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DEDICATORIAA nuestras madres, por habernos apoyado en todo momento,
por sus consejos, sus valores, por la motivación constante que
nos han permitido ser una persona de bien, pero más que
nada, por su amor. A nuestros padres, por los ejemplos de
perseverancia y constancia que los caracterizan y que nos han
infundado siempre, por el valor mostrado para salir adelante y
por su amor.
A nuestro maestro, por su gran apoyo y motivación ofrecida en
este trabajo, por transmitirnos los conocimientos obtenidos y
habernos llevado paso a paso en el aprendizaje.
Y a todos aquellos que ayudaron directa o indirectamente a
realizar este documento.
INDICE
SUMARIO 4
INTRODUCCIÓN 5
CAPÍTULO I: ¿QUÉ ES LA ACUARELA? 7
HISTORIA 8
TÉCNICA DE LA ACUARELA 10
ACUARELAS RENACENTISTAS 11
ACUARELAS INGLESAS 11
ACUARELAS EN AMÉRICA Y EUROPA 12
CAPÍTULO II: TÉCNICAS DE LA ACUARELA 14
TÉCNICA HÚMEDO SOBRE HÚMEDO 15
VARIACIONES DEL BAÑO POR FUSIÓN 15
EL GOTEADO 16
TRANSICIONES ENTRE COLORES 17
TÉCNICA HÚMEDO SOBRE SECO 17
LAS SUPERPOSICIONES DEL COLOR 18
CAPÍTULO III: FUSIÓN DE LAS TÉCNICAS 19
CAPAS DE LAVADO POR FUSIÓN 20
CONCLUSIONES 22
FUENTES 24
ANEXOS 25
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SUMARIO
INTRODUCCION
CAPITULO I: ¿QUE ES LA ACUARELA?
CAPITULO II: TECNICAS DE LA ACUARELA
CAPITULO III: FUSION DE LAS TECNICAS
CONCLUSIONES
FUENTES
ANEXOS
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INTRODUCCION
En Bellas Artes, la pintura artística es el arte de la representación gráfica
utilizando pigmentos mezclados con otras sustancias orgánicas o sintéticas. En
este arte se emplean técnicas de pintura como la teoría del color.
Más allá de toda especulación o tendencia en las artes visuales, la pintura
artística, se diferencia de cualquier otro tipo de pintura, en que su práctica no
corresponde necesariamente a una demanda, sino a la búsqueda personal de un
mensaje visual, que trascienda al material usado en sí, emergiendo detrás de las
formas y los colores y sus tonalidades, un contenido que invite al espectador a
explorar un camino que se recorre a través de las manos del mismo pintor.
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Siempre basándose en las técnicas elementales de la pintura como lo es la
composición, el equilibrio, ritmo, forma, color y valor.
La pintura es la expresión de ideas, pensamientos y sentimientos en el
papel, madera, paredes etc. Para esto el pintor necesita una habilidad para pintar
y además una situación en que se base, es decir, un conflicto, problema, o
situación en la que este se encuentre.
Estas técnicas basadas en naturalezas matemáticas han sido
perfeccionadas a lo largo de la historia por todas las grandes civilizaciones
conocidas, y sus profundos conocimientos han sido siempre aplicados a
consciencia por la mayoría de los grandes pintores que han trascendido en sus
obras.
Una de las técnicas de la pintura es la acuarela; es un compuesto que pinta
y usa los pigmentos de agua-soluble que son o sean transparentes o sean
opacos.
Por medio de la misma así como el papel a el que esto es aplicado, la
acuarela con frecuencia es pensada como un medio de fugitivo. Mientras la
acuarela no puede rivalizar con aceites para la durabilidad y la longevidad, esto es
un medio que tiene una historia muy duradera y distinguida y, claramente, un
futuro sano.
En este trabajo, hablaremos de dos técnicas empleadas en las acuarelas:
Húmedo sobre húmedo y húmedo sobre seco, y así como también la fusión de las
técnicas; las características y su implementación de las mismas, para finalmente
enunciar las conclusiones.
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CAPITULO I
¿QUE ES LA ACUARELA?
La acuarela (palabra que proviene del italiano acquarella) es una pintura
sobre papel o cartulina con colores diluidos en agua. También es el nombre de la
técnica empleada en este tipo de pintura, y de los colores con los que se realiza.
Los colores utilizados son transparentes (según la cantidad de agua en la
mezcla) y a veces dejan ver el fondo del papel (blanco), que actúa como otro
verdadero tono. Se compone de pigmentos aglutinados con goma arábiga o miel.
En sus procedimientos se emplea la pintura por capas transparentes, a fin de
lograr mayor brillo y soltura en la composición que se está realizando.
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En Japón, la acuarela ejecutada con tinta es denominada Sumi-e. En
la pintura china, coreana y japonesa ha sido un medio pictórico dominante,
realizado frecuentemente en tonalidades monocromáticas negras o sepia.
El término acuarela se refiere a la pintura transparente, a diferencia
del gouache, una forma opaca de pintura similar.
La acuarela se pinta utilizando pigmento fino o tinta mezclada con goma
arábiga para darle cuerpo y glicerina o miel para darle viscosidad y unir el
colorante a la superficie a pintar.
Toda acuarela palidece si se expone al sol, los colores permanecen cuanta
más calidad tienen los pigmentos. Es posible encontrar los colores en tubos o
pastillas, en las dos formas se aprecian las diferencias entre pigmentos, por
ejemplo con el azul de manganeso se obtiene una granulación.
1. HISTORIA
La pintura a la acuarela empezó con la invención del papel en China poco
después de 100 a. C. En el siglo XII los árabes introdujeron la fabricación del
papel en España y la tecnología se extendió a Italia décadas más tarde. Algunos
de los más antiguos fabricantes de papel incluyen a Fabriano (en Italia), abierto
en 1276, y Arches (en Francia), abierto en 1492.
El antecesor de la acuarela en Europa fue el fresco, pintura mural usando
pigmentos en un medio acuoso sobre yeso húmedo. Un buen ejemplo de fresco
es la Capilla Sixtina, iniciado en 1508 y completado en 1514.
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El primer uso conocido de la acuarela en Europa es por el
pintor renacentista italiano Raffaello Santi (1483-1520), quien pintaba en grandes
cartulinas como bocetos de tapices.
En Alemania, Alberto Durero (1471-1528) pintó acuarelas en el siglo XV. La
primera escuela de acuarela en Europa fue liderada por Hans Bol (1534-1593),
influida por las creaciones de Durero.
Otros famosos artistas usaron la acuarela para completar su obra al óleo,
incluyendo a Van Dyck (1599-1641), Thomas Gainsborough(1727-1788), y John
Constable (1776-1837).
En la Gran Bretaña del siglo XVIII, Paul Sandby (1725-1809) fue llamado
padre de la acuarela británica.
Uno de los acuarelistas más famosos es Joseph Mallord William
Turner (1775-1850), precursor de las técnicas que posteriormente desarrollarían
las vanguardias. Sus cuadros reflejan magníficamente la luz y el movimiento.
En la pintura española del siglo XX cabe destacar en acuarela al
maestro Ceferino Olivé (1907-1995) y sus discípulos Pere Calderó Ripoll(1916-
2009), Francisco Torné Gavaldà (1917-2008) y Rafael Alonso López-
Montero (1921-2009 ), de quien se ha escrito:
“Rafael sigue despertando admiración sincera con su dominio de la figura, su
acierto en la temática y su concepción del color. En la proporción, el encuadre, la
perspectiva, la consecución de los primeros términos y de los fondos lejanos,
Rafael Alonso es un maestro desenfadado. Y ha llegado a esa cima a través del
trabajo ilusionado cada día. Ya hace tiempo que Rafael Alonso figura entre los
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más destacados acuarelistas españoles. Sólo hay que contemplar esta
espléndida selección de su variada obra para comprenderlo.”
Agustín Romo. Revista Correo del Arte. 1989 (1)
En Canarias, es significativa la práctica de esta técnica pictórica que tiene y
ha tenido un gran arraigo y desarrollo, destacando entre otros artistas; Francisco
Bonnín Guerín, José Comas Quesada o Alberto Manrique.
2. TECNICA DE ACUARELA
Las acuarelas se obtienen por aglutinación de pigmentos secos en polvo
mezclados con goma arábiga, que se extrae de la acacia y que solidifica por
evaporación, pero que es soluble en agua. Las acuarelas, en estado sólido, se
disuelven en agua y se aplican sobre el papel con un pincel. Si bien la acuarela es
un tipo de pintura relativamente moderno, a lo largo de la historia se han utilizado
diferentes pinturas a base de agua.
Se puede considerar que las primeras acuarelas son los papiros del
antiguo Egipto, y los tempranos dibujos orientales a tinta son en realidad una
forma de acuarela monocroma. En la Europa medieval, se empleaban pigmentos
solubles en agua aglutinados con un densificador derivado del huevo para los
manuscritos miniados; de la misma manera, los frescos medievales estaban
pintados con pigmentos mezclados con agua espesados con pintura blanca
opaca. Posteriormente surgieron otros tipos de pinturas opacas solubles en agua,
muy cercanos a las acuarelas, como el gouache, que se sigue empleando en la
actualidad.
(1) arte.com (15 de diciembre de 2009). «Fallecimiento del pintor acuarelista Rafael Alonso López-Montero». Consultado el 15 de febrero de 2013.
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3. ACUARELAS RENACENTISTAS
Normalmente se considera que las verdaderas acuarelas más antiguas son
los estudios de paisajes y de animales realizados en el siglo XV por el maestro
alemán Alberto Durero, quien terminaba a la acuarela sus dibujos a pluma sobre
temas de historia natural. Estas obras no constituyen la mayor parte de
su producción, pero se les considera ejemplos clásicos de dibujos de la
naturaleza, detallados y precisos. Los artistas de los siglos XVI y XVII sólo
utilizaban de forma ocasional las pinturas al agua y la costumbre era emplearlas
en monocromo.
El bistre (pigmento marrón, café, obtenido del hollín) y la sepia (pigmento
negruzco procedente de la tinta de calamar) tuvieron una preponderancia
momentánea en las obras del artista francés Claudio de Lorena y del maestro
holandés Rembrandt, quienes los utilizaban para crear expresivos efectos
atmosféricos de nubes y cielo en sus dibujos de paisajes a tinta. No era frecuente
el uso de pinturas al agua, por lo que se encuentran únicamente en las obras de
unos cuantos maestros relativamente menores, como Hendrick van Avercamp y
Adriaen van Ostade.
4. ACUARELAS INGLESAS
La acuarela sufrió la evolución más importante de su historia en Inglaterra,
en la segunda mitad del siglo XVIII, coincidiendo con el desarrollo, que además la
intensificó, del romanticismo, que glorificaba la naturaleza y la belleza natural.
Además de ser la técnica más conveniente para la pintura al aire libre (por su
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rápido secado), la acuarela era sobre todo adecuada para representar los temas
románticos favoritos, como cielos tormentosos, niebla y bruma, y espesos follajes.
Al principio, los acuarelistas ingleses seguían la tradición holandesa y se
servían de aguadas de color para realzar sus dibujos a pluma o a lápiz. Sin
embargo, a mediados de la década de 1700, la técnica de la acuarela se libró de
esas ataduras, sobre todo con la obra innovadora de Paul Sandby, y los artistas
empezaron a aplicar la pintura directamente sobre el papel sin atenerse a
contornos previamente dibujados. Esta evolución marcó la madurez de la
acuarela como modalidad artística y se hizo muy popular. Los temas abarcaban
mucho más allá del paisaje, incluyendo las composiciones místicas de William
Blake y las sátiras sociales de las caricaturas de Thomas Rowlandson.
En manos de algunos artistas, la naturaleza pastoril y apacible de la
acuarela fue sustituida por el drama, la grandiosidad y lo sublime. John Robert
Cozens, por ejemplo, realizó acuarelas muy evocadoras de los Alpes suizos y
ejerció una importante influencia sobre los dos grandes maestros ingleses de la
acuarela, Thomas Girtin y Joseph Mallord William Turner. En la primera mitad del
siglo XIX, este último alcanzó una brillantez y luminosidad que no ha encontrado
parangón; para describir sus acuarelas se decía que habían sido "pintadas con
vapor teñido".
5. ACUARELAS EN AMERICA Y EUROPA
La acuarela no destacó tanto en otros países europeos.
En Francia utilizaron mucho esta técnica algunos pintores románticos como
Géricault o Delacroix. La facilidad que proporcionaba a los artistas para
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representar la luz y la atmósfera tuvo una influencia menor en
el movimiento impresionista que se desarrollaba en Europa a finales del siglo XIX,
aunque algunos artistas aprovecharon su rápido secado para captar el instante
fugaz.
En España fueron diestros acuarelistas Mariano Fortuny y Ricardo Madrazo
entre otros. El empleo de la técnica de la acuarela estaba más extendido en
Estados Unidos. Sus principales representantes a partir de 1870 eran John
Sargent y Winslow Homer, el primero con escenas europeas brillantes y el
segundo con representaciones realistas y absolutamente espontáneas de los
bosques de Maine y de escenas caribeñas.
En el siglo XX, la acuarela ha tenido un papel relativamente pequeño,
destacando ocasionalmente en la obra del postimpresionista francés Paul
Cézanne y del vanguardista suizo Paul Klee. Sin embargo, en general, ha
quedado eclipsada por sus parientes más brillantes y expresivos, el gouache y la
pintura acrílica.
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CAPITULO II
TECNICAS DE LA ACUARELA
La técnica de la acuarela se basa en la superposición de capas
transparentes, lavados, utilizando la blancura del papel para obtener efectos y
toques de luz. A medida que se superponen más lavados el color se hace más
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profundo. El color de la acuarela se puede modificar añadiendo o quitando agua,
usando pinceles, esponjas o trapos.
La acuarela da muchas posibilidades: la técnica del lavado permite crear
degradados o lavados uniformes, incluso superposición de colores.
Con la técnica húmedo sobre húmedo se pinta con la acuarela sobre el
soporte previamente humedecido, obteniendo un efecto diferente. También se
pueden realizar lavados del pigmento una vez seco, dependiendo del papel, del
pigmento y la temperatura del agua. La limpieza con esponja u otro elemento
absorbente, el raspado, son algunos ejemplos de las amplias posibilidades que
ofrece la acuarela.
1. TÉCNICA HÚMEDO SOBRE HÚMEDO
Una de las técnicas más usadas es la del papel mojado, también se conoce
como acuarela húmeda o técnica de pintar "húmedo sobre húmedo". Consiste en
mojar o humedecer el papel sobre el que vamos a pintar y, a continuación, con el
pincel bien cargado de color damos pinceladas, horizontales, suaves, inclinado el
papel para que corra el color consiguiendo un degradado.
También podríamos conseguir un color totalmente plano, sin ningún
degradado, simplemente dejando el papel totalmente plano y cargando el pincel,
en cada pasada, con la misma cantidad de tinta o color. A estas capas de pintura
se les denomina "aguadas", "baños" o "capas de lavado". Después, y una vez
seca la primera capa, se pueden superponer distintos baños. Si los baños
anteriores no se han secado se mezclaran los colores, produciendo, la mayoría de
las veces, efectos no deseados.
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1.1.VARIACIONES DEL BAÑO POR FUSIÓN
Esta práctica tiene que realizarse sobre un color aún húmedo, con el fin
de cambiar o variar el tono o color original en aquellas partes que lo requieran.
En realidad es una especie de superposición sobre húmedo que ofrece
grandes posibilidades para múltiples efectos en paisaje, arquitectura, cielos,
ropajes, etc. Una ampliación de este medio técnico es el goteado.
1.2.EL GOTEADO
Es una del ampliación o variante del anterior, consiste en aprovechar el
momento en que una tinta está aún húmeda para depositar sobre ella una o
varias gotas de un pincel bien cargado, con agua pura, con la misma tinta en
intensidad diferente, o con otro color y de manera que la gota se funda casual
aunque guiándola inclinando el papel hacia uno u otro lado teniendo en cuenta
el grado de humedad que en ese momento mantenga el papel. Evidentemente
no obtendremos los mismos resultados si el papel está muy cargado de
humedad y el pincel con el que "goteamos" deposita poca cantidad de
pigmento o si por el contrario, el papel tiene poca humedad y el pincel lleva
una carga considerable. En el primer caso se diluirá con el color de fondo, en
el segundo se mezclará con el pero conservando unos bordes radiantes bien
definidos.
Un color mezclado con otro por este método y siempre que no se les
toque después, determina una composición desintegrada y desigual, en la que
los dos colores, aunque mezclados, se aprecian distintamente. Es excelente
para cielos, follaje, carnes y en la resolución de nubes, goteando, los colores
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dorados y cálidos, en intensidades claras sobre las partes iluminadas, y los
fríos y más intensos en las zonas de sombra.
El color goteado puede modificar cualquier baño y dar calidades más
ricas y excelentes efectos de textura. Si se quiere aplicar el goteado sobre un
baño ya seco, humedézcase éste con agua limpia que ablande el color
aplicado. Cuando el color esté lo suficientemente blando, sin que el papel se
halle excesivamente saturado de humedad, es el momento de aplicar las gotas
del color.
1.3.TRANSICIÓN ENTRE COLORES
Si queremos pasar de un color a otro de forma gradual, sin que exista
una divisoria clara a continuación de haber depositado el primer color en el
papel con una cantidad de humedad suficiente, extenderemos la segunda tinta
de tal manera que inclinando unos 15º el tablero se vayan mezclando los
colores. Una vez obtenida la mezcla en la zona escogida situaremos el tablero
nuevamente en la horizontal y seguiremos depositando el segundo color. Por
este método se obtienen unas bellas fusiones que resultan útiles y de gran
efecto en cielos, reflejos, paisajes, etc.
2. TÉCNICA HUMEDO SOBRE SECO
Consiste en pintar con un color aguado (más agua que pigmento) y cuando
éste se haya secado, pintar con otro color también aguado. Así en la intersección
de colores, si estos son primarios, conseguiremos el color complementario
Los colores se quedan fijos, no se esparcen, consiguiendo zonas
perfectamente delimitadas.
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El primer paso, en la ejecución de un acuarela, es la de aplicar baños
tenues, superponiendo un color sobre otro, cuando esté seca la capa inferior o
empleando la técnica de pintar "húmedo sobre húmedo". También se podrían
emplear colores intensos y finales.
En la resolución de un tema, normalmente, se emplean ambas técnicas, la
acuarela húmeda para cubrir y colorear grandes superficies, segundos planos,
cielos, etc., y la segunda para resaltar primeros planos, para añadir detalles
finales, sin que se mezclen los colores. También es muy sutil para desdibujar,
enmascarar contornos muy definidos, empleando para ello pinceles viejos y
deformados.
2.1.LAS SUPERPOSICIONES DE COLOR
La aplicación de un color sobre otro ya seco, las superposiciones,
tienen una gran importancia en la acuarela. Se considera uno de los procesos
necesarios para añadir calidades abstractas al color. El color básico, color
general o de fondo, influirá en todos los colores transparentes que le
superpongamos.
Por regla general, en las superposiciones, se debe aplicar primero el
color más cálido, por ejemplo, para obtener un color anaranjado, pondremos
primero el color rojo y, una vez seco, superpondremos el amarillo, para el
violeta, primero bañaremos con color rojo y después con el azul. Cuando se
actúa al revés, ponemos primero el color frío y a continuación el cálido, el
resultado es totalmente diferente. El color frío neutraliza al cálido
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ensuciándolo. Cuando un color resulte opaco o apagado y queremos darle
luminosidad, se deberá velar con una tinta más luminosa y transparente.
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CAPITULO III:
FUSIÓN DE LAS TÉCNICAS
Ésta técnica, por lo general suele llamarse la técnica del “papel mojado” y
es que para lograr los efectos deseados se tiene que humedecer mucho el papel
con el pincel y diluir bastante los colores en el agua.
Antes de comenzar primero hay que hacer una serie de ejercicios para ir
familiarizando tanto con los pinceles como con la cantidad de humedad que se
necesita para trabajar con esta técnica. Los ejercicios son degradados y de
“cielos”, así como de combinación de colores; antes de comenzar a hacer
pinceladas se debe “encintar” el papel, primero se humedece la superficie dando
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una “mano” con pura agua sobre el papel. El pincel debe contener una cantidad
de agua moderada para que no se vaya a estropear el papel, se da una “mano”
de agua y se comienza pintando en cada cuadro con un color primario, una vez
que se tenga los 3 cuadros pintados con los colores primarios, se comienza a
pintar el siguiente con una combinación entre el primero y el segundo y así
sucesivamente, en la siguiente imagen se ve más gráficamente donde A, B y C
son los colores primarios y a continuación se va haciendo las combinaciones
entre los colores.
El siguiente ejercicio es el de los degradados, se puede repetir el
ejercicio anterior pero en lugar de rellenar todo el cuadro con un color “plano”;
se irá comenzando en la parte superior o inferior con una tonalidad fuerte y
luego se va degradando hasta que se diluya el color y se convierta en blanco.
1. CAPAS DE LAVADO POR FUSIÓN
El ejercicio de los “cielos” se puede practicar bajo este método,
básicamente consiste en aplicar una capa húmeda con un color y a
continuación cuando la capa aún está fresca se superpone otra capa húmeda
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con el color que se quiere combinar, con esto los pigmentos de los colores se
mezclan de una manera irregular y cuando se seca produce unos efectos
espectaculares que se puede usar, sobretodo para atardeceres o cielos
nublados.
Una vez que se halla familiarizado un poco con esta técnica entonces
podremos comenzar a hacer algo más elaborado, la acuarela aplicada a la
arquitectura, nos sirve para darle color a todos los dibujos,
En el caso de un paisaje se divide el dibujo en capas como si fuera
serigrafía y se tiene que ir centrado y pintando capa por capa, es
importantísimo encintar las capas para evitar mezclas de colores, ya que de lo
contrario llevará desagradables sorpresas en las uniones de los colores y
quedarán unas manchas muy feas.
La acuarela en el mundo de la arquitectura la podemos encontrar
desde plantas arquitectónicas, secciones fugadas, alzados y perspectivas, las
perspectivas a mano alzada pintadas con acuarela realmente es de lo más
espectacular, creativo, artístico y conceptual en donde podemos encontrar
dentro de la expresión arquitectónica, se recomienda mucho usar la acuarela,
sobretodo cuando se está conceptualizando o “boceteando” ya que da unos
resultados espectaculares. También es importante decir que no existe una
técnica asentada o definida para pintar en acuarela, esto se hace como el
dibujo: Con mucha práctica e intuición.
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CONCLUSIONES
La acuarela es una pintura sobre papel o cartulina con colores diluidos
en agua. Los colores utilizados son transparentes (según la cantidad de agua
en la mezcla) y a veces dejan ver el fondo del papel (blanco), que actúa como
otro verdadero tono. Se compone de pigmentos aglutinados con goma arábiga
o miel. En sus procedimientos se emplea la pintura por capas transparentes, a
fin de lograr mayor brillantez y soltura en la composición que se está
realizando.
Sin embargo existe la acuarela híper realista que va en contra de este
postulado y que utiliza barnices para no remover las primeras capas y dar por
sucesivas veladuras un claroscuro muy detallado pero carente de la
translucidez de la acuarela clásica.
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Podemos concluir que la pintura es algo que no se puede remplazar ya
que tiene todo lo dicho y establecido desde los tiempos remotos. Las técnicas
estudiadas en ésta monografía, nos muestran las grandes características para
poder realizar pinturas llenas de misterios, impresionismo y que son
reconocidas en el mundo por sus autores quienes los elaboraron.
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FUENTES
http://www.monografias.com/trabajos6/acua/acua.shtml
http://www.todacultura.com/acuarelas/aquahumeda.htm
https://es.wikipedia.org/wiki/Acuarela#T.C3.A9cnica
http://www.papelidades.com/2011/03/pintar-con-acuarelas-acuarela-
seca.html
http://www.todacultura.com/acuarelas/aquaseca.htm
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ANEXOS
Acuarela Renacentista
Acuarela Inglesa
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Acuarela en América y Europa
1 Técnica Húmedo sobre Húmedo
2 El goteado
3 Transición entre colores
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Técnica: Húmedo sobre seco
Thomas Girtin, Abadía Jedburgh desde el río, acuarela sobre papel, 1798-99.
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