitir un mensaje y es en este punto donde la
estética está justificada, un mensaje bien recibido es un mensaje bello, asegura
Manjarrez (2003) haciendo referencia a que algo bello es algo que se comprende
tan bien que es aceptado sin dudar. Para lograr esta comprensión del mensaje, el
diseño editorial tiene varias herramientas como la forma, textura, peso, contraste,
balance, proporción, ritmo, armonía, movimiento, simetría, etc.
Al respecto, Bhaskaran (2006) plantea que la combinación de estos elementos es
lo que permite al diseñador fusionar sin costuras el contenido de una publicación,
aportándole al mismo tiempo una identidad única, es decir, cada uno de estos
elementos variará, algunos tendrán mayor jerarquía que otros dependiendo del
tipo de publicación a diseñar, sin embargo, se debe tener precaución de que
estos elementos tengan mayor relevancia que el mensaje, por lo cual es
recomendable que el mensaje y el diseño trabajen juntos para apoyarse y sacar
lo mejor uno de lo otro.
4.5 El mensaje social en el medio impreso
Asegurar que el medio impreso pueda regular la sociedad es imposible, pero que
pretenda dar a conocer información que influya en la sociedad si es posible. El
diseño gráfico se ocupa de generar mensajes visuales con el propósito de afectar
el conocimiento, las actitud y el comportamiento de la gente a la que va dirigido
(Frascara, 1997). Ledesma (2003) argumenta que es por esto que el diseño
gráfico es importante en la sociedad, no para resolver problemas, sino para
incentivar a que se formen juicios de valor o a influir en ellos respecto a los
problemas que presenta la sociedad, en este caso el exceso de basura.
61
Psicológicamente, Ledesma (2003) define al diseño gráfico como regulador
social, por su capacidad de ordenar y organizar la información a presentar,
hacerla más legible, más atractiva y para de esta forma influir en los
comportamientos sociales. La manera como el diseño gráfico de una publicación
influye en las personas se basa en tres acciones hacer leer, hacer saber y hacer
hacer (Ledesma, 2003). La primera se refiere a la organización de la
comunicación, es decir, como pasar la información a un texto e implementarlo
para que sea un material gráfico que favorezca a la comprensión y a la
legibilidad. Hacer saber, busca la disposición de la recepción de cierto
conocimiento, es decir, aprender lo leído. Por último hacer hacer implica que una
modificación en la conducta del destinatario, en el caso de este PID, tiene dos
objetivos, concientizar al lector hacia un consumo más reflexivo y a su vez
motivar la práctica del reciclaje artístico.
4.6 La importancia del medio impreso
Quintana (2003) define a la comunicación como el proceso de transmitir ideas o
símbolos, denominados también mensajes, dentro de este proceso existen
diferentes actores: fuente, emisor, mensaje, código, canal, decodificación y
receptor. La fuente, es el origen primario de la información de la cual el emisor
selecciona para estructurar el mensaje a transmitir;; el emisor, es la persona que
tiene la información, necesidad o deseo, así como un propósito para
comunicárselo a otra persona o a varias;; el mensaje, es la información que el
emisor ha codificado o modificado para ser transmitida;; la decodificación hace
referencia al sistema utilizado por el emisor para construir el mensaje, el canal,
es el medio formal de comunicación entre el emisor y el receptor;; Decodificar
implica la interpretación del mensaje enviado por el emisor y finalmente receptor,
es aquella persona que recibe el mensaje del emisor, que puede o no devolver
62
otra información que lo convertiría en un nuevo emisor dando origen a otro
proceso denominado retroalimentación.
En este contexto, el arte reciclado es la fuente, el autor de este PID, es el
emisor, la difusión de la actividad es el mensaje, el canal es el diseño editorial, y
el receptor sería el lector que decodifica el mensaje con libre interpretación. De
la fuente, el emisor y el mensaje, se ha analizado en la capítulos anteriores, y del
receptor, aunque se prevé un grupo objetivo, no es posible su análisis sin
conocerlo. En cuanto al canal, se debe mencionar que de las varias posibilidades
que describe Quintana (2003) como el internet, la televisión, la radio, entre otros,
el libro es el canal que más se asemeja al catálogo como instrumento de análisis.
Frente a los demás medios de comunicación que han tomado ventaja frente al
libro, Ong (1994) argumenta que es difícil imaginar una sociedad sin libros, sin
escritos. En oposición a los otros medios, especialmente audiovisuales, plantea
que el sonido esta intrínsecamente relacionado al tiempo, en tanto que la palabra
existe sólo mientras es pronunciada. Santa (2011) argumenta que el no uso de la
escritura y los libros es la principal razón de haber perdido una gran cantidad de
mitos y leyendas de culturas indígenas, en donde se transmitía el conocimiento a
través solo de la palabra.
Frente a la desaparición del libro con el arribo de la televisión, el internet y los
avances tecnológicos en comunicación, autores como Ferrer (2001), argumenta
que los libros son históricamente los ladrillos con que se construye la civilización,
En la misma línea de pensamiento Zaid (1996) argumenta que el libro sigue
siendo más atractivo en muchos aspectos porque permite al lector una reflexión
intermedia, la distracción momentánea, la lectura en el lugar que se quiere y en
el tiempo disponible aunque no sea continuo. En los nuevos medios de
comunicación, el observador o espectador, está sometido a las capacidades de la
63
máquina, primero la energía, la velocidad de transmisión de datos y de
reproducción, en cambio un libro puede ser leído a la velocidad y lugar que
disponga el lector.
Al igual que Zaid y de manera más técnica, Vargas (2014) argumenta que
estudios científicos han comprobado que el cerebro procesa mejor los textos
impresos en papel y que soportes digitales como computadoras, tablets y
ereaders, dificultan la comprensión y producen un mayor cansancio mental.
Además Vargas (2014) menciona que los dispositivos digitales dificultan lograr
una buena navegación de los textos largos, lo que inhibe una buena comprensión
de lo leído. Comparado con el papel, los dispositivos consumen más recursos
mentales lo que influye a la hora de recordar lo leído.
Estos análisis han determinado que las personas se sientan menos dispuestas a
aprender y retener mentalmente información cuando están frente a una pantalla,
en adición Vargas menciona que “tocar un libro, un diario, la satinada sensación
o el olor a imprenta que transmite una página de revista, siguen siendo algo
único. Que hasta ahora no ha podido ser imitado. Y que el cerebro humano sigue
buscando y valorando” (Vargas, 2015, p. 16).
4.7 La publicación impresa frente a la publicación digital
Aunque las publicaciones digitales van tomando cada vez más fuerza en las
sociedades tecnológicas, en el año 2006, La universidad estadounidense Mcgill
realizo un estudio para examinar la actitud de los historiadores del arte en las
universidades hacia las publicaciones digitales. El resultado explica que si bien es un
campo que podría beneficiarse con este tipo de aplicaciones, los historiadores no
estaban particularmente interesados en utilizar este medio, y prefieren los libros
impresos, ya que consideran que este sigue el medio que presenta mayores
revisiones y certeza frente a las publicaciones digitales, que son consideradas como
64
una fuente insegura que no debe tomarse en serio (Whalen, 2009). Lo que permite
argumentar que académicamente el libro además de ser un contenedor de
información, goza de prestigio y reconocimiento entre académicos, quienes prefieren
ver sus publicaciones impresos en un libro de una reconocida editorial que en un
pantalla digital.
En el caso de los libros de arte, como es el caso de este PID, Whalen (2009)
argumenta que el museo estadounidense J. Paul Getty declaro en un entrevista que
los libros de historia permiten que sus lectores puedan apreciar a través de las
imágenes impresas una copia fiel a las obras de arte, con calidad y manejo del color
adecuado, característica que lamentablemente en los medios digitales aun no se ha
controlado y en algunos casos cambia de color, cambiando también la percepción de
la obra de arte.
Otros profesionales relacionados, como el escritor estadounidense Richard Russo,
ganador del premio Pullitzer en 2002 argumenta que se se rehúsa a que sus novelas
sean vendidas en formato electrónico. Su justificación no se basa en la calidad de
legibilidad o resolución, como el caso de los libros del arte, sino que menciona que
las publicaciones digitales amenazan la existencia de las librerías, y su objetivo es
fomentar a que el lector acuda a estas en lugar de hacer clic en su computadora. A
su vez argumenta que la verdadera experiencia del libro, esta en el objeto físico
físico y no en los soportes electrónicos (Russo, 2002).
4.8 Diseño gráfico para promover el Drap-Art
Con el argumento de los autores a lo largo del capítulo, se concluye que la propuesta
de un catálogo para difundir el arte reciclado es efectiva, en tanto que informa,
comunica y persuade, es decir, informa y permite conocer al artista de la obra
plasmada, en este caso Jorge Tovorovsky;; comunica el mensaje del Drap-Art como
una estilo de arte que utiliza como materia prima los materiales de desecho y que
65
además esta tomando protagonismo a nivel global;; y finalmente persuade al lector a
involucrarse en la practica de una actividad que tiene múltiples beneficios, que van
de lo particular a lo general, como el entretenimiento, la estimulación la creatividad,
la producción de objetos de arte que pueden ser funcionales o decorativos, el
reciclaje de elementos de difícil degradación, la preservación de medio ambiente,
entre otros.
Si bien la propuesta es un material físico impreso, en el proyecto también se propone
una versión digital consecuencia del proceso del diseño, es decir, el uso de
computadoras para diseñar y diagramar piezas editoriales permite obtener un archivo
final, el cual se dispone a una imprenta para la producción física de la publicación. El
mismo archivo también puede ser modificado para obtener un formato de publicación
digital como SWF, FLA, PDF e inclusive EPUB, que es uno de los formatos más
usados actualmente ya que su estructura es sencilla y se puede adaptar a todo tipo
de pantallas de distintos tamaños (Mediaactive, 2011).
66
Capítulo 5. Diseño del catálogo Arte a partir de fragmentos
El objetivo general de este capítulo es desarrollar el producto final, y como
objetivos específicos están, primero, realizar la conceptualización y planificación
de diseño mediante un brief, segundo, el proceso de diseño y tercero, la
impresión y terminados gráficos del catálogo.
Para desarrollar este capítulo se tomará como referencia en primer lugar el libro
Que es un brief, 199 preguntas sobre marketing de Bonta (2002), autor que
brinda una gran variedad de metodologías para realizar un brief, en la segunda
etapa está el libro de Ambrose y Harris (2004), Formato, seleccionado por su
amplio contenido técnico acerca del uso del color, tipografía, imágenes, entre
otros elementos al igual que el libro Diseño Editorial, de Manjarrez (2003),
catedrático de la asignatura del mismo nombre de su libro en la Universidad de
Londres en la Ciudad de México D.F.
En este capítulo el lector encontrará la descripción del proceso metodológico del
diseño y producción de una pieza editorial, es este caso un catálogo, empezando
por definir un brief, en donde se plantean los requerimientos o problemática,
definición de variables como el perfil demográfico, grupo objetivo, entre otras
variables que dan como resultado el concepto final de la pieza a diseñar, a partir
del brief se define el estilo o layout de la pieza editorial con la selección
adecuada de una grilla de diagramación, uso de paleta cromática, tipografía,
imágenes, y demás elementos de diseño. Completado el proceso de diseño, se
obtendrá una versión digital del catálogo, que será necesario llevar a un proceso
de impresión y terminados gráficos propios del diseño editorial para obtener el
resultado final del proyecto.
67
5.1 Brief de diseño
El diseño ha establecido que todo proceso creativo debe empezar con un brief, el
cual según Bonta (2002) es un resumen de los elementos más relevantes de una
marca para dar un punto inicial a un proceso de comunicación, por ejemplo el
desarrollo de un logotipo, de una identidad corporativa, una campaña de
comunicación o una campaña de publicidad, entre otros proyectos creativos.
Para el Clúster de la Industria Gráfica de la Comunidad Valenciana (CIGCM) el
brief es un documento escrito que entrega el cliente al diseñador en la etapa de
definiciones del proyecto y en él se definen objetivos, expectativas y alcance del
trabajo a realizarse (CIGCM, 2012). Las ventajas de realizar un brief según la
CIGCM (2012) son mantener involucradas a todas las partes que intervienen en
los procesos, además brinda orientación y sirve para poder establecer
parámetros contra los cuales luego comprobar conceptos y el desarrollo a
medida que se avanza el proceso. Los datos a incluir en un brief, dependen de
proceso en el que se esté trabajando, para el desarrollo de una pieza gráfica, se
utilizará en modelo de brief creativo desarrollado por el autor de este PID a lo
largo de su desarrollo como profesional.
5.1.1 Antecedentes
En este punto debe incluirse toda la información relevante del cliente o empresa,
como datos de identificación, actividad que realiza, antecedentes, filosofía y línea
de productos si existieran. Para este PID, el cliente es Jorge Tovorovsky, quien
fue entrevistado para este propósito. Además de su profesión como arquitecto es
un artista plástico hace más de 20 años. Tovorovsky crea obras a partir de
productos desechados como latas de gaseosa, vidrios, metal, entre otros
materiales que intenta reciclar. Él ha denominado su actividad artística
“Aplastalalata” y se encasilla dentro del reciclaje artístico o Drap-Art.
68
En cuanto a su filosofía, Tovorovsky establece que su misión es brindar una
nueva vida a elementos que estaban tirados, olvidados en la calle. Su visión es
dar a conocer su obra a la mayor cantidad de gente posible, no por una ambición
comercial, sino por la necesidad de promover conciencia hacia la producción
excesiva de basura. En cuanto a los valores que promueve su obra son
originalidad, pasión, diversión, compromiso y sobre todo la responsabilidad con
el medio ambiente.
Con respecto a la competencia que existe en campo comercial del arte, no se
puede hablar propiamente en el sentido literal, porque sus obras no persiguen un
fin de lucro, sino una manera de expresión y crítica hacia la sociedad, entonces
no se puede hablar de competencia y si de artistas que ejercen el mismo estilo
dentro de los cuales están Nicolás García, Rip Tamara, Alejandro Sarmiento,
Virginia Buitrón, y artesanos locales que se presentan en ferias de arte y diseño.
5.1.2 El producto o servicio
En este caso, se creará un producto, específicamente una pieza gráfica editorial
que permita observar el arte de Tovorovsky, las características extrínsecas que
se definen son el uso de papel, impresión a todo color y una composición que
priorice la imagen sobre el texto. En cuanto a las características intrínsecas se
definen palabras claves como: comunicativo, social, cultural, atractivo, novedoso,
amigable.
Las pruebas organolépticas del producto deben ser para el sentido de la vista, un
producto colorido, que presenta flexibilidad al sentido del tacto, para sentido del
olfato, oído y gusto, el producto no presenta ninguna referencia.
69
5.1.3 Grupo objetivo
Dentro de las variables geográficas, se define la Ciudad de Buenos Aires,
Argentina, específicamente los sectores asociados al comercio, turismo, el arte y
el diseño, como el barrio de Palermo, San Telmo, las áreas turísticas de la calle
peatonal Lavalle y Florida, entre otras.
A las variables demográficas se establecen personas de ambos sexos, de edad
mayor a los 18 años, de nivel socio-económico medio en adelante con un grado
de escolarización secundario en adelante e ingresos medios. Respecto a
variables pictográficas el producto se dirige a personas extrovertidas, de
mentalidad abierta, con vinculación a las artes que lleven un estilo de vida
moderno, con responsabilidad social y respeto hacia el medio ambiente.
El grupo objetivo relacionado con el producto vincula a personas que quieran
obtener un beneficio cuando realizan la actividad de reciclaje, en este caso el
producto sirve de ejemplo e inspiración para que el lector realice sus propias
obras, la tasa de uso que se espera del producto es media, se pretende que este
en un lugar en el cual el lector pueda volver cuantas veces desee para observar
una referencia y a su vez un lugar en el cual cada persona que desconozca del
arte reciclado se sienta atraída y pueda observarlo.
5.1.4 Competencia
Se considera competencia a cualquier otro tipo de catálogo o libro con la
temática del Drap-Art al final del año 2015 que busque difundir la obra particular
de algún artista. En este caso y para este PID, luego de una investigación dentro
de las principales editoriales como Taschen, Gustavo Gili, Norma, entre otras, no
se encuentra este tipo de ediciones o publicaciones, por lo cual se puede concluir
que su producción es muy poca o nula. En cambio, existen varias revistas de
70
temas varios, en los cuales se ha empezado a tomar en cuenta este tipo de
expresiones, por el mensaje social que poseen y al igual que la intención de este
PID, pretenden fomentar esta actividad en el lector.
5.1.5 Diagnóstico y objetivos comunicacionales
El diagnóstico del producto implica la existencia de un producto sobre el cual se
pretende tomar como base, en este caso no existe ningún producto, por lo tanto
el análisis de variables como posicionamiento, información, recordación y
persuasión no existen.
Con relación a los objetivos comunicacionales del producto, se pretende en
primer lugar posicionar al producto como un libro o catálogo de referencia para
personas vinculadas al arte y diseño;; en segundo lugar, en la variable de
información, se pretende que el producto lleve un mensaje a la sociedad de
actividades que se realizan como una opción de reciclaje;; tercero, en la variable
de recordación, el objetivo es apuntalar al producto como el primero en incentivar
el arte y el reciclaje, por último en la variable de persuasión, el objetivo es atraer
a nuevos lector que además de observar el producto, se sientan motivados a
practicar esta actividad en sus hogares.
5.1.6 Selección de beneficios
En esta etapa se definen los beneficios del producto, el proceso consiste en una
lluvia de ideas, de las cuales se han tomado palabras como atraer, comunicar,
promover, impactar, difundir, motivar, seducir, divertir, entretener, provocar,
pregnar, mostrar, exhibir, involucrar, vincular, entre otras. De una lista de al
menos veinte palabras se han seleccionado aquellas que van a ser parte del
concepto a definir: exhibir, por la actividad literal a realizar;; impactar, por la
calidad de gráfica a utilizar;; provocar, por la respuesta social que se pretende
71
obtener en el lector y por último difundir, por el objetivo general del PID, que es
dar a conocer al artista y el arte reciclado.
5.1.7 Definición de concepto y plan estratégico
El concepto o gran idea es: el contraste, es decir, realizar un producto que
contraste con las imágenes, que en este caso exhiben una gran cantidad de
información, por el hecho de ser collages a partir de varios productos, por lo cual
el soporte que las contiene no deberá agregar elementos, más que los básicos,
como numeración, títulos, notas al pie, etc. deberá ser limpio, pero no simple,
sutil, pero no sencillo.
5.2 Selección de formato
El formato es el primer elemento a considerar en el diseño editorial, hace
relación a la presencia física, tamaño y tipo de pieza editorial, casi siempre está
determinado por medidas estándar que las máquinas pueden trabajar, un cartel
debe ser grande para ser leído a cierta distancia, un libro debe tener una relación
entre el tamaño y el contenido, además debe ser ergonómico, un sello debe ser
pequeño pero legible para ocuparlo en sobres (Ambrose y Harris, 2004). La
selección del formato afecta directamente el modo en que el lector recibe la
información impresa.
Según Ambrose y Harris (2004) dentro de los formatos más usados y según el
tamaño están, primero, el folleto, de presentación pequeña y con la intención de
informar e intentar crear una respuesta positiva de su contenido;; segundo el
cartel, de forma y tamaño variado, generalmente grande, su intención es
generalmente publicitaria;; tercero la revista, de tamaño estándar y es el formato
que siempre está innovando en diseño y forma;; y por último el libro, este formato
cumple diversas funciones, desde la comodidad para agárralo hasta su
72
practicidad para ser guardado, otra de las características de los libros es su vida
de útil, para esto se consideran opciones de tapa dura o bien tapas blandas para
libros de bolsillo.
Otros formatos para Diseño Editorial son los objetos como paquetes,
invitaciones, entradas, cartas de restaurante, e innumerables materiales en los
cuales se pueda imprimir, y que su tamaño puede variar según la creatividad del
autor. En la actualidad otro formato a considerar es el diseño para computadora o
para la pantalla, como libros digitales, animaciones, posteos para redes sociales,
en los cuales el tamaño no se limita a la pantalla y se pueden utilizar diferentes
medidas para aprovechar el espacio.
Debido a la cantidad de información recopilada acerca de Tovorovsky, es
necesario analizar el formato a utilizar, siendo la opción recomendada según la
lista anterior, el libro.
5.2.1 El libro
El libro según Ambrose y Harris (2004) es un formato que permite agrupar gran
cantidad de información, ya sea de un solo tema como una novela o bien de
distintos temas como un libro escolar. Además, permite la organización de
información de manera secuencial o cualquier modo de combinación aleatoria.
Dentro de las factores para la decisión de este formato va a ser la cantidad y tipo
de información, el tiempo de vida que se espera tenga la publicación, el público
al que va dirigido y el costo (Bhaskaran, 2006). Ambrose y Harris (2004) por otra
parte agregan que existen otros factores como la elección del soporte, como
aquellos relacionados al tipo de papel, tamaño y acabados de impresión, si es
para ilustraciones el papel será de mayor calidad que para un texto, si se
requiere que perdure en el tiempo seguramente llevará tapas duras y de acuerdo
73
al público la diagramación tendrá ciertas consideraciones de diseño como una
tipografía grande, gráficos a color, entre otros detalles particulares que pueden
encarecer al producto, o bien letra pequeña con la intención que entre mayor
texto por hoja, o bien gráficos en blanco y negro, que abarata el costo para su
producción.
Con respecto a este PID, la elección de libro se justifica en el contenido por la
cantidad de información de un solo tema, que necesita ser exhibida en un orden
cronológico y en el soporte por la cantidad de hojas, la protección frente al uso
habitual del lector y que se espera que sea un producto con una larga vida útil.
5.2.2 El catálogo
Manjarrez (2003) define al catálogo como una publicación que ofrece
información, promociona o publicita a los productos o servicios de una empresa,
es el soporte ideal para la presentación de productos por la facilidad para hacer
uso de varias calidades del papel, utilizar gran cantidad de imágenes y la
posibilidad de extenderse en los textos puede permitir crear un producto
atractivo, un vitrina sobre el papel que despierte el interés y la atención del
público objetivo.
Según Manjarrez (2003) cuando el catálogo es un producto de diseño, artístico,
de calidad o que representa un cierto prestigio, se debe cuidar que el soporte en
ningún caso esté por debajo del nivel que se pretende dar a los contenidos, es
decir, se debe cuidar la calidad del soporte como la selección de las imágenes y
la retícula o grilla a establecer.
En el catálogo se pueden diferenciar dos partes, las tapas que incluyen portada y
contraportada, y el contenido o páginas internas, ambas partes deben ser
atractivas, sobretodo la portada que tendrá el objetivo de llamar la atención e
74
invitar al lector a observar el resto del catálogo (Manjarrez, 2003). Las
dimensiones en cuanto al formato, número de páginas y calidad de papel,
dependerán especialmente del presupuesto asignado.
Con respecto al diseño, Manjarrez (2003) sugiere brindar importancia a los
espacios blancos en relación con el resto de contenidos, ya que estos espacios
conseguirán hacer resaltar más las imágenes de los productos y la información
relativa a estas, a su vez, el volumen de información y la adecuación del espacio
debe conseguir un recorrido visual agradable y atractivo. En cuanto a las
imágenes, los catálogos son un elemento de comunicación basado más en las
imágenes que en el texto, por lo tanto deben están bien resueltas, atraer y
representar de la forma más real posible al producto;; en cuanto al texto, debe ser
claro y legible, no sólo por la estética, sino por su practicidad, es decir,
comunicar una información determinada de la forma más eficaz, que los textos
inviten a ser leídos y a conocer más sobre el producto que se exhibe.
En este punto, está claro que el producto final de este PID, será un catálogo de
arte, que exhibirá las obras del Arquitecto Jorge Tovorovsky, que por su volumen
y objetivo más social que comercial, también podría considerarse un libro de arte,
caracterizado por brindar gran importancia a las imágenes, espacios blancos en
los cuales resalte la imagen, que justamente es el concepto que se definió en el
punto anterior.
5.3 Selección de estilo
Al igual que un logotipo tiene un manual de identidad con normas y reglas que
debe respetar, Manjarrez (2003) afirma que en el diseño editorial existe el
manual de estilo, que contendrá todo lo referido a las características de las
gráficas, textos, ilustraciones y demás elementos que utilice una publicación, así
como la información acerca de la composición y el tipo de soporte, es decir el
75
papel a utilizar en caso que se necesite volver a producir o realizar otro libro de
la misma colección.
Con respecto al texto, se debe establecer un juego de fuentes para utilizar en los
títulos y para utilizar en los párrafos con su respectiva información como el
grosor, cuerpo, interlínea, justificación, sangrado del párrafo y el espaciado
Manjarrez (2003). También se debe incluir cualquier tipo de modificación
realizada, utilización de color, elementos que entren a formar parte de elementos
tipográficos como líneas, ornamentos, entre otros. Además de reglas tipográficas,
se debe tener en cuenta normas de redacción o estructura, como signos de
puntuación especiales, llamadas, colocación de citas.
En cuanto a las imágenes o ilustraciones, se deberá especificar los tamaños
mínimos y máximos permitidos, la situación y ubicaciones, la existencia o no de
pie de fotos, el modo de color, resolución, tipo de archivo para proceso digital. Lo
mismo se deberá hacer con cualquier elemento gráfico u ornamento que sea
parte de la composición, la relación con otros elementos de la misma línea.
Con respecto al color, Manjarrez (2003) recomienda establecer una paleta de
colores adecuada, el uso inadecuado del color puede crear un efecto negativo,
además este es uno de los atributos que genera mayor identificación, por lo cual
hay que seleccionarlos de manera coherente y elegir un o diversas gamas con
las cuales trabajar.
Para concluir con un correcto manual de estilo, es necesario especificar las
recomendaciones o pautas para pre impresión e impresión, esto está relacionado
con el tipo de papel, la resolución, los ángulos de la trama, sustitución de colores
y grises por negros en caso de sobreimpresión.
76
5.3.1 La retícula o grilla
La grilla o retícula, Manjarrez (2003) la define como el espacio que utiliza para
organizar todos los elementos, tipografías, imágenes, recursos gráficos, entre
otros que integran la página. Está compuesta por elementos invisibles como
módulos cuadrados, columnas de texto, márgenes, líneas de contorno y
medianiles, que es el espacio que separa las columnas de texto.
Primero se trabaja con los elementos más pequeños a los más grandes,
dependerá de la información que se ha de transmitir y las propiedades físicas de
cada elemento. El elemento más pequeño es el espacio tipográfico, una letra sola
es un núcleo, parte de una palabra. Las palabras juntas crean una línea, y una
tras otra, se convierte en un párrafo y, a medida que crece se convierte en una
columna. De esta forma cada elemento va tomando una relevancia en la
composición que deberá ser clara, legible, coherente (Manjarrez, 2003).
En el caso de este PID, en primer lugar se definen las márgenes es decir, los
espacios vacíos entre el borde del formato y el contenido, con valores de 15 mm.
para las márgenes superior, exterior e inferior y un valor de 20 mm. para la
margen interior, la función que ejercen las márgenes según Manjarrez (2003) es
establecer la tensión general dentro de la composición, además dirigir la atención
y servir como espacio de descanso para el ojo (Ver cuerpo C, figura 4).
En segundo lugar está la definición de las columnas, alineaciones verticales de
tipografía, que crean divisiones horizontales de información, todas pueden tener
la misma anchura o pueden variar de acuerdo al criterio del diseñador, en este
caso se utiliza una grilla de 6 columnas de 24,129 mm. de ancho con un medianil
de 0,423 mm. que permite llevar una línea de flujo amplia, con libertad para
acomodar los elementos en sus submúltiplos (Ver cuerpo C, figura 6).
77
5.3.2 El color
El ser humano reconoce y reacciona a cada color de determinada manera, como
resultado de ello, los colores pueden tener diferentes significados y vincularse a
diferentes emociones (Manjarrez, 2003). Estos significados no son universales, y
difieren de una cultura a otra, por ejemplo el color rojo puede asociarse a la
violencia, poder, romance, mientras que el color blanco se asocia a la pureza,
inocencia, claridad, limpieza.
El sistema de color utilizado en impresión es el CMYK, por sus siglas en inglés
en relación a los colores cian, magenta, amarillo y negro (Manjarrez, 2003). Se
debe tener en cuenta a la hora de preparar un archivo para impresión que cada
elemento esté dispuesto en este sistema para que el color se reproduzca con
exactitud al que observa en pantalla.
Con respecto al color en este PID, se definen dos clases, la primera relacionada
a las imágenes, que se ampliará más adelante y el color para el resto de los
elementos, los cuales según el concepto de contraste se basarán en una paleta
monocromática que no resalte más que las imágenes.
5.3.3 La tipografía
La tipografía según Manjarrez (2003) es la manera en la que las ideas reciben
una forma visual, y tienen relación directa con el diseño. Cada fuente tiene su
propia personalidad y comunica distintas emociones como alegría, dinamismo,
formalidad, elegancia, entre otras. En diseño editorial se acostumbra a utilizar
más de una fuente en una publicación, y mediante el uso de diferentes grosores,
tamaños o colores, crea una jerarquía que sirve para diferenciar entre titulares y
cuerpos de texto.
78
Para este PID, se utilizará dos familias de fuentes, Helvetica LT Std Ultra
Compressed para títulos, que se relaciona con el concepto aplastar, de
comprimir, de juntar, y la fuente Lato para párrafos, las dos del tipo sin serifa o
palo seco, con formas claras y distinguibles que ayudara a la legibilidad de
textos cortos y mediana. La selección de la tipografía se justifica por la
connotación de modernidad, claridad, sobriedad y seguridad que se enmarcan al
contexto a utilizar (Ver cuerpo C, figura 7 y 8).
5.3.4 La Imagen
Al grupo de imágenes pertenecen las ilustraciones y fotografías, Según
Manjarrez (2003) estas cumplen un papel integral en la identidad visual de
cualquier composición. La forma de usarlas dependerá de varias factores, como
el público objetivo al que se pretende llegar o la función que tendrán las
imágenes, deben ser elegidas adecuadamente para que transmitan el mensaje
correcto y tienen que estar con equilibrio con el texto para dar ritmo a la
diagramación, en cuanto a lo técnico las imágenes utilizadas deben tener una
resolución adecuada para asegurar una calidad óptima de impresión. El estándar
es de 300 puntos por pulgada, cuando es menor a este valor puede producir el
pixelado de la imagen y arruinar el diseño.
El tipo de imagen a utilizar en este PID es la fotografía, por dos motivos, el
primero, la representación exacta del objeto fotografiado y segundo por la
velocidad en la que puede producirse, editarse y publicarse. Las fotografías a
utilizar fueron capturadas mediante una cámara réflex y editadas para mejorar su
encuadre, contraste y color (Ver cuerpo C, figura 9).
79
5.3.5 La impresión
Las técnicas de impresión, pertenece a la etapa final del proceso de diseño y
está relacionado a la forma como se fija la tinta en la superficie del papel, existen
procesos que dan un acabado diferente y llamativo al producto final, algunos de
ellos, menciona Manjarrez (2003) son mediante litografía, flexografía, impresión
offset e impresión digital. Aunque la mejor opción cuando se trata de imprimir
sobre el papel es el offset, en este caso se selecciona la impresión digital,
porque la cantidad a producir es muy poca y el offset requiere grandes
cantidades para aminorar el costo.
5.3.6 La encuadernación
La encuadernación, explica Bhaskaran (2006) es la forma como se sujetan las
hojas de papel sueltas al lomo. De acuerdo al tipo que se elija, va a tener
diferente aspecto, puede ser, a la americana, a caballete, anillada, francesa,
canadiense, japonesa y tapa dura;; siendo la última la más utilizada en libros,
consiste en coser los hojas, junto con el lomo, colocar las guardas, que son las
hojas que pegan a las tapas y una tira de tela en el lomo, luego se colocan las
tapas duras que son láminas forradas con la portada y contraportada.
Si bien la tapa dura es la opción más utilizada, la encuadernación a la americana
y a caballete son la manera más simple;; en la primera las hojas se sujetan
mediante un adhesivo flexible o pegante, que también sujeta la tapa al lomo, las
páginas están al ras de las tapas y sus ventajas son la versatilidad y el atractivo
general de la publicación. En el segundo caso, la encuadernación a caballete, se
emplea para publicaciones con pocas páginas como folletos, boletines,
catálogos, y se realiza colocando una grapa metálica en el lomo, que sujeta a las
páginas en la mitad del pliego.
80
En el caso de este PID y según la cantidad de hojas finales, se seleccionan estas
tres alternativas, siendo la encuadernación americana la más recomendable por
la cantidad de hojas interiores y duración que le otorga al producto.
5.3.7 Terminaciones gráficas
Los terminados o acabados gráficos consisten según Bhaskaran (2006), en
ciertos procesos que se añaden a la publicación una vez impresa, en algunos
casos antes de encuadernar y otros después, para estilizar su apariencia y en
algunos casos brindan con alguna función extra, como es el caso del empaque o
estuche, que comúnmente consiste en una caja de soporte duro o un empaque
resistente, que sirve para guardar y proteger un libro o puede agrupar varios
volúmenes, el estuche también aporta la presentación del libro, la mayor parte de
las veces está abierto por un extremo, de modo que se vea el lomo del o de los
libros.
Otras terminaciones gráficas según Bhaskaran (2006) son el troquelado,
barnizado, laminado, plastificado, perforación, grabado, estampado al calor y el
termo grabado. Es necesario aclarar que todas estas se contemplan en la etapa
inicial de diseño y no como un adorno al final de proceso, ya que algunas de
ellas como el troquelado que consiste en cortar una sección de la página,
interferirá con la diagramación propuesta. En el caso de este PID, el terminado
gráfico a utilizar es el laminado, que igual que el barnizado y plastificado,
consiste en una lámina que se adhiere al papel mediante calor, adhesivo y
presión. La función de este terminado además de proteger, es brindar mayor
rigidez al impreso. En el caso de las tapas además del adhesivo se utiliza cartón
multilaminado con el fin de lograr una superficie más resistente.
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5.4 Producto Final
El producto final es un catálogo de formato cuadrado de 20 cm. de largo por 20
cm. de alto, de 74 paginas incluyendo portada y contraportada, impreso a cuatro
colores en maquina digital sobre cartulina de tipo ilustración de 150 gr. para
hojas interiores y 300 gr. para las tapas.
En el contenido del catálogo se incluye la información recopilada en el capítulo
tres, a manera de resumen, una breve introducción acerca del PID, información
explicativa del Drap-Art, Información biográfica acerca de Jorge Tovorovsky
además del concepto y materiales que utiliza para crear Aplastalalata. En cuanto
a as obras se clasificaron en dos partes, planas y volumétricas, para la primera
parte se seleccionaron 32 colecciones que comprenden 78 obras y para la
segunda parte, 6 colecciones que son las más recientes, que contienen 9 obras
(Ver cuerpo C).
Como parte de los terminados gráficos se agrega una capa de adhesivo mate o
laminado para la protección de portada y contraportada contra posibles manchas
de color o de agua, además se diseño un contenedor que permite transportar y
guardar el catálogo con facilidad.
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Conclusiones
Al termino del PID y solventando la pregunta problema, el aporte que hace el
diseño gráfico para promover un mensaje social como el reciclaje, es muy
importante, puesto que el libro es y será una herramienta que permita informar,
persuadir, educar y administrar un mensaje, sin necesitar de otros elementos que
interrumpan estos procesos, como la energía, la ubicación, el soporte e inclusive
seguridad frente a la delincuencia. Además, el libro permite una calidad de
aprendizaje superior a la que implican los nuevos medios de comunicación, sin
embargo, se pudo observar que para el diseñador gráfico estos avances
tecnológicos implican una nueva alternativa que permite investigación y
desarrollo en el campo profesional.
El PID termina con el desarrollo de un catálogo de arte que recopila información
acerca de Jorge Tovorovsky, un artista bonaerense que practica el Drap-Art
desde hace 20 años como una actividad de entretenimiento y como alternativa al
exceso de basura. Durante el desarrollo del escrito, se pudo observar la
evolución de este estilo a nivel global y establecer que cada día son más los
artistas que se ven influenciados por esta práctica, por lo que se recomienda a
otros diseñadores gráficos profundizar en el tema, encontrando que esta área
podría ofrecer una oportunidad de negocio al realizar recopilaciones de varios
artistas o bien artistas internacionales. Por otra parte es interesante destacar que
la actividad y temática del Drap-Art, resulta interesante en sí misma como una
estrategia de recolección de basura, de entretenimiento, de desarrollo social o
creatividad que podría aplicarse conceptualmente a diseños gráfico y/o
editoriales.
En relación a lo propuesto al comienzo de este escrito, el capítulo primero
presentó la definición de los campos disciplinares tratados, que son el arte y el
83
diseño, la similitud que presentan, en tanto que los dos son actividades creativas,
el debate que ha existido a lo largo del tiempo para alejarse una de otra, y que
en la actualidad se comprueba que existe una relación muy fuerte frente a un
mundo que se ha estetizado gracias a factores como la globalización y la
tecnología.
En el capítulo dos se definió y analizó la modernidad como un proyecto de
emancipación de la humanidad junto a la posmodernidad que comprueba que la
modernidad es un proyecto inconcluso e inclusive imposible, por que en las
sociedades actuales es imposible hablar de igualdad de derechos, beneficios y
sobretodo libertad. Además se pudo comprobar cómo los modelos sociales
determinan el comportamiento de las sociedades y sin darse cuenta, estas
adquieren hábitos que satisfacen deseos a corto plazo y perjudica a largo plazo.
El capitulo tres permitió comprobar la importancia que esta tomando el arte y el
diseño a nivel mundial frente a problemáticas sociales, además esto a permitió
encontrar nuevos soportes de expresión que se contraponen a los tradicionales
como la pintura y escultura, que han perdido valor con el uso de impresoras
planas y volumétricas como el caso de las impresoras 3D.
El capitulo cuatro, presentó la justificación para hace uso del diseño editorial y el
material impreso para la creación de un catálogo y el por que resulta mejor que
un contenido digital, sin embargo este PID, presenta dos versiones del producto
final, una física de mayor valor profesional, y una digital que puede ser difundida
por medios electrónicos, y que contribuye también al objetivo final de dar a
conocer al artista y la practica del Drap-Art.
Por último, el capítulo cinco explicó en detalle la información técnica que se
necesitó para el desarrollo del producto final, la búsqueda del concepto, el uso
de herramientas y principio de diseño, explicación paso a paso, este capitulo
84
permite a otras personas conocer como es proceso de realización del catálogo,
ayuda a estudiantes que desarrollen un proyecto igual o bien quieran continuar
con otra publicación del mismo tema.
Terminado el PID se puede apreciar que el campo del arte se está renovando y
está buscando alternativas en un mundo globalizado en el que esta práctica
tendía a desaparecer. En cuanto al campo del diseño gráfico, es importante que
los nuevos profesionales tomen conciencia acerca de la producción injustificada
de piezas editoriales injustificada, ya que todos los días se imprime una cantidad
innumerable de libros, revistas, volantes, papeles, muchos de ellos útiles y otros
que solo promueven un objetivo comercial, que en algunos casos está mal
planificado y termina en la producción de basura, perjudicando al medio ambiente
y por consiguiente a la humanidad, tal como se ha argumentado en este PID.
Dentro de los hallazgos en el diseño, se encontró que es interesante pensar
además de la función principal de un producto, en una posible función secundaria
en los objetos después de su uso. Actualmente existen prácticas caseras, que
cada día se promueven por redes sociales, como es el caso de los contenedores
de café o mermeladas que después de su uso, se convierten en contenedores de
otros productos. Otro caso es el uso de latas de gaseosa como floreros, pallets
de madera como mesas de centro o contenedor de libros, entre otros usos. Si
bien estas prácticas son domésticas y no profesionales, pudiera existir en cada
empresa un área que se dedique a diseñar segundos usos a los objetos que
producen.
Para finalizar se pudo demostrar que el diseño grafico es un profesión de vital
importancia es una sociedad donde la imagen toma cada vez más fuerza, si bien
el diseñador es un actor casi invisible, la recompensa está en aportar a ser un
85
mundo mejor informado y comunicado, apoyado en el arte como fundamento
estético que enriquece al diseño.
La selección del tema se encuentra justificada por pertenecer a la problemática
analizada, y querer aportar una posible solución desde la profesión que se eligió
años atrás, cuando la problemática era menor. De igual manera la selección de
este tema enriqueció en el plano personal y profesional al autor de este PID, lo
cual permite una valoración personal satisfactoria que conduce a las siguientes
conclusiones, en primer lugar, conocer y difundir la posición que enfrenta el
diseñador en relación a su campo disciplinar;; los nuevos problemas
interdisciplinares del cual hace parte como un diseñador de soluciones a
problemáticas contemporáneas. En segundo lugar, en un plano social, este PID
permitió analizar las características del modelo social actual, y analizar las
consecuencias negativas que ha provocado, lo cual fue el motivo de elección del
tema, intentando plantear una solución desde el campo disciplinar del diseño;; en
tercer lugar, este PID permitió adentrarse en estilos artísticos contemporáneos,
que surgen buscando una mejor relación con el medio ambiente y que cada vez
van tomando más fuerza, lo que justifica el tema propuesto;; en cuarto lugar se
comprueba el aporte que el diseño gráfico hace a la sociedad como una
herramienta de comunicación que todavía esta vigente frente a otros medios,
especialmente tecnológicos. Por ultimo el diseño y producción del producto final
permitió expresar la creatividad y esfuerzo del autor de este PID, lo cual aporta
con una experiencia enriquecedora al porfolio profesional.
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