Nuestra galeria del arte

El arte en el Barroco

El arte en Europa

Pintura barroca en

EuropaFicha técnica:• Pintada en 1602.• Su autor es Caravaggio.• La obra se encuentra en el

Museo Staatliche de Berlín.

El amor victorioso.

Descripción del cuadro• Es una obra de Caravaggio pintada para Vicenzo Giustiniani; es un

cuadro que representa la imagen de Cupido. El niño está sonriente y nos transmite felicidad.

• La luz entra por el lado derecho enfocando el cuerpo. El cuadro tiene tres planos: en el primero está Cupido en el centro del cuadro, sujeta dos flechas en la mano derecha , en el segundo plano, en el suelo hay un libro y varios instrumentos tirados a la derecha de él, tiene la pierna izquierda apoyada sobre una sábana blanca .El resto de la imagen es bastante llamativa tiene como una silla tirada en la parte derecha , pegando a la pared .Destacan los instrumentos que tiene en el suelo porque la luz es bastante fuerte .

• En el tercer plano, está el fondo que es una pared oscura con un reflejo de luz anaranjada en el lado derecho del cuadro.

• El cuadro está pintado con una delicadeza increíble transmitida por el autor, porque si os fijáis, el niño, al mirarle transmite dulzura por la expresión de la cara .( Explicad en qué lo véis)

• La cara, el cuerpo y las alas de Cupido están pintadas de una manera increíblemente realistas, es impresionante como el autor pinta los rasgos de la cara. El cuerpo tiene absolutamente todos los detalles, Cupido está un poco inclinado y Caravaggio pintó perfectamente la postura y las dobleces de la piel. Los instrumentos son los que él utilizaba para inspirarse en sus conquistas del amor.

• Las pinceladas de este cuadro son finas, y muy detalladas.

Pintura barroca en

EuropaFicha técnica:• Es una pintura del artista

holandés Johannes Vermeer, custodiada en el Rijksmuseum de Ámsterdam.

• Fue pintada en 1660-1661

La Lechera

Descripción del cuadro• La luz entra por la ventana que está situada en la esquina

superior izquierda, prácticamente en el centro del cuadro se encuentra la figura de una mujer; ella está vertiendo leche con una jarra en un recipiente de barro que está sobre una mesa, en la mesa, y ,en un primer plano, hay una cesta de mimbre, varios pedazos de pan y una jarra azulada.

• El resto de la habitación es bastante simple, apenas tiene decoración, sólo un cesto colgado en una de las paredes.

• Destacan los sencillos dibujos de los azulejos del fondo de la escena.

En el lado izquierdo del cuadro se encuentran todos los objetos de la habitación. En el lado derecho, está la mujer y una pequeña caja situada en el suelo.En el cuadro hay tres planos: en el primero está la mesa, en la que hay diversos alimentos y el recipiente de barro en el que la mujer vierte la leche. En el segundo plano está la mujer situada prácticamente en el centro del cuadro, con una postura un poco encorvada echando la leche en el recipiente de barro, y en el tercer plano, está la cesta colgada en la pared al fondo de la habitación .Los colores del cuadro son apagados, colores ocres, azules, grises y blancos.El cuadro representa una escena normal de la vida cotidiana, como era propio en el barroco puesto que se quería reflejar la vida en esa época.El cuadro transmite cotidianidad, la mujer está haciendo las labores de la casa, es una mujer real, vestida con ropas de la época, la luz de la habitación es tenue.Las pinceladas de este cuadro son finas, para poder pintar todos los detalles del cuadro.

Pintura barroca en

EuropaFicha técnica:• Pintada por Caravaggio en

1595.• Se encuentra en el Museo

de Arte Kimbell, Fort Worth, Estados Unidos de América.

Los jugadores de cartas.

Descripción de cuadro

• Algunos biógrafos la consideran como el último trabajo de Caravaggio de la etapa primera de su vida. Fue encargado por el cardenal Francesco del Monte, quien la tuvo hasta su muerte.

• La imagen muestra a tres hombres jugando a las cartas;uno de ellos ,el que está en el lado derecho del cuadro, hace trampas sacando con su mano derecha, de su espalda una carta para ganar. El jugador que está enfrente de éste juega honestamente sus cartas. Hay otra tercera persona que está observando al segundo jugador

• En el cuadro la luz entra por el lado derecho iluminando la cara de los dos jugadores sentados.

• En el primer plano tenemos en el lado izquierdo un juego de mesa de la época y, al lado derecho del primer plano, tenemos al primer jugador dando la espalda a los espectadores, para dar profundidad y perspectiva; en el segundo plano ,en el lado derecho del cuadro, tenemos al segundo jugador de cara a los espectadores. En el tercer plano tenemos al tercer personaje con la cara inclinada hacia las cartas del segundo personaje para poder observarlas. Y en el cuarto y último plano tenemos una pared pintada con colores ocres oscuros y, al lado derecho de ésta ,un foco de luz.

• Los personajes del cuadro están vestidos de época.• El primero lleva en la cabeza un sombrero de color negro, con

una pluma de un color medio rojizo colgando, sus ropajes son de colores azules, ocres con adornos negros, en la cadera lleva colgado una especie de arma, y en la espalda lleva las cartas guardadas con las que quiere hacer trampas.

• El segundo jugador que está situado en el segundo plano lleva un sombrero negro, sus ropas son oscuras, se podría decir que lleva una especie de blusón, y debajo de éste una camisa blanca, la cara de éste jugador nos transmite tranquilidad.

• La ropa que llevan los personajes es de época, con colores oscuros, negros, marrones, ocres.

Pintura barroca en

EuropaFicha técnica:• Pintada por Jan Vermeer

van Delft en 1665.• Se encuentra en Museo

Mauritshuis de La Haya (Holanda).

La joven de la perla

Descripción del cuadro• La luz entra en el cuadro por el lado izquierdo, como si un foco de luz alumbrara

directamente la cara de la muchacha que está situada de lado, pero su cara mira hacia nosotros.

• La obra nos transmite alegría, como el nombre del cuadro nos indica lo que más nos llama la atención es el pendiente de perla que lleva la muchacha. Los ojos de ella nos transmiten esperanza y sus labios tienen una forma muy delicada. Ésta pintura también es conocida como “ La mona lisa del norte”.

• En el cuadro hay dos planos, en el primero se encuentra la muchacha, vestida de época, en la cabeza lleva como una especie de turbante de color azul ajustado al contorno de su cabeza, y de él cuelga una especie de pañuelo amarillo con adornos azules al final. Lleva puesta como un vestido de color marrón y, debajo de éste ,una especie de blusa blanca. Pero ,sin ninguna duda ,lo que mejor se puede apreciar es el pendiente. El autor ha sabido cómo reflejar la belleza de la perla ,al utilizar perfectamente las sombras.Ésta es de color grisáceo.

• En el segundo plano lo único que hay es un fondo de color negro que nos transmite profundidad y, a la vez, gracias, a este plano oscuro, el primer plano es resaltado con más facilidad.

• Como anteriormente hemos dicho, la luz entra por el lado izquierdo del cuadro posándose en la cara y en las prendas de la muchacha resaltando sus rasgos.

• La muchacha está mirando al espectador para implicarle en la obra.

Escultura barroca en

EuropaFicha técnica:

• Es un grupo escultórico en mármol, La obra del escultor y pintor Gian Lorenzo Bernini. Fue realizada entre 1647 y 1651.

• Está en la Iglesia de Santa María de la Victoria, Roma, Italia.

Éxtasis de Santa Teresa

• Esta considerada una de las obras maestras de la escultura del alto barroco romano.

• Representa a Santa Teresa de Jesús, escritora mística y reformadora de la sociedad religiosa, que fue beatificada en el año 1614 por Paulo V (canonizada en 1622).

• La capilla es una explosión de mármol de color, metal y detalles. Filtros de luz a través de una ventana por encima de santa teresa, subrayados por rayos dorados. La cúpula tiene frescos con un cielo de trampantojo, lleno de querubines, con la luz descendente del Espíritu Santo representado en forma de paloma. En las paredes laterales, hay relieves a tamaño real de la familia Cornaro.

• Las dos figuras principales que centran la atención derivan de un episodio descrito por santa Teresa de Ávila en uno de sus escritos, en el que la santa cuenta cómo un ángel le atraviesa el corazón con un dardo de oro. La escena recoge el momento en el que el ángel saca la flecha, y la expresión del rostro muestra los sentimientos de Santa Teresa, mezcla de dolor y placer.

• La escultura es un bulto redondo que forma un grupo escultórico de cuerpo entero.

• Santa Teresa de Jesús aparece yacente sobre una especie de manto y al Espíritu santo de pie flotando encima de Santa Teresa.

• Su localización está dependiente de la arquitectura.• La textura de la obra es lisa con relieves pulidos. • Su volumen tiene multiplicidad de puntos de vista aunque la mejor

manera de observar a esta obra es de frente.• Transmite movimiento real, la incidencia de la luz es contrastada

carece de policromía sólo posee el propio del mármol y el que le aporta la luz.

• Las formas de expresión son naturales.

Escultura barroca en

EuropaFicha técnica:• El rapto de Proserpina es un

escultura realizada por Berni ni entre los años 1621 y1622

• Está en la Galería Borghese, es un museo situado en Roma.

El rapto de Proserpina

• Fue encargada por Scipione Borghese, que se la cedió al Cardenal Ludovico Ludovisi en 1622, quien la llevó a su villa . Permaneció allí hasta 1908, cuando el Estado italiano la adquirió y la devolvió a la Galería Borghese. Representa a Proserpina siendo raptada por Plutón, soberano de los infiernos trata el tema de la violencia siguiendo los modelos de la escultura helenística

• El cuerpo del dios es el de un varón maduro, está hacia delante y el cuerpo de Proserpina no pisa el suelo ,pero tiende hacia atrás sus brazos, pidiendo ayuda con uno y rechazando la cabeza del dios con el otro.

• Es un bulto redondo, se puede observar desde todos los ángulos, la obra es de cuerpo entero, los dos protagonistas están de pie. La obra es independiente de la arquitectura, está pulida en mármol. La obra es pulida, el movimiento es real, la luz es contrastada, el color de la obra es el mismo que el del mármol, la forma de expresión de la obra es natural

• Proserpina fue hija de Ceres y Júpiter, y se le describía como una joven sumamente encantadora.

• Venus, para dar amor a Plutón, envió a su hijo Amor (también conocido como Cupido) para que acertase a Plutón con una de sus flechas. Proserpina estaba en Sicilia, en el lago Pergusa, donde se bañaba, jugaba con algunas ninfas y recogía flores. Entonces Plutón surgió del cercano volcán Etna con cuatro caballos negros y la raptó para casarse con ella y vivir juntos en el Hades, el inframundo grecorromano, del que era gobernante. Plutón era también su tío, pues Júpiter y Ceres eran sus hermanos. Así pues, Proserpina es la Reina del Inframundo.

• Su madre Ceres, diosa de los cereales o la Tierra, marchó a buscarla en vano por todos los rincones del mundo, pero no logró hallar más que un pequeño cinturón que flotaba en un pequeño lago (hecho con las lágrimas de las ninfas). En su desesperación Ceres detuvo enfurecida el crecimiento de frutas y verduras,y se arrancó los vestidos y se arañó la cara, cayendo así una maldición sobre Sicilia. Ceres rehusó volver al Olimpo y empezó a vagar por la tierra, convirtiéndose en desierto lo que pisaba. Perdió su hoz en la ciudad de Trápani.

• Preocupado, Júpiter envió a Mercurio para que mandara a Plutón que liberase a Proserpina. Éste obedeció, pero antes de dejarla ir le hizo comer seis semillas de granada(un símbolo de fidelidad en el matrimonio), de forma que tuviese que vivir seis meses al año con él, pudiendo permanecer el resto con su madre. Ésta es pues la razón de la primavera: cuando Proserpina vuelve con su madre, Ceres decora la tierra con flores de bienvenida, pero cuando en el otoño vuelve al Hades, la naturaleza pierde sus colores.

Arquitectura barroca en Europa

Ficha técnica:• Construido en el año 1633

por la familia Barberini, está en Roma.

Palazzo Barberini

• Es una de las dos sedes de la Galería Nacional del arte Antiguo y el Istituto Italiano di Numismatica.

• La planta se compone de un cuerpo central, profundamente abierto al exterior (realizado más tarde por Bernini), y dos alas que avanzan a ambos lados. El cuerpo central realizado por Bernini consta de un pórtico con molduras dóricas sobre el que se alzan dos cuerpos que sobresalen, la primera con pilastras jónicas, y la segunda corintias. Los arcos de este último piso producen un efecto óptico de perspectiva en profundidad gracias a estar construidos por dos arcos concéntricos, alzados sobre las dos bases de un trapecio simétrico, y unidos por planos inclinados respecto al de la fachada y por un tronco de cono.

• La planta del Palazzo Barberini no sólo tiene el primer auténtico movimiento en profundidad del barroco, sino fuerte tendencia de sistematización y de organización más práctica. La planta del segundo piso contiene 13 salas dedicadas a pintores italianos. La entrada al ala izquierda del palacio nos conduce hasta una gigantesca escalinata cuadrada de Bernini. La de Borromini, mucho más pequeña y ovalada, se alza a pocos metros de la entrada que conduce al ala derecha. No volvió a repetirse el motivo del pórtico profundo y contraído, aunque la planta en general habría de tener importancia en el desarrollo del palacio barroco fuera de Italia.

• Pero en Italia, el Palazzo Barberini seguía siendo una obra singular que representaba una síntesis de tipos que no correspondía a las tradiciones arquitectónicas del país. Maderno, Bernini, Borromini y Piero da Cortona contribuyeron a que el Palazzo Barberini fuese una manifestación única del arte barroco; el último de ellos con su magnífico techo del Gran Salone que decoró con un enorme fresco. Bernini incluyó en el palacio una escalera abierta de cuatro tramos que anticipa las grandes escaleras de los palacios del barroco tardío. El Palazzo Barberini demuestra como un fuerte eje longitudinal es el medio fundamental introducido por la arquitectura barroca para organizar la planta de un edificio y su relación con el ambiente urbano .

• El material con el que está construido el palazzo es de piedra que tiene un color amarillento.

• La fachada tiene tres pisos con numerosísimas ventanas en cada planta.• No tiene movimiento

Arquitectura barroca en Europa

• Las obras se iniciaron hacia 1668 por Louis Le Vau. Las continuó Jules Hardouin-Mansart en 1678. Los interiores fueron decorados por Charles Le Brun. En 1770 Luis XV de Francia mandó añadir la casa deL'Opéra.

• Se encuentra en Versailles

Palacio de Versailles

• Fue construido en tres etapas:• Primera etapa (1661-1668): Sería un palacete de caza al que se añadieron

dos alas laterales que, al cerrarse, conformaron la plaza de armas. Son fachadas de ladrillo y unifica la cubierta usando también la pizarra y las mansardas.

• Segunda etapa (1668-1678): Luis XIV pretende trasladar definitivamente la corte a Versalles. Añaden las dos alas laterales para dar prioridad visual al jardín, realizado por André Le Nôtre. La fachada que da al jardín está construida siguiendo el modelo italiano. Un primer piso de sillares almohadillados. Un piso noble de doble altura con crujías retranqueadas, jugando con entrantes y salientes y alternando columnas y pilastras. Por último, un tercer piso que sería el ático, rematado por una serie de figuras escultóricas (trofeos y jarrones) que casi no dejan ver la caída de la cubierta, la cual no es muy inclinada. Llegaron a vivir en él hasta 20.000 personas.

• Tercera y última etapa (1678-1692): En esta ampliación, realizada por Mansart, se construyó la capilla real. Dicha capilla, sería posteriormente copiada en el Palacio Real de Madrid, España. Situada en el Ala Norte del Palacio, fue construida en dos alturas, estando situada en la altura superior la Tribuna Real, desde donde el Rey y su familia atendían a la Misa.

• El jardín de Versalles es clasicista, ordenado, racionalizado. Con el paisajismo se obliga a la circulación. Crea una organización que relaciona todas las esculturas y fuentes y ensalza la monarquía. Las esculturas se señalan unas a otras. Progresiva civilización del jardín: muy ordenado, podado y cuidado en la zona próxima al palacio, y después se va asilvestrando, es decir que se hace más silvestre a medida que nos alejamos del palacio.

• El conjunto del palacio y parque de Versalles, incluyendo el Gran Trianón y el Pequeño Trianón, fue declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1979.

El arte en España

Pintura barroca en

EspañaFicha técnica:• Cuadro pintado por Diego

Velázquez.• Acabado en 1656.• Se encuentra en el Museo

del Prado en Madrid (España).

Las Meninas

• El tema central es el retrato de la infanta Margarita de Austria, colocada en primer plano, rodeada por sus sirvientes, «las meninas», aunque la pintura representa también otros personajes. En el lado izquierdo, se observa parte de un gran lienzo, y, detrás de éste, el propio Velázquez se autorretrata trabajando en él. El artista resolvió con gran habilidad todos los problemas de composición del espacio, gracias al dominio que tenía del color y a la gran facilidad para caracterizar a los personajes. El punto de fuga de la composición se encuentra cerca del personaje que aparece al fondo abriendo una puerta, donde la colocación de un foco de luz demuestra, de nuevo, la maestría del pintor, que consigue hacer recorrer la vista de los espectadores por toda su representación. Un espejo colocado al fondo refleja las imágenes del rey Felipe IV y su esposa Mariana de Austria, medio del que se valió el pintor para dar a conocer ingeniosamente lo que estaba pintando, según Palomino, aunque algunos historiadores han interpretado que se trataría del reflejo de los propios reyes entrando a la sesión de pintura o, según otros, posando para ser retratados por Velázquez, siendo en este caso la infanta Margarita y sus acompañantes quienes visitan al pintor en su taller.

• Las figuras de primer término están resueltas mediante pinceladas sueltas y largas con pequeños toques de luz. La falta de definición aumenta hacia el fondo, siendo la ejecución más somera hasta dejar las figuras en penumbra. Esta misma técnica se emplea para crear la atmósfera nebulosa de la parte alta del cuadro, que habitualmente ha sido destacada como la parte más lograda de la composición. El espacio arquitectónico es más complejo que en otros cuadros del pintor, siendo el único donde aparece el techo de la habitación. La profundidad del ambiente está acentuada por la alternancia de las jambas de las ventanas y los marcos de los cuadros colgados en la pared derecha, así como la secuencia en perspectiva de los ganchos de araña del techo. Este escenario en penumbra resalta el grupo fuertemente iluminado de la infanta.

• Como sucede con la mayoría de las pinturas de Velázquez, la obra no está fechada ni firmada y su datación se apoya en la información de Palomino y la edad aparente de la infanta, nacida en 1651. Se halla expuesta en el Museo del Prado de Madrid, donde ingresó en 1819 procedente de la colección real.

• 1. Infanta Margarita. La infanta, una niña en el momento de la realización de la pintura, es la figura principal. Tenía unos cinco años de edad y alrededor de ella gira toda la representación de Las Meninas. Fue uno de los personajes de la familia real que más veces retrató Velázquez, ya que desde muy joven estaba comprometida en matrimonio con su tío materno y los retratos realizados por el pintor servían, una vez enviados, para informar a Leopoldo I sobre el aspecto de su prometida. Se conservan de ella excelentes retratos en el Museo de Historia del Arte de Viena. La pintó por primera vez cuando no había cumplido los dos años de edad. Este cuadro se encuentra en Viena y se considera como una gran obra de la pintura infantil. Velázquez la presenta vestida con el guardainfante y la basquiña gris y crema.

• 2. Isabel de Velasco. Hija de don Bernardino López de Ayala y Velasco, VIII conde de Fuensalida y gentilhombre de cámara de su Majestad. Contrajo matrimonio con el duque de Arcos y murió en 1659, tras haber sido dama de honor de la infanta. Es la menina que está en pie a la derecha, vestida con la falda o basquiña de guardainfante, en actitud de hacer una reverencia.

• 3. María Agustina Sarmiento de Sotomayor. Hija del conde de Salvatierra y heredera del Ducado de Abrantes por vía de su madre, Catalina de Alencastre, que contraería matrimonio más tarde con el conde de Peñaranda, Grande de España. Es la otra menina, la situada a la izquierda. Está ofreciendo agua en búcaro, una pequeña vasija hecha de arcilla porosa y perfumada que refrescaba el agua. La menina inicia el gesto de reclinarse ante la Infanta real, gesto propio del protocolo de palacio.

• 4. Mari Bárbola (María Bárbara Asquín). Entró en Palacio en 1651, año en que nació la infanta y la acompañaba siempre en su séquito, «con paga, raciones y cuatro libras de nieve durante el verano». Es la enana hidrocéfala que vemos a la derecha.

• 5. Nicolasito Pertusato.Enano de origen noble del Ducado de Milán que llegó a ser ayuda de cámara del rey y murió a los setenta y cinco años. En la pintura está situado en primer término junto a un perro mastín.

• 6. Marcela de Ulloa. Viuda de Diego de Portocarrero y madre del cardenal Portocarrero. Era la encargada de cuidar y vigilar a todas las doncellas que rodeaban a la infanta Margarita. Se encuentra en la pintura, representada con vestiduras de viuda y conversando con otro personaje.

• 7. El personaje que está a su lado, medio en penumbra, es el único del que no da el nombre Palomino, mencionándolo sencillamente como un guardadamas.

• 8. José Nieto Velázquez. Era el aposentador de la reina, así como el propio pintor lo era del rey. Sirvió en palacio hasta su fallecimiento. En la pintura queda situado en el fondo, en una puerta abierta por donde entra la luz exterior. Se muestra a Nieto cuando hace una pausa, con la rodilla doblada y los pies sobre escalones diferentes. Como dice el crítico de arte Harriet Stone, no se puede estar seguro de si su intención es entrar o salir de la sala.35

• 9. Diego Velázquez. El autorretrato del pintor, se encuentra de pie, delante de un gran lienzo y con la paleta y el pincel en sus manos y la llave de ayuda de cámara a la cintura. El emblema que luce en el pecho fue pintado posteriormente cuando, en 1659, fue admitido como caballero de la Orden de Santiago. Según Palomino, «algunos dicen que su Majestad mismo se lo pintó, para aliento de los Profesores de esta Nobilísima Arte, con tan superior Chronista; porque cuanto pintó Velázquez este cuadro, no le había hecho el Rey esta merced».

• 10 y 11. Felipe IV y su esposa Mariana de Austria. Aparecen reflejados en un espejo, colocado en el centro y fondo del cuadro, pareciendo indicar que es precisamente el retrato de los monarcas lo que estaba pintando Velázquez.

Pintura barroca en

EspañaFicha técnica:• Pintada en 1650 por

Murillo.• Se encuentra en el Museo

del Prado en Madrid (España).

La Sagrada familia del pajarito

• La Sagrada familia del pajarito es una de las obras más populares de Murillo, pintor barroco de la escuela sevillana. La obra fue realizada al óleo sobre lienzo hacia 1650. El nombre de la obra hace alusión al pajarito que el Niño Jesús enseña al perrillo que tiene a sus pies. Es una escena tierna, familiar, con Jesús apoyado en los brazos de su padre San José. Parece una escena de género de una casa de humilde condición más que una obra religiosa. No hay ningún elemento que nos hable de religión o santidad; no hay nimbos de santos, no hay resplandores celestes, etc. La madre, la Virgen María, con una manzana en la mano y un hilo en la otra, ha parado un momento el trabajo para mirar embelesada a su rubio retoño. San José, como padre solícito y protector, no había tenido nunca tanto protagonismo en la historia del arte. Pero durante la Contrarreforma la devoción a San José creció considerablemente. El culto fue promovido por jesuitas y carmelitas, instituciones religiosas que a partir de mediados del siglo XVI impulsaron la devoción a San José entre sus fieles. Santa Teresa de Jesús le declaró patrono de todos los conventos de carmelitas que iba fundando.

• Murillo resalta el valor de San José como trabajador. El mundo del trabajo aparece en el banco de carpintero con diversos objetos y la sierra de mano que aparecen a nuestra derecha. La Virgen también trabaja en una devanadora de hilo; a sus pies tiene una cesta de costura con la labor realizada o que tiene que realizar. El cuadro responde a la técnica tenebrista que se había puesto de moda en Sevilla. Hay un potente foco de luz que entra por nuestra izquierda y que incide sobre los tres rostros. Es un tenebrismo matizado: los rostros están perfectamente modelados. El fondo uniforme, oscuro y neutro, no impide que nos demos cuenta de que la habitación es muy sencilla. Con esta suavidad de los rostros resaltan más los personajes sobre el fondo oscuro. El protagonista del cuadro es el Niño, que recibe más luz y que está situado en medio del cuadro.El dibujo, como siempre en Murillo, es seguro y elegante. Según quería la Contrarreforma, por la piedad, por el sentimiento, el cristiano debería llegar a Dios, y nada más adecuado para entender esto que este cuadro.

Pintura barroca en

España• Ficha Técnica:• Su Autor es Diego

Velázquez.• La pintó desde 1619 hasta

1622.• Se encuentra en el museo

Wellington en Londres

El aguador de Sevilla

• Aparecen dos figuras en primer plano, un aguador y un niño, y al fondo un hombre bebiendo de un jarro, por lo que se ha sugerido que podría representar las tres edades del hombre. Velázquez sigue destacando por su vibrante realismo, como demuestra en la mancha del agua que aparece en el cántaro de primer plano; la copa de cristal, en la que vemos un higo para dar sabor al agua, o los golpes del jarro de la izquierda, realismo que también se observa en las dos figuras principales que se recortan sobre un fondo neutro, interesándose el pintor por los efectos de luz y sombra. La luz es de un tipo tenebrista. El colorido que utiliza sigue una gama oscura de colores terrosos, ocres y marrones.

• En un primer plano del cuadro, está el cántaro inicial de barro. En un segundo plano hay un segundo cántaro menos encima de la mesa, que está pegado a la pared horizontal. En éste cántaro hay incisuras en forma de óvalo.

• En el tercer plano esta el aguador con un vaso de cristal con un higo dentro sujetándola con la mano, y un niño. Hay pinceladas finas.

• En un cuarto plano hay un hombre difuminado. Hay pinceladas mas gruesas.

• El foco de luz viene de la esquina inferior izquierda, que da a los cántaros, a la cara del niño y al vaso del aguador.

• Predominan los colores ocres, marrones y el claroscuro.• Hay detalles realistas, como el traje del niño y la raja del hombro

izquierdo del traje del aguador .• El modelo de este cuadro fue un corso llamado “El Corzo”, lo pintó entre

1616-1620. El aguador aparece con un porte impotente.• Psicológicamente el aguador es un hombre experimentado, fuerte y

sosegado. Y en el cántaro se resbalan unas gotas de agua.

Escultura barroca en

EspañaFicha técnica:• La obra se realizó en 1614. Fue esculpido por los

escultores Juan de Bolonia y Pedro Tacca.

Se encuentra en la plaza mayor de Madrid (España).

Felipe III

• La Estatua de Felipe III se encuentra en la Plaza Mayor. Esta estatua fue un regalo del gran duque de Florencia Cosme de Médicis a Felipe III, representando a éste a lomos de su caballo. Fue esculpido por los escultores Juan de Bolonia y Pedro Tacca. Con un peso de unas cinco toneladas y media, fue colocada, originariamente, frente al antiguo palacete de la Casa de Campo. Sin embargo, esta estatua, a propuesta del concejal del Ayuntamiento Ramón Mesonero Romanos, fue trasladada a la Plaza Mayor el día 22 de marzo de 1848, colocándose en esta la siguiente inscripción:” La reina doña Isabel II, a solicitud del Ayuntamiento de Madrid, mandó colocar en este sitio la estatua del señor rey don Felipe III, hijo de esta villa, que restituyó a ella la corte en 1606, y en 1619 hizo construir esta Plaza Mayor. Año de 1848”.

• La estatua fue retirada en dos ocasiones de la plaza. La primera fue en 1873 tras la proclamación de la República, permaneciendo en un almacén hasta la subida al trono del rey Alfonso XII a finales del año 1874. La segunda ocasión ocurrió en 1931, en la madrugada del 14 de abril de 1931, en los días de desconcierto que siguieron a las elecciones municipales, antes de la proclamación de la Segunda República, al ser derribada por grupos republicanos. Posteriormente fue restaurada.

• Durante La Guerra Civil, fue protegida mediante una obra de ingeniería salvándola de cualquier otro asunto que pudiera ocurrir.

Escultura barroca en

EspañaFicha técnica:• Es una escultura

de candelero realizada en el siglo XVII por un autor anónimo, aunque ha sido atribuida a diversos escultores relacionados con el taller de Pedro Roldán, entre los que destaca su hija La Roldana.

• Ubicada en el barrio sevillano de San Gil.

La virgen de la Macarena

• Se trata de una imagen perteneciente al Barroco, y fechada hacia 1680. Es de las denominadas de candelero, para vestir, y está realizada en madera de pino y ciprés con una altura de 175 centímetros.

• El rostro muestra una belleza casi adolescente, con una mascarilla de excelente factura; posee una expresividad insólita estableciendo un modelo de Virgen dolorosa que ha sido imitado hasta la saciedad. En la actualidad ,mantiene la cabeza recta, con peluca natural y la mirada dirigida levemente hacia el suelo. Sus cejas arqueadas, acompañadas de los párpados hinchados y las mejillas enrojecidas reflejan el dolor y angustia que pretende representar la imagen.

• Posee ojos realizados en pasta vítrea con el iris policromado en tonos castaños, y dispone de pestañas de pelo natural en la parte superior. Su boca entreabierta muestra la lengua proyectada hacia adelante, y tiene los dientes superiores tallados; recorren sus pómulos cinco lágrimas de cristal que simbolizan las cinco angustias padecidas por la Virgen.

• Sus manos se encuentran abiertas, con dedos torneados y palmas extendidas portando un manípulo en la mano derecha y un rosario en la izquierda. Posee corona de oro de ley y esmaltes, enriquecida con diamantes. Luce en el pecho sus características mariquillas, así como la medalla de Oro de la ciudad de Sevilla que le fue impuesta en 1971.

Arquitectura barroca en

EspañaFicha técnica:• Juan de Herrera diseñó una

plaza en el lugar, pero fue Gómez de Mora quien, en tiempos de Felipe III llevó adelante el proyecto.

La Plaza Mayor

• El nombre de la plaza ha variado a lo largo de la historia, del primigenio nombre de «Plaza del Arrabal» pasó a llamarse «Plaza Mayor».

• Es ,sin duda,la más bella plaza de Madrid, por su armonía y por la proporción de sus casas, que conforman su estructura.

• En el año 1617 Felipe III encargó la finalización de las obras a Juan Gómez de Mora, que las acabaría en 1619. Casi treinta años antes se erigió en su parte norte el primer edificio de la plaza, la Casa de la Panadería, obra de Diego Sillero. Contaba con estancias para los reyes en la planta principal y venta de pan en la planta baja. Frente a ella y en la parte sur de la plaza, la Casa Carnicería, para la venta de carne. Ambos edificios singulares han conocido destinos diversos en su historia.

• La plaza ha sufrido varios e importantes incendios. El primero de ellos en 1631, siendo el propio Diego Sillero el encargado de su reconstrucción. El más importante ocurrió en 1790 y destruyó casi la mitad de las edificaciones; Juan de Villanueva sería el encargado de su reconstrucción en este caso. Se procedió al cierre de las esquinas, abriendo arcadas de acceso y rebajando la altura de sus casas de cinco a tres alturas.

• Las obras se prolongaron mucho tiempo, muriendo Villanueva entre tanto y continuando la reconstrucción sus discípulos hasta su finalización en 1854.

• La plaza ha sido escenario de muchas de las páginas de la historia española, desde las fiestas por la beatificación de San Isidro en 1620 hasta las proclamaciones de reyes, autos de fe o ejecuciones, sin olvidar las fiestas de toros y de cañas.

• En 1848, Mesonero Romanos solicitó a Isabel II la colocación en Plaza Mayor de una estatua ecuestre del rey Felipe III, que en ese momento estaba en la Casa de Campo y que era obra de Juan de Bolonia y de Pedro Tacca.

• La Plaza Mayor también ha sufrido diferentes reformas a lo largo de los años. La última de ellas aconteció en los años sesenta de la pasada centuria. Se procedió al cierre del tráfico rodado y se creó un aparcamiento subterráneo. En 1992 se llevó acabo una nueva decoración de la fachada de la Casa de la Panadería, obra de Carlos Franco.

• Las dimensiones de la Plaza son las siguientes: 129 metros de largo por 94 metros de ancho. Cierra el rectángulo una casa de tres alturas con doscientos treinta y siete balcones orientados a la Plaza y con soportales sostenidos por pilares de granito. Estos soportales han albergado numerosos comercios tradicionales. Actualmente, predominan los establecimientos de hostelería-

Arquitectura barroca

EspañolaFicha técnica:• Realizado por José

Churriguera.Desde 1693 – 1696.

• Se encuentra en Convento de San Esteban (Salamanca).

Retablo de San Esteban

• En el primer cuerpo ,seis grandes columnas salomónicas, recubiertas de decoración vegetal, lo recorren, en cuyo centro se haya el tabernáculo concebido como un templete, flaqueado por un par de columnas a cada lado; entre éstas y las dos de los extremos se encuentran dos hornacinas que dan cobijo a las esculturas de Santo Domingo de Guzmán y San Francisco de Asís, atribuidas al autor del retablo.

• El segundo cuerpo tiene como centro y remate una pintura de Claudio Coello cuyo tema es el martirio de San Esteban.

• Todo está dorado y recubierto de profusa decoración, dando lugar a uno de los mas monumentales retablos barrocos típicamente españoles, característicos del llamado estilo churrigueresco.