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Programa Diploma del Bachillerato Internacional
Monografía de Artes Visuales
Nivel Medio
“¿Cómo hace Annie Leibovitz
del retrato fotográfico una obra de arte?”
Número de palabras: 3.884.-
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¿Cómo hace Annie Leibovitz del retrato fotográfico una obra de arte?
Resumen
Desde el siglo XIX el retrato fotográfico se ha desarrollado hasta la actualidad
como forma de arte; sin embargo, profesionales del campo afirman que en la era de la
imagen digital, la fotografía está atravesando una crisis de despersonalización como
consecuencia de la estandarización tecnológica y de la falta de creatividad. La fotografía
se ha transformado en un rito social, y entre las masas, ha debilitado su prestigio
artístico.
Annie Leibovitz es una “leyenda viviente del mundo de la fotografía” y una de
las retratistas mejores pagadas del mundo, destacada por fotografiar celebridades de una
forma íntima, personal y también provocativa. Mayormente a partir de relatos
anecdóticos y técnicos de la misma fotógrafa en su libro “Annie Leibovitz at Work” y en
el documental “Life through a Lens”, en la siguiente investigación se ha comprobado
que la producción de esta fotógrafa tiene un valor artístico distintivo debido a que su
obra condensa un extenso trabajo de sensibilización y observación. Sus retratos
transmiten la identidad del modelo y, al mismo tiempo, la interpretación subjetiva de la
fotógrafa sobre este, y cuentan además con un valor estético que da lugar a diversas
lecturas de la imagen, lo cual enriquece su narrativa, y que atrae la atención del
espectador sobre el sujeto retratado por su estructuración autorreflexiva.
Con su ejemplo, Annie Leibovitz es un recordatorio de que por sobre la técnica, la
fotogenia o la influencia de modas, quien aspire a producir obras fotográficas de valor
artístico, debe priorizar la expresión auténtica y profunda además de la estética, y este es
el valor que la fotografía debe recuperar para posicionarse como arte en el Retrato y en
todos los posibles ámbitos.
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¿Cómo hace Annie Leibovitz del retrato fotográfico una obra de arte?
Índice
Introducción 4
Expresión del artista 6
Una visión personal 6
Su percepción del sujeto 7
Figura 1 9
La expresión del sujeto 10
El retrato de artistas 10
Figura 2 / Figura 3 11
Retratos conceptuales 12
Figura 4 13
Figura 5 / Figura 6 15
El momento decisivo 16
Figura 7 17
Figura 8 19
Estilo y Estética 20
Color y Luz 20
Encuadre 21
Figura 9 / Figura 10 / Figura 11 22
Figura 12 / Figura 13 / Figura 14 23
La gestualidad 24
Conclusión 25
Bibliografía 26
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Introducción
Todos los artistas universalmente incuestionables han pintado retratos y han
representado hombres por su inmanencia misma para la elevación y autoconocimiento
del ser humano. El Dr. en Bellas Artes Juan Amo Vazquez explica que se considera al
retrato una obra plástica en primer lugar porque exhibe el parecido del retratado, su
carácter, personalidad y hasta estado de ánimo. En segundo lugar porque la
representación de una persona es en sí un recorte selectivo de la misma y por lo tanto, el
retrato expresa la sensibilidad del artista y su interpretación personal sobre el sujeto. Y
en tercer lugar, explica que un retrato se vale como obra cuando contiene un valor
estético que lo dista de una simple fisonomía.1 Por valor estético nos referiremos a que
el mensaje de la imagen se estructura de manera ambigua y presenta como
autorreflexivo, es decir que pretende atraer la atención del destinatario sobre la propia
forma, en primer lugar.2
Desde el siglo XIX con la invención del daguerrotipo surge el retrato fotográfico
y se desarrolla hasta la actualidad como forma artística. Sin embargo, desde mi lugar
como fotógrafa amateur y como testigo del presente, reconozco que en la era de la
imagen digital, de los teléfonos con cámara y del fácil acceso a la imagen, el retrato
fotográfico ha perdido su valor como obra de arte. La reflexión académica en Diseño y
Comunicación del profesor Diego Hernández Flores titulada “Los efectos de la
globalización en la imagen dinámica.”3 (Apéndice 1) afirma que en la postmodernidad
“nos conducimos a un estrato más de la despersonalización de la imagen” como
consecuencia de la estandarización tecnológica y de la falta de creatividad. La fotografía
se ha transformado en un rito social y por lo tanto la fotografía, como toda forma
artística de masas, no está siendo cultivada como tal por la mayoría4. Su desprestigio
además está ligado a que las fotografías causan impacto en cuanto muestran algo
novedoso, y por lo tanto en la masividad, el fotógrafo ha disminuido su compromiso
creativo y el espectador ha perdido su sensibilidad frente a la imagen.
1 Amo Vázquez, Juan. “Una teoría sobre el retrato”. Revista de la Facultad de Educación de Albacete, 1989.
Páginas 172, 173. 2 Eco, Umberto. “La estructura austente: Introducción a la semiótica”. Barcelona: Editorial Lumen, 1986. Página
123. 3 Hernández Flores, Diego. “Los efectos de la globalización en la imagen dinámica. Problemas de la
estandarización en la formación académica y en el uso de nuevas tecnologías.” Buenos Aires: Reflexión Académica
en Diseño y Com unicación Nº XI, 2009. 4 Sontag, Susan. “Sobre la fotografía”. Mexico: Alfaguara, 2006. Página 37.
5
Annie Leibovitz (2 de Octubre, 1949, Waterbury, Connecticut) es una “leyenda
viviente del mundo de la fotografía” y una de las retratistas mejores pagadas del
mundo5, destacada por fotografiar celebridades de una forma íntima, personal y también
provocativa6. La siguiente investigación propone analizar su obra y metodología de
trabajo en función de los tres imperativos del Retrato enunciados por el Dr. Juan Amo
Vazquez (expresión del artista, expresión del sujeto y estética) para comprender cómo
Annie Leibovitz supera la despersonalización y hace del retrato fotográfico una obra de
arte.
5 Annie Leibovitz a lo largo de su carrera a ha recibido numerosos premios y valoraciones que la posicionan como
una de las más reconocidas y mejores fotógrafas de Estados Unidos. Fue la Primera mujer en exponer su obra en la
Galería Nacional de Reatratos de Washington D.C. En 1984 fue nombrada “Fotografa del Año” por la Asociación
de Editores de Revista. En 1988 recibió el Premio “Clio” por la campaña publicitaria de American Express. En el año
2000 fue nombrada “Leyenda Viviente” por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, y en 2005 recibió el título
de “La fotógrafa más influyente de nuestro tiempo” por la revista American Photo.
CNN México. Annie Leibovitz, la leyenda viviente del mundo de la fotografía, 2013. 6 The Public Broadcast. “The Art of Photography: Episode 67: Annie Leibovitz”. 2013. min 8 24.
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Expresión del artista
Una visión personal
Para ser legítima como arte, la fotografía debe manifestar la sensibilidad de su
autor y cultivar su sello distintivo7. Hoy generalmente este potencial se ve limitado
porque la formación del fotógrafo aspira a la imitación de grandes íconos lo cual limita
el desarrollo de una visión fotográfica propia y original8. Sin embargo, la editora en jefe
de Vogue, Anna Wintour, afirma que “Leibovitz pone una estampa tal en sus imágenes
que al mirar su trabajo no creés que nadie más pueda haber sacado esa fotografía.”9
Según cuenta la fotógrafa en su libro autobiográfico “Annie Leibovitz At
Work”10, el estilo personal de sus fotografías fue principalmente determinado por su
formación en el Instituto de Arte de San Francisco desde el año 1965. Para entonces a
los estudiantes se les enseñaba a admirar la obra de fotógrafos como Robert Frank11 y
Henri Cartier-Bresson12, pioneros en fotografiar con un estilo fluido y relajado, gracias a
la portabilidad de sus cámaras. El libro “The Americans”13 de Robert Frank exponía
imágenes casuales de ciudadanos estadounidenses que desafiaban la composición de la
estética dominante. Su trabajo replanteó la relación entre la composición y el contenido
de una fotografía e instauró un nuevo estilo de fotografía documental conocido como la
“fotografía documental subjetiva”, que era en sí una nueva forma de expresión14. Con
referentes como tal, la formación que Annie Leibovitz recibió priorizaba la ruptura y la
búsqueda personal. Ella afirma: “Fuimos enseñados que lo más importante que podía
7 Sontag, Susan. “Sobre la fotografía”. Mexico: Alfaguara, 2006. Página 132 8 Hernández Flores, Diego. “Los efectos de la globalización en la imagen dinámica. Problemas de la
estandarización en la formación académica y en el uso de nuevas tecnologías.” Buenos Aires: Reflexión Académica
en Diseño y Comunicación Nº XI, 2009. 9 Leibovitz, Barbara. “Annie Leibovitz: Life Through a Lens”. Warner Home Video, 2008. 10 Leibovitz, Annie. “Annie Leibovitz at Work” Londres: The Random House, 2008. 11 Robert Frank: (1924 ) es una importante figura estadounidense dentro del ámbito de la fotografía y el cine. Su
trabajo más destacado es el libro de fotografía The Americans, publicado en 1958, el cual está fuertemente influido
por el periodo de la post-guerra. Tiene una visión escéptica y fresca de la sociedad estadounidense vista desde una
perspectiva de extranjero. En el año 1996 recibió el Premio internacional de la fundación
Hasselblad Premio PHotoEspañaBaume et Mercier 2009.
En: Atget Photography.com, Robert Frank. Disponible en: http://www.atgetphotography.com/The-
Photographers/Robert-Frank.html (Fecha de Consulta: 23/07/2014) 12 Henri Cartier Bresson: (1908 – 2004) fue un célebre fotógrafo francés considerado por muchos el padre
del fotorreportaje. Predicó siempre con la idea de atrapar el instante decisivo, versión traducida de sus "imágenes a
hurtadillas". Se trataba, de poner la cabeza, el ojo y el corazón en el mismo momento en el que se desarrolla el
clímax de una acción.
En: Fotonostra, Henri Cartier – Bresson y el momento decisivo. Disponible en: http://www.fotonostra.com/biog
rafias/brensson.htm (Fecha de consulta: 33/08/2014) 13 Frank, Robert. “The Americans”. Francia: Robert Delpire, Grove Press,Steidl, 1958. 14 Becker, Howard S. "Fotografía y Sociología". American Ethnography Quasimonthly, 2009.
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hacer un fotógrafo era aprender a ver. (…) Fue este estilo de reportaje personal
fotografiado en blanco y negro con una cámara de 35 mm que adoptamos.”15
A la edad de 22 años Leibovitz inició su carrera como fotoperiodista en la
revista Rolling Stone16 donde su labor era obtener fotografías que acompañarían los
reportajes de la revista. La artista cuenta que allí diferentes experiencias la forzaron a
independizarse de “la historia del reportero” y en consecuencia, a desarrollar una
versión propia y original de los hechos. Recuerda sobre un periodista compañero:
“Hunter17 me alejó, y alejándome, me forzó a ver las cosas por mí misma. Hunter me
enseñó cómo ver.”18
Efectivamente estas experiencias sentaron para Annie Leibovitz la visión
personal como un objetivo prioritario en su fotografía. Un objetivo que logró
desarrollarse en las libertades impuestas por la revista, y que finalmente sentó su estilo
de “fotorreportaje personalizado”19 hasta hallarse como retratista. La formación de
Annie Leibovitz se centró en la sensibilización y la expresión personal, y desde
entonces su objetivo como fotógrafa y como retratista fue ver y capturar esa mirada en
sus retratos.
Su percepción del sujeto
Observar al sujeto es fundamental cuando se retrata, pero que el artista perciba
más allá de lo que sus ojos ven, hace la diferencia. Annie Leibovitz afirma que para
retratar “La situación ideal es estar con alguien tan relajado, que pueda ser él
mismo”20, demostrando así que una de sus prioridades es encontrar al sujeto cómodo
15 Leibovitz, Annie. “Annie Leibovitz at Work” Londres: The Random House, 2008. Página 13. 16 Rolling Stone es una revista estadounidense dedicada a la música y la cultura popular. Se edita desde 1967 y
además de tener su edición estadounidense quincenal, posee varias ediciones extranjeras mensuales, repartidas en
distintos países del mundo, con las cuales la revista permite dar una mirada más local a la música. En 1971 Leibovitz
se postuló para trabajar como fotógrafa autónoma en la revista y dos años más tarde, fue ascendida a fotógrafa jefe,
cargo que mantuvo diez años y en el que realizó ciento cuarenta y dos cubiertas.
En: Wikipedia, Rolling Stone. Disponible en: http://es.wikipedia.org/wiki/Rolling_Stone (Fecha de consulta:
33/08/2014) 17 Hunter Stockton Thompson (1937 - 2005) fue un periodista y escritor estadounidense, creador e icono
del periodismo gonzo, un modelo de periodismo que plantea eliminar la división entre sujeto y objeto, ficción y no-
ficción, y objetividad y subjetividad. La mayor parte del mejor trabajo de Thompson fue publicada en
la revista Rolling Stone.
En: Lecturalia, Hunter S. Thompson. Disponible en: http://www.lecturalia.com/autor/5390/hunter-s-thompson (Fecha
de consulta: 33/08/2014) 18 Leibovitz, Annie. “Annie Leibovitz at Work” Londres: The Random House, 2008 Página 22. 19 Leibovitz, Barbara. “Annie Leibovitz: Life Through a Lens”. Warner Home Video, 2008. min 14: 14. 20 London Weekend Television. “Annie Leibovitz Documentary”, 1993. min 5:40.
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para conocerlo y retratarlo fielmente. Para alcanzar tal proximidad, Leibovitz se valió
del acompañamiento y la observación como estrategias. Robert Pledge21, explica: “Lo
que Annie hacía era pasar dos o tres días con la persona, dos o tres días en su vida
para así entenderlos con profundidad. Esto es lo que hace sus fotografías tan íntimas y
reveladoras.”22
Un ejemplo claro de la relevancia de conocer al sujeto en profundidad para es el
retrato de Mick Jagger (Fig. 1), tomado en un ascensor después de uno de sus recitales.
Según cuenta Leibovitz, Mick Jagger parecía estar en un estado surreal, con los pies
fuera de la tierra, probablemente como consecuencia de lo antinatural del ritmo de vida
que implicaba la gira23. El retrato transmite eso. Con las transparencias de las luces, con
la extrañeza de sus toallones y con una mirada que interpela al espectador logra capturar
la sensación que causa un sujeto como Mick Jagger. La fotógrafa afirma haber
establecido, en sus palabras, “una relación del tipo obsesiva”24 con el músico, que le
permitió captar su carácter en la imagen. Comenta: “Probablemente pasé más tiempo
allí que con cualquier otro sujeto. Para mí, la historia de las imágenes es
prácticamente la de perderme y volver, es estar profundamente relacionada con el
sujeto”25.
Este ejemplo es sólo uno entre decenas. Al avanzar la carrera de Annie
Leibovitz, pasar tiempo con el sujeto a retratar para poder captar su carácter y
personalidad cobró tal importancia que se transformó en una exigencia: “Creé la
fórmula de pasar dos días con el sujeto (…) Estando con ellos tenés ideas que no
tendrías leyendo sobre ellos o estudiando su trabajo. El sistema de dos días me permitía
pasar un primer día con espacio para observar y hablar…”26 Efectivamente Leibovitz
encuentra que la observación atenta del sujeto en comodidad es la forma ideal para
sensibilizar su perspectiva y así, hacer del retrato un fotorreportaje subjetivo que
muestre auténticamente su visión del sujeto.
21 Robert Pledge (1942): Periodista y editor británico-francés, fundador de la agencia internacional de
fotorreportaje Contact Press Images (1976) enfocada en la producción independiente de fotoperiodismo. Annie
Leibovitz ingresó a Contact Press en 1977.
En: World Press Photo, Roberty Y. Pledge. Disponible en: http://www.worldpressphoto.org/people/robert-pledge
(Fecha de consulta: 33/08/2014) 22 Leibovitz, Barbara. “Annie Leibovitz: Life Through a Lens”. Warner Home Video, 2008. min 26: 37. 23 Leibovitz, Annie. “Annie Leibovitz at Work” Londres: The Random House, 2008. Página 34. 24 Leibovitz, Annie. “Annie Leibovitz at Work” Londres: The Random House, 2008. Página 36. 25 Leibovitz, Annie. “Annie Leibovitz at Work” Londres: The Random House, 2008. Página 42. 26 Leibovitz, Annie. “Annie Leibovitz at Work” Londres: The Random House, 2008. Página 67.
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Figura 1 27
Mick Jagger, Buffalo, Nueva York, 1975
27 Leibovitz, Annie. “Annie Leibovitz at Work” Londres: The Random House, 2008. Página 43.
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La expresión del sujeto
El retrato de artistas
La mayoría de los trabajos fotográficos de Annie Leibovitz son retratos de
artistas mundialmente reconocidos28. En su caso esta característica es una consecuencia
inherente de su carrera profesional, ya que trabajar para revistas como Rolling Stone y
Vanity Fair29 implicó acercarse al mundo de la música, de la moda y del
entretenimiento. Pero el retratar artistas tiene una peculiaridad que se complementa
perfectamente con el estilo personal de Annie Leibovitz. Un sujeto normal actúa para la
cámara, se transforma y a menudo inhibe, pero el artista cuenta con la capacidad de
expresarse naturalmente a través de su trabajo y a través de sí mismo.
En casos los artistas están entrenados para manifestarse a través de su
producción. Escritores y músicos lo hacen verbalmente, pero también los bailarines, por
ejemplo, lo hacen mediante su físico. El bailarín se manifiesta mediante el arte de la
danza como así también mediante su seguridad corpórea, que facilita ampliamente la
expresión del retrato. El efecto de esta característica puede apreciarse en los recuerdos
de Annie Leibovitz sobre su retrato al coreógrafo Mikhail Baryshnikov30 (Fig. 2):
“Todos los bailarines son, ampliamente, el sueño de un fotógrafo. (…) Mark tiene una
presencia física muy fuerte. Irradia autoconfianza. Su retrato es el resultado de
observarlo atentamente varias semanas”31.
En otros casos no se llega a conocer profundamente la personalidad de los
artistas mediante sus trabajos, como ocurre por ejemplo con los actores; sin embargo su
naturalidad expresiva continúa facilitando la expresión del retrato.
28 Aunque es conocida principalmente por sus retratos de celebridades, Leibovitz ha practicado la fotografía
documental y de paisajes, contratada por la editorial Condé Nast Publications desde 1993.
En: Articularte. Annie Leibovitz. Disponible en: http://www.articularte.com/annie-leibovitz/ (Fecha de Consulta:
22/08/2014) 29 Vanity Fair es una revista estadounidense de cultura, moda y política, publicada mensualmente por Condé Nast
Publications. Iniciada en 1913, había cesado y Condé Publications la revivió en 1983 dándole su formato actual.
Desde 1983, Leibovitz ha trabajado como retratista de la revista estadounidense Vanity Fair.
En: Downmagz. Vanity Fair. Disponible en: http://es.downmagaz.com/fashion_magazine/24-vanity-fair-junio-
2014.html (Fecha de Consulta: 22/08/2014) 30 Mijaíl Nikoláyevich Baríshnikov (Riga, Letonia 1948), apodado "Misha", es un bailarín, coreógrafo y actor
letonio-soviético. A menudo se lo reconoce como el mejor bailarín de ballet del mundo.
En: Buscabiografías, Mijaíl Baríshnikov . Disponible en: http://www.buscabiografias.com/bios/biografia/verDeta
lle/6312/Mijail%20Baryshnikov (Fecha de Consulta: 22/08/2014) 31 Leibovitz, Annie. “Annie Leibovitz at Work” Londres: The Random House, 2008. Página 88.
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Figura 2 32
Mikhail Baryshnikov, Nueva York, 1989
Figura 333
Meryl Streep, Ciudad de Nueva York, 1981
32 Leibovitz, Annie. “Annie Leibovitz at Work” Londres: The Random House, 2008. Página 85. 33 Leibovitz, Annie. “Annie Leibovitz at Work” Londres: The Random House, 2008. Página 54.
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Esto se ve por ejemplo en el de Meryl Streep34 (Fig. 3). Cuenta Leibovitz que la actriz
estaba en los comienzos de su carrera cuando tuvo lugar la sesión fotográfica y que
ingresó al estudio agobiada, comentando que “no quería ser nadie, que ella no era
nadie más que una actriz…”35. Que M. Streep expresara este comentario simple y
auténtico dio pie a que Leibovitz la invitara a pintar su rostro de blanco y a no ser nadie,
retratando con ella sus experiencias como actriz. Es claro que los artistas profesionales
cuentan con la seguridad necesaria para manifestarse natural y abiertamente. El proceso
creativo de las fotografías de Annie Leibovitz se centra en la observación del sujeto y se
ve favorecido y profundizado en el retrato de artistas porque estos como sujeto exhiben
su carácter, personalidad y ánimo con comodidad y soltura frente a la cámara.
Retratos conceptuales
La tapa de la joven revista Rolling Stone carecía de formato definido cuando
Annie Leibovitz ingresó a la editorial, hasta que la fotógrafa descubrió que ambientar el
retrato con una idea que representara al sujeto era la solución ideal. El empresario y
crítico de arte Phiilippe Garner36 explica: “Ella hace retratos de personas que parecen
derivar de una idea cuidadosamente concebida, un concepto gráfico, un concepto
estético, en casos con cierto nivel de humor o ironía en la imagen. Su estilo es
transmitir la idea del sujeto.”37
Según la fotógrafa, la estrategia de “posicionar al sujeto en el medio de una
idea”38 surgió con el retrato de Tess Gallagher39 para Life40 (Fig. 4). Leibovitz comenta
34 Mary Louise Streep (Nueva Jersey, Estados Unidos, 1949), es una actriz estadounidense de teatro, cine y
televisión. Es considerada una de «las mejores actrices de todos los tiempos», siendo postulada por los Premios Oscar
como Mejor Actriz en tres oportunidades, y por los Globos de Oro en 8 oportunidades, entre otros reconocimientos.
En: Buscabiografías, Meryl Streep. Disponible en: http://www.buscabiografias.com/bios/biografia/verDeta
lle/6312/Mijail%20Baryshnikov (Fecha de Consulta: 22/08/2014) 35 Leibovitz, Barbara. “Annie Leibovitz: Life Through a Lens”. Warner Home Video, 2008. Página 61. 36 Philippe Daniel Garner: (1949) es el director de Christie's y de sus fotografías, artes decorativas y de diseño del
s. XX desde 1971. Garner anteriormente trabajó en Sotheby's Auctioneers y escribió extensa bibliografía sobre
fotografía. En 2011, recibió el premio Royal Photographic Society por su Sobresaliente Servicio a la Fotografía y en
el 2004 fue premiado con como Miembro honorario de la Sociedad.
En: Wikipedia, Philippe Daniel Garner. Disponible en: http://en.wikipedia.org/wiki/Philippe_Garner (Fecha de
Consulta: 22/08/2014) 37 Leibovitz, Barbara. “Annie Leibovitz: Life Through a Lens”. Warner Home Video, 2008. min 47: 48 38 Leibovitz, Annie. “Annie Leibovitz at Work” Londres: The Random House, 2008. Página 55. 39 Tess Gallagher (Port Angeles, Washington 1943) es una poeta, ensayista y escritora estadounidense. Sus
reconocimientos incluyen una beca de la Fundación Guggenheim, dos premios del National Endowment for the
Arts y un Premio Elliston por "mejor libro de poesía publicado por prensa pequeña”.
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Figura 4 41
Tess Gallagher, Syracuse, Ciudad de Nueva York, 1980.
En: Academy of American Poets, Tess Gallagher. Disponible en: http://www.poets.org/poetsorg/poet/tess-gallagher
(Fecha de Consulta: 22/08/2014) 40 Life es una revista estadounidense de humor y de sátira política con gran énfasis en el fotoperiodismo que se
desarrolló como una revista semanal hasta 1972, como "especiales" de forma intermitente hasta 1978; como una
revista mensual desde 1978 hasta 2000 y como un suplemento semanal de varios periódicos desde 2004 a 2007.
En: Wikipedia, Life (revista). Disponible en http://es.wikipedia.org/wiki/Life_(revista) (Fecha de Consulta:
22/08/2014) 41 Leibovitz, Annie. “Annie Leibovitz at Work” Londres: The Random House, 2008. Página 50.
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que Gallagher había escrito recientemente sobre caballos y que al visitarla en su casa
encontró máscaras y ropas por doquier. “Ella quería disfrazarse y tomó un vestido de
lentejuelas de su vestidor. Cuando estabas con Gallagher estabas en su mundo y podías
ver cómo trabajaba su imaginación.”42 Leibovitz descubrió así que en casos, las ideas
representan más a un artista que la imagen de su rostro y que materializar la
imaginación del artista es un recurso ideal para ambientarlo en su propia esencia.
Afirma: “De alguna forma en la materia prima yace el núcleo de la fotografía que se
debe tomar”43. El retrato de Gallagher es la materialización literal de su imaginación:
Tess Gallagher en su vestido de lentejuelas, usando sus máscaras sobre su caballo, y así,
simplemente, el retrato logra transmitir con ella parte de su forma de ser.
La conceptualidad de los retratos de Annie Leibovitz ilustra diversos aspectos de
los sujetos que retrata. En general la idea central de la imagen surge de una obra del
artista y de la metáfora tendida entre ésta y su personalidad. El retrato de Whoopi
Goldberg44 (Fig. 5) fue pensado a partir de uno de sus primeros personajes, en el que
actuaba de una niña negra que creía que era blanca por dentro. Y por ejemplo, esta idea
derivó en un retrato que muestra a Whoopi Goldberg metafóricamente “emergiendo del
todo lo blanco”45. Similarmente el retrato de Arnold Schwarzenegger46 (Fig. 6) muestra
como contenido central la similitud entre la forma del muslo de Schwarzenegger y el
muslo del caballo. En esta imagen por tratarse de un fisicoculturista como Arnold
Schwarzenegger, la forma funcionan como contenido y como metáfora para describir al
sujeto mismo.
Como se ve, Annie Leibovitz toma un concepto central que represente al artista
y lo materializa con un estilo minimalista de elementos y códigos para ambientar al
sujeto en él. El sentido literal de estos retratos conceptuales en casos es criticado por su
simpleza y en otros casos, alabado por la misma razón ya que, además de ser una
perfecta solución para las tapas de revista, el principal beneficio de este recurso es que
42 Leibovitz, Annie. “Annie Leibovitz at Work” Londres: The Random House, 2008. Página 53. 43 Leibovitz, Annie. “Annie Leibovitz at Work” Londres: The Random House, 2008. Página 55. 44 Caryn Elaine Johnson (Nueva York, Estados Unidos, 1955), mejor conocida por su seudónimo Whoopi
Goldberg, es una actriz, comediante, productora, guionista, presentadora de televisión, cantante y escritora
estadounidense.También ha dedicado parte de su vida al activismo político.
En: Wikipedia, Whoopi Goldber. Disponible en: http://es.wikipedia.org/wiki/Whoopi_Goldberg (Fecha de
Consulta: 22/08/2014) 45 Leibovitz, Barbara. “Annie Leibovitz: Life Through a Lens”. Warner Home Video, 2008. min 46: 26 46 Arnold Alois Schwarzenegger (Graz, Estiria, Austria1947 ), es un ex físicoculturista, actor y político austríaco
nacionalizado en Estados Unidos que ejerció como trigésimo octavo gobernador del estado
de California desde 2003 hasta 2011.
En: Buscabiografías, Arnold Schwarzzenegger. Disponible en: http://www.buscabiografias.c
om/bios/biografia/verDetalle/4014/Arnold%20Schwarzenegger (Fecha de consulta: 33/08/2014)
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Figura 547
Woohpi Goldberg, Berkeley, California, 1984.
Figura 648
Arnold Schwarzenegger, Malibu, California, 1988.
47 Leibovitz, Annie. “Annie Leibovitz at Work” Londres: The Random House, 2008. Página 58. 48 Leibovitz, Annie. “Annie Leibovitz at Work” Londres: The Random House, 2008. Página 81.
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relaciona al protagonista directamente con el concepto pero con cierta ambigüedad, que
despierta la atención y exige un esfuerzo de interpretación enriqueciendo el retrato
poético del sujeto y su personalidad49. Asimismo su simpleza y estilo minimalista evitan
la sobrecarga y permiten que la atención del espectador se concentre en el artista, en su
gestualidad y en la espiritualidad del momento retratado, haciendo de la conceptualidad
una suerte de énfasis en el retrato que incentiva al público a observar más allá de la
celebridad conocida.
El momento decisivo 50
Qué momento capturar en un retrato puede parecer irrelevante o poco auténtico
si se prepara. En la obra de Annie Leibovitz el momento decisivo aparece cuando el
sujeto se apropia del concepto, del ambiente que se les propone, y lo adapta para
expresarse con comodidad. Cuando esta situación se desenvuelve, se fusionan la
percepción y subjetividad del fotógrafo con la expresión auténtica del artista.
Un ejemplo de esto es el retrato al escritor Robert Penn Warren51 (Fig.7).
Warren había escrito recientemente sobre la muerte, sus poemas trataban su conciencia
sobre la mortalidad y sobre la fragilidad de los seres vivos. Leibovitz cuenta que con
esta idea en mente, al llegar a la casa del escritor, lo vio parado en la ventana de su
habitación, mirándola. Entonces la fotógrafa le pidió si podía sentarse en la cama y
quitarse la remera, “para ver debajo de su piel, su corazón, sus pulmones…”52. Esto
muestra cómo a partir de los escritos de Warren, Leibovitz toma la idea inicial que
mejor representaba la impresión que el artista había hecho en ella y da lugar a que se
fusione con la comodidad del sujeto mismo. De esta forma, logra retratarlo con
autenticidad, solitario, en su habitación, simple y frágil en la vejez.
49 The Public Broadcast. “The Art of Photography: Episode 67: Annie Leibovitz”, 2013. min 5:26 50 El momento decisivo es un término implementado por Cartier –Bresson para designar la habilidad de la cámara
para fijar un instante preciso y la responsabilidad del fotógrafo para captar momentos únicos antes de que
desaparezcan.
Cartier-Bresson, Henri. “El Instante Decisivo” Disponible en: “El Malpensante”, Edición No. 43.
Diciembre de 2003. Página 3. 51 Robert Penn Warren (Guthrie, 1905 – Stratton, 1985) fue un poeta, novelista y crítico literario estadounidense.
Fue uno de los fundadores de la Nueva Crítica y un miembro fundador de la Fraternidad de Escritores del Sur.
Warren es la única persona que ha ganado un Premio Pulitzer en los géneros de ficción y de poesía.
En: Academy of american poets, Robert Penn Warren. Disponible en: http://www.poets.org /poetsorg/poet/robert-
penn-warren (Fecha de Consulta: 22/08/2014) 52 Leibovitz, Annie. “Annie Leibovitz at Work” Londres: The Random House, 2008. Página 55.
17
Figura 7 53
Robert Penn Warren, Fairfield, Connecticut, 1980.
53 Leibovitz, Annie. “Annie Leibovitz at Work” Londres: The Random House, 2008. Página 51.
18
Similarmente en 1980 John Lennon y Yoko Ono54 habían lanzado su nuevo
álbum “Doble Fantasía”, cuya tapa era un beso entre ambos. La idea de un beso simple
en un tiempo complicado inspiró a Annie Leibovitz y la llevó a proponerles a los
artistas que posaran desnudos y abrazados. Yoko se negó a quitarse los pantalones y
Leibovitz sin más le ofreció no quitarse ninguna prenda55. El resultado fue la famosa
Polaroid de John Lennon y Yoko Ono (Fig. 8) recostados en el piso. El éxito de la
estrategia se ve en la sensación de los mismos sujetos sobre sus propios retratos. En el
caso de John Lennon, Leibovitz recuerda que le comentó: “Has capturado nuestra
relación exactamente”56 y años después Yoko Ono recuerda: “Fue nuestro mejor
momento de intimidad. No es que habíamos peleado y tuvimos que sonreír para la
cámara. Éramos sólo nosotros mismos, sintiéndonos bien.”57
Estas anécdotas ejemplifican que efectivamente la colaboración de propuestas
entre el fotógrafo y el retratado permite detener un momento profundo y auténtico que
los representa a ambos. Este momento decisivo concentra la actitud relajada e íntima del
sujeto que revela su personalidad y la narrativa del momento en la imagen58.
54 John Winston Lennon (Liverpool, Reino Unido, 1940-Nueva York, Estados Unidos 1980), fue un músico
y compositor fundador de la banda The Beatles durante la década de 1960 reconocida como la más comercialmente
exitosa y críticamente aclamada en la historia de la música popular.
En: Biografías y vidas, John Lennon. Disponible en: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/ l/lennon.htm
(Fecha de Consulta: 22/08/2014)
Yoko Biklein Ono (Tokio, Japón 1933) es una artista de la aristocracia japonesa que formó parte del
movimiento vanguardista de la década de los 60 y era integrante del grupo Fluxus. En 1969 contraje matrimonio
con John Lennon, quien le dedicó parte de su trabajo.
Bio. Yoko Ono Biography. Disponible en : http://www.biography.com/people/yoko-ono-9542162 (Fecha de
Consulta: 22/08/2014) 55 Leibovitz, Annie. “Annie Leibovitz at Work” Londres: The Random House, 2008. Página 46. 56 Leibovitz, Annie. “Annie Leibovitz at Work” Londres: The Random House, 2008. Página 46. 57 Leibovitz, Barbara. “Annie Leibovitz: Life Through a Lens”. Warner Home Video, 2008. min 49: 14. 58 Leibovitz, Barbara. “Annie Leibovitz: Life Through a Lens”. Warner Home Video, 2008. min 46: 40.
19
Figura 8 59
John Lennon y Yoko Ono, Ciudad de Nueva York, Diciembre 8, 1980.
59 Leibovitz, Annie. “Annie Leibovitz at Work” Londres: The Random House, 2008. Página 47.
20
Estilo y Estética
Color y Luz
En los inicios de Annie Leibovitz su estilo partió de la fotografía en blanco y
negro pero desde 1973, cuando la revista Rolling Stone imprime por primera vez en
color, su sello distintivo en líneas generales se destaca por el uso de colores brillantes
con una iluminación intensa60.
La fotografía en blanco y negro tiene la ventaja de permitir resolver la
iluminación en el laboratorio de revelado, pero la fotografía a color no. Para superar el
proceso de impresión en la Rolling Stone, Leibovitz comenzó a combinar la luz
ambiente con un flash frontal adicional en baja intensidad61. Estas dos fuentes de
iluminación permitían dejar el obturador abierto para aumentar la exposición de los
fondos de sus imágenes y compensarlo con la luz de flash para congelar y resalta la
figura del sujeto.
La alta intensidad y contraste en la tonalidad en los inicios de su carrera era una
resultado de la impresión. Comenta la fotógrafa que en las páginas de la Rolling Stone
sus imágenes parecían crudas y fuera de registro, pero que con la impresión de su
primer libro en 1983 descubrió que la impresión podía revivir las transparencias y
tonalidades de sus retratos. “Nunca se me ocurrió que haría la diferencia, que las
impresiones en Japón eran conocidas por sus colores brillantes y que las de Italia
contaban con una paleta que podía hacer mis fotografías parecer cuadros
renacentistas”.62 Desde entonces sus imágenes adaptan definitivamente los colores
vívidos y los tonos uniformes, puros que la caracterizan. En sus retratos cada imagen
cuenta con una gama definida que a menudo (aunque no siempre) parte de los colores
primarios. Este recurso, junto a la iluminación, hace uniforme y aplana la ambientación
del retrato, destacando la figura del sujeto por sobre el fondo.
60 The Public Broadcast. “The Art of Photography: Episode 67: Annie Leibovitz”, 2013. min 8: 24. 61 World of photography, “Annie Leibovitz. Brockway Broadcasting Corporation”, 1991. min 3: 09. 62 Leibovitz, Annie. “Annie Leibovitz at Work” Londres: The Random House, 2008. Página 52.
21
Encuadre
El plano con que Annie Leibovitz retrata a sus sujetos varía en cada ocasión, pero el
encuadre de sus fotografías tiene la particularidad de respetar la estructura oculta del
cuadro63 como recurso para concentrar la dinámica. Como ejemplo, en el retrato de
Mick Jagger (Fig. 9) las luces superiores están dirigidas hacia el punto central del
cuadro que ocupa la cabeza del sujeto, concentrando totalmente la atención en el
mismo. Asimismo en el retrato de Mijaíl Baríshnikov (Fig. 10), y en el de Maryl
Streep (Fig. 11) los rostros de los sujetos ocupan el lugar central de la imagen. En otros
retratos individuales los rostros de los sujetos no están centrados, pero sí están sus
cuerpos, apoyados sobre las líneas de fuerza perceptiva del cuadro como ocurre en los
retratos de Tess Gallagher (Fig. 12), Robert Penn Warren (Fig. 13) y Whoopi Goldberg
(Fig. 14). El que los sujetos tiendan a centrarse en estos ejes causa estabilidad en la
mirada del observador y colabora con la sensación de profundidad e intimidad que los
retratos proyectan. De todas formas la posición de los sujetos con respecto a estas
fuerzas perceptuales no es perfecta ni exacta, lo cual cede cierta comodidad a la pose y
naturalidad al retrato.
Otra característica central del encuadre de los retratos de Annie Lebovitz, es la
proximidad de los cuerpos y rostros de los sujetos al límite del cuadro, al punto de
cortar en casos ciertas partes o extremidades de sus protagonistas. Esta característica se
repite en varios de sus retratos como por ejemplo en el de Tess Gallagher (Fig. 4)
donde la cabeza del caballo que monta excede los límites del retrato, en el de Whoopi
Golberg (Fig. 5) donde sus manos están en el límite de la imagen y sus pies lo exceden,
y en el de John Lennon y Yoko Ono (Fig. 8) donde la mano derecha de Lennon está
sutilmente cortada. Esta estrategia dirige la atención del espectador al rostro del
retratado y aporta también a la intimidad del retrato ya que al estar recortado el retrato,
sin márgenes que lo encuadren, la proximidad entre el retratado y el espectador se acota,
poniendo al espectador en un lugar de testigo, y de observador silencioso.
63 Rudolf Arnheim identifica que el formato por sí mismo ejerce fuerzas sobre los elementos que contiene.
Establece que los elementos colocados dentro de las líneas y los puntos de fuerza perceptiva estarán sólidamente
asentados y los que no, manifestarán tensión y desequilibrio. El formato del cuadrado ejerce líneas de fuerza
perceptual de vértice a vértice y de centro superior al centro inferior.
Arnheim, Rudolf, “Arte y Percepción Visual.” Madrid: Ed. Alianza Forma, 2002.
22
Figura 9
Estructura oculta del cuadro sobre retrato de Mick Jagger.
Figura 10
Estructura oculta del cuadro sobre retrato de
Mijaíl Baríshnikov.
Figura 11
Estructura oculta del cuadro sobre retrato de
Maryl Streep.
23
Figura 12
Estructura oculta del cuadro sobre retrato de Tess Gallagher.
Figura 13
Estructura oculta del cuadro sobre retrato de
Robert Penn Warren.
Figura 14
Estructura oculta del cuadro sobre retrato de
Whoopi Goldberg.
24
Este recurso colabora con la capacidad de Leibovitz para capturar un momento de
expresión profunda porque trasmite la intimidad del momento a la contemplación del
espectador.
La gestualidad
Por último, otra característica fundamental en los retratos de Annie Leibovitz es la
mirada natural de sus sujetos. Luego de analizar el código gestual de sus retratos, poses
y expresiones, es posible distinguir a grandes rasgos dos situaciones diferentes creadas
por la mirada: en casos el protagonista mira directo a la cámara con actitud en una pose
cómoda de confianza, y en otros casos la mirada se desvía y pierde en una pose íntima
de actitud relajada. La primer situación se ve en los retratos de Mick Jagger (Fig 1),
Mikhail Baryshnikov (Fig 2) y Meryl Streep (Fig 3). En ellos los protagonistas
transmiten fuerza y seguridad. Su mirada interpela al espectador y lo invita a
observarlos. Retratos como el de Whoopi Goldberg (Fig 5), Robert Penn Warren (Fig
7), y John Lennon y Yoko Ono (Fig 8) son ejemplos de la segunda situación. En estos
retratos la mirada del sujeto desviada y perdida, acompaña una actitud relajada y una
pose cómoda que también invita al espectador a observar al sujeto y a contemplar sus
expresiones, pero no interpelándolo directamente, sino como un testigo silencioso. La
mirada desviada, inadvertida de la presencia de la cámara, transmite una sensación de
intimad clave al retrato. La captura de tal lenguaje gestual por un lado profundiza la
emoción que transmite la imagen y por otro lado incentiva la autorreflexión del retrato,
ya que atrae al espectador a contemplarlo.
25
Conclusión
Annie Leibovitz supera la crisis de despersonalización de la imagen de la
postmodernidad retratando celebridades de una forma íntima, personal y provocativa
con intención artística.
Después de lo analizado es posible afirmar que Leibovitz logra hacer del retrato
fotográfico una obra de arte porque transmite a través del él tanto su sensibilidad
interpretativa como la expresión auténtica del sujeto, con un valor estético que da lugar
a diversas lecturas que enriquecen la narrativa de la imagen, y que por su estructuración
autorreflexiva conduce la atención del espectador sobre el sujeto retratado.
Considero que el valor fundamental de esta investigación es que demuestra, a través
del estudio de la obra y metodología de una de las más reconocidas fotógrafas de
Estados Unidos, que incluso la fotografía publicitaria puede ser enfrentada con
intención artística. La crisis estética presente está vinculada a la estandarización
tecnológica y creativa, y a que el alcance masivo de la era digital ha permitido que el
fotógrafo pierda compromiso con la cámara. En pocas palabras, la crisis está ligada a
que la fotografía no está siendo cultivada como forma artística por la mayoría, inclusive
por quienes se reconocen como fotógrafos profesionales, y en consecuencia se
desvaloriza. Sin embargo Annie Leibovitz recupera este valor con dedicación, mediante
la observación atenta y buscando la sensibilización de su visión; la técnica y el estilo
son meras consecuencias.
Su prioridad es la expresión profunda, y considero que este es el valor que la
fotografía debe recuperar para posicionarse como arte en el Retrato y en todos los
ámbitos posibles. Esta investigación demuestra, bajo el ejemplo de Annie Leibovitz,
que por sobre la técnica, la fotogenia o la influencia de modas, quien aspire a producir
obras fotográficas de valor artístico, debe priorizar la expresión auténtica, con una
estética ambigua y autorreflexiva.
26
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30
Apéndice 1
Los efectos de la globalización en la imagen dinámica.
Problemas de la estandarización en la formación académica y en el uso de nuevas
tecnologías.
Reflexión Académica en Diseño y Comunicación Nº XI
Año X, Vol. 11, Febrero 2009, Buenos Aires, Argentina. | 195 páginas
Por Hernández Flores, Diego
No pienses que voy a ver esa película, decía una antigua novia mía. Ella no sabía
quién actuaba, ni quién era el que la dirigía, ni cuál era el argumento. Sólo había visto
un plano, y cuando se le preguntaba el por qué de semejante dictamen respondía con
seguridad: “no me gusta como se ve”. Mas allá de que si esto entraña un prejuicio grave
debido al acostumbramiento que una persona puede tener hacia un tipo de imagen, lo
cierto es que podemos reconocer un origen o estilo cinematográfico por las
características en su fotografía. Lamentablemente esta identidad, a veces buscada, a
veces impuesta por las condiciones de producción o la calidad de la posproducción, se
va evaporando lentamente con el avance de la globalización. En un análisis realizado en
clase sobre varias películas de distintas nacionalidades estrenadas en el año 2008 se
pudo constatar algo que en otra época hubiese resultado imposible: todas, en lo que
respecta a la dirección de fotografía, se parecían en demasía. Este fenómeno actúa sobre
diversos puntos que conforman la creación de una imagen, donde los más relevantes son
la formación técnica y el avance tecnológico.
La educación universitaria en el aprendizaje del tratamiento de la imagen.
Basta con hojear la biografía de algunos de los más antiguos directores de fotografía
y nos damos cuenta que los orígenes son variados. Muchos poseen una formación en
arte ortodoxa sumada a una educación técnica básica. Otros heredaron el oficio familiar
y se capacitaron a través de la observación. Otros provienen de la fotografía fija
adentrándose luego al dinamismo. También están los que se formaron en escuelas de
cine, esta posibilidad se va reduciendo en promedio a medida que el inicio de la carrera
del artista es más remoto. Las escuelas de cine o carreras universitarias de grado en
cinematografía no son un fenómeno nuevo, solamente en la Argentina podemos
encontrar lugares que poseen esta orientación hace más de 30 años. Pero estas carreras
pasan a ser un fenómeno masivo en el principio de los años 90, atrayendo a gran
cantidad de interesados de distintas clases sociales y nivel cultural. La explosión generó
una ventaja y un problema a la vez. El desarrollo académico trajo consigo el
crecimiento cuantitativo y cualitativo del material bibliográfico, sin duda una gran
ventaja. Esto, a su vez, permitió compilaciones de lo mejor del material existente en
31
resúmenes poco sustanciosos pero fácilmente digeribles para alumnos con paladar no
acostumbrado a la profundización teórica e idóneos en bibliografía de materias dictadas
en tiempo relámpago. Resúmenes de resúmenes, programas estándar, lo básico de lo
básico y como ingrediente globalización.
La mezcla de estos elementos forjó indefectiblemente similitudes a nivel mundial en
los programas de materias relacionadas a la tecnología audiovisual. Fue inevitable,
miles de alumnos formados a través de programas similares concibieron imágenes con
un parecido asombroso, técnicamente irreprochables pero altamente despersonalizadas.
Hoy en día al deber establecido de los directores de las carreras y docentes se le
suma este nuevo desafío, buscar en sus alumnos signos particulares que puedan ser el
punto de partida para la creación de imágenes personalizadas. Los últimos años de las
carreras presentan el terreno ideal para este fin. El docente debe ser el encargado de
presentar las obras que marcaron la historia pero a su vez también de desmitificarlas en
pos de una búsqueda estética propia. Es asombroso notar en conversaciones con
egresados de diferentes facultades que todos poseen los mismos tres héroes, y que en
sus primeros pasos en la cinematografía profesional su intención estética es una clara
emulación de la obra de estos. Seguramente estos referentes sean los mismos que tienen
los egresados de Japón, Rusia, EE.UU o Colombia. El resultado está a la vista.
Las nuevas tecnologías: democratización de la imagen, estandarización de la
imagen.
Mucho se habla de que las nuevas tecnologías hacen posible a nivel personal lo que
antes sólo se podía dar a nivel corporativo, pero poco se habla de que el uso masivo de
estas tecnologías genera una textura estandarizada en la imagen.
Peter Jackson filma su nueva película con una cámara de video de alta definición y
de un costo similar al de un auto usado de nivel estándar. Estamos sin duda frente a una
revolución en la industria audiovisual, nadie en el pasado hubiese podido tener el lujo
de filmar a la más alta calidad disponible a un costo que hubiese podido solventar un
individuo de clase media. A partir de esto podemos dejarnos llevar e imaginar un futuro
donde los grandes directores y los estudiantes primerizos filmen y editen con los
mismos dispositivos.
Lejos están los tiempos donde cada cinematografía nacional poseía una patente
diferente de procesamiento de la imagen, podemos recordar entre otros el famoso
Technicolor en Estados Unidos o el proceso Pathé en Francia. Tiránicamente la imagen
filmada iba a estar ligada a ese componente particular. Pero las tiranías no son buenas,
por esta razón debemos festejar la llegada de las nuevas tecnologías, ya que más allá de
32
presentarnos el riesgo de crear una imagen trillada, también nos permiten manipular la
imagen para que esto no suceda y permitirnos una búsqueda personal.
Las nuevas interfaces de manipulación de la imagen nos permiten regular a
nuestro gusto cada uno de los elementos. La paradoja es contundente y surge
porque planteamos el problema desde lo técnico, cuando estamos frente a un
problema meramente estético que si bien se dispara a través de la estandarización
tecnológica, está ligado a la formación y la falta de creatividad en la
postmodernidad.
Un ejemplo claro de esta falta de creatividad es la falta de identidad en el cine
digital y la TV de alta definición. El aspecto cuadrado de 4/3 relacionado del video se
reemplaza por uno con mayor espectacularidad mucho más ligado a la visualización
cinematográfica. Lo mismo sucede con el escaneado entrelazado que marcó una estética
propia del video y ahora se ve reemplazado por el progresivo a razón de emular la
cadencia cinematográfica.
La pregunta es sencilla ¿Por qué el video no busca una identidad propia en los
elementos visuales de su imagen? La respuesta es compleja e indefinida. Lo cierto es
que nos conducimos a un estrato más de la despersonalización de la imagen. Si a
esto le sumamos las predicciones de los teóricos de la imagen que profetizan que los
formatos de cine, video, televisión y videojuegos se van a amalgamar en un mismo
formato, seguramente vamos a perder el asombro que antes nos producía una
imagen diferente.
Ciertamente este asombro muchas veces se producía por el error, por los defectos
inherentes a los procesos de la imagen. Es ese gusto perverso que produce ver por
ejemplo algunas películas argentinas de la década del 70 y 80 en donde se observa una
fotografía descuidada y una postproducción de mala calidad, pero con marca personal
inconfundible. La calidad de los técnicos del cine profesional en la actualidad, de
formación más academizada, no permite este margen de error. Pero esta educación
tampoco forma directores de fotografía con un sello de autor notable.
No se puede negar el avance tecnológico ni tomar posturas retrogradas. Estamos en
un gran momento, donde las herramientas disponibles nos permiten manipular cada uno
de los parámetros de la imagen, acercándonos mucho más a la definición estricta de
creación.
El problema a resolver es utilizar estas herramientas sin partir de conceptos estéticos
preconcebidos, buscando siempre un criterio específico más allá de parámetros
estandarizados. La tecnología no regala nada, sólo intercambia esfuerzos. Lo que antes
costaba mucho ahora se puede hacer fácil, pero esta facilidad se ve siempre opacada
con nuevos problemas a resolver.
33
Si uno quiere conocer el mundo debe apurarse. A medida que la globalización
avanza produce que otras culturas se parezcan mucho a la nuestra. Seguramente los
viajeros de nuestro tiempo no sienten el mismo asombro que sentían los primeros
expedicionarios. Esperemos que no suceda lo mismo con la imagen. Está en la búsqueda
de los educadores, el esfuerzo de los realizadores y la exigencia del público que no sea
así.