natalia carminati · de todos los animales.” george orwell (rebelión en la granja) ... ** los...

NATALIA CARMINATI | dossier | www.nataliacarminati.com |

Natalia Carminati


BIOGRAFíA

Natalia Carminati (Buenos Aires 1982) Vive y trabaja en Barcelona.

Ha estudiado en talleres privados de artistas en Buenos Aires, México y Perú, donde fue colaboradora de la revista de arte político Chillico. En 2009 estudió con el artista Knox Martin en The Art Students League of New York, EE.UU. Fue asistente de arte en Chashama Art Studios (Nueva York) donde colaboró con el escultor cubano Florencio Gelabert. En 2013-4 realizó su tutoría de obra en la Escola Massana. Actualmente es residente en Fabra i Coats y colaboradora en Satelite Food Cultura en el Mercat de La Boquería.

Ha participado en exposiciones individuales y colectivas en Buenos Aires, México, Nueva York y Barcelona.

Mi trabajo se interesa por identificar e investigar los procesos de invisibilización que operan en distintos mecanismos socio-culturales creando paradigmas decodificados y decodificantes. Estas dinámicas se filtran en objetos, textos, creencias, tradiciones, hábitos y conceptos que obstinadamente se aferran a nuestra realidad. La frágil relación de estos elementos con su propio origen, la cotidianidad y su valor en la actualidad, me permite aislarlos de su contexto habitual para transformarlos conceptual y visualmente. La obra surge como un nuevo escenario que actúa como contenedor de estos elementos catalizando contradicciones y ambigüedades. De esta manera, la obra se convierte en un nuevo elemento decodificado que invita al espectador a renegociar su percepción del mundo.

STATEMENT


Proyectos (selección)

[ performance + intervención + instalación + escultura + pintura + vídeo + cocina ]

“El hombre es la única criatura que consume sin producir. Él no da leche, no pone huevos, es demasiado débil para jalar el arado, no puede correr lo suficientemente rápido para atrapar conejos. Y, aún así, es el Sr. De todos los animales.” George Orwell (Rebelión en La Granja)

Entendiendo la cadena alimentaria como una estructura de jerarquía y poder, el proyecto utiliza diferentes medios visuales y sensoriales proponiendo un recorrido a través de la especie humana como cadena de eslabones en los que el objeto moldea y domina al sujeto.

En su Teoría de la Alienación, Marx plantea que el hombre se diferencia del animal por su capacidad de objetivizar el producto que realiza. Cadena Alimentaria parte de la premisa de que, en la actualidad, es el producto el que “objetiviza” al ser humano transformándolo en un instrumento al servicio de la producción. Así, el proyecto reinterpreta al eslabón productor de la cadena alimentaria mostrando al hombre como carne envasada con su funcionalidad, trazabilidad y precio por hora determinados. De esta manera, en la obra Carnivore el hombre es alimento. En la instalación Herbívoros el alimento es el dinero. En perfecta simbiosis con la publicidad, el dinero “nos da lo que necesitamos” generando el sometimiento de nuestra especie. Pac-Art reinterpreta al eslabón de los carnívoros reversionando al popular videojuego “Pac-Man” y a la obra “Saturno Devorando un Hijo” de Goya para analizar las relaciones entre los seres de la especie humana. Cuatro Patas Sí, Dos Pies No reinterpreta al eslabón de los carroñeros a través de una instalación sonora que toma como referencia la sociedad orwelliana y la composición 4’33’’de John Cage. Plastívoros fue creado como un eslabón propio de la especie humana que, a través de una investigación e intervención artística, lleva al límite el valor visual del alimento manipulando su valor nutricional.

De la misma manera, el (eco)sistema se presenta como un escenario de posibilidades condicionadas y exigencias tácitas marcadas por estándares pre-establecidos que genera, y a la vez, es (in)voluntariamente sometido el ser humano. Las obras reflejan formas de realidad que encarnan el trinomio hombre-alimento-animal enfatizando la enajenación y alienación de la esencia humana.


Cadena Alimentaria (2016)

1 - Carnivore[performance + intervención / acción + vídeo + instalación ] Obra realizada en colaboración con Livemedia y con el apoyo de supermercados Sorli Discau.

Carnivore representa al 1er eslabón de la cadena alimentaria, los productores. Carnivore es el nombre de un software usado por el FBI que se instala en los proveedores de acceso a internet y, tras una petición proveniente de una instancia judicial, rastrea y registra todo lo que un usuario hace durante su conexión a internet. Carnivore comparte esta información con la industria con el fin de desarrollar estándares adecuados a los requerimientos del sistema.

Considerando actuales formas de control como Carnivore y tomando como referencia la Teoría de la Alienación Marxista, la obra se ocupa de reflejar a la especie humana como productores. Si bien Marx plantea que el hombre se diferencia del animal por su capacidad de objetivizar el producto que realiza, Carnivore parte de la premisa de que, en la actualidad, es el producto el que “objetiviza” al ser humano transformándolo en un instrumento al servicio de la producción. De esta forma, la obra refleja que el hombre es alimento. Así, a través de una performance e intervención en un supermercado, se muestra al ser humano como carne envasada con su denominación, descripción funcional, trazabilidad y precio por hora determinados.

[Performance] 7’15’’

La performance fue realizada en los vestuarios de Fabra i coats en colaboración con Livemedia.

Esta performance esta basada el Método Abramovic, patentado por la artista performativa Marina Abramovic con el fin de "Preservar el Arte Performativo" (PPA). El método Abramovic sólo puede aprenderse en el Marina Abramovic Institute (MAI) ubicado en Hudson, EE.UU. En MAI, todos los estudiantes tienen que atenerse a un código de vestimenta específico y repetir una serie de acciones dirigidas por Abramovic a través de un video. La performance, documentada a tiempo real por el equipo de Livemedia, me muestra como una ficticia estudiante del MAI.

[intervención] 8’39’’

La intervención fue realizada en el sector de neveras de carnes envasadas del supermercado Sorli Discau. Articulándose con la performance realizada en Fabra i Coats, ingreso al supermercado utilizando el mismo vestuario que bien podría ser el de cualquier agente de control de calidad alimentaria. Allí re-etiqueto 20 envasados de carne previamente seleccionados según su estética. Cada etiqueta materializa una investigación que profundizó en distintos ejes: la actual producción masiva de carnes, los distintos convenios laborales que regulan los salarios y la teoría de la alienación de Karl Marx. Por otro lado, las profesiones/actividades laborales que he elegido para la intervención corresponden a aquellas que estructuran la sociedad orwelliana descripta en Rebelión en La Granja.


PPA, Preserve Performance Art. En Procés 2016, Fabra i Coats.


[performance + intervención] video 15’55’’ loop. Ver video en vímeo: https://vimeo.com/193888331

Carnivore, vista del panel de 90 etiquetas envasadas. Taller 2, Fabra i Coats - Fàbrica de creació.

Carnivore, detalle de la instalación. En Procés 2016, Fabra i Coats.


profesión / actividad laboral

contenido del envase

valor de plusvalía que genera

código de barras correspondiente /*ver anexo

**valores descriptos:[ser-genérico][enajenación]

[propiedades Dios-sobrenatu-rales]

[capital]

precio por hora(según “convenios”

laborales)

número de trazabalidad / número de móvil

Caducidad / reciclable

ARTISTA PL ÁSTICOPREPARADO DE CARNE 100% ARTISTAPLÁSTICO MEAT

INGREDIENTES: [GATTUNGSWESEN] destete*, [ENTFREMDUNG] destete,[SUPERNATURAL GOD FEATURES] comercial*,[KAPITAL] destete

[SURPLUS VALUE] Filantrópico

8,90 €P.P.H:

Nº de LOTE : 9724994918

Fecha de caducidad :

Información de etiqueta.

** Los valores descriptos corresponden a conceptos desarrollados por Karl Marx en su Teoría de la Alienación.

destete / engorde / sacrificado / comercial describen diferentes instancias del proceso de producción masivo de carnes para el consumo.

filantropía / fellertropía es una referencia a la caridad de tipo capitalista.

UPC / Universal Product Code. Used in the US, Canada, the United Kingdom, Australia and New Zealand for retail products .

EAN / International Article Number. Standard barcodes used in more than 100 countries for retail products.

GS1 / Global Standards One. Universal Product Code. Used in over 110 countries for supply and demand chains across multiple sectors.

Code 39 / widely used in many industries and is the standard for many government barcode specifications, including the U.S. Department of Defense.

ANEXO / Código de barras

Code 11 / is used primarily in telecommunications.

2 - Herbívoros[instalación interactiva]

Esta obra reinterpreta al segundo eslabón de la cadena alimentaria, aquellos animales que se alimentan de hierba.

Herbívoros reflexiona sobre el valor del dinero para la especie humana contemporánea. En la instalación, el dinero cumple la función de alimento llenando un comedero de cerdos con 100 billetes de un dólar americano. Si bien la estética traduce abundancia, la realidad es mezquina. Un total de sólo 100 dólares se racionaliza en billetes de uno para alimentar a 100 personas. Un cartel invita al público a coger un billete con la boca, tal y como lo harían los animales para alimentarse. El cartel hace referencia al actualmente muy comercial “Keep Calm and Carry On” - un cartel propagandista inglés creado en la segunda guerra mundial que la publicidad y el merchandising han popularizado.

La instalación refleja el sometimiento de la especie humana al dinero enfatizando la fuerte simbiosis que se produce entre el dinero y la publicidad. La obra ridiculiza la avidez de dinero que dirige las acciones humanas. A su vez, utiliza el propagandismo como publicidad para poner en evidencia la vulnerabilidad de nuestra especie.

Herbívoros, 2016. Fabra i Coats - Fàbrica de creació. Comedero para cerdos, 100 billetes de 1U$S americano, poster.60 x 50 x 25 cm


Herbívoros, detalles de la instalación.


3 - PAC-ART[escultura + pintura + videojuego + interacción] Esta obra reinterpreta al 3er eslabón de la cadena alimentaria, los carnívoros.

Pac-Art es una reversión del popular videojuego Pac-Man, originalmente inspirado en una pizza personificada que acumula puntos a medida que come todo lo que encuentra en su camino. Pac-Art mantiene la dinámica original del videojuego transformando sus personajes y elementos más característicos. Así, pac-man se transforma en artista, al igual que los fantasmas que lo amenazan y que pueden quitarle vidas. A su vez, cuatro píldoras del arte le dan a pac-art el poder para comer a los fantasmartistas y acumular puntos. Distintas obras de arte irán apareciendo intermitentemente para que pac-art pueda comérselas y ganar más puntos aún. El objetivo del juego es el de acumular la mayor cantidad de puntos que se registrarán en un highscore. El pac-art ganador será aquel que más fantasmartistas, píldoras y obras de arte haya comido.

Los paneles laterales de Pac-Art reversionan la pintura “Saturno Devorando a un Hijo” de F. de Goya recuperando el detalle de la obra original que, según se cree, mostraba a Saturno con su pene erecto. De esta forma, Pac-Art refleja que la supervivencia de la especie a costa de la propia especie es parte de la esencia humana a través de los tiempos, desde la mitología griega y romana, hasta la historia del arte y nuestra contemporaneidad. La obra es la gamificación de la lucha por el poder que gobierna las relaciones entre los seres de nuestra especie.


Pac-Art, 2016 Máquina: paneles de dm, aluminio, pvc, aerosol, óleo sobre paneles de dm, vinilos adhesivos laminados, metacrilato, t-moulding, panel led, altavoces 4w, joystick Arcade, monitor Dell.Videojuego: PacArt fue programado en unity 3d. Conexión desde ordenador HP.175 x 65 x 75cm


Pac-Art, 2016. Vista de la marquesina


Pac-Art, 2016. Vista del panel central

PAC-ART / LA MÁQUINA

Diseño para el vinilo del panel frontal


Diseño para vinilo de puerta

PAC-ART / LA MÁQUINA

Diseño de marquesina


Panel de puntos extras. Izquierda Pac-Man / derecha Pac-Art.

PAC-ART / EL VIDEOJUEGO


Fotograma del video de inicio



Fotograma del video de final de juego. Sólo podrá verlo el jugador que pase los siete niveles del videojuego.



4 - Cuatro patas sí, dos pies no[instalación sonora]

Esta obra reinterpreta al cuarto eslabón de la cadena alimentaria, los carroñeros.

El título de la instalación hace referencia a la consigna que solían repetir las ovejas y aves en Rebelión en la Granja de George Orwell. Éstas analfabetas y acríticas con el régimen, personifican al campesinado, o bien, “la masa” que sigue al líder. Para ellos y los animales menos inteligentes se ingeniaron consignas sencillas, como “4 patas sí, 2 pies no” que solían repetir todo el día.

En la obra, esta consigna alude a la postura corporal sugerida al público para poder escuchar la composición sonora. Un escalón separa al espectador de los cascos al mismo tiempo que le permite apoyar las manos adoptando una postura de casi cuatro patas. Los cascos están fijados a 1,20mts de altura correspondiente a la estatura media del homo habilis, considerado como la especie más antigua de género Homo.

La composición sonora toma como referencia la obra más famosa y controvertida de John Cage 4’33’’. Esta composición representa el comienzo de la música noise (del inglés 'ruido'), en la medida en que está creada a partir de sonidos incidentales o aleatorios que representan la tensión entre sonidos «deseables» e indeseables «ruidos».

La obra apela a diferentes estímulos para sumergir al espectador en la misma confusión entre animal-humano / víctima-depredador que crea George Orwell en su novela satírica.

Estructura de la composición:

movimiento 1 : 33´´ movimiento 2 : 2´40´´ movimiento 3 :1´20´´

Sonidos:

A: sonido producido por el cerdo al ser sacrificado.B: sonido producido por el lector de códigos de barra de los supermercadosC: sonido del vómito humano.D: silencio.

Escuchar audio en vimeo: https://vimeo.com/174787005


Cuatro patas sí, dos pies no, 2016. vista de la instalación sonora. En Procés 2016. Estructura fija desmontable, auriculares, reproductor de mp3, audio 4’33’’ (loop)120 x 55 x 55 cm


5 - Plastívoros[investigación + intervención artística + cocina + interacción]

Este eslabón de la cadena alimentaria es propio de la especie humana.

Plastívoros se basa en una investigación sobre los comportamientos alimenticios actuales, sobre todo, en las generaciones más jóvenes. En la especie humana contemporánea, el alimento se aleja cada vez más de su función de alimentar. La industria alimenticia, regida por los mismos principios que cualquier otra industria, fabrica masivamente productos comestibles que son visualmente atractivos, a la vez que ahorran tiempo y esfuerzo. Para los niños, sus propios juguetes se han transformado en productos masticables que ingieren a costas de su propia salud. Como consecuencia, la mitad de la población mundial sufre de obesidad. Los más afectados son los infantes menores de 17 años entre quienes se ha duplicado el número de obesos en la última década, convirtiendo la diabetes en su epidémica amenaza.

La obra juega con el protagonismo que ha adquirido el valor visual del alimento por sobre su valor nutricional. Partiendo de las populares gominolas, la investigación realizada decanta en una intervención en los paquetes de gominolas “Haribo”. Conservando su estética original, las observaciones realizadas y los datos registrados se camuflan en el imaginario Haribo. Así, la información recopilada se filtra en el elemento cotidiano, transformando el componente rutinario en un espacio reflexivo.

En contrapartida a la masiva industria de los dulces, he realizado nubes caseras con forma de bebé siguiendo una receta familiar. Estas nubes fueron cocinadas de una en una utilizando azúcares refinados y de producción ecológica para llegar a resultados estéticos diferentes. De esta forma, las nubes caseras revelan por qué la industria decanta por ingredientes cada vez más artificiales. Las nubes se ofrecerán al público, jugando con el límite de lo que nuestra vista considera comestible.

Plastívoros, 2016 Intervención en paquete de Haribo “Ositos de Oro” - pegatina sobre envase original.


Plastívoros, 2016 Nubes caseras con forma de bebé. Receta casera realizada con azúcares refinados, integrales y de producción ecológica.


[performance + interacción + cocina ] MACBAesviu 12/11/2016, Museu d’Art Contemporani de Barcelona

"El pan es, probablemente, el alimento más universal que existe. Uno de los pocos alimentos que se pueden considerar superculturales ".

FoodCultura / Miralda, Panlingua

Creada por la artista catalana Marta Archilés, "Cua de Gall" es una actuación que celebra el pan. En esta velada celebrativa del pan, lo visual tendrá especial importancia gracias a una puesta en escena colorista inspirada en el origen de la palabra cóctel, del inglés cock-tail (cola de gallo), animal venerado en muchas culturas y admirado por el colorido de las plumas de su cola. Los asistentes no solo podrán degustar un original cóctel de pan, sino también regalarse los oídos con una selección especial de canciones con el pan como protagonista. Así pues, la propuesta tiene como objetivo generar una experiencia pensada desde los cinco sentidos en un entorno incomparable como es la réplica de El Internacional Tapas Bar & Restaurant –restaurante de Miralda en Nueva York (1984-1986)– en el MACBA.

EQUIPO COLABORATIVO:Programación Artística: Inés CañellasProductores: Juan David Galindo y Raúl HerreraInvestigación: Yaiza Bocos y Júlia de LuísComunicación: Inés Cañellas y Marc TamajónSelección de la música: Yaiza Bocos, Aleix Castany y Robin BazoPerformers: Juan David Galindo, Yaiza Bocos, Natalia Carminati y Aleix Castany

Link: http://macba.es/es/cua-de-gall


Cua de Gall(2016)

“El Internacional”, MACBA (Museu d’Art Contemporani de Barcelona)


Vistas parciales de la performance. MACBA, 2016


Estado Plástico (2016)[ instalación + escultura + pintura ]Estudi Tigomigo, Terrassa, 2016

En la industria, Estado Plástico se refiere al estado que pueden alcanzar determinados materiales sintéticos cuando se encuentran viscosos o fluidos y, por tanto, no tienen propiedades de resistencia a esfuerzos mecánicos. Este estado es ideal para los diferentes procesos productivos ya que el material puede manipularse y adecuarse a formas concretas ya existentes.

La exposición Estado Plástico presenta una instalación escultórica y dos instalaciones pictóricas que reflejan al cuerpo humano como uno de estos materiales capaces de entrar en estado plástico. De esta manera, la obras muestran al cuerpo como un instrumento u objeto fabricado que posee estas propiedades de elasticidad y flexibilidad que permiten que este sea moldeado y adaptado a diferentes formas y aplicaciones de la realidad.

Ego, obra en construcción es una instalación escultórica que refleja una realidad amputada por advertencias, normas y prohibiciones que actúan desde escenarios mundanos de nuestra realidad para proyectarse a nuestro escenario personal en forma de limitaciones visuales y barreras invisibles que no nos permiten llegar a nuestro verdadero yo. La instalación propone una realidad creadora de maniquís blancos como metáfora de un yo neutro y deshumanizado.

Memotest es una instalación pictórica que muestra las relaciones entre cuerpos humanos formando composiciones que sugieren escenas prefabricadas. El cuerpo es un desconocido que responde a imágenes mecánicas y estáticas adoptando posturas robóticas. Así, las relaciones entre cuerpos se establecen desde la coincidencia espacial reflejando vacío y superficialidad.

El Origen del Mundo Llora establece un diálogo entre dos reversiones de la obra Gustave Coubert. Por un lado, refleja la agresión a la que el cuerpo de la mujer es involuntariamente sometido como respuesta a prácticas religiosas heredadas del pasado y, desde este lugar, cuestiona la agresión a la que voluntariamente someten su cuerpo una gran cantidad de mujeres en la actualidad como respuesta a parámetros que regulan el valor de belleza.

Estado Plástico reúne estas tres obras para enfatizar como el escenario de la realidad actual domina y moldea al cuerpo humano transformándolo en mero objeto.

Ego, obra en construcción (2014-16) Detalles de la instalación. Estudi Tigomigo, 2016Maniquí, pintura plástica, poliestireno espejado, metacrilato, tubos de metacrilato, film transparente120 x 200 x 200 cm


Ego, obra en construcción. Detalles de la instalación, Estudi Tigomigo, 2016.


Memotest, 2015. Instalación pictórica, Estudi Tigomigo, 2016Acrílico sobre tela ( 20 pinturas de 32 x 44 cm), cajas de madera (20 piezas de 36 x 48)

Posturas:La Catapulta I, II Las Aspas del Molino I, IICara a Cara I, II La Jinete I, IILa Sorpresa I, II La Carretilla I, IILa Sirena Voladora I,II La Cruz I, IIEl Candelabro I, II El Barco en el Agua I, II

La Cruz I, 2015 La Cruz II, 2015

El Origen del Mundo Llora II, 2016. Instalación pictórica, Estudi Tigomigo, 2016Óleo sobre tela, seis guantes de latex, acrílico.pintura: 46 x 55 cm



El Origen del Mundo Llora I, 2013. Instalación pictórica, Estudi Tigomigo, 2016Óleo sobre tela, modelos de manos de madera, guantes de látex, esmalte dorado, metacrilato blanco.pintura: 46 x 55 cm


Sincretismo Navideño (2015)[ instalación dinámica + escultura + performance]Escalera de Incendios, Barcelona, 2015

Sincretismo Navideño surge como respuesta visual a la decisión del entonces director del MACBA (Museu d’Art Contemporani de Barcelona), Bartomeu Marí, de cancelar la exposición "La Bestia y el Soberano" por considerar inapropiada la obra "Not Dressed for Conquering / Haute Couture 04 Transport" de la artista austríaca Inés Doujak. La escultura representa al ex rey de España Juan Carlos I siendo sodomizado por la líder sindicalista boliviana Domitila Barrios (1937-2012), quien a su vez es sodomizada por un pastor alemán.

En la Navidad de 1977, Domitila Barrios lideró un ayuno masivo que logró derrocar la presidencia de Banzer (1971-78). En la Navidad del 2015, Bartomeu Marí es el protagonista del tradicional fanal latinoamericano que reune ofrendas alrededor de su figura de caganer.

Ofrendas colaborativas de Efren Alvarez y Victor Jaenada.

Caganer Bartomeu Marí, 2015. Escalera de Incendios, 2015Acrílico sobre tradicional figura de caganer de escayola.13 x 5 x 5 cm


Vista y detalles de la instalación.

Ofrenda 1: reinterpretación de "Not Dressed for Conquering" de Inés Doujak. Natalia CarminatiOfrenda 2: billete de Lotería de Navidad con la fecha de nacimiento de Bartomeu Marí. Natalia CarminatiOfrenda 3: un libro de "Coreano para principiantes" en el que están traducidas al coreano las declaraciones de Bartomeu Marí al asumir su cargo en el NMCA de Seúl. Natalia CarminatiOfrenda 4: Tres granos de arroz basmati marca blanca del supermercado LIDL. Victor JaenadaOfrenda 5: Un puñado de arroz basmati marca blanca del supermercado LIDL. Victor JaenadaOfrenda 6: Un paquete de arroz basmati marca blanca del supermercado LIDL. Victor JaenadaOfrenda 7: Martina Millà y Carles Guerra. Figuras plegables impresas en papel. Efren AlvarezOfrenda 8: Oscar Abril Ascaso y Chris Dercon. Figuras plegables impresas en papel. Victor JaenadaOfrenda 9: Ferran Barenblit y Vicente Todolí. Figuras plegables impresas en papel. Victor JaenadaOfrendas del público: Un Cáliz con sangre y dos frases de Atahualpa Yupanqui. Juan CruzUn Cactus Escalera de IncendiosUna hoja de coca ofrenda espontánea


Sincretismo Navideño, 2015. Detalles de la instalación. Escalera de Incendios, 2015

Sincretismo NavideñoSincretismo Navideño es una

instalación dinámica que recupe-

ra la práctica del fanal, una

antigua tradición chilena ya

perdida en nuestros tiempos.

El fanal cohabita con el caganer,

una popular tradición de

Catalunya.

En la obra, la tradicional figura del

pagès fue intervenida pictórica-

mente para revelar entre sus

formas al ex-director del MACBA,

Bartomeu Marí. La generalmente

apartada figura del caganer se

convierte en la figura central de

la instalación para enfatizar el protagonismo que gobernó la decisión de

Marí al cancelar la inauguración de la exposición La Bestia y El Soberano.

Los elementos tradicionales llegan a nuestra realidad como heredados

y, por lo tanto, el objeto está dotado con más valor en sí mismo que en

su propia historia. Al impregnarse de valores actuales, estos elementos

se introducen en nuestro imaginario desde lo conocido, pero como un

desconocido. Tradición y realidad se enfrentan. El valor originario de

estos elementos no se presenta como un valor real sino como una

ironía o como un valor sincrético que revela la confusión generada de

la comunión de elementos propios y ajenos.

Así, la obra apela a la memoria histórica desde la resignificación de

elementos culturales que, a su vez, nos permiten recuperar la memoria

de nuestra propia actualidad.

El espíritu de las ofrendas de esta instalación enfatizan la

indisoluble relación entre la libertad de expresión y la creación

de obras de arte genuinas. De la misma manera, las ofrendas

resaltan la fuerza de la voz gestada desde el proceso creativo,

que en el caso de Not Dressed for Conquering de Inés Doujak

gritó su mensaje más fuerte luego del fallido intento de

Bartomeu Marí por callarla.

Así, las ofrendas se apropian del espacio que inicialmente

promovía la propuesta expositiva de La Bestia y el Soberano,

poniendo en cuestión las relaciones de dominación que

estructuran las instituciones de arte.

Los espectadores están invitados a realizar una ofrenda

alrededor del fanal o a realizar un aporte en la limosnera. Esta

limosnera hace referencia a la lucha que caracterizó la vida de

la lider boliviana Domitila Barrios de Chungara. La hoja de

coca como símbolo del hambre del pueblo; hambre que fue

arma de lucha en la huelga impulsada por la lider boliviana y

que logró liberar a los trabajadores de la mina, presos bajo la

dictadura de Banzer durante las navidades de 1977.

Ofrendas

Si

ins

rarar

ant

pe

E

una

C

En

p

men

fofof

B

ap

co

A finales del siglo XVIII y

durante el s.XIX, se origina

la práctica de los fanales

asentándose especial-

mente en Chile. Esto se

debe a factores técnicos y

teológicos. Por un lado,

la industrialización de la

escultura permite la distribu-

ción de imágenes religiosas

abaratando sus costes.

Por otro lado, en el s.XVIII el Obispo Alday prohíbe la celebración

pública de la Navidad, la cual se transforma en una fiesta privada

y familiar. De esta manera, la adoración del Niño Dios entra a las

casas internándose en el espacio privado. Las familias de la

burguesía chilena utilizaban una cúpula de cristal denominada

fanal, que servía para proteger al Niño Dios. Durante la “Novena

de Aguinaldos”, los nueve días previos a la Navidad, se abría el

fanal cada día para colocar ofrendas a la imagen adorada.

La “Novena de Aguinaldos” sigue celebrándose en algunos

países de Latinoamérica como preparación para la Navidad.

El Fanal

El origen de esta tradición se sitúa entre finales del siglo XVII

y principios del siglo XVIII, cuando la figura del caganer

comienza a aparecer en el belén catalán. Tradicionalmente, el

caganer representa la figura de un campesino ataviado con la

indumentaria tradicional catalana. Más modernamente se

han realizado todo tipo de versiones del caganer, utilizando

también la imagen de personajes populares.

En general, esta figura se sitúa en un rincón apartado del

belén. Aunque no se conoce con exactitud cuál es la razón

para colocar esta figura, se

cree que el caganer con

sus heces fertiliza la tierra,

por lo que se le considera

un símbolo de prosperidad

y buena suerte para el año

siguiente, no hacerlo compor-

taba desventura. La tradición

del caganer está aceptada

plenamente por la Iglesia.

El Caganer

Sincretismo Navideño, 2015. Flyer informativo frente y dorso.


del CONCEPTUALISMO ESTÉTICO

MANIFESTOConcepto + investigación + estética + investigación = Obra de arte

[Todo el proceso se ejecuta con absoluto frenesí]

El Conceptualismo Estético tiene por objeto de estudio el concepto de la obra de arte y la estética de la obra de arte. El concepto de la obra de arte es determinado por el artista. La estética de la obra de arte es determinada por la obra.

Sobre el CONCEPTO + INVESTIGACIÓN

El Conceptualismo Estético investiga el concepto de la obra a través del

método desarrollado por los Conceptualistas Estéticos, el CUBISMO

CONCEPTUAL1.

1 El Cubismo

2 Conceptual es un método de investigación que sostiene que una misma realidad

se quiebra en muchas realidades divergentes cuando es mirada desde diferentes puntos de vista. 2

¿Por qué Cubismo? El cubismo fue el primer movimiento que necesito una exégesis por parte

de la crítica, llegando a considerarse el discurso escrito tan importante como la misma práctica

artística. De ahí en adelante, todos los movimientos artísticos de vanguardia vinieron

acompañados de textos críticos que los explicaban. Además de las M.P.*

Por lo tanto, la investigación conceptual adopta múltiples perspectivas* (M.P.).

A través del cubismo conceptual, el Conceptualista Estético se ocupa de

descubrir las incongruencias de la realidad. Estas incongruencias se

manifiestan como elementos, comportamientos, objetos, textos, imágenes,

tradiciones e infinitos etcs. que, así como en la patafísica, despiertan una

fascinación tal que constituyen el eje del desarrollo artístico.

El Conceptualista Estético es libre pensador, por lo tanto, utiliza formas del

lenguaje que le permiten potenciar la libertad de expresión como la ironía y

la ambigüedad, aunque no se limita a ningún lenguaje en particular.

Sobre la ESTÉTICA + INVESTIGACIÓN

El Conceptualismo Estético se maravilla ante la belleza estética o la belleza

antiestética que revela una profunda investigación. La estética es nuestro

objeto de estudio. A su vez, la estética tiene por objeto de estudio la esencia

y la percepción de la belleza / las razones y emociones estéticas.

El Conceptualismo Estético no acepta que la estética de la obra de arte sea el

azaroso resultado de una improvisación, aún cuando aprecia la

espontaneidad y la improvisación.

El Conceptualismo Estético siempre es ejemplo de eclecticismo estético.

Según la RAE, estilo: carácter propio que da a sus obras un artista plástico o

un músico.

[ya hemos dicho que La Obra determina su propia estética. El artista se abandona a

las necesidades de la obra.]

Según el Conceptualismo Estético, estilo: capricho humano.

[Aún así, el Conceptualista Estético no deja de interesarse en la obra de artistas

genuinamente caprichosos.]

El Conceptualismo Estético busca deshumanizar el arte evitando que la obra

tenga su centro de gravedad en lo humano. El Conceptualista Estético es

anti-ego / anti-céntrico.

El Conceptualismo Estético es anti- de la ecuación artista=obra.

El Conceptualismo Estético tiene como objetivo la creación de ecuaciones

como metáforas en cuanto:

Ecuación: igualdad o paralelismo entre dos o más cosas.

El Conceptualismo Estético crea paralelismos buscando la unión entre

diferentes mundos conceptuales y diferentes mundos estéticos.

Metáfora: definimos metáfora según el pensamiento de Ortega y Gasset como

la forma elemental del objeto estético.

Metáfora: definimos metáfora según el pensamiento de Ortega y Gasset como

la potencia más fértil que el hombre posee. En cual caso, el Conceptualismo

Estético no se asusta de ser utilizado como fértil herramienta de denuncia.

A partir de la ideas desarrolladas por Ortega y Gasset en Ensayo de estética a

modo de prólogo, el conceptualismo estético cree en la ecuación:

OBJETO ESTÉTICO + OBJETO METAFÓRICO = 1 ULTRA-OBJETO

Los sentimientos específicamente estéticos provocan esos ultra-objetos que

son la obra de arte.

El objeto estético es una intimidad en cuanto a tal. Por lo tanto, el

Conceptualismo Estético considera que la crisis del objeto estético en el arte

radica en la crisis de la intimidad que, en la realidad actual, se ve atentada en

todas sus manifestaciones.

El Conceptualista Estético defiende profundamente la intimidad como esa

comprensión y mirada de cualquier existencia o inexistencia que patenta en el

objeto estético con gozoso frenesí.

Barcelona, 2015 Natalia Carminati


Conceptualismo Estético. MANIFIESTO (2015)[publicación. La navenube ediciones]FLIA, Feria del libro independiente autoeditado. Barcelona, 2015


Festividad-Masacre (2013-14)instalación / escultura / pintura / dibujoEl Born, Barcelona, 2014

Festividad-Masacre explora el lenguaje de las tradicionales corridas de toros como ícono de la cultura hispana trazando un paralelismo entre la masacre taurina y la conquista americana. Cada una de las obras enfatiza la coexistencia de fiesta y muerte que identifican las corridas de toros, para interpretar la historia de la conquista desde ambos lados: la del “descubrimiento” y la del genocidio de las culturas nativas.

Las obras pictóricas y los dibujos utilizan el lenguaje de la cartelería taurina para describir diferentes hechos de la conquista americana y, sobre todo, para proporcionar una representación visual de estos hechos históricamente carentes de imágenes. Las obras utilizan una paleta de colores puros y vibrantes que apelan a una fuerte estética visual materializando fiesta-descubrimiento y muerte-masacre. Las historias que ocurren dentro de ellas recuperan simbología tanto de la cultura hispana como de las culturas nativas que intervienen en los carteles de forma irónica y dialogan sutilmente con el relato de la obra.

Las obras escultóricas y las instalaciones transforman elementos propios de la tauromaquia en obras que analizan las relaciones de poder. Partiendo de la relación torero-toro las obras cuestionan la relación conquistador-indígena trascendiendo la conquista hasta el neocolonialismo gobernante de la actualidad. El neocolonialismo como eco de la historia en la realidad actual, también se materializa en obras que exploran la imposición cultural hispana y cuestionan la herencia cultural desde el sentido de “lo propio”.

El proyecto actúa constantemente como puente de unión entre pasado y presente, reforzado por la tradición y estética de las corridas de toros -uno de los espectáculos más antiguos del mundo vigente en la actualidad. El recorrido de las obras propone visualizar la historia en vez de leerla o escucharla para indentificarla en el presente, llevando a un extremo la naturaleza dual de la realidad. Así, pasado-presente, intercambio-imposición, propio-ajeno, libertad-sometimiento, único-homogéneo, festividad-masacre se funden en la historia y en el presente y se proyectan a hechos que son parte de nuestra realidad actual.

Así como en las corridas de toros, el espectador puede simplemente ver el espectáculo, disfrutar de la fiesta o espantarse ante la masacre. Las diferentes capas de significados que conforman el escenario de cada obra permiten que la relación obra-espectador sea tan cómplice como lejana. Las obras dialogan con el espectador a través de la ironía materializada en sutiles elementos que pueden ser reveladores o bien pasar desapercibidos. Todo el proyecto es de una estética potente y una fuerte carga conceptual que invitan a la reflexión sin forzar ningún pensamiento en concreto. Ambas caras de la misma moneda se presentan como parte de una misma realidad, en la que priman sensaciones universales con las que todos nos podemos identificar ya que son reflejo de nuestra realidad.

A las Indias, 2014 Madera, esmalte sintético, acrílico, cuerno de toro, aserrín, sistema de audioaudio, 0:40” loop119 x 124,5 x 9 cmVista de la instalación

1 - A las Indias es una instalación que recrea la puerta del toril, por donde ingresan los toros a las arenas para dar comienzo a las corridas. Un audio en el que los sonidos del bombeo del corazón se funden con batucadas de rituales indígenas y se mezclan con el grito de toros bramando busca sumergir al espectador en un escenario de festividad y masacre. Sobre el toril está delineado el mapa de América Latina hacia donde apunta el cuerno de toro que forma el pasador. El punto señalado por el cuerno de toro da significado al título de la obra A las Indias nombre que se le dio a las tierras americanas en un principio, ya que eran el destino inicial de la flota comandada por Cristóbal Colón.


2 - COLONización relata “el descubrimiento de América” a través del lenguaje de la cartelería taurina. Los diferentes espacios dentro del cartel revelan los hechos históricos casi de forma cronológica mostrando el encuentro entre Colón y los nativos americanos, la presentación del “descubrimiento” a los reyes católicos y los hechos que se desencadenaron a partir de ese encuentro: la masacre de las comunidades nativas y la explotación de los recursos naturales de las tierras americanas. La obra traza un paralelismo entre el torero y el conquistador así como también entre el toro, el nativo americano y las riquezas naturales de América. Aún cuando las palabras y frases fueron extraídas de carteles originales aportan un tono irónico en el contexto creado por la obra.

COLONización, 2013Acrílico sobre tela101,5 x 53,5 cmColección privada, Barcelona, España


3 - Masacre Festiva destaca elementos de la identidad cultural hispana: la pandereta, la figura de la mujer, las corridas de toros. La fuerza y poder de la cultura hispana ocupa el lugar central del cartel, sobre el cual un delineado negro revela la figura de un nativo muerto. Las finas líneas que forman la figura del nativo americano acentúan la pérdida de poder de los pueblos originarios dejando ver la identidad hispana que se impone y expande a partir de la conquista. La figura del nativo es desproporcionadamente más grande que el resto de figuras que forman parte de cartel, enfatizando la dimensión desproporcionada de masacre que fue la conquista. El arma de muerte atraviesa las miradas desencontradas de los protagonistas de esta historia.

Masacre Festiva, 2013Acrílico sobre tela100 x 50 cm


4 - El Carretón es una herramienta rígida y fuerte que se utiliza para el entrenamiento en el toreo. Normalmente tiene una cabeza de toro plástica y una estructura acolchonada que simula el lomo del toro.

En este caso, la escultura representa un carretón que disfraza al toro de nativo americano o viceversa. Así, la obra cuestiona la dinámica de poder que se establece entre el torero-toro y el conquistador-nativo americano. El torero, de contextura física pequeña y ropajes apretados casi femeninos domina y lleva a la muerte al salvaje toro. De la misma manera, siendo los nativos americanos conocedores de sus tierras y de contextura física fuerte se encontraban en situación de desventaja desde el punto de vista de tecnología bélica, estrategia militar y algunas costumbres y rígidos protocolos nativos que dieron ventaja militar a los conquistadores. La fragilidad de los pueblos originarios está reforzada por la elección de materiales que forman el carretón, ya que aportan una estética más de juguete popular que de herramienta rígida de entrenamiento, como lo es el carretón original.

El Carretón, 2014Materiales varios, banderillas, madera, acrílico, tela, cuerno de toro, cuerno de cordero142 x 97 x 57 cm


Cuitláhac y Muchos Otros, 2014Acrílico sobre tela124 x 62,5 cm

7 - Cuitláhac y Muchos Otros relata la masacre que se produjo de manera no-intencional a partir de enfermedades que los europeos llevaron a América para las que los pueblos originarios que no tenían defensas (esto se produjo hacia ambos lados). El caso más drástico fue la epidemia de viruela, tal vez el factor principal del colapso masivo de la población indígena. La viruela se manifiesta a través de abultamientos amarillentos en la piel, que en esta obra se comparan con el grano del maiz para recurrir a creencias mayas sobre la historia de la creación. Los mayas creían que el hombre se habría originado del maiz, razón por la cual era fuente de fuerza vital y alimento principal de las comunidades nativas americanas.Cuitláhac, penúltimo emperador azteca, muere de viruela a las pocas semanas de vencer a Hernán Cortés en la Noche Triste de 1520. En la obra, es Hernán Cortés quien se ve triunfante, mientras que Cuitláhac esta en la agonia de la muerte junto a muchas otras víctimas infectadas de viruela. La obra crea un profundo diálogo entre vida y muerte evocando al grano de maíz ya que estas culturas creían en la inmortalidad del espíritu.


El Siglo de Oro, 2014Acrílico sobre tela124 x 62,5 cm

8 - El Siglo de Oro europeo nos ha dejado a todos un brillante legado de obras literarias, pictóricas, musicales, arquitectónicas, etc. Fue un siglo de inversiones en las artes que impulsó la cultura española a su máximo esplendor. Sin embargo, gran parte del apogeo cultural y económico de esta época se debió a las toneladas de metales preciosos como el oro y la plata que se importaron de Las Indias hacia Europa. Esta obra intenta recuperar la belleza del siglo del oro a través de los personajes y el escenario del cartel, en apariencia simples pero cuya riqueza abunda si se los mira de cerca. Los delineados dorados auto-intervienen el cartel materilizando la abundancia y aportando la mirada de los pueblos nativos que sufrieron la explotación y apropiación de sus riquezas. Este dominio económico por parte de los conquistadores trascendió los años de la historia y se traduce hoy en las relaciones de neocolonialismo que definen la realidad de los países latinoamericanos.


5 - La Ejecución de Atahualpa revive la ejecución del último gobernante del Imperio incaico ya que marca el principio del fin del Imperio inca, para abrir paso a la expansión del Imperio hispano en América.Atahualpa fue hecho prisionero por Francisco Pizarro luego de negar el cristianismo como religión verdadera y la autoridad del rey Carlos I de España. En prisión, Atahualpa ofreció oro y plata a cambio de su liberación. Después de reunir la cantidad acordada, los españoles lo sentenciaron a muerte en la hoguera el 25 de julio de 1533 por idolatría, fraticidio, poligamia, incesto y lo acusaron de ocultar un tesoro.Según creencias incaicas el cuerpo muerto debía ser embalsamado para lograr su resurrección en el otro mundo. Por esta razón, se le concedió una última opción: ser bautizado como cristiano y luego ahorcado. Antes de su ejecución fue bautizado con el nombre cristiano de Francisco.

La Ejecución de Atahualpa, 2013Cartel de José Puente intervenido con acrílico89 x 46 cm


6 - Puerta al Inframundo es una puerta negra que representa al oscuro túnel del inframundo, que también toma forma a través de las capas y capas de carteles de corridas de toros que hacen referencia a los estratos de historia solapados y enterrados. El xoloicuintle espera al recién ejecutado Atahualpa, o a cualquiera de la víctimas de la guerra de la conquista, para atravesar el túnel del inframundo y todas estas capas de historia que fueron sangre y muerte a lo largo del tiempo, pero que también son la historia de nuestro presente. El xoloicuintle es una raza de perros muy antigua de México. En la mitología maya y azteca, se creía que los xoloitcuintles acompañaban a las almas de los difuntos cuando viajaban al inframundo, por lo que eran sacrificados y enterrados junto con los muertos a los que debía guiar.

Puerta al Inframundo, 2014Puerta de madera, pintura-tinta plástica mate, cartelesde corridas de toros originales, acrílico sobre tela191 x 74 x 5 cm


10 - Popol Vuh, 'libro del consejo' o 'libro de la comunidad' es una recopilación de narraciones míticas, legendarias e históricas del pueblo maya k’iche’. Esta obra explora la fuerza de la simbología nativa americana desafiando la forma contenida en las letras del abecedario castellano. El espectador tiene que acercarse para descubrir los pictogramas que se supornen a las letras de los carteles taurinos. Aún cuando la orientación de los textos dificulta la lectura y contienen nombres desconocidos para la mayoría de espectadores, su fuerza acapara la mirada y anestesia la curiosidad del espectador. En cambio, los pictogramas pertenecen a pasajes del Popol Vuh que relatan la historia de la creación según los mayas. Aún cuando su contenido es sagrado y, a pesar de que las líneas que forman los pictogramas se significan a sí mismos, estos pasan desapercibidos frente al ojo cómodo y poco curioso de algunos espectadores. Así como sucedió con la masacre de la conquista y como sigue sucendiendo con la historia de la realidad, la obra resalta la facilidad con la que se puede ocultar el verdadero contenido del público.

Popol Vuh, 2014Carteles de corridas de toros originales intervenidos con tinta, acuarela y acrílico50 x 70 cmColección privada, Barcelona, España


9 - Civilización se apropia de una Biblia Católica edición Latinoamericana para cubrirla de un traje de luces diseñado y cocido a mano como se acostumbra. La intensión de la obra es trazar un paralelismo entre la misión que tiene el torero dentro de las arenas y la misión que tuvo la religión católica en América. Así como el objetivo del torero es el de dar muerte al toro durante las corridas, la religión católica fue el arma que utilizaron los conquistadores para exterminar las creencias nativas y atentar contra costumbres que no se adecuaran a los hábitos aprobados por la educación católica, juzgados a través del ojo europeo como bestiales e incivilizados.Las Bulas Alejandrinas es el nombre colectivo que se da al conjunto de documentos pontificios que otorgaron a los reyes católicos el derecho a conquistar América y la obligación de convertir a sus nativos al cristianismo por ser tierras de infieles justificando guerras que acabaron por mutilar sus culturas.

En la actualidad, la religión católica romana es la religión oficial en la mayoría de países latinoamericanos.

Civilización, 2014Biblia edición Latinoamericana, seda salvaje roja, lentejuelas, materiales varios30 x 23 x 7,5 cm


11 - Lenguas Muertas de América enfrenta al espectador a un ataúd que por su tamaño y el capote podría asociarse a la muerte de un pequeño torero siendo velado a cajón abierto. Sin embargo, su interior lo ocupa una cruz católica dorada de la que emergen cuarenta y dos lenguas de barro. Cada una de las lenguas, diferentes entre sí, representa a una de las cuarenta y dos lenguas indo-americanas extinguidas al ir imponiéndose la lengua castellana. El proceso homogeneizador del castellano está materializado en la obra a través del color unificador de las lenguas. La lengua castellana se impuso, sobre todo, a través del adoctrinamiento católico derivado de la misión de salvación de los indígenas que el papa Alejandro VI impuso a las monarquías ibéricas. Por esta razón, las lenguas emergen de una cruz católica y responden al ritual de muerte católico/occidental velando, en este caso, cuarenta y dos culturas mutiladas a través de la desaparición de sus lenguas. Las medidas del ataúd responden a la cantidad de lenguas indo-americanas que se extinguieron a partir de la conquista y a lo largo del tiempo, imponiéndose definitivamente los idiomas europeos.

Lenguas Muertas de América, 2014 Madera, tinta, barniz, tela, esmaltes, lenguas de barro (x42)89 x 46 x 18 cmVista de la instalación


Vista y detalles de la instalación


12 - Lengua de Oro hace referencia a La oreja de oro, un reconocido premio taurino que se entrega cada año en México al mejor matador de la temporada. A través de esta obra se destaca con la lengua de oro a las seis principales lenguas nativas de América que han sobrevivido a la conquista y han resistido a través del tiempo para seguir siendo voz de sus culturas al día de hoy:

RUNA SIMI <Lengua de gente> Quechua. Resistiendo hace más de 2000 años.AVANE’E <Lengua de los hombres> Guaraní. Resistiendo hace más de 5000 años.AYMAR ARU <Lengua antigua> Aimara. Resistiendo hace más de 2000 años.NÁHUATL <Lengua de sonido claro o agradable> Lengua mexicana. Resistiendo hace más de 1500 años.NAB’ EE MAYA’ TZIJ <La antigua lengua maya> Lenguas mayenses. Resistiendo hace más de 5000 años.MAPUDUNGUN <El hablar de la tierra> Araucano. Resistiendo hace más de 2000 años.

Lengua de Oro, 2014Copa de metal, madera, lenguas de barro, esmaltes, aerosol29,5 x 12 x 8,5 cm (x6)


ENTREVISTA ANDRÉS HISPANO - NATALIA CARMINATI

Link a la entrevista online:https://www.youtube.com/watch?v=7V2xM3y715I


Festividad - Masacre, 2014

El realizador audiovisual, comisario, pintor e articulista Andrés Hispano entrevista a la artista Natalia Carminati para conversar sobre su proyecto Festividad-Masacre.

La entrevista gira alrededor de las diferentes obras que forman el proyecto, intercambiando miradas sobre la historia hispanoamericana, la mutilación cultural, la herencia cultural, las relaciones de poder y el neocolonialismo gobernante de la realidad actual.

Exposiciones y Performances Individuales

2016. Carnivore (performance) Supermercats Sorli Discau / Fabra i Coats, Barcelona, SP

2016. Estado Plástico, Estudi Tigomigo, Terrassa, Barcelona, SP

2014. Festividad-Masacre, Exposición pop-up, El Born, Barcelona, SP

Exposiciones y Performances Colectivas

2016. Vídeo Livestream: Cinemàtiques de la Web, Fabra i Coats, Barcelona, SP

2016. Imaginarios Desarmados, Casal del Barri Pou de la Figuera, Barcelona, SP

2016. Cua de Gall (performance) MACBAesviu, Museu d’Art Contemporani de Barcelona, Barcelona, SP

2016. En Procés: Cadena Alimentaria, Fabra i Coats, Barcelona, SP

2015. Sincretismo Navideño, Escalera de Incendios, Barcelona, SP

2015. Stripart, Centre Civic Guinardó, Barcelona, SP

2015. Art Canyelles: exposición de artistas emergentes 3ra edición, Ajuntament de Canyelles, Barcelona, SP

2014. Ego, obra en construcción, Galería Fiebre, Buenos Aires, AR

2009. Group Show, The Art Students League of New York, Manhattan, USA

2009. Grito Latinoamericano, IMPA Centro Cultural / La Fábrica, Buenos Aires, AR

Publicaciones

2015. Manifesto: Conceptualismo Estético, La Navenube Ediciones, FLIA, Barcelona, ES

2014. El verdadero Arte conversa con el arte, La Navenube Ediciones, FLIA, Barcelona,. ES

Residencias

2016-17. Fabra i Coats, Barcelona. Residencia de creación, Proyecto: OOPArts

2015-16. Fabra i Coats, Barcelona. Residencia de creación, Proyecto: Cadena Alimentaria

Educación

2015. Curso trimestral de cortometraje. NOU[pro] DIGI. Barcelona. ES.

2015. Taller de iniciación a la fotografía. Espacio Creativo Fotografes. Barcelona. ES.

2015. Coaching de obra. L’Àgora, aulas de creación pictórica. Barcelona. ES.

2014. Prácticas artísticas contemporáneas. MACBA, Museo de Arte Contemporáneo. Barcelona. ES.

NATALIA CARMINATI (Buenos Aires, 1982) Vive y trabaja en Barcelona

2014. Tutoría de obra. Profesor: Gabriel Sanz. Escola Massana. Barcelona. ES.

2014. Curso “Sobre Nietzche. El filósofo como artista.” MACBA, Museo de Arte Contemporáneo. Barcelona. ES

2014. Nuevas Figuraciones. L’Àgora, aulas de creación pictórica. Barcelona. ES.

2012. Técnicas pictóricas. Da Vinci Escola D’Art. Barcelona. ES.

2009. Expresionismo abstracto. Profesor: Knox Martin. The Art Students League of New York. Nueva York, USA.

2009. Taller de análisis y crítica de obra. Profesor: Knox Martin. The Art Students League of New York. USA

2008. Formas de abstracción. Profesor: Jorge Melo. Estudio privado del artista. Buenos Aires. AR.

Colectivos

Brossa com Eina / Satélite Food Cultura. Proyecto colaborativo de intervención artística en el Mercado de la

Boquería, Marta Archilés, Juan Pablo Caicedo, Natalia Carminati y Juan David Galindo.

La Navenube. Editorial independiente auto-gestionada. Natalia Carminati, Juan Cruz y Yupanqui Estudios.

Prensa

La Torre del Palau, Reseña sobre exposición individual, ‘Estado Plástico’, Laura Castillo (Marzo 29, 2016)

Àrtic BTV.cat, Entrevista: Josep París - Natalia Carminati (Marzo 18, 2016)

Neocolonialismo en Festividad-Masacre, Entrevista:Andrés Hispano - Natalia Carminati (Sept 5, 2014)

Asociació Catalana de Crítics d’Art, La Implantación del “Saber”: un proyecto sobre la (re)colonización

Latinoamerica, Daniel Gasol (September 6, 2014)

natalia carminati · de todos los animales.” george orwell (rebelión en la granja) ... ** los...

Documents